Historia del diseño

1. 1
HDhistoria del diseño industrial
Número Dos. Mayo 2011.

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HDhistoria del diseño industrial

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contenidosColaboradoras
Carta de la Editora
Egipto
Shakers
Wiener Werkstätte
Deutscher Werkbund
De Stijl
Constructivismo
Estilo Internacional
Funcionalismo
Art Déco
ULM, Escuela Superior de Proyectación
Postmodernismo
Diseño centrado en el usuario
Diseño de experiencias
Diseño para poblaciones especiales
Diseño en la producción industrial
Diseño Sustentable
Diseño para países en vías de desarrollo
Bibliografía
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(En portada)
Silla DWS por Charles and Ray Eames
Herman Miller
USA, c.1950

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cOLABORA-
DORASBrenda Cortés.
brendascortes@gmail.com
Diseño Editorial y Revisión
A00919792
Ale de la Garza.
ale_jandradlgp@hotmail.com
Investigación y Redacción
A01137284
Alma Garza.
alma_g90@hotmail.com
Investigación y Redacción
A00805530
Gabriela Gutiérrez.
gaby_gmtz@hotmail.com
Investigación y Redacción
A00755645
Ivana Reyna.
ivanareyna@gmail.com
Investigación y Redacción
A00920308
Ana Cecilia Arana.
anacecy_12@hotmail.com
Investigación y Redacción
A00939936
Agueda Ceballos.
agueditamoore@hotmail.com
Investigación y Redacción
A00919792
Gaby Taylor.
gtaylor_589@gmail.com
Investigación y Redacción
A00804714
Marcela Cruz.
lahija1@gmail.com
Redacción y Revisión
A00919792
Marifer González.
qondas@hotmail.com
Investigación y Redacción
A01137144

5. 5
carta de la
editoraLa historia de los objetos comienza al mismo tiempo que la historia de los humanos. Los objetos de-
penden de las personas tanto como las personas dependen de los objetos, y es por esta razón que la his-
toria de ambos se encuentra íntimamente entrelazada. Los diseñadores son las personas encargadas de
dar forma a nuevos objetos y de modificar los ya existentes. El proceso creativo que sigue un diseñador,
si bien está dictado por las necesidades que busca cubrir con el objeto, está empapado por la person-
alidad, experiencias y conocimientos que posee el individuo. De tal manera, que es imposible deslindar
a un diseñador de las cosas que produce. Diseñar, en mi opinión, es una acción inevitablemente subje-
tiva. Es la traducción formal de cómo una persona percibe el mundo que lo rodea. Cada objeto es una
muestra de la visión particularísima de la persona que decidió crearlo y es por esta razón que todos los
objetos llevan intrínsecos una porción (si no es que toda) de la esencia de un ser humano. Diseñar es
una práctica que evoluciona con el paso del tiempo, se perfecciona y se recrea continuamente, haciendo
al hombre y al objeto interdependientes de forma perenne.
Formar un objeto es perpetuar una idea que surge como respuesta a una necesidad y esta idea, al prove-
nir de un individuo, hereda de sí las propiedades del mismo. Al final, los objetos terminan siendo casi
extensiones de sus creadores y sus usuarios. Sería, entonces, completamente erróneo siquiera intentar
explorar la historia de los objetos sin detenerse a observar la historia de las personas y viceversa. Los
objetos son como espejos, reflejan su tiempo, su lugar, su diseñador y rasgos sobre la persona para la
cual fueron pensados. Cada cosa con la que tenemos contacto revela una gran cantidad de información
que preserva dentro de sí desde el momento en el que es concebido. Sin embargo, desde mi punto de
vista, existe algo que los objetos pueden realizar mucho mejor que las personas y esto es trascender.
Muchas personas trascienden en la historia, por sus logros, por los cambios que trajeron al mundo,
por sus ideas o por sus talentos, pero pocas tienen el efecto que los objetos. Ya que aunque las personas
pueden ser recordadas y admiradas a través de los años, los objetos pueden hacer algo superior, ellos
se quedan físicamente y forman parte del día a día de todos nosotros. Esta “inmortalidad” permite a los
objetos permanecer en la historia de los seres humanos para siempre.
Es esta interacción tan cercana entre objeto y persona, la que hace que surja un lenguaje. Los objetos
tienen una forma de comunicarse con las personas, lo cual nos convierte a nosotros los diseñadores en
traductores. Es nuestro trabajo traducir el lenguaje del objeto, su forma, su estilo, su función, el mate-
rial que lo constituye y todas sus posibilidades, al usuario. De la misma manera, traducimos las necesi-
dades de las personas, las preferencias, las emociones y los deseos, al objeto. Somos responsables de la
buena relación entre objeto y ser humano, dándole siempre una clara preferencia al último. El diseño es
el puente entre el mundo inanimado y el animado, entre los seres vivientes y los no vivientes, y ser parte
de ese puente implica una responsabilidad infinita.
Brenda S. Cortés

6. 6
EgiptoU n a s u b l i m e e x p r e s i ó n d e a r t e
El arte egipcio es evidentemente la expresión artística antigua que más ha captado la atención del hombre moderno.
Los egipcios fueron creadores de espacios y objetos de extraordinaria belleza y asimismo de una cultura donde se
fusiona lo histórico, lo mítico y lo misterioso de este arte, la cual ha hecho fantasear a investigadores, poetas, historia-
dores y a personas en general. Esta cultura se desarrolló entre el año 3000 y el 30 a. C. y se distinguió por sus elabo-
rados y complejos objetos, sus fascinantes monumentos, y su método para crear un arte excepcional. Todo esto hace
que la civilización egipcia haya sido una de las más grandes de todos los tiempos.
Mascara de oro de Tutankamón. Dinastía: 18
materiales: oro, obsidiana, turquesa, vidrio y
Carnelian.
egipto 3000 - 30 A.C.
por Agueda Ceballos Moore

7. 7
Sus creaciones eran conocidas por tener un ca-
rácter político jerarquizado y de índole religioso, ha-
ciendo referencia a la inmortalidad. Sus monumentos se
caracterizaban por ser extraordinarios, eran utilizados
como tumbas funerarias, hechos de enormes bloques de
piedra. Se construyeron tres tipos de tumbas: una de ellas
era la mastaba, la cual tenía forma rectangular; la segun-
da era la llamada pirámide propiamente dicha, que era
escalonada o de lados lisos y la tercera eran las tumbas
excavadas en el suelo llamadas hipogeos.
La pintura seguía el mismo sistema de jerarqui-
zación, se presentaban los personajes de acuerdo a la im-
portancia que tenían. Los faraones siempre iban al frente
en tamaños más grandes a comparación de las personas
comunes. La obra no tenía profundidad, sus colores eran
muy similares, y las rostros eran dibujados de perfil, con
los ojos mirando al frente. Los egipcios realizaban joyas
fascinantes de oro, plata y cornalina y tomaban como
inspiración símbolos y personajes divinos.
El mobiliario egipcio es muy singular, debido a
que los materiales con los que se realizaban tenían un va-
lor simbólico, entre estos encontramos oro, plata, plomo,
hierro, turquesa y maderas que se elegían en base a sus
colores.
Las maderas rojas y amarillas eran utilizadas
para esculpir figuras con tonalidades de la piel, mientras
que maderas más obscuras como el ébano eran utilizadas
para representar personas de piel negra. Las esculturas
representaban a los Dioses y Faraones y eran hechas tam-
bién de piedra, tierra seca, granito, diorita etc. Otra gran
inventiva de los egipcios fue el papiro, que es considerado
como el antecesor del papel. Este se extraía del tallo de la
planta también llamada papiro y se cortaba en tiras largas
y delgadas que se colocaban una a lado de la otra, que-
dando ligeramente encimadas. Con esto se sacaba una lá-
mina flexible que era secada y después pulida. Por último
se les aplicaba engrudo y se obtenía una hoja larga que era
enrollada sobre si.
Sin duda los egipcios son una de las civilizaciones
que más ha enriquecido el arte universal. Se distinguie-
ron siempre por crear diseños únicos, coloridos, llenos
de significados y combinaciones fantásticas de diferentes
materiales. Su gran aportación al diseño y arquitectura
evidentemente sigue marcando una tendencia en la ac-
tualidad. Su complejidad al elaborar objetos y construir
monumentos, es motivo de misterio y fascinación hoy en
día, por lo que es imposible no considerar a la civilización
egipcia como una de los grandes precursores de la histo-
ria del diseño.
Collar de la princesa Neferouptah. XII dinastía. 37 x 10 cm. Oro, cornalina y amazonita.
Procedencia: Hawara. Museo Egipcio. El Cairo.
Este brazalete de Sheshonq II lleva el nombre de su padre Sheshonq I. La joya está compu-
esta de dos partes áureas engarzadas de forma que se abren por la mitad; el wdjat, (el ojo de
Horus), su significado es “ todo protección”. Encontrado en la tumba de PsusennesI, cámara
de Sheshonq II por Pierre Montet
Pintura egipcia: fresco del Valle de las reinas.

8. 8
ShakersEste movimiento se inicia en Manchester Inglaterra y
surge de una filosofía religiosa que se profesaba en peque-
ñas comunidades. Tiene su mayor auge en los Estados
Unidos, alrededor de 1774, con la llegada de Ann Lee y
un grupo de 8 personas, logrando crecer cada vez más
conforme pasaba el tiempo. Los shakers contaban con un
sistema de trabajo único, donde su principal caracterís-
tica se da en los objetos que ellos creaban por “la gloria
de Dios”. Esto se ejemplifica con dos frases perfectas que
además describen este movimiento: “Beauty rests in util-
ity” y “Every force envolves a form”. Los Shaker prefieren
describir la belleza como concepto de utilidad, agregando
una perfección en la manufactura de cada objeto.
El estilo de los Shakers se da principalmente en los objetos
utilitarios, en los muebles y en la arquitectura. Principal-
mente utilizaban madera en su estado natural, aplicando
barnices o sólo puliéndola. La producción de sillas fue de
las más importantes por un tiempo, después comenzaron
a crear más muebles como armarios, cocinas, comedores,
gabinetes y escritorios, entre otros.
Para los carpinteros Shakers, la idea de la manufactura de
muebles con el propósito de agregar ese valor espiritual y
reflejado en la sencillez era fundamental. Su idea básica
era que los objetos debían ser prácticos y tener sólo lo
necesario, además de ser objetos con valor espiritual. Por
ejemplo, en los objetos más simples como en los bancos o
escaleritas que creaban, se tomaban el cuidado y la habi-
lidad necesaria para su diseño y manufactura.
Un objeto clásico de los Shakers y con una gran variedad
de usos fue la canasta ovalada. La utilizaban para guardar
o transportar cosas, y siempre contaban con una en “cada
esquina de la casa”. Otro elemento característico Shaker
fue un tipo de barra o soporte que colocaban alrededor
de las paredes, a la altura del alcance del brazo, que les
permitía colgar casi cualquier cosa.
En la arquitectura Shaker no se tenía tan presente la idea
de la religión y la espiritualidad en el diseño y manufac-
tura, sin embargo, las fachadas eran muy peculiares, su
diseño es muy claro y limpio, además de ser simétrico, de
igual manera haciendo uso de madera y granito, dejando
sus “apariencias naturales”; ejemplo, The meeting house
at New Lebanon, NY, 1824. Arquitecto Moses Johnson.
Los interiores de las viviendas, se caracterizan por su
simplicidad y limpieza. Utilizaban colores claros, como el
azul, amarillo, y algunos colores vivos para las paredes en
donde destacaban las tonalidades de la madera natural.
Las manifestaciones artísticas y de producción de los
Shakers, resultan tener mucho en común con el Arts and
Crafts de Wiliam Morris y John Ruskin; ya que engrande-
cen lo tradicional de la mano de obra, lo clásico y el estilo
de los objetos, además de que son movimientos contem-
poráneos.
estados unidos 1774
por Ana Cecilia Arana
Canastas Ovaladas, Shaker
Típica silla Shaker del siglo XIX.

9. 9
Wiener
Werkstatte
La Wiener Werkstatte, conocida también como los Talle-
res de Viena, fue fundada en Viena en 1903 por Koloman
Moser y Josef Hoffmann. Ellos se inspiraron en William
Morris y en su movimiento Arts and Crafts; y de ahí deci-
dieron crear talleres en los cuales el objetivo era restaurar
los valores de los trabajos artesanales en una sociedad in-
dustrial que dejaba estos trabajos atrás.
Moser y Hoffmann lograron reunir a artistas, arquitectos
y diseñadores como Josef Frank, Ernst Litchblau y Ottro
Prutcher para crear productos accesibles. Todos tenían
como principios la elegancia, funcionalidad y sobriedad;
intentaban romper con lo ordinario y crear cosas diferen-
tes a lo ya existente, todo por medio de líneas rectas y por
repetición de elementos ornamentales constructivos que
formaban al objeto mismo. Trabajaron con joyería, mue-
bles, diseño de interiores y moda.
por Alma Garza
Viena 1903-1932
Silla de descanso por
Josef Frank
Sofa Murciélado por Josef Hoffmann
Wine Glasses
por Otto PrutscherVase
por Josef Hoffman
Par de sillas por Otto
Pruscher
Como se buscaba restablecer los trabajos artesanales, to-
dos los diseños u objetos que se fabricaban eran no so-
lamente objetos, sino obras de artes económicas que se
pueden ver en todos los utensilios domésticos y mobilia-
rio. Además, la relación consumidor-diseñador era algo
que les era muy importante a Moser y Hoffmann, ya que
esto era algo que no daba pie a la producción industrial.
La Wiener Werkstatte se desarrolló hasta la depresión de
1929, pero dado a mala administración del capital artís-
tico de Josef Hoffmann se vieron obligados a cerrar en
1932. Fue una influencia a los trabajos de los diseñadores
de la Bauhaus en 1920 y a Frank Lloyd Wright.

10. 10
por Alma Garza
La Deutscher Werkbund también conocida como Aso-
ciación Artesanal Alemana, fue fundada en Alemania en
1907 por Herman Mathesius. Él era escritor y crítico y fue
enviado en 1896 a Londres para investigar las actividades
en arquitectura y diseño. Conoció los trabajos de William
Morris (fundador del movimiento de Arts and Crafts) y
decidió que en Alemania, una institución como esta sería
lo indicado para no dejar atrás los trabajos artesanales.
Las ideas de Mathesius estaban basadas en el ­racionalismo
de la forma, en la perfección y la utilidad. El funcionalis-
mo ante todo, se plasmó en muebles prácticos con formas
simples, función y sobriedad, que eran sus principales
objetivos, así como la unificación del arte y la industria.
Con todos estos ideales en la Deustcher Werkbund, tra-
bajaban fabricantes, arquitectos, artistas, diseñadores,
comerciantes, periodistas y pedagogos que seguían estos
conceptos y trabajaban juntos para crear objetos funcio-
nales, prácticos y estéticos que elevaban la calidad del tra-
bajo industrial. Se comenzó a utilizar el acero, hormigón
y el vidrio.
Deutscher
Werkbund
Peter Behrens y Henry van de Veld fueron los dos más
destacados seguidores de Herman Mathesius y partícipes
de la Deutscher Werkbund. A partir de ellos y de su ins-
titución, la forma de los objetos o productos industriales
viven una transformación que los deja siendo objetos sin
agregados o decoraciones innecesarias.
La Deutscher Werkbund fue clausurada gracias al socia-
lismo nacional en 1930.
Sillón de madera y tela por Bruno
Paul
Sillas de madera por Henry van
de Veld
Ventilador por Peter Beherns
Tetera por Peter Beherns
Alemania 1907-1930
PosterparaelDeutscheWerkbundporFritzHellmutEhmke.

11. 11
de
Stijlpor Alma Garza
holanda 1917-1931
Red Blue Chair por
Gerrit Rietveld
De Stijl fue un movimiento artístico que surgió en Holan-
da en 1917 creado por Piet Mondrian y Theo Van Does-
burg, quienes tenían una revista con el mismo nombre.
Este movimiento trabajó en varias áreas como el diseño
gráfico e industrial, en la arquitectura y en la pintura. Su
objetivo no era representar la realidad tal y como es como
los artes tradicionales de ese tiempo, sino que representar
todo de una manera abstracta.
De Stijl se desarrolló en tres etapas. La primera solamen-
te fue de organización, se unieron y se separaron cola-
boradores y diseñadores. Uno de los diseñadores que se
unió en este tiempo fue Gerrit Rietveld, quien llevó to-
dos los ideales y características del movimiento a obje-
tos tridimensionales. Otro de los diseñadores destacados
de este movimiento fueron Bart Anthony van der Leck
y Friedrich Vondemberge-Gildewart, Eileen Gray y por
supuesto Piet Mondrian, Theo Van Doesburg y Gerrit
Rietvel.
La segunda y tercera etapa fueron en las que se formó con
más precisión los objetivos o características de De Stijl. Se
buscaba expresar la belleza en objetos. Los diseñadores
unidos a este movimiento creían que lo abstracto era lo
más creativo y diferente a todo lo que ya existía, así que
creían que lo diferente era mejor ya que llamaba la aten-
ción de todos. Además, representaban todo con planos y
con líneas rectas pero sin simetría. Les gustaba la simpli-
cidad en las cosas así que los únicos colores que utiliza-
ban eran los primarios, que son el rojo, azul y amarillo y
también variantes del negro y blanco.
En 1931, De Stijl es influenciado por el Constructivismo
y el Suprematismo, lo cual provoco su fin. De Stijl y sus
tendencias influenciaron a los diseñadores y arquitectos
de la Bauhaus.
Crate Chair por
Gerrit Rietveld
Side Table por
Eileen Gray

12. 12
Constructivismopor Agueda Moore
En 1920 surge en la Unión Soviética (antes Rusia), un movimien-
to artístico y arquitectónico, conocido como constructivismo, que
se empieza a desarrollar básicamente después de la Revolución de
Octubre en 1917.
Uno de sus precursores fue el pintor y escultor Vladímir Tatlin
quien en los años 20´s hizo una de las propuestas más claras de
constructivismo, el monumento a “La Tercera Internacional” que
se utilizaría como sede de la Internacional Comunista, oficina de
telégrafos y de distintos restaurantes. La propuesta fue criticada
por Gabor Diem y Antoine Pevsner lanzando un manifiesto realista
que se oponía a la versión del constructivismo. Para 1920 Vladímir
Tatlin estableció los Talleres de Enseñanza Superior del Arte y Téc-
nica, llamada escuela Vkhutemas una de las precursoras en enseñar
constructivismo en la Unión Soviética. El pensaba que había que
“preparar maestros artistas con las más altas calificaciones para la
industria, constructores y administradores de la educación técnica
profesional”. Fue por eso que los talleres tenían facultades artísticas
e industriales, por ejemplo en el área de arte se impartían cursos de
diseño gráfico, escultura y arquitectura, mientras que en el área in-
dustrial los cursos eran sobre impresión, textiles, cerámica, madera
y metalurgia. Para el año de 1922 el constructivismo ruso ya era
reconocido, y fue cuando se celebró la primera exposición de una
muestra de origen ruso en Alemania, lo cual provoco que distintas
revistas europeas difundieran los principios del constructivismo
ruso.
U.R.S.S. 1920
Maqueta del Monumento “ A la Tercera Internacional” por el
pintor y escultor Vladímir Tatlin en los años veintes.
Portada del libro Arquitectura en Vkhutemas, publicado por El
Lissitzky en 1927, en Moscú.
Tetera y tazas constructivistas diseñadas por Kasimir Malevich en 1932

13. 13
El Constructivismo se destacaba por ser utilitario y en relación de la Revo-
lución. Predomina lo tridimensional y lo abstracto en las áreas de diseño
industrial, en comunicación visual el diseño de carteles, tipografías, foto-
grafía, propaganda, ilustraciones entre otras eran hechas con elementos en
formas geométricas, lineales y planas. Las artes aplicadas eran mayormente al
servicio de la nueva sociedad comunista, sus composiciones eran construidas
matemáticamente, los objetos eran funcionales y geométricos, de materiales
simples, como madera, metal, yeso, alambre, cartón, vidrio, plástico, etc. y
colores como rojo naranja, azul, amarillo, blanco, negrodistinguían este mo-
vimiento. Los motivos de formas geométricas sobre fondos planos y claros
eran los que se caracterizabanen el caso de piezas de cerámica.
Wassily Kandinski y Moholy-Nagy, introdujeron el constructivismo en la
Bauhaus. Para 1937 cuando Moholy-Nagy se traslada a Estados Unidos,
funda en Chicago la Nueva Bauhaus, que se convertiría posteriormente en
una escuela de diseño integrada en el Instituto de Tecnología de Illinois, para
seguir impartiendo los conceptos de constructivismo. Gracias esto, dicho
movimiento llego a América; sin duda el constructivismo ruso marco una
tendencia industrializada en el diseño.
Sin embargo en 1930, por orden del gobierno se cierra la escuela Vkhutemas
y es reemplazada por varios institutos especializados, como el Instituto de
Arquitectura y Construcción de Moscú, el Instituto Poligráfico de Moscú, la
Facultad de Bellas Artes, y el Instituto Textil de Moscú.
Poster promocional de Galletas por Alexander Rodchenko Silla de acero tubular realizada en Vkhutemas en 1927

14. 14
Estilo
Internacional
El término se usó por primera vez en 1931 por Alfred Barr,
director del Museo de Arte Moderno de Nueva York, en la
exposición titulada “Estilo internacional: arquitectura desde
1922.” Este movimiento, al cual se le considera arquitectura
moderna, se destinguía por una forma de proyectación univer-
salizante y carente de rasgos regionales, en donde además se
introducen materiales industriales tales como vidrio y acero.
Este estílo comenzó a tomar forma en Europa en la década de
1920 a 1930, en el período de entreguerras y se le reconocía por:
• Su énfasis en la ortogonalidad (ángulo recto).
• El uso de superficies lisas, pulidas, sin ninguna aplicación or-
namental.
• El efecto visual de ligereza que daba la sensación de la con-
strucción en “voladizo”.
por Ivana Reyna
Nueva York EUA 1920 – 1930
Barcelona Chair,
Ludwig Mies van der
Rohe, 1929
Silla por Florence
Knoll
MR Armchair,
1927,Ludwig Mies
van der Rohe
Eero Saanrinen,
Grasshopper chair
Silla de
Le Ccorbusier
Eero Saanrinen,
Womb Chair

15. 15
El Estilo Internacional fue la consecuencia de la evo-
lución de la industrialización, la mecánica, la ingenie-
ría y la ciencia de los materiales. El empleo de nuevas
técnicas y materiales, como por ejemplo, el hormigón
armado, permitían la amplitud espacial que caracteri-
zó a los interiores de los edificios de este movimiento.
Este movimiento se origino al mismo tiempo que el
funcionalismo y ambos son movimientos modernos,
es por eso que tienen diseñadores en común.
Sus principales represantantes fueron Frank Lloyd
Wright, Mies Van der Rohe, Gropius y Le Corbusier.
Museo Solomon R. Guggenheim, Frank Lloyid Wright, 1959

16. 16
Funcionalismo
por Ivana Reyna
A principios del siglo XX surge dentro de la arquitectura el fun-
cionalismo. Este concepto se basa en la utilización y adecuación
de los medios materiales con fines utilitarios o funcionales, que
además pueden ser considerados como medida de perfección
técnica, pero no necesariamente de belleza.
El racionalismo es un movimiento influenciado por las teorías
funcionalistas, el cual surge tras la Primera Guerra Mundial bajo
la influencia de la Bauhaus y el arte abstracto.
Su proposito fue liberar al arte de toda ideología, a través de la
ciencia y las matemáticas, pero al mismo tiempo hacerlo acce-
sible a todos en igualdad de condiciones, libre de las fuerzas del
mercado, lo que le acercó al socialismo.
Este movimiento se le caracteriza por la utilización de nuevos
materiales, cubiertas planas, sencillez de la ornamentación,
grandes superficies encristaladas y la preocupación por el espa-
cio interno de las edificaciones.
En la actualidad encontramos que la arquitectura está influen-
ciada por el racionalismo o funcionalismo; por ejemplo, la vi-
vienda que utilizamos en las ciudades, los grandes edificios y
espacios urbanísticos.
El funcionalismo se aplicará primero en el Deutscher Werkbund,
luego a través de Peter Behrens en la AEG y posteriormente en
la Bauhaus mediante de Le Corbusier, Walter Gropius y Lud-
wig Mies van der Rohe. Otro representante significativo es Die-
ter Rams, quien esta asociado con los productos de Braun y
Functionalist school of industrial design.
F51, Walter Gropius, 1927
Alemania 1920-1930
TP1 Portable Radio Record Player” (1959) Braun. Photo:
Braun GmbH
Villa Posey, Le Corbusier y Pierre Jeanneret, 1931

17. 17
ART
DÉCO
El Art Déco se origina en las artes decorativas, y su de-
sarrollo se da en el período de entreguerras siendo su
punto máximo, en 1925, en la Exposición Internacional
de Artes Decorativas de París. Es un arte decorativo que
evoluciona en Europa y América.
El Art Déco busca la decoración por encima de la fun-
cionalidad; además de que conjuga y recibe influencias
de varios estilos y movimientos artísticos de inicios del
siglo XX, como cubismo, constructivismo, futurismo, y
del Art Nouveau, del cual evoluciona.
Este movimiento se caracteriza por la excesiva deco-
ración ornamental basada en la utilización de lujosos
materiales y en motivos abstractos y geometricos que
incluyen formas como el cubo, la esfera y la línea recta,
y también el zigzag. En la representación abstracta se in-
cluyen ciertos elementos naturales, como el agua, rayos
y nubes.
Con respecto a los materiales, este movimiento logra
conjuntar materiales clásicos con materiales nuevos
como: cromo, plástico, maderas nobles, pieles naturales
y carey.
Sus representantes son Jean Dunand, Tamara de Lempic-
ka y Pierre Legrain, Charlotte Perriand, y algunas marcas
como Cartier y Lalique.
francia 1920- 1939
por Ivana Reyna
UnionTerminal,Cincinnati,EUA,Fellheimer&
Wagner
Tamara Lempicka, Lady Sleeping
(Arriba derecha) Jean Dunand, Vase, 1925, metal lacado
(Arriba izquierda ) Cartier, Circa 1980

18. 18
HfG UlmEscuela Superior de Proyectación
por Ivana Reyna
Hochschule fur gestaltung fue una escuela universitaria de diseño en Ulm, Alemania. Fun-
dada en 1953 por Inge Aicher-Scholl, Otl Aicher y Max Bill. La escuela ganó rápidamente
el reconocimiento internacional. Durante su establecimiento fueron puestos en práctica
nuevos conceptos de diseño en los departamentos de: Comunicación Visual, Diseño Indus-
trial, Construcción, Informática, y Cinematografía
La Hfg fue una de las instituciones más progresistas de enseñanza del diseño y el diseño
ambiental y refleja el perfil profesional del diseñador de hoy en día.
La Hfg tuvo gran contribución con Braun, ya que en 1953 la empresa buscaba sobresalir
dentro de la competencia y contacta a Hans Gugelot y Dieter Rams. Ellos desarrollan la
imagen y logotipo basado en el diseño de sus productos los cuales reflejaban los objetivos
racionalistas de la HfG con diseños para Braun en dónde la función principal del producto
era detellada por su estética, por ejemplo los colores se mantenían neutros y simples dando
posiblemente con un efecto de color para acentuar la función principal del objeto.
La metodología de la escuela estaba basada a partir del racionalismo, originada por René
Descartes. Con la visión de que todo hecho debía poder explorarse y entenderse mediante el
análisis, la intuición y la deducción, siempre que se descomponga en sus partes y se reduzca
a sus elementos básicos.
1953. ulm, alemania
Ulm stool, 1955 Max Bill, Hans Gugelot,
Paul Hildinger
Braun SK4 radio-phonograph combination,
1956 Hans Gugelot and Dieter Rams
Control Unit Studio 1, 1957 Hans Gugelot
and Herbert Lindinger

19. 19
postmodernismo
El posmodernismo es una corriente artística y de di-
seño que entrelaza ambas manifestaciones. Este mo-
vimiento es una consecuencia de lo moderno, mu-
chos críticos creen que el postmodernismo es como
un parasito que depende del modernismo con el cual
tiene muchas similitudes excepto su significado.
La posmodernidad es la época del desencanto, pues
pasamos de una economía de producción hacia una
economía de consumo. El diseño postmoderno se
basa en relacionar el pasado y el presente para así
poder tener un nuevo concepto. Por lo tanto, lo po-
demos resumir como una combinación de estilos.
Ejemplo de esto es el trabajo del grupo Memphis y
del estudio Alchimia que fueron los impulsores del
diseño postmodernista a finales de los años 70 y
principios de los 80.
El grupo Memphis fue formado por Etto-
re Sottsass en el año 1981 seguido por un gru-
po internacional de arquitectos y diseñadores,
que innovaron materiales y trabajaban en todos
los campos del interiorismo como: mobiliario,
textiles, cerámica, etc., convirtiéndose así en
el grupo más importante de la década de los 80.
Algunos de los diseñadores que componían el gru-
po Memphis fueron Peter Shire, Michael Graves,
Andrea Branzi, Martine Bedin, George Soweden,
Javier Mariscal, Michele de Luchi y Matteo Thun.
Su característica principal es el gran uso del co-
lor en tonalidades atrevidas, este nuevo estilo fue
muy polémico y acabó cosechando un gran éxito
comercial. Sus formas geométricas y diseños fuera
de lo común se burlaban de lo correctamente esta-
blecido como clásico. Esta revolución de ideas no
podía durar mucho tiempo ya que el grupo agotó
sus ideas, desapareciendo en 1988.
por Gabriela Gutiérrez
Frank O. Gehry
Madera entrelazada
Silla Proust rediseñada por Alessandro Mendini. Acabados a mano
según la tradición, conserva las formas del sillón original
1978-Presente

20. 20
El estudio Alchimia dirigido por Alessandro Mendini diseñador
que colabora con prestigiosas compañías como Philips, Swarovski y
Swatch, estaba a favor del sentimentalismo, la nostalgia y la emoción,
por eso apoyaba la influencia del diseño del pasado, tomando así ob-
jetos cotidianos a los cuales aplicaban diversas formas de decoración.
Gracias a la recesión de los noventa, los diseñadores posmodernos se
vieron en la necesidad de buscar enfoques menos expresivos y más
racionales, sustituyendo así las manifestaciones del antidiseño de los
años ochenta por el minimalismo de los noventa.
Mariscal diseñó el taburete Dúplex para el bar valenciano del
mismo nombre en 1980. Máximo exponente del diseño postmod-
erno español, fue portada de la ‘biblia’ del diseño milanés
‘Modo’.

21. 21
Diseñocentrado
por María Fernanda González
Los humanos han interactuado con diferentes objetos
desde el principio de los tiempos. Las evidencias arqueo-
lógicas demuestran que la humanidad ha estado en con-
tacto con herramientas y otros objetos que le han ayuda-
do a hacer más productivas y cómodas sus actividades
cotidianas. El estudiar esa interacción es primordial ya
que así se puede mejorar ese contacto entre humanos y
objetos. Es ahí donde entra la ergonomía.
K.F.H Murrell y Otto Edholm fundaron en 1949 The Er-
gonomics Research Society en Gran Bretaña y desde esa
época, la ergonomía se ha venido incorporando en el di-
seño de productos. La IEA (Asociación Internacional de
Ergonomía), define “La ergonomía (o los factores huma-
nos) es la disciplina científica que estudia la interacción
entre los humanos y otros elementos de un sistema, y la
profesión que aplica teorías, principios, datos y métodos
de diseño para optimizar el sistema de bienestar humano
y su rendimiento en general”.
enelusuario
Esta misma Asociación expone que la ergonomía para el
diseño es sinónimo del Diseño centrado en el usuario.
Esta tendencia de diseño se enfoca en los deseos y ne-
cesidades de los usuarios, buscando que el objeto dise-
ñado tenga características benéficas para este. Entre es-
tas características están el incremento a la comodidad,
facilidad de uso, seguridad, productividad, reducción
de esfuerzos físicos y mentales y que sea estéticamente
agradable y amigable para cualquier tipo de usuarios. Al
cumplirse estas virtudes se puede obtener con mayor se-
guridad el éxito del diseño en el mercado.
Hay diversas asociaciones que premian a los diseñadores
por hacer productos ergonómicos. Es de estas competen-
cias de donde surgen los diseños más innovadores, crea-
tivos, cómodos y seguros de usar.
Mouse vertical ergonómico diseñado por Euidu Hwang y Sangpyo Kim. Tiene 5
botones, no require de un software especializado para su instalación y puede ser
usado por PCs y Macs.
Lijas ergonómicas, el sueño de todo diseñador industrial. El diseño de producto elimina la
tensión y fatiga que las manos llegan a tener al lijar sin instrumentos. Estos productos son
distribuidos por la empresa Americana Rockler Woodworking and Hardware.
Actual

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Diseño de
Experienciaspor Alejandra de la Garza
El diseño de experiencias se basa en la inte-
racción multisensorial que tiene el usuario y
consumidor con un producto o servicio, inclu-
yendo cada etapa de estos. Por ejemplo, des-
de el momento que se piensa en comprar un
producto, el hecho de entrar a la tienda, el ad-
quirirlo, el abrir el paquete y por supuesto usar
el objeto o producto comprado hasta que esté
llegue al final de su vida potencial.
Esta tendencia de diseño ha llegado a grandes
empresas enfocadas en desarrollar productos,
servicios y sistemas a partir de dichas experien-
cias, en las que se consideran todos los aspectos
de la marca (el lugar donde se localiza la tien-
da, la tienda en sí, su interior, la presentación
del producto, la venta del producto, el trato al
usuario por parte de los empleados, su uniforme…). Es importante decir
que las marcas que se esmeran en brindar grandes experiencias al usuario
recompensan al mismo por su preferencia, tiempo, dinero y energía agre-
gando un valor intangible al consumir sus productos.
El diseñador Nathan Shedroff, pionero del diseño de experiencias (Ex-
perience Design) menciona que “En cierta forma (el diseño de experi-
encias) es un parasol muy amplio y fino que abarca mucho de lo que hace
que una interfaz tenga éxito”: Este diseño identifica los momentos de vín-
culo personal afectivo y emocional entre los usuarios, las marcas y los
recuerdos que producen en ellos. Por ejemplo vemos el cómo hacen sentir
al cliente visto desde el punto personal, social, cultural, económico, etc. en
el presente y el futuro de la relación usuario-marca.
El ejemplo clásico de esta tendencia es: Starbucks Coffee.
Actual

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Build-a-Bear Workshop
Donde se crean los mejores amigos.
Teniendo como misión dar vida a muñecos de peluche
para revivir cálidas experiencias como la niñez, el con-
fort y la amistad, la empresa internacional Buid-A-Bear
Workshop se dedica a sacar sonrisas a chicos y grandes
del mundo.
Al entrar a esta tienda que da una sensación de un mundo
mágico, un “constructor de osos” le da la más cálida bien-
venida al cliente para guiarlo por el divertidísimo proceso
de crear un animal de peluche personalizado.Después, el
cliente se da a la tarea de elegir de entre 30 animalitos para
crear a su nuevo amigo. En la siguiente estación llamada
“Escúchame” se puede grabar un mensaje personalizado
que el cliente quiera que diga su peluche, o se puede elegir
de entre las canciones y mensajes disponibles La siguiente
En esta misma estación, el niño elige un corazón, lo ca-
lienta en la palma de sus manos y pide un deseo para
después insertarlo en su nuevo amigo antes de cerrarlo.
Es aquí donde el peluche cobra vida y el niño vive una
mágica experiencia que nunca olvidará.
También, para probar que el peluche tiene el suficiente re-
lleno el cliente lo abraza para después pasar a “La estación
de cerrado”. Después, el niño lleva su peluche al
área de cepillado para suavizar su pelaje.
Otro dato importante de mencionar es que el
cliente nombra al nuevo amigo y se le entrega un
certificado de nacimiento donde se registra y se le
asigna una clave para en caso de perderlo, pueda
encontrar su camino a casa.
Después, los “Constructores de osos” ayudan al
cliente a escoger la ropa de su nuevo amigo de
entre miles de vestuarios disponibles.
Finalmente, el peluche está listo para partir a casa
con su dueño, en una caja especial en forma de
casita. Definitivamente, el éxito de esta empresa
se basa en el diseño de experiencias: reviviendo
sentimientos positivos, robando sonrisas y brin-
dando muchísima diversión a los clientes.

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Diseño para
poblaciones
especialespor Maria Fernanda Gonzalez
La población especial (según la ergonomía) incluye niños, gente
con algún tipo de discapacidad, mujeres embarazadas, personas
de la tercera edad, y otros grupos cuyas capacidades físicas sean
diferentes a las de la población regular por diversas causas. En la
actualidad estos grupos poblacionales van en franco incremento y
el diseño ha venido dando respuesta a partir del diseño de espacios
y productos como espacios públicos, oficinas, y escuelas básica-
mente.
Esta respuesta de diseño se manifiesta en el Diseño Universal. Este
se fundamenta en las necesidades y capacidades de las poblaciones
especiales junto con la población regular, sin que los usuarios se
adapten a los objetos o espacios y lo que es aún mejor, sin hacer
distinción entre ellos. Podemos decir entonces que los espacios u
objetos pensados bajo este concepto de diseño son para el uso de
todos.
El diseñar bajo este concepto tiene 7 principios básicos:
1. El diseño debe ser equiparable, es decir debe ser funcional y
práctico para todo usuario sin distinción.
2. Debe de ser de uso flexible para el usuario, en preferencias, habi-
lidades y facilidad de uso.
3. Su uso debe de ser simple e intuitivo.
4. La información que despedida por el objeto es clara y eficaz y va
de acuerdo con las capacidades sensoriales del usuario así como de
su entorno.
5. El diseño debe de tener un margen de error, minimizando los
riesgos de accidente durante el uso.
6. El esfuerzo debe de necesitar el mínimo esfuerzo físico.
7. Se debe de tener en cuenta el tamaño de espacio y uso para cada
uno de los usuarios.
Mobiliario Xenon Universal: la oficina sin exclusiones por Ofita
Mobiliario Xenon Universal: la oficina sin exclusiones por Ofita
Actual

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Aunque sea un poco más costoso, el crear objetos con diseño
universal genera mayor aceptación ya que abarca a la mayo-
ría de los usuarios, haciendo que el producto sea exitoso en el
mercado.
Otra tendencia de diseño que también toma en cuenta a las po-
blaciones especiales es el Diseño Incluyente que muchas veces
se confunde con el Diseño Universal y que en ocasiones, pue-
den ser tomados por sinónimos. La diferencia radica en que en
el Diseño Universal, se deben de tomar en cuenta las necesida-
des de todos los usuarios desde las primeras etapas del diseño,
mientras que el Diseño Incluyente muchas veces es un rediseño
del producto o espacio original para adaptarlo a las necesidades
de las poblaciones especiales y, dado a que hay dos “versiones”
del producto, el Diseño Incluyente hace una distinción entre la
población regular y la especial.
Además de estas tendencias, también encontramos el Diseño
de necesidades específicas que es aquel que se enfoca en las ca-
racterísticas y capacidades extraordinariamente particulares de
un usuario o grupo de usuarios.
Repisa Xenon Universal por Ofita
Oficina Universal de la empresa vasca Ofita

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El diseño
en la producción
industrialpor Alejandra de la Garza
Cómo se une el diseño con la tecnología de punta y cómo
llega a la producción industrial
A partir de la revolución industrial, el ser humano ha ido
descubriendo lo maravilloso de la producción en serie. El
diseño puede expandirse tanto como el diseñador lo de-
see ya que puede ser producido las veces que se necesi-
ten satisfaciendo la gran demanda de los productos en la
población. El utilizar procesos industriales, ha agilizado la
producción de los objetos y por ende han dado mayores
frutos económicos.
En el mundo del diseño, hay objetos que trascienden y
marcan profundamente la vida de todas las personas. Ac-
tualmente dichas creaciones se producen industrialmente
y son desarrolladas en empresas internacionales de gran
magnitud como las industrias de línea blanca, electrónica
y automotriz.
Vale la pena analizar el por qué del éxito de estos mara-
villosos productos que hoy en día son parte de la vida de
todos los seres humanos. Su secreto es que son objetos
esenciales para realizar las actividades rutinarias y están
unidas a la tecnología de punta con diseños bien pensados
en el usuario.
Como ejemplo vemos que en la industria de la línea blan-
ca los productos más importantes son el refrigerador, el
microondas y la estufa doméstica. También la secadora, el
boiler y el aire acondicionado han venido a transformar la
experiencia de hacer las actividades de rutina más fáciles y
cómodas agilizando el proceso de uso.
Finalmente la industria más antigua entre estas es la in-
dustria automotriz que vino a revolucionar la vida del ser
humano. Ford , fundado por Henry Ford, definitivamente
es una marca pionera en el diseño automotriz ya que revo-
lucionó el transporte y la industria en Estados Unidos y el
mundo al introducir el Modelo T al mercado a principios
del siglo XX.
Por otro lado, en la industria electrónica se han creado
objetos sobresalientes como las computadoras, los ce-
lulares y la televisión entre muchos otros. Actualmen-
te, existen variadas marcas de este tipo de productos
y el usuario se da a la tarea de elegir cuál comprar ba-
sándose en su diseño y calidad. Las marcas preferidas
como lo son: Apple, HP, IBM y SONY, Panasonic, y
Motorola.
Mastretta 2011 (Mexicano
Nokia
Actual

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Hoy en día, cada marca de automóvil cuenta con un sello diferente y es dirigi-
da hacia ciertos sectores sociales. Y debido a la demanda y a la mucha diversi-
dad de gustos, esta industria se ve sumamente beneficiada por los procesos de
producción en serie: variedad, rapidez, precisión y calidad.
Para producir industrialmente las empresas son sumamente cuidadosas, ya
que un error implica gastos catastróficos en una producción en serie. Otro
dato importante acerca de la producción industrial es que ahora se hacen las
cosas con un tiempo de vida mucho menor al que se acostumbraba antes de la
revolución industrial. Esto tiene varias razones, una de ellas es que la pobla-
ción ya está acostumbrada a renovar sus productos constantemente ya que el
nivel de diseño y calidad avanzan muy rápido y nadie quiere quedarse atrás.
Como conclusión podemos decir que estas tres industrias además son en las
que se manifiesta la globalización en toda la extensión de la palabra.
Reproductores de música cuarta generación del iPod nano
Últimos diseños de la marca HP Blackberry Torch

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la vanguardia en el origen
Diseño
Sustentable
por Marcela Cruz Félix
Desde la década de los 70’s el tema de la necesidad de tener conciencia y con-
sideración al planeta y naturaleza ha ido en incremento. Sin embargo, a casi 40
años de sus inicios apenas se han visto los frutos de este movimiento que busca
un mundo mejor. Nacido y promovido principalmente en la ciudad de San
Francisco, el diseño sustentable ha sido y es un movimiento que busca un trato
justo para todas las partes involucradas en el proceso de un producto, es decir,
en el ámbito económico, ambiental y social.
Algunas de las prácticas que se relacionan con el diseño
sustentable son el comercio justo, el reciclaje y reciclado,
productos no tóxicos y cuyas materias primas provienen de
elementos naturales certificados.
El enfoque más conocido y del que más se encuentran pro-
ductos es el “Green Design”. Dentro de este, se encuentra
el estudio de nuevos y mejores materiales y productos que
específicamente no dañan al medio ambiente pues esta ten-
dencia no sólo busca mejores materiales, sino que ha llega-
do a trascender hasta el diseño en la forma y la función. Es
decir, el diseño sustentable tiene un estilo que se caracte-
riza del resto por sus formas orgánicas, limpias, eficientes
y austeras, como se puede ver en el caso de los muebles y
electrodomésticos cuyo uso es más amigable con el usuario
además de estar en el rubro de ahorro de energía.
Entre los materiales más usados dentro de esta tendencia
se encuentran todos los derivados de materias recicladas,
como son algunas fibras provenientes de botellas PET,
cartón, papel, algodón y fibras provenientes de desechos
orgánicos. Con ello se puede observar lo que plantea el
movimiento del desarrollo sustentable y cómo regresa a las
formas más simples y naturales de su entorno reincorpo-
rándose a la naturaleza sin dañar.
Debido a la gran cantidad de diseñadores que están involucrados en esta ten-
dencia, sería difícil destacar un máximo exponente, algunos de ellos son: Car-
los Motta, Malcolm Baker, Matthew Hilton, Giles Miller, Rob van Acker, Caro-
line Till, Celia Suzanne Sluijter.
Silla de cartón reciclado por Gilles Miller
Asientos de papel creados por Celia Suzanne Sluijter.
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Diseñopara
paísesenvías
dedesarrollopor Marcela Cruz Félix
Super MoneyMaker Pressure Pump, bomba de presión
para la agricultura.
Una de las inquietudes más grandes del ser hu-
mano es el acabar con la pobreza que aqueja a cerca del
90% de la población mundial. Pero a pesar de ser un tema
tan antiguo, hasta hace poco es cuando se comenzó a to-
mar en cuenta dentro del diseño al resto de la población
para la cual el mundo de los objetos es un verdadero lujo.
La Organización de las Naciones Unidas ha pro-
puesto 8 metas que deben ser alcanzadas para el 2015 y
que de ser logradas por los países representará una signi-
ficativa reducción en la pobreza. Estas metas son:
– Erradicar la pobreza extrema y la hambruna.
– Alcanzar la escolaridad primaria en todo el mundo.
– Promover la equidad de género y empoderar a la mujer.
– Reducir la mortandad infantil.
– Combatir SIDA/VIH, malaria y otras enfermedades.
– Asegurar la sustentabilidad ambiental.
– Desarrollar una cooperación global para el desarrollo.
Esta política internacional entre otras regionales
y locales han dado origen a que muchos países desarro-
llados apoyen a sus vecinos en vías de desarrollo y esto ha
permitido que se realicen proyectos de diseño específicos
para contribuir al bien de la humanidad.
Algunos ejemplos de estas aportaciones son Ka-
trina Furniture Project, que creó muebles provisionales
de bajo costo para las víctimas del huracán Katrina. Otro
proyecto fue el desarrollado por KickStart en algunos
países de África, cuyo objetivo era fabricar herramientas
para que las personas de escasos recursos puedan generar
ingresos a través de su uso. Para la elaboración de sus di-
seños se basaron en los siguientes principios que, consi-
deran ellos, son los necesarios para que puedan propiciar
una vida digna a aquellos que las usan:
Los principios de diseño de KickStart son:
– Generadores de ingresos.
– Regreso en inversión.
– Accesibilidad de precio.
– Eficiencia energética.
– Ergonomía y seguridad.
– Portabilidad.
– Facilidad en instalación y uso.
– Fuerza y durabilidad.
– Diseño para la capacidad de manufactura disponible.
– Aceptación cultural.
- Sustentabilidad ambiental.
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Este nuevo camino en el diseño está dando paso al cumpli-
miento de las metas del milenio dejando atrás la elegante
y frívola imagen que se tenía acerca del diseño convirtién-
dolo ahora en una herramienta de acción global. El diseño
para países en vías de desarrollo es una oportunidad para
llegar al 90% de la población en el ámbito de la trascenden-
cia, más allá de lo estético y económico.
LifeStraw creado por la compañía Vestergaard Frandsen es un popote
con filtro para prevenir enfermedades causadas por la ingestión de agua
contaminada.

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