Este documento resume la situación financiera precaria de la revista ARTEZ debido a la pérdida de suscriptores, anunciantes y ayudas. A pesar de tener más usuarios en su versión digital, todavía no genera suficientes ingresos para ser financieramente sostenible. La revista sobrevive gracias a la capitalización de los socios pero necesitará reducir costes, como pasar a ser bimestral. El autor expresa su deseo de continuar ofreciendo su servicio informativo sobre artes escénicas a pesar de las dific
5. noviembre
diciembre
Editorial
Esta revista ha recibido
una ayuda a la edición del
Ministerio de Educación,
Cultura y Deporte
Opinión
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Editorial
Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias
Desde la Caverna – David Ladra
Luz Negra – Josu Montero
Vivir para contarlo – Virginia Imaz
Postales argentinas – Jorge Dubatti
Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán
Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado
Las lejanías – Carlos Be
Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud
El método griego – María Chatziemmanoui
El lado oscuro – Jaume Colomer
Estrenos
10 - 11 Hamlet por Artedrama, Le Petit Théâtre de
Pain y Dejabu panpin laborategia
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Distancia siete minutos de Titzina Teatro
13
Pulgarcito de Teatro Paraíso
14
Micelánea de estrenos
Festivales
41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’)
16 - 17 Festivales de títeres
18
Festival Iberoamericano de Teatro para Niños y
Niñas - Zaragoza
20
Festival Internacional de Teatro de Santurtzi
22 - 23 Festival Don Quijote - Paris
24 - 25 Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos
26 - 27 Festival Internacional Madrid en Danza
28
Euskal Antzerki Topaketak - Azpeitia
30
Galicia Escena Pro
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MITIN - CENIT
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Experimenta 14
33
Fira Mediterrània de Manresa
34
Miscelánea de festivales
indice
es que la pérdida de suscriptores por goteo empieza a ser alarmante. ¿De verdad un profesional no puede gastarse 40 euros al
año en una suscripción a nuestra revista? Alguno de los que se han
dado de baja, me han invitado a comer para comunicármelo y se
han gastado más. Paradojas de la vida. No hay costumbre privada,
no hay metodología pública. Nos desangramos por ahí.
Así que celebraremos el año que se va, que por otra parte nos
ha dejado un reguero de obituarios que no queremos ni recordar,
pensando que el año que entra debemos ir casi número a número.
Si llegamos al número 200, lo celebraremos por todo lo alto. Pero
de momento, que nadie brinde por nuestra desaparición, porque
el día que cerremos, lo haremos con alegría y sabiendo que no le
debemos nada a nadie. Y nadie nos debe nada. Bueno, hablamos
metafóricamente, porque estamos revisando las cuentas y salen
rosarios.
Seguiremos sacando ARTEZ hasta que sea imposible. El periódico digital lo mantendremos y lo evolucionaremos porque acuden
a él más de doce mil usuarios diarios, nos leen en todo el planeta
teatral iberoamericano, nos siguen, a algunos de los colaboradores
los admiran. Seguiremos editando libros. En este sentido hemos
defraudado a muchos con los que habíamos hablado y soñado editarles. No ha podido ser. No podemos endeudarnos más. Editamos
lo que podemos asumir, sin ayudas ministeriales, con intención de
permanencia. Seguiremos convocando premios de ensayo y de investigación teatral. Solos o en compañía de instituciones mexicanas
o de otros lugares. Creemos que tenemos aliento para seguir, pero
todo será diferente,
Lo tiene que ser, probablemente cambiaremos la estructura
societaria, reduciremos los gastos fijos, volveremos algunos al
compromiso personal no remunerado, como hacemos de facto, y
como hacen todos los colaboradores externos de la revista y del
periódico. Ellos y ellas son los que nos mantienen y dan ejemplo con
su voluntarismo y su calidad profesional. Son amantes del teatro,
además de estudiosos, practicantes, investigadores o traductoras.
Lo demuestran y nos ayudan a comprometernos todavía más.
Las compañías, distribuidores, salas y teatros privados que han
decidido insertar publicidad nos dan aliento. Las instituciones de
diferente grado que siguen confiando en nosotros con sus anuncios, les agradecemos su seriedad y mantenimiento de compromisos adquiridos en otras circunstancias. A aquellas que deberían
tenernos en cuenta, pero nos ignoran, que les den a los actuales
responsables. Esperemos que pasen los próximos años para que
entre algo más de imaginación y responsabilidad.
Vamos a intentar seguir, pero nada puede ser igual. Esperemos
que los cambios y medidas que tomemos sean para mejor. Para
peor sería el martirio. Queremos mantener el compromiso, acudir
a la cita con nuestros lectores, diariamente con el periódico digital,
algo que podemos dar casi como seguro, y al menos cada dos
meses con ARTEZ. La Librería Yorick sigue abierta, dando satisfacciones, demostrando que era algo necesario. Es comercio cultural.
Vamos a procurar mantener nuestro complejo de la Zapatilla al servicio de las Artes Escénicas. Buen año a todos.
13
En gira
36 - 42 Programaciones varias
Zona abierta
56
Escaparate
58 - 65 Crónicas de: Festival Internacional de Teatro
Dialog-Wroclaw, Les Translatines, FIT de
Cádiz, Festival de las Artes Escénicas FIDAE
6. 13 noviembre
diciembre
María-José Ragué-Arias
Rondas escénicas
De la perfección más clásica a
la autenticidad multimedia
N
uestra situación económica afecta sin duda y muy principalmente a la cultura y, claro está, al teatro. No hay
espectáculos extranjeros en la programación teatral de Barcelona
2013-2014. Si no me equivoco, y creo que no, el único espectáculo extranjero en Barcelona, podrá verse en el Lliure. Se trata
de “Seuls” del justamente admirado Wajdi Mouawad: un monólogo.
Por ello adquiere todavía más interés el Festival Temporada Alta de
Girona al que siempre dedico mi atención. No es que el festival no
tenga restricciones en su presupuesto, las tiene y son importantes,
pero su director Salvador Sunyer ha optado por un compromiso que
aun siendo restrictivo, no merma la participación de espectáculos
de otros países. Cada uno de ellos, en lugar de varias representaciones, ofrece sólo una. Y además, la nómina de los espectáculos
es casi en todos los casos, reducida. Pero los fieles y entusiastas
del evento, no tenemos opción. Tenemos que ir a Girona.
Podemos ver a Josef Nadj en “Woyzeck, ou l’ábauche du vertige”, una indagación sobre la naturaleza humana. Temporada Alta
ha vuelto a traer al lituano Oskaras Korsunovas que en la edición
pasada nos emocionó y sorprendió con su “Miranda” y que ahora
muestra con sorprendente minimalismo unos “Bajos fondos” de
Gorki que elimina las fronteras entre el escenario y el público. Fabrice Murguia ha traído a esta edición, “Le chagrin des ogres”, que
nos habla del malestar de los jóvenes, capaces de llevar a cabo una
matanza en un instituto para suicidarse después. El gran coreógrafo Sidi Larbi Cherkaoui, presenta “4D”. Vuelve Romina Paula la
gran autora y directora argentina. A finales de noviembre también
vendrá Guy Cassiers con “Orlando” de Virginia Woolf. Admiraremos
a Thomas Ostermeier con “Susn”, un relato decadente de dos actores que halla su contrapunto en la pantalla cinematográfica. Y,
como cada año, estará casi cerrando el festival, Propeller, el grupo
shakespeariano formado sólo por hombres que nos ofrecerá “El
sueño de una noche de verano”, con la imaginación desbordante
de su director Edward Hall, y un reparto numeroso como es habitual en esta compañía.
Quiero hablar aquí de dos de los primeros espectáculos internacionales, grandes en todos los sentidos. El “hit” ha sido el Piccolo
Teatro de Milan, con”Le voci de dentro” (1948) de Eduardo De
Filippo, catorce actores y actrices encabezados por el gran Toni
Servillo, monstruo de la escena, actor y director del espectáculo
y por su hermano Peppe, en un arte que se remonta a la época
más gloriosa del teatro napolitano. Son personajes que como el tío
Zicola, para comunicarse, lanza petardos; son personajes que no
se adaptan a la corrupción, u otros que utilizan los sueños para
decir lo que no serían capaces de decir despiertos. Aparecen sueños repugnantes fruto del hambre. El protagonista soñará con un
crimen producido en casa de sus vecinos y todo será tan “vivido”
que se desatará la detención de la familia... hasta que se descubra
que todo era un sueño... Es un error que manifiesta la miseria de la
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sociedad... Es una inútil batalla. Una emoción teatral extrema que
provocan Toni y Peppe Servillo y el Piccolo. Y escuchar al Piccolo...
es escuchar a Nápoles, es oir los bombardeos junto a la ruina moral de los personajes, todo en una casa llena de muebles viejos...
toda una ironía. Es un teatro que según dijo Servilio en la rueda
de prensa, está próximo a Ionesco y Pinter. No se puede creer en
nada, parece ser la conclusión del texto. Es el pensamiento amargo
de la guerra, es la desesperanza, tal vez una tragicomedia.
En el otro extremo de la perfección teatral, pasamos a un espectáculo que podría denominarse de “multimedia” pero que en
realidad es la perfecta coordinación de dos lenguajes para dejar en
lo más vivo para el espectador, el núcleo de la tragedia. Se trata de
“La señorita Julia” de Strinberg. Es una Julia que desde que es niña
es contemplada por el criado negro. La niña crece, coge flores del
jardín, luego es adolescente y más adelante se baña en la piscina de
su gran casa. El criado negro la observa y se enturbia su sensatez
para emprender una aventura sexual con ella que culminará en un
coito en la habitación del criado. El binomio Julia-criado podría ser
el retrato de una situación social en Brasil, de donde proviene el
espectáculo. Es la relación de dos clases sociales, siendo además,
la inferior, un negro. La dominación de Julia se ve contrarrestada
en la relación sexual por el dominio del criado que le propone huir
hacia una vida “normal” en la que ella será la pareja que se ocupará del negocio que él creará y gestionará. La relación sexual invertirá las clases sociales... Es el sexo como motor de una lucha de
clases que sólo la pareja estable del criado –que sólo aparece en
pantalla– formulará con sensatez. Es la lucha de clases en un país
en que ésta tiene contemporánea relevancia. Pero el gran acierto
y la gran innovación de este espectáculo estriba en la utilización
conjunta y simultánea de las imágenes filmadas en grandes dimensiones, que complementan y subrayan la situación de los dos protagonistas. La cámara amplia las situaciones y los sentimientos para
sobreponerse o complementar la acción de los dos actores. Nunca
serán gratuitas las filmaciones. La cámara es el ojo del criado y en
todo momento sigue la acción de los dos protagonistas y tiene igual
o más protagonismo que la interpretación de los actores. Lo más
destacable –y casi sorprendente– de este excelente espectáculo
es la adecuación perfecta de imágenes e interpretaciones de los
actores. La lucha de clases se desfigura ante la relación sexual dominadora por parte del criado. Nunca molesta la imagen, siempre
apoya la situación real y ambas se adecuan en este espectáculo
brasileño que dirige Christiane Jataby y que interpretan Rodrigo
dos Santos y Julia Bernat, con una inteligentísima persecución videográfica de David Pacheco y Felipe Norkus. Cuando escribimos,
Temporada Alta no ha llegado todavía a su ecuador, pero creo poder afirmar que éste será uno de sus “descubrimientos” y junto al
Piccolo, dos de sus mejores espectáculos. Espero poder volver a
hablar nuevamente de Temporada Alta en 2014.
7. noviembre
diciembre
Desde la caverna
13
David Ladra
El Público
O
ficial, oficialista, oficioso o independiente, el crítico se
halla inmerso, quieras que no, en una masa humana polarizada por lo que ocurre sobre el escenario. En ocasiones, se le ha
representado como una avanzadilla, una vanguardia ilustrada que,
portando la antorcha del conocimiento y la experiencia, guiaría al
común de los mortales hasta los detalles más recónditos del drama,
diseccionándolo como en una autopsia y desentrañando sus claves.
Una especie de Cid Campeador que cerca y abre brecha en el muro
dispuesto por el imaginario del autor. ¡Mitologías vanas! se dice el
escribiente viendo cómo el espacio dedicado a la crítica en la prensa
se queda reducido, cada vez más, a la simple reseña publicitaria. Y
es que en tiempos tan formalmente democráticos como los nuestros,
¿cómo puede sustituir la opinión personal al sentir soberano de la
ciudadanía? De modo que es el público, hoy como ayer, quien juzga
la función al terminar siguiendo una liturgia que tiene mucho que ver
con la taurina: palmas, aplausos, ovaciones y bravos si es que place
la obra y, si no, bochornoso silencio, silbidos, abucheos y pateos que
sustituyen, por una elemental humanidad, al linchamiento del autor.
Aunque a decir verdad, más que un aficionado a la fiesta nacional,
el público es un gigantesco Minotauro que, desde cualquier punto de
la sala, acecha al creador. Una bestia ancestral que parece dormida
pero que está dotada de decenas de ojos y de oídos que perciben el
mínimo detalle con una sensibilidad especial. No es raro pues que,
desde el escenario, los actores estén siempre atentos a la respiración pesada y contenida del monstruo. Si algo la altera, algo pasa
en escena. Si se trata de una comedia, las risas y las carcajadas
son como un mapa en el desierto, basta con seguir la ruta trazada
hasta el final. Pero si es una tragedia o un drama, la cosa se vuelve
más difícil. No porque el público no reaccione, que lo hace, pero más
sutilmente: a veces conteniendo la respiración, otras con una especie
de suspiro de alivio, las menos, pero más relevantes para el elenco,
con una exclamación o un grito de censura o aprobación.
Al público se le dice “el respetable” en cuanto cualquier fiera de
su naturaleza da respeto. Y también porque se lo merece, desde los
tiempos de la tragedia griega, en cuanto representante de la ciudad.
Entonces le convocaba el Poder para adoctrinarle, hoy acude por sí
mismo libremente al teatro buscando cultura y diversión. Ya no lo
forman sólo las clases medias y pudientes sino que, gracias a los
grupos y salas alternativas, ha ido recuperando un cierto carácter
popular. Pero sigue envuelto en un aura institucional que le da empaque y una determinada autoridad.
De tal forma que se puede decir que, actualmente, es ese “respetable” quien tiene el poder de criticar, como se debe. Pero también, la
responsabilidad. Y así como se ha estudiado exhaustivamente lo que
pasa en la escena, lo que pasa en la sala está por estudiar. Al análisis
de obras, autores y montajes habría que añadir una sociología del
público que los sentencia para la eternidad (a menos que, un buen
día, el autor de una tesis los vuelva a poner de actualidad). Porque,
una vez extinguida la crítica, es el público quien tiene la palabra final.
Y es que el valor de su opinión reside en su particular manera de
escoger, no al modo “democrático”, con la emisión de un voto personal pensado y repensado hasta la saciedad, sino de un veredicto
dictado en el momento y por aclamación. Tiene derecho a hacerlo en
cuanto es una suma de distintos saberes, opiniones y formas de vivir,
de toda una cultura, por decirlo así. Y porque su presencia durante
la representación es parte entera de la misma. Como los primeros
cristianos, el creador se expone a las fieras y éstas, reunidas en
cónclave, deciden si comérselo a no. Pero antes de pegar el primer
bocado, habrá que recordarles que es el nivel cultural del público
en cada país el que determina el nivel de su teatro. Y el nuestro es
manifiestamente mejorable.
Y es que el público no es inocente. No basta con sentarse en su
butaca y pasar un buen rato olvidando problemas cotidianos como
el jefe, el IBI o el gobierno para terminar con un aplauso. Si se hace
así, ¿de qué hablará el teatro? No lo hará, desde luego, ni del jodío
jefe, ni del IBI abusivo, ni de un gobierno incapaz y corrupto. Si la
primera obligación de la escena es entretener –lo dijo Brecht– la primera del público debería de ser la de imponer sus temas asistiendo
a las funciones que los tratan y dejando de asistir a las demás. ¿Y de
qué sirve eso?, preguntará el lector. Aparte de que actúe la mano
invisible del mercado, para poner en marcha esa conversación en
voz baja entre espectadores y creadores que trasciende la cuarta
pared. Aunque, a veces, haya que gritar mucho más alto. ¿Cómo es
posible, por ejemplo, que los efectos de “la crisis” sólo aparezcan
de pasada en nuestra escena, o para lamentarse o para hacer reír?
Controlados los libros por su distribución electrónica masiva, rendida
la educación al integrismo partidista, gubernamental y eclesiástico, y
sometidos los medios al dominio del capital, el teatro es de los pocos
foros, por ahora, que transmiten el pensamiento y promueven la libre
discusión. Y el público debería apoyarle.
En lo referente a las formas, nuestra audiencia es más bien conservadora. De lo que se come se cría y hay que reconocer que el teatro español siempre ha oscilado entre el drama, más bien sentimental, y el sainete. La vanguardia, el absurdo y otras gollerías siempre
fueron aquí cosas de fuera, ensayos importados, experimentos. En
este punto, pues, su responsabilidad se atenúa dada la cerrazón, si
no el rechazo, de nuestro corpus teatral a lo nuevo. Ésas son cosas
para especialistas (para “críticos”) y quien desee verlas, se vaya al
extranjero. De modo que cuando el extranjero viene aquí y participa en festivales es recibido con una mezcla de extrañeza y respeto
reverencial. Así, en los últimos meses, se ha aplaudido a rabiar una
versión de El duelo que parodiaba al Teatro de Arte de Moscú o un
Ubu Roi británico cuyo éxito viene de mofarse de los franceses. Claro
que la marca hace mucho y siempre se puede aclamar sin ningún
riesgo al dúo Chéjov-Stanislavsky o a alguien tan prestigioso como
Declan Donnellan. No quiere esto decir que nuestro público sea un
bobalicón. Pasado ya el eco de sus Incendios, y sin preparación previa alguna, supo valorar hace poco el espléndido trabajo creativo
de Wajdi Mouawad en Seuls con un entusiasmo procedente de su
convencimiento de haber visto una obra tan difícil como magistral.
Y salta como movido por un resorte cuando Angélica Liddell pone
fin a su último “show” para estallar en una clamorosa ovación. ¡Y es
puro teatro postdramático! A ver si es que, al final, va a resultar que
nuestro público está más avanzado que nuestro mundillo teatral.
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8.
9.
10. 13 noviembre
diciembre
esTreno De HamleT en eusKera
Una lectura
de Hamlet para la
Euskadi del siglo XXI
Artedrama, Le Petit Théâtre du Pain y
Debaju vuelven a funcionar conjuntamente
para afrontar un ambicioso proyecto artístico
D
e nuevo tres compañías vascas,
Le Petit Téâtre du Pain, Dejabu
panpin laborategia y Artedrama,
aúnan sus fuerzas creativas para
una coproducción al igual que hicieran
con ‘Errautsak’, pero en esta ocasión han
decidido dar un paso de gran importancia
teatral, social y cultural, como es poner
en escena una versión escrita por Xabier
Mendiguren del Hamlet de William Shakespeare, y hacerlo además en euskera, siendo la primera ocasión en que se emprende
tan ambiciosa situación desde un proyecto
profesional.
Se trata, pues, de un auténtico acontecimiento que se estrenará el 1 de noviembre en Luhusso, lugar donde han estado
durante dos meses realizando los ensayos
y montaje, y que posteriormente recorrerá
más de cuarenta localidades de toda Euskal Herria, para finalizar su explotación en
abril, en Aulesti.
Un equipo actoral compuesto por Ander
Lipus, Ainara Gurrutxaga, Manex Fuchs,
Maika Etxekopar, Iñaki Ziarrusta, Miren
Tirapu y Urko Redondo, bajo la dirección
de Ximun Fuchs, actor, director y músico
nacido en 1974, miembro de la compañía
Le Petit Théâtre de Pain, ha recorrido Euskal Herria, Francia y buena parte de Europa
con sus creaciones: «Le Siphon» (actor y director), «Le Cabaret» (músico y actor). Recibió el Premio Donostia tanto con «Juglarea,
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puta eta eroa», en la que era
actor, como con «Errautsak»
(actor y director).
La adaptación y versión la
ha realizado Xabier Mendiguren Elizegi filólogo, escritor y editor,
tiene en su haber una extensa producción de más de 50 títulos que abarcan
casi todos los géneros:relato, novela,
literatura infantil y juvenil, artículos,
autobiografía… y que al referirse
a esta propuesta dice: “En tanto
que autor, veo la escritura de esta
obra como un desafío, y no sólo
por la larga sombra del genio
de Stratford-upon-Avon, sobre
la que no me voy a extender,
sino por la forma en que hemos
abordado el trabajo: en mi carrera como escritor de teatro
o narrativa siempre he trabajado en solitario, y soy el único
responsable de los aciertos y errores que
pueda haber en mi bibliografía; ahora, en
cambio, me toca trabajar en grupo, con un
director y un grupo de actores que acumulan una larga experiencia y un conocimiento
profundo de la dramaturgia; espero tener
algo que aportar, y sin duda tendré mucho
que recoger de esa colaboración.”
Esta puesta en escena que cuenta con
la iluminación de Josep Duhau, la música
de Asier Ituarte, es una versión de noventa
minutos de la obra de
Shakespeare, “hecho aquí
y ahora, con todo lo que
aporta un personaje tan
conocido y tan complejo y
del que se han escrito multitud de libros sobre la manera de afrontarlo, sobre el significado del personaje y que tiene frases
que son utilizadas de manera habitual
por personas de todo el mundo, como
el to be or not to be”.
Quien así se expresa es Ximun Fuchs,
el director de esta propuesta, con el que
charlamos tras la comida con todo el equipo en un descanso de los ensayos en un
día luminoso, pero con una dura noticia
atravesando el ánimo de todos ya que uno
de los colaboradores del montaje está en
estado crítico en un hospital. Un mazazo
sobrevenido, que ayuda a la reflexión sobre
el propio significado de ser artista, de hacer teatro, en estas condiciones buscadas
por los participantes y de los que Fuchs
se refiere como “amigos. En el sentido
más simple, pero a la vez más profundo.
Amigos porque somos cómplices, porque
realizar este tipo de trabajos no puede ser
una cosa solamente profesional. Estamos
27. noviembre
diciembre
y nacionales, directores de teatros y festivales, prestamos especial atención a una
nueva generación de creadores de danza
que pisan con fuerza nuestros escenarios”
destaca la directora de Madrid en Danza,
Ana Cobo. Entre otros se encuentran Iker
Arrúa, Jean Phlippe Dury, Babirusa Danza,
y Mónica García.
La programación se completa con el ciclo Doble de Danza que tiene por objeto
la sensibilización de nuevos públicos. Tres
compañías pondrán en escena otros tantos
espectáculos dirigidos al público infantil y
familiar: Gelabert Azoopardi Companya
de dansa con Cesc Gelabert V.O.+, Nova
Galega de Danza con Dez y Daniel Doña
Compañía de Danza Española con A pie.
En lo que a los espacios se refiere, Madrid
en Danza 2013 tendrá lugar en los Teatros
del Canal, Sala Cuarta Pared, Teatro de La
Abadía, Sala Pradillo y Teatro Paco Rabal y
diversos espacios de localidades de la Comunidad de Madrid.
La décimo cuarta edición de Dantzaldia de Bilbao continúa durante el
mes de noviembre con una programación compuesta por tres espectáculos.
El día 8 la Sala BBK acoge Islandia de Laveronal una obra que tiene por objeto disociar la imagen de su significado con el fin de descifrar los modos de
representación y la libertad de interpretar sus significados. Para ello la compañía barcelonesa toma como base de análisis Islandia, una zona del planeta
acostumbrada al cambio por sus características geológicas y geográficas y que
como una prueba semiótica la utilizan para realizar un análisis sobre la relación
entre significante y significado ya que “disociar la imagen del significado nos
conduce hacia una nueva verdad, nos conduce hacia Islandia”. El día 17 es el
turno para Aída Gómez que presentará en e Palacio Euskalduna su particular
versión de Carmen, de Prosper Merimée. El espectáculo Habitaciones de Belén
Maya será el encargado de clausurar el festival organizado por la sala La Fundición; será en la propia sala los días 23 y 24. Esta pieza parte de
la idea de las habitaciones como los
pequeños países privados, las
islas en las que refugiarse.
La habitación de nuestra
adolescencia, la de matrimonio, la de solteros,
la de invitados, la de
hotel... habitaciones
con las que nuestra
memoria amuebla el
pasado y lo reinventa construyenda la
casa que somos y
fuimos.
Habitaciones @Zeev Stein
Dantzaldia
un trabajo escénico sobre el movimiento y
las sensaciones que se caracteriza por un
cuidado diseño de iluminación. LaMov Compañía de Danza fusiona música, literatura,
pintura y danza en El trovador una pieza
inspirada en la ópera de Verdi y Guillermo
Weickert Compañía de danza reflexiona sobre el vocabulario de la danza y su lenguaje
en el solo MATERIALINFAMABLE. El flamenco, la escuela bolera, y la danza tradicional
española son la fuente de la que beben las
propuestas de la Compañía Sara Calero
El mirar de la Maja, la Compañía Rafaela
Carrasco con Con la música a otra parte
y la Compañía de danza Sonakay y su MuDanzas Boleras.
A esta edición se suma el encuentro bienal de la Ventana de la danza madrileña,
que este año llega a su cuarta edición y
“cuyo fin es contribuir al desarrollo de nuevas oportunidades para nuestros artistas
y compañías. Desde esta acción dirigida a
profesionales y expertos internacionales
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28. 13 noviembre
diciembre
XXXI Euskal Antzerki Topaketak - Azpeitia
Cita para todos los públicos
con el teatro en euskara
E
l 31 de octubre subió el telón la
trigésimo primera edición de Euskal
Antzerki Topaketak (Encuentro de
Teatro Vasco) de Azpeitia, Gipuzkoa
con la puesta en escena de Gabrielen Lekua,
un espectáculo multidisciplinar en torno a
la figura del escritor Gabriel Aresti.
Este encuentro anual organizado
por el ayuntamiento de la localidad
se caracteriza por ser un escaparate
de las últimas producciones de teatro
en euskara así el 1 de noviembre será
el turno de la presentación de Hitzak.
Hitzak besterik ez (Palabras. Tan solo
palabras) de la compañía Hika Teatroa.
Sobre escena tres mujeres, un hombre
y un niño. Tres mujeres que en realidad
son o pueden ser una misma mujer. Porque las palabras envejecen, pasan de la
felicidad a la infelicidad y de la infelicidad
a la locura. Palabra a palabra se va intuyendo la tragedia. Palabra a palabra estas
mujeres, esta mujer va reuniendo la fuerza
necesaria para poder entender y decidir...
Un espectáculo escrito por Agurtzane In-
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txaurraga en colaboración con Arantxa
Iturbe y dirigido por la propia Intxaurraga
en el que se aborda el maltrato a la mujer.
Al igual que los dos espectáculos anteriores el grueso de la programación
Palabras
tendrá lugar en el teatro
Soreasu. Es el caso del estreno el día 2 de
Hamlet, coproducción de Le Petit Theatre
de Pain, Artedrama y Dejabu panpin laborategia (de la que damos cumplida información en las páginas 10 y 11 de este número). Hiru de Txalo es la versión en euskara
de la comedia ‘Tres’ de Juan Carlos Rubio,
una historia llena de humor que subirá al
escenario el día 8 a tres amigas a punto de
cumplir los cincuenta y sin cumplir el sueño
de ser madres que deciden de una forma
un tanto particular, intentar cumplirlo; al día
siguiente tendrá lugar el estreno de Traganarru de Bada Teatroa.
También tendrán cabida los espectáculos
dirigidos al público infantil y familiar como
Mendiko altxorra de Patata Tropikala que
tendrá lugar el día 3 coincidiendo con Antzerki Eskolen Eguna (Día de las escuelas
de teatro) que organiza EHAZE - Euskal
Herriko Antzerkizale Elkartea. El día 10
Markeliñe pondrá en escena Hareazko
ipuiñak, en el que un padre tendrá que
inventarse Cuentos de Arena para quitar
peso a la enfermedad de su hija y que pueda seguir siendo una niña.
Los días 14, 15 y 16 tendrá lugar el denominado como “fin de semana de teatro
amateur” y el domingo 17 concluirá el festival con el espectáculo para público familiar
Eta Zer? II de Dar- Dar Produkzioak.
31. noviembre
diciembre
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VI MITIN y V CENIT en TNT de Sevilla
Doble invitación para percibir
las nuevas formas creativas
L
a sexta edición de MITIN que
tendrá lugar en el Centro Internacional de Investigación
Teatral TNT de Sevilla durante
la primera quincena de noviembre
con organización de Atalaya-TNT,
dedica sus primeros espectáculos
al teatro chileno que recuerda los
40 años de la muerte de Allende,
Neruda y Jara. Las representaciones
arrancan con la puesta en escena de
La Reunión de Teatro en el Blanco
una pieza en torno a la audiencia
que solicita el preso Cristóbal Colón a
Isabel la Católica para buscar la absolución,
pero en la que aborda cuestiones como las
reivindicaciones de los pueblos originarios,
el poder de la Iglesia y la oligarquía y la
lucha de clases. El espectáculo Las cosas
también tienen mamá de La Mona Ilustre
presenta a una mujer que regresa a casa
tras una larga ausencia y debe enfrentarse
a la misteriosa muerte de su padre valiéndose de recuerdos desdibujados, extraños
a veces y siempre dolorosos.
Entre ambas obras llegadas de Chile se
Medea, la extranjera
intercala la pieza Posada vivo de los mexicanos Son 4 que rinde homenaje al genial
grabador aguascalentense José Guadalupe
Posada a través de un vistazo de su vida y
del drama singular de un hombre sencillo
que definió con sus trazos la mirada del
pueblo mexicano del siglo XIX. La obra sirve además para recordar a los numerosos
maestros desaparecidos recientemente.
Maquina Hamlet, la desgracia de ser
consciente de los sevillanos Sennsa Teatro
– Nuevo teatro de Investigación dará continuidad a la muestra con una pieza dividida
en cinco combates que les permiten
componer una experiencia de teatro
total: teatro de la inquietud, teatro
del pensamiento, teatro experiencial.
Con la puesta en escena de La
casa de Bernarda Alba de TNT y El
Vacie, sus creadores ofrecen una
versión gitana de la obra de Lorca
ya que está protagonizada por ocho
mujeres de esa etnia, al tiempo que
homenajean a Marí Luz Navarro, la
fallecida ‘abuela loca’ de ese espectáculo. La representación se enmarca en los actos de conmemoración
del trigésimo aniversario de la compañía
Atalaya, que también ofrecerá una reposición de Medea, la extranjera, el espectáculo más premiado de la compañía y que
pondrá el cierre al festival. La pieza cuenta
con la encarnación de cuatro Medeas por
otras tantas actrices que representan a
Medea Tierra, Medea Fuego, Medea Agua
y Medea Viento, en una puesta en escena
que incorpora textos de Eurípides, Séneca,
Apolonio de Rodas, Ovidio, Heiner Müller o
Pasolini.
El Centro Atalaya-TNT será escenario también de la quinta edición de CENIT-Certamen de Nuevos Investigadores
Teatrales que se desarrollará del 14 al 17 de noviembre bajo el lema de ‘Otro teatro es posible’ y con el objetivo de
promover el teatro como indagación artística. El programa de actividades arranca el día 14 con la representación
de la obra ganadora de la cuarta edición de CENIT, El mar dulce de la compañía Espacio Espiral, en torno a la
figura de Lope de Aguirre. Para la segunda jornada se anuncian las piezas Ovidia de los madrileños La Société de
la Mouffette, que muestra la historia de dos gemelos que nacen una con dos corazones y el otro sin ninguno; y Esperpento de red927 de Badalona que lanza un grito y ofrece una posibilidad ante la situación del mundo actual.
El primero de los tres espectáculos previstos para la jornada del día 16 será presentado por los gaditanos El
pollo campero. Comida para llevar, Sekvantaro, un proceso basado en la selección y atracción de otro individuo
con el fin de establecer una relación íntima, mientras que los valencianos Acerometros presentan con Mis Hammer,
la historia de un maltrecho hígado y los mallorquines Tshok ofrecen con Parasceve el retrato de una familia, los
Skiud, que hacen una foto perfecta de la psicología familiar en tiempos de guerra.
En la última jornada Savia Roja acerca desde Granada la pieza Orilla Olvido, en torno a los sueños y anhelos de
un hombre y una mujer separados por un mar y los franco-chilenos Evelyn B./ Pitou Strash Company clausuran
el programa con Frag # 3, Aproximación a la idea de desconfianza, que busca el verdadero significado del texto,
lo que no se dice, el uso de los espacios abiertos no convencionales y un lenguaje escénico multidisciplinario,
mostrando a un hombre enterrado y vestido con plástico estirable que nace de la tierra.
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32. 13 noviembre
diciembre
Experimenta 14 Teatro en Rosario
Con el teatro grupal actual
C
on el objetivo principal de reunir a
compañías y grupos de teatro que
se caracterizan por desarrollar una
labor artística basada en criterios
de innovación, de búsqueda y de exigencia
estética, el Teatro del Rayo, de Rosario, Argentina, que gestiona el grupo El Rayo Misterioso acoge del 7 al 13 de diciembre una
nueva edición, la décimo cuarta, del Festival Experimenta Teatro. En esta ocasión
el evento reunirá a compañías e invitados
de Argentina, Bélgica, Brasil, Bulgaria, Croacia, Dinamarca, Eslovenia, España, Francia, Perú y República Checa, que participarán en un intenso programa de actividades
que contempla tanto representaciones de
espectáculos como seminarios, charlasdebates, talleres, desmontajes teatrales,
proyecciones, así como encuentros de revistas de teatro, de directores de festivales
de teatro y de críticos teatrales. La edición
de este año contará con la presencia de
Fernando Arrabal que será reconocido con
la ‘Orden del Guerrero Teatral’.
Las representaciones programadas
arrancarán con dos compañías locales dentro del Ciclo de Teatro de Rosario. La compañía La Escalera abrirá el programa con
Protocolo ProTzess K, un trabajo protagonizado por el banquero Josef K., que se vale
de dudosos mensajeros para tener conocimiento de que su proceso judicial “va mal” y
aunque sus deseos de salir a flote le llevan
a acepta favores de personas que parecen
querer ayudarlo y Los Desconocidos de
Siempre, con San Martín Vuelve un pieza
que ofrece al espectador la posibilidad
de preguntarse sobre otros aspectos de la vida de San Martín,
más allá de
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lo meramente biográfico.
El grupo belga Collectif Alluvion ASHL
presentará Si c’est mon Frère. La pieza sesitúa en Francia, en el año 1972, diez años
después del fin de la guerra de Argelia,
cuando Franck vuelve a su casa y descubre
a su hermano Bertrand, veterano de Argelia que había estado desaparecido.
Desde la ciudad brasileña de Recife el
grupo Haja Teatro pondrá en escena Medéa
– O Evangelho, una adaptación del clásico
griego de Eurípides con una Medea cuya felicidad duró poco. La compañía vasca Kabia
pondrá en escena Paisaje con Argonautas.
En esta representación que se desarrollará
en el Centro Cultural Parque España, el espectáculo toma como base el texto de Heiner Müller, un poema enigmático, un puzzle
de palabras aparentemente inconexas, un
jeroglífico de imágenes que navegan por
paisajes de destrucción, de miseria, de esperanzas rotas.
Cuatrotablas ofrecerá La Nave de la Memoria. La obra sigue los sucesos de una
historia narrada y danzada por los zorros
inmemoriales Guamán y Garcilazo, a su vez
Grumete y Veedor de ese improbable navío,
que escriben a dos manos un libro que multiplica las voces de un pueblo perdido en los
laberintos del tiempo.
El Grupo Laboratorio de Teatro ‘El
Rayo Misterioso’
ofrecerá dos de sus montajes, Dionisos Aut.
y Shock Ilión, esta última se retrotrae en el
tiempo 3.300 años, cuando una coalición
de ejércitos helénicos marchó para asolar la
ciudad de Ilión más conocida como Troya.
Además de las representaciones teatrales, se desarrollará un intenso programa
paralelo en el que se incluye la conferencia
que impartirá Fernando Arrabal en torno a
‘Las Noches de Heliogábalo’ y que estará
precedida de la entrega al propio escritor y
dramaturgo del reconocimiento con la ‘Orden del Guerrero Teatral’ por parte de los
organizadores del evento. Con este galardón Arrabal se suma a la lista de premiados
por el Grupo ‘El Rayo Misterioso’ a personalidades como Rubens Correa, Roberto Tito
Cossa, Renzo Casali, Paco Jiménez, Mario
Delgado o Etelvino Vazquez, entre otros.
También se incluye como actividad especial el Taller Laboratorio que el director
de ARTEZ y crítico teatral Carlos Gil Zamora
impartirá con el título de ‘Lectura Física de
un Texto Post-Dramático”. También tendrá
lugar la presentación del libro ‘El Arte del
Actor en el Siglo XX’, escrito por Borja Ruiz
y publicado por Artezblai.
Otros talleres impartidos por las compañías invitadas, charlas, conferencias, debates, encuentros y proyecciones contarán
con la presencia de Nataša Zavolovšek,
directora del International Festival of Contemporary Performing Arts de Ljubljana,
Eslovenia; Albemar Araujo, director del Festival Recife do Teatro Nacional; Javier Valencia Palomino, director del Festival de Teatro
de Máscaras del Tiempo de Arequipa, Perú
o de los críticos de teatro Irène SadowskaGuillon y François Guillon, de París y de Petr
Christov, de Praga entre otros.