Artez203

Carlos Gil Zamora
Número: 203 - año 19 · Marzo / Abril 2015 | Depósito Legal: SS-1154/97
Edita: Artez Blai | Aretxaga 8 bajo, 48003 Bilbao | Tlf. 944795287 | email: artez@artezblai.com
Portada | Foto del espectáculo ‘Hombres bisagra’ de Matarile Teatro ©Rubén Vilanova
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abril
Bota la pelota mientras vota
el pelota y en algunas
esquinas la ilusión rebrota
N
i que decir tiene que acompañamos
y nos acompañan acontecimientos
teatrales que relucen más con la
grasa que aporta la necesidad
de no dejar agujeros por los que se cue-
len votos indecisos. Aunque sea de manera
leve, en dirección opuesta a lo previsto en
ocasiones, la Cultura también entra en almo-
neda en tiempos electorales. Cuando menos
nadie se atreve a manifestarse en contra,
aunque tampoco se atrevan a reponer en
las estanterías de las urgencias históricas
los planes que ayuden a equipararnos en la
materia con sociedades mucho más avan-
zadas culturalmente. La convergencia con
Europa, en general, está menos cerca hoy
que hace treinta años.
Pero lo que hoy tenemos no es despre-
ciable, aunque sí muy inseguro. Por lo que
me declaro conservacionista. Está todo en manos de la voluntad de
los equipos de gobierno, no hay reglamentación ni ley que obligue
a ningún ayuntamiento, diputación, gobierno autonómico o estatal a
hacer nada de lo hace respecto a las Artes Escénicas. Y eso no es
saludable, eso provoca inestabilidad, propicia el escaqueo, lleva a
que en unas épocas se construyan edificios y al día siguiente no se
sepa qué hacer con ellos y en ellos, porque nadie, en ningún lugar
se le ha ocurrido marcar un reglamento mínimo de usos y funciones
de los teatros y salas de titularidad pública dedicados a la cultura
de exhibición en vivo y en directo. Es un mal enquistado, que sería
de agradecer se verbalizara y que alguna formación política de las
concurrentes en los próximos comicios nos indicara si tiene alguna
idea al respecto.
Decía que acompañamos un paso a la primavera con muchas pro-
puestas, llevamos como es habitual últimamente, un suplemento a
modo de catálogo de lo que va a suceder en Donostia en su dFERIA,
una cita que lleva unos años asentando una propuesta clara, unos
años que coinciden, curiosamente, con un
equipo de gobierno en el ayuntamiento del
que depende su organización, en manos de
una opción política que no es la de siempre.
Se apunta este detalle por si sirve de orien-
tación para la responsabilidad que se nos
viene a cada uno de nosotros al introducir
una papeleta u otra en las urnas.
En momentos de máxima vagancia inte-
lectual uno piensa que cuestiones como la
Cultura deberían estar fuera de la pelea po-
lítica. Y si bien, sí sería oportuno sentar las
bases mínimas, el marco obligatorio donde
establecer los anclajes de edificios, presu-
puestos, producción, formación y exhibición
de cercanía, parece más que recomendable
que cada opción política quiera marcar
algunas diferencias en sus acciones de go-
bierno en temas culturales. Hoy, por mucho
que nos queramos engañar, es muy difícil discernir sobre el partido
gobernante viendo las programaciones de los teatros públicos. Hay
una sospechosa uniformidad, por eso cuando uno nota realidades
tan exuberantes, tan bien pergeñadas como lo que sucede en el
Teatro Circo de Murcia, le lleva a pensar que sí, que los políticos
condicionan, y deben tomar decisiones, pero que son los gestores
los que deben marcar el terreno, proponer los planes, los objetivos
y, desde luego, que les dejen cumplirlos. En este caso murciano me
parece que se deben fijar todos. Su programación es buena, exigen-
te, rigurosa y está incardinada con la producción local de manera
explícita y colaborativa. Y tiene publicos. No quiero compararla con
el otro teatro público de la ciudad para no amargar a nadie.
Puestos a señalar, yo voy a colocar mi obsesión actual en dos
asuntos primordiales que pueden confluir: la necesidad de una ley
de uso de los teatros públicos que deben convertirse en lugares de
agitación cultural, de servicio a la ciudadanía en todo lo referente
a las artes escénicas y visuales y comprometerse con la formación,

Editorial
índice41.65(41º38’)|-4.73(-4º43’)
Opinión
4 - 5 Editorial
6 Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias
7 Desde la Caverna – David Ladra
72 Luz Negra – Josu Montero
74 - 75 Postales argentinas – Jorge Dubatti
76 Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud
77 El método griego – María Chatziemmanoui
78 Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán
79 Vivir para contarlo – Virginia Imaz
80 El lado oscuro – Jaume Colomer
81 Las lejanías – Carlos Be
82 Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado
Estrenos
10 - 11 Antígona/ Medea/ Edipo Rey/ Entusiasmo
por Teatro de la Ciudad
12 Bancarrota por Acrónioa Producciones
13 La Gaviota de Antón Chéjov por Teatro
Arriaga
14 ¡Fiesta! por Morfeo Teatro
16 -18 Resto de estrenos
Festivales
20 - 21 Jornadas de Teatro del Siglo de Oro de
Almería
22 - 23 XXVIII FitCarrer de Vila-real
24 - 25 ALT.15 - Fest. alternativo das Artes Escénicas
de Vigo
26 XXV Festival Int. de Narración Oral Cuenta
con Agüimes
27 XIX Teatralia
28 XXXVIII Jornadas Int. de Teatro de Eibar
29 - 30 Miscelánea de Festivales
Suplemento
31 - 62 dFeria 2015
En gira
64 - 70 Programaciones varias
Zona abierta
84 - 85 Escaparate
86 - 90 Crónicas de:
- Temporada Nueva York
- Festival Internacional Santiago a Mil
- MADferia
Esta revista ha recibido
una ayuda a la edición del
Ministerio de Educación,
Cultura y Deporte
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la producción y la exhibición no como una suerte de ofertas opor-
tunistas sino con fórmulas bien ensayadas como son las compa-
ñías estables y ello nos llevaría a intentar pensar en cambiar el
paradigma productivo actual, porque parece un atraso muy grande
seguir con un modelo económico en donde las producciones se
deben amortizar de bolo en bolo, haciendo muchos kilómetros para
cada uno, lo que distorsiona el coste de cada representación en-
careciéndola porque cuestan más el transporte, las dietas, que el
salario de los actuantes. Lo lógico sería, en términos económicos y
de buen aprovechamiento de las inversiones, temporadas estables
en cada teatro, compañías residentes y de repertorio y giras muy
controladas y mejor organizadas. Eso cambiaría todo el modelo
productivo, la distribución de ayudas y subvenciones y de verdad se
podrían establecer programas de creación de públicos de manera
más eficaz.
Sí, es posible. El problema grave está en la ordenación territorial,
en el famoso Estado de las Autonomías, en que estamos hablando
de diecisiete consejerías de cultura, con sus equipos y sus normas
y sus objetivos particulares. Pero quizás se entre en un periodo
constituyente que tenga en cuenta también estos asuntos cultura-
les básicos. Y para que nadie lo olvide, hay tres naciones sin estado
pero con lengua propia, Galicia, Euskal herria y Catalunya, que de-
ben diferenciarse, pero dentro de un marco de funcionamiento de
similares características.
Ya me he metido en la prosodia discursiva, en los deseos, pero
uno ve como están organizados otros países y siente envidia. Y
sorprende que habiendo visto otros funcionamientos nadie los pon-
ga sobre la mesa para que los asuman los políticos, o algún par-
tido. Nada de lo dicho anteriormente se logra en una legislatura,
eso sería fruto de un Gran Pacto de Estado por la Cultura, pero tan
necesario, benéfico e ilusionante como cualquier otro más tasado.
El ser algo a medio y largo plazo es su gran dificultad, ya que no
parece que los políticos tengan más aspiraciones que el hoy. Una
mirada auténticamente generosa hacia las generaciones venideras
sería muy importante para dejar apuntadas las claves del futuro.
La vida teatral sigue, a trompicones, con cambios en lugares
como Almería y sus Jornadas de teatro del Siglo de Oro, que plan-
tean una edición de transición, pero que se apunta con voluntad de
establecer otra proyección y un mayor asentamiento institucional.
Siguen llegando estrenos, es decir siguen apareciendo brotes de
ilusión, pero en paralelo crecen las desigualdades, las situaciones
de empobrecimiento y de desclasamiento profesional y laboral.
Que los políticos y sus asesores, nos expliquen qué quieren ha-
cer con la Cultura y las Artes Escénicas. Lo del IVA es fácil, bajarlo
al mínimo o al cero, sin dilación, pero ¿y qué más? Difusión, regene-
ración social de los valores culturales democráticos, revisión seria,
profunda, sin demagogias ni apriorismos de las instituciones dedi-
cadas al ramo actualmente. Por ejemplo. Y consenso. Sí mucho con-
senso para posicionar la cultura como un valor de uso importante y
necesario por sus repercusiones sociales y hasta económicas.

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w w w . a r t e z b l a i . c o m
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Rondas escénicasMaría-José Ragué-Arias
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El TNC y Xavier Albertí
duardo de Filippo (19001984) escribió en 1964 El arte
de la comedia, obra en la que manifiesta su concepción
del teatro, su verdad y su falsedad, y, muy especialmen-
te, las relaciones del teatro, de sus miembros, con los estamentos
políticos de cada ciudad en la que representan sus espectáculos.
La anécdota que preside la obra es la visita de la compañía teatral
Oreste Campese que ha sufrido un accidente y que se ve obligada
a pedir ayuda a las autoridades del lugar (…)Y resulta darse la
coincidencia de que el mismo día, ha tenido lugar un accidente de
tren… L’art de la comèdia es una lección de De Filippo sobre lo que
es en realidad el arte teatral. La obra es sencilla y no coinciden en
el escenario, casi en ningún momento, más de tres personajes. Pero
es una lección, didáctica y amena. (…) Todo es un engranaje fluido
que provoca comicidad inteligente. El director de la compañía teatral
visitará a la autoridad local para pedir ayuda. Y aquí asistiremos a
una ingeniosa, lúcida e inteligente exposición sobre el arte del teatro
entre el director de la compañía y la autoridad local. Tan convincente
está el director de la compañía que deja atemorizado al prefecto,
creyendo que cualquiera de los actores se puede hacer pasar por
otra persona, le puede engañar. (…) El director, ha esgrimido tales
argumentos que pueden ser capaces de engañar a cualquier políti-
co. Y ahí van las cinco escenas centrales. El director de la compañía
se ha llevado por error la lista de visitas que el prefecto esperaba
y a cada visita que recibe el prefecto se provoca la duda de si es la
persona que debería recibir o es un actor que improvisa al perso-
naje...” Este párrafo encabezaba mi crítica del “Art de la Comèdia”
(El Mundo, 19.2.2015) que podemos ver en la Sala Gran del TNC. Y
el siguiente es el párrafo final del comentario. “¿Realidad o teatro?
Éste es el tema y aquí está el lucimiento de la comedia. L’art de la
comèdia es un espectáculo inteligente y divertidísimo que nos habla
de teatro en un tono jocoso que amaga una importante profundidad
¿Qué es más sincero, qué es mejor, la simulación de los actores o la
verdad de quienes debían visitar a la autoridad local? ¿Y qué más
da? La traducción es de Xavier Albertí, (…) quien parece estar en
sintonía con (…) esta redefinición del teatro como verdad y como
ficción. Además de mostrarnos las duplicidades de los personajes,
De Filippo quiere mostrarnos también las tripas físicas del teatro su
encubrimiento de la realidad. Y ahí tenemos un inicio y un final de
la representación en las que vemos cómo surgen, cómo se abren,
cómo se esconden, cómo se colocan, cómo desaparece toda la inge-
niería teatral de un espacio escénico rico como el del TNC…”
Estoy hablando de un espectáculo importante dirigido y prota-
gonizado por Lluís Homar que me llevó a pensar en Xavier Albertí
director del TNC y responsable de la traducción de este espectáculo.
Y reflexioné en su concepción de lo que debe ser un Teatro Nacional.
Albertí ha seguido una trayectoria coherente en relación a los pro-
pósitos que anunció al asumir la dirección del TNC, tras la también
rica pero muy diferente etapa de Sergi Belbel. Aunque la coherencia
no le ha evitado algún espectáculo fallido y lo que es peor, la falta de
publicidad mediática ha provocado ausencias en actividades parale-
las sobre todo, de un público interesado pero desinformado. Porque
Albertí programa las temporadas con coherencia, queriendo cubrir
una serie de aspectos y/o épocas importantes.
La temporada 13-14 tenía el lema de la “Frontera”, con un mo-
nográfico teatral y teórico sobre el tema, el intento, con éxito, de
recuperar el teatro de Pitarra, un homenaje a la Barcelona de Car-
men Amaya, una promoción de un nuevo autor, Josep Maria Miró y
algunas conferencias en torno a los espectáculos programados y
espectáculos de peso en la Sala Gran como “La rosa tatuada” de Te-
nessee Williams y “Doña Rosita la Soltera” de Lorca o “Ocells i Llops”
de Sagarra en la Sala Petita… Pero lo más asombroso, insisto, en
esta etapa, son las actividades paralelas a todos los espectáculos,
las lecturas, las conferencias, las exposiciones, las visitas…
¿Cuál es el lema de la actual temporada? Aunque agrupa sólo una
parte de las actividades, es importante la muestra sobre “L’Origen
de l’Oblit” La reflexión nos lleva al teatro catalán en el origen del
franquismo, lecturas dramatizadas, exposición, conferencias…
¿Por qué el estreno de “L’Art de la Comèdia” me lleva a considerar
el espectáculo como imagen de coherencia en la idea de teatro de
Xavier Albertí?
Xavier Albertí lleva el teatro en la sangre y nos lo demostró en sus
inicios, cuando yo le veía actuar en Tàrrega– maravillosas, creativas
e imaginativas performances sobre temas musicales, operísticos…
Xavier Albertí es teatro en todas sus facetas. En el TNC, nos ha
mostrado su faceta de actor en los dos espectáculos inaugurales,
el primero sobre las variedades –parte y fuente del teatro que no
hay que olvidar– “Taxi al TNC” y el de esta temporada “Per co-
mençar, sarsuela!” para reivindicar un género popular y arraigado
entre nosotros y que Albertí ha estudiado y conoce a fondo. Porque
la verdadera singularidad es la de ser músico y tener una formación
no sólo teatral sino sobre todo musical, y ser un investigador en la
música popular catalana de las últimas décadas. Su alter ego como
director de orquesta, como Wanda Pitrowska, da muestras de su
versatilidad teatral capaz de unir géneros de la frivolidad con el rigor
de la música bien interpretada. Forma parte de su propósito de rei-
vindicar un teatro musical con raíces propias que mostró en espec-
táculos como Crónica sentimental de España, De Manolo a Escobar,
El dúo de la africana, La corte del Faraón, Pinsans i Caderneres…
Y no me atrevo a remontarme a “Un Otel-lo per a Carmelo Bene”
que presentó en Tàrrega y luego en Sitges, a principios de los años
90… No quiero “bajar el listón”, pero eran excelentes e inteligen-
tes espectáculos de pequeño formato. Hoy, los proyectos o el gran
proyecto de Albertí para el TNC, necesita seguramente subvencio-
nes, pero sobre todo necesita publicidad para aprovechar todas las
ideas que bullen y se materializan Y volviendo a lo que significa la
poética de la concepción teatral para un ente de dimensiones físicas
y globalizadoras como el TNC, diría yo que quizá con mi deformada
visión que busca la profundidad en el espectáculo, cuando el gran
escenario del TNC, al final de “L’Art de la Comèdia” nos muestra sus
“tripas” estamos viendo algo totalizador y globalizador, algo que
nos concierne y nos impresiona y que nos da una imagen de cohe-
rencia con una realidad profunda que podría ser un teatro nacional.
Quizá por estas imágenes, me parece más significativa todavía esa
prodigiosa síntesis teatral de “L’Art de la Comèdia”.
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Desde la caverna David Ladra
Una conjunción teatral
on la fugacidad característica de todos los fenómenos si-
derales, hemos podido presenciar en enero, del 9 al 11,
una conjunción teatral de ésas que rara vez se ven entre
cuerpos celestes de tan gran magnitud. Por un lado, el Don Juan Te-
norio de Zorrilla en el Teatro Pavón, sede provisional de la Compañía
Nacional de Teatro Clásico. Y por otro, el Fausto de Johann Wolfgang
Von Goethe en el Teatro Valle-Inclán del Centro Dramático Nacional. La
comparación, vista así, parece desigual: ¿cómo asimilar a don José,
un poeta de vida disipada nacido en la salvaje España, con un genio
de la Ilustración que alumbró con su luz a media Europa y tuvo tiempo
incluso, tras el Sturm und Drang, de internarse en el mundo real?
Pero no nos precipitemos y retrocedamos dos siglos atrás.
Según el catedrático Rodríguez López-Vázquez, es con la repre-
sentación en Córdoba de la comedia de Andrés de Claramonte Tan
largo me lo fiáis cuando da comienzo, en agosto de 1617, la saga del
Tenorio en Europa. Interpretada primero por la compañía de Jerónimo
Sánchez, la montarán después otros grupos con todas las modifica-
ciones y variantes que ello trae consigo. Pronto se la conocerá como
El convidado de piedra, dado el asombro que produce la figura de la
estatua parlante del Comendador en las funciones dadas en Nápo-
les por las compañías de Pedro Osorio (1625) y Hernández Galindo
(1626). Luego, su primer editor, el sevillano Manuel de Sande, barre
para su casa y le añade El Burlador de Sevilla al título anterior para
terminar conociéndose la obra con ambos nombres, El Burlador de
Sevilla y convidado de piedra, cuando la represente la compañía de
Roque de Figueroa en la corte. El que Tirso de Molina, su atribuido
autor, llevara para 1617 más de un año afincado en la isla de Santo
Domingo por su orden y el que nunca incluyese la comedia en ninguna
de sus cinco recopilaciones, abunda en la atribución a Claramonte.
Procedente de dos fuentes temáticas, la escandalosa conducta de
los libertinos cortesanos y su merecido castigo por la ira de Dios, la
primera parte del Burlador se inspira en la licenciosa vida que por en-
tonces se llevaba en Sevilla, recién conquistada a los árabes (la obra
se desarrolla bajo el reinado de Alfonso XI, en el primer tercio del siglo
XIV), mientras que la segunda, mucho más severa y rigurosa, nace
de coplas y consejas de encuentros con los muertos procedentes del
noroeste español. De modo que se enfrentan crudamente en la obra
dos de los rasgos más propios de la raza: por un lado, su carácter
depravado y lascivo, exento de moral cuando es posible; y por otro,
cuando no hay más remedio, su total sometimiento al dogma de la
Iglesia, que era por entonces en Castilla la Contrarreforma más brutal.
Es ese contraste lujurioso entre disciplina y disfrute el que hará que el
Burlador se propague en Europa con títulos como el Dom Juan ou le
Festin de Pierre de Molière (1665), The Libertine de Thomas Chadwell
(1676), No hay plazo que no se cumpla ni deuda que no se pague de
Antonio de Zamora (1713), Don Giovanni Tenorio ossia Il dissoluto de
Carlo Goldoni (1736), Don Giovanni, libreto de Lorenzo da Ponte para
la ópera de Mozart (1787) o Don Juan und Faust del autor alemán
Christian Dietrich Grabbe (1829) en donde queda claro que Fausto es
el arquetipo del hombre del norte europeo y don Juan del meridional.
Volviendo a nuestro punto de referencia en 1600, el dramaturgo
isabelino Christopher Marlowe escribe en 1592 The Tragical History
of the Life and Death of Doctor Faustus, para lo que se inspira en
un primer Faustbuch de autor anónimo editado por Johan Spies en
Frankfurt en 1587. Asesinado el autor, los Admiral´s Men de Londres
representan la obra desde 1594 hasta 1597. Tras una primera edi-
ción en 1604, aparece una versión ampliada del texto en 1616 que se
imprimirá al menos cinco veces hasta 1663, que coincidirá con varias
ediciones castellanas del Burlador: la de Manuel de Sande (1627-29),
la recopilación hecha por Gerónimo Margarit en Barcelona en 1630 o
la edición de Tan largo me lo fiáis de Simón Faxardo de 1634-35.
Como don Juan, Fausto reta a Dios, pero su rebeldía no sólo se
limita a disfrutar de placeres humanos, como lo hace el Burlador, sino
que desea alcanzar un conocimiento total de todos los arcanos que
asocian nuestro mundo mortal al más allá y gozar de este modo del
consiguiente poder universal. Un ansia que proviene de sus estudios
de astrología, medicina y demás “artes mágicas” que, practicadas por
brujos del Medievo, quieren fundarse ahora, en el Renacimiento, en
la lógica y en lo racional. Al fin y al cabo un intelectual en vez de un
vividor, Fausto está sometido al mismo tipo de barreras que nuestro
Burlador. Ateo como Marlowe, tiene que plegarse a la Reforma que es
en ese momento, en Inglaterra, sinónimo de predestinación. Dado que
firmó un pacto con Satán y ya no es dueño de sus actos, no se podrá
retractar. De igual modo y aun permaneciendo católico, será la Justicia
divina la que, de acuerdo con el dogma, acabe con don Juan. Luego,
los dos sucumbirán. Y así será sin excepción con todos quienes les
sucedan como protagonistas hasta bien entrado el XIX.
El Fausto del pensante cristiano, aparecido en 1725 y Faustbuch
más famoso del XVIII en Alemania, puso a Goethe (1749-1832) sobre
la pista del personaje del doctor, que pronto se convirtió en su obse-
sión. Cuatro hitos, que le llevaron toda la vida, marcaron su creación:
un manuscrito de 1773, el Urfaust; Un fragmento de Fausto, su prime-
ra publicación, de 1790; Fausto, una tragedia de Goethe (el Fausto I)
publicada en 1808 y estrenada con gran éxito en Brunswick en 1829
aún en vida del autor; y el definitivo Fausto II, publicado en 1832, año
de su muerte, y jamás representado en el XIX en toda su extensión.
Ya en el Fausto I intervienen el crimen y el amor, como en Don Juan.
Y el Fausto II se cierra –¡oh, maravilla!– con su ascenso a los cielos
gracias a la intercesión de Margarita ante el trono de Dios. Igual que
va a ocurrir, esta vez de la mano de Inés, con el Don Juan Tenorio de
Zorrilla, popular heredero del Burlador estrenado en Madrid en 1844
no sin que el público y la crítica censuraran su “fácil” salvación. En un
cielo plagado de astros de purpurina y estrellas de cartón, la insurrec-
ción romántica causa la conjunción de ambas galaxias, el Fausto y el
Don Juan, convirtiendo en clemencia el fuego eterno. De aquella defla-
gración sideral nos quedan, hoy que todo ha pasado y no esperamos
más, dos asteroides postmodernos que entrechocan muy de tarde en
tarde, brillan por un momento, y caen al mar.*
C
*Pueden encontrarse las críticas del Fausto y del Don Juan Tenorio en la sección de Opinión de www-artezblai.com

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E
l madrileño Teatro de la Abadía
acogerá los estrenos de los tres
espectáculos y la experiencia tea-
tral que conforman esta primera
temporada de Teatro de la Ciudad: Me-
dea, bajo la dirección de Andrés Lima; Edi-
po Rey, con la dirección de Alfredo Sanzol;
Antígona, con dirección de Miguel del Arco;
y Entusiasmo, que cuenta con la dirección
conjunta de los tres anteriores. Estas cua-
tro producciones, precedidas por una serie
de talleres, se presentarán en alternancia
en las dos salas de La Abadía durante los
meses de abril, mayo y junio.
Teatro de la Ciudad (TdlC) es un pro-
yecto promovido por Miguel del Arco, An-
drés Lima y Alfredo Sanzol, junto con sus
tres productores habituales, Aitor Tejada,
Joseba Gil y Gonzalo Salazar-Simpson. Está
concebido como una apuesta por la inves-
tigación, reflexión, producción y exhibición
del teatro contemporáneo. El proyecto,
además de mostrar sus propias produc-
ciones, abre sus puertas a otros creadores
contemporáneos y a los nuevos valores de
la escena teatral. El TdlC se plantea volver a
las raíces del teatro occidental, la tragedia
greco-latina, y desarrollar en paralelo un
montaje de creación colectiva cuyo conte-
nido irá variando. El planteamiento artístico
centra su búsqueda en la mirada contem-
poránea del lenguaje de la tragedia griega,
la investigación sobre los mecanismos del
coro o las razones para el dolor y la furia
de los mitos. El TdlC parte de una premisa:
el deseo de vincular la formación y la explo-
ración compartida a la creación y presenta-
ción de espectáculos.
La puesta en marcha del proyecto co-
menzó el año pasado con ocho talleres
centrados en la investigación de la esencia
y las maneras de la tragedia, la dramatur-
gia y la puesta en escena. Así, los directo-
res han ido trabajando sobre algunos de
los elementos fundamentales de la tradi-
ción teatral greco-latina con actores pro-
fesionales, investigadores, dramaturgos,
escenógrafos, oyentes… Además, todo
ese proceso de investigación y encuentro
ha ido culminando en la producción y en la
exhibición de diferentes montajes escénicos
contemporáneos.
El 21 de abril tendrá lugar el primero de
los estrenos: Antígona. Esta versión libre
de la obra de Sófocles, adaptada y dirigida
por Miguel del Arco, se podrá ver en la
Sala San Juan de la Cruz del Teatro de la
Abadía hasta el 21 de junio. Con coreogra-
fía de Antonio Ruiz, el reparto lo confor-
man los siguientes actores: Carmen Machi,
Manuela Paso, Ángela Cremonte, Cristóbal
Suárez, Raúl Prieto, José Luis Martínez,
Silvia Álvarez y Santi Marín. En palabras
de Miguel del Arco, “ni Antígona ni Creonte
pueden ceder sin falsear su ser esencial.
Ambos tienen razón... Ambos creen tener-
la. Los dos obcecados en sus respectivos
discursos. Sordos en los extremos... Los
demás, sobrecogidos, al comprobar ‘cuán
horriblemente fácil es que el ser humano
quede reducido a menos de lo que es o
transportado a más de lo que es, pues
ambos movimientos son igualmente fata-
les para su identidad y su progreso’”.
Medea será el segundo de los montajes
estrenados en la Sala San Juan de la Cruz,
y estará en cartel del 23 de abril al 21
de junio. La obra cuenta con la dirección
y adaptación de Andrés Lima, a partir de
textos de la obra clásica de Séneca. El re-
parto cuenta con el propio Andrés Lima,
además de Aitana Sánchez-Gijón, que in-
terpretará a Medea, y las actrices Laura
Galán y Joana Gomila. Para su director,
Medea es atrevimiento, “Medea mete la
mano entera en nuestras heridas y nos
enfrenta a nuestros terrores, o mejor di-
cho a nuestros dolores, o mejor dicho: si
Teatro de la Ciudad Estrena ‘Antígona’, ‘Medea’ y ‘Edipo Rey’
Un proyecto que apuesta por
la investigación teatral
Tres espectáculos, una experiencia teatral y ocho talleres compo-
nen la primera temporada deTeatro de la Ciudad
©elNorte Comunicación

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el dolor es signo de vida, a nuestra vida.
Por eso me da miedo Medea y sin embar-
go no puedo dejar de mirar. Medea, tan
contraria a la idea de virtud de Séneca y
sin embargo tan atractiva para el autor”.
El 24 de abril será el turno del estreno de
Edipo Rey, que llegará al mismo escenario
para ser representada también hasta el 21
de junio. El texto de Sófocles, con versión y
dirección de Alfredo Sanzol, será defendi-
do por Paco Déniz, Elena González, Natalia
Hernández, Juan Antonio Lumbreras y Eva
Trancón. Según Sanzol, “Edipo descubri-
rá que su grandeza tenía pies de miseria.
Que su historia es la del hombre que lo era
todo, y en realidad era menos que nada.
La historia del hombre que por salvar a la
ciudad, se hundió a sí mismo. La historia del
hombre que al descubrir la verdad decidió
no volver a ver la luz”.
Entusiasmo será el cuarto y último de
los estrenos de Teatro de la Ciudad, una
experiencia teatral que unirá a los tres di-
rectores mencionados anteriormente. El
montaje se escenificará en la Sala José Luis
Alonso del Teatro de la Abadía, del 30 de
abril al 21 de junio. Entusiasmo propondrá
un punto de encuentro donde reinará el
factor sorpresa. Así, el espectador no sabrá
de antemano cuándo o dónde se producirá
el hecho teatral. El reparto de la obra está
aún por confirmar.
Talleres
La puesta en marcha de Teatro de la Ciu-
dad comenzó el pasado mes de junio con la
realización de un taller dedicado a Medea/
Edipo/Antígona, concebido y realizado de
forma conjunta por los tres directores bajo
el lema ‘Mito y Razón’ dentro del convenio
de colaboración con el Teatro de la Abadía.
El planteamiento del taller centró su bús-
queda en la mirada contemporánea del len-
guaje de la tragedia griega, la investigación
sobre los mecanismos del coro o las razo-
nes para el dolor y la furia de los mitos. Los
creadores invitaron a participar a una serie
de artistas e intelectuales que aportaron su
conocimiento en diferentes disciplinas rela-
cionadas con el teatro griego, como el actor
y director Mario Gas, la actriz Nuria Espert,
el filólogo Andrés Pociña, el crítico Carlos
García Güal o el autor y traductor Alberto
Conejero.
Tras las charlas con los invitados se
abordó el trabajo práctico y de investiga-
ción escénica, donde los directores invita-
ron a participar a nueve actores y nueve
actrices con el objetivo de plantear una
primera investigación sobre el trabajo del
coro griego. Algunos de los intérpretes
participantes en esta fase inicial fueron
Carmen Machi, Bárbara Lennie, Nuria Gar-
cía, Israel Elejalde, Cristóbal Suárez, Aitana
Sánchez Gijón, Irene Escolar y Rulo Pardo.
Cada director eligió un pequeño fragmen-
to de cada una de las tres funciones: coro
y personaje. Miguel del Arco se centró en
Antígona y Creonte, mientras que Andrés
Lima abordó el mito de Medea, fijando su
atención Alfredo Sanzol en Edipo Rey.
En octubre se realizó un taller de Dra-
maturgia sobre la visión contemporánea de
los mitos, con la participación de el filólogo
Bernardo Souvirón, la profesora de la Re-
sad Ana Isabel Fernández y varios autores
contemporáneos como Juan Mayorga, José
Padilla, Juan Cavestany o José Sanchís Si-
nisterra. En su primera intervención, Ma-
yorga expresó que ver a los tres directores
juntos, trabajando simultáneamente en un
proyecto conjunto, le producía un gran
entusiasmo, sentimiento directamente pro-
porcional a la insatisfacción que confesaba
haber padecido con muchas traducciones
de esas obras clásicas.
Por otra parte, dos han sido los talleres
dedicados a Medea, uno de ellos en torno
a la investigación sobre la voz del persona-
je desde la perspectiva musical, que contó
con la participación de las actrices Aitana
Sánchez Gijón y Laura Galán Montijano, la
cantante Joana Gomila, el músico Jaume
Manresa, o el responsable de Coro de Jóve-
nes de Madrid, Juan Pablo De Juan Martín,
entre otros.
Uno de los talleres dirigido a Edipo contó
con la presencia de Greg Hicks, actor de
la Royal Shakespeare Company, que quiso
compartir con los asistentes su experiencia
en el trabajo actoral de los clásicos grie-
gos. En el primer taller dedicado a Antígona
participaron los colaboradores Arnau Vilà,
en el apartado sonoro y musical, y el coreó-
grafo y bailarín Antonio Ruz.
©elNorte Comunicación

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abril15 marzo
abril
L
a obra Bancarrota de Acrónica
Producciones se estrena el 27 de
marzo, Día Mundial del Teatro, en
el Teatro Gayarre de Pamplona. El
montaje ha sido galardonado con el Primer
Premio Gayarre al proyecto escénico, orga-
nizado por el Teatro Gayarre y el Gobierno
de Navarra. El objetivo de este premio es
impulsar el proceso de creación, produc-
ción, promoción y distribución de un pro-
yecto escénico profesional de Navarra, así
como favorecer su proyección en el merca-
do de las artes escénicas. Bancarrota, con
texto original de Carlo Goldoni, es un texto
inédito en España, que será representado
por primera vez en castellano.
Con dramaturgia de Álvaro Lizarrondo, la
obra está dirigida por Fabio Mangolini, quien
desde diciembre de 2011 hasta 2013 fue
Presidente y Director Artístico de la Escuela
de la Ópera Italiana. Bancarrota, texto escri-
to hace más de 200 años, sorprende por su
actualidad. “Un empresario acusado de que-
brar de forma fraudulenta que, abusando de
laconfianzadelpúblico,sedeshonraasímis-
mo, arruina a su familia, roba, traiciona a los
amigos y hace tuerto al comercio en gene-
ral”, expresó Goldoni sobre el texto. Así, este
hombre de negocios pondrá en juego toda la
economía de la que dispone para lograr su
objetivo. Derroche, lujo y gastos sin control
(mariscadas, viajes a las Rocosas a esquiar
y tarjetas opacas sin límite de gasto). “¿Va a
resultar que el genio de los negocios es tan
ingenuo como para dejarse embaucar? Va a
resultar que al final todos estamos regidos
por las mismas estrellas”, comentan desde
Acrónica. Para ellos, el panorama real al que
Goldoni se refería explícitamente parece ser
bastante próximo al de nuestra actualidad y,
además, hoy en día este mismo escenario se
hace universal o, si se prefiere, global.
Ion Iraizoz, Naiara Carmona, Txema
Martín, Txus Pellicer y Hugo Nieto son los
encargados de representar este choque
entre el dinero y la humanidad, mezclando
Comedia del Arte y nuevas tecnologías au-
diovisuales. La música original está creada
por David Guindano.
Por otra parte, Bancarrota propone la
creación de una Escuela del Espectador, con
el objetivo de conocer mejor al púbico, ge-
nerar interés y curiosidad, abrir el proceso
de creación del espectáculo y buscar nuevos
públicos. Para sus creadores, “la Escuela del
Espectador es una oportunidad para tran-
sitar en los puentes vivos que constituyen
creadores y espectadores y con ello sumar-
se al proceso creativo: no consumir teatro,
consumar conjuntamente la creación a tra-
vés de la apropiación de sentidos”. Todo
ello se realizará a través de varias acciones
como presentaciones, una guía didáctica, un
blog, redes sociales, encuentros, ensayos
abiertos o un taller sobre la Comedia del
Arte y Goldoni.
Acrónica Producciones estrena ‘Bancarrota’
La pugna entre el dinero
y la humanidad

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G
ustavo Tambascio vuelve a ponerse
al frente de la nueva producción del
Teatro Arriaga, La Gaviota de Antón
Chéjov y como ya lo hiciera la tempo-
rada pasada con ‘Los enamorados’ de Carlo
Goldoni este nuevo espectáculo cuenta con
un plantel de actores y actrices vascos.
Con escenografía e iluminación de Daniel
Bianco y vestuario de Jesús Ruiz, el repar-
to de esta producción lo componen Maribel
Salas, Mikel Losada, Lander Otaola, Antonio
Rupérez, Ylenia Baglietto, Jon Ariño, Helena
Dueñas, Itziar Atienza, Gabriel Ocina, Felipe
Loza, Josu Bilbao y Zorion Egileor.
Todos ellos dan vida a los personajes de
este clásico universal, un drama en cuatro
actos estrenado en San Petersburgo en
1896 –con un rotundo fracaso que lle-
vó a Chéjov a huir de la ciudad y afirmar
que abandonaba la escritura teatral–, y en
1898 en Moscú, bajo la dirección de Kons-
tantín Stanislavski con un gran éxito y tras
la que nacería una estrecha relación entre
ambos que influiría en su desarrollo creati-
vo y profesional que tanto bien ha hecho al
desarrollo del teatro mundial.
La gaviota es una de las cuatro obras con-
sideradas por muchos las más importantes
de Chéjov junto a ‘Tío Vania’, ‘Tres hermanas’
y ‘El jardín de los cerezos’ y de la literatura
dramática universal.
Tambascio, director escénico de ópera y
teatro además de dramaturgo, escritor, tra-
ductor y pedagogo argentino exiliado de su
país en 1976 ha dirigido obras de Shakes-
peare, Bernhard, Dumas, Lorca o Goldoni
entre otros y óperas de Haendel, Rosini, Mo-
zart o Verdi en diversas ciudades de Europa
y América.
Teatro Arriaga estrena La Gaviota
Chéjov vuela en el Arriaga
Gustavo Tambascio ©Javier Naval

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abril
U
n viaje al teatro, la poesía, la música y
la danza del Siglo de Oro. Así se pre-
senta el espectáculo ¡Fiesta!, que se
realiza como encargo del 40º aniver-
sario del Festival de Teatro del Siglo de Oro de
El Paso (Texas). El montaje de Morfeo Teatro
se estrenará en el Teatro Principal de Burgos
el 6 de marzo, y viajará después a El Paso
para representarse el 17 de marzo como fies-
ta de apertura del festival.
El espectáculo se presenta como una re-
creación moderna de una fiesta barroca de
época, y pretende ser un homenaje al Siglo
de Oro, un recorrido por los más conocidos
momentos del teatro, la poesía, la música
y la danza de época. Dentro de un espacio
visual contemporáneo y bajo un vestuario
clásico, un singular juego de personajes
enmascarados deambularán en un univer-
so visual de transparencias y sombras. Di-
rigido por Francisco Negro, el montaje gira
en torno a la figura del desamor, pasando
por tres de las más famosas comedias del
Siglo de Oro: ‘La vida es sueño’, de Calde-
rón de la Barca, ‘El burlador de Sevilla’, de
Tirso de Molina, y ‘El caballero de Olmedo’,
de Lope de Vega. Completando la temática
del amor en todas sus visiones ofrece un
poemario selecto de Cervantes, sor Juana
Inés y Quevedo, además de presentar un
repertorio de piezas burlescas del Siglo de
Oro, como una Jácara, una Loa erótica y un
Baile de palos.
Para la creación de ¡Fiesta!, la compa-
ñía cuenta con la participación de Mariano
Mangas, catedrático de guitarra clásica
por el Real Conservatorio Superior de Mú-
sica de Madrid y de guitarra española por
el Conservatorio de Rotterdam, que pone
música a todo el evento, ofreciendo un
repertorio clásico de música del barroco,
como ‘Canarios’ y ‘La españoleta’ de Gas-
par Sanz y el ‘Fandango’ de Santiago de
Murcia. Mariano Mangas está acompañado
por Jorge Jiménez, cantante y percusionista
con instrumentos de época que interpreta
‘Ojos claros, serenos’ de Gutierre de Cetina
y Antonio de Cabezón, así como la canción
‘Que de noche le mataron’ del romance
del Caballero de Olmedo. Junto a ellos, la
bailarina de danza española Sandra Pinilla
muestra ejemplos de la época, como la se-
guidilla, el fandango y el bolero. En cuanto
a la interpretación, corre a cargo del pro-
pio Francisco Negro, Mayte Bona y Felipe
Santiago.
Morfeo Teatro estrena ‘¡Fiesta!’
Una ‘fiesta’ para homenajear
al Siglo de Oro
Reestreno de El Buscón de Quevedo
Morfeo Teatro es una compañía especializada en teatro clásico, con residencia en Burgos. Hasta la fecha ha realizado 11 puestas en escena. Este año y
tras 10 años de su estreno en el Festival de Almagro 2005, vuelven a poner en escena la obra El Buscón de Quevedo. El montaje tuvo más de 200 repre-
sentaciones y fue representado en una docena de festivales de clásico del estado y el extranjero. El espectáculo ha sido representado el 14 de febrero
en el Teatro Zorrilla de Valladolid, y podrá verse también en Estados Unidos, tanto en el Festival de Siglo de Oro
de El Paso como en el Festival de Teatro de San Antonio. El montaje presenta una puesta en escena en la que
se ilustra la célebre novela de la picaresca, donde las peripecias de este truhán universal, príncipe de embustes
y engaños, el buscón Pablos, recorre campos y ciudades de Castilla ofreciendo la más singular semblanza de la
vida del siglo XVII en España. En la obra, el espectador podrá disfrutar de una panoplia de los más significativos
autores del Siglo de Oro, como Cervantes, Lope de Vega y Calderón de la Barca, mostrando fragmentos de sus
obras más emblemáticas. Francisco Negro y Mayte Bona conforman el elenco de este montaje basado en la
novela “El Buscón” de Francisco de Quevedo.

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M I S C E L A N E A
Coproducción del CDN y
Adentro Teatro, Adentro
es la historia de una familia
argentina de raíces espa-
ñolas, formada por La Ne-
gra, El Negro y la madre de
ambos, Marga. Tristán Ulloa
dirige este texto de Carolina
Román, quien también par-
ticipa como intérprete junto
con Nelson Dante, Araceli Dvoskin y Noelia Noto. En
Adentro se maneja un continuo juego de contrastes:
violencia y ternura, situaciones dramáticas pero con
tintes de humor, tercer mundo versus primer mundo,
América Latina versus Europa... Desde Adentro Tea-
tro expresan que “el hermetismo y la endogamia en la
que viven estos personajes los convierte en amorales.
Los códigos que manejan son cuestionables pero no
por ello dejarán de ser reconocibles para el especta-
dor. Se trata de personajes tridimensionales, llenos de
matices y claroscuros. En cualquier caso nunca se les
juzga desde la autoría ni se les juzgará desde la puesta
en escena”. La obra se estrena el 15 de abril y estará
en cartel hasta el 17 de mayo en la Sala de la Princesa
(Teatro María Guerrero).
La obra se presenta den-
tro del programa “Escritos
en la escena” del Centro
Dramático Nacional. El
proyecto plantea un modelo
de escritura dramática a pie
de escenario: el autor desa-
rrolla su texto en el ámbito
escénico, trabajando con un
director y un grupo de intér-
pretes durante un tiempo determinado. En esta ocasión,
Antonio Rojano es el creador del texto que dirige Paco
Montes. En La ciudad oscura, el suicidio de un jockey
reabre las viejas heridas de una nación. Un escritor en
horas bajas, una inspectora de policía y una joven en
busca de su origen cuentan esta historia sobre el pasa-
do y el futuro de España. “Tras la Transición, cada vez
estamos más seguros de que habitamos una casa en-
cantada llena de presencias. El texto sólo pretende ser
un receptor electrónico al que llegan estas psicofonías.
Voces de los espectros políticos que habitan nuestro país
y, sobre todo, de las cadenas emocionales que arrastran
sus personajes”, cuenta Rojano. El espectáculo se podrá
ver del 18 al 29 de marzo en la Sala de la Princesa del
Teatro María Guerrero de Madrid.
La ciudad oscura Adentro
Trilogía de la ceguera
Maurice Maeterlinck, Premio
Nobel de Literatura en 1911,
es el autor de los textos que
componen la trilogía y que
se presentan como un es-
pectáculo producido por el
Centro Dramático Nacio-
nal. Las obras, traducidas
por Ana Rodríguez Partea-
rroyo, son: La intrusa, di-
rigida por Vanessa Martínez, Interior con dirección de
Antonio C. Guijosa y Los ciegos, con Raúl Fuertes como
director. “En las tres obras hay un elemento dramatúrgi-
co fundamental que las dota de un poder hipnótico para
el espectador, llevándole a estar involucrado de principio
a fin con lo que sucede, y que está íntimamente conec-
tado con emociones profundas. Es el suspense. Y si a
ese recurso dramatúrgico, le sumamos que el contenido
y las temáticas de estas tres piezas atraviesan los mie-
dos y terrores básicos del hombre contemporáneo, lo
que Maeterlinck consigue son tres bombas de relojería”,
afirman los directores. En su opinión, los textos no sólo
poseen esa capacidad de sumergir al público en el es-
pectáculo, sino que plantean preguntas radicales sobre
la condición humana y su sentido. El montaje estará del
22 de abril al 24 de mayo en la Sala Francisco Nieva del
Teatro Valle-Inclán de Madrid.
Uno de los mayores éxitos
del dramaturgo noruego
Henrik Ibsen, Hedda Ga-
bler es un retrato realista y
psicológico de la alta socie-
dad de finales del siglo XIX.
Yolanda Pallín firma esta
versión que dirige Eduardo
Vasco. Ernesto Arias, Caye-
tana Guillén Cuervo, José
Luis Alcobendas, Jacobo Dicenta y Verónika Moral con-
forman el reparto. “Desmonta el arma. La belleza no es
siempre una garantía. Tu feminidad puede ser un arma
de doble filo. Quizá ya no es suficiente. Aunque todos
siguen aquí para que puedas jugar con su destino; ellos
siempre en tu cuerda floja mientras te sientas capaz
de controlar el futuro. Limpia cada pieza. Mal asunto
cuando lo que tienes no es lo que deseabas, cuando lo
que eres no es lo que soñabas. Mal asunto si no soña-
bas. Monta el arma de nuevo. Da lo mismo. Mantente
fría. Vuelve a tus esquemas. Serena. No enseñes esa
parte tuya tan oscura hasta que acabe todo. Sé libre al
final. Tienes un arma”, expresa el director. El madrile-
ño Teatro María Guerrero acogerá del 24 de abril al 14
de junio las representaciones del montaje coproducido
por el Centro Dramático Nacional, Mucha Calma y
Noviembre Teatro.
Hedda Gabler

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Escrito y dirigido por Albert
Arribas, Selecció cuenta la
historia sobre el viaje del
equipo de la selección de
taiteitalija, un deporte mi-
noritario parecido al hockey.
La selección empezará el
viaje con una cierta euforia
justificada que irá modulan-
do a medida que se acerque
el día de la final. Un periplo un poco más largo de lo
que hubiera sido estrictamente necesario, que el equi-
po aprovechará para fortalecerse, beneficiándose de
unas pequeñas vacaciones conjuntas. Un viaje cargado
de emociones colectivas, pero visto siempre desde la
retaguardia por parte de cuatro jóvenes que pronto de-
jarán de serlo y que aún no se han dado cuenta de que
su futuro cada vez tiene más que ver con un presente
cada día más real. Interpretada por Albert Prat, Jordi
Collet, Joan Solé y Alberto Díaz, esta coproducción de
Centaure Produccions y La Ruta 40 podrá verse en
la Sala Fregoli de La Seca de Barcelona del 18 de marzo
al 5 de abril.
Coproducido por La Cante-
ra Teatro y ETC (Espacio
Teatro Contemporáneo)
- Cuarta Pared, la obra
Líbrate de las cosas her-
mosas que te deseo cierra
la tetralogía ‘Del yo al noso-
tros’. Una joven española de
treinta años emprende un
viaje hacia su propia África.
La relación con su pareja senegalesa la lleva, sorpresi-
vamente, a su Burgos natal. Allí redescubre a su padre
y su fauna pero sobre todo entenderá muchos de sus
miedos y elecciones de vida. Un arriesgado texto de
María Velasco que, partiendo de una experiencia per-
sonal, se hace poesía y reflexión. “¿Y si África empe-
zara en los Pirineos?”, expresa su autora. Dirigida por
el argentino Jorge Sánchez, el montaje incorpora pro-
yecciones y música en directo, entrelazando sonidos
de un lado y otro del Estrecho. Interpretado por Marta
Cuenca, Babou Cham y Roberto Iglesias, el espectáculo
estará en cartel del 26 de febrero a 14 de marzo en la
Sala Cuarta Pared de Madrid.
SeleccióLíbrate de las cosas...

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Casa de Belén. Tres herma-
nos. Son las 20h del 24 de
Diciembre. A las 21:30 lle-
gan los padres para cenar.
¿Cuántas cosas pueden ocu-
rrir en ese lapso de tiempo?
¿Cuántas verdades caben
en una sola cena?.
Así se presenta el montaje
En familia, dirigido por la
italiana Elena Olivieri, que cuenta con las labores de
Carlos Puga como ayudante de dirección. La pieza es
una creación colectiva, un striptease del alma, un via-
je al interior de ese microcosmo que es la familia, de
todo lo no dicho, de esas dinámicas únicas que unen
y separan a la vez, de lo que inútilmente ocultamos,
de la delgada línea entre amor y odio, entre comedia
y drama. Tres hermanos, tres mundos completamente
distintos que en su incomprensión se complementan.
Las sevillanas Belén Ponce de León y Olga Rodríguez
Vargas y el malagueño Ignacio Mateos son los intérpre-
tes que se encargan de dar vida a los tres hermanos
de En familia. El espectáculo estará en cartel en el
espacio madrileño Nave 73 durante los miércoles del 4
al 25 de marzo.
Con dramaturgia, direc-
ción e iluminación de Pe-
dro Fresneda, Las calles
corrían por las calles es
un espectáculo que preten-
de reconocer el genio en la
multitud y mirar de frente
al brillo de los lúcidos. Este
montaje de la Compañía
Teatro Ensalle cuenta con
la participación de los actores María Costa, Raquel Her-
nández y Artús Rey para encarnar a los personajes.
Desde la compañía gallega describen la pieza como
“una provocación, una incitación, una llamada. Una
maldita apología del margen. Un penúltimo intento.
Salir para gritar, otra incoherencia. Darse la vuelta y
dejar la mano atrás. ¿Para qué?, para nada, ‘por si aca-
so’, como dice Carlos Sarrió. Esto es un poco de miedo
a quedarse solo. A que no te necesiten. A que no valga
de nada lo que haces. A la parálisis mental. Esto es un
lugar de resistencia. Una estúpida llamada de atención.
Una isla. Otro fracaso asegurado”. Las calles corrían
por las calles se estrenará el día 5 de marzo de 2015
en el Teatro Ensalle de Vigo. El espectáculo estará en
cartel hasta el día 8 del mismo mes.
Las calles corrían por...
Camargate
En familia
Cesc Gay debuta como autor
y director teatral con la obra
Els veïns de dalt (Los ve-
cinos de arriba). El montaje
es una comedia que reflexio-
na sobre la vida en pareja
y la sexualidad a través de
dos parejas que viven en un
mismo edificio. Un texto que
trata temas como la convi-
vencia, la valentía, el sexo, el amor y la apariencia. La
historia comienza cuando una noche Anna y Juli invitan a
cenar a sus vecinos para enseñarles el piso y agradecerles
la ayuda que les dieron cuando se instalaron a vivir en el
edificio. A medida que pasa la noche, Anna y Juli van des-
cubriendo las tendencias sexuales de sus vecinos, hecho
que los lleva a replantearse su propia relación de pareja,
que está llena de reproches e inmersa en una monotonía.
La confrontación con los vecinos y entre ellos, los lleva
al límite y les hace tomar decisiones definitivas sobre su
relación. La obra es una dedicatoria a los vecinos de arri-
ba del propio Casc Gay. Pere Arquillué, Àgata Roca, Nora
Navas y Jordi Rico son los intérpretes de este espectáculo
que estará en cartel del 19 de marzo al 17 de mayo en el
Teatro Romea de Barcelona, y que después tiene prevista
una gira por Cataluña durante el otoño de 2015.
La sala Baixos22 del Teatre
Tantarantana de Barcelo-
na acogerá el estreno de
la obra Camargate, de la
compañía residente Jorge-
Yamam / TeatrodeCER-
CA. El montaje forma parte
de El Cicló, Ciclo de Com-
pañías Independientes de
Barcelona. Camargate es
una recreación teatral basada en la famosa conversa-
ción en el restaurante La Camarga de la líder del PPC
Alicia Sanchez Camacho y Victoria Álvarez (ex-amante
de Jordi Pujol hijo) grabada por Método 3. A partir de la
grabación real de la conversación de estos personajes
se construye una “ficción teatral real” que va más allá.
Se teatralizan otros documentos reales que muestran,
casi de manera esperpéntica y cómica, como funciona la
corrupción, nuestra política y sus pasillos. Con este pro-
yecto quieren contribuir a la transparencia, a la libertad
y a que el teatro vuelva a conectar con el público y la
sociedad en la que vive. El arte y más concretamente el
teatro puede tener sentido llegando allí donde el perio-
dismo no puede llegar. El espectáculo, interpretado por
Cristina Gàmiz, Anna Sabaté y Jorge-Yamam Serrano /
Pep Duran se podrá ver del 11 al 29 de marzo.
Els veïns de dalt

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el 9 al 26 de abril se
celebra la trigésima
segunda edición de las
Jornadas de Teatro del
Siglo de Oro de Almería en las
que se mantienen sus progra-
mas pero “con un diseño distin-
to”, tal y como explica su nuevo
director, Carlos Góngora. “Este
es un año de transición para las
Jornadas, ya estamos proyec-
tando las del año próximo, con
cambio de fechas, ubicación etc.
En 2016 habrá un cambio radi-
cal aún sabiendo que estamos
en una transición” aclara Gón-
gora, para añadir que continúa
el formato hasta ahora conocido
pero “la programación de es-
pectáculos es más continuada,
el fórum aumenta en número de
días, las Jornaditas toman ma-
yor relevancia y las exposiciones
llegan a la calle”. Además esta
edición se caracteriza porque
las Jornadas “toman la calle con
unas 75 actividades en la zona
central de Almería durante dos semanas”,
explica su director.
Cervantes
La programación escénica de las Jorna-
das va a tener lugar en el Auditorio y el
Teatro Apolo de la capital del 17 al 25,
este año ininterrumpidamente, y comienza
con En un lugar del Quijote, coproducción
de Ron Lalá con la CNTC. Dirigida por Yayo
Cáceres, sobre el escenario una versión
libre y contemporánea de ‘Don Quijote de
la Mancha’ en la que con humor, teatro
y música interpretada en directo se pro-
pone un canto a la imaginación, al libre
albedrío y a la rebeldía “tan necesaria en
el marco de una época que guarda sor-
prendentes parecidos con nuestra actual
crisis de principios de siglo”.
Otra versión de Cervantes, en este caso
de ‘El Licenciado Vidriera’ que La Chana
presenta como Gaudeamus, una adapta-
ción libre, cómica y satírica de esta nove-
la ejemplar llevada al mágico mundo del
teatro de objetos; un unipersonal escrito,
interpretado y dirigido por Jaime Santos
que centra la trama en el deseo de un jo-
ven pobre de ser el hombre
más famoso de su tiempo por
sus estudios y conocimientos.
Y Cervantes es también el
autor de El coloquio de los
perros, en el que Morfeo Tea-
tro ha convertido a sus dos
protagonistas en un hidalgo
depauperado y un mendigo
harapiento, también “perros
desheredados de la fortuna,
que, con el mismo afán que
Cervantes, narran sus expe-
riencias entre lo amargo y
la comedia, en una sutil, y a
veces innegable, comparativa
con nuestros tiempos”.
El rey Perico y la dama
tuerta de Diego Velázquez es
una comedia burlesca dirigida
por Juan Dolores Caballero
que ponen en escena Teatro
del Velador, La Cantera Pro-
ducciones y Distrito Teatro.
Un ejemplo de cómo la co-
media burlesca proponía un
“mundo al revés” donde lo
trágico deja espacio a lo cómico, donde
se prescinde de las unidades de tiempo
y lugar, y se construye una gran ficción
lúdica cuyo principal objetivo es la provo-
cación de la risa. Una propuesta donde lo
grotesco reúne preciosos personajes que
se muestran, bajo la batuta del feísmo y
el lirismo visual, en toda su extraña y dis-
paratada ternura.
De Tirso de Molina es La mujer por fuer-
za de la Cía. José Maya, un obra prota-
gonizada por una mujer, “un personaje
tremendamente transgresor que con su
comportamiento, va a poner patas arriba
XXXII Jornadas de Teatro del Siglo de Oro - Almería
Edición de transición de las
Jornadas de Almería
ElTeatro del Siglo de Oro toma la capital y parte de la provincia
durante casi todo el mes de abril
Misterio del Cristo de los Gascones de Nao d´amores ©Pio Baruque

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todas las leyes cortesanas a las que están
sometidos todos los hombres de esta co-
media por mor de su reputación”, explica
su director, José Maya.
Fernando Sansegundo es el encargado
de la dramaturgia y la dirección de Barro-
camiento de SioSi Teatro, obra que recrea
la vida de María de Zayas y Sotomayor, sor
Juana Inés de la Cruz y Feliciana Enríquez de
Guzmán, tres autoras del Siglo de Oro. Mis-
terio del Cristo de los Gascones, el espectá-
culo más emblemático de Nao d´amores, se
sumerge en el teatro primitivo desde una
visión contemporánea, una obra en la que
Ana Zamora hace una recreación libre de la
ceremonia litúrgica que debía representar-
se en la Iglesia de San Justo, en Segovia, en
tiempos medievales.
Teatro Corsario por su parte sube a los
escenarios El médico de su honra de Cal-
derón de la Barca, una tragedia de muje-
res en un mundo dominado por hombres
en la que asoma la violencia machista, y
Teatro de la Danza El lenguaje de tus ojos
o El príncipe travestido, una versión con-
temporánea escrita y dirigida por Amelia
Ochandiano basada en el clásico de Pierre
Marivaux.
Y también son sedes de las Jornadas los
Auditorios de Roquetas de Mar y El Ejido.
En el primero se va a poder disfrutar de
dos espectáculos, Lazarillo de Tormes de
Teatro La Paca, una recreación libre y di-
vertida que el dramaturgo Tomás Afán ha
realizado de la universal obra, y La es-
cuela de los vicios de Quevedo, con la que
Morfeo Teatro repite en las Jornadas mos-
trando una obra en la que se representa
la corrupción de ministros, magistrados y
banqueros sin escrúpulos. A El Ejido Me-
phisto Teatro llega con una obra de Molié-
re, El burgués gentilhombre.
FÓrum, Jornaditas y más
Las mesas redondas, conferencias,
comunicaciones, master class, presenta-
ciones etc. del Fórum de las Jornadas se
celebrarán este año en el Hotel AC duran-
te los jueves, viernes y sábados hasta el
día 25, donde profesores universitarios e
investigadores disertarán sobre el teatro
clásico desde diferentes perspectivas y
disciplinas.
Las denominadas Jornaditas repiten el
esquema de las Jornadas –espectáculos y
fórum– pero dirigido al público escolar, ya
que además de los espectáculos que pon-
drán en escena los escolares, estos po-
drán disfrutar del espectáculo Una noche
Blanca con los clásicos de la Cía. Blanca
Marsillach, leer cartas de Santa Teresa en
la actividad ‘Leer Almería’ que se desarro-
llará en el Convento Las Puras, el fórum
–también en el Hotel AC– ‘Es moderno
ser clásico’ o la exposición ‘Ell@s tam-
bién fueron pequeñ@s’ que tendrá lugar
en los escaparates de diversos comercios
del centro de la ciudad.
A todo esto hay que añadir las expo-
siciones ‘31 años no es nada’, ‘Pasaron
por aquí’ y ‘Vestuarios para una época’
entre otras, además de las presentacio-
nes de los libros ‘Comedia famosa de la
conquista de Almería’ de Antonio Serrano
o ‘El Quijote en verso’ de Alexis Díaz Pi-
mienta. La programación en la capital se
completa con el programa ‘Barrokocalle’
que a partir del día 12 convertirá el cen-
tro de la ciudad en un teatro con recitales
de versos, espectáculos de teatro, música
barroca y pasacalles. Y a todo esto hay
que añadir las extensiones de las Jorna-
das por toda la provincia que llevará de
gira por gran parte del territorio los es-
pectáculos Barrocamiento de SioSi Teatro,
Mucho Shakespeare de Malaje Sólo y Qui-
jote y Sancho de Los Claveles.
El rey Perico y la dama tuerta

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os días 30 de abril y 1, 2 y 3 de mayo
se celebra una nueva edición del Fit-
Carrer de Vila-real, la vigésima octa-
va, que con una programación con
más de treinta espectáculos de otras tantas
compañías continúa con la descentralización
iniciada hace tres años, cuando Pau Ayet se
hizo cargo de su dirección artística, una des-
centralización en términos de “itinerancia de
la programación, pues queremos que el fes-
tival llegue a toda la ciudadanía de Vila-real,
por lo que no se desarrolla únicamente en el
centro de la localidad sino que las represen-
taciones llegan a los barrios haciendo partí-
cipe a todo el municipio”, explica Ayet.
El 30 de abril comienza esta edición con
la celebración de las ‘III Jornadas de Artes
de Calle’, que este año versan sobre el tema
de la ‘Construcción’ y en las que el debate
girará “en torno a la manera que se ha de
construir el tejido destruido los últimos años;
la construcción o deconstrucción desde
lo artístico y creativo, pero también desde
todas las partes que conforman el sector”,
afirma Ayet, para añadir que también tendrá
lugar la presentación del proyecto del Centro
de Creación de Artes de Calle de Vila-real.
Coproducción
La edición anterior el FITCarrer coprodujo
el espectáculo Marat/Sade con la compañía
local La Fam, y dando continuidad a esta
línea de trabajo con compañías del municipio
para la creación de espectáculos que tal y
como apunta Ayet “traten temas sensibles
socialmente”, este año ha contado con A
Tempo Dansa, que presenta Destroyanes,
una versión libre de Las Troyanas de Eurí-
pides “que no pretende ser otra cosa que
la propia destrucción de este clásico, quiero
decir, que no estamos trabajando con ‘Las
Troyanas’ de Eurípides como guión sino
como motor, como inspiración, pero hemos
respetado algunos personajes y la esencia
de la derrota como hace el autor, pero a
nuestra manera y tratando el siglo que vivi-
mos”, desvela Pepa Cases, directora artística
de la compañía. La danza contemporánea, el
teatro, el trabajo sobre zancos, el vídeo arte,
la danza aérea, los efectos pirotécnicos y los
escenarios móviles conforman este espectá-
culo de gran formato para el que la compañía
ha contado entre otros con la colaboración
de los actores Nel.lo Nebot y Cristina Llop en
la pantalla, Sol Picó y Claire Decroix para la
coreografía y el mago Yunke como asesor de
efectos especiales.
Se presentan también por vez primera
espectáculos como No es cuchara la que va
a la boca sino la boca la que va a la cucha-
ra de Cia. Caí, obra de trapecio y la cuerda
acompañada de videoproyecciones, Crudo
Ingente de Nacho Vilar Producciones y de la
que se harán varios pases diarios por desa-
rrollarse la acción dentro de un coche, un
Encuentro de la coreógrafa y bailarina Alicia
Soto o jugando con el título de la conocida
novela de John Steinbeck, Factoría Los Sán-
chez presenta De cartones y hombres, una
obra que parte de la situación social actual
y en la que su protagonista se construye su
espacio vital a partir de cartones.
También se podrá disfrutar por vez pri-
mera de los espectáculos de circo Equi-
librando ilusiones de Circovito, Broken
Circus de El Gran Dimitri, o Enfila S.A. de
Estampades, una obra circense ambien-
tada en una fábrica de hilo con una es-
tructura de cuerdas que narra la historia
a través de números de acrobacia. Y tras
la presentación de parte del proyecto Ara
Piscis II en Francia y América, Xarxa Teatre
lo hace ahora en casa, un espectáculo de
gran formato que ahonda en el mensaje
pacifista para lo que utiliza todas las técni-
cas escénicas habituales en sus montajes
–itinerancia, grandes elementos móviles,
uso escénico de la pirotecnia y de efec-
tos lumínicos– y pone ante el público “la
transformación de una sociedad agraria y
XXVIII FitCarrer Vila-real
Las artes de calle, un magma
en expansión ciudadana
Una treintena de compañías conforman esta edición en la que se
presenta la coproducción del festival con ATempo Dansa
Do Not Disturb de Vaivén Circo

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15marzo
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festiva que termina por sucumbir al furor
belicista”.
Internacionales
Aunque con menor presencia que en
ediciones anteriores, el festival cuenta con
compañías llegadas de la escena internacio-
nal. Los británicos C-12 Dance Theatre pre-
sentan una coreografía muy especial crea-
da por Shaun Parker, en la que bailarines
y carros de supermercado se funden para
ofrecer una propuesta intensa, física y anár-
quica, Trolleys. L’enterrement de Maman de
los franceses Cacahuete es un espectáculo
ambulante, humorístico y satírico donde el
humor es el protagonista. También estará el
humor negro en clave de clown de American
Drim de los también franceses Les Bleus de
Travaill, y también franceses son Barolosolo,
que en Île O ofrecen un espectáculo incon-
gruente donde sus dos personajes pasan de
lo cómico a lo absurdo y la poesía y la música
se vuelven acuáticas. Bram Graafland por su
parte presenta De Gillende Keukenprins, un
espectáculo rítmico y lleno de energía en el
que el artista holandés cocina –o algo pare-
cido– e interpreta música con un singular y
excéntrico aparato musical.
La programación se completa con espec-
táculos de compañías del panorama artístico
estatal, entre las que destacan los espectá-
culos que tienen los lenguajes del circo como
métododeexpresión.Entreellasencontramos
La familia Romanesku, una familia acrobática,
malabarista, voladora y muy payasa de La Fi-
nestra nou circ. Lávant première de DĆlick
es un canto al riesgo, al placer, al ritmo y a la
música con mucho humor y elegancia creada
con aparente sencillez. Mundos de papel de
VoléTempsllevaalpúblicoconhumor,espon-
taneidad y técnicas de circo danza y música
a un particular psiquiátrico, mientras que Do
Not Disturb de Vaivén Circo es un espectáculo
que con una potente escenografía trae a es-
cena una fábrica de principios del siglo XX en
la que cuatro intérpretes son llevados al límite
delriesgo,delaabsurdezydelaternura. Joan
Català propone una pieza de poesía corporal
en Pelat, mientras que en clave de clown Jam
–es decir Jaume Jové– ofrece Metre, y Ganso
da vida a un showman gran experto en habi-
lidades inútiles en Walkman. Música en vivo,
danza acrobática y circo se fusionan en el
montaje Heian de Zen del Sur, y la danza tra-
dicional vasca es la base de Gelauziak, espec-
táculo de Kukai creado junto a Cesc Gelabert
en el que la danza y la tradición popular son
actualizadas a la sociedad contemporánea.
También hay cabida para espectáculos itine-
rantes como los coloridos animales de Traps
de la compañía Efimer o Andante, espectáculo
de Markeliñe encargado de clausurar esta
edición, un teatro de máscara que “narra, de
forma poética, sin palabras y con un cuidado
sentido del humor, historias que no debería-
mos olvidar. Historias de zapatos anónimos en
época de guerra. Zapatos que podrían ser los
nuestros”.
Premi Ramon Batalla
En esta edición se otorgará además el
4º Premi Ramón Batalla de Arts al Carrer,
creado para el reconocimiento y puesta en
valor de personas y/o entidades que desta-
can por su dedicación y defensa de las Artes
de Calle, y que este año es para Roser Vilá,
fundadora de 23 Arts, “por su implicación,
apoyo, apuesta y constante búsqueda de
nuevos talentos y por su dedicación a las
artes de calle”, tal y como afirma Pau Ayet,
para añadir además que es un “galardón de
corazón”. Los anteriores Premios han sido,
en orden cronológico, para Xarxa Teatre, el
centro de creación FAI AR y para el festival
TAC de Valladolid.

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abril15 marzo
abril
E
l Festival Alternativo das Artes Escé-
nicas de Vigo ALT.15 se celebra del
9 al 15 de marzo, pero esta edición,
la 14, comienza fuera de fechas
porque, tal y como apuntan desde Noescafé-
Teatro, “este año, con más miserias que
nunca nos hemos permitido el lujo de un
preALT”, que tendrá lugar el 1 de marzo, en
forma de fiesta-maratón de 6 horas de dura-
ción dedicada a la compañía gallega Voado-
ra. Se presentarán en una misma jornada los
trabajos Waltz y Tokio3 junto a Quen goste
de poesía que grite: “miseria”, propuesta
creada especialmente para el festival en co-
laboración con el alumnado de la ESAD. Esta
fiesta teatral finalizará con la presentación el
día 20 en el Auditorio del Concello de Vigo de
la última producción de Voadora, A Tempes-
tade a modo de postALT.
La programación propiamente dicha de
festival comienza el día 9 con la emisión en
colaboración con el cineclub Lumiere de Vigo
de la película ‘Five days to dance’, con la pre-
sencia de los coreógrafos y protagonistas
del film Amaya Lubeigt y Wilfried Van Poppel,
que mantendrán una charla con el público.
Para el 11 se ha organizado el progra-
ma ‘ALT.procrea en Femenino’ con el que
se apoya y visibiliza el trabajo creativo
femenino en colaboración con la Secreta-
ría de cultura y el Área de Igualdade de la
Universidade de Vigo. En complicidad con la
Fundación Laxeiro y las bailarinas Mercé de
Rande, Ánxela Blanco, Lez Cameselle, Kire-
nia C. Martínez y Beatriz Pérez se presenta
una exposición de danza en la que cada
bailarina ha creado una micropieza inspira-
da en las obras de la exposición permanen-
te, piezas con las que se crea un itinerario
singular de la citada exposición.
Y dentro del mismo programa se presen-
tan dos trabajos en proceso: el día 12 Cris-
tina Balboa & Lúa Gándara de Funboa Escé-
nica avanzarán su nuevo trabajo Sushi gratis
y el 15 será el turno de In TIME, próximo
trabajo de Ana Vallés y Sara Molina.
La puesta en escena el día 12 en el Audito-
rio do Concello de Paus e petalas, una pieza
íntima de danza contemporánea de la com-
pañía portuguesa Circolando, da paso a los
5 trabajos que se podrán disfrutar el viernes
ALT.15 - Festival Alternativo das Artes Escénicas de Vigo
Complicidad con la creación
contemporánea arriesgada
19 compañías y artistas conforman la programación de
la décimo cuarta edición del Festival Alternativo das Ar-
tes Escénicas deVigo ALT.15, que se celebra del 9 al 15
de marzo en diversos espacios de la ciudad y que tiene
a la compañía Voadora como protagonista del ‘preALT’.
Este festival, organizado por la entidad no lucrativa
Noescafé-Teatro, tiene como objetivos el apoyo a la
creación escénica contemporánea, tanto gallega como
foránea, facilitando para ello lugares de trabajo, recur-
sos económicos y humanos a través de residencias, o el
programa ALT.procrea en Femenino. Busca crear activi-
dades singulares, este año por ejemplo la fiesta-maratón
con Voadora, ser lugar de estreno de nuevas creacio-
nes y crear complicidades con otras estructuras de la
localidad buscando para ello, el apoyo de organismos
públicos.
Hombres bisagra de Matarile ©Ruybén Vilanova

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abril
y que darán comienzo con La máquina de
la soledad, primer trabajo en colaboración
de Microscopía & Oligor, una propuesta para
aforo limitado donde descubrir la intimidad
de unos amantes, las aventuras de un co-
hete o las desventuras de un emigrante a
través de las cartas. Esta obra, que también
se podrá ver el sábado y el domingo, dará
paso al estreno en Casa das Artes del nuevo
espectáculo de Karla Kracht & Andrés Bela-
díez, 2062, creada al igual que su anterior
‘Zoowooz’ en “live cinema”, que también
repiten función el sábado.
Otro estreno para el viernes, en este caso
en el MARCO –Museo de Arte Contemporá-
neo– y de la mano de la compañía gallega
Anómico Teatro es Preferiría non facelo, un
poema político que parte de la conocida fra-
se del escribiente Bartleby. En el Conserva-
torio Superior de Música estará la pieza de
improvisación musical y de danza Iusisusu
de Guillermo Wickert & Alejandro Rojas Mar-
cos. Completa la programación del viernes
Not never on time, un film escénico de Khea
Ziater dirigido por Alex Gerediaga.
Cinco son también las propuestas escé-
nicas preparadas para el sábado. A las dos
ya citadas se les une la compañía mexicana
residente en Barcelona Physical Momentum
Project que presenta Postskriptum, una pie-
za de danza corta para espacios urbanos
con grandes dosis de riesgo. Otro estreno,
también en el MARCO, es STRPTS// Episodio
1 Mirlo & Rula, una historia de amor, intriga,
sexo y corrupción en formato Live Cinema
del colectivo Cinema Sticado. Y el reestreno,
tras su presentación en el festival FITO de
Ourense de Hombres bisagra de Matarile,
“un delirio escénico de Baltasar Patiño y el
músico Nacho Sanz, un concierto perfor-
mativo danzado”.
El domingo, además de las dos funciones
de Oligor & Microscopia se podrá disfrutar
en el Auditorio do Concello con Bataille, una
pieza de Pierr Rigal / Cie. Derniere Minute de
Francia, donde un hombre de circo y un ar-
tista de circo dan rienda suelta a un encarni-
zado enfrentamiento lleno de humor y lucha.
Con El agitador vortex de Cristina Blanco se
cierra el ciclo dedicado al Live Cinema del
MARCO y esta edición del ALT, una propuesta
en la que la creadora se ve envuelta en un
truculento asunto de asesinatos.
Not never on time de Guillermo Wickert & Alejandro Rojas Marcos

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abril15 marzo
abril
L
a localidad canaria de Agüimes
vuelve a ser el epicentro de la
narración oral con la celebra-
ción del 13 al 17 de marzo de
la vigésima quinta edición del Festival
Internacional de Narración Oral Cuen-
ta con Agüimes.
El festival se inaugura la tarde del
día trece en el Teatro Auditorio de
Agüimes con Miserere mei de Antonio
López, que dará paso a las historias
de La verdad imaginada de Olegario
García Monte y familia de Pablo Albo.
Una sesión de cuentos sórdidos con
humor, amor, pasión y un pellizquito de
poesía. Olegario es el protagonista de
estas historias, “un niño normal al que
la vida regaló una prima pelirroja, una
hermana yonqui, una abuela muerta,
un abuelo sabio y licencioso, unos
tíos y tías extraordinarios, una madre
libertina y un padre que adoptaba dis-
tintas formas”, explica Albo.
El sábado por la mañana Albo ofre-
cerá en el Teatro Cruce de Culturas
una función dirigida al público infan-
til, al que narrará Cuentos de aire.
Historias de papel acompañado de
sus libros, que se abrirán a la vista
de los asistentes para desplegar sus
palabras, que saltarán del papel a
la boca, de la boca al aire y del aire
a las orejas. Al anochecer el Teatro
Auditorio volverá a ser el lugar de en-
cuentro donde disfrutar con la sesión
compartida del colombiano Nicolás
Buenaventura y la portuguesa Ana
Sofía Pavía Cuentos, cantos y otros
tantos, que dará paso al concierto
narrado o cuentos musicalizados de
Amancio Prada, CuentaCantos.
Comienza el domingo con una nue-
va función para los más pequeños.
Otra vez en el Teatro Cruce de Cul-
turas pero a cargo de Nicolás Buena-
ventura que deleitará al público con
Amaranta porqué, una adaptación de
un cuento de tradición oral llamado
‘Boca, brazo y pie’ conocido por el
autor en Costa de Marfil y en la cos-
ta pacífica colombiana. Por la noche
y en el Teatro Auditorio tendrá lugar
la Función colectiva de clausura con
todos los narradores de esta edición.
Además, para los días 16 y 17 se han
organizado funciones para escolares,
y el fin de semana Albo impartirá un
taller de narración oral.
XXV Festival Internacional de Narración Oral - Cuenta con Agüimes
Contar cuentos sobre los
escenarios canarios
Este año se podrá disfrutar con las historias de narradores como
Pablo Albo, Nicolás Buenaventura o Ana Sofía Pavía
Pablo Albo
Nicolás Buenaventura

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15marzo
abril
E
ntre el 6 y 29 de marzo tendrá
lugar la 19 edición del Teatra-
lia, Festival Internacional de
Artes Escénicas para Niños
y Niñas de la Comunidad de Madrid,
en la que participarán un total de 19
compañías procedentes de diversos
países de América, África y Europa,
mostrando propuestas de teatro de
actores, de objetos, de sombras, de
títeres, de magia, de danza y música.
La programación, que se desarro-
llará en 42 espacios escénicos reparti-
dos por toda la Comunidad de Madrid,
contempla cerca de una veintena de
propuestas, dando paso a más de un cen-
tenar de funciones. La compañía legendaria
procedente de la República Checa Drak
Teatro escenificará Poslední trik Georgese
Mélièse (El último truco de Georges Mé-
liès), uno de sus míticos trabajos dirigido
a niños y niñas de 7 años en adelante en
el que fusionan teatro y magia con pro-
yecciones de ritmo trepidante. Otra de las
propuestas destacadas de esta edición es
Schlaf gut, süsser Mond (Duerme bien, dul-
ce luna), fruto de la estrecha colaboración
entre el Grupo Lyasa natural de Zimbaue
y los austriacos Dschungel Wien, dirigido
a niños de dos años en adelante que se dis-
tingue por la fuerza, energía y vigor de los
ritmos africanos, las impresionantes voces
de los jóvenes artistas y la puesta en esce-
na del reconocido director de escena
austriaco Stephan Rabl.
Teatralia se caracteriza por dar ca-
bida en su programación a aquellas
propuestas innovadoras, entre las que
destaca la multidisciplinar Sueños de
arena de Borja Ytuquepintas, la cata-
lana L’Animé, creada en 2012, que
deleitará al público de entre 6 a 12
años con Bhrava!, una pieza que tiene
el humor como hilo conductor y cuyas
protagonistas sorprenden con sus in-
terpretaciones a través de la danza, el
mimo, los títeres y los objetos, recrean-
do un recorrido por pequeñas piezas
exquisitas. Así como la compañía titiritera El
Retablo, que ofrecerá una historia de amor
ambientada en el circo: Giuseppe y Peppina.
Una domadora, el hombre más fuerte del
mundo, un faquir y el payaso de nariz roja
son algunos de los personajes de esta obra
que está interpretada por actores y títeres,
con música en directo, recomendada para
niños y niñas a partir de 4 años.
Teatralia, Festival Internacional de Artes Escénicas para Niños y Niñas
Obras de América, África y
Europa se verán en Teatralia
Sueños de arena de Borja Ytuquepintas ©Marta G. Cardellac

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abril15 marzo
abril
D
urante el mes de marzo continúan
las XXXVIII Jornadas Internaciona-
les de Teatro de Eibar, que comen-
zaron el pasado 20 de febrero con
la conferencia del dramaturgo y director
Miguel del Arco titulada ‘¿Para qué sirve el
teatro?’ y con la que se dio el pistoletazo
de salida a esta edición. Este mes comienza
con La mejor magia en la que Fábrica de
Magos ha seleccionado a los magos Nuel
Galán, Daniel Ka, Héctor Mancha y Mago
Valen, que ofrecerán un espectáculo en
forma de gala. Le sigue El reportaje, una
obra sobre el pensamiento autoritario de
Producciones del Ciclo “Nuestro Tea-
tro” en la que Federico Luppi da vida a un
general de la dictadura argentina preso en
la cárcel, lugar donde va a ser entrevistado.
La actualidad política es la protagonista de
Ruz/Bárcenas de Teatro del Barrio, obra
dirigida por Alberto San Juan a partir del
texto que Jordi Casanovas ha escrito de la
declaración que el juez Ruz tomó al tesore-
ro del Partido Popular.
El hombre almohada de Martin MacDo-
nagh sube a los escenarios de la mano de
la compañía Ilmaquinario teatro, una come-
dia negra que profundiza en el influjo que
la violencia juega en el desarrollo humano,
mientras que La puta enamorada de Chema
Cardeña es un homenaje al teatro clásico
español a cargo de Euroscena. Toni Acosta
e Iñaki Miramón dan vida a los dos persona-
jes de De mutuo desacuerdo, una comedia
sobre las nuevas familias del siglo XXI de
Pentación. Comedia es también aunque en
forma de monólogo ¿Por qué los mayores
construyen los columpios encima de un
charco?, protagonizada por Luis Piedrahita.
Las versiones en euskera y castellano de la
coproducción de Tanttaka Teatroa y el CDN,
La calma mágica y Barealdi magikoa, escri-
tas y dirigidas por Alfredo Sanzol, Makinista
de Markeliñe y Erdibana de Txalo Produkzio-
ak, ambas en euskera, y el espectáculo de
danza dirigido por Cesc Gelabert, Gelauziak
de Kukai completan la programación junto
a El cascanueces, espectáculo para público
infantil y familiar de Teatro del Temple y
las dos obras de teatro universitario, Las
Bellas de Easo de Musikomeria y III de Ma-
ricastaña.
Siguen las Jornadas de Eibar
La calma mágica ©marcosGPunto

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M I S C E L A N E A
La Mostra dÍgualada, Feria
de teatro infantil y juvenil,
celebra del 16 al 19 de abril
su vigésimo sexta edición
con más de sesenta compa-
ñías que pondrán en escena
un centenar de represen-
taciones de teatro, magia,
circo, clown, títeres, danza,
música, multidisciplinar...
tanto de sala como de calle. La organización de la mos-
tra, dirigida a partir de esta edición por Pep Farrés, ha
seleccionado los espectáculos de entre las más de 300
propuestas para conformar una programación que este
año hace especial énfasis en los montajes dirigidos al
público juvenil. Aunque con especial presencia de com-
pañías de habla catalana también acudirán a Igualada
compañías del resto del estado y del panorama inter-
nacional, tanto compañías emergentes como consoli-
dadas. Además, y como es habitual, La Mostra cuenta
con un espacio de negocio e intercambio, denominado
La Llotja, en la que se organizan actividades de toda
índole dirigidas para todo el sector.
Los días 14, 15 y 16 de abril
Albacete vuelve a acoger
una nueva edición de la Fe-
ria de Artes Escénicas de
Castilla-La Mancha, la dé-
cima novena. Al cierre de
esta edición aún no está ce-
rrada la programación pero
ya se conocen parte de las
propuestas que se van a
dar a conocer sobre los escenarios del Auditorio Mu-
nicipal y el Teatro Circo así como en la Filmoteca y en
calles y plazas del centro de la ciudad. Equus de Cia.
Ferroviaria, Arizona de Juan Carlos Rubio producida por
Histrión Teatro, Los huerfanitos de Traspasos Kultur, El
oscuro corazón de la noche de Falsaria de Indias, El show
de Martin´s de Jes Matin´s Cia, la ópera Lélisir Dámore
de Producciones el Telón, o el espectáculo de títeres
para adultos Quijote de Bambalina Teatre Practicable. Y
para el público infantil y familiar, las obras Libertia de
Hortzmuga Teatroa, La crónica del lobo de Elfo Teatro y El
viaje de Martin de Titiriguiri además del show case Brea y
Plumas de Babirusa Danza.
La Mostra dÍgualadaFeria Castilla-LaMancha
©Borja Relaño

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M I S C E L A N E A
Con la participación de co-
reógrafos de todo el mundo
se celebra del 12 al 15 de
marzo el XIX International
Solo Dance & Theatre Festi-
val en Treffpunkt Rotebühl-
platz, Stuttgart. De las más
de 200 propuestas recibidas
la organización ha seleccio-
nado 18 piezas de las que la
gran mayoría serán estrenos. Este festival que propone
ser un encuentro entre diferentes culturas cuenta con
creadores llegados desde diversos puntos de Europa y
de Israel, Estados Unidos, Egipto, Brasil, Ecuador o la
República Democrática del Congo. Un renovado jura-
do internacional se encargará de seleccionar las piezas
galardonadas. Entre ellos se encuentra Roberto Scafati,
director de ballet en el Teatro Ulm, la coreógrafa y bai-
larina suiza Anna Huber o el brasileño Jorge Eduardo
Schneider, cofundador y vicepresidente de la ABABTG
– Associação de Bailarinos e Apoiadores do Balé Teatro
Guaíra en Brasil. El festival rinde homenaje a Tanja Lie-
dtke, cuya fundación financia el festival, junto con más
apoyos de la ciudad de Stuttgart.
La segunda edición del Fes-
tival Internacional de Teatro
do Alentejo se celebra en
las localidades portuguesas
de Beja, Évora y Portalegre
del 5 al 28 de marzo. Orga-
nizado por la compañía de
teatro Lendias d’Encantar,
esta edición comienza con
la coproducción entre Co-
lombia, Cuba y Portugal de Os cinco enterros de Pes-
soa. La compañía colombiana Teatro Tierra presenta
Los ritos del retorno y la cubana Teatro D´Dos hará
lo propio con El baile, mientras que de Cádiz llega Al-
banta Teatro para presentar Cádiz en mi corazón
de Abel González Melo. El protagonismo de Pessoa es
latente con la puesta en escena de su texto Inércia a
cargo de UmColectivo y Teatro Turim. También se
podrá disfrutar con Vêtoca de Animateatro, Três de-
dos abaixo do Joelho de Mundo Perfeito, A nova
Aragem de Chão de Oliva o dos espectáculos de la
trilogía dedicada a la literatura americana de Teatro
Mosca, O Som e Fúria y Moby Dick, además de es-
pectáculos de calle, música etc.
FITA - Alentejo
MIT - São Paulo
Solo Dance - Stuttgart
46 compañías de 18 países
de América y Europa con-
forman la programación de
la décima edición del Festi-
val Internacional de Teatro
de Santa Cruz, que tendrá
lugar del 16 al 26 de abril.
Organizado por la Aso-
ciación Pro Arte y Cultura
(APAC), este año el festival
retoma el lema ‘Multiplicando Miradas’ y tiene como
objetivo centrar su mirada en el teatro iberoamerica-
no con 126 funciones que se desarrollarán en su gran
mayoría en escenarios de las ciudades de Santa Cruz y
Tarija, con extensiones por poblaciones más pequeñas
de la zona. Esta décima edición reunirá a compañías
llegadas de España, Portugal, Bélgica, Francia e Italia
y Argentina, Brasil, Bolivia, Chile, Colombia, Ecuador,
El Salvador, el teatro latino de Estados Unidos, México,
Paraguay, Perú, Uruguay y Venezuela. Además de la
programación oficial, el festival contará con una serie
de actividades paralelas como el Encuentro de Escue-
las Superiores de Arte Dramático o el denominado ‘El
Jardín o Encuentro con Programadores Internacionales’
que tiene como objetivo difundir el teatro boliviano y
al mismo tiempo propiciar el encuentro entre artistas,
críticos, programadores, periodistas y público.
Del 6 al 15 de marzo se ce-
lebra la 2ª MITsp - Mostra
Internacional de Teatro de
São Paulo con una exquisi-
ta programación. Inaugura
la mostra la versión de Yuri
Butusov de A Gaviota de
Chéjov en una puesta en
escena del Theatre “Sati-
ricon” ruso. Los brasileños
Cia Vértice presentan dos adaptaciones de Christiane
Jatahy de Julia de Strindberg y E se elas fossem para
Moscou? basada en ‘Tres hermanas’ de Chejov. Des-
de Ucrania Woyzeck a cargo de Andriy Zholdak con
puesta en escena de Svoboda Zholdak Theatre y de
Cherkasy Academic Musical and Drama Theatre,
y desde Suiza Stifters Dinge de Heiner Goebbels por
Theatre Vidy-Lausanne. Otra Senhorita Julia de la
alemana Schaubühne am lehniner platz dirigida por
Katie Mitchell y Leo Warner y los rusos Dmitry Krymov
Laboratory at Moscow Theatre School of Dramatic
Art presentan Opus N.7. Una obra sobre el conflicto
palestino israelí, Ariquivo del israelí Arkadi Zaides y
As irmãs macaluso de los italianos Compagnia Sud
Costa Occidentale completan el programa junto a la
coproducción del MITsp con Toneelgroep Amsterdam
y Canção de muito longe dirigida por Ivo van Hove.
FITCRUZ - Bolivia

TeatroSOLO (LONEtheater)
Matías Umpierrez
Castellano / Euskara
Ordu eta leku desberdinetan
Diversas localizaciones y horarios
- -
In BEtween
Helena Golab
Castellano / English / Polski Intxaurrondo K.E. 13:00 50 min
LA NOCHE ÁRABE
Hika Teatroa - Kabia - Pabellón 6
Castellano Gazteszena (Egia K.E.) 17:00 80 min
EQUUS
Compañía Ferroviaria
Castellano Antzoki Zaharra – Teatro Principal 18:45 100 min
SOLITUDES
Kulunka Teatro
Testurik gabe / Sin texto Victoria Eugenia Antzokia 21:00 85 min
LA MÁQUINA DE LA SOLEDAD
Microscopía y Oligor
Castellano San Telmo 22:45 80 min
DELICIA
Seda Producciones Castellano Victoria Eugenia Club 24:15 70 min
Matías Umpierrez
- -
CYRANO DE NUEVA ORLEANS
NEW ORLEANSKO CYRANO
Vaivén Producciones
Castellano / Euskara Imanol Larzabal (Lugaritz K.E.)
10:00
11:30
50 min
EL CIELO AHORA
Olatz de Andrés
Castellano Intxaurrondo K.E. 11:30 60 min
PEREZA
Cielo Raso
Testurik gabe / Sin texto Gazteszena (Egia K.E.) 13:00 50 min
IRAKURRIZ
Shakti Olaizola
Testurik gabe / Sin texto Victoria Eugenia Club
17:30
19:30
30 min
GORPUTZA
Kolorearekin
Testurik gabe / Sin texto Victoria Eugenia Club 17:30 20 min
UN OBÚS EN EL CORAZÓN
L’om imprebís
LA CALMA MÁGICA
CDN / Tanttaka Teatroa
Castellano Victoria Eugenia Antzokia 20:30 95 min
LA FIERA
Mariano Tenconi Blanco
Castellano Espacio DSS2016 Gunea 23:00 55 min
Matías Umpierrez
- -
L’HOMME ASSIS
Compagnie Yma
Testurik gabe / Sin texto Imanol Larzabal (Lugaritz K.E.) 10:00 33 min
HAPPYEND
TOUTES LES FILLES DEVRAIENT
AVOIR UN POÈME
Paul les Oiseaux
Testurik gabe / Sin texto Gazteszena (Egia K.E.) 13:00 70 min
LAUESKU 22
Lasala
INNINGS
Colectivo Lamajara Danza
EL REPORTAJE
Teatro El Picadero
WALKING CITY
Carmelo Segura Companhia
Testurik gabe / Sin texto Victoria Eugenia Antzokia 20:30 60 min
LA FIERA
CABARET CHIHUAHUA
Pabellón 6
Matías Umpierrez
- -
TRIPLE SALTO
JAUZI HIRUKOITZA
Pikor Teatro
Castellano / Euskara Imanol Larzabal (Lugaritz K.E.)
10:00
12:00
63 min
EL HOMBRE ALMOHADA
ilMaquinario Teatro
BARBECHO
Natxo Montero
Castellano Gazteszena (Egia K.E.) 13:15 65 min
YO MATÉ A PINOCHET
Teatro Errante
Castellano Victoria Eugenia Club 17:30 65 min
COMPÁS DE ESPERA
Choni Cía. Flamenca
¡MALDITO SEA EL TRAIDOR A SU PATRIA!
Theatre Mladinsko
Slovenski Victoria Eugenia Antzokia 20:30 75 min
DE LA PURÍSSIMA
De la Puríssima
PROGRAMAZIOA | PROGRAMACIÓN
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11
12

Donostia arte eszenikoen eszenatoki handi bat bilakatuko da
beste behin. dFERIAk antzerki eta dantza ikuskizunez osatu-
tako programazio oparoa dakarkigu udaberriaren atarian. Lau
egunez, martxoaren 9tik 12ra, 33 emanaldi izango dira gure
hiriko zortzi agertoki ezberdinetan, eta, jarduera paraleloak
ere askotarikoak izango dira. Donostia, bada, antzerki mun-
duaren topaleku izango da beste urte batez; programatzaile,
zuzendari, sortzaile, eta aktoreen topaleku. Eta, noski, zaleen
topaleku, antzerki eta dantzazaleena, kulturzaleena. dFERIA
jada erreferente bat da sektorean. Euskal Herriko arte esze-
nikoen inguruan egiten den azoka bakarra da, eta hirian izan
ohi diren zine eta musika jaialdiak osatzera datorrena, an-
tzerkiaren ikuspuntutik. Eta azoka honek oso berezko du sor-
mena trukatzeko gunea izatea, ikuskizun berritzaileen aterpe
baita, eta hortaz plataforma bikaina da merkatua sustatze-
ko. dFERIA, azken batean, antzerkiari eta dantzari hauspoa
emateko sortu zen. Eta oraingo honetan identitatearen gaia
hartuko du ardatz. Arteak hausnarketa egitera eramaten gai-
tu, hori da bere ezaugarrietako bat, eta identitatearen gaiak
aukera ugari emango dizkigu pentsarazteko; gure buruari zer
garen galdetzeko, nork gure identitatea zergatik eraikitzen
dugun galdetzeko, indibiduala eta kolektiboa, herri identi-
tateak ere bere tartea izango baitu azokan. Hortaz, baliatu
dezagun aukera hau, arte eszenikoetan murgiltzeko, eta gure
buruari galderak egiteko.
dFERIA2015en XXI. edizioa aurkezten dugu. Aurtengo goiburua
da Identitatea, norberaren ezaugarriak eta besteengandik be-
reizten dituenak. Zentzu zabalean: gizarte-, politika-, kultura-
edo arte-mailan. Eta horrela egin da, dFERIA definitu den unean
eta feria bera argi identifikatzen duten nortasun-seinale batzuk
eskuratu dituenean. Izan ere, antzerki zein dantzako ekitaldi bat
da. Ikuspegi garaikiderako joera duen feria. Euskal sormenare-
kin konprometitua. dFERIA-k ere beste leku batzuetara begira-
tzen du eta Latinoamerikarekin zabaldutako leihoa sendotzen
du. Eta jakina, Estatura eta Europara ere begiratzen du. Es-
treinaldien eta berrikuntzen aldeko apustua egiten du. Sektore
profesionalean eztabaida sortzea eta gogoeta bilatzen ditu, eta
profesional europarrei keinu bat egiten die, lehen aldiz ingelese-
ra eta frantsesera gaintitulatutako dantza- eta antzerki-eskain-
tza eginez, gaztelaniaz aritzen ez diren programatzaileentzat eta
kudeatzaileentzat ere erakargarria egiteko. Eta garrantzitsue-
na, hau guztia lortzeko, erakundeen, entitateen, antolakuntzen,
konpainien eta banakoen borondateak, babesak eta parte-har-
tze aktiboak batzen dira. Guztiek ekarpenak egiten dituzte, lana
eskaintzen dute eta ahalegin kolektibo baten ondoriozko errea-
litate bihurtzen dute dFERIA. Mila esker haietako bakoitzari. Eta
eskerrik asko ere urtez urte dFERIA-ra hurbiltzen zaretenoi, bizi
duzuenoi, aberasten duzuenoi, eta proiektu erakargarria eta zo-
ragarria izaten jarraitzeko oinarrizkoa den energia hori eta hain
beharrezkoa den indarra ematen diozuenoi.
Baina dFERIA jaialdi bat ere bada, jendeari, zaleari zuzendutako
dantza- eta antzerki-ikuskizunez osatutako festa berezi bat. Lau
egunetan 30 ikuskizun baino gehiago eskaintzen dira. Formatu
diferenteak, zazpi gune diferente baino gehiago, forma ugariko
ikuspegi eta kontzeptu artistikoak, Eslovenia, Frantzia, Bue-
nos Aires, Txile, Mexiko, eta beste hainbat lekutatik etorritako
ikuskizunak. Guztien gustuko edukiak, baina hutsalkeriatik edo
show business-etik aldenduz. Jarduera paraleloak programatuz
indartutako ikuskizunak. Programazio horrek eszenako ikuski-
zunetara beste ikuspuntu batzuetatik –intimitate handiagoare-
kin– hurbiltzeko aukera emango du. Aukera bikaina, zalantzarik
gabe. Espero dugu kale ez egitea eta urtez urte Donostia bihur-
tzen den arte eszenikoen festa nagusia izaten jarraitzea.
Una vez más, Donostia se va a convertir en un gran escenario de
las artes escénicas gracias a dFERIA, que nos trae una programa-
ción llena de espectáculos teatrales y de danza en puertas de la
primavera. Durante cuatro días, del 9 al 12 de marzo, 33 funciones
van a tener lugar en ocho escenarios diferentes de nuestra ciudad,
así como una variedad de actividades paralelas. Así pues, un año
más, San Sebastián va a ser punto de encuentro del mundo del
teatro para programadores, directores, creadores y actores. Tam-
bién, por supuesto, punto de encuentro de los aficionados al teatro
y a la danza, es decir, a la cultura. dFERIA es ya un referente indis-
cutible para el sector. Se trata de la única feria de artes escénicas
de Euskal Herria, y viene a completar, desde el punto de vista tea-
tral, los festivales de cine y de música que tienen lugar en nuestra
ciudad asi mismo, es connatural a esta feria el ser lugar de inter-
cambio creativo, al acoger a espectáculos innovadores, y es, por
tanto, una plataforma inmejorable para incentivar el mercado. Al
fin y al cabo, dFERIA surgió para promover el teatro y la danza. En
esta edición, el eje en torno al que gira es el de la identidad. El arte
nos lleva a reflexionar, esa es una de sus características, y el tema
de la identidad nos ofrece muchas oportunidades para ello; para
preguntarnos qué somos, por qué construimos cada cual nuestra
identidad, tanto individual como colectiva, pues la identidad como
pueblo tendrá también su espacio en la feria. Aprovechemos, por
tanto, esta oportunidad para sumergirnos en las artes escénicas y
plantearnos preguntas.
Presentamos la XXI edición de dFERIA2015 en un año que tie-
ne la Identidad como lema, rasgos propios y diferenciales con
respecto a los demás. En un sentido amplio: social, político,
cultural o artístico. Y se hace en un momento en el que dFERIA
se ha ido definiendo y cuenta con unos signos de identidad
que la definen claramente. Como es el ser un evento tanto
de teatro como de danza. Una feria que tiende a lo contem-
poráneo. Comprometida con la creación vasca. dFERIA mira
también hacia otros lugares y consolida una ventana hacia
Latinoamérica y por supuesto, mira también hacia el Estado
y Europa. Apuesta por los estrenos y por las novedades. Bus-
ca crear debate y reflexión en el sector profesional y realiza
un guiño hacia los profesionales europeos concretando por
primera vez una oferta de danza y de teatro sobretitulado al
inglés y francés para que se convierta atractiva también a los
ojos de programadores y gestores de habla no hispana. Y lo
más importante, que para hacer todo esto se suman las volun-
tades, los apoyos y las participaciones activas de institucio-
nes, entidades, organizaciones, compañías y personas indivi-
duales que aportan, trabajan y hacen de dFERIA una realidad
fruto de un esfuerzo colectivo. Muchas gracias a cada uno de
ellos y de ellas. Y gracias también a todos aquellos y aquellas
que año tras año acudís a dFERIA, la vivís, la enriquecéis, le
dais esa fuerza tan necesaria y esa energía fundamental para
que siga siendo un proyecto ilusionante y apasionante.
Pero dFERIA es también un festival, un festín de espectáculos
de danza y teatro para el público, para el aficionado. En cuatro
días se levanta el telón más de 30 veces. Distintos formatos,
más de siete espacios distintos, visiones y conceptos artísti-
cos variopintos, espectáculos venidos desde Eslovenia, Fran-
cia, Buenos Aires, Chile, México, Francia… contenidos para
todos los gustos pero escapando de la banalidad o del show
business. Espectáculos reforzados con una programación
de actividades paralelas que posibilitará acercarse al hecho
escénico desde otros puntos de vista, con mayor intimidad.
Una buena oportunidad sin duda que esperemos no defraude
y siga siendo la gran fiesta de las artes escénicas en la que se
convierte San Sebastian año tras año.
AGURRA / SALUDO
Nerea Txapartegi
Donostiako Udal Gobernuko Kultura arduraduna
Responsable de Cultura del Gobierno Municipal de San Sebastián
Norka Chiapusso
dFERIAko zuzendaria / Director de dFERIA
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XXI.ARTEESZENIKOAK/ARTESESCÉNICASMARTXOA09-12MARZO2015DONOSTIA/SANSEBASTIÁN

Identitatea zabaldu egin da, eta hedabideetan, sare soziale-
tan, kafetegietan edo familiako bileretan XXI. mendeko sozie-
tateek euren buruarekin edukitzen duten elkarrizketaren hitz
nagusietako bat bihurtu da. Etengabe itxuraldatzen ari den
gizarte batean gero eta esanahi gehiago dituen hitza da.
XXI.mendeanmurgildutagaudenean,kultureketaazpikulturek
esanahiz betetzen dute norberaren identitatearen banakako
pertzepzioa, baina gauza bera ere egiten dute talde-identita-
teekin. Testuinguru horretan, herritarrak euren identitate pro-
pioa diseinatzeko ahalmena dutela konturatu dira, kategoria
tradizionalei beste kategoria batzuk gehituz –nazionalitatea
edo sexua, adibidez–, aukeraketarekin edo gustuarekin gero
eta lotuagoak dauden kidegoen bitartez. Hauek dira ikus-
entzule berriak. DSS2016EUren eta dFERIAren artean hasi-
tako elkarrizketaren ondorioz, aurten, ikus-entzule horiengan
pentsatutako mota askotako lankidetza-ekintzak adostu di-
tuzte. Besteak beste, 2016 Espazioan dFERIAren meeting
point-a ipintzea, Cabaret Chihuahua programatzea, gidoi-lan-
tegi bat egitea edo TeatroSOLO proiektua. Hiriburutzaren eta
dFERIAren ekipoak elkarlanean aritu dira jaialdiaren progra-
mazioari DSS2016EUren baloreekin bat datorren ekarpena
egiteko. DSS2016EUren helburu nagusien artean dago ekar-
pen ukiezin batzuk eskaintzea, eta kultur agenteekin adostuta,
ekarpen horiei metodologien, erlazioen edo proiektu espezi-
fikoen forma ematea. Azken finean, dFERIAren kasuan zein
hiriburutzarekin elkarlanean diharduten gainerako agenteen
kasuan, helburua da mundu berriak, enpatia berriak, kidego
berriak, konplizitate berriak ezagutzeko aukera eskaintzea.
Identitate berriak ezagutzeko aukera.
Identidad ha crecido hasta convertirse en una de las palabras
clave de la conversación que las sociedades del siglo XXI man-
tienen consigo mismas en medios de comunicación, redes so-
ciales, cafeterías o mesas familiares. Una palabra que no deja
de adoptar nuevos significados en una sociedad en trepidante
metamorfosis. Bien entrados en el siglo XXI, culturas y subcul-
turas llenan de significado la percepción individual de la propia
identidad, pero también lo hacen con las identidades colecti-
vas. En este contexto, la ciudadanía ha tomado conciencia de
su poder para diseñar su propia identidad añadiendo nuevas
categorías a las tradicionales, como la nacionalidad o el sexo,
con pertenencias cada vez más orientadas a la elección o el
gusto. Estos son los nuevos públicos. La conversación abier-
ta entre DSS2016EU y dFERIA cristaliza este año en diversas
colaboraciones de la más diversa índole, pensadas para ellos.
Desde la instalación del meeting point de dFERIA en el Espacio
2016, hasta la programación del Cabaret Chihuahua, pasando
por un taller de guión o el proyecto TeatroSOLO, los equipos
de la capitalidad y de dFERIA han colaborado para dotar a
la programación del festival de una aportación alineada con
los valores de DSS2016EU. Entre los principales objetivos de
DSS2016EU está el de legar un conjunto de intangibles que, en
conversación con los agentes culturales, tomen forma de me-
todologías, relaciones o proyectos específicos. En resumen,
tanto en el caso de dFERIA como en el del resto de agentes
con los que colabora la capitalidad, el objetivo es ofrecer la
posibilidad de descubrir nuevos mundos, nuevas empatías,
nuevas pertenencias, nuevas complicidades. La posibilidad de
descubrir nuevas identidades.
DSS2016EU
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PROGRAMAK / PROGRAMAS
Eszena T (Akitania-Euskadi)
Aurtengo edizioko berrietako bat. Baionako Eszena
Nazionaleko lagunekin partekatzen dugun ESZENA
T programak leiho berri hau irekitzeko aukera es-
kaini digu.
Akitaniako OARA sareak (hemengo SAREA - Euskal
Antzoki Sarearen baliokidea) dFERIAn inplikatzeko
konpromisoa hartu zuen, Akitania-Euskadi leihoa
deituriko horretan. Ondorioz, OARAk Akitaniako bi
ikuskizun ekarriko ditu eta dFERIAk sare horretako
eragileak gonbidatuko ditu feria bere osotasunean
ezagut dezaten; hau da, egitarauaz haraindi, lehen
harremanak has daitezen, gure arteko lotura sendotu
dadin eta etorkizunean proiektu komunak egin ditza-
gun, guztion mesederako; eta baita ikuskizunak han
eta hemen programa ditzagun bi aldeek.
Iberoamerikako leihoa
Latinoamerikako antzerkia hango herrialdetako errea-
litate eta arazo sozio-ekonomikoei erantzuten dien an-
tzerkia delakoan gaude. Jendeari zuzenean hitz egiten
dion eta ikusleen kontzientziengan eragiteko xedea
duen antzerkia delakoan, 2008tik aurrera dFERIA La-
tinoamerikako konpainiak ekartzen saiatzen da.
dFERIAk Iberoamerikako ikuskizunak hedatu, sustatu
eta bultzatu nahi zituen dFERIAra datozen profesio-
nalen artean, eta baita euskal konpainien presentzia
sustatzea ere Latinoamerikako jaialditan, aipatu jaial-
dietako zuzendariak gurera gonbidatuz.
Atlantikoaren bi ertzetako artista eta profesionalen ar-
teko lankidetza-sinergiak bultzatu nahi genituen ere.
Aurten inoiz baino gehiago, INAEMak 2006an sortu-
riko Iberescena Iberoamerikako funtsaren laguntza
baitugu. Hori dela eta, aurtengo edizioko leiho honek
herrialde eta estilo askotariko 7 ikuskizun hartuko ditu,
Euskal Herriko proposamenak barne.
dFERIA Dantzan
dFERIAko “leiho”-rik zaharrena dugu hau. dFERIAk
dantza bere ezaugarri bereziak eta garrantzia duen
diziplina gisa sustatzeko erabaki irmoa hartu eta
berehala, dFERIA Dantzan jaio zen. Konpainiei arte
eszenikoen merkatuan sartzen laguntzeko erakus-
leiho aproposa eskaintzea xede duen euskal dan-
tzaren plataforma honek gure dantzak osotasunean
duen kalitate artistikoa islatzen du. Erreminta irmoa
eskainiz estatu mailan eta nazioartean merkatu be-
rriak ireki ditzan.
Honela, aurten ere, Eusko Jaurlaritzako Kultura Sai-
lak eta dFERIAk sortu eta finantzatu “Dantza Bultza-
tuz” programa eskainiko dugu, eta badira 15 edizio
dagoeneko, 2001ean hasi baitzen. Aurten 5 dantza
ikuskizun berri, erakargarri eta ezberdinak ikusteko
aukera egongo da.
Feriaren historian zehar programa ezberdinak sustatu
edo gauzatu izan ditugu. Aurtengoan, eta Iberoame-
rikako funtsak eta Eusko Jaurlaritzak sustaturiko pro-
gramekin batera, Eszena T aurkezten dugu.
A lo largo de la historia de la feria, varios han sido los pro-
gramas y/o plataformas que se han impulsado o bien han
tenido cabida en la misma. En esta edición, y junto a los
programas fomentados por el fondo iberoamericano y por
el Gobierno Vasco, presentamos Eszena T.
Eszena T (Aquitania-Euskadi)
Es una de las novedades de la presente edición, gra-
cias al programa conjunto denominado ESZENA T, que
compartimos con nuestros compañeros de la Scène
Nationale de Baiona, surgió la posibilidad de abrir esta
nueva ventana.
La OARA en Aquitania (equivalente a la SAREA de aquí,
Red Vasca de Teatros), adquirió el compromiso de impli-
carse en dFERIA, en lo que hemos denominado la ventana
Aquitania-Euskadi. OARA colabora con la presencia de 2
espectáculos de Aquitania, y dFERIA invita a programado-
res de su red, para conocer la feria en toda su extensión,
es decir, no sólo la programación, sino que puedan reali-
zarse los primeros contactos para incrementar las relacio-
nes entre nosotros y puedan surgir nuevos proyectos de
futuro, beneficiosos para todos, así como la lógica circula-
ción de los espectáculos en una dirección y otra.
Ventana Iberoamericana
En la creencia de que el teatro latinoamericano es un teatro
que responde a las realidades y a las problemáticas socio-
económicas de los países en los que se desarrolla. Como
un teatro que habla a la gente directamente y con vocación
de intervenir en las conciencias de sus públicos comenza-
mos a trabajar en la presencia de compañías latinoamerica-
nas en dFERIA desde 2008.
dFERIA deseaba fomentar la distribución, circulación y pro-
moción de espectáculos iberoamericanos entre los profe-
sionales participantes en dFERIA, así como fomentar que
compañías vascas también tuvieran presencia en festivales
latinoamericanos invitando a directores de festivales rele-
vantes en aquel continente.
Buscábamos también promover sinergias de cooperación
entre artistas y profesionales de ambos lados del Atlántico.
Este año con más fuerza porque contamos con ayuda del
fondo iberoamericano Iberescena creado en 2006 en el
INAEM. Por este motivo, durante esta edición podremos
disfrutar de 7 espectáculos de estilos muy diversos de dife-
rentes países, incluyendo en la ventana también propuestas
de Euskal Herria.
dFERIA Dantzan
Es la “ventana” más antigua en dFERIA. Cuando se tomó la
decisión en firme de que dFERIA también promocionara e
impulsara la danza como una disciplina con sus especifici-
dades e importancia, se creo dFERIA Dantzan; plataforma
de danza vasca que facilite a las compañías un escapa-
rate propicio para su integración en el mercado de las ar-
tes escénicas, dando una imagen de conjunto y solvencia
artística. Como una manera más firme a la hora de abrir
mercados nuevos a nivel estatal e internacional.
Así se creó el programa “Dantza Bultzatuz” impulsado y
financiado por el Departamento de Cultura del Gobierno
Vasco junto a dFERIA, un año más, y ya son 15 ediciones,
desde 2001. Durante esta edición se presentarán 5 espec-
táculos de danza novedosos, atractivos y de artistas muy
diferentes entre sí.
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KONTZEPTUA, DRAMATURGIA ETA ZUZENDARITZA / CONCEPTO, DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN: Matías Umpierrez PERFORMERS: Tessa Andonegi,
Naiara Arnedo, Estibaliz Curiel, Chema Tena, Julen Vega, Mary Zurbano ARGAZKIA / FOTO: Gorka Bravo MUSIKA / MÚSICA: Rafael Sucheras ZUZENDA-
RITZA LAGUNTZAILEA / ASISTENTE DE DIRECCIÓN: Naiara Gonzalez Etxeberria KOKAPEN LAGUNTZAILEAK / ASISTENTES DE LOCALIZACIÓN: Imanol
Jiménez, Jon San Julián, Antonio Arroyo, Xabier Urcaregi, Izaskun Martin WEBGUNEA / WEB: http://www.teatrosolo.com.ar
6
MARTXOA 09 10 11 12 MARZO
TeatroSOLO (LONEtheater) reúne 5 intervenciones performá-
tico-teatrales desarrolladas en 5 sitios específicos de una ciu-
dad y construidas para el ingreso de un solo espectador a la
vez. Estas 5 localizaciones mantienen un diálogo con las pro-
blemáticas emergentes de la ciudad intervenida. Por medio de
esta experiencia individual, el espectador redescubre una nue-
va perspectiva tomando como llave de acceso distintas piezas
teatrales que subsisten ocultas en medio del funcionamiento
habitual de las localizaciones intervenidas. Este proyecto inter-
ventivo retoma la metodología primaria de la representación, a
partir de la práctica ancestral de la transmisión oral de historias
y mitos de generación en generación, y la reconstruye en el
presente. De esta manera, logra redescubrir esta metodolo-
gía liberando al teatro de sus estructuras arquetípicas. Esta
herramienta quita la teatralidad de la sala y desplaza el teatro
a cualquier sitio de una población. Al intérprete lo aleja de su
contexto plasmado de signos artificiales, y lo ubica en el centro
de la escena real del relato. Al público, lo ayuda a escapar del
sometimiento habitual de la platea, de su anonimato y le da un
rol activo, e individual, dentro de la puesta. Esta experiencia ha
sido presentada en varias ciudades del mundo como Nueva
York, Buenos Aires, Sâo Paulo y Graus con gran éxito en el
público y crítica. También ha sido galardonado con el premio
R7 al mejor proyecto producido en Sâo Paulo en 2014.
TeatroSOLOk performance eta antzerki diren bost interben-
tzio biltzen ditu, hiri bateko bost leku zehatzetan gauzatuak,
eta aldiko ikusle bakar bat sar dadin eraikiak. Bost kokapen
horiek elkarrizketan ari dira interbenitutako hiriaren arazo
berrienekin. Bakarkako esperientzia horren bitartez, ikusleak
ikuspegi berria aurkituko du, horretarako giltzatzat hainbat
antzerki-lan hartuz, kokapen interbenituen ohiko funtziona-
menduaren erdian ezkutuan daudenak. Interbentzio-proiek-
tu hau antzezpenaren oinarrizko metodologiaz baliatzen da;
ipuinak eta mitoak belaunaldiz belaunaldi ahoz transmiti-
tzeko ohitura aspaldikotik abiatuta, orainean berreraikitzen
du antzezpena. Hala, berraurkitu egiten du metodologia, eta
antzerkia bere egitura arketipikoetatik askatzen du. Horri
esker, aretoaren antzoki izaera ezabatu eta noranahi erama-
ten da antzerkia. Aktorea urrundu egiten da zeinu artifizia-
lez beteriko testuinguru batetik, eta kontakizunaren eszena
errealaren erdi-erdian geratzen da. Ikus-entzuleei ere lagun-
du egiten zaie beren eserlekuen loturatik ihes egiten, beren
anonimotasunetik, eta rol aktiboa hartzen dute, nork berea,
antzezpenean. Esperientzia hau New York, Buenos Aires,
Sâo Paulo eta Graus hirietan aurkeztu da, besteak beste, eta
arrakasta handia jaso du hala ikusleen nola kritikaren aldetik.
Gainera, R7 saria eman zaio, 2014an Sâo Paulon ekoitzitako
proiekturik onena izateagatik.
MATÍAS UMPIERREZ
TeatroSOLO (LONEtheater) Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria
Castellano, euskara

XXIARTESESCÉNICASMARTXOAK09-12MARZO2015DONOSTIA-SANSEBASTIAN
KOREOGRAFIA ETA INTERPRETAZIOA / COREOGRAFÍA E INTERPRE-
TACIÓN: Helena Golab ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Mireia Gabilondo
ARGIZTAPEN DISEINUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Oscar Grijalba MU-
SIKA ETA ARGAZKIA / MÚSICA Y FOTOGRAFÍA: Laurentx Etxemendi
Este espectáculo performativo que combina danza, teatro,
música e interpretación, habla sobre la dificultad de tomar
decisiones bajo la premisa de que tomar una decisión supo-
ne aceptar una renuncia. El equipo artístico que participa en
el proyecto está presente en el escenario y comparte el es-
pacio en tiempo real, haciendo configuraciones coreográfi-
cas sujetas a la dramaturgia del espectáculo. Una obra en la
que el humor se intercala con la melancolía de la indecisión,
las posibilidades, las dudas y la incertidumbre.
Ikuskizun performatibo honek dantza, antzerkia, musika eta
interpretazioa konbinatzen ditu, eta erabakiak hartzeko zail-
tasunaz ari da, erabaki bat hartzeak uko bat onartzea su-
posatzen duela abiapuntu izanik. Proiektuan parte hartzen
duen talde artistikoa presente dago agertokian, eta denbora
errealean partekaten du espazio hori, ikuskizunaren drama-
turgiari lotutako konfigurazio koreografikoak eginez. Obra
honetan, umorea tartekatzen da erabaki ezinaren, aukeren,
zalantzen eta ziurtasunik ezaren melankoliarekin.
In BEtween
Helena Golab
Intxaurrondo K.E. | 13:00
Antzerkia - Dantza / Teatro - Danza [ 50 min ] Castellano, polski, english
7
La noche árabe es una historia llena de magia tanto en forma como en contenido. Empieza en ese momento mágico en el que el día da paso a la noche
y, a través de cinco personajes, nos habla de lo pasado, de lo vivido, de los ancestros, de los cambios en la vida de las personas, de la memoria primitiva
y de las creencias del ser humano. Verano. En una vivienda, Franziska: una mujer joven que siendo niña fue víctima de un rapto que cambió su vida.
No recuerda que vive atrapada en una maldición, ni que en el pasado fue una princesa árabe. Al quedarse dormida en el sofá, tres hombres intentarán
despertarla con un beso: Karpati, vecino del edificio de enfrente, el novio de Fatima, Kalil, y el conserje del edificio, Lomeier. Uno de ellos le devolverá la
consciencia a la encantada Franziska. Y entonces, como recuerda un refrán: Ojos que ven, corazón que siente.
Gau arabiarra, edukian eta forman magiaz beteriko istorioa da. Eguna gau bihurtzen den une magiko horretan hasiko da eta, bost pertso-
naiekin batera, iraganaz, bizitakoaz, arbasoez, pertsonaiek bizitzan zehar izaten dituzten eraldaketez eta oroimen primitiboaz zein gizakia-
ren sinismenetaz hitz egiten du. Uda. Etxebizitza batean, Franziska: txikitan bahiketa baten biktima izan zen emakume gaztea. Ahaztu egin
du iraganean printzesa arabiarra izan zela eta maldizio batek harrapatuta bizi dela. Egongelako sofan lo geratu ondoren, hiru gizonezko
saiatuko dira Franziska muxu batekin esnatzen: Karpati, parean dagoen eraikineko bizilaguna; Kalil, Fatimaren mutil-laguna eta Lomeier,
eraikineko atezaina. Hiruetako batek itzuliko dio kontzientzia Franziska sorginduari. Eta orduan, atsotitzak dioen moduan: begiek ikusia,
bihotzak jasoa.
LA NOCHE ÁRABE
Hika Teatroa - Kabia - Pabellón 6
Gazteszena (Egia K.E.) | 17:00
Antzerkia / Teatro [ 80 min ] Castellano Azpitituluak / Subtítulos: français, english
ZUZENDARITZA ETA DRAMATURGIA / DIRECCIÓN Y DRAMATURGIA: Borja Ruiz, Laia Ricart, Agurtzane Intxaurraga TESTUA / TEXTO: Roland
Schimmelpfennig INTERPRETEAK / INTÉRPRETES: Ramón Barea, Oskar García, María Goiricelaya, Gabriel Ocina, Ane Pikaza, Iker Vergara SOINU GUNEA /
ESPACIO SONORO: Edu Zalio PROIEKZIOAK / PROYECCIONES: Acrónica Producciones JANTZIAK / VESTUARIO: Azegiñe Urigoitia ARGIZTAPENA /
ILUMINACIÓN: Javier García TALDE TEKNIKOA / EQUIPO TÉCNICO: Eraginstac EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: Hika teatroa, KABIA Teatro espacio de
Investigación DISEINU GRAFIKOA / DISEÑO GRÁFICO: Ane Pikaza BANAKETA / DISTRIBUCIÓN: Hika Teatroa

ZUZENDARITZA ETA MOLDAKETA / DIRECCIÓN Y ADAPTACIÓN: Paco Macià ANTZEZLEAK / INTÉRPRETES: César Oliva Bernal, Jaime Lorente, Eloí-
sa Azorín, Toni Medina, Anaïs Duperrein, Antonio Mateos, Lorenza Di Calogero ESZENOGRAFIA ETA IRUDIA / ESCENOGRAFÍA E IMAGEN: Ángel Haro
ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Pedro Yagüe MUSIKA / MÚSICA: Leandro Martínez-Romero Férez JANTZIAK / VESTUARIO: Eloísa Azorín ITZULPENA /
TRADUCCIÓN: Isabel Guerrero, Paco Macià BIDEOA / VÍDEO: Carlos Belmonte EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: Compañía Ferroviaria KOPRODUKZIOA /
COPRODUCCIÓN: Teatro Circo Murcia BABESLEAK / COMPAÑÍA SUBVENCIONADA POR: Culturarts – Generalitat Valenciana, INAEM LAGUNTZAILEAK /
COLABORAN: Universidad de Alicante, Ayuntamiento de Murcia.
Equus nos habla, en esencia, de la soledad del individuo
frente a una sociedad “domesticada” que nos empuja a se-
guir el camino marcado, el establecido, donde el “diferen-
te” es marginado y donde se establecen los mecanismos
para restituirlo a la “normalidad“.
Allan, es un adolescente desequilibrado que busca su pa-
sión por cauces alternativos que desembocan en un acto
de violencia contra los caballos a su cargo, dejándolos
ciegos. Un comportamiento abominable motivado por su
frustración e inadaptación al mundo en el que ha sido edu-
cado. Allan, se lanza sin frenos a las aguas bravas de sus
instintos más vitales, en conexión con la naturaleza y los
dioses antiguos; por el contrario Dysart se ve incapaz de
renunciar a su posición social domesticada y prepotente.
Shaffer nos plantea en el drama, el conflicto entre lo Apo-
líneo y lo Dionisíaco; la racionalidad y el orden frente a la
libertad, el desenfreno y lo instintivo.
Equus norbanakoaren bakardadeaz mintzo zaigu funtsean;
bakardadea, markaturiko eta ezarritako bidetik ibiltzera
bultzatzen gaituen gizarte “bezatu”aren aurrean, non “des-
berdina” baztertu egiten baitute eta mekanismo batzuk bai-
taude hura “normaltasun”era bideratzeko.
Allan burua desorekatuta duen nerabea da; bestelako bi-
deetatik bilatzen du pasioa eta azkenean zaintzen dituen
zaldien kontrako indarkeria-ekintza bat egingo du, horiek
itsutuz. Jokaera higuingarria, frustrazioak eta hezi duten
mundura egokitu izanak ekarria. Allanek galgarik gabe jo-
tzen du bere instinturik bizienen ur bizietara, naturarekin
eta antzinako jainkoekin bat eginik; Dysart, aitzitik, ez da
gai gizartean duen posizio bezatu eta larderiatsuari uko
egiteko.
Drama honetan, Shaffer-ek Apoloren eta Dionisosen arteko
gatazka planteatzen digu; batetik, arrazionaltasuna eta or-
dena; bestetik, askatasuna, bridaririk eza eta instintuak.
EQUUS
Compañía Ferroviaria Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria
Antzoki Zaharra - Teatro Principal | 18:45
Antzerkia / Teatro [ 100 min ] Castellano
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XXIARTESESCÉNICASMARTXOAK09-12MARZO2015DONOSTIA-SANSEBASTIAN
ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Iñaki Rikarte INTERPRETEAK / INTÉRPRETES: Garbiñe Insausti, José Dault, Edu Cárcamo MUSIKA / MÚSICA: Luis Miguel
Cobos ESZENOGRAFIA ETA JANTZIAK / ESCENOGRAFÍA Y VESTUARIO: Ikerne Gimenez ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Carlos Samaniego “Sama”
MASKARAK / MÁSCARAS: Garbiñe Insausti EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: Kulunka Teatro ZUZENDARI LAGUNTZAILEA / AYUDANTE DE DIRECCIÓN:
Rolando San Martín
Un anciano que ya sólo quiere jugar a las cartas. Un ancia-
no que se queda viudo. Un anciano que no tiene con quién
compartir el juego. Un hijo superado, una nieta adolescen-
te. Un anciano que no se resigna. Una sociedad ciega. Una
puta primeriza. Un equívoco. Una mosca.
Y el tiempo jugando en contra.
Coproducción ESZENA T (Scene National de Baiona y
Victoria Eugenia Antzokia)
Kartetan egin, besterik nahi ez duen agure bat. Alargundu
den agure bat. Norekin jokatu ez duen agure bat. Buru-
tu ezinik dabilen seme bat, biloba nerabe bat. Etsitzen ez
duen agure bat. Gizarte itsu bat. Puta hasiberri bat. Gaiz-
kiulertu bat. Euli bat.
Eta denbora, kontrajokoan.
ESZENA T Koprodukzioa (Baionako Eszena Nazionala
eta Victoria Eugenia Antzokia)
SOLITUDES
Kulunka Teatro Estreinaldia / Estreno
Victoria Eugenia Antzokia | 21:00
Antzerkia / Teatro [ 85 min ] Testurik gabe (maskarak) / Sin texto (máscaras)
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ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Alberto Velasco TESTUA / TEXTO: Triana Lorite ANTZEZLEAK / INTÉRPRETES: Juana Andueza, Juana Cordero, María Re-
yes, Lucía Caraballo, David Bueno ZUZENDARI LAGUNTZAILEA / AYUDANTE DE DIRECCIÓN: Karmen Garay JANTZIAK / VESTUARIO: Sara Sánchez de
la Morena, Sampedro Accesories TWIN PEAKSEN MUSIKAREN MOLDAKETA / ARREGLO MÚSICA DE TWIN PEAKS: Ignacio Ysasi EKOIZPEN EXEKUTIBOA
/ PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Lope García BANAKETA / DISTRIBUCIÓN: Seda
Delicia es una señora nihilista que, de cuando en cuando, re-
cibe visitas de fantasmas. Ellos son una ayuda, un apoyo con
quien hablar y entretenerse… pero no todas las visitas son
agradables, y menos las reales, las que no se pueden evitar.
El universo personal de Delicia ya está creado y prácticamente
cerrado, no cabe nadie más… por eso, cuando su hija y su
nieta van a visitarla para acabar comunicándole que tiene que
marcharse de su propia casa porque se instalan ellas, tendrá
que defenderse.
Delicia andre nihilista bat da, tarteka mamuen bisitak izaten
dituena. Haiek laguntzen diote, babesgarri ditu, solaskide
eta entretenigarri… baina bisita guztiak ez dira atseginak,
are gutxiago bisita errealak, saihestu ezin direnak.
Deliciaren unibertsoa osatua eta ia erabat itxita dago, han
ez da beste inorentzako lekurik… horregatik, alaba eta bi-
loba bisitan doazkionean esateko ezen bere etxetik alde
egin behar duela, berak jarriko direla-eta han bizitzen, bere
burua defendatu beharko du.
DELICIA
Seda Producciones Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria
Victoria Eugenia Club | 24:15
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SORKUNTZA, ERREALIZAZIOA ETA INTERPRETAZIOA / CREACIÓN, REALIZACIÓN E INTERPRETACIÓN: Shaday Larios, Jomi Oligor KOPRODUKZIOA /
COPRODUCCIÓN: Oligor y Microscopía, Iberescena, TNT 2014. Terrassa Noves Tendencies KOLABORAZIOA / COLABORACIÓN: La Máquina de Teatro
La máquina de la soledad es un homenaje al objeto-carta y al correo
postal. Es la amplitud de un instante hecho de una tecnología preca-
ria, diminuta, invisible, que se activa cada vez que hay tinta entre las
manos, frente a un papel, una distancia y una ausencia. Sus embra-
gues son memorias que se van escribiendo con cada corresponden-
cia recuperada, con la arqueología de objetos, imágenes y anécdotas
insólitas investigadas con escribanos, carteros jubilados, archivos y
trabajadores de correos.
La máquina de la soledad gutun-objektuari eta posta arruntari egin-
dako omenaldia da. Istant baten zabaltasuna da, teknologia preka-
rioz, txikiz, ikusezinez egindako istant batena, zeina abian jartzen baita
eskuetan tinta dagoenean, paper baten aurrean, distantzia baten eta
absentzia baten aurrean. Makinaren enbrageak oroitzapenak dira, be-
rreskuratutako gutun bakoitzarekin idazten diren oroitzapenak, eskri-
bauekin, postari jubilatuekin, artxiboekin eta postako langileekin iker-
tutako objektu, irudi eta pasadizo bitxien arkeologiarekin.
LA MÁQUINA DE LA SOLEDAD
Microscopía y Oligor Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria
San Telmo Museoa | 9; 22:45 | 10; 20:30
Antzerkia (Objektu teatro dokumentala) / Teatro (Teatro de objetos documental) [ 80 min ] Castellano

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Cyrano de Nueva Orleans está enamorado de la música, de la vida y del
verso, pero sobre todo... está enamorado de Roxana. ¿Conseguirá Cyrano
vencer sus miedos, sus complejos y su orgullo para declararle a Roxana
su amor? Versión libre del drama heroico Cyrano de Bergerac de Edmond
Rostand, poeta y dramaturgo francés. Este espectáculo, que sucede en la
Nueva Orleans de principios del siglo XX, está cargado de humor y de esce-
nas emocionantes salpicadas con canciones en directo a ritmo de jazz.
Alguien va a una ciudad y se encuentra
una escultura clásica junto a un rascacie-
los. Está delante de dos construcciones
separadas por 1.000 años. Y no pasa
nada. La acumulación constante de la
Historia provoca que, poco a poco, el
pasado importe anecdóticamente y el
presente tenga todo el interés. Pero el
presente es sutil y frágil y parece que nin-
gún acontecimiento histórico ahora tenga
el peso que debería tener.
New Orleansko Cyrano musikaz, bizitzaz eta bertsoez dago maite-
minduta baina, batez ere… Roxanaz. Lortuko al du bere beldurrak,
konplexuak eta harrotasuna gainditzea eta Roxanari bere maitasuna
adieraztea? Edmond Rostand poeta eta dramaturgo frantsesaren
Cyrano de Bergerac bertsio librea da hau. Istorioa XX. mende ha-
sierako New Orleansen gertatzen da, umorez eta eszena hunkigarriz
beteta eta zuzenean eta jazz erritmoz ematen diren abestiz ere bai.
Nor bat hiri batera doa eta eskultura
klasiko bat aurkitzen du etxeorratz
baten ondoan. 1.000 urtek bereizten
dituzten bi eraikinen aurrean dago.
Eta ez da ezer gertatzen. Historia
etengabe metatzeak ekarri du iraga-
nak pixkanaka garrantzirik ez izatea
eta orainak beretzea interes guztia.
Baina oraina sotila eta hauskorra da,
eta badirudi orain ezein gertaera his-
torikok ez duela behar lukeen pisurik.
CYRANO DE NUEVA ORLEANS
NEW ORLEANSKO CYRANO
Vaivén Producciones Estreinaldia / Estreno
Imanol Larzabal (Lugaritz K.E.) | CAS: 10:00 EUS: 11:30
Antzerkia / Teatro [ 50 min ]
EL CIELO AHORA
Olatz de Andrés
Antzerkia - Dantza / Teatro - Danza [ 60 min ] Castellano Azpitituluak / Subtítulos: français, english
ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Olga Margallo TESTUA / TEXTO: Antonio Muñoz de Mesa, Olga Margallo EUSKARAZKO BERTSIOA / VERSIÓN EN EUSKE-
RA: Ainara Ortega ESZENOGRAFIA / ESCENOGRAFÍA: Matías Carbia JANTZIAK / VESTUARIO: Rafael Garrigos, Armando S. Sánchez MUSIKA ETA SOINU
GUNEA / MÚSICA Y ESPACIO SONORO: Roberto Bazan ARGITAZPEN DISEINUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Rafa Catalina ANTZEZLEAK / INTÉRPRE-
TES: Kepa Errasti, Itxaso Quintana, Álvaro Garayalde, Ainara Ortega, Asier Oruesagasti MUSIKARIAK / MÚSICOS: Roberto Bazan, Patxi Urchegui, José
Miguel Pérez, Fernando Lleida, Javi García, Israel Tubilleja EKOIZPEN EXEKUTIBOA / PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Ana Pimenta BANAKETA / DISTRIBU-
CIÓN: Vaivén Producciones
KONTZEPTUA ETA ZUZENDARITZA / CONCEPTO Y DIRECCIÓN: Olatz de Andrés SORKUN-
TZA ETA INTERPRETAZIOA / CREACIÓN E INTERPRETACIÓN: Idurre Azkue, Pilar Andrés,
Isaak Erdoiza, Olatz de Andrés DRAMATURGIA / DRAMATURGIA: El Conde de Torrefiel AR-
GIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Gabo Punzo JANTZIAK / VESTUARIO: Alberto Sinpatron KO-
PRODUKZIOA / COPRODUCCIÓN: BAD Jaialdia (Eusko Jaurlaritza, El Graner, Pasoa2-ren
laguntzarekin) / Festival BAD (con el apoyo de Gobierno Vasco, El Graner, Pasoa2)

Nombre Obra
Nombre Compañía
Lugar de celebración | Horario
[ XX min ] Idioma
Gaizki tratatutako pertsonek ez dute titularretan tokirik.
Tratu txarrak eta gaizki tratatzea ere hitzak besterik ez dira.
Eta bereizi egiten ditugu, orden desberdinean jositako hitz
berberak izan arren. Hitzak. Hitzak besterik ez. Horri buruz
hitz egiten du Hitzak antzezlanak. Hitz zaurigarriez, hitz
iraingarriez, hitz mingarriez… Hitzak besterik ez. Eta hit-
zen artean gizon bat eta hiru emakume, bat eta bera dire-
nak. Elkarri hitzik gozoenak esateko gai diren gizon bat eta
emakume bat. Hitzak gozotasuna galtzen hasten diren arte.
Hiru emakume eta gizon bat… eta umea.
Las personas que son tratadas mal, no tienen cabida en los
titulares. Tratar mal o maltratar; tan solo un juego de pa-
labras, que en realidad están unidas de diferente manera,
pero a los que no damos el mismo signifi cado. Palabras.
Tan solo palabras. De eso trata la obra de teatro Hitzak. De
palabras. Palabras que hieren, que duelen, que menospre-
cian... Tan solo palabras. Y entre esas palabras, un hombre
y tres mujeres, que son la misma, capaces de decirse las
palabras mas dulces hasta que la dulzura empieza a des-
aparecer. Tres mujeres y un hombre.......y un niño.
JATORRIZKO IDEIA / IDEA ORIGINAL: Shakti Olaizola ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Lucio Baglivo ANTZEZLEA / INTÉRPRETE: Shakti Olaizola KOREOGRAFIA /
COREOGRAFÍA:LucioBaglivo,StefanoFabrisKOLABORAZIOARTISTIKOA/COLABORACIÓNARTÍSTICA:MaiteGuevara,StefanoFabrisARGIZTAPENDISEINUA/ DISEÑO
DE ILUMINACIÓN: Naia Muñoz EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: Shakti Olaizola KOLABORAZIOAK / COLABORACIONES: Pirineos de Circo, Bilboko Udaleko Kultura
Saila / Área de Cultura del Ayuntamiento de Bilbao ESZENOGRAFIA / ESCENOGRAFÍA: Shakti Olaizola JANTZIAK / VESTUARIO: Mayari Reta ARGAZKIA / FOTO-
GRAFÍA: Barbara Govan BIDEOA / VÍDEO: Jesus Pueyo, Ivan Izagirre
Nos sumergimos en el mundo, un tan-
to peculiar, de una chica. A través de
su lectura, nos lleva por los distintos
capítulos de una historia llena de re-
cuerdos, descubrimientos, reflejos,
sueños... A partir de las situaciones
y los objetos que va encontrando a
su paso comparte sus historias con
nosotros. Nos hará soñar y disfrutar
en ese mundo en el que está inmer-
sa. Acciones y objetos cotidianos se
convertirán en juego, desafío y deleite
junto con el movimiento, la voz, los
equilibrios, la danza y la contorsión.
¿Cómo terminará este viaje?
Irakurtzen ari den neska baten mundu
bitxian murgiltzen gara. Pasarte desber-
dinak dituen historio batetara eramaten
gaitu, oroimenez, aurkikuntzaz, erre-
flexuz, ametsez... betetakoa. Bidean
aurkitzen dituen egoera eta objetuen bi-
tartez bere burua aurkitzen du eta bere
istorioak gurekin partekatzen ditu. Bera
barrena dagoen munduan guk goza-
tzea eta amets egitea lortuko du. Ekin-
tzak eta egunerokotasuneko objetuak,
jokoan, erronkan eta poztasunean bi-
hurtuko dira mugimendua, ahotsa, ore-
kak, dantza eta kontorsioarekin batera.
Nola bukatuko da bidaia hau?
IRAKURRIZ
Shakti Olaizola
Victoria Eugenia Club | 17:30 / 19:30
Zirkoa - antzerkia / Circo - teatro [ 30 min ]
Pereza habla de la belleza que vive en
cada acto del ser humano, en cada pala-
bra, en cada gesto y que transciende, que
vive, que pesa. Tumbado sobre una na-
turaleza extensa, verde y negra, un bos-
que que aprovecharía mi cuerpo hasta la
última gota. Mi cuerpo se abandona, los
músculos se dilatan sintiendo cada vez
más cerca el contacto con la tierra, los
huesos crujen cada vez que se hunden
un poco más hacia dentro, siento que po-
dría enraizarme aquí, que podría florecer
la próxima primavera convertido en árbol,
transformado en hierba.
Pereza gizakiaren ekintza, hitz eta
keinu bakoitzean den edertasunaz
mintzo da; edertasun horrek bizia du,
pisua, hedatu egiten da. Natura zabal,
berde, beltz baten gainean etzanda,
nire gorputza azken tantaraino bere-
tuko lukeen oihan batean. Nire gor-
putza egonean dago, giharrak lasatu
egiten dira lurraren ukitua gero eta
gertuago sentituz, hezurrek kraska
egiten dute hondoratu ahala, senti-
tzen dut sustraitu egin naitekeela he-
men, loratu egin nintekeela datorren
udaberrian zuhaitz, belar bihurturik.
PEREZA
Cielo Raso
Dantza / Danza [ 50 min ]
ZUZENDARITZA/DIRECCIÓN:IgorCalongeANTZEZLEAK/ IN-
TÉRPRETES: Beñat Urretabizkaia, Igor Calonge ARGIZTA-
PEN DISEINUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Pedro Fres-
neda, Raquel Hernández ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN:
Cristina Libertad Bolivar EKOIZPENA / PRODUCCIÓN:
Beatriz Churruca
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Gaizki tratatutako pertsonek ez dute titularretan tokirik.
Tratu txarrak eta gaizki tratatzea ere hitzak besterik ez dira.
Eta bereizi egiten ditugu, orden desberdinean jositako hitz
berberak izan arren. Hitzak. Hitzak besterik ez. Horri buruz
hitz egiten du Hitzak antzezlanak. Hitz zaurigarriez, hitz
iraingarriez, hitz mingarriez… Hitzak besterik ez. Eta hit-
zen artean gizon bat eta hiru emakume, bat eta bera dire-
nak. Elkarri hitzik gozoenak esateko gai diren gizon bat eta
emakume bat. Hitzak gozotasuna galtzen hasten diren arte.
Hiru emakume eta gizon bat… eta umea.
Nombre Obra
Nombre Compañía
Lugar de celebración | Horario
[ XX min ] Idioma
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DRAMATURGIA / DRAMATURGIA: Wajdi Mouawad ANTZEZLEA / INTÉR-
PRETE: Hovik Keuchkerian ZUZENDARITZA ETA MOLDAKETA / DIRECCIÓN
Y ADAPTACIÓN: Santiago Sánchez ESZENOGRAFIA / ESCENOGRAFÍA:
Dino Ibáñez ARGIZTAPEN DISEINUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Rafael
Mojas IKUSENTZUNEZKO PROIEKZIOA / PROYECCIÓN AUDIOVISUAL:
David Bernués JANTZIAK / VESTUARIO: Elena Sánchez Canales SOINU DISEI-
NUA / DISEÑO DE SONIDO: José Luis Álvarez EKOIZPENA / PRODUCCIÓN:
Ana Beltrán BANAKETA / DISTRIBUCIÓN: Emilia Yagüe Producciones
Una llamada en medio de la noche. Alguien, al otro lado
del teléfono, dice “ven”. Wahab sale. Una ciudad extra-
ña. El frío le hiela las pestañas. Recuerda el calor de su
país. ¿Quién le llama? ¿Qué va a ocurrir? Aunque quizás,
para Wahab, todo comenzó cuando tuvo que abandonar
su país, su calor, el día que olvidó la forma del rostro de su
madre... el día que un obús perforó su corazón. Contun-
dente monólogo de Wajdi Mouawad, uno de los autores
fundamentales del actual panorama teatral con el debut en
teatro de Hovik Keuchkerian.
Dei bat gau erdian. Norbaitek, telefonoaz handik, “zatoz”
esan du. Wahab kanpora atera da. Hiri arraro bat. Hotzak
betileak izozten dizkio. Sorterriko beroa datorkio gogora.
Nork deitu dio? Zer gertatuko da? Baina Wahabentzat,
beharbada, sorterritik alde egin behar izan zuenean hasi
zen dena, beroa han utzita, amaren aurpegiaren nolakoa
ahaztu zuenean… obus batek bihotza zulatu zionean.
Bakarrizketa sendoa idatzi du Wajdi Mouawad-ek, egungo
antzerki-panoramako autore funtsezko batek, eta Hovik
Keuchkerianek debuta egiten du antzerkian lan honekin.
UN OBÚS EN EL CORAZÓN
L’om imprebís Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria
Antzoki Zaharra / Teatro Principal | 18:45
Brota lo diverso. Sin etiquetas, sin encasillamientos, sin tener que dar un
género que defina una manera de relacionarnos, de movernos.
¿Cómo me identifico con mi cuerpo? ¿Qué veo? Y tú, ¿qué ves? Necesito
que me mires para existir, así que por favor, toca antes de entrar.
Desberdintasuna erne da. Etiketarik, sailkatzerik gabe, genero bat
eman beharrik gabe harremanetan jartzeko eta mugitzeko dugun
modua definitzeko.
Nola identifikatzen naiz neure gorputzarekin? Zer ikusten dut? Eta
zuk, zer ikusten duzu? Zure begirada behar dut izango banaiz; be-
raz, mesedez, jo atea sartu aurretik.
GORPUTZA
Kolorearekin Estreinaldia / Estreno
Dantza / Dantza [ 20 min ]
ZUZENDARIA / DIRECTOR: Jordi Cortés (Asociación Kiakahart) KOREOGRAFIA / COREOGRAFÍA: Jordi Cortés, Kolorearekin ANTZEZLEAK / INTÉRPRE-
TES: Lorea Igartua, Xabier Madina, Alba Fernández, Nahia Iparragirre, Nerea Sánchez, Maylis Arrabit, Lierni Izeta, Alain Lersundi MUSIKA / MÚSICA:
Collage Musical ARGAZKIA / FOTOGRAFÍA: Katrin R. Aldanondo JANTZIAK / VESTUARIO: Ioana Astigarraga Goikoetxea

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EGILEA ETA ZUZENDARIA / AUTOR Y DIRECTOR: Alfredo Sanzol ITZULTZAILEA / TRADUCTOR: Harkaitz Cano INTERPRETEAK / INTÉRPRETES: Sandra
Ferrús, Mireia Gabilondo, Aitziber Garmendia, Aitor Mazo, Iñaki Rikarte OFF AHOTSA / VOZ EN OFF: Aitor Mazo MUSIKA / MÚSICA: Iñaki Salvador ES-
ZENOGRAFIA ETA ATREZZOA / ESCENOGRAFÍA Y ATREZZO: Alejandro Andujar ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Xabier Lozano JANTZIAK / VESTUARIO:
Ana Turrillas ZUZENDARI LAGUNTZAILEAK / AYUDANTES DE DIRECCIÓN: Aitziber Garmendia, Vito Rogado EKOIZPEN EXEKUTIBOA / PRODUCCIÓN
EJECUTIVA: Fernando Bernués, Koro Etxeberria EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: Centro Dramático Nacional, Tanttaka Teatroa
Tras probar unos hongos alucinógenos, Oliver comienza a ver
que en el futuro se quedará dormido delante del ordenador y
que un cliente le grabará con el móvil dando cabezadas. Oliver
querrá que el cliente borre ese vídeo del móvil y el cliente no
querrá. De la lucha de dos cabezones nace esta historia de bús-
queda de la dignidad y del sentido de la vida. Un viaje iniciático
que nos va a llevar a África, a los elefantes rosas, al amor, a la
obsesión, a los allanamientos de morada, a las escopetas de
caza, al alcohol, a la traición, a los sueños robados y a los ma-
nantiales de los que surge el agua de la vida.
Onddo haluzinogeno batzuk jan ondoren, Oliver etorkizu-
nean ordenagailuaren aurrean lo geldituko dela ikusten ha-
siko da eta bezero batek mugikorrarekin burukadak ema-
ten grabatuko duela. Oliverrek nahiko du bezeroak bideoa
mugikorretik borratzea; bezeroak ez, ordea. Bi burugogo-
rren borrokatik sortu da duintasuna eta bizitzaren zentzua
bila-tzeari buruzko istorio hau. Iniziazioko bidaia honek
Afrikara eramango gaitu, elefante arrosetara, maitasunera,
obsesiora, bizileku-bortxatzeetara, ehizako eskopetetara,
alkoholera, traiziora, lapurtutako ametsetara eta bizitzako
ura ematen duten iturburuetara.
LA CALMA MÁGICA
CDN / Tanttaka Teatroa

DRAMATURGIA ETA ZUZENDARITZA / DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN: Mariano Tenconi Blanco ANTZEZLEA / INTÉRPRETE: Iride Mockert MUSIKA / MÚ-
SICA: Sonia Álvarez, Ian Shifres ESZENOGRAFIA / ESCENOGRAFÍA: Oria Puppo JANTZIAK / VESTUARIO: Paola Delgado ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN:
Matías Sendón KOREOGRAFIA ETA MUGIMENDUEN DISEINUA / COREOGRAFÍA Y DISEÑO DE LOS MOVIMIENTOS: Carolina Borca DISEINU GRAFIKOA /
DISEÑO GRÁFICO: Gabriel Jofré ABESTIAK / CANCIONES: Tenconi – Bartolone, Alvarez-Shifres ERREALIZAZIO ESZENOGRAFIKOA / REALIZACIÓN
ESCENOGRÁFICA: Valeria Abuin ARGAZKIA / FOTOGRAFÍA: Lucas Coiro ZUZENDARI LAGUNTZAILEA / AYUDANTE DE DIRECCIÓN: Ignacio Bartolone
EKOIZPEN OROKORRA / PRODUCCIÓN GENERAL: Ángela Carolina Castro
En la selva tucumana, en plena noche, una mujer comienza a
asesinar hombres. Pero esta asesina no es sólo eso, es tam-
bién una vengadora. Y es, también, una mujer tigre. Existe en
el norte el mito del hombre tigre: quien baile sobre su cuero
se convertirá en el animal. Existen en el norte también otras
historias, historias que no son mitos. Historias de animales y
de hombres. Historias de hombres que son animales. La fiera
intenta fundar un territorio mítico y su protagonista es a la
vez una heroína y una mujer común y corriente que se revela
ante el abuso.
Tucumango oihanean, gau beltzean, emakume bat gizonak
hiltzen hasi da. Baina ez da hiltzaile hutsa, mendekatzailea
ere bada. Eta emakume tigrea ere bai. Iparraldean, bada
gizon tigrearen mitoa: haren larruaren gainean dantza egi-
ten duena, animalia hura bihurtuko da. Iparraldean badira
beste historia batzuk ere, mito ez direnak. Animalien eta
gizonen historiak. Animaliak diren gizonen historiak. La fie-
ra lurralde mitiko bat sortzen saiatzen da, eta protagonista
heroina eta emakume arrunt da aldi berean, gehiegikeriaren
kontra oldartzen dena.
LA FIERA
Espacio DSS2016 Gunea | 23:00
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HappyEnd es una asociación clandestina que proporciona a los sui-
cidas ayuda para llevar a cabo su propósito relacionándolos entre sí.
La asociación ha florecido al amparo de la crisis, pero últimamente,
los brotes verdes y un optimismo creciente han provocado que los
suicidas empiecen a brillar por su ausencia… El suicidio, guarnido con
humor negro… HappyEnd es un retrato velado, satírico, solanesco y
berlanguiano de la España de la burbuja inmobiliaria inducida, de los
salarios desinflados y de la deuda estratosférica…
HappyEnd elkarte klandestino bat da suizidei laguntzen diena
beren asmoa bete dezaten, nola eta elkarrekin harremanetan ja-
rriz. Elkartea krisiari esker loratu da baina azkenaldian, kimu ber-
deen eta baikortasun gero eta handiago baten ondorioz, gero eta
gutxiago dira suizidak… Suizidioa, umore beltzez atondua. Ha-
ppyEnd erretratu lausotu, satiriko bat da, Solanak eta Berlangak
egina, higiezinen burbuilaren eraginaren, soldata eskastuen eta
zor itzelaren erretratua…
HAPPYEND
KOREOGRAFIA / COREOGRAFÍA: Chloé Hernandez, Orin Camus ANTZEZLEA / INTÉRPRE-
TE: Orin Camus ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Sylvie Debare BIDEOA / VÍDEO: Mickael
Arnal GEHIGARRIZKO MUSIKA / MÚSICA ADICIONAL: Burial, Aphex Twin, James Blake
Una mesa, una silla, un bailarín. El
punto de partida de este trabajo ra-
dica en el simple hecho de que en
el mundo occidental vivimos encima
de nuestras sillas. Nuestros antepa-
sados se enderezaron, pero hemos
continuado la evolución hacia una
posición sentada. Un cuerpo senta-
do manifiesta una rigidez aparente.
No puede recorrer ninguna distancia
y esta postura propicia el control de
las emociones.
Mahaia, besaulkia, dantzaria. Lan honen
abiapuntua gertaera soil bat da: Men-
debaldeko mundu honetan gure aulkien
gainean bizi garela. Gure arbasoak zutitu
egin ziren baina guk eboluzionatzen jarrai-
tu dugu, eserita egoteraino. Gorputz eseri
batek zurruntasun itxurazko bat ageri du.
Espazio horretan ezin da inora joan eta
jarrera hori aproposa da emozioak kon-
trolatzeko.
L’HOMME ASSIS
Compagnie Yma Estreinaldia / Estreno
Imanol Larzabal (Lugaritz K.E.) | 10:00
TESTUA / TEXTO: Borja Ortiz de Gondra ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Iñaki Rikarte ESZENOGRAFIA / ESCENOGRAFÍA: Ikerne Giménez ATREZZOA /
ATREZZO: Marcos Carazo JANTZIAK / VESTUARIO: Ikerne Giménez MUSIKA ETA SOINU ESPAZIOA / MÚSICA Y ESPACIO SONORO: Iñaki Salvador AR-
GIZTAPEN DISEINUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Xabier Lozano ANTZEZLEAK / INTÉRPRETES: Xabi Donosti, Garbiñe Insausti, Ana Pimenta EKOIZPEN
ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN: Ana Pimenta EKOIZPEN EXEKUTIBOA / PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Dorleta Urretabizkaia, Izaskun
Imizkoz BANAKETA / DISTRIBUCION: Vaivén Producciones
16

ZUZENDARITZA ETA KOREOGRAFIA / DIRECCIÓN Y COREOGRAFÍA: Judith Argomaniz ANTZEZLEAK / INTÉRPRETES: Jaiotz Osa, Itsasai Mediavilla,
Judith Argomaniz MUSIKA / MÚSICA: David Holmes, Eddie Vedder, Antonio Vivaldi ARGIZTAPEN DISEINUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Gabriel Punzo
JANTZIAK / VESTUARIO: Eider Ezenarro ARGAZKIA ETA BIDEOA / FOTOGRAFÍA Y VÍDEO: Diego Hernández
Lauesku 22 invita a la reflexión interna sobre por qué aca-
tar con total naturalidad y sumisión las normas, costumbres,
reglas e imposiciones establecidas y dar por hecho solucio-
nes y respuestas predeterminadas. El lenguaje coreográfico
investiga sobre la conformidad y el enfrentamiento. A través
de un partido de pelota, se exponen situaciones donde las
propias reglas del juego se cuestionan.
Lauesku 22 gogoetarako deia da, honako honi buruz:
zergatik men egin naturaltasun eta menpekotasun osoz
ezarriak zaizkigun arau, ohitura, erregela eta inposake-
tei, eta zergatik onartu auzitan jarri gabe aurrez eman
zaizkigun soluzioak eta erantzunak. Pilota-partida baten
bitartez, hainbat egoera azaltzen dira jokoaren arauak
auzitan jartzeko, ezarrita dagoena ez baita lehentasuna
duena.
LAUESKU 22
Lasala
IDEIA ETA KOREOGRAFIA / IDEA Y COREOGRA-
FÍA: Valérie Rivière ANTZEZLEAK / INTÉRPRETES:
Mélissa Blanc, Chloé Hernandez-Camus, Stéphanie
Pignon, Fanny Sage, Guillaume Siron OLERKIAK /
POESÍAS: Timothée de Fombelle, Emily Dickinson,
Richard Brautigan, Werner Lambersy, Carlo Bordini,
Dyane Léger, Paul Eluard, Mauro Fabi, Paul Verlai-
ne, Annie Le Brun, William Butler Yeats ELKARRIZ-
KETAK / DIÁLOGOS: Stephan Wojtowicz MUSIKA /
MÚSICA: Guillaume Siron, Bruno Ralle Baloo Pro-
ductions ESZENOGRAFIA / ESCENOGRAFÍA: Valérie
Rivière JANTZIAK / VESTUARIO: Valérie Rivière, Hervé
Poeydomenge, Emma Fournier ARGIZTAPENA / ILU-
MINACIÓN: Eric Blosse, Fabrice Barbotin SOINUA / SONI-
DO: Bruno Ralle, Loïc Lachaize ARGAZKIA / FOTO-
GRAFÍA: Jean Baptiste Bucau
A la coreógrafa Valérie Rivière le encanta contar historias esbozadas con la energía
y las emociones que nos transmiten los cuerpos. A través de la danza, el lenguaje
poético de sus creaciones entrelaza sus colores y sus timbres con otras formas de
arte. En Toutes les filles devraient avoir un poème la coreógrafa cede la palabra a
poetas como Emily Dickinson, Richard Brautigan y Paul Eluard y destaca su esencia
mediante los movimientos y el diálogo de un cuarteto de bailarines.
Valérie Rivière koreografoak izugarri maite du gorputzek transmititzen dizkigu-
ten indarraz eta emozioez zirriborratutako istorioak kontatzea. Dantzaren bitar-
tez, bere sorkuntzen hizkuntza poetikoak beste arte-forma batzuekin nahasten
ditu. Obra honetan, koreografoak Emily Dickinson, Richard Brautigan eta Paul
Eluard poetei utzi die hitza eta poeton funtsa nabarmendu du dantzari-laukote
baten mugimenduen eta elkarrizketaren bitartez.
TOUTES LES FILLES DE-
VRAIENT AVOIR UN POÈME
Paul les Oiseaux Estreinaldia Estatuan / Estreno Estado
17

18
ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Hugo Urquijo ANTZEZLEAK / INTÉRPRETES:
Federico Luppi, Susana Hornos, Juanjo Andreu EKOIZPENA / PRODUCCIÓN:
Sebastian Blutrach, Teatro El Picadero de Buenos Aires
El reportaje nos acerca al momento en que un canal de te-
levisión le ha pedido a un ex general de la nación argentina
una entrevista que se realizará en el penal en el que el pro-
tagonista cumple condena por su participación durante la
brutal dictadura genocida que asoló a Argentina a partir de
1976. Este militar dará testimonio sobre el modo en el que
participó en actividades de censura en el campo de la cultu-
ra durante esos años, y más específicamente, en el incendio
del teatro El Picadero en represalia al nacimiento de un gran
movimiento cultural contra la dictadura argentina en 1976,
que nació entre los telones de aquel teatro.
El reportajek une bat dakarkigu: une bat non telebista-kanal
batek elkarrizketa bat eskatzen baitio argentinar nazioko
jeneral ohi bati. Elkarrizketa kartzelan egingo da, protago-
nista han baitago, 1976tik aurrera Argentina sakailatu zuen
diktadura genozida basan parte hartzeagatik. Militar horrek
azalduko du nola parte hartu zuen kultura arloko zentsura-
eginkizunetan urte haietan, eta zehazkiago El Picadero an-
tzokiaren erreketan. 1976an Argentinako diktaduraren kontra
sortutako kultur mugimendu handi bat itotzeko, antzoki ha-
ren errezelen artean sortua. El reportajek pentsaera autorita-
rioa arakatzen du, umore kritikoz eta zorrotzez, eta orainari
keinuka betiere.
EL REPORTAJE
Teatro El Picadero
Antzoki Zaharra – Teatro Principal | 19:00
KONTZEPTUA ETA ZUZENDARITZA / CONCEPTO Y DIRECCIÓN: Reinaldo Ribeiro KOREOGRAFIA / COREOGRAFÍA: Daniel Rosado, Mireia Piñol, Reinaldo
Ribeiro MUSIKA / MÚSICA: Godspeed Black Emperor, Sebastián García Ferro, Javier Gamazo JANTZIAK / VESTUARIO: Ariel Santiago Zalazar ARGIZTA-
PENA / ILUMINACIÓN: Colectivo Lamajara OFF AHOTSA / VOZ EN OFF: Pere Molsosa EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: Colectivo Lamajara
Innings es el término que en béisbol hace referencia a cada uno de
los segmentos del juego. De este concepto nace la pieza como si de
una partida se tratase: tres jugadores intentando imponerse al otro
donde el trato y la estrategia evocan lugares extremos de la psique
humana. Innings impregna el conflicto por excelencia, se deja impul-
sar desde la emoción de cada uno de sus intérpretes.
Innings hitzak jokoaren segmentuak adierazten ditu beisbolean. Kon-
zeptu hori du abiapuntu atzerki-lan honek, partida bat balitz beza-
la: hiru jokalari nor baino nor, tratuak eta estrategiak giza psikearen
muturreko egoerak gogorarazten dituztelarik. Inningsek gatazka ageri
du, gatazka bere hutsean; aktore bakoitzaren emoziotik jasotzen du
bulkada.
INNINGS
Colectivo Lamajara Danza
Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria

WALKING CITY
Carmelo Segura Companhia Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria
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Zuzendaritza artistikoa eta koreografia / Dirección artística Y coreografÍa: Carmelo Segura Koreografia laguntzailea / Asis-
tente de coreografía: Kristine Lindmark Dantzariak / Bailarines: Kristine Lindmark, Chema Zamora, Yolanda Torosio, David Vilariño, Luis A.
Largo, Iria Fernández, Max Allen. Ikus-entzunezkoak ETA ANIMAZIOA / Audiovisuales - Animación: Koldo Mikel Rus Argiztapena / Diseño
de luces: Israel AG Torrecilla Jantzigintza / Diseño de vestuario: Rocío González. Soinu diseinua / Diseño de sonido: Rubén Bustamante
Makinista burua / Jefe maquinistas: Miguel Marrupe Ekoizpena / Producción: Susana Estruga Banaketa / Distribución: Marisol Pérez,
María Fernández (La otra Banda)
Walking City habla, critica y parodia el sistema bajo el que vivimos en
las grandes ciudades, haciendo un recorrido por diferentes situacio-
nes cotidianas. Presenta a personajes en los que el espectador se
verá reflejado. Es una oportunidad para el espectador de ser obser-
vador de su realidad.
Walking Cityk egungo hiri handietako sistema jorratu, kritikatu eta
parodiatzen du eguneroko egoera ezberdinak landuz. Ikuslearen
enpatia lortuko duten pertsonaia ezberdinak aurkezten ditu. Aukera
bikaina ikuslearentzako bere errealitatearen behatzaile bihurtzeko.

20
Un chico de Durango muere en un accidente de co-
che y llega a la vida de ultratumba. Para su sorpresa,
se encuentra con que ha sido destinado al Cabaret
Chihuahua, un local de esparcimiento del inframun-
do. Allí experimenta el proceso de “catrinización” o
esqueletización. Cabaret Chihuahua es el musical
vasco zombi-mexicano para tiempos de crisis.
Durangoko mutil bat auto-istripu batean hiltzen da eta
hilobiaz haragoko bizitzara iristen. Bere harridurarako,
ikusiko du Chihuahua Kabaretera destinatu dutela, azpi-
munduko aisiarako areto batera. Han, “katrinizatze” pro-
zesua jasango du, hots, eskeleto bihurtzeko prozesua.
Cabaret Chihuahua: krisialdietarako euskal musikal zonbi
mexikarra.
TESTUA ETA ZUZENDARITZA / TEXTO Y DIRECCIÓN: Felipe Loza ANTZEZLEAK / INTÉRPRETES: Enriqueta Vega, Lander Otaola, Mitxel Santamarina, Diego Perez,
Quique Gago, Irene Bau, Iñaki Maruri, Ylenia Baglietto ESZENOGRAFIA DISEINUA / DISEÑO ESCENOGRAFÍA: Jose Ibarrola ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Iñaki
Garcia JANTZIAK / VESTUARIO: Enriqueta Vega, Fernando Arzuaga ATREZZOA / ATREZZO: Iñaki Etxeandía
CABARET CHIHUAHUA
Pabellón 6
Diziplina anitzeko ikuskizuna / Espectáculo multidisciplinar [ 120 min ] Castellano

ANTZEZLEAK / INTÉRPRETES: Iker Legarda, Eneritz García, Beñat Aristi ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Tom Donnellan, Danolux GUNE ESZENIKOA /
ESPACIO ESCÉNICO: Taupada Multimedia SOINU BANDA ETA IKUS-ENTZUNEZKOAK / BANDA SONORA Y AUDIOVISUALES: Taupada Multimedia TESTUAK /
TEXTOS: María Velasco EUSKARAZKO BERTSIOA / VERSIÓN EN EUSKERA: Julia Marín ZUZENDARI LAGUNTZAILEA ETA KOREOGRAFIA / AYUDANTE
DE DIRECCIÓN Y COREOGRAFÍA: Eguzki Zubia ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Miguel Olmeda
DRAMATURGIA ETA ZUZENDARITZA / DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN: Tito Asorey ANTZEZLEAK / INTÉRPRETES: Noemí Rodríguez, Laura Míguez, Fer-
nando González, Fran Lareu GUNE ESZENIKOA / ESPACIO ESCÉNICO: Luis Iglesias “Luchi” ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Tito Asorey JANTZIAK /
VESTUARIO: Yaiza Pinillos ITZULPENA / TRADUCCIÓN: Manuel Vieites EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: Xingreira Producións, ilMaquinario BANAKETA /
DISTRIBUCIÓN: Crémilo-EscenáTe
TRIPLE SALTO – JAUZI HIRUKOITZA
Pikor Teatro
Imanol Larzabal (Lugaritz K.E.) | 10:00 (CAS) | 12:00 (EUS)
Antzerkia / Teatro [ 63 min ] Castellano / Euskara
EL HOMBRE ALMOHADA
ilMaquinario Teatro
21
Un inesperado accidente ferroviario trastorna la vida de la comunidad.
La conmoción sufrida por los compañeros de la joven accidentada
se traduce en una indisciplina preocupante, abatimientos crónicos y
abandono escolar. El profesorado asiste impotente al desarrollo de
los acontecimientos al faltarles recursos y estrategias para gestionar-
lo. Inspirados en este hecho real, Triple salto quiere confrontar a los
adolescentes y jóvenes con el fenómeno del duelo y reflexionar sobra
la importancia de superarlo adecuadamente.
En un país totalitario sin nombre, Katurian, una escritora de maca-
bros cuentos infantiles, está siendo interrogada por una pareja de
policías a causa de la aparición en la ciudad de una serie de cadáve-
res de niños. Ella lucha por defender su inocencia, pero todo cambia
cuando descubre que en la celda contigua está presa su hermana,
que padece un fuerte trastorno psicológico debido a los malos tra-
tos que sufrió siendo niña, y que va a ser también interrogada.
Tren-istripu batek hankaz gora jartzen du komunitate baten bi-
zitza. Istripua izan duen neska gaztearen lagunek hainbesteko
astindua jaso dute non diziplina falta izugarri bat sortzen baita
abaildura kroniko eta eskola-uzte bihurtzeraino. Irakasleek ez
dakite zer egin, ez dute baliabiderik ez eta estrategiarik egoera
kudeatzeko. Gertaera erreal honen bidez, maite den norbait
galtzeak dakarren doluaren aurrean jarri nahi dira nerabe eta
gazteak, eta hori behar bezala gainditzeak duen garrantziaz.
Herrialde totalitario izengabe batean, Katurian, haurrentzako
ipuin makabroak idazten dituen emakume bat, polizia-bikote
baten galderei erantzuten ari zaie, hirian haurren zenbait hilotz
agertu direla-eta. Emakumea saiatzen da frogatzen errugabe
dela, baina dena aldatzen da aldameneko ziegan ahizpa pre-
so dutela jakitean. Ahizpak gaixotasun psikologiko latz bat du
umetan jasandako tratu txarren ondorioz eta hura ere galdeka-
tzeko asmoa dute.

22
BARBECHO
Natxo Montero
Antzerkia - Dantza / Teatro - Danza [ 65 min ] Castellano Azpitituluak / Subtítulos: français, english
YO MATÉ A PINOCHET
Teatro Errante Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria
Antzerkia / Teatro [ 65 min ] Castellano Azpitituluak / Subtítulos: english
ZUZENDARITZA ARTISTIKOA / DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Natxo Montero ZUZENDARI LAGUNTZAILEA / AYUDANTE DE DIRECCIÓN: Pako Revueltas SOR-
KUNTZA ETA INTERPRETAZIOA / CREACIÓN E INTERPRETACIÓN: Laia Cabrera, Natxo Montero ARGIZTAPENA ETA ARGAZKIA / ILUMINACIÓN Y FO-
TOGRAFÍA: Gabo Punzo JANTZIAK ETA ESZENOGRAFIA / VESTUARIO Y ESCENOGRAFÍA: Natxo Montero BIDEOA / VÍDEO: Alaitz Arenzana MUSIKA /
MÚSICA: A. Vivaldi, J.S. Bach
DRAMATURGIA / DRAMATURGIA: Cristian Flores ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Alfredo Basaure, Cristian Flores ANTZEZLEA / INTÉRPRETE: Cristian Flo-
res DISEINUA / DISEÑO: Ricardo Romero SOINU GUNEA / UNIVERSO SONORO: Juan Manuel Herrera EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: José Luis Cifuentes
Barbecho es una reflexión en torno al propio proceso de creación.
Un recorrido de movimientos y coreografías en el que afloran dife-
rentes cuestionamientos alrededor de la pieza y como se posicionan
los creadores ante ésta. El estado de barbecho nos posibilita dejar
la prisa, las obligaciones… ofreciéndonos el mero hecho de estar, de
esperar a que pase algo o no. Barbecho es el reposo, la necesidad
de cambio, airearse para salir renovado y enfrentarse de nuevo a lo
cotidiano. El ocio es juego y jugar es el barbecho del alma.
Manolo, un ex combatiente de un grupo revolucionario marginado
del relato oficial, al reencontrarse con personas de su pasado les
confiesa que mató a Pinochet. Esta declaración provocará reaccio-
nes que Manolo no espera y que despertará su memoria en torno
la política, al amor, a la amistad, a la muerte, al espacio festivo y a
sus derrotas. Yo maté a Pinochet pone en relieve cómo la memoria
permite un ejercicio crítico de evaluación del presente, no siempre
grato de aceptar ni de escuchar.
Barbecho sorkuntza-prozesuari buruzko gogoeta bat da. Mugi-
mendu eta koreografien segida bat, non hainbat gauza jartzen
baitira auzitan obraren inguruan, baita sortzaileak piezaren au-
rrean hartzen duten jarrera edo lekua ere. Lugorri egoerak aukera
ematen digu presak, eginbeharrak… alde batera uzteko, egonean
egoteko, zerbait gerta dadin edo gerta ez dadin itxaroteko. Bar-
becho atsedenean egotea litzateke, aldaketa-beharrean ere bai;
aireztatzea eta berritzea da, eta berriz ere egunerokoari aurre egi-
tea. Aisialdia jolasa da, eta jolas egitea arima lugorri uztea da.
Manolok, poliziaren kontakizunetik bazter geratutako talde iraul-
tzaile bateko borrokari ohi batek, iraganeko zenbait lagunekin
topo egin eta Pinochet berak hil zuela esaten die. Adierazpen
horrek Manolok espero ez dituen erreakzioak eragingo ditu eta
oroimena piztuko dio; politikaz, maitasunaz, adiskidantzaz, herio-
tzaz... Yo maté a Pinochet lanak agerian uzten du nola, oroimenari
esker, oraina ebaluatzeko ariketa kritikoa egin daitekeen eta nola
ez den beti gozoa gertatzen hori onartzea edo entzutea.

ZUZENDARITZA ARTISTIKOA / DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Manuel Cañadas ZUZENDARITZA ESZENIKOA / DIRECCIÓN ESCÉNICA: Estrella Távora ZUZENDARITZA MUSIKALA
/ DIRECCIÓN MUSICAL: Raul Cantizano DANTZA ETA KOREOGRAFIA / BAILE Y COREOGRAFÍA: Asunción Pérez “Choni” GITARRA ETA ZANFOÑA / GUITARRA Y ZANFOÑA:
Raul Cantizano PERKUSIOA ETA TRONPETA / PERCUSIÓN Y TROMPETA: Antonio Montiel CANTE ETA HITZAK / CANTE Y LETRAS: Alicia Acuña FADISTA: Rosario Solano
ARGIZTAPENA ETA KOORDINAZIO TEKNIKOA / ILUMINACIÓN Y COORDINACIÓN TÉCNICA: Nacho Sánchez SOINUA / SONIDO: Angel Olalla, Pepe Carnacea MAKINARIA
ETA ERREJIDOREA / MAQUINARIA Y REGIDURÍA: Luis Almagro ESZENOGRAFIA / ESCENOGRAFÍA: Pictoorama JANTZIAK / VESTUARIO: Andrés González BIDEOA ETA
ARGAZKIA / VÍDEO Y FOTOGRAFÍA: Daniel Belza DISEINU GRAFIKOA / DISEÑO GRÁFICO: Adán López MAKILLAJE / MAQUILLAJE: Charo Angulo BIDEO EKOIZPEN LAGUN-
TZAILEAK / AYUDANTES DE PRODUCCIÓN DE VÍDEO: Guillermo Leal, Euri Carrión EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: María Velasco MANAGEMENT ETA EKOIZPENA / MANAGEMENT
Y PRODUCCIÓN: vecinasmanagement BANAKETA / DISTRIBUCIÓN: Elena Carrascal para 8co80 gestión cultural / Elena Carrascal 8co80 gestion culturalentzako
Unamujerespera.Alolargodeunanoche,oundía,ounodetantos.Aloancho
de un tiempo incierto... Espera. Una mujer cegada por sus propios fantasmas.
Desdoblada entre un dolor que la inmoviliza y una rabia que le centrifuga las en-
trañas, empujándola a escapar, a rebelarse ... Espera. Columpiando las horas.
Tejiendo ella misma su propia mortaja. Durante este periodo de impuesta so-
ledad, atenazado por la ausencia, comienzan a ponerse de manifiesto los más
íntimos sentimientos surgidos de la incertidumbre. Todo un recorrido emocional
por los recuerdos, los temores, las ilusiones rotas, la autodestrucción y la nece-
sidad liberadora de desterrar el pasado para poder seguir viviendo.
Emakume bat zain. Gau batean, edo egun batean, edo auskalo noiz. Den-
bora auskalo noizko batean… Zain. Emakume bat bere mamuek itsutua.
Geldiarazten duen oinaze batek eta erraiak jaten dizkion, ihes egitera eta
errebelatzera bultzatzen duen amorru batek erdibiturik. Zain. Ordupasa.
Bere hil-atorra ehuntzen. Bakardade behartuzko aldi horretan, absentzia-
ren atzaparretan, ziurtasunik ezetik sortutako sentimendurik barnekoenak
hasten dira agertzen. Ibilbide emozional oso bat, oroitzapenetan barrena;
beldur, ilusio hautsi, autosuntsiketan barrena; eta iragana kanporatzeko be-
har askatzailea, bizirik segitzeko.
COMPÁS DE ESPERA
Choni Cía. Flamenca Estreinaldia / Estreno
Antzoki Zaharra – Teatro Principal | 19:00
Antzerkia - Dantza / Teatro - Danza [ 60 min ] Castellano
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¡MALDITO SEA EL TRAIDOR A SU PATRIA!
Theatre Mladinsko Estreinaldia Estatuan / Estreno Estado
Antzerkia / Teatro [ 75 min ] Slovenski Azpitituluak / Subtítulos: euskara, castellano
ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Oliver Frljić INTERPRETEAK / INTÉRPRETES: Primož Bezjak, Olga Grad, Uroš Kaurin, Boris Kos, Uroš Maček, Draga
Potočnjak, Matej Recer, Romana Šalehar, Dario Varga, Matija Vastl EGILEAK / AUTORES: Borut Šeparović, Tomaž Toporišič MUSIKA ETA JANTZIAK / MÚ-
SICA Y VESTUARIO: Oliver Frljić ZUZENDARI LAGUNTZAILEA / AYUDANTE DE DIRECCIÓN: Matjaž Farič SOINUA / SONIDO: Silvo Zupančič ARGIZTAPENA /
ILUMINACIÓN: Oliver Frljić, Tomaž Štrucl ERREJIDOREA / REGIDOR: Urša Červ
¡Maldito sea el traidor a su patria!, último verso del himno nacional
de la antigua Yugoslavia, es una aproximación radical al amor y al
odio a través del teatro que somete tanto a actores como a espec-
tadores a un entresijo de locura y dolor. Original, provocador y sub-
versivo, el espectáculo toma la guerra y los traumas políticos como
contexto para evocar el auge del patriotismo y el nacionalismo en
Europa y para hacer reflexionar al espectador sobre las fronteras
de las libertades civiles y artísticas, la responsabilidad individual y
colectiva, la tolerancia y los estereotipos.
Izenburua Jugoslavia ohiaren ereserkiaren azken bertsoa da. Lana
amodioa eta gorrotoarenganako muturreko gerturatze bat da eta
aktoreak zein ikusleak eromen eta minezko zirritu batean murgil-
tzen ditu. Orijinala, zirikatzaile eta iraultzailea, ikuskizunak gerra
eta trauma politikoen testuingurua hartu eta abertzaletasunak eta
nazionalismoak Europan izan zuten gorakada gogorarazten digu,
ikusleak askatasun zibil eta artistikoen arteko mugen, norba-
nakoen eta taldeen erantzukizunaren, tolerantziaren eta estereoti-
poen inguruan hausnar dezan.

AHOTSA ETA LETRAK / VOZ Y LETRAS: Julia de Castro KONTRA-
BAXUA / CONTRABAJO: Miguel Rodrigáñez BATERIA / BATERÍA:
Gonzalo Maestre PIANOA / PIANO: Jorge Vera ZUZENDARITZA
ARTISTIKOA / DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Enrique Gimeno DRAMA-
TURGIA / DRAMATURGIA: María Folguera ARGIZTAPEN DISEI-
NUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Irene Cantero ESTILISMOA /
ESTILISMO: Jonathan Arsénico BIDEOA / VÍDEO: David Priego
De la Puríssima es un cuarteto musical formado por
Julia de Castro, Miguel Rodrigáñez, Gonzalo Maestre y
Jorge Vera. Sus señas de identidad son la innovación,
la mezcla de géneros, una cuidada puesta en escena, el
sentido del humor, la provocación y la interacción con el
público. El cuplé permite el desarrollo escénico, la poe-
sía carnal de una mujer sobre el escenario, como lo ha-
cían aquellas diosas de los primeros años del siglo XX.
Con trabajo duro e inspiración, el jazz eleva el género
ínfimo, el cuplé, al más alto rango de un estilo musical, y
las armonías contemporáneas hacen que este proyecto
sea tan arriesgado como exquisito. El abanico de in-
fluencias de la banda es muy amplio, desde Bill Evans a
Lilian de Celis, pasando por el rock más puro de Robert
Gordon, sin olvidar otros referentes.
De la Puríssima musika-laukote bat da, Julia de Castro,
Miguel Rodrigañez, Gonzalo Maestre eta Jorge Verak osa-
tua. Ezaugarri hauek ditu: berrikuntza, genero-nahasketa,
eszenaratze ondo zaindua, umore-sena, probokazioa eta
ikus-entzuleekiko jokoan sartzea. Cupléari esker, agertokia
jokaleku bihur daiteke, agerian jar daiteke emakume baten
poesia haragikoia, nola egiten baitzuten XX. mendearen ha-
sierako jainkosa haiek. Lana gogor eginez eta inspirazioari
esker, jazzak musika-estilo baten gorenera darama genero
ezdeus bat, cuplea, eta gaur egungo harmoniek arriskutsu
bezain fin bihurtzen dute proiektu hori. Bandak jaso duen
eragin sorta oso zabala da, hasi Bill Evans-ekin eta Lilian
de Celisenganaino, tartean delarik Robert Gordon-en rock
hutsena, eta ahaztu gabe beste erreferente batzuk, hala nola
Billie Holiday, Scott Lafaro, Raquel Meller, Eartha Kitt, Calle
13, Mina edo Keith Jarret.
DE LA PURÍSSIMA
De la Puríssima
Musika / Música [ 90 min ] Castellano
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SARREREN SALNEURRIAK
PRECIOSDE LAS ENTRADAS
SARRERA SALMENTA
VENTA DE ENTRADAS
ANTZOKI ZAHARREKO LEIHATILA
TAQUILLA TEATRO PRINCIPAL
Kale Nagusia / Calle Mayor, 1
Donostia / San Sebastián
943 48 19 70
11:30 – 13:30 / 17:00 – 20:00
VICTORIA EUGENIAKO LEIHATILA
TAQUILLA VICTORIA EUGENIA
Argentinako Errepublika / Rep. Argentina, 2
943 48 18 18
11:30 – 13:30 / 17:00 – 20:00
GAZTESZENA (EGIA K.E.)
Baztan kalea / Calle Baztán, 21
943 29 15 14
IMANOL LARZABAL ARETOA
(LUGARITZ K.E.)
Heriz, 20 Donostia / San Sebastián
943 31 07 08
INTXAURRONDO K.E.
Felix Gabilondo plaza, 1
943 27 93 43
Kultur Etxeen leihatilak, emanaldia hasi
baino ordu bete lehenago zabaltzen dira.
Las taquillas de los Centros Culturales
se abren una hora antes del inicio del
espectáculo.
donostiakultura.com/sarrerak
Aldez aurretik / Venta anticipada
Antzoki Zaharra - Teatro Principal, Gazteszena (Egia K.E.),
Imanol Larzabal Aretoa (Lugaritz K.E.), Intxaurrondo K.E.,
Victoria Eugenia Club:
Otsaila 20 – 23 Febrero: 6€
Otsaila 24 Febrero – Martxoa 1 Marzo: 8€
Martxoa 2 – 8 Marzo: 10€
Victoria Eugenia Antzokia
Otsaila 7 – 15 Febrero: 10€ / 6€
Otsaila 16 – 22 Febrero: 15€ / 8€
Otsaila 23 Febrero – Martxoa 8 Marzo: 18€ / 10 €
www.kutxasarrerak.net
dFeria bitartean / Durante dFeria
Victoria Eugenia Antzokia: 20 €, 12 €
Antzoki Zaharra-Teatro Principal, Gazteszena (Egia K.E.),
Imanol Larzabal Aretoa (Lugaritz K.E.), Intxaurrondo K.E.,
Victoria Eugenia Club: 12 €
OHARRA: TeatroSOLO, Matías Umpierrez: sarrerak
martxoaren 3tik aurrera salgai: 6€
NOTA: TeatroSOLO, Matías Umpierrez: entradas a la venta a
partir del 3 de marzo: 6€
*San Telmo eta DSS2016 Guneko ikuskizunak
akreditatuentzako dira soilik.
*Los espectáculos de San Telmo y Espacio DSS2016 son
únicamente para acreditados.
Deskontuak / Descuentos
%10eko deskontua kolektibo hauentzat
Descuento del 10% para los siguientes colectivos:
Donostia Kultura Bazkideak / Socios Donostia Kultura
Langabetuak / Personas en paro
30 urtetik beherako gazteak / Jóvenes menores de 30
Pentsiodunak eta 65 urtetik gorako pertsonak
Pensionistas y mayores de 65
Deskontu hau leihatiletan bakarrik gauzatuko da
Este descuento se llevará a cabo solo en las taquillas
Aurresalmenta berezia / Preventa especial
Victoria Eugenia Antzokia:
Otsailaren 7an eta 8an aurretik aipatutako kolektiboentzat / El 7 y 8 de febrero para los colectivos
anteriormente citados.
Beste guneak / Otros espacios:
Otsailaren 20ean eta 21ean aurretik aipatutako kolektiboentzat / El 20 y 21 de febrero para los colectivos
anteriormente citados.
Aurresalmenta Victoria Eugeniako eta Antzoki Zaharreko leihatiletan, eta donostiakultura.com/sarrerak webgunean
gauzatuko da.
La preventa se realizará en las taquillas Teatro Victoria Eugenia y Teatro Principal, y en donostiakultura.com/
entradas
Ordu gaztea
30 urtetik beherakoek sarrerak 3 euroan erosteko eskaintza Victoria Eugenia Antzokian eta Antzoki Zaharrean,
emanaldia hasi aurreko ordu erdian.
Info+: Victoria Eugenia Antzokiko eta Antzoki Zaharreko leihatiletan.
Entradas a 3 euros para menores de 30 años en el Teatro Victoria
Eugenia y Teatro Principal, media hora antes del inicio del espectáculo.
+ Info: en las taquillas del Teatro Victoria Eugenia y Teatro Principal
DESKONTUAK EZ DIRA BATERAGARRIAK DESCUENTOS NO ACUMULABLES
Informazio eguneratua / Información actualizada: www.donostiakultura.com

27
BANATZAILEAK
DISTRIBUIDORES
HELENA GOLAB Rocío Pindado
635 708 999 | rociopindado@portal71.com
www.portal71.com
HIKA TEATRO Amaia Kerexeta / Yolanda Bustillo
633 252 200 | promozioak@hikateatroa.com
www.hikateatroa.com
CÍA. FERROVIARIA Eloísa Azorín
607 475 446 | eloisa@ferroviaria.net
www.ferroviaria.net
KULUNKA TEATRO Isis Abellán
606 608 168 | isisabellan@proversus.com
www.kulunkateatro.com
MICROSCOPÍA Y OLIGOR Javier Continente
609 476 387 | valentin@oligor.org
www.oligor.org
SEDA PRODUCCIONES Lope García / Carles Harillo
91 017 55 23 | carles@comolaseda.com
www.comolaseda.com
VAIVÉN PRODUCCIONES Ana Pimenta Hernández
637 532 955 | izaskun@vaivenproducciones.com
www.vaivenproducciones.com
OLATZ DE ANDRÉS Olatz de Andrés
605 119 414 | olatzdeandres@gmail.com
www.deandres.net
CIELO RASO Igor Calonge Martinez
630 290 807 | igorcalonge@yahoo.es
www.ciacieloraso.com
KOLOREAREKIN Alba Fernández
650 725 422 | albakolorearekin@gmail.com
www.facebook.com/kolorearekin
COMPAGNIE YMA Mélissa Blanc
association.yma@gmail.com
www.yma.asso.st
L´OM IMPREBÍS Emila Yagüe
91 334 08 38 | secretaria@emiliayague.com
www.imprebis.com
TANTTAKA Julio Perugorria / Doltza Oararteta
609 457 575 | 655 739 674
jpproducciones@jpproducciones.com
www.tanttaka.com
SHAKTI OLAIZOLA Shakti Olaizola
619 379 311 | shakticontorsion@gmail.com
www.shaktiolaizola.com
PAUL LES OISEAUX Laetitia faure
paul.les.oiseaux@wanadoo.fr
www.paullesoiseaux.com
LASALA Judith Argomaniz Jiménez
646 929 930 | lasalart@gmail.com
www.lasala-lasala.com
COLECTIVO LAMAJARA DANZA Isis López Sáez
679 524 018 | produccion.lamajara@gmail.com
TEATRO EL PICADERO Olvido Orovio Melero
91 445 68 08 | 659 950 977 | oorovio@ptcteatro.com
www.ptcteatro.com
CARMELO SEGURA María Soledad Fernández
630 923 875 | 616 980 770
fernandezdominguez.maria@gmail.com
www.carmeloseguracompanhia.com
MARIANO TENCONI BLANCO Ariela Mancke
arielamancke@gmail.com
www.teatrolacomedia.com.ar
PABELLÓN 6 Kike Gago
656 798 246 | teatromutante@hotmail.com
www.teatromutante.blogspot.com.es
PIKOR TEATRO Miguel Olmeda Freire
94 541 03 92 | 94 541 00 60 | 656 799 294
info@pikorteatro.com
www.pikorteatro.com
ILMAQUINARIO TEATRO Carlos Martínez Carbonell
678 460 559 | escenatedistribucion@gmail.com
www.ilmaquinarioteatro.com
NATXO MONTERO Natxo Montero
605 735 666 | natxo_m@hotmail.com
natxomonterodanza.blogia.com
TEATRO ERRANTE Cristian Flores
685 712 318 | crflores@ucm.es
https://teatroerrante.wordpress.com
CHONI CÍA. FLAMENCA Elena Carrascal
610 948 200 | proyectos@8co80.com
www.choniciaflamenca.es
THEATRE MLADINSKO Theatre Mladinsko
info@mladinsko-gl.si
www.mladinsko.com
DE LA PURÍSSIMA Lope García / Carles Harillo
910 175 523 | carles@comolaseda.com
www.comolaseda.com
MATÍAS UMPIERREZ Matías Umpierrez
619 767 170 | matump@gmail.com
http://matiasumpierrez.tumblr.com/

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Ikastaroak
Dramagintza
Patxo Telleria
Victoria Eugenia Antzokia
Otsailaren 7a eta martxoaren 7a bitartean, larunbatero | 11:00 – 13:00
10 lagun, 50 €
Hartzaileak: Antzerki-testuak idazteko interesa duten pertsonak: aurretiko
eskarmentua eta kontzeptu teorikoen ezagutza ez dira beharrezkoak. Izan ere,
ikastaro honen xedea da zenbait eredu, laguntza eta aholku eskaintzea inolako
esperientziarik edo ezagutzarik ez duten lagunei.
Helburuak:
Teorikoak: narrazio dramatikoaren teknika lantzea eta aipatua -literaturaren
zein eszenaren arloei dagokienean- garatzeko baliabide, gako eta arau ego-
kiak azaltzea.
Praktikoak: larunbatero zuzeneko eskolak jasotzeaz gain, ikasle bakoitzak sare
bidezko babesa izango du sortze-prozesuan zehar. Zehazteke dagoen leitmo-
tiv berdinetik abiatuta (gai berbera, kokapen berbera ekintzarako, pertsonaia
berberak edo abiaburu berbera istoriorako, esaterako), ikasleek mikro-antzer-
kiko lan baten testua idatzi beharko dute.
Arte Eszenikoetako konpainientzako
kokapen digitala
Victoria Eugenia Antzokia Martxoaren 9a | 11:00-14:00
15-20 konpainia, doan Gaztelania
Sare sozialek goitik behera aldatu dute komunikatzeko dugun ohiko era,
batez ere gure publikoarekikoa. Informazioa eskura izateak erraztu egiten
digu denoi elkarrizketa handi horretan parte hartzea. Eta komunikatzeko eran
den paradigma berri horrek eragina du gure jarraitzaileen beharrak zein diren
ulertzeko eran, gure edukiak egituratzean, eta haiekiko konexioa eta parte-
hartzea lortzeko eran.
Horrek guztiak behartzen gaitu saiatzera ulertzen nola dabiltzan sare sozia-
lak, zein diren gure helburuetarako egokienak, eta haien emaitzak neurtzeko
sistemak optimizatzen.
Mintegi honen bidez, berehala aplikatu ahal izango dituzu, irizpide estrate-
gikoz, zure komunikazio-estrategia sare sozialetan zehar optimizatzeko tres-
nak eta teknikak.
Mintegi hau kultur kudeatzaileei eta COFAEko arte eszenikoen ferietan par-
te hartzen duten konpainietako marketing eta komunikazio arloko langileei
zuzendua da.
Oharra: Parte-hartzaileek ordenagailu eramangarri batekin edo tablet batekin
etorri behar dute.
Antolatzailea: COFAE dFERIArekin lankidetzan
Koordinazioa: Pepe Zapata (TekneCultura Gestióko bazkide eta aholkularia)
Bilerak
SAREAko Asanblada
Intxaurrondo K.E. Martxoak 9
9:00 – 12:45
JARDUERA PARALELOAK
ACTIVIDADES PARALELAS
Cursos
Dramaturgia
Patxo Telleria
Teatro Victoria Eugenia
7 de febrero - 7 de marzo (sábados) | 11:00 – 13:00
10 plazas, 50€
Dirigido a: Personas con inquietudes para escribir textos teatrales: no es
necesaria experiencia previa, ni conocimiento de conceptos teóricos. Precisa-
mente lo que se pretende es ofrecer pautas a los no iniciados y aquellos que
tengan algún conocimiento previo, podrán ser orientados y tutelados durante
este curso.
Objetivos:
Teóricos: Indagar en la técnica de la narración dramática y descubrir claves,
pistas y herramientas adecuadas para su desarrollo no solamente literario sino
también escénico.
Prácticos: Cada alumno creará recibirá las clases presenciales los sábados,
y podrá contar con un tutelaje on-line durante el proceso creativo. Se plantea
que cada uno cree un texto para micro-teatro partiendo todos de un mismo
leitmotiv a determinar: mismo tema, misma localización de la acción, mismos
personajes, o un mismo inicio de la historias, por poner unos ejemplos.
Posicionamiento digital para compañías
de Artes Escénicas
Victoria Eugenia Antzokia 9 de marzo | 11:00-14:00
15-20 plazas, gratuito Castellano
Las redes sociales han transformado radicalmente la manera habitual de comu-
nicarnos, especialmente con nuestros públicos. El fácil acceso a la información
facilita que todos formemos parte de esa gran conversación. Y este nuevo
paradigma de forma de comunicarnos afecta a la forma de comprender cuáles
son las necesidades de nuestros seguidores, a la estructuración de nuestros
contenidos, y a la manera de conseguir su conexión y participación.
Todo ello obliga a un esfuerzo por entender cómo funcionan las redes sociales,
por conocer cuáles son las más adecuadas a nuestros objetivos, y por optimi-
zar los sistemas de medición de sus resultados.
Con este seminario podrás aplicar de manera inmediata, con criterios estraté-
gicos, herramientas y técnicas para optimizar tu estrategia de comunicación a
través de las redes sociales.
Este Seminario está dirigido a gestores culturales y personal de marketing y
comunicación de las entidades vinculadas y compañías participantes en las
ferias de artes escénicas de COFAE.
Nota: Es necesario que los participantes asistan con un ordenador portátil o
una tablet.
Organiza: COFAE en colaboración con dFERIA
Coordinación: Pepe Zapata (socio y consultor de TekneCultura Gestió)
Reuniones
Asamblea de SAREA
C.C. Intxaurrondo 9 de marzo
9:00 – 12:45

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Seminarios
Clínica de la obsesión:
Seminario para artistas - creadores
Matías Umpierrez
Teatro Victoria Eugenia 2 - 7 de febrero
Tardes (15:30 a 19:30), sábado (10:00 a 14:30)
10 personas, 50 € Castellano
¿Cómo se delimita la geografía del universo creativo de un artista? Este
encuentro acerca a los participantes a delimitar la tenaz persistencia que
obsesiona y genera la pulsión creativa de un artista. Durante los encuentros
se analizarán las obras de artistas que se han impuesto en el mercado con-
temporáneo de manera radical y cómo su ejemplo nos acerca a posibles
metodologías para descubrir y enriquecer nuestro propio territorio creativo.
Perfil y Cupo (Práctica): 10 artistas tendrán acceso a la sección práctica del
seminario. Ellos pueden ser creadores de cualquier disciplina del arte, siem-
pre y cuando su interés sea la creación - dirección de un proyecto.
1. Lunes. Módulo 1: 90´ + Módulo 2: 120´
2. Martes. Día libre. Es necesario para que los alumnos trabajen, en la
clase del día 1 se le da mucha tarea que deberán presentar en el día 2.
3. Miércoles: Módulo 1: 120´ + Módulo 2: 120´
4. Jueves: Módulo 1: 120´ + Módulo 2: 120´
5. Viernes: Módulo 1: 120´ + Módulo 2: 120´
6. Sábado: Módulo 1: 150´ + Módulo 2: 120´
Procesos de creación artística
TeatroSOLO
TeatroSOLO es un proyecto del artista y director de escena Matías Umpierrez.
Consiste en un proceso creativo por el que se pondrán en pie 5 piezas teatrales
desarrolladas en 5 sitios específicos, no convencionales de la ciudad y cons-
truidas para un único espectador cada vez.
Tres de las cinco piezas teatrales parten de una base que Matías va adaptando
a cada ciudad en la que desarrolla el proyecto, en este caso, San Sebastián. Las
otras dos serán de nueva creación y la temática será la Identidad, tema de dFE-
RIA 2015. También subrayar que dos de las seis piezas serán en euskera porque
Matías contará con la colaboración de un ayudante de dirección euskaldun.
Esta intervención ya fue presentada en Graus (Huesca), Buenos Aires, Nueva York
y Sao Paulo (premiada como Mejor Proyecto del Año por el medio de comunica-
ción brasileño R7)- en donde despertó gran expectación por parte del público y
crítica, porque se constituye como una experiencia globalizada que cambia de
forma y temas según la identidad de la ciudad en donde se representa.
TeatroSOLO es una performance, una experiencia teatral que lleva a los acto-
res / actrices a los límites; actuarán durante los cuatro días de la feria represen-
tando cada uno su espectáculo de 30 minutos de duración en ocho funciones
diarias para un único espectador en un espacio no convencional, y sin que
nadie sepa o imagine que allí está sucediendo un hecho teatral. Esta experien-
cia única permitirá al espectador transitar por distintos conflictos del arte, de la
política y de la sociedad contemporánea y de su ciudad.
Las audiciones para seleccionar a 6 actores vascos se han realizado el 3 de
febrero y una vez seleccionados los mismos, iniciarán el proceso creativo a
partir del 16 de febrero.
TeatroSOLO es uno de los proyectos más ilusionantes y complejos que se han
desarrollado en dFERIA en estos últimos años. Es inestimable la colaboración
con EAB, junto con Donostia 2016 y con Iberescena. Gracias a ellos se ha
podido poner en marcha este proyecto tan singular, interesante y enriquecedor
a la vez, para todos los agentes implicados en el mismo.
Proceso de creación coreográfica
Jordi Cortés
Teatro Victoria Eugenia – Sala de danza 2 - 6 de marzo
Mañanas
dFERIA en colaboración con la Asociación Kolorearekin propone un proce-
so de creación coreográfica. Bajo la dirección del coreógrafo Jordi Cortés, los
miembros de la asociación crearán una pieza de danza que representarán en
el marco de dFERIA 2015.
Kolorearekin es una asociación que reúne a personas; a personas con y sin
discapacidad, promoviendo experiencias creativas que den acceso al arte y
la cultura. En Kolorearekin encontramos la diversidad como fuente de riqueza.
Una plataforma para descubrir, crear, expresar y desarrollar nuestras capacida-
des, dando lugar a la inclusión de diferentes colectivos. Una plataforma para
Mintegiak
Clínica de la obsesión:
Artista eta sortzaileentzako mintegia
Matías Umpierrez
Victoria Eugenia Antzokia Otsailaren 2tik 7ra
Arratsaldeetan (15:30 -19:30), larunbatean izan ezik (10:00-14:30)
10 lagun, 50 € Gaztelania
Nola zedarritu artista baten sorkuntza-unibertsoaren geografia? Topaketa
honen bidez, parte-hartzaileak artistarengan atergabe dirauen obsesioa, sor-
kuntza-bulkada ernetzen diona, zedarritzera hurbilduko dira. Topaketetan,
merkatu garaikidean erabat nagusitu diren artisten lanak aztertuko dira, eta
ikusiko da nola haien adibideak zenbait metodologiatara hurbiltzen gaituen
geure sorkuntza-arloa aurkitzeko eta aberasteko.
Soslaia eta kopurua (praktika): 10 artistak izango dute mintegiko atal
praktikoan parte hartzeko aukera. Artearen edozein arlotako sortzaileak izan
daitezke, baldin eta proiektu bat sortzea eta zuzentzea badute helburu.
1. Astelehena. 1.modulua: 90´ + 2. modulua: 120´
2. Asteartea. Eguna libre. Beharrezkoa da, ikasleei lan handia ematen bai-
tzaie egiteko, bigarren egunean aurkez dezaten.
3. Asteazkena: 1.modulua: 120´ + 2. modulua: 120´
4. Osteguna: 1.modulua: 120´ + 2. modulua: 120´
5. Ostirala: 1.modulua: 120´ + 2. modulua: 120´
6. Larunbata: 1.modulua: 150´ + 2. modulua: 120´
Sorkuntza prozesuak
TeatroSOLO
TeatroSOLO Matías Umpierrez artista eta eszenako zuzendariaren proiek-
tu bat da. Proiektua sortze-prozesu bitxi bat da, zeinak gure hiriko ezohiko
5 lekutan garatuko diren eta ikusle banarentzat egingo diren 5 antzerki-lan
eraikiko dituen.
Bost lanetako hiruk Matíasek proiektua hartzen duen hiri bakoitzera (gure ka-
suan, Donostiara) egokitzen duen base bat osatzen dute. Beste biak berriak
izango dira eta beren gaia, ondorengoa: Nortasuna, dFERIA 2015eko gai
nagusia. Nabarmentzekoa ere lanetako bi euskaraz izango direla, Matíasek
zuzendari laguntzaile euskaldun baten laguntza izango baitu.
Proiektu hau hiri ezberdinetan gauzatu da dagoeneko -Graus (Huesca),
Buenos Aires, New York eta São Paulon adibidez (azken honetan Urteko
Proiekturik Onenari saria eman zion R7 hedabide brasildarrak)-, ikusmin
handia sortuz ikusle eta kritikarien artean, esperientzia globalizatua izan arren
bere gai eta formak aldatu egiten baitira hiri hartzailearen arabera.
TeatroSOLO performance bat da, aktoreak muturreraino eramango dituen
antzerki-esperientzia. Feriako lau egunetan, aktore bakoitzak 30 minutuko
iraupena duen bere lana 8 aldiz eskainiko du, bakoitza ikusle bakar batentzat
eta hiriko ezohiko leku batean, eta ingurutik dabiltzan pertsonek ezjakin, itsu
izango dira bertan gertatzen denaren aurrean. Esperientzia bitxi honetan ar-
tearen, politikaren, gizarte garaikidearen eta bere hiriaren gatazka ezberdinak
igarotzeko aukera izango du ikusleak.
6 aktore euskaldunak hautatzeko entzunaldiak otsailaren 3an egin ziren eta
behin aipatuak hautatuta, sortze-prozesua otsailaren 16an abiatuko da.
TeatroSOLO dFERIAn azken urteotan garaturiko proiekturik pozgarriene-
takoa eta konplexuenetakoa da. Aipatzekoa ere EAB, Donostia 2016 eta
Iberescenaren laguntza ordainezina. Beraiei esker abiarazi ahal izan baitu-
gu inplikatu eragile guztiontzat interesgarri bezain aberasgarria izango den
proiektu bitxi hau.
Sorkuntza koreografikorako prozesua
Jordi Cortés
Victoria Eugenia Antzokia – Dantza Aretoa Martxoaren 2tik 6ra
Goizetan
dFERIAk, Kolorearekin elkartearekin lankidetzan, sorkuntza koreografikorako
prozesu bat proposatzen du. Jordi Cortés koreografoaren zuzendaritzapean,
elkarteko kideek dantza-pieza bat sortuko dute dFERIA 2015ean aurkezteko.
Kolorearekin pertsonak batzen dituen elkarte bat da, elbarritasun bat duten eta
ez duten pertsonak; eta sorkuntza-esperientziak sustatzen ditu, arterako eta
kulturarako sarbidea ematen dutenak. Kolorearekin elkartean pluraltasuna dugu
aberastasun-iturri. Gure gaitasunak aurkitzeko, sortzeko, adierazteko eta gara-
tzeko plataforma bat, hainbat kolektibori bertan sartzeko bidea ematen diena.

30
Tailerrak
Dantza integratuko tailerra
Jordi Cortés
Victoria Eugenia Antzokia – Dantza Aretoa Martxoaren 7a eta 8a
10:00-14:00 eta 15:00 – 17:00
20 lagun, 15 € Gaztelania
Konexio berriak aurkitzea eta sortzea, ezohikoak eta harrigarriak; nork bere
esperientzia ekarriko du; denen artean, askotarikoa. Presentzia eszenikoa lan-
duko dugu, nola betetzen dugun espazioa, entzutearen garrantzia, begirada-
rena, denbora menderatzeko gaitasuna, gorpuztasun berriak aurkitzeko eta
geureaz harago iristeko gaitasuna. Dantzaren hizkuntzatik eta geure gorpuzta-
sunetik, diskurtso komun bat sortzea, elkarrizketa erraz-arina.
Dantza integratuak sorkuntza-gune bat eskaintzen digu mugimenduaren bitar-
tez, non gorputz guztiak sartzen baitira, elbarritasuna dutenak eta ez dutenak,
esperientzia dutenak eta ez dutenak. Desberdintasunean aurkitzen dugu abe-
rastasuna, gorputzen askotarikoak, zein bere gorpuztasunarekin, mugimendua
berriro aurkitzera gonbidatzen gaitu, geure burua berriro asmatzera, jolasaren
eta sormenaren bitartez. Hartara, geure buruak bakarka eta taldean espresatu
ahal izateko leku bat irekitzen da.
Topaketak
Mugalariak
Martxoaren 10, 11 eta 12an, Gazteszenako emanaldiaren ondoren eta Vic-
toria Eugeniara itzuli aurretik, gonbidatuta zaudete lehen eskutik ezagutze-
ra Akitania eta Euskadiko antzokietan eta Mugalariak programaren barruan
bizi izandako bitartekaritza-esperientziak. Herritarrekin partekaturiko hiru
sorkuntza-prozesu, antzokietako arduradunek aurkeztuak Egia Kultur Etxean
ardo pixka bat dastatzen dugun bitartean. Mugalariak DSS2016k eta DKk
Errobi Mankomunitatearekin bultzaturiko programa bat da, eta Akitania-Eus-
kadi euroeskualdearen babesa du.
COFAE topaketak II. Sektorearekin.
Berriz ere elkarrekin
Victoria Eugenia Antzokia - Areto Balioaniztuna
Martxoaren 10a
11:00
Estatu Espainiarreko arte eszenikoetako sektorearekiko topaketen bigarren
edizioa. Helburua, sektoreak dituen behar eta problematika berriak ezagu-
tzea eta azterketa konparatibo bat egitea 2008an feriek zuten egoeraren eta
gaur egun dutenaren artean.
Zer aldatu da ordutik hona? Entzun al ditugu sektorearen beharrak? Bide
onetik al goaz? Horra topaketa hauetako galdera batzuk, abiarako.
Lan – mahaiak
ADDE, Euskal Herriko Dantza Profesionalen Elkartea
Victoria Eugenia Antzokia - Areto Balioaniztuna
Martxoaren 10ean, asteartea, 17:00etatik 20:00etara
ADDEren barne-lana.
Martxoaren 11n, asteazkena, 10:00etatik 12:30era
ADDEren barne-lana.
Martxoaren 11n, asteazkena, 12:30etik 13:00etara
Amaiera gisa, egun irekia denon artean ondorioak ateratzeko.
Sortzaileak eta dantza-konpainiak ikusarazten laguntzeko praktikak.
descubrir, crear, expresar y desarrollar nuestras capacidades, dando lugar a la
inclusión de diferentes colectivos.
Talleres
Danza Integrada
Jordi Cortés
Teatro Victoria Eugenia – Sala de Danza 7 - 8 de marzo
10:00-14:00 eta 15:00 – 17:00
20 personas, 15 € Castellano
Descubrir y crear nuevas conexiones, inusuales y sorprendentes, donde cada uno
aportará su experiencia personal, en toda su diversidad. Trabajaremos la presen-
cia escénica, cómo ocupamos el espacio, la importancia de la escucha, de la
mirada, la capacidad de dominar el tiempo, la capacidad de descubrir nuevas
corporeidades y trascender de la nuestra. Desde el lenguaje de la danza y nuestra
fisicalidad personal crear un discurso común, un diálogo fluido.
La danza integrada nos ofrece un espacio de creación a través del movimiento,
donde todos los cuerpos con o sin discapacidad, con o sin experiencia tienen
cabida. Es en la diferencia donde encontramos la riqueza, la variedad de cuerpos
con sus movilidades propias nos invitan a redescubrir el movimiento y reinventar-
nos mediante el juego y la creatividad. De esta manera se abre un lugar donde
poder expresarse de manera individual y colectiva.
Encuentros
Mugalariak
Los días 10, 11 y 12 de marzo, tras la función de Gazteszena y antes de
volver al Teatro Victoria Eugenia, os invitamos a conocer de primera mano
las experiencias de mediación vividas en teatros de Aquitania y Euskadi en
el marco del programa Mugalariak. Tres procesos de creación compartidos
con la ciudadanía presentados por los responsables de los teatros mientras
compartimos un vino en el Centro Cultural de Egia. Mugalariak es un pro-
grama impulsado entre DSS2016 y DK junto con la Mancomunidad Errobi,
y que cuenta con el apoyo de la Eurorregión Aquitania-Euskadi.
Encuentros COFAE con el Sector II.
Nos volvemos a encontrar
Teatro Victoria Eugenia – Sala polivalente
10 de marzo
11:00
Segunda edición de encuentros con el sector de las artes escénicas del Es-
tado español con el objetivo de conocer las nuevas necesidades y problemá-
ticas que aquejan al sector, así como realizar un análisis comparativo entre la
situación de las ferias en el año 2008 y la actual.
¿Qué ha cambiado desde entonces? ¿Hemos escuchado las necesidades del
sector? ¿Vamos por buen camino? Son algunas de las preguntas de partida
de estos encuentros.
Mesas
ADDE, Asociación de Profesionales de
la Danza del País Vasco
Teatro Victoria Eugenia - Sala polivalente
Martes 10 de marzo de 17:00 a 20:00 trabajo interno de ADDE.
Miércoles 11 de marzo de 10:00 a 12:30 trabajo interno de ADDE.
Miércoles 11 de marzo de 12:30 a 13:00 final de jornada abierta para compartir
conclusiones.
Prácticas para apoyar la visibilización de creadores y compañías de danza.

31
MADferia Artes Escénicas
Urtarrila 20 - 23 Enero
FETEN. Feria Europea de Artes
Escénicas para Niños y Niñas
Otsaila 22 - 27 Febrero
dFERIA
Martxoa 9 - 12 Marzo
Feria de Artes Escénicas
de Castilla La Mancha
Apirila 14 - 16 Abril
Fira de Teatre de Titelles
de Lleida
Maiatza 1 - 3 Mayo
Umore Azoka-Feria
de Artistas Callejeros
de Leioa
Maiatza 21 - 24 Mayo
Mostra de Teatre d´Alcoi
Maiatza 30 Mayo - Ekaina 5 Junio
Palma Feria de
Teatro en el Sur
Ekaina 30 Junio - Uztaila 3 Julio
Feria Teatro de Castilla
León Ciudad Rodrigo
Abuztua 25 - 29 Agosto
FiraTàrrega Teatre
al Carrer
Iraila 10 - 13 Septiembre
Feria Internacional de Teatro
y Danza de Huesca
Iraila 28 Septiembre - Urria 1 Octubre
Fira Mediterrània
de Manresa
Urria 15 - 18 Octubre
Galicia Escena PRO
Azaroa 3 - 5 Noviembre
FIET, Fira de Teatre Infantil
i Juvenil de les Illes
Balears
Azaroa 8 - 12 Noviembre
Estatuko Arte Eszenikoetako Ferien koordinakundea
Coordinadora de Ferias de Artes Escénicas del Estado

32
KULUNKA TEATRO Solitudes
Maskara antzerkia / Teatro de máscaras 2015
655 701 388 | www.kulunkateatro.com
BOROBIL TEATROA Jokoz kanpo / Fuera de juego
Antzerkia / Teatro 2015
656 759 557 | www.borobilteatroa.com
ATEA TEATRO (eta Factory Logistica S.L.) Zu gabe
617 720 59 | 94 350 44 80 | www.zugabeantzerkia.wordpress.com
LA COCINA Una Casa de Muñecas
635 708 999 | www.portal71.com
MARKELIÑE Quijote Andante
94 673 32 57 | 605 700 284 | www.markeline.com
L’ATELIER Taxidermia de un gorrión
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HIKA TEATROA La noche árabe / Gau arabiarra
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CDN / TANTTAKA TEATROA La calma mágica / Barealdi magikoa
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VAIVÉN PRODUCCIONES HappyEnd
94 343 30 46 | www.vaivenproducciones.com
PIKOR TEATRO Triple salto / Jauzi hirukoitza
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PEZ LIMBO Madrigueras
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Haur antzerkia / Teatro Infantil 2014
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TXALO PRODUKZIOAK Erdibana
94 333 37 88 | 9615 791534 | www.txalo.com
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HAUR ANTZERKIA / TEATRO INFANTIL 2014
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TEATRO PARAÍSO Barrokino
HAUR ANTZERKIA / TEATRO INFANTIL 2014
945 289 323 | 609 477 403 | www.teatroparaiso.com
HORMAN POSTER Magia simpática / Magia sinpatikoa
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TARTEAN TEATROA Pankreas
Antzerki-Dantza / Teatro-Danza 2014
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TARTEAN TEATROA Kibubu
Antzerki-Dantza / Teatro-Danza 2014
MIKEL TELLO - KAIOLA TEATROA Llueve / Euria ari du
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Antzerkia / Teatro /2014
945 27 92 38 | www.traspasoskultur.com
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Antzerki MusikaLA / Teatro MUsicaL 2014
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33
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BARLUK TEATRO Adela
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94 412 48 01 | www.glugluproducciones.com
ADOS TEATROA El amor después del amor
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LAURENTZI PRODUCCIONES Cuarteto del alba
94 644 47 95 | 600 793 251 | www.laurentziproducciones.com
GORAKADA Moby Dick
Antzerki FAMILIARRA / Teatro familiar 2015
609 611 667 | www.gorakada.com
GAITZERDI Out
Kale Antzerkia / Teatro Calle 2015
619 415 537 | www.gaitzerdi.com
HORTZMUGA Nola
660 278 782 | www.hortzmuga.com
HORTZMUGA Lisystratas
660 278 782 | www.hortzmuga.com
TARTEAN TEATROA Zergaitik Hamil?
TARTEAN TEATROA Amour
Trapu zaharra La conga
Ganso y CÍa Walkman
Deabru Beltzak Danbor talka
ADOS TEATROA El hijo de la novia
94 327 81 09 | www.adosteatroa.com
HELANA GOLAB In BEtween
Dantza–Performance-Musika
Danza-Performance-MÚsica 2015
94 410 07 98 | 635 708 999 | www.portal71.com
KUKAI - TANTTAKA Elkartze huí he rendez vous bctpeya...
Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015
655 739 674 | http://www.kukai.info/index.php/eu/
KREGO-MARTIN DANZA La ciencia de inocencia
94 410 07 98 | 635 708 999 | www.portal71.com
OIHANE VARELA AIZPURUA Zein da hemen ardi bellza?
680 127 714
CÍA. ZIOMARA HORMAETXEA Symbiosis
669 631 744 | www.ziomarahormaetxe.wordpress.com
CÍA. CIELO RASO Tormenta
630 290 807 | www.ciacieloraso.com
DANTZAZ KONPAINIA Ni espioi
943 02 1136 | 629 889 826 | www.dantzaz.net
LA INTRUSA DANZA Mud Gallery
692 157 395 | www.laintrusadanza.com
LOGELA MULTIMEDIA EDSTEPS PREDATORZ
Bost 5
HIRI DANTZA / Danza urbana 2015
637 462 564 | www.logela.org
OLATZ DE ANDRÉS El cielo ahora
605 119 414 | www.olatzdeandres.net

CÍA. CIELO RASO Pereza
630 290 807 | www.ciacieloraso.com
LASALA Lauesku 22
646 929 930 | http://www.lasala-lasala.com/
NATXO MONTERO Barbecho
605735666 | http://natxomonterodanza.blogia.com/
AUKERAN DANTZA KONPAINIA
Bitsaren errautsak / Istorio bat edo mila istorio
94 412 48 01 | www.glugluproducciones.com
MAUMA Reisiliencia
653 714 312 | http://jonkoldo.wix.com/mauma/
ORGANIK DANTZA Txapeldun
Dantza-antzerkiA / Danza-teatro 2014
627 937 875 | www.organikdantza.com
EVA GUERRERO Después de todo
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LA MICA Bárbara, II movimiento
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KRESALA EUSKAL DANTZA TALDEA
VERDINI DANTZA TALDEA
Oteizaren kaxa beltza / La caja negra de Oteiza
Euskal Dantza berria / Nueva danza vasca 2014
609 474 260 | 666 675 494 | www.Kresalaedt.com | www.verdini.org
DANTZAZ KONPAINIA Txoriak (zoroen itsasoa)
943 02 1136 | 629 889 826 | www.dantzaz.net
COLETIVO QUALQUER:
LUCIANA CHIEREGATI E IBON SALVADOR Gag
674 814 789 | https://www.facebook.com/colectivo.qualquer
COMPAÑÍA DE DANZA IKER GÓMEZ Sylphides PI
639 533 917 | http://www.sylphides.es/
KREGO-MARTIN DANZA “…To be continued…”
94 410 07 98 | 635 708 999 | www.portal71.com
HAATIK DANTZA KONPAINIA Ilargiaren malkoa / Lágrima de Iuna
94 351 82 99 | 609 101 075 | http://www.haatik.com
LASALA Hooked (still)
646 929 930 | http://www.lasala-lasala.com/
ANAKRUSA Duo
669 550 572 | http://www.anakrusa.com/es/
AI DO PROJECT 119.104
605730547 | www.aidoproject.com
AI DO PROJECT Invisible beauty
605 730 547 | www.aidoproject.com
EVA GUERRERO Después de todo
622 790 220 | Http://www.evaguerrero.dooscolectivo.es
M’ ATAKALADANZA Corazón de anhelos y hielo
669 766 576 | https://corazondeanhelosyhielo.wordpress.com
NAIARA MENDIOROZ JAVIER MURUGARREN
Bi-hots / Dos sonidos
603 163 179 | 602 498 581 | www.murugalas.com
KUKAI-TANTTAKA Gelajauziak
655 739 674 | http://www.kukai.info/index.php/eu/
VERDINI DANTZA TALDEA Verdini metodoa / Método Verdini
677 034 841 | www.verdini.org
MARÍA IBARRETXE RENATE KEERD
Pink flamingos, crazy horses
DANTZA-ANTZERKIA / Danza-Teatro 2014
699 751 506
PARASITE KOLEKTIBOA Estaba muerta / Jadanik hilda
633 195 197
http://www.salabaratza.com/sala_baratza_aretoa/parasite_kolektiboa.html
PARASITE KOLEKTIBOA Hautsa
633 195 197
http://www.salabaratza.com/sala_baratza_aretoa/parasite_kolektiboa.html
34

35
AUKERAN DANTZA KONPAINIA Geltokia
94 412 48 01 | http://www.aukeran.com/
MARITZULI KONPAINIA Nundik nora
Euskal Dantza / Danza Vasca 2014
http://maritzuli.wordpress.com
ERTZA Madifathinka (Ekaitz magikoa / La tormenta mágica)
688 642 736 | http://www.ertza.com/
ANITA MARAVILLAS Guau
BESTE / Otros 2015
94 410 07 98 | 635 708 999 | www.portal71.com
ERTZA Ikuslearen showa / El show del espectador
DIZIPLINA ANITZEKOA / Multidisciplinar 2015
688 642 736 | http://www.ertza.com/
SHAKTI OLAIZOLA Irakurriz
ZIRKOA / Circo 2014
619 379 311 | www.shaktiolaizola.com
PABELLÓN 6 Cabaret Chihuahua
Musikala / MUSICAL 2014
656 798 246 | www.teatromutante.blogspotcom
PIANO BAT BERTSOTAN
Piano bat bertsotan
Musikala / MUSICAL 2014
675 719 699
MALAS COMPAÑÍAS ZIRKO TALDEA
Txatarra
ZIRKOA / Circo 2014
608 025 997 | www.malaskompanias.com
KHEA ZIATER Not never on time
BESTE / Otros 2014
94 416 49 20 | 667 715 757 | www.kheaziater.com
AGERRE TEATROA Andere Juana eta argonautak
BESTE / Otros 2014
652 774 407 | www.agerreteatroa.com
EHUNDURAK PROIEKTUA Ehundurak
628 757 533 | http://izaskunlapaza.tumblr.com
SOFIEDUBS Y ELCONCCERTINO D-Rumbo
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LOGELA MULTIMEDIA Barbantxo
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64
15 marzo
abril15 marzo
abril
L
a programación teatral del Teatro
Arriaga comienza el mes de marzo con
la puesta en escena los días 6 y 7 de
la versión que Borja Ortiz de Gondra
ha realizado de El largo viaje del día hacia la
noche de Eugene O´Neill. Juan José Afonso
dirige esta propuesta de Iraya Producciones
con un reparto encabezado por Vicky Peña y
Mario Gas junto con los intérpretes Juan Díaz,
Alberto Iglesias y Mamen Camacho, que dan
vida a los miembros de una familia, perso-
najes a través de los que O´Neill “ha sabido
relatarnos a partir de su mundo más íntimo y
personallosgrandesenigmasdelserhumano
y su relación con el mundo (...) y nos termina
enfrentando a grandes retos de nuestra exis-
tencia. Es eso lo que hace de esta obra un
clásico universal”.
José Carlos Plaza dirige Olivia y Eugenio
del peruano Herbert Morote, espectáculo
de Pentación y Focus protagonizado por
Concha Velasco en el que una madre y su
hijo, un joven con síndrome de Down, se en-
frentan a una situación extrema. La tragedia
hace que esta madre rememore su pasado
haciendo un sincero ajuste de cuentas has-
ta plantearse una lúcida pregunta: “¿quién
es normal en esta vida?”.
Aterballetto es una de las principales
compañías de danza de Italia. Fundada
en 1979 y tras visitar Bilbao con ‘Romeo
and Juliet’ y ‘Pression/Incanto’ vuelve los
días 27 y 28 de marzo para presentar un
programa doble del coreógrafo Mauro Bi-
gonzetti, Come un respiro con música de
Haendel y Rossini cards, “una expresión
de la música de Rossini, de su ritmo apre-
miante, geométrica y precisa y, al final, de
un vitalismo dionisiaco”.
La ópera también tendrá protagonismo
con tres propuestas. Para público adulto
del 19 al 21 de marzo con Vanitas, natu-
raleza muerta para voz, piano y violonche-
lo del siciliano Salvatore Sciarrino en una
propuesta del Teatro Real con la mezzo-
soprano Marisa Martins, el violonchelista
Dragos Balan y la dirección musical y piano
de Ricardo Bini. También es una producción
del Teatro Real de Madrid La pequeña ce-
rillera (días 28 de febrero y 1 de marzo),
mientras que La pequeña flauta mágica es
una adaptación para el público infantil de
la ópera de Mozart dirigida por Joan Font
del Gran Teatro del Liceu. Ambas propues-
tas forman parte del programa Opera Txiki,
fruto del convenio de colaboración entre el
Teatro Arriaga y la ABAO.
Grandes textos, ópera y ballet
actual en el Arriaga
Aterballetto © A. Anceschi

15marzo
abril
65
15marzo
abril
L
a compañía catalana T de Tea-
tre presenta el 7 de marzo en
el Teatro Barakaldo y por vez
primera en Euskadi Mujeres
como yo, una comedia disparatada es-
crita y dirigida por Pau Miró en la que
cuatro mujeres (interpretadas por Ma-
men Duch, Marta Pérez, Carme Pla y
Montse Germán) que se acercan a los
cincuenta se rebelan contra sus anodi-
nas vidas. El día 14 Federico Luppi da
vida en El reportaje a un ex-general de
la dictadura argentina –implicado en el
incendio del teatro El Picadero de Buenos
Aires en 1981–, que va a ser entrevistado
en la cárcel donde cumple condena; un uni-
personal de Santiago Varela que muestra
cómo funciona el pensamiento autoritario.
Chico Buarque es el autor de La ópera
del Malandro (día 28), musical basado en
‘La ópera de tres centavos’ de Bertolt Bre-
cht que pone en escena Teatro de Fondo
con dirección de Vanessa Martínez. Una
comedia llena de crítica a la corrupción y
al abuso de poder interpretada en directo
por ocho actores-cantantes y un cuarteto
de dos guitarras, bajo y percusión.
La programación para público adulto de
abril comienza el día 11 con Hoy, última fun-
ción, en el que Itziar Lazkano y Ramón Ba-
rea dan vida al matrimonio formado por dos
viejos actores que celebran una imaginaria
última función acompañados de personajes
imaginarios como Ionesco, Stanislavski...
Una propuesta de Maki Escénica dirigi-
da por Tadeus Wolski. El día 12 Tartean
Teatroa presenta Pankreas, comedia con-
temporánea en verso y en euskera escrita
por Patxo Telleria y dirigida por Jokin Oregi,
obra que dará paso a dos clásicos univer-
sales: El mercader de Venecia de Shakes-
peare dirigida por Eduardo Vasco y a cargo
de Noviembre Teatro el día 18, y El largo
viaje del día hacia la noche de Eugene
O´Neill de Iraya Producciones el 25.
La danza llega a Barakaldo en
forma de gala (19 de abril) con Es-
trellas del Ballet Ruso, espectáculo
dirigido por Yuri Vyskubenko e inter-
pretado por algunos de los prime-
ros bailarines de los grandes ballets
como el Bolshoi o el Mijailovskii de
San Petersburgo. Y de danza pero
flamenca es Latente (24) del bailaor
José Maya, propuesta que se enmar-
ca en el ciclo ‘Viernes Flamenco’’,
dentro del que también se podrá disfru-
tar de las propuestas musicales de David
Palomar (20 de marzo) y Rocío Segura
(10 de abril). La programación se com-
pleta con dos funciones de BAI Match
Impro de los alumnos de BAI Bizkaiko
Antzerki Ikastegia dirigidos por Fer Mon-
toya, y los programas Titerescena, con
los espectáculos Cubo libre de la compa-
ñía italiana Dromosofistas, Clown houses
de los griegos Merlin Puppet Theatre y
Código postal 00 de los catalanes Engru-
na Teatre, y Teatro para escolares con
Azken portua de Dejabu y Makinista de
Markeliñe.
Una programación para todos
los públicos y gustos
Mujeres como yo de T de Teatre ©David Ruano

66
15 marzo
abril
M I S C E L A N E A
La Cia. Cielo Raso lleva al escenario de La Fundi-
ción de Bilbao los días 7 y 8 de marzo Karaoke, pie-
za dirigida por Igor Calonge en la que la compañía
donostiarra vuelve a demostrar su lenguaje propio,
ahondando en el uso de una delicada poética visual.
El 14 de marzo, tras la residencia realizada en la sala
bilbaina, los franceses Collectif a.a.O presentarán
Ether, una pieza sensorial en el cruce de la danza y la
informática. El 25 y 26 de abril la coreógrafa bilbaina
Blanca Arrieta pondrá en escena Argh!, una pieza
sobre “la determinación de estar, respirar y jugar en
el lugar que ocupamos, sabiendo que aquello que se
repite se experimenta siempre de forma diferente. La
reivindicación de un tiempo y un espacio para imagi-
nar y sentir”. Pero entre ambas piezas de danza La
Fundición propone dos espectáculos. Guerrilla4 de El
Conde de Torrefiel tendrá lugar los días 27 y 28 de
marzo tras la residencia que la compañía catalana va
a realizar en La Fundición. El Conde de Torrefiel está
creando una serie de piezas denominadas Guerrilla en
vista del estreno el próximo junio. Esta pieza es la
primera entrega centrada en aspectos más teatrales y
relacionada con el trabajo de los intérpretes, frente a
las anteriores más cercanas a la acción performativa.
El humor es el protagonista de Mr.Kebab de los se-
villanos Pez en Raya; humor magia y mucho surrea-
lismo que de manera absurda intenta dar al público
gato por liebre, pero eso sí, a carcajada limpia. El cine
también tiene su protagonismo con la emisión el 12
de marzo del film alemán ‘Una mujer sin historia’ de
Alexander Kluge y una sesión de Cine de Danza el 28
de abril para celebrar, un día antes, el Día Internacio-
nal de la Danza.
La programación de Kultur Leioa comienza el 1 de mar-
zo con el preestreno de Jokoz Kanpo de Borobil Tea-
troa, obra con el fútbol como telón de fondo, escrita
por Arantxa Iurre y dirigida por Anartz Zuazua, que
se encarga de clausurar Kultur Maratila, ciclo de ar-
tes escénicas de creación artística en euskera. Para el
Día Mundial del Teatro el escenario de Leioa acoge la
última propuesta de La Zaranda, El grito en el cie-
lo, con la que la compañía gaditana, fiel a su estilo,
vuelve a reflexionar desde su particular visión sobre
la libertad. Zanguango Teatro presenta por su parte
el 17 de abril Cualquiera que nos viera, espectáculo
dirigido por Miguel Muñoz en el que Txubio Fernández
de Jauregi y Miguel Garcés dan vida a dos persona-
jes encerrados en un antiguo gimnasio para abordar el
comportamiento humano en todas sus facetas desde
situaciones cotidianas y con el humor corrosivo y crí-
tico que les caracteriza. La danza llega a Leoia con El
cielo ahora, una pieza creada a partir de la relación
básica mirada-movimiento-parada que la Cía. Olatz de
Andrés pondrá en escena el 24 de abril. Un particular
espectáculo de circo con música en directo protagoni-
zado por una orquesta con una fuerte inclinación hacia
lo absurdo; esto es ¡Disparate!, creación del artista
danés Karl Stets que pone en escena la compañía ca-
talana Cacophonic Pictures Orkestar el 7 de marzo.
Y además, tres propuestas dirigidas al público infantil y
familiar: el 15 de marzo Erpurutxo, la adaptación que
Teatro Paraíso ha realizado del conocido cuento ‘Pul-
garcito’; Auzokoak, obra que integra teatro y danza
inspirada en el libro ‘La Brouille’ de Claude Broujon de
la mano de Traversée Konpainia el 29 de marzo; y el
concierto Rock`n`kids el 19 de abril.
La Fundición - BilbaoKultur Leioa
La Zaranda, El grito en el cielo Blanca Arrieta

68
15 marzo
abril
F
uera del ámbito de la progra-
mación de dFeria –del 9 al 12
de marzo–, los escenarios de
Donostia acogen una extensa
programación en la que destacan las
actividades en torno a los días interna-
cionales del Teatro y de la danza, así
como el Día Internacional de la Mujer
con la celebración de la XXX Semana
de las Mujeres del 2 al 5 de marzo en
Larratxo K.E. Con el tema ‘Disfruta de
tu madurez’ se presenta una programa-
ción con dos espectáculos, el monólogo
No os lo vais a creer interpretado por
Maribel Salas y El Arte de la Entrevista
de Emakume Ausartak. Además el día
6 en Ernest Lluch K.E. Olatz Beobide
Amaia Lizarralde pondrán en escena
Una a tres, dos monólogos escritos por
Teresa Calo y Harkaitz Cano.
También son monólogos interpretados
por mujeres los espectáculos Konpota de
Dxusturi Teatroa –día 5 en Lugaritz K.E.–
y Arquetipos de mujer: una búsqueda a
cargo de Juana Lor, en Okendo K.E el día
7. y el espectáculo dirigido al público in-
fantil y familiar Una niña de La Rous el día
8 en Lugaritz K.E.
La amplia oferta escénica para los más
pequeños incluye el último espectáculo
de Vaivén Producciones, la adaptación
del clásico de ‘Cyrano de Bergerac’ de
Edmond Rostand que han realizado Olga
Margallo y Antonio Muñoz Mesa titulada
New Orleansko Cyrano –día 14 en el Tea-
tro Principal– y el mismo día pero en Egia
K.E. la también adaptación de otro clásico
universal, Kixote de Markeliñe o Aladdin
a cargo de Gorakada el 28 de marzo en
Larratxo K. E. No podían faltar además los
espectáculos de payasos como Konpost
eroak de Zirika Zirkus o Txo, mikmak txikia
de los célebres Pirritx, Porrotx eta Mari-
motots, todos ellos en euskera.
Día del Teatro
El 27 de marzo, Día Mundial del Teatro,
se concede el Premio Donostia de Teatro a
la mejor obra en euskera representada en
la ciudad el año anterior. La obra galardo-
nada con el XV Donostia Antzerki saria es
Arrastoak de Dejabu Panpin Laborate-
gia que será representada este día tras la
entrega del premio a la compañía.
La programación teatral para adultos se
completa con el estreno de Gau arabiarra
de Hika, Kabia Teatroa y Pabellón 6, obra
basada en el texto de Roland Schimmel-
pfennig –que también se incluye en la pro-
gramación de dFeria–, el espectáculo La
boda de los pequeños burgues de Bertolt
Brecht que pondrá en escena el 15 de mar-
zo en el Teatro Principal Marasmo Teatro, o
la propuesta de Teatro del Barrio en copro-
ducción con el Teatre Lliure, Ruz/Bárcenas,
texto de Jordi Casanovas dirigido por Alber-
to San Juan basado en el interrogatorio del
juez Ruz a Luis Bárcenas –interpretados
por Manolo Solo y Pedro Casablanc respec-
tivamente– y que se podrá ver en Lugaritz
K.E los días 21 y 22 de marzo.
En el Teatro Victoria Eugenia se podrá
disfrutar los días 26 y 28 de marzo de El
percusionista, “una propuesta teatral escrita
desde el anhelo de contribuir al desarrollo
del arte escénico africano y la difusión de la
cultura de Guinea Ecuatorial” de Gorsy Edú,
mientras que el 25 de abril Secuencia 3 pon-
drá en escena la adaptación realizada por
Eduardo Galán de El zoo de cristal, de Ten-
nessee Williams, dirigida por Francisco Vidal
e interpretada por Silvia Marsó, Carlos García
Cortázar, Alejandro Arestegui y Pilar Gil.
La danza y su día
El 29 de abril se celebra el Día Interna-
cional de la Danza, motivo por el que el día
26 tendrá lugar en el Teatro Victoria Eu-
genia la XIX Gala del Día Internacional de
la Danza organizada por la Asociación de
Profesionales de Danza de Gipuzkoa. De
danza es también el espectáculo Vaivén
de Cia Antonio Ruz Danza –29 de marzo
en Egia K.E.– y Atalak XXIV de Dantzaz
Konpainia con la participación de Noemi
Viana el 29 de abril en la Sala Club del
Teatro Victoria Eugenia.
Más propuestas escénicas
antes y después de dFeria
Los días internacionales de la mujer, el teatro y la danza protago-
nistas de la programación escénica de marzo y abril en Donostia
Una niña de La Rous ©Gabriel Díaz Martínez-Falero

70
15 marzo
abril
L
a vasta programación del Teatro
Circo de Murcia comienza el mes de
marzo con La niña que vivía en una
caja de zapatos, obra en la que Zum
Zum Teatre funde teatralidad y tecnología
para ofrecer un espectáculo poético que
forma parte del Ciclo al Teatro en Familia,
programa que incluye además las propues-
tas Jazz Tá, un concierto del cuarteto de
Dixieland The Dixie Kings A mano, una
delicada obra de teatro de objetos de El
Patio Teatro, Atrapasueños, una obra que
viaja al Gran Almacén de las pesadillas de
niñas y niños de La Tartana y la versión
para dos actores y con mucho humor que
ha realizado la compañía argentina Puro
Grupo Teatro de la obra de Shakespeare
que pasa a denominarse Romeo y Julieta,
una obra en construcción.
El 19 de marzo, tendrá lugar el estreno
de El sueño de Segismundo, coproducción
de La Chimenea Escénica y el Teatro
Circo de Murcia; una obra en clave de
circo que sumerge al público en un mundo
onírico donde el personaje principal, Segis-
mundo, busca descubrir qué es real y qué
es sueño.
Entre las propuestas para público
adulto se encuentran también La can-
tante calva, el clásico de Ionesco que ha
llevado a escena Teatro de la Entrega
en versión y dirección de Jose Bote, o
Continuidad en los parques de Barco Pi-
rata, una obra de Jaime Pujol dirigida por
Sergio Peris-Mencheta en la que cuatro
actores ponen en escena una colección
de historias que confunden e inquietan a
pesar de su aparente naturalidad.
YAK 42. No te reconozco de Somnis
Teatre parte de un hecho real, el acciden-
te en el que en 2003 perdieran la vida 62
militares españoles que volvían de Afganis-
tán y Bosnia. Una obra escrita y dirigida por
Ruben Pleguezuelos y Cristina Aniorte que
tiene por objeto no olvidar este hecho y ho-
menajear a los fallecidos.
Alfredo Sanzol por su parte es el autor y
director de La calma mágica, coproducción
del CDN y Tanttaka Teatroa que a través de
una ensoñación da pie a un viaje iniciático
que lleva al público hasta África, a los elefan-
tes rosas, al amor, la obsesión o la traición,
mientras que Iniciativas Teatrales sube a los
escenarios una de las obras más inquietan-
tes y conocidas de Agatha Christie, 10 negri-
tos, en una versión de Ricard Reguant, quien
también se encarga de su dirección.
Pero hay más: dos espectáculos dentro
del Ciclo Humor Canalla, Sexpearemente
de Producciones Sexpeare y The Lovers
de Roma Calderón Roma; el monólogo y
concierto techno-pop El amor es un pe-
rro que viene del infierno; dos más en el
Ciclo Microscena, Eya, el musical que na-
rra la historia del día a día de Adán y Eva
y Punto muerto con dirección de Rubén
Cano y que tiene como particularidad el
ser representado en el WC. Coincide con
el Día Internacional del Teatro Teatro en
24 horas, piezas de teatro ganadoras del
proyecto del mismo nombre de creación
y montaje a lo largo de un día y que se
muestran al público tras cuatro semanas
de desarrollo. Y además de todo esto el
6º Festival Internacional de Magia Solida-
ria de Murcia.
Fecunda primavera escénica
en el Teatro Circo de Murcia
Continuidad en los parques de Barco Pirata

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15 marzo
abril
Luz negraJosu Montero
Hacer sospechar
i padre lee en voz alta. Uno de mis recuerdos in-
fantiles más vivos es el de su voz extendiéndose
por la casa desde el lugar en que estuviese le-
yendo. Nuestra casa estaba llena de palabras. Por medio de la
voz de mi padre, sus hijos nos acercamos a libros que entonces
apenas entendíamos pero que sin duda se convirtieron en parte
de nuestro paisaje interior. A través de la voz de mi padre nues-
tras cabezas se llenaban de personajes, de imágenes, de ideas.
Algún amigo ha querido vincular mi posterior vocación teatral con
el hecho de que de niño, a través de mi padre, la literatura me
entrase por el oído. Creo que sí, que probablemente aquellas lec-
turas de mi padre están en la base de mi búsqueda
de palabras que, pronunciadas desde el cuerpo de
un actor, puedan despertar mundos en quien las es-
cucha”. Este fragmento forma parte del epílogo de
“Teatro. 1989-2014”, de Juan Mayorga, un breve
epílogo titulado “Mi padre lee en voz alta” y con
el que significativamente el dramaturgo ha querido
cerrar el volumen.
Hace ahora 20 años que subió a los escenarios la
primera obra de Juan Mayorga (Madrid, 1965): “Más
ceniza”; y 25 de su primera obra publicada: “Siete
hombres buenos”. En este tiempo ha obtenido casi
todos los premios, ha sido traducido a más de treinta
idiomas y sus obras han sido representadas en todo
el mundo. La editorial segoviana “La Uña Rota” se
ha atrevido a publicar este bello y voluminoso libro
–770 páginas– que recopila veinte obras de Mayorga
seleccionadas por él mismo.
En los últimos años del franquismo y los de la transición se im-
puso en España un teatro que abrió las puertas a las dramaturgias
innovadoras que se venían desarrollando desde hacía décadas en
Europa y en América. Teatro colectivo y experimental, en el que
prevalecían los lenguajes no verbales, y en el que la figura esen-
cial no era el autor sino el director. La democracia aprovechó estos
mimbres para hacer del teatro espectáculo y fiesta. Los grandes
dramaturgos silenciados por el franquismo siguieron desaparecidos
y la generación siguiente hubo de desarrollar su trabajo en este
ambiente hostil. Durante la segunda mitad de los 80 y los 90 se
abre poco a poco paso una nueva generación de dramaturgos, que
ha de enfrentarse al teatro como entretenimiento y al recelo de
los teatros privados y públicos que ve en estos nuevos autores a
unos aguafiestas que quieren problematizar la realidad. Así que se
proclama que no hay autores para lavarse la conciencia. Pero lo
cierto es que hay un buen puñado de creadores de gran talento
que cree en la renovación del teatro y que cuenta como estupen-
das aliadas a las Salas Alternativas, que dinamitaron el panorama
teatral de aquellos años. De entre ellos destaca Juan Mayorga. Casi
todos coincidían en que la palabra en el teatro tenía que alejarse de
lo verborreico, lo logocéntrico, sermoneador, moralista o didáctico.
El teatro ya no era un vehículo de comunicación sino un campo de
batalla, el lenguaje oculta más que muestra, “hablando se enciende
la gente”, que escribió alguien.
Mayorga es un raro ya que es filósofo y matemático de forma-
ción, materias de las que ha impartido clases en institutos –de
ahí salieron por ejemplo obras como “El chico de la última fila”–.
Comenzó su andadura teatral formando parte de “El Astillero”,
colectivo de dramaturgos, compañía teatral e incluso activa edito-
rial. Mayorga es sin duda un hijo de la ilustración: “El arte teatral
consiste en la representación de todas las posibilidades de la vida
humana y de todas las posibilidades del lenguaje”. Pero hoy sólo
se puede ser ilustrado poniendo la propia ilustración bajo sospe-
cha. Su teatro apuesta por desvelar la realidad, llevar a escena lo
que el ojo perezoso se resiste a mirar. “El teatro debe ser el lugar
en el que se hace visible aquella parte de la vida
que no quiere mostrarse. El teatro es la máscara que
desenmascara. Y nada hay más enmascarado que la
actualidad, oculta bajo toneladas de información. El
actor, con una palabra, con un gesto, puede retirar
el velo que disfraza al mundo”. Teatro comprometi-
do por tanto, pero bien lejos de didactismos y mani-
queísmos. “No se trata de presentar la verdad como
si se poseyese, sino que la verdad es el horizonte
del teatro, lo tensiona”. Mayorga suele llamar a lo
que hace teatro de ideas o de pensamiento, pero
aclara: “Cuando defiendo un teatro de pensamiento
no me refiero al pensamiento del autor; en el teatro
de ideas lo que importa son las ideas del espectador,
provocar desconfianza hacia lo que se dice. Eso es
más necesario ahora, que vivimos tiempos oscuros.
De mi teatro no creo que se pueda derivar una ima-
gen del mundo, sino más bien una sospecha”. Suele recurrir Ma-
yorga a argumentos históricos, pero siempre para conseguir ese
distanciamiento que permita tratar un asunto del presente. Su tesis
doctoral giraba en torno a Walter Benjamin, probablemente de ahí
su obsesión por la inquietante relación entre cultura y barbarie, por
la manipulación de la verdad en la historia, por la soledad del indi-
viduo en regímenes totalitarios como el nazismo o el estalinismo.
La problematización del humanismo, de lo humano, le ha llevado
también a otra forma de distanciamiento como es el de crear fábu-
las, obras protagonizadas por animales: perros, gorilas o tortugas.
Otra tendencia del teatro de Mayorga es el duelo escénico, esto
es, dos personajes frente a frente, pero más que antagonistas,
son el uno la sombra, el fantasma, la pesadilla del otro: “La lengua
en pedazos”, “Reikiavik”, “El crítico”, “Animales nocturnos”, “El
traductor de Blumemberg”, “Cartas de amor a Stalin”, “El gordo
y el flaco” o incluso “El arte de la entrevista” se basan en ese
enfrentamiento. “Himmelweg”, la obra que le abrió las puertas del
CDN, es su pieza más representada. Y tal vez las que creó para
Animalario, las que le dieron mayor proyección pública: “La boda
de Alejandro y Ana”, “Hamelin” o “Últimas palabras de Copito de
Nieve”. Pero lo cierto es que leídas hoy, las obras de Mayorga
siguen produciendo inquietud, siguen agitando la conciencia del
lector frente a una realidad que el dramaturgo sabe desvelar en
toda su complejidad; nos la pone delante y nosotros no podemos
hacer otra cosa que interrogarnos.
M
TEATRO 1989-2014
JUÁN MAYORGA
La uña rota

74
15 marzo
abril
Jorge Dubatti
15 marzo
abril
Shakespeare se vuelve argentino
a literatura dramática de Shakespeare -como la de Mo-
lière o la de los sainetes y grotescos criollos- tiene una
marcada condición híbrida o, más precisamente, hete-
roestructurada, es decir: en las estructuras de la letra
impresa (el texto dramático) Shakespeare inscribe tanto la literatu-
ridad (lo propio de la literatura) como la teatralidad (lo propio del
teatro). Se cruzan allí dos esencias, dos identidades. Shakespeare
no hace sólo una literatura de la página o el libro (como el teatro
de Schiller o el Musset), sino también una literatura de la escena,
una literatura que se abre pentadimensionalmente como se abre la
escena: en las tres dimensiones del espacio (ancho, alto, profun-
didad), más la dimensión progresiva del tiempo, más la dimensión
del convivio con los espectadores. Cuando se lee a Shakespeare,
sus textos estallan pentadimensionalmente, se despliegan como es-
cenas a través del tiempo en reunión. La de Shakespeare es una
escritura cargada de saberes de hombre de teatro. Un buen camino
para percibir esa hibridez puede hallarse en leer sus textos desde el
diseño espacial y la dinámica artística de los teatros de su época,
los isabelinos, como The Globe, donde Shakespeare trabajó.
Justamente fue ésta una de las principales razones por las que
resultó ineludible la oportunidad que abrió el Teatro Shakespeare,
montado en el Parque Thays (Libertador y Callao) entre octubre y
diciembre pasados: poder asistir en Buenos Aires a la puesta de una
obra de Shakespeare –en este caso Ricardo III– en una réplica con-
ceptual de The Globe, montada como arquitectura efímera a través
de una estructura tubular (layers).
Sorprendió la complementariedad del texto de Ricardo III con
ese espacio singular, hábilmente explorada por el director Patricio
Orozco, sin duda uno de los mayores conocedores del universo
shakesperiano. (Orozco dirige la Escuela Shakespeare Argentina,
Próspero Producciones, la Fundación Romeo y el Festival Shakes-
peare Buenos Aires, instituciones desde las que genera múltiples
acciones artísticas y educativas sobre el autor de Hamlet.) Ojalá el
Teatro Shakespeare pudiera transformarse en un edificio estable, ya
no efímero: Buenos Aires, como gran capital teatral del mundo, se
merece contar con una sala así.
Cuando se ingresaba al espacio del Teatro Shakespeare llama-
ban la atención el piso de tierra y césped (el suelo del Parque), el
techo abierto al cielo, la estructura oval de las galerías de gradas,
el escenario rectangular elevado, sin telón y con sendas puertas
laterales. Pero la verdadera sorpresa se generaba cuando comen-
zaba el acontecimiento teatral y ese espacio proponía una dinámica
escénica única: lo que sucedía era muy diferente a lo que experi-
mentamos en las salas a la italiana o incluso en las no convencio-
nales. En el Teatro Shakespeare todo lo inundaba la luz del día y no
se “oscurecía” el sector de los espectadores (entraron unos mil por
función, entre parados en el césped y sentados en las galerías), tan
visibles como los actores. Todos se veían las caras. En una suerte
de dramaturgia del azar, se colaban el ruido de los aviones, de los
trenes, del tránsito automovilístico de la Avenida Libertador, y el
canto de los pájaros. Con el descenso de la noche, aparecían los
mosquitos. Muchos espectadores, de pie en el césped, se acodaban
en el escenario, sus cabezas muy cerca de los pies de los actores.
Otros se sentaban en el piso, y los actores circulaban entre ellos.
Los actores les hablaban a los espectadores y éstos les contesta-
ban, mientras tomaban mate, sacaban fotos o filmaban. La gente
entraba y salía del teatro sin problemas, y como en el teatro de calle,
se podía hablar en voz alta. Los actores escuchaban todo el tiempo
lo que comentaba el público, y necesitaban sin duda replantear sus
estrategias de concentración para no distraerse o tentarse. El “vivir
juntos” del convivio llevado a su máxima energía.
Todo esto permitía el despliegue de una poética actoral de raíz
popular, en la que Gabriel “Puma” Goity, en el personaje de Ricardo
III, brilló con toda su potencia de gran capocómico. Goity dominó
plenamente las posibilidades maravillosas de este teatro: hablaba
y contestaba a los espectadores y se permitía increparlos como
villano tragicómico con un “¡De qué se ríen, mierdas!”, se metía con
el fotógrafo, “morcilleaba” e improvisaba para beneplácito de todos,
comentaba el trabajo de sus compañeros, se salía deliberadamente
de personaje, hablaba todo el tiempo sobre la obra de Shakespeare
y sobre sus propios procedimientos de actuación (transformaba,
como es común en el teatro popular, la enunciación en enunciado,
como hacían los grandes actores Florencio Parravicini y Alberto Ol-
medo, como hace también Antonio Gasalla). Había que verlo: Goity
era una “máquina de teatro”. (Es sin duda uno de los capocómicos
brillantes de la Argentina, ya lo señalamos con motivo de su prota-
gónico en Los Locos Addams, se ha ido acentuando, pero ya estaba
en El amor, Gorda o Un dios salvaje, además de sus trabajos en tele-
visión). El Ricardo III de Goity combinaba con creatividad los matices
de la farsa y el grotesco (explícitos en las imágenes de la gráfica,
programa, afiches), el chiste popular, la tragicomedia y la tragedia.
Se valía de latiguillos y agregaba expresiones en inglés. Este código
se proyectaba a su vez en los trabajos de Eduardo Calvo y Florencio
Laborda (los asesinos instrumento de Ricardo III). Siempre decimos
que, en la Argentina, Shakespeare se vuelve argentino, y en este
caso plenamente por la herencia de los actores populares naciona-
les. En su adaptación, Orozco buscó multiplicar esa argentinización
en diferentes niveles: expresiones de la traducción (aunque sin vo-
seo local), la música (aparecía el tango), los cuchillos de “malevo” o
“guapo” (en lugar de las espadas o los puñales).
Orozco contrastó la línea grotesca con la plenamente trágica, en
la que la comicidad se ausentaba, trama encarnada por las actrices
María Comesaña (destacable Reina Margarita), Susana Cart (Du-
quesa), Cristina Pérez (Reina Isabel) y Ariadna Asturzzi (Lady Ana),
especialmente en las tres primeras resonaba la evocación argentina
de Madres de Plaza de Mayo y las Madres del Dolor. Fueron dieci-
siete los actores de esta experiencia shakesperiana que sin duda
marcó un capítulo en la historia de la recepción nacional del dra-
maturgo: a los ya nombrados se sumaron Fabián Arenillas, Fabio
Aste, Tomás de las Heras, Gonzalo Jordán, Pablo Lambarri, Agustín
Maradei, Pablo Mariuzzi, Sebastián Pajoni, Nano Porras y el adoles-
cente Tadeo Viano Galvé.
El final, en el que Richmond (Tomás de las Heras) mataba a Ri-
cardo III y asumía el poder como Enrique VII, planteó una clave de
L

15marzo
abril
75
15marzo
abril
Postales argentinas
lectura en la que Orozco eligió seguir la cosmovisión isabelina, apar-
tándose del falso cliché contemporáneo de que a un tirano seguirá
otro. Para Shakespeare y para Orozco se había restituido el orden
inicial contra el caos de asesinatos impuesto por Ricardo III. La ima-
gen digna, seria, joven de Richmond, en contraste con la de Ricardo,
parecía indicar que se había hecho justicia y que, de acuerdo con
los isabelinos, el nuevo rey contaba otra vez con la doble legitimi-
dad: divina y humana. Orozco, creemos, quiso significar, metáfora
mediante, que no todos los gobernantes son lo mismo, y rescató así
la tarea política, nuevamente legitimada, como el gran desafío del
futuro nacional e internacional. Su Ricardo III propuso al público que
hay que creer en la política.
En otra ciudad, en La Plata (capital de la Provincia de Buenos Ai-
res), en la Sala Armando Discépolo (calle 12, entre 62 y 63), luego
de disfrutar de La comedia de los herrores (así, con “h”, versión
de La comedia de las equivocaciones de Shakespeare), llegamos
a la conclusión de que su adaptador y director, el joven teatrista
Emiliano Dionisi, es mucho más que el excelente actor que hemos
visto en otras creaciones (De hombre a hombre, Perderte otra vez,
Iván y los perros).
La de Dionisi fue una dirección avezada, llena de ritmo y atracti-
vos escénicos, muy laboriosa, que cautivó a niños, jóvenes y adultos,
y que permitió pensar en la vigencia del legado teatral de Hugo
Midón. Dionisi, uno de los auténticos continuadores del recordado
director de Vivitos y coleando, domina plenamente un concepto de
teatro derivado de la “estética de la multiplicidad” con la que tra-
bajaba Midón –en todo su teatro, pero muy especialmente en sus
reescrituras El Gato con Botas, Stan y Oliver, Popeye y Olivia)-, y
en este caso Dionisi aplicó ese concepto a la versión de una de las
comedias shakesperianas más deliciosas y difíciles de montar.
Fue un acierto de la Comedia de la Provincia de Buenos Aires ha-
ber convocado a Dionisi (quien ya había demostrado su capacidad
de dirección con otra adaptación shakesperiana: Romeo y Julieta de
bolsillo), así como el armado de un elenco en el que confluyeron
actores de la ciudad de Buenos Aires (Mariano Mazzei, María Rosa
Frega y Julia Gárriz, algunos de ellos con larga trayectoria en Mar del
Plata) y de distintos puntos de la provincia: de Luján (Santiago Cu-
lacciati) y de La Plata (Hilario Vidal, Diego Aroza y Oscar Ferreyra),
todos de primer nivel.
En La comedia de las equivocaciones, con la fascinación renacen-
tista por el rescate de la Antigüedad clásica, Shakespeare lleva a su
máxima expresión la comicidad de situación, el enredo, el quiproquo
(el procedimiento de tomar “una cosa por otra”, el malentendido) y
el efecto “bola de nieve” (la gradación creciente de la complicación
en la intriga). Lo hace a partir de la historia de dos hermanos ge-
melos, idénticos –Antífolo de Éfeso y Antífolo de Siracusa-, y de sus
respectivos criados gemelos, también idénticos –Dromio de Éfeso y
Dromio de Siracusa-, separados en un naufragio. La ciudad de Éfeso
vuelve a reunirlos sin que ellos lo sepan hasta el desenlace, y los
cruces generan las más divertidas confusiones.
Shakespeare se inspira en una comedia latina de Plauto, pero, ge-
nialmente, redobla el artificio, multiplica la complejidad de la intriga
clásica. Uno de los grandes desafíos de esta pieza es, además, la
actuación: tradicionalmente los dos Antífolo son encarnados por un
solo actor, así también los dos Dromio, y en la versión de Dionisi se
hicieron cargo de ellos, respectivamente, Mariano Mazzei y Santiago
Culacciati. La puesta en escena exigió así una relojería precisa tanto
en el vertiginoso armado de las situaciones como en la composición
y diferenciación de los hermanos. Mazzei y Culacciati hicieron un tra-
bajo espléndido, por su maestría lo difícil parecía fácil y esa liviandad
potenciaba el espíritu de lo cómico y la fascinación del espectador.
La versión de Dionisi multiplicó tanto el enredo como el lucimiento
de la actuación y, a la vez, propuso una política de la diferencia
que dio otra vuelta de tuerca a la pieza shakesperiana: mezcló el
teatro con el cine. Planteó desde el programa de mano “presenciar
el ‘detrás de escena’ de un estudio de cine perdido en el tiempo” y
el espectador observaba, en el cruce de dos niveles de ficción (el
espacio de grabación de la película y el mundo representado en
la película), una gran pantalla, un depósito de utilería repleto de
accesorios, la silla del director con su cono/megáfono y la claque-
ta de tiza para el clásico “¡Acción!”. El principal procedimiento del
cruce de teatro y cine consistió en una pantalla tajeada, gracias a
la que los actores “entraban” y “salían” del film, un video con una
sincronización tan efectiva que sorprendió al público y fue otra de
las fuentes de comicidad y ludismo. A los actores mencionados, se
sumaron en el video Sebastián Ezcurra (además supervisor artísti-
co), Johanna Bernay y Mariela Ponsetti. El desempeño de todos los
actores en vivo en escena y grabados en la pantalla, junto a los re-
cursos de digitalización y montaje, favoreció la poética del enredo y,
en el caso de Mazzei y Culacciati, el trabajo de desdoblamiento para
la representación de los dos Antífolo y los dos Dromio. Fue magnífica
la realización del video, cuyas locaciones despertaron seguramente
en el espectador adulto más de un enigma. Confluyeron en esta
dimensión visual impecable del espectáculo las colaboraciones de
un amplio grupo de artistas: Ricardo Baldoni y Martín Pirrone en
imagen, Fernando Massobrio en fotografía, Gabriela Fernández en el
registro audiovisual, Javier Pistani en la dirección de video, Agustín
Araujo y Agustín Dalponte en la asistencia de dirección del video,
Sabrina Prieto en el diseño de escenarios, los mencionados Araujo
y Pistani en animación y posproducción, Mariano Attolini en cámara
y Lucas Guardincerri en gaffer, con la producción general de Perro
Viejo Lúdica Visual. Mucho trabajo concertado de artistas para
lograr tan buen efecto, al que se sumaron para la relación con la es-
cena el Equipo de Luminotécnica y efectos especiales y la asistencia
de dirección de Carolina Otero.
Como se trataba de un “homenaje al cine clásico”, la escena tea-
tral jugaba con diversas gamas del blanco, el negro y el gris (exce-
lente trabajo de vestuario y de escenografía de Marisol Castañeda),
y por momentos se recurría al movimiento mecanizado (a la manera
chaplinesca), los carteles y la música del cine mudo (en manos de
un gran creador musical: Gustavo García Mendy). Otro componente
fueron los juegos de sonorización, que planteaban un enlace con los
dibujos animados. Y también las citas al melodrama, como en el giro
de la identidad de la abadesa/madre.
De fondo, Dionisi estableció un paralelo entre el carácter popular
del teatro isabelino en el siglo XVI y el del cine en el mundo contem-
poráneo, aspecto sobre el que ya insistió Jan Kott en Apuntes sobre
Shakespeare. Pero creemos que en La comedia de los herrores el
cine fue un magnífico aliado de la estética de la multiplicidad de raíz
midoniana. Queda picando establecer las relaciones entre el teatro
shakesperiano y el de Midón, sin duda profundas.
Baste decir que en la cartografía shakesperiana de la Argentina,
Ricardo III y La comedia de los herrores se han ganado un lugar de
privilegio que excede los límites de este comentario y requiere un
estudio más extenso. Con el trabajo de directores y adaptadores
como Dionisi y Orozco, Shakespeare se vuelve argentino.

76
15 marzo
abril
Piedra de sacrificioJaime Chabaud
15 marzo
abril
Políticas públicas sobre teatro
en México: Juan Meliá (1)
uan Melía irrumpió de manera sorpresiva en la escena
mexicana al ser nombrado Coordinador Nacional de Tea-
tro del Instituto Nacional de Bellas Artes en 2009. Prác-
ticamente en el gremio teatral era un nombre que no le decía gran
cosa a la mayoría, y por ello no fue poco el malestar que generó su
designación. Parecía como si las altas autoridades culturales no pu-
diesen comprender que los trabajadores del teatro querían a un igual
en el puesto más importante de las decisiones que afectan al sector.
Sin embargo, de forma meteórica, Juan logró ganarnos y meternos al
bolsillo aún a los más reacios. Amén de ser un gestor que afronta las
problemáticas de manera frontal, se ha distinguido por su claridad
y honestidad. En muy poco tiempo se hizo de todos los hilos de las
problemáticas del sector y hoy es un experto no sólo de lo que ocurre
en México sino que posee una mirada sobre la escena iberoamericana
nada despreciable.
Jaime Chabaud.- Has estado al frente de la Coordinación Nacional
de Teatro ya 6 años. ¿Crees que las políticas públicas se han conso-
lidado?
Juan Meliá.- Mi primera preocupación ha sido leer el estado que
guarda la disciplina teatral en nuestro país. Detectar sus puntos fuer-
tes y, al tiempo, poder observar correctamente aquellos vacíos o de-
bilidades con los que convive. Dichas lecturas las hemos intentando
transmitir tanto hacia la propia comunidad, como hacia las diversas
instituciones que de manera separada atienden esta disciplina. Lo an-
terior ha encaminado la construcción paulatina de nuevos lenguajes,
objetivos o modelos comunes. Ha provocado el interés por la movili-
dad y por encontrar nuevas formas y fuentes de financiamiento para
incrementar la vida de las obras; también un punto importante, para
generar la inclusión de nuevas voces y propuestas, ha sido el apostar
de manera franca por los procesos de convocatorias nacionales, in-
ternacionales y regionales. Todos estos puntos han sido y serán una
constante ocupación en mi administración.
J.Ch.- En la ciudad de México la crisis de espacios escénicos ha
creado un cuello de botella. Existe el mismo número de teatros que
hace 30 años o menos, con una población teatral quintuplicada. ¿Cuál
crees que es la salida?
J.M.- La dinámica que planteas, considero, debe ser leída desde una
dimensión mayor. No puede ser observada solamente en la ciudad de
México, ni se puede partir de que aumentado la cantidad de espacios
escénico el problema se resuelve. La solución está en la ampliación
del modelo actual y debe darse en una combinación de múltiples vías,
objetivos articulados y un consenso claro de hacia dónde vamos. El
modelo cultural mexicano, a través de sus fondos concursables, ha
apoyado de manera clara a los creadores, pero no a la construc-
ción de un entorno en donde ese creador pueda desarrollarse de
manera articulada. No me refiero simplemente a la construcción de
un mercado, me refiero a que varios elementos que han sido poco
utilizados deben aumentar su valor y articularse con lo que se cuenta
a la fecha. Es claro también que en la ciudad de México se concreta un
nivel altísimo de producción y presentación de obras teatrales, en los
modelos independientes, comerciales y públicos. La emigración des-
de diferentes regiones del país hacia la capital es histórica, tanto de
autores, directores, actores y compañías. Por ello, que existan otros
polos culturales en el país como está sucediendo con Guadalajara,
Monterrey, San Luis Potosí, Xalapa o Yucatán, debe ser un objetivo
compartido entre instituciones y comunidad teatral.
J.Ch.- En los teatros institucionales se puso de moda, como conse-
cuencia de lo que te preguntaba, programar temporadas de pocas
funciones. Incluso los espacios independientes, sobredemandados,
están incurriendo en la misma estrategia. ¿Eso realmente le sirve al
teatro, a las compañías, a los procesos creativos, al público?
J.M.- Es innegable que la ecuación cambió. En otros tiempos exis-
tían menos compañías y obras producidas, la necesidad era otra. Hoy
ha aumentado también la competencia entre ellas. Incluso estamos
viviendo una época en donde existe la mayor cantidad de licenciaturas
vinculadas hacia las artes escénicas, por consiguiente mayor canti-
dad de egresados. Lo importante es preguntarse cómo debería ser
el modelo. Establecer un parámetro y entorno justo para responder
correctamente esa pregunta es muy complejo. ¿Deberían aumentar el
número de salas públicas con su respectivo financiamiento? ¿Se de-
bería apoyar de manera clara las salas independientes? ¿Se deberían
coordinar de manera ineludible las salas públicas entre las diferentes
regiones del país? Es claro que la respuesta a todas las preguntas es
un sí. Lo anterior nos obliga a todos a dar un paso adelante, a no vivir
de tiempos pasados siempre ubicados como mejores y ha construir lo
que hoy día realmente se requiere.
J.Ch.- ¿Cuáles crees que serían las estrategias a emprender desde
la comunidad artística?
J.M.- Es claro que se necesitaba más teatro de compañía, de gru-
po, es decir, identificable, que inclinara la balanza en relación a las
obras gestadas con ensambles creados para la ocasión. En relación
a las estrategias que considero deberían emprender, las dividiría en
lo artístico, productivo y en los conceptos de emprendeduría. Desde
lo artístico el discurso propio, reconocible es innegociable. Desde lo
productivo es fundamental construir modelos adecuados para cada
obra o compañía, ni todas las obras deben ser concebidas para ser
montadas por una compañía de carácter institucional, ni todas de-
ben hacerse en formatos íntimos por ser independientes. Siempre he
creído en los formatos y soportes necesarios dependiendo de la pro-
puesta o discurso escénico. Por último, desde el concepto de empren-
deduría, pensar y construir las obras para vidas largas, que posibiliten
el enriquecimiento de las mismas. Dicha decisión es difícil de tomar en
proyectos que tienen sus días contados, que no permiten la evolución
del propio proyecto.
J

15marzo
abril
77
15marzo
abril
El método griego María Chatziemmanouil
Károlos Kun y el Teatro
de Arte de Atenas
l 14 de febrero de 2015 se cumplieron 28 años desde la
muerte del actor, director y fundador del Teatro de Arte de
Atenas, Károlos Kun. Kun nació en la ciudad de Prusa, en
Turquía en 1908, y su familia, una familia de comerciantes, se tras-
ladó a Estambul cuando él tenía solo seis meses. Vivió en Estambul
hasta que cumplió los 20 años y luego se fue
a Paris para estudiar Estética en Sorbona.
En 1929 se trasladó a Atenas, y empezó a
trabajar como profesor de Lengua y Filología
Inglesa en el Colegio Americano de Atenas
(1930-1939). Dirigió por primera vez obras
de teatro como Las aves y Pluto, de Aristófa-
nes, o La tempestad de Shakespeare, prota-
gonizadas por sus alumnos. En 1934 fundó,
junto con el pintor Yanis Tsarújis y el autor y
crítico de teatro Dionisios Devaris la compa-
ñía semiprofesional “Escena popular”. En su
declaración fundacional leemos:
“Creemos que todos los pueblos pueden
ser creativos sólo cuando se sienten arraiga-
dos en su tradición. (...) El teatro es un arte
independiente, juzgado según las leyes del arte, no según si imita bien
la vida o no.”
La compañía sobrevivió hasta 1936, y después de su disolución, Kun,
quien renunció a su trabajo en el Colegio, empezó a colaborar como
director con varias compañías hasta 1942.
En 1942, en plena ocupación alemana, Karolos Kun fundó el Tea-
tro de Arte. Su primer estreno (7/10) fue El pato silvestre de Ibsen,
en el teatro “Aliki”. En aquel mismo año fundó la Escuela de Arte
Dramático del TdA, “para formar nuevos dramaturgos y actores,
de modo que estén más cerca de los problemas de la sociedad
moderna griega, de las tendencias estéticas de otros países y de la
interpretación de la tragedia.”
“La era de la ocupación alemana fue una época emocionalmente rica.
Uno podía recibir y dar muchas cosas. Rodeados por los riesgos, las
privaciones, la violencia y el terrorismo, sentíamos la necesidad de la fe,
de la confianza, de la unidad, de la alegría y del sacrificio”, cuenta Kun.
En 1943 se fundó el Grupo de Amigos del Teatro de Arte que aspira-
ba a fomentar la comunicación y el desarrollo de un fuerte vínculo entre
el espectador y el teatro, y apoyar económicamente el TdA. Después de
varias aventuras, el TdA cesó sus operaciones en 1945 para empezar
de nuevo en 1954 (con la obra de Thornton Wilder Nuestra Ciudad),
esta vez en el famoso “Sótano” de la calle Pesmazoglu, en pleno centro
de Atenas, el cual sigue siendo su escena principal hasta hoy.
“Pasamos por muchas etapas, pero siempre mantuvimos elementos
de las anteriores, aunque las obras que estrenamos en la segunda eta-
pa eran totalmente diferentes. En el segundo período estrenamos Ché-
jov, Pirandello, Wilder, Williams y Miller. Con Pirandello nos adentramos en
el teatro del absurdo que nos encantó, como nos encantó igualmente el
teatro de Brecht. Trabajamos simultáneamente sobre estas dos tenden-
cias, que son los dos polos del teatro moderno.”
Kun introduce al público griego en el teatro de Lorca, entre otros,
y a principios de los años 60, hace lo propio
con el teatro del absurdo, estrenando Beckett,
Ionesco, Genet, Pinter, Arrabal, etc. Además,
amplía la gama del teatro moderno con Weiss,
Bond y Strauss entre otros.
“Al mismo tiempo, pusimos las bases para
un retorno a la tragedia y la comedia griega.
En 1957 reestrené Pluto... En 1962 salimos
por primera vez del país; presentamos en Pa-
rísLasavesquefuegalardonadaconelPremio
de las Naciones”.
Así comienza un largo e importante recorri-
do en los ámbitos de la tragedia y de la come-
dia griega, con grandes giras en el extranjero
y varias participaciones en los festivales más
importantes del mundo.
Sin embargo, a Kun le interesaba también el teatro neogriego: En
1957, El patio de las maravillas de Iákovos Kampanelis, –que des-
empeñó para el teatro griego el papel que desempeñó Historia de
una escalera de Buero Vallejo para el teatro español contemporá-
neo–, abrió el camino para los escritores más jóvenes, encabezados
por Dimitris Kehaídis y Lula Anagnostaki. Al mismo tiempo, se hizo
un retroceso hacia las raíces del teatro griego, es decir hacia el
teatro escrito justo después de la Guerra de la independencia griega
(1821), con obras de Visantios, Koromilás, y otros.
En 1967, Kun dirigió Romeo y Julieta en Stratford con actores de la
R.S.C. Durante los años de la dictadura de los coroneles (1967-1974),
el TdA estrena obras como Woyzeck de Büchner, El juego del masacre
de Ionesco, Final de partida y Esperando a Godot de Samuel Beckett a
pesar de la censura y de su exclusión de eventos públicos y festivales.
En 1975 el TdA presenta en Epidáuro la evolución histórica de Las
aves y se convierte así en el primer teatro después del Teatro Nacional
en participar en el Festival de Epidáuro año sí año también, hasta hoy.
En 1985, el Estado griego, reconociendo la importante contribución
del TdA al arte teatral en Grecia, lo ayuda a adquirir una segunda sala
en Atenas.
Tras la muerte del maestro K. Kun, el TdA sigue su histórico reco-
rrido bajo la dirección artística de sus colaboradores y/o alumnos.
Desde el año pasado, la dirección del TdA, por primera vez en su
historia, pasó a manos de una mujer: de la actriz, directora, traduc-
tora y dramaturga Mariana Kálbari. Una nueva etapa empieza para
este histórico teatro de Grecia.
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Cronicón de Villán... y corteJavier Villán
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El pimiento Verdi, revisitado
olver a revisar una obra dos años después de su estre-
no es siempre una aventura. Nunca se sabe si la obra
ha cambiado o si es uno el que ha cambiado mientras
la obra sigue siendo la misma. Es una experiencia peligrosa que
solo acostumbro a repetir en casos muy especiales. Y en este
caso especialísimo en mesa con derecho a cena, en primer plano
de escenario, al borde mismo de la línea negra, al lado mismo de
Brunilda y Sigfrido, dos wagnerianos recalcitrantes, vegetarianos
y antitaurinos.
El pimiento Verdi es una ficción que se desarrolla en una taberna:
casticismo frente a modernidad. Conforme a sus actitudes frente
al arte moderno, -un arte degenerado, en cierto sentido, para los
gustos tradicionales de Boadella- con la música le pasa lo mismo.
Sin embargo, pese a la controversia feroz, Verdi y Wagner, cada
uno en su estilo salen indemnes. Las acusaciones de antisemita y
padre procesal del nazismo se sustentan en los propios escritos de
Wagner. Y la compasión de Verdi, en el espléndido coro de los es-
clavos de Nabuco. La crema nazi, Wagner quizá no tuviera tiempo
o no conociera esas minucias del toro, era antitaurina. A Himmler,
una corrida le hizo vomitar en Las Ventas; el olor a sangre. El olor
a judío socarrado, sus cenizas por las chimeneas de los campos de
exterminio, era más grato a su nariz. O quizá no, quién lo sabe.
El Pimiento Verdi lleva casi tres años de gira o de bolos y ha
ganado, si cabe, en frescura, en pureza teatral necesaria para
contrarrestar la abrumadora insistencia cantora y musical. No la
ha herido ese mal hemorrágico de las obras de larga duración: la
rutina. Con tan largo rodaje ha adquirido una fluidez, una natu-
ralidad solo posible en los grandes cómicos. Y en el ojo vigilante,
supongo, del director. A El pimiento Verdi lo califiqué en su dia con
un cinco. O sea, cinco estrellas de obra maestra. Me ratifico. Y
escribí más o menos lo siguiente.
“Artificio, puro artificio. Y, por lo tanto; teatro: puro teatro. Decir
que Albert Boadella es un artista ingenioso sería un agravio. Es un
titiritero genial como lo bautizaron los generales borrachuzos de
La torna. (lo de genial es añadido mio): el gran guignol, la madre
del teatro. Y la comedia de Arte. No le crean ustedes cuando hable
de la miseria del arte moderno que, en parte es verdad, aunque
su teatro diga lo que diga Boadella, pertenece a la modernidad,
una modernidad con raíces en la tradición.”
Este duelo musical, entre Verdi y Wagner, es tradición y es mo-
dernidad; dos personajes, apuntalados en su música y los ren-
cores de sus partidarios convierten el escenario en una Fiesta.
Ni Verdi es Verdi, ni Wagner es Wagner; ni Verdi es el embrión del
sentimentalismo político, ni la música estruendosa de Wagner es
el apuntalamiento sonoro de Hitler y el nazismo.
Los intérpretes se ponen el mundo por montera, aunque no
sean taurinos y aunque Jesús Agelet improvise un redondo con la
bandeja de camarero a media altura, invocando a José Tomás que
fue conciencia ética de la Fiesta y ahora es, sólo, una referencia fi-
nanciera”. Entonces me preguntaba, y sigo preguntándomeo: ¿De
dónde ha sacado Boadella a Elvia Sánchez, José Manuel Zapata,
Antoni Comas, Luis Álvarez?. De donde ha salido ese prodigio de
actriz, de mujer y de soprano llamada María Rey-Joly? “Dos se-
cuencias memorables: una en la que mima el aburrimiento de una
espectadora de Wagner y otra en la que traduce la narración de
un argumento operístico. Confieso que la coloratura de las voces,
que dicen los entendidos, me fascina menos que su dimensión de
intérpretes. Dos sopranos, dos tenores y un barítono que inter-
pretan y cantan en posiciones forzadas sin que la música ni la
voz se resientan”.
Añado ahora: ese dominio del cuerpo y de la voz en posiciones
inverosímiles, es más que una extraordinaria preparación técnica, es
calidad de intérpretes, incluso el pianista Borja Mariño. A Jesús Age-
let, que no canta, ya lo conocemos; es un genérico que en Joglars
hacía de todo y todo lo hacía bien. Está sembrado y sería de desear
que, agotado el recorrido natural de El Pimiento Verdi, vuelva a los
escenarios. Para el crítico es un privilegio haber visto la función al
lado mismo de Elvia Sánchez y José Manuel Zapata; calibrar sus
gestos, descifrar sus miradas. Sin duda grandes cantantes, pero
también excelentes actores. Jesús Agelet, Blas, hizo de maestro de
ceremonias: “aquí un crítico”. Y Zapata: “que estamos en un mo-
mento crítico?”. Y el crítico, “pues también, no lo dude usted?”.
Como conclusión, recupero algunas de las ideas de la crítica de
hace dos años: “El Pimiento Verdi es la obra maestra de Boadella
y eso que Boadella tiene muchas obras maestras. Es la depu-
ración de un hombre de teatro que supera sus propias contra-
dicciones. Cae, por ejemplo, en lo que más detesta, en el teatro
didáctico, pero lo supera; ilustra a los incultos en música seria,
que no pasamos de la copla, el flamenco y el jazz: a partir de El
Pimiento Verdi todos sabemos del canon musical de la opera. Y
regocija a los exquisitos que no verán traicionados a sus ídolos:
la dialéctica entre ambos, un artificio, una farsa”. Es la obra, afir-
mo, que no ha superado ni posiblemente superará; aunque con
Boadella nunca se sabe.
La dialéctica del metateatro me es más familiar; cómo hacer
teatro de lo simple, de los símbolos, cómo mostrar la tramoya
y las trampas y los embustes del teatro; y cómo dirigir actores
desde la entraña de la obra misma. Una nueva dimensión del
teatro dentro del teatro, tan manoseado y mal entendido. Y la
regocijante jerga de restos de un latín macarrónico, un italiano
macarra y un alemán de opereta también macarrónico. Boadella
se hará inmortal, para pesadilla de los nacionalismos salvajes y
la farsa de los progres sedicentes. Pero será difícil que supere
este Pimiento.
V

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Vivir para contarlo Virginia Imaz
Tomo la palabra (III)
n las I Jornadas Internacionales sobre Mujeres, Voz y
Narración Oral, “Tomo la palabra” celebradas los días
20 y 21 de octubre en la UNED de Madrid, la segunda
jornada nos trajo por la mañana una mesa repleta de
estudios clásicos, coordinada por Antonio Moreno Hernández, así
José María Lucas (UNED) disertó sobre “Las sirenas odiséicas o la
seducción del relato”, y Helena Guzmán (UNED): “Comed sentados
en esta sala y gozad del relato: Helena de Troya toma la palabra”.
En su comunicación expuso como curiosamente, en la Odisea, frente
a la Ilíada, Helena de Troya adquiere un perfil claramente positivo.
En el canto IV (233-264) promueve el olvido de las hazañas doloro-
sas que los invitados a su palacio recuerdan, y lo hace acudiendo al
recurso de la palabra, de la estrategia psicológica del relato: contar
una historia pasada que produzca deleite. Helena Guzmán analizó
este pasaje de la Odisea en el que Helena se convierte en una sana-
dora por medio de la palabra.
Helena Rodríguez Somolinos (Inst. de Lenguas y Culturas del
Mediterráneo y Oriente Próximo. CSIC) llegó con unas interesantes
reflexiones sobre el “Espacio público y privado en la poesía feme-
nina griega” y Rosa Pedrero (UNED) reflexionó en “La mujer como
narradora de historias en la novela griega” sobre el papel de las
mujeres como contadoras de historias y cantoras en la antigua Gre-
cia. Un rol en su opinión difícil de determinar. Aventuraba como casi
seguro que las madres y nodrizas han tenido un papel relevante
en la transmisión de los mitos griegos, pero que eran los poetas
–hombres en su mayoría- quienes habían inmortalizado tales mitos.
Me resultó apasionante su aproximación a las mujeres que aparecen
en las novelas antiguas contando historias, y que en muchos casos,
se acercan a esta idea extendida de la narración oral.
Pero existen muchas narratologías diferentes y María Teresa Na-
varro Salazar (UNED) con gran elocuencia desgranó algunos “As-
pectos de la narración femenina en óperas del siglo XIX: Aída (Ver-
di), Senta (Wagner), Desdémona (Rossini) y Desdémona (Verdi)”
Después de la pausa, en una mesa coordinada por Margarita
Almela Boix, pudimos escuchar a José Manuel de Prada Samper
(University of Cape Town), filólogo e infatigable folclorista y acceder
a parte del material oral que ha recopilado en relación a Serena
Jacobs, una narradora del karro surafricano.
María Victoria Navas Sánchez-Élez (Universidad Complutense
de Madrid) habló por su parte, sobre el “Reparto de papeles en
la transmisión oral desde el punto de vista del género”, analizan-
do una muestra de materiales de la literatura oral y tradicional
presentes en comunidades rurales fronterizas, concretamente del
área bilingüe castellano-portuguesa de Barrancos. El patrimonio
cultural de dicha población portuguesa –romances, canciones,
leyendas, anécdotas…– ha bebido esencialmente de fuentes es-
pañolas. Su análisis mostraba que existía un claro reparto de pa-
peles dependiendo del género y de las circunstancias específicas
en las que el acto del habla se activa. Así las canciones relativas al
servicio militar estaban vehiculados por los jóvenes. Mientras que
los romances, leyendas, cuentos se transmitían principalmente,
por voces de de mujer.
Margarita Alfaro Amieiro (Universidad Autónoma de Madrid): nos
acercó a la escritora Fátima Mernissi con su comunicación: “Infancia
y aprendizaje en femenino de la expresión oral”
Consuelo Pintus (Università degli Studi di Milano): “Narrazione
Cantata: il caso delle donne Chitrakar come esempio di emancipazio-
ne femminile nella società indiana contemporanea”
La mesa redonda de la tarde contó con Pep Bruno, como coordi-
nador y reunió en torno al tema de “Narradoras y repertorio” a las
estupendas narradoras: Brigitte Arnaudiès, Estrella Escriñá, Martha
Escudero y Concha Real. Una plantilla de lujo. Resoné profundamen-
te con sus aportaciones, en el apasionante viaje a la búsqueda de
una voz propia ¿Qué contamos? ¿Desde dónde contamos? ¿Por
qué? ¿Para qué? ¿ Cómo creamos? ¿Cómo cocinamos un reperto-
rio? Absolutamente fascinante.
Después de la pausa todavía pudimos deleitarnos con otras
comunicaciones en una mesa coordinada por Dídac Llorens Cu-
bedo. Así Antonio Ballesteros González (UNED) habló de la orali-
dad en la poesía caribeña y africana en lengua inglesa escrita por
mujeres”, Ana Zamorano (UNED) rescató “La mujer guerrera de
Maxine Hong Kingston” y con ella introdujo la reflexión sobre la
narradora multivocal.
Particularmente interesante para mí, que desarrollo también ac-
tividad en el campo de la formación, fue la comunicación de Cate-
rina Valriu (Universitat de les Illes Balears): “Mujeres que cuentan
cómo contar: manuales sobre narración oral”. La comunicación
se articuló como una revisión y reflexión sobre los manuales para
cuentacuentos, desde el mítico Cómo contar cuentos de Sara Cone
Bryant hasta otras producciones de la actualidad. Se planteaba
cuándo y donde empezaron a surgir este tipo de libros (a finales
del siglo XIX en Estados Unidos, a principios del s. XX en los países
nórdicos), por qué se editaron, a qué público se dirigían (mayo-
ritariamente narradoras vinculadas al mundo de la enseñanza y
de la promoción de la lectura: maestras y bibliotecarias), quién
los escribía y desde qué perspectiva. La mayoría están escritos
por mujeres, entre ellas Elena Fortún. Cómo enfocan el acto de
narrar y que pautas dan para hacerlo, qué cuentos proponen (la
mayoría incluyen una selección de cuentos “aptos” o adecuados
para ser narrados) y si establecen una especie de canon sobre la
forma de narrar y las historias narradas. El conjunto bibliográfico
al que hizo referencia puede aportar coordenadas encaminadas
a conocer y valorar des de una óptica diferente el papel femenino
en la transmisión oral contemporánea
Por último, Juan Pérez Andrés (UNED) disertó sobre las “Actrices
que cuentan cosas. La mujer en el Teatro di Narrazione italiano”
Estas increíbles jornadas finalizaron con una sesión de cuentos
coordinada por Brigitte Arnaudiès, en la que tuvimos el lujo de
participar además de la propia Brigitte, Claudia Fonseca, Alicia Mo-
híno, Catalina Contecontes, Magdalena Labarga, Concha Real, Marta
Escudero, Concha Real y yo misma. Fue un magnífico cierre de dos
días repletos de información, de intercambio, de encuentro… Todo
un lujo y un placer tomar la palabra con estas narradoras de ex-
cepción. Tomar la palabra juntas, para (re)conocernos. Tomar la
palabra para dar voz a las sin voz. Tomar la palabra por nosotras y
por todas nuestras compañeras.
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El lado oscuroJaume Colomer
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¿Cómo se elige ir al teatro?
l secreto mejor guardado por los espectadores es cómo
eligen, y con qué criterios, una obra de teatro. Si los espa-
cios escénicos tuvieran esta información de sus públicos
podrían conseguir que sus resultados fueran excelentes. En el marco
de una investigación en curso he tenido la oportunidad de realizar va-
rias reuniones con grupos de espectadores de distintos perfiles para
contrastar y complementar los resultados de una encuesta sobre con-
sumo escénico y actitudes ante la oferta de los teatros de la ciudad.
El espacio escénico, que es de titularidad pública y tiene un notable
recorrido y prestigio, quiere conocer a sus espectadores para tomar
decisiones acertadas. Los debates me han permitido tener argumen-
tos de primera mano sobre los criterios que aplican los espectadores
en la elección de una obra y qué tipo de experiencia escénica bus-
can, y esto me ha llevado a una permanente reflexión. El estudio no
está terminado, y supongo que en su momento tendré la ocasión de
presentar resultados definitivos, pero avanzo algunas concusiones y
consideraciones con el objetivo de fomentar la reflexión compartida.
La información aportada por el estudio me permite hacer tres con-
sideraciones generales de carácter previo:
• Que en el universo de los espectadores hay una gran diversidad
de gustos y preferencias, así como de procedimientos y criterios
de elección. Se equivocan los que piensan que los espectadores
tienen un comportamiento uniforme.
• Que los espectadores saben, en general, lo que quieren. Algunos
lo argumentarán con un argot más teatral, otros con razonamien-
tos más simples, pero la mayoría tienen capacidad crítica. Se equi-
vocan también los que creen que aceptan cualquier propuesta.
• Que les gusta hablar de teatro y que su espacio escénico habitual
les pregunte sobre su experiencia teatral y sus preferencias. Me
consta que hay pocos espacios escénicos que dialoguen habitual-
mente con sus espectadores.
Entrando ya en aspectos más específicos podemos deducir que hay
tres perfiles de espectadores en relación al procedimiento de elección
de una obra, aunque hay espectadores que aplican eclécticamente un
combinado de ellos:
a. Los espectadores que confían en una sala y acuden a ver sus
propuestas sin analizar previamente las obras programadas.
b. Los que van a ver una función por recomendación de terceros,
sean familiares, amigos, compañeros de trabajo o críticos tea-
trales.
c. Los que eligen una obra con criterios propios a partir de su expe-
riencia. En este caso, el grado de experiencia teatral es un factor
diferencial en relación a los criterios utilizados.
Los que eligen las obras a partir de sus propios criterios aplican
habitualmente una combinatoria de factores entre los que se incluyen
factores subjetivos de interés o calidad, y factores objetivos como las
instalaciones, el precio y otros. Entre los factores subjetivos más cita-
dos destacan la obra y el autor, la puesta en escena y el director ar-
tístico, los intèrpretes, el género escénico, etc. Hay espectadores que
consideran que el factor clave es la obra mientras otros consideran
que es la interpretación. La mayoría consideran que son factores indi-
sociables, y que su encaje es lo que permite que el espectador “entre”
en la obra, que viva cada historia relatada como si fuera una expe-
riencia real, que le trascienda, que durante las horas o días siguientes
recuerde frases o momentos, y que le guste comentarla con otros
espectadores que la han visto o aconsejar a los demás que vayan a
verla. Muchos comentan que una experiencia escénica es satisfactoria
si tiene un grado notable de emotividad y es capaz de provocar una
reflexión sobre la realidad personal y social.
La mayoría de espectadores tienen sus salas favoritas: aquéllas que
han conseguido generar en ellos confianza en sus propuestas de valor
porque coinciden con sus gustos o preferencias. Las salas favoritas se
convierten progresivamente en sus proveedoras habituales porque
les garantizan una buena elección. También hay algunos espectado-
res que no crean vínculos con ninguna sala porque prefieren explorar
nuevos estilos, estéticas y formatos, apostando por la diversidad y el
riesgo de lo desconocido, paseando de sala en sala para descubrir
nuevas experiencias.
Según los argumentos descritos, la calidad supuesta es el factor
básico de elección de una obra. Al preguntarles qué consideran qué
es la calidad van aportando significados notablemente distintos, lo
que permite considerar que hay una calidad subjetiva, distinta de la
calidad técnica u objetiva, que está vinculada a sus gustos, prefe-
rencias y expectativas forjados a partir de su experiencia escénica,
positiva o negativa, y que a veces el criterio de calidad que aplican los
programadores no coincide con el suyo provocando desencuentros.
A menudo consideran que la calidad de una programación requiere
diversidad de contenidos y estéticas e innovación permanente en sus
propuestas.
Hay factores complementarios que no determinan pero sí condicio-
nan la elección. Uno de ellos es el precio. Aunque la mayoría de espec-
tadores esporádicos dicen que si una obra les interesa no dejarán de
verla por el precio de las entradas, los espectadores asiduos conside-
ran que el precio es un factor muy importante. Si no les interesa una
obra determinada, aunque las entradas sean muy baratas, no irán a
verla, pero si una obra les interesa pueden renunciar a verla porque
su precio supera lo que consideran justo o su capacidad adquisita.
Los asiduos encuentran en los abonos, sobre todo si se ajustan a sus
hábitos y magnitudes de consumo, una buena manera de reducir el
coste por función.
Además del factor precio tienen en cuenta otros condicionantes ob-
jetivos como la ubicación de la sala, las facilidades para aparcar o el
fácil acceso con transporte público, las instalaciones, la comodidad de
los asientos, la visibilidad y sonorización, la climatización, etc. Uno de
los factores más decisivos en la elección de una sala como proveedora
habitual es la atención que reciben del equipo de taquilla y de sala,
especialmente en la gestión de incidencias como cambio de fecha, re-
trasos, etc. y los servicios auxiliares que tiene el teatro, especialmente
el servicio de cafetería y restaurante.
De los argumentos descritos se puede deducir que la mayoría de
espectadores habituales eligen sus obras de forma racional, valoran-
do los factores expuestos a partir de su experiencia, y que sólo hacen
compra compulsiva los espectadores reactivos, ocasionales, que bus-
can en el teatro más un acto social que una experiencia artística.
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Las Lejanías Carlos Be
Sobre el teatro alternativo
n el breve tiempo que llevo programando Selectos Pu-
raenvidia, la hermana pequeña de La Casa de la Portera
y La Pensión de las Pulgas, espacio de exhibición pero
también taller, en su sótano, de Alberto Puraenvidia, director de
arte y escenógrafo de éste y los demás locales de la familia; en el
breve tiempo que llevo programando, en concreto desde principios
de enero, mantengo la misma postura, ahora también como gerente
de una sala, que José Martret, socio fundador de Puraenvidia, quien
recientemente, en una entrevista para El Mundo, verbalizaba ante
el periodista José Luis Romo lo que todos sabemos pero, por no
romper la botella, no decimos: este tipo de teatro no es rentable. El
propio Martret resuelve el misterio, el hombre es un superviviente
y el artista, dos: “Queremos seguir arriesgando y apostando por
nuevas fórmula. No vamos a estar parados”. Mientras tanto, ¿pre-
ferimos vivir con escaso oxígeno en el interior de esa botella que es
el teatro alternativo? Parece que sí.
Podría ser una botella o el casco antiguo de una ciudad cualquie-
ra, así podríamos representar al teatro alternativo. ¿Y la situación
que está viviendo en estos momentos en Madrid? Sería el cuello, el
cuello de esa botella, o las calles angostas que dan entrada al casco
antiguo, ese casco antiguo donde el sol sólo se contempla luminoso
desde las plazas, lugares por excelencia de teatro y encuentro.
En la mayoría de los espectáculos, me he guiado por una directriz
básica, ésta es: exhibir obras en las que me hubiera gustado partici-
par pero que, afortunadamente, ya lo han hecho otros y puedo dis-
frutarlas como espectador. De alguna manera, supongo que muchos
programadores se sentirán parte del proceso de la creación cuando
tienen la oportunidad de apadrinar, aunque sean por unas pocas
funciones, se espectáculo que tanto les gustó cuando lo vieron o tan
buena espina les dio al conocer el dossier.
Este es mi caso con Edda, una joya escénica de pequeño forma-
to escrita, dirigida e interpretada por un artista del Renacimiento
en nuestros días, Andrea Caltran. El dossier llegó a mis manos y
nos aventuramos. Es el espectáculo con el que se abrió el año. El
público, es la escasa media docena de representaciones que lle-
vamos, fluctúa de manera imprevista. El aforo máximo del espacio
es de treinta y cinco asientos, aunque por las características de
Edda, en la cual el público se sitúa en coro alrededor de la escena,
hemos limitado la capacidad a veinticinco. Mientras que unos días
tenemos que detener las reservas porque se ha cubierto el cupo
de localidades, en otras nos devanamos los sesos las tuercas para
no quedarnos en media sala de espectadores. La calidad no es la
única variable que define la repercusión, eso está claro, pero ¿quién
conoce la fórmula?
La escena alternativa madrileña está viviendo una congestión: los
creadores han llegado al cuello de la botella. Es difícil calcular el nú-
mero de salas teatrales abiertas actualmente en Madrid. La revista
Godot registra unas 120 aproximadamente, 50 de ellas comerciales
y las otras 70, pues sí, alternativas, eso sin contar la multiprogra-
mación semanal, por la cual un teatro del primer grupo como es el
Teatro Lara puede ofrecer semanalmente cerca de una docena de
espectáculos y La Casa de la Portera, en el segundo grupo, casi
una decena. Pues sí, las salas alternativas se ahogan y sólo unas
pocas sobrevivirán, las más fuertes o, en su defecto y como ocurre
en las mejores novelas de aventuras, las más sagaces y ocurrentes,
y La Casa de la Portera ha conseguido ser de estas últimas desde
el día de su inauguración hasta la fecha, en la que ya prepara su
retirada triunfal de la escena para dar paso a proyectos de mayor
envergadura. Sí, se trata de crecer o morir en el intento. Nuestros
teatros no se mantendrán siempre igual de la misma manera que
nosotros tampoco somos los mismos. Cambiamos, evolucionamos,
sucederemos a otros y otros nos sucederán. Ése es, en mi opinión,
el movimiento natural del teatro, no hay que apretar en ninguna
dirección, para descongestionar el cuello de la botella.
Lo dicho: transitar por el teatro alternativo no es cómodo para na-
die, público incluido. El público de este tipo de teatro se caracteriza
por cierta capacidad de riesgo que otro público no posee. Pueden
sentirse tan incómodos como cualquier otra persona, pero supedi-
taran la incomodidad al apetito de sus sentidos. El teatro alterna-
tivo representa ese casco antiguo de esa gran ciudad que todos
habitamos, ese casco mal iluminado, tenebroso, en el que muchas
veces da miedo adentrarse, pero una vez has entrado y salido por
tu propio pie, las luces en tus ojos han cambiado. Por eso estamos
hablando de un publico exigente porque son capaces de poner en
juego su criterio en pos de un espectáculo, ganen o pierdan. ¿Quién
les ha mandado introducirse en la botella o bajar al centro de la
ciudad? Con la amplia oferta de espectáculos cómodos, y con cómo-
dos, además de a los aspectos más prosaicos, me refiero al epítome
del teatro entendido como comodidad: el entretenimiento.
Una de las primeras lecciones que recibí al llegar a Madrid fue
la siguiente: en teatro, hay que verlo todo. Pues toda la razón del
mundo, sí. Los creadores escénicos, muchas veces emplazados al
otro lado del espejo, un lado éste en el que creamos y, por ende,
en el que la realidad se pierde de vista y muchas veces se moldea
a nuestra voluntad y se desdibuja, no saben emerger del espejo sin
trastabillar. Derrocar las propias ilusiones es duro; que otro te las
derroque es más aceptable, aunque también ingrato. Sea como fue-
ra, siempre es difícil comenzar una revolución desde el interior de un
espejo cuando no sabes en qué estado se encuentra el dormitorio
donde te tienen colocado en el tocador. ¿En llamas? ¿Entra el sol de
invierno por las ventanas? Al otro lado del espejo, donde nos encon-
tramos los creadores escénicos, se vive una realidad desdibujada.
¿Qué tal está la realidad? Hay que verlo todo, sí. Saber cómo está
nuestro compañero, tratar de entender su situación, haga el teatro
más vanguardista del mundo o el cómodo posible.
El teatro es un territorio y todos formamos partes de ese territo-
rio, de ese organismo, a pesar de que acaso el estómago no quiso
siempre ver la luz del sol y el pie nunca dejó de pedir que otros lleva-
ran el paso, pero nosotros solos no trascenderemos, sino nuestras
creaciones, sean individuales o colectivas. Nuestras acciones para
alcanzar esa inalcanzable idea que es el teatro. El teatro es una idea
y las ideas nunca mueren. Los hombres son mortales y por ello nun-
ca llegaremos a ser una idea de nada, nuestras acciones sí. Pueden
devenir teatro. No hay que parar.
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Noticias desde los fiordosVíctor Criado
Comunicación
veces me da por ponerme teórico, cosa que no me
sucede a menudo, y reflexiono acerca de este término
tan manido como desconocido; comunicación. Luego me
pongo político, lo cual es más habitual, y trato de repensar el con-
cepto democracia, otro de los palabros de tirar sin usar, como un
kleenex, y aún menos de comprender.
Cada día que me pongo el traje de ninja, rodeado de sillas de
alumnos llenas de chicle usado ( que están pegados por la parte
de abajo, como debe ser, igual que en las mesas), esperando a que
entren a su aula para asistir a un trabajo teatral de naturaleza inte-
ractiva y que versa sobre el concepto (ya van tres conceptos) iden-
tidad, reflexiono sobre qué puedo aportar, a nivel teórico, a las artes
escénicas. Es lo que tiene la fase de concentración del actor antes
de comenzar el espectáculo. Un momento especialmente sensible e
inasible, en el cual nos ponemos pensar en cualquier cosa. Luego
digo que quién soy yo para aportar teorías, pero dejo de darle vuel-
tas a eso, por que sino a dónde voy. Y me pongo a trabajar.
Indagar en la verdadera comunicación con el espectador.
Mirar a los ojos de esos chicos, que a su vez con los suyos me
interrogan, cuestionan, valoran. Que me dan o me quitan, depen-
diendo de la calidad teatral que haya logrado ofrecer. Y de otros
muchos factores que yo no controlo.
Dejar de estar subido a un escenario, protegido por los focos, el
sonido y la altura. Con la distancia o la cuarta pared de por medio,
como una bufanda que te protege de la niebla en la que, a veces, se
convierte el público.
Tratar al espectador como a un igual, como a un ser humano,
como un reflejo. Pasivo al inicio, pero quizás no al final.
Reflexiono sobre un concepto (sigamos acumulando) que desde
la primera vez que lo escuché me ha chirriado en los oídos; “mi
público”. Siempre me ha resultado sospechoso. Como si el público
fuese una propiedad, un objeto que se posee, sobre el que se de-
cide qué, cómo y cuándo. Una masa informe llena de aplausos que
tiene el deber de escucharte en silencio.
No, el público, los ojos de esos chicos, no es mío. Está ahí, ro-
deándome, esperando algo de nosotros; una historia, una expe-
riencia, un intercambio. Mi trabajo como actor, a parte de seguir la
coreografía de palabras y movimientos, consiste en mirar a los ojos
de esos chicos, uno a uno. Tratando de no dejar a ninguno de lado,
lo cual, si de verdad lo pones a prueba, es más que difícil de lo que
aparentemente parece; mirar de verdad, alma a alma. Ahí es donde
se cuela el concepto democracia, entre las bambalinas invisibles ilu-
minadas por fluorescentes y, si hay suerte (pero mucha suerte en
Febrero y en Estocolmo), algún rayo de sol fugitivo.
Por eso me gusta, todas las mañanas agarrar mi mochila para
dirigirme a un nuevo centro escolar, poner patas arriba (literalmen-
te) las mesas de los alumnos (con chicle) y prepararme para jugar
junto a ellos durante una hora. Porque la comunicación es directa,
instantánea, real. Nuestro trabajo no es una forma “estática” que
se ofrece como un “paquete”, es algo mas sutil y sensible, influido
por el entorno; esos chicos, sus edades, la composición del grupo
de espectadores, la actitud de los profesores, la preparación previa
(si la ha habido)… Muchas variables que hacen que el espectáculo
adquiere diversas, infinitas formas. Es lo apasionante y complejo.
Un ejercicio de comunicación constante, un trabajo en el cual cada
espectador es valorado por igual, individualmente, tratando de lo-
grar un contacto; dos segundos, una sonrisa, un gesto serio, una
palabra, un movimiento…
El teatro ni puede ni debe tratar de competir con el cine, ni con la
TV, ni mucho menos con Internet. La batalla está perdida de antema-
no. Su lugar es otro, inalcanzable para esos medios de comunicación
masivos llenos de tantas posibilidades, y a la vez limitados: es en el
terreno de la comunicación directa, en la relación espectador-actor
donde no tiene rival posible. Ahí, acompañados de la imaginación y
la escucha, el teatro es insuperable.
Y es a ahí donde yo creo que hay que centrar la atención, cuando
decidimos crear un trabajo teatral.
Ayer tuvimos que suspender, a pocos minutos del final, una re-
presentación. La escuela donde actuábamos tenía algo extraño, frío,
falto de vida. Lo notamos desde el primer momento en que pusimos
los pies en ella. Los profesores sin energía, como si en su cabeza
portasen un peso inmenso, los pasillos en silencio, las puertas con
demasiadas cerraduras y llaves. Tristeza, frío, ausencia de luz. Hi-
cimos tres funciones. La primera requirió un esfuerzo enorme para
captar la atención de esos chicos y chicas, pero lo logramos, con
una dosis extra de presencia y sinceridad. Exhaustos pero satisfe-
chos por lo logrado. La segunda fue una actuación “globalizada”.
Niños llegados hace una semana de Siria, un polaco, varios his-
panohablantes, algún ruso, afganos… Ninguno hablaba sueco. Un
reto actuar en tres o cuatro idiomas simultáneamente. Fantástico.
Como su respuesta. Pero en la tercera el grupo de chicos de 11-12
años ya había sido demasiado afectado por el “entorno escolar”.
Tuve que parar en un primer momento, para dar fin a una dinámica
de risas asustadas. Les invité, a los que querían, a salir de la sala.
Nadie lo hizo, demasiado miedo en los asientos y ojos. Continuamos,
pero al final decidí parar la función. El teatro no lo puede todo. A los
pocos minutos de quedarnos en silencio y solos en la sala, llamaron
a la puerta, eran cuatro chicas del grupo de espectadores. Venían
a pedirnos perdón, de modo voluntario (ningún profesor les había
obligado, menos mal).
Nos confesaron, con tristeza, que lo que habían visto era lo mejor
que les había ocurrido en todo el curso, pero que algo en su clase,
y en la escuela estaba mal. No lo podían describir pero lo vivían, día
a día. Les dijimos que eran valientes por hacer eso y que no era su
culpa si su “actitud” no había sido “buena”. Nunca es culpa de un
niño. Siempre hay algo, alguien detrás.
Creo que eso que sucedió en este último grupo es importante,
tanto para nosotros, actores, como par ellos. Y tuvo lugar en un
espacio teatral, con la comunicación a flor de piel. Directa. Ningún
otro medio expresivo lo hubiera logrado.
A

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Estantería
Estantería
La editorial La libre de marzo
ha publicado ‘Anatomía para
la voz’ un manual en el
que se aborda de forma
sencilla los conocimientos
anatómicos en relación con
la voz humana. Un trabajo
de Blandine Calais-Germain
y François Germain dirigido
a todas las personas que
utilizan regularmente su voz
o cuyo trabajo gira en torno
a la misma.
Teoría TeatralTeoría Teatral
‘Coreografiar la historia
europea: cuerpo, política,
identidad y género en la
danza’ es una publicación
de la Universidad de Oviedo
coordinada por Beatriz
Martínez del Fresno. El
libro recoge una decena de
artículos e investigaciones
de otras tantas teóricas y
profesionales que abordan el
arte de la danza a lo largo de
la historia.
Con la publicación de ‘La
investigación en danza en Es-
paña 2014’ Mahali Ediciones
vuelve a recopilar (ya lo hizo
en 2010 y 2012) los trabajos
que sobre danza se han
realizado en el citado año y
han sido presentados en las
“Jornadas de danza e investi-
gación” congreso bianual que
organiza la Federación de
Asociaciones de Profesiona-
les de la Danza.
Teoría Teatral
El Servei de Comunica-
ció i Publicacions de la
Universitt Jaume I de
Castellón ha publicado ‘La
AMAEM María Guerre-
ras. Asociacionismo de
mujeres y acción cultural’
en el que la dramaturga
y profesora Itziar Pascual
ofrece un recorrido por la
creación escénica de las
mujeres en el siglo XX y primera década del siglo XXI.
Para ello Pascual toma como ejemplo dos proyectos, el
Magdalena Project, red internacional de teatro de mu-
jeres y Fortaleza de la Mujer Maya de Chiapas, México
con los que se adentra en la historia del asociacionismo
teatral en España y en la práxis de la AMAEM Marías
Guerreras. Esta publicación, estudia el asociacionismo
cultural de mujeres en el ámbito del género y las artes
escénicas y destaca por el tratamiento que Pascual
realiza a los aspectos teóricos de los conceptos
utilizados, tales como el género y el sexo, la feminidad
y lo femenino o la creación femenina y el arte feminista.
Todo ello a través de numerosas citas y la descripción
de los movimientos culturales de mujeres.
Teoría Teatral
Teoría TeatralTeoría TeatralTeoría TeatralTeoría Teatral
‘Historia del teatro en 105
argumentos’ de Liuba Cid re-
coge el relato argumental de
las obras más importantes
de 71 dramaturgos que mar-
can la evolución del teatro
desde los griegos hasta el
siglo XX. Argumentos teatra-
les, reseñas de sus autores
y descripción detallada de
personajes, actos, cuadros y
escenas. Una publicación de
Ediciones Cumbres.
En ‘La acrobacia. Un recurso
para la formación corporal
del artista escénico’ su autor,
Armando Collazos Vidal, ofre-
ce una descripción detallada
y completa de cada una de
las secuencias y rutinas de
las figuras acrobáticas con el
fin de formar tanto a artistas
de circo y teatro o bailarines
o a educadores. Este libro ha
sido publicado por la Univer-
sidad del Valle de Colombia.
Atuel ha publicado ‘Lo que
no se dice. Una teoría de la
actuación’ en el que Raúl Se-
rrano, teoriza sobre las ideas
que constituyen la base de
la sustentación teórica, re-
flexiva pudiendo así generar
otras distintas. Añadiendo
a esto la experiencia de la
práctica de la pedagogía tea-
tral y sumando la producción
de lenguaje hacen posible un
pensamiento coherente.
Xóchitl González es
la autora de ‘Manual
práctico de diseño
escenográfico’ libro de
reciente publicación
de la editorial mexicana
Paso de Gato. El libro
incluye reflexiones
sobre los pasos a
seguir desde el primer
momento del proceso
de creación de un pro-
yecto escénico hasta el diseño escenográfico y el estreno
del mismo. Este manual recoge las entrevistas con ocho
destacados escenógrafos de México, Alain Kerriou, Edyta
Rzewuska, Gloria Carrasco, Jorge Ballina, Juliana Faesler,
Mónica Raya, Sergio Villegas y Philippe Amand), que en
forma de manual ofrecen y complementan las cinco eta-
pas imprescindibles del proceso creativo de una creación
escenográfica. El método expuesto en este libro “se
presenta como un elemento de apoyo durante el proceso
de aprendizaje y de creación [...] tomando siempre en
cuenta que la creación artística depende, ante todo, de
cada individuo y su contexto” aclara González, reconoci-
da diseñadora de escenografía e iluminación.

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Kiosko
Estantería
El número 60 de
‘Paso de Gato’ revista
mexicana de teatro que
dirige Jaime Chabaud
se presenta con un
dossier central sobre el
‘Teatro chileno contem-
poráneo’ en el que se
repasa entre otros te-
mas la creación de las
dramaturgas chilenas
de los siglos XX y XXI y
se ofrece, a través de un cuidado artículo la revisión de
la memoria histórica que caracteriza el teatro chileno de
post-dictadura. El presente número incluye además una
entrevista realizada por Gabriel Yépez con el profesor
alemán Hans-Thies Lehmann, autor del reconocido libro
‘Teatro posdramático’ y la publicación de la obra teatral
‘Hotel del Trueno’ del joven dramaturgo chileno Daniel
Acuña Jara. Junto con el resto de secciones habituales
de la revista tales como ‘Artistas en residencia’, ‘Perfil’
o ‘In memorian’, este número se presenta con dos sec-
ciones nuevas: ‘Fotografía escénica’ y ‘Escenarios del
cuerpo’, esta última con reportajes sobre el coreógrafo
y bailarín Win Vandekeybus entre otros.
Paso de Gato
La última publicación de la
revista italiana ‘Sipario’ es
un número doble, 776 y
777 en el que se ofrece un
extenso dossier en el que se
ofrece un recorrido por los
festivales de todo el país.
Además de ofrecer crónicas
de algunos de los festivales
más interesantes a nivel
europeo, se publica el texto
teatral ‘Tino e Desy, come le
foglie’ de Yannis Hott.
Sipario
‘Fiestacultura’ da cuenta en
su número 61 en homenaje
a Michel Crespin, fallecido el
pasado mes de septiembre,
la traducción en castellano
de la entrevista realizada por
Marcel Freyfont al fundador
del festival de Aurillac. Le
acompañan diversas crónicas
como las de FiraTàrrega y
FIT de Cádiz un artículo sobre
el próximo 25 aniversario de
Xarxa Teatre.
FiestaculturaFantoche
La publicación de UNIMA Fe-
deración España, ‘Fantoche’
ofrece en su noveno número
una entrevista en forma
de conversación con Julio
Michel, director de Titirimundi
y Jaime Santos, director de
La Chana Teatro. Le siguen
los reportajes sobre la
casa-taller de marionetas de
Pepe Otal, sobre la compañía
Los Narbón y los 30 años de
Etcétera entre otros.
Candyce Leonard y John P.
Gabrielle son los encargados
de la selección, edición y
análisis de los tres textos
teatrales que se incluyen en
‘Teatro español en el Siglo
XXI: actos de identidad’: Mag-
nolia Café de Àngels Aymar,
El biógrafo amanuense de
Jerónimo López Mozo y El día
en que inventé tu nombre de
Teresa Calo. Una publicación
de la Editorial Teatro de USA.
José Sanchis Sinisterra es el
autor de Tres monólogos y
otras variaciones publicación
de Ñaque Editora que incluye
los unipersonales’ Últimos
golpes’ (a Marta Poveda), ‘La
criatura o ¿sabe el pez qué
es el agua?’ (a Fernando Ma-
rías), ‘Julieta en la cripta’ (a
Clara Sanchis) y seis piezas
breves a partir de variaciones
de obras de Chéjov, Kafka o
Cervantes entres otros.
Tras el título ‘Ciclo de las
resurrecciones’ la editorial La
Uña Rota ha publicado tres
textos de Angélica Liddell,
‘Primera carta de san Pablo
a los corintios’, ‘Tandy’ y ‘You
are my destiny’, una personal
versión de La violación de
Lucrecia de Shakespeare. El
libro lo completan unos bellos
cantos de amor, en forma de
Salmos, y el diario ‘La novia
del sepulturero’.
La editorial Artezblai
continúa apostando por
jóvenes dramaturgos
con la publicación de
la trilogía del uruguayo
Gabriel Calderón drama-
turgo, director de teatro
y actor, integrante de
la Compañía de artes
escénicas Complot. Este
libro incluye las obras
‘Uz. El pueblo’, ‘Or. Tal
vez la vida sea ridícula’ y ‘Ex. Que revienten los actores’.
“Los secretos de familia, esa podría ser la definición y
resumen de las obras de Gabriel Calderón. Pero atenerse
a esta fórmula sería reducir la llegada y el alcance de su
obra. A través de la familia -específicamente uruguaya-
Calderón aborda casi todos los temas de la globalización:
la violencia, las guerras, el terrorismo, la influencia de
la religión, la sexualidad, la represión, la angustia del
futuro y el fantasma del pasado. Presos de la histeria, los
personajes, de naturaleza angustiados, estresados, se
sumergen en delirios y se mueven por sus pasiones des-
bordantes, por su paranoia o su esquizofrenia” explica
Adel Hakim, dramaturgo y director teatral francés.
Texto TeatralTexto TeatralTexto TeatralTexto Teatral

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abril
S
i algo ha caracterizado la esce-
na neoyorkina reciente, ha sido
la gran variedad de propuestas
presentadas en los escenarios
de la ciudad, ya fuere en los teatros de
Broadway, off-Broadway, City Center, Bro-
oklyn Academy of Music o el Metropolitan
Opera House. En todos, obras, musicales
y óperas han hecho alarde de inventiva y
excelencia actoral, mostrando además las
tendencias y estilos que movilizan hoy la
escena mundial.
En tal sentido, la producción de “The
Maids” de Jean Genet por el Sydney Thea-
tre Company dirigido por Benedict An-
drews, fue uno de los eventos más espe-
rados, dentro del Lincoln Center Festival,
no solo por el prestigio de la Compañía,
con amplia tradición sobre los escenarios
de la ciudad, sino por la importancia de
las actrices en los papeles protagónicos.
Cate Blanchett (Claire) e Isabelle Huppert
(Solange), electrizaron las tablas del City
Center, con su interpretación de estas dos
figuras emblemáticas en la producción del
escritor. Los juegos de poder y someti-
miento, exhibidos por Claire y Solange en
la intimidad del cuarto de su ama (Eliza-
beth Debicki) mientras, a sus espaldas, se
hacen con los vestidos y accesorios que
se convertirán después en armas morta-
les, fueron desarrollados con gran maes-
tría por las protagonistas.
La violencia contenida y los despliegues
histriónicos, donde se asienta el melodra-
ma, tuvieron en la puesta en escena su
complemento idóneo con los espejos que
multiplicaron las metamorfosis de las cria-
das y su señora, y las paredes transpa-
rentes dables de encerrar los códigos de
la representación, dentro vitrinas expues-
tas al voyerismo del espectador, o en labe-
rintos móviles diseñados para evadirse de
una aborrecida existencia. De hecho, en
entrevista con la prensa neoyorkina, Cate
Blanchett asentó que “la intensidad de la
pieza creó una serie de laberintos lleván-
dome a perderme en ellos”; lo cual redun-
dó en una magnificación y deformación de
las ilusiones truncadas, de dos mujeres
imposibilitadas para articular las causas
de sus frustraciones y miedos, antes de
que el telón cayera sobre ellas y sobre el
horror de su inusitado crimen.
Por su parte, la Brooklyn Academy of
Music (BAM) trajo a la ciudad sugeren-
tes adaptaciones de Beckett, Pirandello
y Shakespeare donde lo interesante a
destacar fue, justamente, el modo como
cada obra profundizó en la psiquis de los
personajes hasta modularlos a su anto-
jo, pero no sin antes extraviar al público
asistente en un laberinto de sensaciones
encontradas, sin posibilidad de evadirse
ni rechazar las coincidencias con nuestros
propios miedos y miserias. De este modo,
“Not I, Rockaby, Footfalls” y “Embers” de
Samuel Beckett, en producciones del Ro-
yal Court Theatre de Londres y del Pan
Pan Theatre de Dublin, respectivamente,
diseccionaron los prejuicios y temores
más íntimos, abriendo heridas y exponien-
do los desasosiegos contemporáneos,
producto de la deshumanización de las
sociedades a causa del aislamiento y la
indiferencia generalizados.
La primera, bajo la dirección de Walter
Asmus e interpretada por Lisa Dawn, con
el apoyo de Billie Whitelaw, comprendió
tres poderosos monólogos acerca de la
soledad existencial, la vejez y la muer-
te, recitados en la oscuridad de la sala,
para que solo los contornos de una boca,
el borde de una silueta o las pisadas del
personaje pudieran llegar hasta la audien-
cia, encerrada a su vez en su particular y
privado espacio. El hecho de que hubiera
sido el mismo Beckett quien, en los años
setenta, entrenó personalmente y dirigió a
Whitelaw, además de crear para ella el ter-
cer monólogo, magnificó el sentido de la
pieza, trayéndonos el eco del genial dra-
maturgo en la interpretación de Dawn. Su
voz resonó desde lo desgarrador de una
Temporada de Nueva York
Alarde de inventiva y excelencia
actoral en la escena neoyorkina
The Maids

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mujer reconociéndose a sí misma, mien-
tras se devuelve a la existencia pasada, el
abandono, las enfermedades y el deterio-
ro, que el paso del tiempo va cincelando
en la psiquis y el cuerpo.
De manera similar, “Embers”, dirigi-
da por Gavin Quinn, excava el drama de
Henry (Andrew Bennett), sentado en
una playa mientras relata incidentes de
su vida pasada. En el diálogo con Ada
(Áine Ní Mhurí) expone los tormentos que
le causaron el suicido del padre en esa
misma playa, la disfuncionalidad familiar,
el fracaso como escritor y la falta de apo-
yos emocionales para enfrentar el día a
día. La puesta en escena profundizó en
la desolación del protagonista, al presen-
tarnos una enorme calavera dentro de la
cual Henry y Ada conversaban sin que el
público pudiera verlos. Únicamente la voz,
proyectada desde minúsculos altavoces
circundando el escenario, llegó hasta no-
sotros transformándonos, como en “The
Maids”, en voyeurs o, más precisamente,
escuchas del torrente de palabras donde
Henry se sumerge y nos ahoga. En pala-
bras del director: “Embers es, en cierto
sentido, una instalación consistente en
una escultura con palabras. Uno mira a
su alrededor y escucha palabras, en un
experimento donde confluyen ambos ele-
mentos. Básicamente, es la conjunción de
luz, escultura y palabras oscilando y suce-
diéndose simultáneamente”.
“Six Characters in Search of an Author”
por el Théâtre de la Ville de París, dirigido
por Emmanuel Demarcy-Mota, igualmente
barajó el binomio ilusión-realidad, haciendo
del escenario del mundo y el mundo como
escenario paradojas dables de ironizar en
torno al absurdo de personajes en busca de
un autor que les dé sentido. Inmersa en los
pormenores de su claustrofóbica existen-
cia, esta enmarañada familia se pierde en
un inconexo laberinto, hasta la intempestiva
llegada de Madama Pace (Céline Carrère)
quien revela, a los ojos de todos, la bre-
cha entre lo que los personajes demandan
y lo que la realidad manda, desatando la
violencia del drama que no ha podido ser
expresado anteriormente.
Una mise-en scène minimalista, contri-
buyó a mantener la tensión y la atención
sobre la metamorfosis de los caracteres,
puntuando con la nítida iluminación las
particularidades de cada uno, además de
resaltar la fragmentariedad del argumen-
to y el perfil propio de estas representa-
ciones cual figuras indemnes al paso del
tiempo. Algo que el mismo Pirandello había
recalcado, cuando afirmaba que “quien ha
tenido la suerte de nacer como persona-
je puede reírse hasta de la muerte, pues
un personaje nunca muere. El individuo
morirá, el escritor, como instrumento de
creación también, pero su sus caracteres
no desaparecerán nunca”.
El poder de la creación para empinarse
por encima de la desaparición y el que-
branto fue líricamente explorado en la pro-
ducción de los “Shakespeare’s Sonnets”
por el Berliner Ensemble, bajo la dirección
y puesta en escena de Robert Wilson, con
música de Rufus Wainwright. Aquí la voz
del creador privilegió al poeta sobre el
dramaturgo, si bien el elemento dramático
estuvo presente en la ilación de los textos
y la interpretación, a modo de canciones,
de las estanzas del bardo inglés. La con-
junción entre ambos elementos produjo
un espectáculo que espejeó la dinámica
del cabaret-concert alemán, característi-
ca de esta compañía fundada por Bertolt
Brecht a fines de los años cuarenta.
Robert Wilson creó una sugestiva am-
bientación, dándole a la iluminación un
papel primordial para captar la mágica in-
tensidad de los textos y el carácter lúdico
de personajes, como extraídos de leyen-
das medievales y fábulas clásicas. El con-
junto quedó así circunscrito a un gabinete
de curiosidades, al cual podía acercarse el
espectador a fin de desentrañar los signos
de una grafía visual, cuya nitidez enmar-
có la esencia de estos sonetos donde la
brevedad de la existencia, lo transitorio
de la belleza y las trampas del deseo se
transparentan desde el lenguaje y la ca-
dencia. Ello, movido por una descarnada
interpretación del amor, deslastrándolo
de sus connotaciones románticas para
transformarlo en el leit-motiv del miedo,
la alienación y el daño, tanto físico como
psíquico, de sus víctimas.
Tal fue, en parte, el argumento de la
obra experimental de Dylan Marron “The
Human Symphony” para el grupo New
York Neo-Futurists, presentado en el New
Ohio Theatre del West Village neoyorkino.
Heredero de los artistas contra el establis-
hment burgués, como John Reed y Marcel
Duchamp, quienes hace exactamente un
siglo fundaron la “república independiente
de Greenwich Village” cual espacio utópi-
co donde los tabúes políticos, sociales y
sexuales habrían quedado abolidos, este
joven dramaturgo, actor y director explo-
ró una novedosa manera de hacer teatro,
apoyándose para ello en las nuevas tec-
nologías. De hecho, para cada función los
actores fueron escogidos entre voluntarios
del público a fin de interpretar, sin tener
noción previa la pieza, siguiendo desde sus
audífonos las indicaciones que Marron ha-
bía grabado en una serie de iPods.
En una ambientación marcada por las
marcas que darían pie a los improvisa-
dos actores, la obra tejió un abigarrado
conjunto de confesiones, de seres que
habían buscado el amor y/o el sexo en
los insospechados laberintos del cibe-
respacio. Las voces en off de hombres
y mujeres, provenientes de distintos es-
tratos socioeconómicos y demográficos,
conformó un colorido crisol del cual sus
intérpretes fueron completamente ajenos,
pues no podían escuchar sino las precisas
instrucciones del director. Con esta estra-
tegia quedó abolida la separación entre
acción y representación, en aras de un
The Merry Widow
Six Characters in Search of an Author
Shakespeare’s Sonnets

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abril
nuevo realismo dramático donde, en tanto iba desarrollándose
la obra, sus intérpretes se metamorfoseaban, sin saberlo, en
auténticos actores a los ojos del público. En palabras de Dylan
Marron: “la puesta es un conjunto de historias de extraños
que se encuentran en línea, interpretadas por extraños que se
encuentran en persona sobre un escenario”.
“A Delicate Balance” de Edward Albee, dirigida por Pam
MacKinnon para el John Golden Theater en Broadway, recoge
esta impresión de extrañamiento de los personajes, pese a los
años de convivencia entre ellos. Al igual que otras obras de
encuentros y desencuentros de parejas en la producción de
Albee, como “Who’s Afraid of Virginia Woolf” y “Marriage Play”,
también aquí Agnes (Glenn Close) y Tobias (John Lithgow), des-
tilaron la frustración y violencia contenida, provenientes de una
larga coexistencia erosionando gradualmente la relación, hasta
dejar únicamente el caparazón de lo que una vez fue amor. Las
recriminaciones, temores y paranoias de la pareja encontraron
eco en Julia (Martha Plimpton), la hija, y Claire (Lindsay Dun-
can), la hermana de Agnes, dispuestas a destruir el “delicado
balance” con el cual Agnes intentaba mantener una apariencia
de buena convivencia entre los diversos miembros de esta fa-
milia, perteneciente a la burguesía de Nueva Inglaterra. Una
burguesía caracterizada por aborrecer el melodrama y evitar
discutir abiertamente los problemas, magnificándose conse-
cuentemente las tensiones y desavenencias entre ellos.
La dirección de MacKinnon destacó justamente tal atmós-
fera, congelando como en un museo de cera o un “zoológico
de cristal’, a la manera de Tennessee Williams, la acción a fin
de acentuar la imposibilidad de profundizar en las raíces de
dificultades y temores. Ello enrareció aún más la atmósfera,
apoyada en una escenografía donde el interior de la casa care-
cía de toda calidez, percibiéndose más bien como un elegante
mausoleo por el cual circulaban los caracteres, hablándose en
voz alta en vez de dialogar. La represión de las emociones que
todo ello trajo consigo quedó perfectamente condensado en
las palabras de Agnes cuando apunta: “Este es uno de esos
días donde todo ocurre por debajo” de ellos mismos, podría
completarse la idea, para ser subrayar lo turbio de las aguas
donde esta familia naufragará irremediablemente.
En el lado diametralmente opuesto de tal espectro, llegó al Me-
tropolitan Opera la nueva producción de “The Merry Widow” de
Franz Lehar, coreografiada y dirigida por Susan Stroman, con Re-
née Fleming (Hanna) y Nathan Gunn (Danilo) en los roles estelares.
Esta alegre y frívola opereta de grandes posibilidades dramáticas,
deleitó a la audiencia neoyorkina con la vivacidad de la música y lo
irónico del libreto. Los enredos de faldas y fortunas, en el París de
la belle époque, quedaron excelentemente encarnados en las vo-
ces y actuaciones de estrellas, elenco, bailarines y coros, haciendo
de la representación una fiesta para los sentidos.
El hecho de atraer a Stroman, ganadora de cinco Tonys, al Met,
insufló la obra con un aire propio de los musicales de Broadway,
sin perder la elegancia y el delicado fraseo de arias y recitati-
vos. El glamour idealizado de la época quedó fielmente plasmado
en el vestuario y la iluminación, hasta llevar el espectáculo a un
brillante clímax, ambientado en los salones de Maxim’s. Aquí el
can-can, los valses y las mazurcas encontraron su lugar dentro
del abanico de dobles entendidos, intrigas amorosas y compo-
nendas políticas, en un ambiente fútil y refinado haciéndole a
Danilo exclamar, en medio de la fiesta, “¡que nuestros corazones
permanezcan tan fríos como este champán!”.
Alejandro Varderi

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C
on demasiada urgencia y espa-
cio limitado recordamos nuestra
presencia en el Festival Santiago
a Mil, cada vez más encaminado
a convertirse en una gran plataforma
internacional, aportando un despliegue
de medios canalizados para incardinar el
teatro chileno con el resto del mundo, es-
pecialmente en los días de Platea, donde
se concentran decenas de programadores
internacionales con ganas de presenciar
novedosas propuestas escénicas, inter-
cambiar experiencias y planificar acciones
y programaciones futuras.
El festival tiene una programación exu-
berante, tanto en Santiago como en sus
extensiones en barrios y otras poblaciones.
Su importancia le da rango institucional. El
nivel alcanzado por la programación gene-
ralesdeunacalidadindudable.Procuramos
siempre indagar en las obras chilenas.
Impactante nos pareció Los millonarios
de la Compañía de Teatro La María, con
dramaturgia y dirección de Alexis Moreno,
que retrata la sociedad chilena actual a
partir de un hecho real, la acusación con-
tra un comunero mapuche de asesinato
que es defendido por un grupo de abo-
gados demenciales, ricos, famosos, con
poderío que aprovechan la ocasión para
plantearse un reto que nada tiene que ver
con la defensa del ciudadano. Texto disol-
vente, ácido, muy bien planteado escéni-
camente y con un reparto que logra dar
verosimilitud a esos enloquecidos miem-
bros de la clase alta, que nos informan de
las ideas y comportamientos de una parte
de la sociedad chilena muy concreta.
Al igual, pero desde el polo opuesto es lo
que retrata Acceso, de Pablo Larrain y Ro-
berto Farías, interpretada por el primero en
un alarde de entrega física, uso de lengua-
je de calse que no da otra viisón la visión
de la sociedad, de las aspiraciones de un
excluido. Un texto vibrante, un espectáculo
impactante en cuanto a la relación con el
actor que rompe todas las paredes. Duro y
reflexivo trabajo.
Vimos muchas obras más, pero no que-
remos dejarnos de señalar Mar de Arístides
Vargas en su encuentro con Teatro de los
Andes, un trabajo en proceso de ajuste. Y
el espectáculo de cierre de esta edición, El
gramáfono, los surcos de la memoria un
trabajo de plaza de gran formato a cargo
de La Patogallina y La Patriótica Intere-
sante, de alto contenido identitario, apro-
vechando muchos recursos populares,
Festival Teatro a Mil - Santiago de Chile
El teatro chileno sigue dedicado
a su gran tema: Chile
Carlos Gil Zamora
Acceso de Pablo Larrain

90
15 marzo
abril
C
oncentrada la actividad básicamen-
te en ese espléndido lugar para las
Artes que es el Matadero de Madrid,
con dos incursiones en el socio pre-
ferencial, La Cuarta Pared, la edición de
la Feria de Artes Escénicas de Madrid de
2015 mantuvo el nivel de exigencia nece-
saria para que se siga considerando esta
que arranca el año como angular y en su
diseño actual, mejor definido, aprovechan-
do los recursos de manera austera, pero
con ambición artística, uno cree que lo más
enjundioso es la parte teórica, las jornadas
profesionales, en las que se debate, se es-
cucha, se habla sobre la realidad actual de
las artes escénicas, más allá de cualquier
coyuntura o circunstancia con un grado de
sinceridad de agradecer.
Lo importante, claro está, es la progra-
mación, más en esta feria que está organi-
zada directamente por la Asociación de em-
presas, Artemad, lo que viene a significar
mucho sobre lo seleccionado.
Nos dejó cavilando Vagos y maleantes,
de Luis Andrés con dirección de Gustavo
del Río para Sudhum Teatro, ya que nos
pareció adecuado el tema planteado, pero
que no acababa de redondearse en esce-
na. Algo parecido sentimos con Segismun-
do, el príncipe prisionero, una versión para
públicos jóvenes de la obra de Calderón, de
Pitbull Teatro donde la idea y la intención
superaba a lo mostrado.
Bien distinta es la sensación de Nunca
debimos empezar por ahí de Cambaleo
Teatro, una perfecta conjunción entre lo
pensado, lo trabajado y lo mostrado, en
ese recorrido por la propia historia grupal,
con preguntas cargadas de nostalgia mos-
tradas con una estética reconocible.
Buen trabajo el presentado por El Gato
Negro, un texto parateatral, Ildebrando
Biribó. El último Cyrano, con dirección
de Iñaki Rekarte y actuación de Alberto
Castrillo-Ferrer, un trabajo redondo. El
claves parecidas, pero con otro lenguaje,
a partir de un texto de José Sanchis Sinis-
terra, El canto de la rana interpretado por
Yiyo Alonso con dirección de Emilio Valle lo
percibimos como en proceso de elabora-
ción definitiva.
Alicia Soto peleó contra los elementos,
para presentar su nueva experiencia Des-
concierto. Estudio 1. Nocturno, acompaña-
da con el pianista Mario Rosado, una bella
propuesta.
XI MadFeria
Buscando la sostenibilidad sin
renunciar a lo fundamental
Carlos Gil Zamora
Ildebrando Biribó de El Gato Negro

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