El documento describe brevemente el arte de Asia Central, China, Tíbet y Japón. Explica que el arte de Asia Central ha sido influenciado por el arte islámico, chino, griego y persa a través de la Ruta de la Seda. También destaca el arte popular nómada y los instrumentos musicales clásicos de la región como el rubab y el dombra. Finalmente, señala que el arte de Asia Central moderno se inspira en el estilo de vida nómada tradicional.

1. Arte de Asia Central
Artículo principal: Arte de Asia Central
Estatuilla femenina del BMAC (3º-2º milenio aC), una estatuilla greco-bactriana de Ai-Khanoum (siglo 2
aC), una estatuilla de Kosh-Agach (siglo 8-10 dC).
El arte en Asia Central es un arte visual creado por los pueblos en gran parte túrquicos de Kirguistán,
Kazajstán, Uzbekistán, Turkmenistán, Azerbaiyán, Tayikistán, Mongolia, Tíbet, Afganistán y Pakistán, así
como partes de China y Rusia. [6] [7] En los últimos siglos, el arte en la región ha sido muy influenciado
por el arte islámico. El arte anterior de Asia Central fue influenciado por el arte chino, griego y persa, a
través de la transmisión del arte de la Ruta de la Seda. [8]
Arte popular nómada
El arte popular nómada sirve como un aspecto vital del arte de Asia Central. El arte refleja el núcleo del
estilo de vida de los grupos nómadas que residen dentro de la región. Uno está obligado a quedar
asombrado por la belleza de las piedras semipreciosas, la colcha, la puerta tallada y las alfombras
bordadas que refleja este arte. [9][10]
Música e instrumento musical
Asia Central se enriquece con la música clásica y los instrumentos. Algunos de los famosos instrumentos
musicales clásicos se originaron dentro de la región de Asia Central. Rubab, Dombra y Chang son algunos
de los instrumentos musicales utilizados en las artes musicales de Asia Central. [11]
El renacimiento del arte de Asia Central
La vida de los habitantes de Asia Central giraba en torno al estilo de vida nómada. Por lo tanto, la
mayoría de las artes de Asia Central en los tiempos modernos también están inspiradas en la vida
nómada que muestra la era dorada. De hecho, el toque de tradición y cultura en el arte de Asia Central
actúa como un factor de atracción importante para los foros internacionales de arte. El reconocimiento
mundial hacia el arte de Asia Central ciertamente se ha sumado a su valor. [12]
Arte de Asia Oriental
Copy of a portrait of Zhao Mengfu (趙孟頫), Metropolitan Museum of Art

2. Chinese art
Main articles: Chinese art, Chinese painting, Chinese ceramics, Chinese jade, and Chinese calligraphy
Chinese art (Chinese: 中國藝術/中国艺术) has varied throughout its ancient history, divided into
periods by the ruling dynasties of China and changing technology. Different forms of art have been
influenced by great philosophers, teachers, religious figures and even political leaders. Chinese art
encompasses fine arts, folk arts and performance arts. Chinese art is art, whether modern or ancient,
that originated in or is practiced in China or by Chinese artists or performers.
In the Song Dynasty, poetry was marked by a lyric poetry known as Ci (詞) which expressed feelings of
desire, often in an adopted persona. Also in the Song dynasty, paintings of more subtle expression of
landscapes appeared, with blurred outlines and mountain contours which conveyed distance through an
impressionistic treatment of natural phenomena. It was during this period that in painting, emphasis
was placed on spiritual rather than emotional elements, as in the previous period. Kunqu, the oldest
extant form of Chinese opera developed during the Song Dynasty in Kunshan, near present-day
Shanghai. In the Yuan dynasty, painting by the Chinese painter Zhao Mengfu (趙孟頫) greatly influenced
later Chinese landscape painting, and the Yuan dynasty opera became a variant of Chinese opera which
continues today as Cantonese opera.
Chinese painting and calligraphy art
Chinese painting
Gongbi and Xieyi are two painting styles in Chinese painting.
Gongbi significa "meticuloso", los ricos colores y detalles en la imagen son sus características principales,
su contenido representa principalmente retratos o narrativas. Xieyi significa 'a mano alzada', su forma es
a menudo exagerada e irreal, con énfasis en la expresión emocional del autor y generalmente utilizada
en la representación de paisajes. [13]
Además del papel y la seda, también se han realizado pinturas tradicionales en las paredes, como las
Grutas de Mogao en la provincia de Gansu. Las Grutas de Dunhuang Mogao fueron construidas en la
dinastía Wei del Norte (386-534 dC). Consta de más de 700 cuevas, de las cuales 492 cuevas tienen
murales en las paredes, totalizando más de 45.000 metros cuadrados. [14] [15] Los murales son muy
amplios en contenido, incluyen estatuas de Buda, paraíso, ángeles, eventos históricos importantes e
incluso donantes. Los estilos de pintura en las primeras cuevas recibieron influencia de la India y
Occidente. A partir de la dinastía Tang (618-906 EC), los murales comenzaron a reflejar el estilo único de
pintura china. [16]

3. Panorama de a lo largo del río durante el Festival Qingming, una reproducción del siglo 18 del original
del siglo 12 por el artista chino Zhang Zeduan; Nota: el desplazamiento comienza desde la derecha
Caligrafía china
Sobre caligrafía por Mi Fu, dinastía Song
La caligrafía china se remonta a la Dazhuan (escritura de sello grande) que apareció en la dinastía Zhou.
Después de que el emperador Qin unificó China, el primer ministro Li Si recopiló y compiló el estilo
Xiaozhuan (sello pequeño) como un nuevo texto oficial. El guión de sello pequeño es muy elegante pero
difícil de escribir rápidamente. En la dinastía Han del Este, un tipo de escritura llamada Lishu (Escritura
Oficial) comenzó a surgir. Debido a que no revela círculos y muy pocas líneas curvas, es muy adecuado
para la escritura rápida. Después de eso, el estilo Kaishu (escritura regular tradicional) ha aparecido, y su
estructura es más simple y ordenada, esta escritura todavía se usa ampliamente hoy en día. [17][18]
Antigua artesanía china
Plato de porcelana azul y blanca
Jade
El jade primitivo se usaba como adorno o utensilios de sacrificio. El primer objeto chino de jade tallado
apareció en la cultura Hemudu a principios del período neolítico (alrededor de 3500-2000 aC). Durante
la dinastía Shang (c. 1600-1046 aC), aparecieron Bi (jade perforado circular) y Cong (tubo de jade
cuadrado), que se adivinaron como utensilios de sacrificio, que representan el cielo y la tierra. En la
dinastía Zhou (1046-256 aC), debido al uso de herramientas de grabado de mayor dureza, los jades se
tallaron con más delicadeza y comenzaron a usarse como colgante o adorno en la ropa. [19] [20] El jade
se consideraba inmortal y podía proteger al propietario, por lo que los objetos de jade tallado a menudo
se enterraban con el difunto, como un traje de entierro de jade de la tumba de Liu Sheng, un príncipe de
la dinastía Han occidental. [20][21]
Porcelana

4. La porcelana es un tipo de cerámica hecha de caolín a alta temperatura. Las primeras cerámicas en
China aparecieron en la dinastía Shang (c.1600-1046 aC). Y la producción de cerámica sentó las bases
para la invención de la porcelana. La historia de la porcelana china se remonta a la dinastía Han (206 aC -
220 dC). [22] En la dinastía Tang, la porcelana se dividió en celadón y porcelana blanca. En la dinastía
Song, Jingdezhen fue seleccionado como el centro de producción de porcelana real y comenzó a
producir porcelana azul y blanca. [23]
Arte chino moderno
Después del final de la última dinastía feudal en China, con el surgimiento del nuevo movimiento
cultural, los artistas chinos comenzaron a ser influenciados por el arte occidental y comenzaron a
integrar el arte occidental en la cultura china. [24] Influenciado por el jazz estadounidense, el
compositor chino Li Jinhui (conocido como el padre de la música pop china) comenzó a crear y promover
la música popular, lo que causó una gran sensación. [25] A principios del siglo XX, las pinturas al óleo se
introdujeron en China, y cada vez más pintores chinos comenzaron a tocar las técnicas de pintura
occidentales y combinarlas con la pintura tradicional china. [26] Mientras tanto, una nueva forma de
pintura, los cómics, también ha comenzado a surgir. Era popular entre muchas personas y se convirtió
en la forma más asequible de entretener en ese momento. [27]
Arte tibetano
Mandala de arena budista tibetano mostrando sus materiales
Jina Buddha Ratnasambhava, Tíbet central, Monasterio Kadampa, 1150–1225.
Artículos principales: Arte tibetano y mandala de arena
El arte tibetano se refiere al arte del Tíbet (Región Autónoma del Tíbet en China) y otros reinos actuales
y anteriores del Himalaya (Bután, Ladakh, Nepal y Sikkim). El arte tibetano es ante todo una forma de
arte sacro, que refleja la influencia primordial del budismo tibetano en estas culturas. El Mandala de
Arena (Tib: kilkhor) es una tradición budista tibetana que simboliza la naturaleza transitoria de las cosas.
Como parte del canon budista, todas las cosas materiales son vistas como transitorias. Un mandala de
arena es un ejemplo de esto, ya que una vez que se ha construido y se terminan las ceremonias y la
visualización que lo acompañan, se destruye sistemáticamente.
Como el budismo Mahayana surgió como una escuela separada en el siglo 4 aC, enfatizó el papel de los
bodhisattvas, seres compasivos que renuncian a su escape personal al Nirvana para ayudar a los demás.
Desde una época temprana, varios bodhisattvas también fueron sujetos de arte estatuario. El budismo
tibetano, como descendiente del budismo Mahayana, heredó esta tradición. Pero la presencia
dominante adicional del Vajrayana (o tantra budista) puede haber tenido una importancia primordial en

5. la cultura artística. Un bodhisattva común representado en el arte tibetano es la deidad Chenrezig
(Avalokitesvara), a menudo retratada como un santo de mil brazos con un ojo en el medio de cada
mano, que representa al compasivo que todo lo ve y que escucha nuestras peticiones. Esta deidad
también puede ser entendida como un Yidam, o "Buda de meditación" para la práctica Vajrayana.
El budismo tibetano contiene el budismo tántrico, también conocido como budismo Vajrayana por su
simbolismo común del vajra, el rayo de diamante (conocido en tibetano como el dorje). La mayor parte
del arte budista tibetano típico se puede ver como parte de la práctica del tantra. Las técnicas vajrayana
incorporan muchas visualizaciones / imaginaciones durante la meditación, y la mayoría del arte tántrico
elaborado puede verse como ayuda a estas visualizaciones; desde representaciones de deidades
meditativas (yidams) hasta mandalas y todo tipo de implementos rituales.
En el Tíbet, muchos budistas tallan mantras en las rocas como una forma de devoción.
Un aspecto visual del budismo tántrico es la representación común de deidades iracundas, a menudo
representadas con caras enojadas, círculos de llamas o con los cráneos de los muertos. Estas imágenes
representan a los Protectores (Sct. dharmapala) y su temible porte desmiente su verdadera naturaleza
compasiva. En realidad, su ira representa su dedicación a la protección de la enseñanza del dharma, así
como a la protección de las prácticas tántricas específicas para prevenir la corrupción o la interrupción
de la práctica. Lo más importante es que se utilizan como aspectos psicológicos iracundos que se
pueden usar para conquistar las actitudes negativas del practicante.
Los historiadores señalan que la pintura china tuvo una profunda influencia en la pintura tibetana en
general. A partir de los siglos 14 y 15, la pintura tibetana había incorporado muchos elementos de los
chinos, y durante el siglo 18, la pintura china tuvo un impacto profundo y lejano en el arte visual
tibetano.[28] Según Giuseppe Tucci, en la época de la dinastía Qing, "se desarrolló un nuevo arte
tibetano, que en cierto sentido fue un eco provincial de la suave preciosidad ornamentada del siglo 18
chino". [28]
Arte japonés
Artículos principales: Arte japonés, Pintura japonesa, Ukiyo-e, Escultura japonesa, Laca Ryukyuan,
Caligrafía japonesa, Nihonga, Lista de Tesoros Nacionales de Japón (pinturas) y Lista de Tesoros
Nacionales de Japón (esculturas)
Cuatro de un conjunto de dieciséis particiones de habitaciones deslizantes (Pájaros y Flor de las Cuatro
Estaciones[29]) hechas para un abad japonés del siglo XVI. Por lo general, para los paisajes japoneses
posteriores, el enfoque principal está en una característica en primer plano.

6. El arte y la arquitectura japonesa son obras de arte producidas en Japón desde los inicios de la
habitación humana allí, en algún momento del 10mo milenio antes de Cristo, hasta el presente. El arte
japonés cubre una amplia gama de estilos y medios de arte, incluida la cerámica antigua, la escultura en
madera y bronce, la pintura a tinta en seda y papel, y una miríada de otros tipos de obras de arte; desde
la antigüedad hasta el siglo 21 contemporáneo.
La forma de arte se elevó a gran popularidad en la cultura metropolitana de Edo (Tokio) durante la
segunda mitad del siglo 17, originándose con las obras de un solo color de Hishikawa Moronobu en la
década de 1670. Al principio, solo se usaba tinta de la India, luego algunas impresiones se coloreaban
manualmente con un pincel, pero en el siglo 18 Suzuki Harunobu desarrolló la técnica de impresión
policromada para producir nishiki-e.
Hiroshige, Nieve cayendo sobre una ciudad, c. 1833, impresión ukiyo-e
La pintura japonesa (絵画, Kaiga) es una de las más antiguas y refinadas de las artes japonesas,
abarcando una amplia variedad de géneros y estilos. Al igual que con la historia de las artes japonesas
en general, la historia de la pintura japonesa es una larga historia de síntesis y competencia entre la
estética japonesa nativa y la adaptación de ideas importadas.
Los orígenes de la pintura en Japón se remontan al período prehistórico de Japón. Figuras de palo
simples y diseños geométricos se pueden encontrar en la cerámica del período Jōmon y el período Yayoi
(300 aC - 300 dC) campanas de bronce dōtaku. Se han encontrado pinturas murales con diseños
geométricos y figurativos en numerosos túmulos del período Kofun (300-700 dC).
La antigua escultura japonesa se derivaba principalmente de la adoración de ídolos en el budismo o ritos
animistas de la deidad sintoísta. En particular, la escultura entre todas las artes llegó a centrarse más
firmemente en el budismo. Los materiales utilizados tradicionalmente eran el metal, especialmente el
bronce, y, más comúnmente, la madera, a menudo lacada, dorada o pintada de colores brillantes. A
finales del período Tokugawa, tal escultura tradicional, a excepción de las obras miniaturizadas, había
desaparecido en gran medida debido a la pérdida del patrocinio de los templos budistas y la nobleza.
Ukiyo, que significa "mundo flotante", se refiere a la impetuosa cultura joven que floreció en los centros
urbanos de Edo (actual Tokio), Osaka y Kioto que eran un mundo en sí mismos. Es una alusión irónica al
término homófono "Mundo Doloroso" (憂き世), el plano terrenal de muerte y renacimiento del que los
budistas buscaron la liberación.

7. Arte coreano
Jeong Seon, Vista general del monte Geumgang (금강전도, 金剛全圖), Corea, c.1734
Artículos principales: Arte coreano, Pintura coreana y Caligrafía coreana
El arte coreano se destaca por sus tradiciones en cerámica, música, caligrafía, pintura, escultura y otros
géneros, a menudo marcados por el uso de colores audaces, formas naturales, formas y escalas precisas
y decoración de superficies.
Si bien hay diferencias claras y distintivas entre tres culturas independientes, existen similitudes e
interacciones significativas e históricas entre las artes de Corea, China y Japón.
El estudio y la apreciación del arte coreano todavía se encuentra en una etapa formativa en Occidente.
Debido a la posición de Corea entre China y Japón, Corea fue vista como un mero conducto de la cultura
china a Japón. Sin embargo, estudiosos recientes han comenzado a reconocer el arte, la cultura y el
importante papel únicos de Corea no solo en la transmisión de la cultura china, sino también en su
asimilación y la creación de una cultura única propia. Un arte dado a luz y desarrollado por una nación es
su propio arte.
En general, la historia de la pintura coreana data de aproximadamente 108 e.C., cuando aparece por
primera vez como una forma independiente. Entre ese momento y las pinturas y frescos que aparecen
en las tumbas de la dinastía Goryeo, ha habido poca investigación. Baste decir que hasta la dinastía
Joseon la influencia principal fue la pintura china, aunque hecha con paisajes coreanos, rasgos faciales,
temas budistas y un énfasis en la observación celeste de acuerdo con el rápido desarrollo de la
astronomía coreana.
A lo largo de la historia de la pintura coreana, ha habido una separación constante de obras
monocromáticas de pincelada negra sobre papel de morera o seda muy a menudo; y el colorido arte
popular o min-hwa, artes rituales, pinturas de tumbas y artes de festivales que tenían un amplio uso del
color.
Esta distinción a menudo se basaba en la clase: los eruditos, particularmente en el arte confuciano,
sentían que se podía ver el color en las pinturas monocromáticas dentro de las gradaciones y sentían
que el uso real del color engrosaba las pinturas y restringía la imaginación. El arte popular coreano y la
pintura de marcos arquitectónicos se consideraron como un brillo de ciertos marcos de madera
exteriores, y nuevamente dentro de la tradición de la arquitectura china y las primeras influencias
budistas de profusos ricos thalo y colores primarios inspirados en el Arte de la India.

8. Arte contemporáneo en Corea: El primer ejemplo de pintura al óleo de estilo occidental en el arte
coreano fue en los autorretratos del artista coreano Ko Hu i-dong (1886-1965). Sólo tres de estas obras
aún permanecen hoy en día. estos autorretratos imparten una comprensión del medio que se extiende
mucho más allá de la afirmación de la diferencia estilística y cultural. a principios del siglo XX, la decisión
de pintar con óleo y lienzo en Corea tenía dos interpretaciones diferentes. Uno de ellos es un sentido de
iluminación debido a las ideas occidentales y los estilos artísticos. Esta ilustración derivó de un
movimiento intelectual de los siglos XVII y XVIII. Ko había estado pintando con este método durante un
período de la anexión de Corea por parte de Japón. Durante este tiempo, muchos afirmaron que su arte
podría haber sido político, sin embargo, él mismo declaró que era un artista y no un político. Ko declaró:
"Mientras estaba en Tokio, sucedió algo muy curioso. En ese momento había menos de cien estudiantes
coreanos en Tokio. Todos estábamos bebiendo el nuevo aire y embarcándonos en nuevos estudios, pero
hubo algunos que se burlaron de mi elección de estudiar arte. Un amigo cercano dijo que no era
correcto para mí estudiar pintura en un momento como este". [30]
La cerámica coreana fue reconocida ya en el año 6000 aC. Esta cerámica también se conocía como
cerámica con patrones de peine debido a las líneas decorativas talladas en el exterior. las primeras
sociedades coreanas dependían principalmente de la pesca. Entonces, usaron la cerámica para
almacenar pescado y otras cosas recolectadas del océano, como mariscos. La cerámica tenía dos
distinciones regionales principales. Los de la costa este tienden a tener una base plana, mientras que la
cerámica en la costa sur tenía una base redonda. [31]
Arte del sur de Asia
Arte pakistaní
Artículo principal: Arte pakistaní
Ver también: arte pakistaní
Ejemplo de un [[arte pakistaní]]
Arte cultural en la cúpula central y pintura al fresco de Wazir Khan Hammam.
El arte pakistaní se originó en el subcontinente indio. El arte pakistaní representa la cultura de Pakistán.
En el arte pakistaní incluye pintura, dibujo, escultura, arte de camiones, caligrafía, etc.
Ahora en el Pakistán moderno todo se está volviendo digital, los artistas están pintando en
computadoras y en otros dispositivos útiles.

9. Arte budista
Artículo principal: Arte budista
Ver también: Thangka
Mandala de Chandra, Dios de la Luna, Nepal (Valle de Katmandú) a través del Museo Metropolitano de
Arte
El arte budista se originó en el subcontinente indio en los siglos posteriores a la vida del buda histórico
Gautama en los siglos 6 al 5 aC, antes de evolucionar a través de su contacto con otras culturas y su
difusión por el resto de Asia y el mundo. El arte budista viajó con los creyentes a medida que el dharma
se extendía, se adaptaba y evolucionaba en cada nuevo país anfitrión. Se desarrolló al norte a través de
Asia Central y en Asia Oriental para formar la rama norte del arte budista, y al este hasta el sudeste
asiático para formar la rama sur del arte budista. En la India, el arte budista floreció e incluso influyó en
el desarrollo del arte hindú, hasta que el budismo casi desapareció en la India alrededor del siglo 10 CE
debido en parte a la vigorosa expansión del Islam junto con el hinduismo.
Un dispositivo visual común en el arte budista es el mandala. Desde la perspectiva del espectador,
representa esquemáticamente el universo ideal. [32] [33] En varias tradiciones espirituales, los
mandalas pueden emplearse para centrar la atención de los aspirantes y adeptos, una herramienta de
enseñanza espiritual, para establecer un espacio sagrado y como ayuda para la meditación y la inducción
del trance. Su naturaleza simbólica puede ayudar a uno "a acceder progresivamente a niveles más
profundos del inconsciente, ayudando en última instancia al meditador a experimentar un sentido
místico de unidad con la unidad última de la que surge el cosmos en todas sus múltiples formas". [34] El
psicoanalista Carl Jung veía el mandala como "una representación del centro del yo inconsciente",[35] y
creía que sus pinturas de mandalas le permitían identificar los trastornos emocionales y trabajar hacia la
plenitud de la personalidad. [36]
Arte butanés
Artículo principal: Arte butanés
Gracias butanesa del Monte Meru y el Universo Budista, siglo 19, Trongsa Dzong, Trongsa, Bután
El arte butanés es similar al arte del Tíbet. Ambos se basan en el budismo Vajrayana, con su panteón de
seres divinos.
Las principales órdenes del budismo en Bután son Drukpa Kagyu y Nyingma. La primera es una rama de
la Escuela Kagyu y es conocida por las pinturas que documentan el linaje de los maestros budistas y los
70 Je Khenpo (líderes del establecimiento monástico butanés). La orden Nyingma es conocida por las

10. imágenes de Padmasambhava, a quien se le atribuye la introducción del budismo en Bután en el siglo 7.
Según la leyenda, Padmasambhava escondió tesoros sagrados para que los futuros maestros budistas,
especialmente Pema Lingpa, los encontraran. Los buscadores de tesoros (tertön) también son temas
frecuentes del arte Nyingma.
A cada ser divino se le asignan formas especiales, colores y / o objetos de identificación, como loto,
concha, rayo y cuenco de mendicidad. Todas las imágenes sagradas están hechas con especificaciones
exactas que han permanecido notablemente sin cambios durante siglos.
Pintado bhután medicina Buda mandala con la diosa Prajnaparamita en el centro, siglo 19, Museo de
Arte Rubin.
El arte butanés es particularmente rico en bronces de diferentes tipos que se conocen colectivamente
con el nombre de Kham-soo (hecho en Kham) a pesar de que están hechos en Bután, porque la técnica
de hacerlos se importó originalmente de la provincia oriental del Tíbet llamada Kham. Las pinturas
murales y las esculturas, en estas regiones, se formulan sobre los principales ideales eternos de las
formas de arte budistas. A pesar de que su énfasis en el detalle se deriva de los modelos tibetanos, sus
orígenes se pueden discernir fácilmente, a pesar de las prendas profusamente bordadas y los adornos
brillantes con los que estas figuras están profusamente cubiertas. En el grotesco mundo de los
demonios, los artistas aparentemente tenían mayor libertad de acción que cuando modelaban imágenes
de seres divinos.
Las artes y artesanías de Bután que representan el exclusivo "espíritu e identidad del reino del
Himalaya" se definen como el arte de Zorig Chosum, que significa las "trece artes y artesanías de Bután";
las trece artesanías son carpintería, pintura, fabricación de papel, herrería, tejido, escultura y muchas
otras artesanías. El Instituto de Zorig Chosum de Thimphu es la principal institución de artes y oficios
tradicionales establecida por el Gobierno de Bhután con el único objetivo de preservar la rica cultura y
tradición de Bhután y capacitar a los estudiantes en todas las formas de arte tradicionales; hay otra
institución similar en el este de Bután conocida como Trashi Yangtse. La vida rural butanesa también se
exhibe en el "Museo del Patrimonio Popular" en Thimphu. También hay un "Estudio de Artistas
Voluntarios" en Thimphu para alentar y promover las formas de arte entre los jóvenes de Thimphu. Las
trece artes y oficios de Bután y las instituciones establecidas en Timbu para promover estas formas de
arte son:[37] [38]
Arte indio
Yaksha, Madhya Pradesh, India, período Shunga (siglo 2-1 aC). Musée Guimet.

11. Fresco de las cuevas de Ajanta, c. 450–500
Artículos principales: Arte indio, Pintura india y Rangoli
El arte indio se puede clasificar en períodos específicos, cada uno de los cuales refleja ciertos desarrollos
religiosos, políticos y culturales. Los primeros ejemplos son los petroglifos como los encontrados en
Bhimbetka, algunos de ellos que datan de antes de 5500 aC. La producción de tales obras continuó
durante varios milenios.
El arte de la civilización del valle del Indo siguió. Ejemplos posteriores incluyen los pilares tallados de
Ellora, estado de Maharashtra. Otros ejemplos son los frescos de las cuevas de Ajanta y Ellora.
Las contribuciones del Imperio mogol al arte indio incluyen la pintura mogol, un estilo de pintura en
miniatura fuertemente influenciado por las miniaturas persas y la arquitectura mogol.
Durante el Raj británico, la pintura india moderna evolucionó como resultado de la combinación de
estilos tradicionales indios y europeos. Raja Ravi Varma fue un pionero de este período. La escuela de
arte de Bengala se desarrolló durante este período, dirigida por Abanidranath Tagore, Gaganendranath
Tagore, Jamini Roy, Mukul Dey y Nandalal Bose.
Una de las formas de arte más populares en la India se llama Rangoli. Es una forma de decoración de
pintura de arena que utiliza polvo blanco finamente molido y colores, y se usa comúnmente fuera de los
hogares en la India.
Las artes visuales (escultura, pintura y arquitectura) están estrechamente interrelacionadas con las artes
no visuales. Según Kapila Vatsyayan, "la arquitectura clásica india, la escultura, la pintura, la literatura
(kaavya), la música y la danza desarrollaron sus propias reglas condicionadas por sus respectivos medios,
pero compartieron entre sí no solo las creencias espirituales subyacentes de la mente religioso-filosófica
india, sino también los procedimientos por los cuales las relaciones del símbolo y los estados espirituales
se elaboraron en detalle".
La comprensión de las cualidades únicas del arte indio se logra mejor a través de la comprensión del
pensamiento filosófico, la amplia historia cultural, los antecedentes sociales, religiosos y políticos de las
obras de arte.
Periodos específicos:

12. Hinduismo y budismo del período antiguo (3500 aC – presente)
Ascendencia islámica (712-1757 d.C.)
El período colonial (1757-1947)
Arte moderno y posmoderno en la India
La independencia y el período poscolonial (Post-1947)
Arte nepalí
Ver también: Cultura de Katmandú y Cultura de Nepal
La antigua y refinada cultura tradicional de Katmandú, para el caso en todo Nepal, es una reunión
ininterrumpida y excepcional del ethos hindú y budista practicado por su gente altamente religiosa.
También ha abrazado en su redil la diversidad cultural proporcionada por las otras religiones como el
jainismo, el islam y el cristianismo.