BALLET NACIONAL

ESCUELA REGIONAL DE DANZA
“ P E D R O C A N O ”
Carrera Técnica en Danza
BALLET NACIONAL
TALLER DE BALLET CLÁSICO
ALUMNA:
Paloma Mercedes Palacios García
CATEDRÁTICO:
Jorge Batani Castro
2° ―A‖ CICLO ESCOLAR: 2011

A c a p u l c o , G u e r r e r o a 4 d e A g o s t o 2 0 1 1

HISTORIA
El Ballet Nacional de México es una compañía de
danza contemporánea que en sus obras de repertorio
explota conceptos de antiguas cosmogonías. Explora
la psique del ser contemporáneo y experimenta la
creación de significado abstracto, todo esto con una
enorme frescura de imágenes.
Sus bailarines son un núcleo de solistas, que lo mismo
actúan como protagonistas, que como parte de un
coro, proyectando una gran intensidad escénica y una
desbordante sobriedad. Esta experiencia corporal es
posible gracias a la sólida construcción de las
coreografías y al hábito poético que éstas desprenden.
El Ballet Nacional de México fundado por Guillermina
Bravo, fue desde sus inicios en 1948 hasta su
desintegración en el año 2006 el grupo independiente
de danza moderna más sólido del país; cimentado en
valores nacionalistas y heredero de las ideas vasconcelistas tuvo como premisas:
comunicarse a través de un nuevo lenguaje dancístico conocido posteriormente como
danza moderna y llevar este nuevo lenguaje al pueblo.
Ballet Nacional de México se presentó en los más diversos espacios, que iban desde:
canchas, explanadas, parques y milpas en los más recónditos pueblos hasta los teatros
de las grandes ciudades.
Manteniendo una lucha constante por llevar la danza moderna al pueblo Ballet Nacional
de México jugó un papel
preponderante en la difusión y
formación de público para la
misma.
Ballet Nacional de México no
solo contó con la coreógrafa
más representativa de la Danza
moderna mexicana sino también
con el talento de otros
coreógrafos y bailarines que
sumando esfuerzos marcaron
una pauta estética en la danza
moderna. Logrando a lo largo de

su existencia una proyección y un reconocimiento tanto nacional
como internacional presentándose en una innumerable cantidad
de foros de diferentes países
Ballet Nacional de México fue el semillero más importante de
bailarines y coreógrafos de México; por sus filas pasaron
innumerables talentos que se formarían dentro del grupo para
quedarse en él, o para formar parte del panorama dancístico
mexicano; como escuela formadora fue heredera del movimiento
nacionalista en la danza, sin embargo no se estacionó en una
época o estilo; sino que evolucionó dinámicamente a lo largo de 6
décadas, consolidándose como el grupo de danza contemporánea
con más historia del país y de América Latina.
A lo largo de sus 58 años de trayectoria Ballet Nacional de México
tuvo diferentes etapas, derivadas tanto del talento creativo de su
fundadora como de los artistas que conformaron y renovaron a lo
largo de la existencia de la compañía. El trabajo en Ballet Nacional estuvo caracterizado
por una férrea y constante disciplina que no dejo nunca duda del enorme compromiso que
tanto Guillermina Bravo como sus bailarines tenían con la danza, sus características y su
propuesta estética dejaron una huella indeleble en el arte mexicano.
Por su trabajo plenamente comprometido con la sociedad y su constante disciplina Ballet
Nacional de México se convirtió en una institución artística nación.
El Ballet Nacional de México es
una compañía de danza
contemporánea que en sus obras
de repertorio explota conceptos de
antiguas cosmogonías. Explora la
psique del ser contemporáneo y
experimenta la creación de
significado abstracto, todo esto
con una enorme frescura de
imágenes.
Sus bailarines son un núcleo de
solistas, que lo mismo actúan
como protagonistas, que como
parte de un coro, proyectando una gran intensidad escénica y una desbordante sobriedad.
Esta experiencia corporal es posible gracias a la sólida construcción de las coreografías y
al hábito poético que éstas desprenden. Guillermina Bravo

REPERTORIO
La tambora
Foto: Christa Cowrie
Homenaje a Cervantes
Música: Lucas Foss, Johann S. Bach
Diseños: Guillermo Barclay
Coreografia: Guillermina Bravo
Estudio no. 3 (danza para un
bailarín Que se transforma en
águila)"
Música: Johann Sebastian Bach
Coreografia: Guillermina Bravo.
Estudio no. 4 (lamento por un suceso trágico)"
Música: popular andaluza tres saetas
Coreografia: Guillermina Bravo.
Estudio no. 8" (leona-cazador)"
Música: Johann Sebastian Bach
Diseños: JarmilaMaserova
Constelaciones y danzantes
Música: Luis Rivero
Rodolfo Sánchez Alvarado
Diseños: KleomenesStamatiades
Telón: Rufino Tamayo
Coreografia: Guillemina Bravo
Entre Dioses y Hombres (códice Borgia)
Sobre la violencia (para la "Ifigenia cruel" de
Alfonso Reyes)
Música: PhillipGlass
La tambora (antecedentes y consecuencias)
Música: Luis Rivero, Alberto Capetillo y Rodolfo Sánchez Alvarado con la colaboracion de
la banda "La tierra blanca" de Culiacán, Sinaloa.
Diseños: Javier de la Garza y Guillermo Barclay

Asistente: Jose Luis Hernández
Coreografía de jazz: Ema Pulido
Entre dioses y hombres (códice borgia)
Música: PhilippeEidel, ArmandDevos, Luis Rivero y Alberto Capetillo
Diseños: Javier de la Garza
La vida genera danza (Los constructores)
Música: Antonio Russek
Coreografia: Federico Castro
Escape
Música: ArvoPart
Diseños: Serge Nicole
Reflejos de un narciso
Música: ArvoPart
Historia gótica
Música: Leticia Alvarado
Diseños: SofiaMassun y Carmen Artigas
Mujer con personaje
Música: Herbert Forch-Tenge
Diseños. KleomenesStamatiades
Coreografia: Jaime Blanc
Macbeth
Música: Collage de Eduardo Gonzáles
Coreografía: Jaime Blanc
Constelaciones Danzantes
Foto: Guillermina Bravo

Prácticas cotidianas
Música: George Crumb y Eduardo González
Coreografia: Jaime Blanc
Se necesitan dos para el tango
Música: Astor Piazzola
Coreografia: Luis Arreguín
Alabanza
Música: John Adams
Diseños: Sergio Morales
Coreografia: Luis Arreguin
Pasional
Coreografia: Luis Arreguín
Sesión de vals para 6 donde el diván no cupo
Música: Valses de Johann Strauss y varios autores
Coreografia: Rossana Filomarino
Sol de viento
Música: GiacintoScelsi y de los pueblos, alto y anti-atlas Marruecos, Sicilia-Italia, del Alto
Xingu y Bororo-Brasil, Invit-Canada, Kanak-Oceoania Occidental
Diseños: Serge Nicole, Pilar Boliver
Llama de amor viva II
Música: Schumann, Schubert y tambores de Venezuela (cofradías negras), de Japón
(Kobo), de Africa (Malí y Ghana) y los tambores del Bronx.
Diseños: Mónica Raya
Terreno de amores
Música: Johannes Brahms
Diseños: Cristina Gianini
Coreografia: DonlinForeman
La corrupción del edén (Caos de sangre en la blancura del alba)
Música: PhillipGlass
Diseños: PhilipeTréhet
Coreografía: PhilipeTréhetPresentación

ESCUELA REGIONAL DE DANZA
“ P E D R O C A N O ”
Carrera Técnica en Danza
TEATRO EL ESPACIO
TALLER DE BALLET CLÁSICO
ALUMNA:
Paloma Mercedes Palacios García
CATEDRÁTICO:
Jorge Batani Castro
2° ―A‖ CICLO ESCOLAR: 2011
A c a p u l c o , G u e r r e r o n o v i e m b r e 2 0 1 0

La comunidad que somos busca la manifestación múltiple de sensaciones compartidas.
Intentamos reflejar la realidad que nos
envuelve, mejor dicho de la que
formamos parte.
La expresión esta en proceso debido a
lo ambicioso de la idea. El vehículo es la
danza: alegría de una disciplina dificil.
Ballet Teatro del Espacio
Es una compañía de danza
contemporánea dirigida por Gladiola
Orozco y Michel Descombey. Su objetivo
es realizar un arte contemporáneo
abierto a las diversas corrientes
artísticas y técnicas de nuestro tiempo, forjando a través del trabajo colectivo un espíritu
de comunidad artística y humana. Se nutre en las raíces culturales y en la realidad social
de México. Se presenta con regularidad en los estados de la República, en el Distrito
Federal y en el extranjero. Realiza temporadas en el Palacio de Bellas Artes y participa en
los mas destacados festivales nacionales e internacionales. En 1991 inaugura en su sede
un foro multidisciplinario (Espacio Cultural del BTE) destinado a la danza y al arte en
general. Trabaja en estrecha colaboración con el Consejo Nacional para la Cultura y las
Artes y el Instituto Nacional de Bellas Artes, de los que recibe un subsidio.
Centro de formación profesional y enseñanza abierta de la
para la formación de profesionales y para aficionados.
Antecedentes
El Ballet Teatro del Espacio es una compañía de danza contemporánea dirigida
conjuntamente por Gladiola Orozco y Michel Descombey, y cuyo propósito fundamental
es realizar un arte contemporáneo abierto a las diferentes corrientes artísticas y técnicas
de nuestro tiempo, forjando a través del trabajo colectivo un espíritu de comunidad
artística y humana.
Sin dejar de nutrirse en las raíces culturales y en la realidad social de México, promueve
una colaboración permanente con artistas de otros países.

Se presenta con regularidad en provincia y en el Distrito Federal, donde realiza una
temporada anual en el Teatro de Bellas Artes y participa en los más destacados festivales
nacionales e internacionales que se celebran en el país.
Con el apoyo de las autoridades culturales de la Secretaria de Educación Pública y el
I.N.B.A. a través de su Dirección de Danza, fundó en 1977, en la Ciudad de México, el
Espacio Independiente, sede de la compañía, que cuenta con una escuela de danza y
una galería de arte.
En noviembre de 1991, inauguró su teatro "Espacio Cultural" gracias a la participación
decisiva del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, el apoyo del Instituto Nacional
de Bellas Artes, de la Delegación Cuauhtémoc y del Patronato de la Compañía
recientemente fundado. Así, el Espacio Independiente se convierte en un foro
multidisciplinario para la danza y para el arte en general, en el que el Ballet Teatro del
Espacio presenta con regularidad en largas temporadas su repertorio resultado de su
constante labor creativa.
En 1982, la Unión Mexicana de Cronistas de Teatro y Música, premió a Ballet Teatro del
Espacio por el Homenaje realizado a José Limón y la coreografía Preludio a la tarde de un
fauno. En 1983 y 1984 la misma Unión dio un reconocimiento a dos de los integrantes de
la compañía (Antonio Torres y Solange Lebourges), en 1989 a Michel Descombey por su
Sinfonía Fantástica, en 1997 a Gladiola Orozco por su contribución al mejoramiento del
teatro y la música en México.
En abril y mayo de 1982 realizó una gira por Europa, durante la cual llevó a cabo una
temporada en el prestigiado "Théatre de la Ville" de París, y dos años después se
presentó en diversas ciudades de Canadá. En 1990, participó en el XII Festival
Internacional de Ballet de la Habana, Cuba. En 1993 tuvo el honor de clausurar el VIII
Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz (España). En 1996 inauguró la XII edición del
Festival del Centro Histórico de la Ciudad de México con el espectáculo multimedia
"Neomilenio" creado por Michel Descombey con la colaboración del escultor Sebastian.
Con este mismo espectáculo en el 2000 nuevamente inaugura el Festival del Centro
Histórico en su edición XVI, función con la que inició una gira por Matehuala, Culiacán, los
Mochis y Mazatlán para unirse a la celebración del nuevo siglo.
En el 2002 participa por novena ocasión en el Festival Internacional Cervantino de
Guanajuato con la creación del espectáculo "Carmen 2002", mismo que se presentó en el
Palacio de Bellas Artes, en la Ciudad de Querétaro y en el Teatro de la Ciudad de
México.

Trabaja en estrecha colaboración con el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes y el
Instituto Nacional de Bellas Artes, de los que recibe un subsidio.
Esta conformada por alrededor de 40 personas entre bailarines, directores, coreógrafos,
maestros, técnicos y personal administrativo.
Es la compañía que, en los últimos 25 años, ha presentado los espectáculos
coreográficos los más exitosos frente a un público numeroso (en cuanto a danza
contemporánea ) tanto en México como en el extranjero. Sin cesar de crear coreografías
nuevas, la compañía mantiene un repertorio vivo de más de 20 obras.
Asume el costo del mantenimiento y del muy alto alquiler del local sede de la compañía,
de la escuela de enseñanza abierta de la danza, de un teatro dotado de un equipo
altamente profesional, de una galería de arte y de las oficinas administrativas.
Para reducir al máximo sus gastos, realiza en su taller gran parte de la escenografía y
elementos técnicos tales como equipo de iluminación, acondicionamiento del teatro y de
sus dependencias (telar, tarimas para el público, camerinos, galería de Arte...)
Asume conjuntamente con Bellas Artes y el Consejo parte de los gastos de publicidad
indispensable a la promoción de sus presentaciones.
Presenta numerosas funciones didácticas para escuelas secundarias y preparatorias a fin
de desarrollar en los adolescentes un conocimiento de la danza y de la cultura en general.
Ballet Teatro del Espacio es una comunidad de trabajo y eso implica que la remuneración
(becas) sea la misma para los directores, la mayoría de los bailarines, el técnico y la
coordinadora administrativa. Los coreógrafos, iluminadores, diseñadores de escenografía
y vestuario, especialistas en montaje musical realizan su trabajo sin remuneración alguna.
Proporciona a todos sus integrantes un seguro médico.
CENTRO CULTURAL "ESPACIO INDEPENDIENTE DE MÉXICO" ES:
La sede del Ballet Teatro del Espacio, compañía profesional de danza contemporánea.
Un Centro de Formación Profesional y Enseñanza abierta de la Danza. Como centro
coreográfico, se crean ahí las condiciones idóneas tanto para las personas que se inician
en esta especialidad así como para los coreógrafos con trayectoria (residentes o
invitados).

Un Teatro en el que se llevan a cabo periódicamente temporadas con funciones formales
para el público en general y funciones didácticas al servicio de las escuelas y
universidades. Una galería que alberga a Creadores de Artes Plásticas.
Filosofía
La comunidad que somos
busca la manifestación
múltiple de sensaciones
compartidas.
Intentamos reflejar la sociedad
que nos envuelve, mejor dicho
de la que formamos parte.
La expresión está en proceso
debido a lo ambicioso de la
idea. El vehículo es la danza;
alegría de una disciplina difícil.
Siempre fue preocupación del
Ballet Teatro del Espacio el
realizar un arte
contemporáneo abierto a las
diferentes corrientes artísticas
y técnicas de nuestro tiempo,
forjando a través del trabajo colectivo un espíritu de comunidad artística y humana.
Sin dejar de nutrirse en las raíces culturales de México, promovió una colaboración
permanente con artistas de otros países.
Siempre dio prioridad a un arte comprometido con la realidad sociopolítica que lo rodeaba,
sin por ello rechazar los divertimentos y propuestas formales.

Directores
Gladiola Orozco
Ha sido maestra y guía de la mayoría de los integrantes del
Ballet Teatro del Espacio del que compartió la dirección con
Michel Descombey.
La trayectoria vital y ejemplar de Gladiola Orozco como
bailarina, maestra, coreógrafa y directora del Ballet Teatro
del Espacio la convierte en un personaje fundamental de la
danza contemporánea. Mexicana ejemplar que desde su
profesión ha contribuido enormemente en la educación de la
sociedad y con su obra ha enriquecido el patrimonio cultural
del país.
Prueba de ello es su trabajo como pilar del Ballet Teatro del
Espacio logrando crear un público para una de las
expresiones más difíciles de promover en nuestro país: la
danza contemporánea. La creación de ese público ha
permitido socializar el lenguaje de la danza y crear ciudadanos más concientes del
lenguaje de los cuerpos en movimiento.
A lo largo de su historia ha sido un gran alfabetizador que ha revelado los pormenores de
la danza a distintas generaciones. La depuración de su lenguaje es a la vez la depuración
cuerpo social: el cuerpo como palabra sublimada que le regresa al espectador la
conciencia de sí mismo, la conciencia sobre sus manos, sus piernas, su torso; pero
también la conciencia sobre su identidad y el papel que como individuo juega en la
sociedad. Este binomio es una de las constantes labores que ha logrado con el BTE.
La profesionalización del personal que participa en la compañía es uno de los mayores
activos que Gladiola Orozco ha aportado a la sociedad. De esta manera ha contribuido a
que la danza se mantenga no sólo como una forma de arte, sino también como una forma
de vida vigente.
La solidez que ha logrado con la compañía le ha permitido la creación de un repertorio
coreográfico, abordando temas capitales para nuestra sociedad, cuyo lugar en la historia
de la danza contemporánea en México es incuestionable. El Ballet Teatro del Espacio
encontró un lenguaje propio, una manera específica de hacer danza en el México
contemporáneo, nutriendo la cultura de su tiempo, se ha planteado una respuesta estética
ante las condiciones de la historia y las circunstancias sociales. Además de que ha
facilitado el diálogo con otras esferas artísticas. De notarse ha sido la colaboración de
compositores como Mariana Villanueva, Mario Lavista, Antonio Russek y Joaquín López
Chas; pintores como Rodolfo Morales o del artista plástico Sebastián.

Su gran interés por la enseñanza de la danza y su práctica cotidiana, así como su
profunda convicción de que la danza ayuda al hombre en su equilibrio y desarrollo, la
llevan a fundar en 1977, el Centro de Formación Profesional y Enseñanza Abierta de la
Danza del Espacio Independiente que dirige desde entonces y que es la cuna de muchos
de los bailarines que constituyen el BTE y de importantes creadores y bailarines en la
escena mexicana como Marco Antonio Silva, Bernardo Benítez, Miguel Ángel Palmeros,
Beatriz Madrid, David Attie, Silvia Unzueta, Lino Perea, Jorge Chanona, Javier Salazar,
Jessica Sandoval, Jorge Gale, y Solange Lebourges entre muchos otros.
Precursora del coreodráma, que es su gran aportación a la danza contemporánea en
México, inicia con la obra emblemática ICARO en el que manifiesta su preocupación por
la juventud destruida por las drogas; continuando con Ana Frank y Antonieta Rivas
Mercado, genero que nace por su particular sensibilidad creativa para ofrecer una
experiencia de necesaria apertura de la danza hacia otros terrenos expresivos.
Su inquietud por la educación y la cultura la han llevado a organizar desde 1967 a la
fecha, funciones didácticas a lo largo de la trayectoria del Ballet Teatro del Espacio,
ofreciendo funciones en Escuelas Primarias y Secundarias algunas veces en colaboración
con la SEP a través de la Dirección General de Promoción Cultural y la Dirección General
de Educación Secundaria, así como funciones en el Teatro Espacio Cultural dirigidas a
estudiantes de Preparatoria y universitarios, labor que ha permitido la formación de un
público constante para la danza en México.
Para ejemplificar los logros y relevancia de la labor de la Maestra Orozco con su
compañía podríamos señalar que anualmente incide en una población aproximada de
20,000 espectadores en sus distintas temporadas. Que ha contribuido a la formación de
más de 100 bailarines profesionales y más de 500 aficionados a la danza.
Su Trayectoria
En 1950 Inicia la profesión de bailarina en el Ballet Nacional de México. Posteriormente
estudia en la escuela de Martha Graham en Nueva York.
En 1966, funda con otros bailarines el Ballet Independiente de México, ahora Ballet Teatro
del Espacio. Desde entonces ha permanecido sin interrupción al frente de la Compañía
con la que ha realizado importantes giras nacionales e internacionales así como
temporadas en los foros más representativos de la ciudad de México, Palacio de Bellas
Artes, Teatro de la Ciudad, Auditorio Nacional, Teatro de los Insurgentes, Teatro
Blanquita, Teatro Julio Castillo, El Teatro de la Danza y El Teatro de las Artes del Centro
Nacional de las Artes, en los más reconocidos del interior de la República así como en el
mundo como el Théatre de la Ville, en París, Maison de la Culture, en Saint Denis Francia,
StadsSchouwburgAmsterdan Holanda, Centre National des Arts, Ottawa, Le Grand
TheatreQuébec, RyersonTheatre Toronto, Teatro Mella Habana Cuba entre otros.

En 1967 fundadora de los cursos de Danza en la Casa del Lago de la UNAM.
A partir de 1969, ha sido invitada a Cuba como consejera artística de la Escuela Nacional
de Danza (Cubanacan) y del Consejo Nacional de Danza.
En 1977, crea el Centro de Formación Profesional y Enseñanza Abierta de la Danza del
Espacio Independiente que dirige desde
entonces.
En 1981, crea el coreo drama ICARO
obra magistral reconocida a nivel
internacional.
En 1983 por invitación oficial viaja a la
Republica Popular de China, donde
imparte varias conferencias en los
principales centros de la danza teatral
que produce este país.
En 1985 crea el Laboratorio de Ballet Teatro del Espacio. Desde esta fecha ha creado
distintas obras entre otras "Estudio para Cinco", "Los Siete Pecados Capitales", el
coreodrama Ana Frank, "El Gran Viaje", "Y…", en 1999 estrena en el Palacio de Bellas
Artes: "Antonieta Rivas Mercado, la Antorcha Hija del Ángel", en 2000 estrena en el
Teatro de las Artes del Centro Nacional de las Artes: "Memoria", en 2003 "Bésame
Mucho", "Cucurrucucú", "El Adiós a Javier Salazar", y "La Tanda" en 2007.
En 1991 Inaugura el Teatro Espacio Cultural, sede del Ballet Teatro del Espacio.
En 1992 forma parte de la Comisión de Artes y Letras del
Consejo Nacional para la Cultura y las Artes.
De 1993 – 1994 pertenece al Sistema Nacional de
Creadores de Arte del FONCA.
En 1997 la Unión Mexicana de Cronistas de Teatro y Música
le otorga un premio por su destacada trayectoria dentro de la
danza.
En 1998 forma parte del Jurado del Premio Nacional de
Ciencias y Artes.
En 2000 la nombran Presidenta del Jurado del XXI premio
INBA UAM, concurso de composición coreográfica contemporánea.
En 2001 la nombran Miembro del Consejo Consultivo del Festival Internacional
Cervantino.

En 2003 es nombrada miembro del Consejo Consultivo de la Fundación Rodolfo Morarles,
y recibe el premio Guillermina Bravo en reconocimiento a su trayectoria.
En 2004 publica el libro MEMORIAS, sobre la vida de Antonieta Rivas Mercado.
En 2006 recibió el premio Coatlicue, otorgado por la Coordinadora Internacional de
Mujeres en el Arte (COMUNARTE).
En 2007 recibe la Medalla de Oro de Bellas Artes, en reconocimiento a su trayectoria y
forma parte del Jurado para el Premio Nacional de Ciencias y Artes.
Michel Descombey
Inició su carrera profesional como bailarín del Cuerpo de
Ballet de la Ópera de París, donde posteriormente fue
Primer Bailarín, Maître de Ballet, coreógrafo oficial y Director
de la Danza de la compañía de 1962 a 1969.
En 1967 fundó el Ballet Studio de la Ópera, que trabajó en
estrecha colaboración con las Casas de Cultura francesas.
En 1969, inició su trabajo como coreógrafo independiente,
creando obras para numerosas compañías en distintas
partes del mundo.
De 1971 a 1973 fue director de la Ópera de Zurich. La
compañía francesa Ballet TheatreContemporain presentó en más de treinta países su
obra Violostries.
En 1972 trabajó por primera vez con el Ballet Independiente ahora Ballet Teatro del
Espacio, y nuevamente en 1975, creando el espectáculo Año Cero.
Convirtiéndose desde 1977 en director asociado y coreógrafo principal de la Compañía
creando más de 30 obras, entre otras: La Ópera Descuartizada, Conquistas, La Noche
Transfigurada, Pavana para un Amor Muerto, 1991 Año Mozart, A Rudolf Nureyev,
Neomilenio, (espectáculo multimedia, en colaboración con el escultor Sebastián); Che, El
Miedo, Carmen 2002, Soledades y El Adiós.
Por sus trabajos coreográficos dentro del Ballet Teatro del Espacio, fue premiado tres
veces por la Unión de Cronistas de Teatro y Música, la última vez en 1989 por su
espectáculo coreográfico Sinfonía Fantástica, que también recibió el premio Claridades
ese mismo año.
Realizó dos comedias musicales y numerosas producciones para la televisión.
Es autor del libro La Danse, publicado por Editorial Marabout.

Es Caballero de la Orden de las Artes y Letras distinción que le fue otorgada por André
Malraux, Ministro de Cultura del gobierno del General de Gaulle.
A principios de 1985, fue nombrado por decreto Presidencial de la República Francesa
Caballero de la Legión de Honor Francesa
En 1994 se le otorgó la Orden del Águila Azteca por su contribución a la evolución y
perfeccionamiento del Arte de la Danza en México.
Recientemente dentro del marco del XXV Festival Internacional de Danza Contemporánea
Lilia López en octubre de 2005 le fue otorgado el premio Guillermina Bravo, por su
trayectoria.
En 2006 fue galardonado con el premio Lunas del Auditorio por la coreografía Carmen
2002.
En 2007 se le otorgó la Medalla de Oro de Bellas Artes, en reconocimiento a su
trayectoria.
En 2008 nuevamente fue galardonado con el premio Lunas del Auditorio por la
coreografía El Adiós
Críticas de la Prensa
CRITICAS 1989
Estamos ante una obra monumental (Sinfonía Fantástica). Estoy convencido que se trata
de la obra cumbre de un coreógrafo serio, profesional, de una trayectoria excepcional, de
naturaleza romántica y de formación clásica. Creo que Descombey está trabajando con
un grupo de bailarines notablemente bien adiestrados y disciplinados. La Sinfonía
Fantástica es un logro completo, en este momento de la danza mexicana y mundial, del
Ballet Teatro del Espacio.
Alberto Dallal. La Jornada Semanal. 1989.
Sinfonía Fantástica ... un ejemplo más del
excelente trabajo artístico del Ballet Teatro
del Espacio.
José Eduardo López Bosch. El Sol de
México. 1989.

Ahora Descombey supera a Descombey con un trabajo que estamos seguros trascenderá
las fronteras mexicanas y se convertirá, en el transcurso de la próxima década, en un
clásico de la danza actual. Sinfonía Fantástica, con la múscia de HectorBerlioz, es un
ballet rotundo. Impecable en el trazo coreográfico, constante de un acontecer dancístico,
impactante en su dramático contenido:
KurtHermann Wilhelm. Impacto. 1989.
CRITICAS 1993
La ópera descuartizada, una de las obras maestras del genial Descombey, un homenaje a
la eterna lucha por la libertad, contextualizada dentro del proceso chileno vivido a
principios de los 70 y cuyas sécuelas se viven aún en nuestros días.
¡Bravo! por el Ballet Teatro del Espacio ¡Bravo! por el Patronato de Bellas Artes.
Hugo Leonel de León. La República (Guatemala). Septiembre 1993.
Ballet Teatro del Espacio puede ser comparado favorablemente con las compañías
internacionales más destacadas. Tiene el humor y la fantasía de las compañías de Eliot
Feld y de Murrai Louis. El lirismo de la de Paul Taylor e incluso, la intensidad apasionada
de Martha Graham y José Limon. En realidad Ballet Teatro del Espacio es un tesoro
cultural mexicano. Y hasta los neofitos encontrarán el programa conmovedor y
memorable.
Brad Bradley. The News. Julio 1993.
CRITICAS 1994
A propósito de Preludios ....
El Ballet Teatro del Espacio, que es de los pocos grupos de danza contemporánea que
valen la pena, pues a diferencia de la mayoría si ostenta rigor y una disciplina notables,
además de su apreciable originalidad y desenfadada postura ante la danza.
Roberto Frías. La Jornada. Abril 1994.
Hoy, Michel Descombey nos sorprende una vez más con su creación basada en esa
música romántica y tranquila que hace flotar en el espacio el ritmo y el cuerpo de los doce
bailarines, que comunican sus sentimientos.

José Eduardo López Bosch. Excelsior. Abril 1994.
Preludios no es fácil de digerir, es un producto complejo de un coreógrafo maduro que
maneja un lenguaje muy elaborado, lleno de elementos ricos en contenido.
Virginia Bautista. El Financiero. Abril 1994.
A propósito de Rudolf Nureyev..
Un aspecto importante del arte de Michel Descombey es su teatralidad, su impecable
oficio escénico. Otro es su lenguaje coreográfico, radiografía de sus mente, de su
emoción.
Patricia Cardona. Uno más uno. Julio 1994.
Con gran éxito culminaron en el bello Palacio de Bellas Artes, las presentaciones del
Ballet Teatro del Espacio, en el que Beatríz Madrid se llevó nutridas ovaciones en su
participación como coreógrafa y bailarina.
Susana Kunkel. Espejo Ovaciones. Julio 1994.
Con un diseño de iluminación notable, montaje musical preciosista y vestuario y
escenografía de primer mundo, Descombey hace evidente, una vez más, por qué sigue
siendo un artista vigoroso e intenso, dispuesto a seguir causando polémica y capaz de
atraer el público al Teatro de Bellas Artes.
Responsable en buena parte de que Nureyev haya sido nombrado director de la Opera de
París, cuando en 1982, después de declinar la propuesta, propuso a su vez a Nureyev,
(Descombey se hace dueño del foro y despliega su experiencia: los bailarines y la
coreografía son las estrellas, la producción se mantiene en lo exacto para no sobresalir, y
el público resulta complacido).
Rosarios Manzanos. Proceso. Julio 1994.
Michel Descombey es un creador liberado de las habituales, limitaciones impuestas por la
descreción y el pudor; este espectáculo es un acto de valentía y de entrega sin fronteras a
una idea indudablemente generosa.

Paco Ignacio Taibo I. El Universal. Julio 1994.
Las palabras no bastan para describir la emoción que invadió el Palacio de Bellas Artes la
noche del sábado, durante la presentación del Ballet Teatro del Espacio.
Bailarines de interpretación impecable, coreografías con una estructura dramática y
escénica bien definidas, iluminación ad hoc y que decir de la música, como siempre, el
Ballet Teatro del Espacio sorprende...
Un programa vivencial, en donde los bailarines demuestran sus dotes dancísticos.
El Ballet Teatro del Espacio demuestra, una vez más, su capacidad creativa, su
dedicación y esfuerzo, en una palabra su profesionalismo.
América Juárez. Reforma. Julio 1994.
CRITICAS 1995
El coreodrama Ana Frank es considerado por conocedores como una verdadera pieza
coreográfica.
Fernando Maldonado. Movimiento Actual. 1995
.
El domingo pasado, el Ballet Teatro del Espacio culminó en el Palacio de Bellas Artes una
corta temporada que resultó un éxito rotundo.
Al final del espectáculo, el público que abarrotó totalmente la sala brindó a los 30
intérpretes de la compañía una larga y muy emotiva ovación que premió merecidamente
la calidad tecnica y artística de una agrupación que, bajo la dirección de Gladiola Orozco y
Michel Descombey, realizan desde hace muchos años un trabajo ejemplar.
Con ello, quedo demostrado que cuando se conjugan la eXcelencia del trabajo técnico y
artístico con una obra de la magnitud activa y temática de "1991, Año Mozart" de Michel
Descombey que presentó el Ballet Teatro del Espacio en esta oportunidad, si existe un
público activo, ávido y, finalmente, agradecido para la danza.
Novedades. Agosto 1995.

Con un espectáculo prodigioso del Ballet Teatro del Espacio que se presentó en el Teatro
de la Paz se clausuró el XV Festival Internacional de Danza Contemporánea con el
aplauso de un público que abarrotó el foro.
El Sol de San Luis. Agosto 1995.
Conquistas sigue siendo una de las obras capitalesdeDescombey gústele a quien le guste
y duélale a quien le duela. Es una importante reflexión las conquistas históricas, militares,
religiosas y culturales de México.
"A Rudolf Nureyev", aquí toda lacompañía realiza un verdadero "tour de force" y terminan
poniendo a todo el público de pie y aplaudiendo por minutos y minutos. Nos impresiona la
forma en que Descombey utiliza el Adaggio de la Rosa del ballet "La Bella Durmiente"
(Tchaikovski/Petipa) en un momento exclusivamente para el cuerpo de baile masculino.
La fuerza y la perfección de este momento es inolvidable. Un gran éxito, una noche de
danza memorable, como todas que ofrece esta compañía y deseosos de que comience
otra temporada y asistir a otra noche íntegra de danza de impecable calidad.
KurtHermann Wilhelm. Claridades. Mayo 1995.
La escenografía y vestuario es de la excelente coreógrafa G. Orozco. La intérprete
Jessica Sandoval es una verdadera Ana Frank, impregna el escenario de ingenuidad, de
desesperanza, arrebato, angustia, pánico, tensión, recuerdo.

La danza contemporánea es un tipo de expresión artística que está basado en la técnica del ballet
clásico, y que conllevaba menor rigidez de movimientos. Surge como una reacción a las formas
clásicas y probablemente como una necesidad de expresarse más libremente con el cuerpo. Es
una clase de danza en la que se busca expresar, a través del bailarín, una idea, un sentimiento,
una emoción, al igual que el ballet clásico, pero mezclando movimientos corporales propios
del siglo XX y XXI.
Esta danza es cien por ciento interpretativa, sus
movimientos se sincronizan con la cabeza tratando de
comunicar un mensaje. Amplía el rango de movimiento,
y utiliza el espacio con mayores posibilidades.
Una característica distintiva es el uso de multimedia
para acompañar las coreografías, como video e
imágenes usados de fondo.
Su origen se remonta hasta finales del siglo XIX y
podríamos decir que ha tenido una evolución muy
peculiar. En los inicios se buscaba una alternativa a la
estricta técnica del ballet clásico, empezaron a aparecer
bailarines danzando descalzos y realizando saltos
menos rígidos que los tradicionales en el escenario. Con
el tiempo, fueron apareciendo variaciones en las que la
técnica clásica brillaba por su ausencia e incluso se
introducían movimientos de otros estilos de baile, como movimientos aflamencados, movimientos
tribales, acrobacias, contacto físico. Hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, este renovado
estilo de danza se llamó danza moderna, pero su evolución desde finales de los años 1940 en
adelante llevó a que se prefiriese a partir de entonces emplear la expresión danza contemporánea.
Hoy en día, las técnicas modernas dejan paso a un torbellino de mezclas de estilos, llegándose
incluso a no dejar claro a que estilo se asemeja o que patrones se siguen. Se dice que en la danza
contemporánea (hoy día) "todo vale".
Se pueden distinguir en los inicios dos escuelas, la Americana y la Europea.
Escuela Americana
Primera Generación. Pioneros americanos.
 Isadora Duncan
 LoïsFuller
 Guillermina Bravo
 Diana Presuel

Segunda Generación. Los fundadores de la "Modern Dance" en
Estados Unidos
Generación Histórica precedentes de la Denishawn
 Louis Horst
 Martha Graham
 Doris Humphrey
 Charles Weidman
Los otros creadores de técnicas
 José Limón
 Lester Horton
 Anna Sokolow
Tercera Generación.
 MerceCunningham
 Paul Taylor
 AlwinNikolais
 AlvinAiley
 Eleo Pomares
 Donald McKayle
Isadora Duncan fue una legendaria
bailarina norteamericana (1878-1927).
Escuela Europea
Primera Generación. Pioneros Europeos.
Filósofos y pensadores
 FRANÇOISE DELSARTE(francés, 1811-71) fue el
inspirador de la Gimnasia Moderna, conocida
primeramente con el nombre de Gimnasia Expresiva
(Bode) o, posteriormente, Gimnasia Rítmica. Afirma
que los estados espirituales se deben representar a

través de actitudes y movimientos del cuerpo como unidad, y no únicamente del rostro. La
preocupación por la técnica es mucho mayor que en el anterior. Divide el cuerpo en tres zonas
variables:
• Los miembros inferiores, expresan fuerza
• El torso y brazos, expresan lo espiritual y emocional
• Y la cabeza – cuello, el gesto, reflejan el estado mental
Sus ideas fueron llevadas a EE.UU. por uno de sus discípulos, STEELE MACKAYE, que junto con
GENEVIEVE SEBBINS difundieron e introdujeron estas ideas por las mejores escuelas de Nueva
York.
En Europa es HEDWIG KALLMEYER, alumna de SEBBINS, quien difunde sus ideas. En 1930,
funda en Alemania el Instituto de Cultura Expresiva y Corporal, donde enseña como forma de EF
para la mujer, el sistema de Delsarte, y con ello logra su inclusión en la escuela; además publica
"Belleza y salud", que supone una reacción contra los movimientos gimnásticos tradicionales.
Delsarte desarrolla las Leyes del Movimiento Armonioso, que son:
1.- Ley de la postura armónica: posición equilibrada y natural como la posición de reposo perfecta
de las estatuas griegas.
2.- Ley del movimiento opuesto: todo movimiento exige por principios de equilibrio un movimiento
opuesto de los otros segmentos.
3.- Ley de la función muscular armónica: la fuerza muscular debe estar en relación directa con el
tamaño de los músculos.
 EMILE JAQUES-DALCROZE fue el creador de la gimnasia rítmica, euritmia. Fue un hombre
polifacético: músico, coreógrafo, actor, compositor y pedagogo. Sus conocimientos musicales y
corporales le llevaron a percatarse de la necesidad del aprendizaje de estas dos actividades
para el desarrollo de la persona y a partir de aquí empezó a investigar las leyes del ritmo
musical mediante el movimiento corporal.
Las observaciones que efectuaba en sus alumnos de solfeo del Conservatorio de Ginebra fueron el
origen de su método de gimnasia rítmica:
• Observó que algunos progresaban auditivamente de una manera normal; sin embargo, les
faltaba la capacidad de medir los sonidos, la sensación de duración y el ritmar las sucesiones.
• Comprobó que frecuentemente reaccionaban con movimientos involuntarios de ciertas partes del
cuerpo a consecuencia de la música (pe: golpeando el suelo con los pies), deduciendo así que
podía existir alguna relación entre la acústica y los centros nerviosos superiores.
• No todos los niños reaccionaban de la misma manera. Muchos no conseguían coordinar sus
movimientos, al no responder correctamente el cuerpo a las órdenes nerviosas.
Basándose en estas observaciones concluyó que:
• Todo lo que en la música es de naturaleza motriz y dinámica, depende no sólo del oído, sino
también del tacto.
• Consideró que la musicalidad puramente auditiva era incompleta.
• La arritmia musical es fruto de una arritmia de carácter general.
• No es posible crear armonías musicales sin poseer un estado musical armónico interior.

El Método de Dalcroze es un método de enseñanza musical a través del ritmo y el movimiento.
Utiliza una gran variedad de movimientos como analogías para hacer referencia a los conceptos
musicales, para desarrollar un sentimiento integrado y natural para la expresión musical. Para su
método, señala tres elementos centrales: Ritmo, Solfeo e Improvisación. Su finalidad consiste en
armonizar las facultades de percepción, conciencia y acción por parte del alumno. Pretende
regularizar las reacciones nerviosas del niño, desarrollar sus reflejos, proporcionarle automatismos
temporales, luchar contra sus inhibiciones, afinar su sensibilidad y reforzar sus dinamismos.
Para Dalcroze la rítmica no es un arte en sí, sino un medio o instrumento para llegar a las demás
artes. Su aportación fue revolucionaria al ser el primero que señala la importancia de la música en
el desarrollo personal y por marcar los inicios de lo que más adelante sería la musicoterapia.
Los contenidos de trabajo empleados son: - ejercicios de reacondicionamiento físico - ejercicios
para la educación de la mente - estudio activo y creador del ritmo corporal. - estudio activo y
creador del ritmo musical.
Creadores de Técnicas
 RUDOLF LABAN interesado en las ciencias esenciales para la comprensión del movimiento,
estudió matemáticas, física, química, anatomía y fisiología. Viajó alrededor del mundo en
busca de la actividad natural y cultivada. El ballet reclamó su mayor atención. Fue enemigo
declarado de las ―puntas‖ y creía que el gesto expresivo tenía que dar origen a una liberación
total del alma y del cuerpo, en la misma línea que Isadora Duncan.
Laban elabora e interpreta los conceptos sobre el movimiento y la danza, definiendo tres sistemas:
• Labanotación: es una forma de recordar los movimientos por medio de símbolos. Consigue
establecer una técnica de lenguaje escrito y fiable de los movimientos, de los dinamismos, del
espacio y de todas las acciones motrices del cuerpo.
• La técnica del icosaedro: permite a los estudiantes de danza ver los puntos hacia y desde los
cuales se mueven, mejorando su precisión en el movimiento.
• La danza expresiva, libre, creativa o danza educativa moderna: establece un conjunto de
principios y conceptos sobre el movimiento con la finalidad de servir como guía de investigación y
de reflexión sobre la manera de efectuar y concebir el movimiento. De esta forma el individuo, a
partir de unos temas específicos, ha de explorar y familiarizarse con el movimiento, llegando a
descubrir su propia técnica y elaborando su propio lenguaje corporal.
Para Laban la danza es una forma de expresión corporal de un individuo o grupo, y cada uno tiene
su propia danza; por eso la técnica de la misma ha de facilitar diversas posibilidades de acción que
le hagan reforzar su personalidad.
Una sesión de danza se compone de:
l. Training corporal: acondicionamiento corporal y físico.
2. Estudio del movimiento: es el centro de la sesión; se experimentan y realizan todos los
movimientos personales y grupales.
3. Composición: verifica el dominio del tema trabajado anteriormente.
4. Decontracción: observación de las composiciones anteriores para favorecer el espíritu crítico, y
relajación activa o pasiva.
Otras aportaciones de Laban son:

• Los coros de movimiento: que se caracterizan por el énfasis que pone en los movimientos
idénticos de varios danzantes para expresar emociones.
• Una técnica de los movimientos considerándolos desde cuatro aspectos: -Tiempo: le interesa la
rapidez y la lentitud y los cambios entre las dos (aceleración y desaceleración). -Peso: considera el
movimiento fuerte y ligero. Los factores tiempo y peso dan la cualidad dinámica al movimiento. -
Espacio: lo relaciona tanto con el modo en que nos movemos como con la dirección en que lo
hacemos. -Flujo: este factor penetra en todo el movimiento y confiere la sensación de ser detenido
o sujetado.
 MARY WIGMAN alemana, discípula de R. V. Laban, aporta como elemento la ―intuición
creadora‖. Considera que el oficio de bailarín es una vocación. Influyó en la formación de
bailarines, creando su propia escuela. Su influencia sobre la evolución de la gimnasia moderna
se basa en la expresividad exagerada de los gestos y en la alternancia entre contracción y
relajación, manteniendo actitudes continuadas tensas y crispadas que varían hacia
movimientos dinámicos y alegres ritmos.
Utiliza distintas etapas en su enseñanza y entrenamiento de la danza: parte de la danza sin ningún
acompañamiento musical, luego introduce instrumentos de percusión (en los que destacan los
tambores) y finalmente llega la música.
 KurtJoos.
Segunda Generación.
 HeraldKreutzberg.
 GretPalucca.
 Vera Skonel.
 Dore Hoyer.
 Los Sajarov: Alexandre Sajarov y Clotilde von Derp.
Tercera Generación.
En plena Guerra Fría se desarrolla la Danza contemporánea-clásica de muy distinta manera en los
distintos países europeos. La influencia de las Escuelas de LABAN Y MARY WIGMAN se ejerce
sobre numerosos artístas y aparecen en todas partes unos cuantos intérpretes-coreógrafos que no
llegan a crear escuela. Tampoco la situación económica (Europa se recupera de dos guerras)
como geopolítica (Europa dividida por el "Telón de acero" propician la creación de escuelas o
movimientos estables de Danza.
También es importante el establecimiento de diversos coreógrafos y pedagogos norteamercicanos,
provenientes de la Modern Dance en Francia, España, Suecia, Alemania y Austria. La difusión de
las técnicas GRAHAM, LIMÓN, HORTON Y CUNNINGHAM serán importantes en el futuro
desarrollo de la Danza actual europea.
No es hasta los años 80's que la Danza Contemporánea Europea, sus intérpretes y creadores
toman consciencia y comienzan a desarrollarse compañías con sus particularidades en cada uno
de los países:

 Danza contemporánea en Alemania
 Danza contemporánea en Austria
 Danza contemporánea en España
 Danza contemporánea en Francia
 Danza contemporánea en Italia

Isadora Duncan
(San Francisco, 1878 - Niza, 1927)
Bailarina norteamericana. Hija de un
matrimonio desunido y finalmente
divorciado, su instinto la inclinó hacia el
baile desde niña. En su autobiografía,
titulada Mi vida, escribió: "Nací a la
orilla del mar. Mi primera idea del
movimiento y de la danza me ha venido
seguramente del ritmo de las olas..." A
los diez años abandonó la escuela para
dedicarse a su pasión y a los diecisiete
se dirigió a Nueva York, donde se
incorporó a la compañía de
AgustinDaly.
Al actor y empresario no acabaron de
convencerlo los experimentos e
innovaciones que Isadora le proponía
continuamente, deseosa de llevar a la
práctica un nuevo método de interpretar
plásticamente poemas por medio de la
improvisación, que había concebido ya
por aquel entonces. Sintiéndose infeliz,
la Duncan abandonó la compañía dos
años más tarde y partió con su familia
hacia Inglaterra, donde se proponía
estudiar los movimientos de la danza antigua en los jarrones griegos del Museo Británico. Fue una
época de formación, de lecturas entusiastas y de ensayo de nuevas danzas; en busca, sobre todo,
de nuevos cauces para la expresión coreográfica y de sendas alternativas para profundizar cada
día más en su arte.
Los éxitos comenzaron a llegar de forma inmediata. Con un estilo basado en la danza de la
Antigua Grecia, dio una serie de recitales en Londres que despertaron el entusiasmo hacia su
persona. La prensa declaraba: "En esta época actual de elaboración y artificialidad, el arte de la
señorita Duncan es como un soplo de aire puro procedente de la parte más alta de una montaña
poblada de pinos, refrescante como el ozono, bello y verdadero como el cielo azul, natural y
genuino. Es una imagen de belleza, alegría y abandono, tal como debió ser cuando el mundo era
joven y hombres y mujeres bailaban al sol movidos por la simple felicidad de existir."
Efectivamente, Isadora Duncan afirmaba que el baile debía ser una prolongación de los
movimientos naturales del cuerpo, que ella consideraba hermosos y bastante más bellos que los
que efectuaban los bailarines clásicos, a los que tildaba de forzados y antinaturales; por ello, se
negaba a constreñir los pies en las zapatillas de baile. Sentía una admiración estética por la
belleza del cuerpo humano, influida por los cánones de las estatuas y pinturas de la Grecia clásica.
Su método coreográfico era una especie de filosofía basada en el convencimiento de que el baile

ponía al individuo en comunicación armónica con el ritmo intrínseco de la naturaleza y los cuerpos
celestes.
A partir de ese momento, Isadora no dejó de viajar, reclamada por los mejores teatros de Europa.
En París se imbuyó del espíritu de Rodin y de Bourdelle. Más tarde descubrió Italia y el
Renacimiento, y se embelesó con el leve y sutil Botticelli, cuya influencia en su arte es palmaria a
partir de aquellos años. Por fin, en 1902, realizó uno de sus sueños: viajar a Grecia y peregrinar a
las fuentes del arte de Occidente. Cerca de Atenas, en la colina de Kopanos, comenzó a construir
un templo consagrado a la danza, pero los ingresos percibidos por sus giras se revelaron
insuficientes para cubrir los gastos y la empresa hubo de abandonarse.
Con motivo de su primer viaje a San Petersburgo, en 1905, la ya entonces famosa Isadora fue
invitada por la no menos célebre bailarina rusa Anna Pavlova a visitar su estudio. Allí tuvo el
privilegio de contemplar a la gran diva realizando sus ejercicios. La propia Isadora lo relata en sus
memorias: "Encontré a Pavlova de pie con su vestido de tul practicando en la barra, sometiéndose
a la gimnasia más rigurosa, mientras que un viejo caballero con un violín marcaba el tiempo y la
exhortaba a realizar mayores esfuerzos; era el legendario maestro Petipa. Me senté y durante tres
horas observé tensa y perpleja los sorprendentes ejercicios de Pavlova, que parecía ser de acero
elástico. Su hermoso rostro adoptó las líneas severas del mártir. No paró ni un solo instante. Todo
su entrenamiento parecía estar destinado a separar por completo la mente de los movimientos
gimnásticos del cuerpo. La mente debía alejarse de esa rigurosa disciplina muscular. Esto era
justamente todo lo contrario de las teorías sobre las que yo había fundado mi escuela un año
antes. Lo que yo pretendía es que mente y espíritu fuesen los motores del cuerpo y lo elevasen sin
esfuerzo aparente hacia la luz."
No debe sorprender este completo desacuerdo con las más antiguas normas del ballet por parte de
quien concebía la danza como un sacerdocio, como una forma sublime de emoción espiritual y
como una liturgia en la que alma y cuerpo debían ser arrastrados por la música para transformarse
en puro arte.
Para Isadora, era el amor a la naturaleza y a la vida lo que había de transmitirse a través del
movimiento, siguiendo el ejemplo de las nubes, el mar o las copas de los árboles mecidas por el
viento. Enemiga del ballet, al que consideraba un género falso y absurdo, manifestó que la danza
debe establecer una armonía calurosa entre los seres y la vida y no ser tan sólo una diversión
agradable y frívola. Danzaba descalza, con una simple túnica griega de seda transparente sobre su
cuerpo desnudo, como una sacerdotisa pagana transportada por el ritmo. Hoy es considerada la
iniciadora de la modern dance norteamericana y su figura es evocada con fervor en todos los
escenarios del mundo.
Durante esos años, las más importantes ciudades europeas pudieron extasiarse ante la nueva
estrella, a la que llamaron "la ninfa". En todos lados tuvo amigos pintores, poetas e intelectuales y
estuvo rodeada de admiradores que deseaban conocerla. Apasionada, bellísima y maravillosa,
ejercía un poder de seducción irresistible entre cuantos la rodeaban. Se comenzó a asociar
muchos nombres masculinos con el de Isadora, y pronto nacería la leyenda de un maleficio que
parecía emanar de su persona y abatirse sobre todos los seres a los que entregaba su amor, un
maleficio que acabaría de forma terrible con su propia vida.
La primera "víctima" fue el polaco Iván Miroski, consumido por unas fiebres malignas poco después
de separarse de Isadora. Luego, extraños percances y desapariciones salpicaron sus relaciones

con sus amantes, fuesen ocasionales o duraderos. En 1913, la oscura influencia se cebó en sus
propios hijos, Deirdre y Patrick, cuando Isadora estaba triunfando en París.
Un día, agobiada por los ensayos, confió los niños a la institutriz para que los llevara en automóvil
a Versalles. Ella misma relata que quizás tuvo un presagio del drama: "Al dejarlos en el coche, mi
Deirdre colocó los labios contra los cristales de la ventanilla; yo me incliné y besé el vidrio en el
sitio mismo donde ella tenía puesta la boca. Entonces, el frío del cristal me produjo una rara
impresión e hizo que me recorriese un estremecimiento". Minutos después, el auto bordeaba el
Sena y, al girar para cruzar uno de sus puentes, los frenos no respondieron a la voluntad del
chófer.
El coche se precipitó en las oscuras
aguas y los dos niños perecieron
ahogados. Isadora declaró: "Si esta
desgracia hubiera ocurrido antes, yo
hubiese podido vencerla; si más tarde,
no habría sido tan terrible, pero en
aquel momento, en plena madurez de
mi vida, me aniquiló". En efecto, la
bailarina anuló todos sus compromisos
y decidió interrumpir su carrera,
dedicándose por entero a la enseñanza
y tratando de olvidar su desgracia
sumergiéndose en un trabajo agotador.
Varias veces pensó en quitarse la vida,
pero siempre la disuadió la idea de que
otros niños, empezando por los
alumnos de la escuela que había
creado en 1904, estaban necesitados
de ella. Comenzó a participar en
campañas benéficas y trató de llevar
sus enseñanzas a diferentes países, lo
que la condujo hasta Moscú en 1921,
después de que el gobierno soviético
mostrase su interés por recibirla.
Con el inicio de nuevas peregrinaciones volvieron los romances. En la Unión Soviética conoció a
Sergei Esenin, poeta y cantor oficial de la Revolución de 1917, y se entusiasmó con el ambiente
pletórico de ilusiones que se respiraba en el país y que Sergei encarnaba a la perfección. Esenin
se enamoró locamente de Isadora y consiguió que ésta renunciara a su propósito, repetidamente
afirmado, de no contraer matrimonio.
Pero su unión resultó catastrófica. Después de viajar por Europa y Estados Unidos, Sergei se
hundió en una profunda apatía originada por una fase de infecundidad creativa que achacaba al
hecho de vivir lejos de su patria. Lo cierto es que cuando el matrimonio regresó a Moscú, el poeta
continuó en el mismo estado y se sumergió de forma imparable en la misantropía y el alcoholismo.
Medio loco, su comportamiento empezó a ser escandaloso hasta para la propia Isadora. Esenin
acostumbraba a desaparecer dejando tras de sí un rastro de botellas vacías y muebles rotos. La

paciencia de "la ninfa" llegó al límite. A finales de 1924, Isadora, ya divorciada, abandonó la Unión
Soviética. Un año más tarde supo, por la noticia publicada en los periódicos, que su ex marido se
había quitado la vida.
La aventura rusa de la Duncan no sólo terminó en fracaso desde el punto de vista sentimental. Si
bien al principio se había compenetrado a la perfección con sus interlocutores, entusiasmados con
la idea de poner en marcha su Escuela de Danza Futura, más tarde esta iniciativa no fue bien
acogida por ciertos dirigentes soviéticos que ya empezaban a mostrar los síntomas del
anquilosamiento burocrático que luego sería proverbial en el sistema comunista.
De regreso a Europa, tampoco los empresarios capitalistas parecieron entusiasmarse con sus
proyectos. Además, sus opiniones ateas, su actitud favorable hacia la Revolución Rusa y su
evidente aceptación del amor libre no eran cualidades que la opinión pública occidental, a la
defensiva después de la eclosión comunista, valorase positivamente.
Isadora decidió volver a los escenarios y ofreció una serie de recitales que resultaron un fracaso; el
público fidelísimo que hasta la muerte de sus hijos la había llevado en volandas comenzó a fallarle;
las salas la recibieron semivacías, silenciosas y heladas. Isadora se refugió en Niza, donde terminó
su autobiografía y preparó El arte de la danza, libro en el que pretendía ofrecer una síntesis de sus
enseñanzas.
Se encontraba absorbida por esta tarea cuando, el miércoles l4 de septiembre de 1927, decidió
tomarse un respiro y dar un paseo en su Bugatti. El dramático accidente tuvo lugar cuando el
automóvil recorría veloz la Promenade des Anglais: su largo chal rojo, el mismo que había agitado
ante la multitud que la esperaba a su regreso de la Unión Soviética, se enredó en los radios de una
de las ruedas posteriores del automóvil; Isadora no pudo liberarse del abrazo homicida y murió
estrangulada. Ni siquiera ella hubiera podido imaginar un final más acorde con su existencia
extravagante y romántica.Ella explotó la capacidad de las nuevas tecnologías, al bailar en una
nube de seda iluminada por los nuevos sistemas eléctricos de la iluminación teatral. Isadora
Duncan utilizó los ideales del antiguo arte griego para inspirar formas más naturales de danza.
Duncan utilizó el cuerpo humano como un instrumento de expresión emocional. Su vida y su
muerte hicieron de Isadora una figura mística de la danza.

RutHSt Denis
En 1915, Ruth St. Denis funda con su esposo Ted Shawn, estudiante de teología, fundan la
escuela Denishawn en Los Angeles, USA. En esta escuela se exploran movimientos de la danza
india, la danza española y bailes africanos. Además
incorporaba movimientos de las artes marciales como el
taichi. En esta escuela estudiaron grandes
exponentes de la danza como Martha Graham, Doris
Humphrey y Charles Wiedman. Lamentablemente
la escuela cerró en 1932 trás la separación de Ruth y
Ted.
Siglo XIX - Ruth Saint -Denis
Siglo XIX - Ruth Denis nació en 1878 en una
zona rural de New Jersey. Bailarina y coreógrafa
fundadora del ballet moderno en Estados Unidos.
Desde niña fue alentada por
su madre a estudiar danza que incluyó clases de ballet,
danzas sociales y skirt dance (=técnica francesa
basada en la manipulación de la falda, que podía tener
hasta 12 metros de tela). Empezó su carrera
profesional en 1892 como skirt dance en vaudevilles,
donde David Belasco, un reconocido director de
Broadway la contrató para bailar en su compañía y fue quien le puso el nombre artístico "Saint
Denis".
En sus viajes por Europa, se interesó mucho en las culturas orientales, en el drama y la danza de
Japón, India y Egipto. En 1905 abandonó la compañía de Belasco y comenzó su carrera como
solista con la obra "Radha", un ballet creado por ella e inspirado en la cultura y mitología de la
India. En 1914 se casó con el bailarín Ted Shawn y fundaron la primera escuela de danza
Denishawn, donde crearon variantes de muchos estilos de danzas. Realizaron giras por todo el
mundo hasta 1931 año en que se divorciaron.
Su estilo coreográfico fue creciendo tomando elementos de
fuentes occidentales como orientales, buscaba expresar las
emociones y los conflictos humanos con la dinámica, el ritmo, la
música y los gestos más leves de los bailarines.
Ruth fundó "La Sociedad de Artes Espirituales", donde promovió
el usode la danza en la religión. Casi al final de su vida formó una
iglesia "St. Denis Religious Art Church" cuya misión era la
realización divina a través de las artes. Decía: "En la medida que
nos elevemos en la comprensión de nosotros mismos, las
discrepancias se disolverán en el ritmo universal de la Verdad y el
Amor. Somos el microcosmos, el Universo en miniatura".
Ruth Saint Denis murió en 1968.

Mary Wigman
Mary Wigman, asistente de Laban (creador de la notación Labiana), crea su propia escuela en
1920. Ella fue famosa por crear una serie de solos famosos (Hungarian Dances, Danses de la nuit)
e impulsar la danza contemporanea en Europa.
Los cuatro aspectos básicos de la danza de M. Wigman son: expresionismo, espacio, la danza sin
música y el principio de tensión-relajación. Poseía un alto sentido de la introspección, su mundo
interno reflejaba el caos que le tocó vivir.
Al igual que el barroco, el romanticismo y el realismo, el expresionismo ha existido siempre en
diferente medida en todas las expresiones artísticas. Como corriente, se sitúa entre 1880-1930.
Fue un movimiento esencialmente germánico que se extendió luego a los demás países europeos.
Los expresionistas, a diferencia de otros movimientos artísticos, nunca estuvieron agrupados,
siendo notable su tendencia a la soledad. Expresionista es todo lo que sacude la armonía
preestablecida, lo que se inscribe en la forma con ferocidad y asimetría, es lo puntiagudo, lo
zigzagueante, lo desgarrado. Sus temas son: la locura, la repetición, la presencia del doble, el
salvajismo sexual y primario, el espanto, la mueca, la gestualidad sin pudor, la agitación de la
metrópoli, la muerte. Más importante que la apariencia de las cosas resultan los sentimientos, la
superposición a la realidad de la expresión subjetiva.
La aventura expresionista es la de toda una generación que apenas salida de la adolescencia
debió enfrentarse a una gran guerra, crisis económica, confusión moral, lucha de clases, ley de la
selva hecha cotidianeidad donde millones de individuos son pisoteados y dislocados. Dentro de
este contexto se ubica Mary Wigman (1886-1973) como el más alto exponente de la danza
expresionista alemana. Nació en la ciudad de Hannover y comenzó a estudiar danza a los 20 años.
Sus ideas, teorías y práctica dancística provienen de sus estudios con Jaques Dalcroze, Rudolf
von Laban y las investigaciones realizadas sobre el gesto y el movimiento de FrancoiseDelsarte,
un gran estudioso y pedagogo francés del siglo XIX.
Los cuatro aspectos básicos de la danza de M. Wigman son: expresionismo, espacio, la danza sin
música y el principio de tensión-relajación. Poseía un alto sentido de la introspección, su mundo
interno reflejaba el caos que le tocó vivir. Estuvo estrechamente vinculada a las ideas
expresionistas de la plástica y la literatura alemana. Para ella la expresión proporcionaba vida,
fuerza y sentido a la forma, ésta debía surgir sólo a partir de la primera. La danza fue su medio de
auto expresión y autorrealización. Utilizó máscaras para enfatizar la expresión de su rostro. Debido
a su amplio conocimiento sobre la expresión facial, lograba impresionantes transformaciones en su
cara, cuando no llevaba máscaras. Obtuvo importantes logros en la técnica de la improvisación.
Gustaba de los movimientos en los niveles bajo y medio: arrodillada, agachada, gateando,
arrastrándose, deslizando, cayéndose, en ocasiones completamente acostada en el suelo. En
otros momentos concebía la danza al estilo oriental, sentada, utilizando el torso, los brazos y las
manos. Consideraba fundamental la relación del bailarín con el espacio: penetrar, conocer,
entender y dominar el espacio para recrearlo en formas visibles. Para M. Wigman tiempo, espacio
y energía son elementos que un bailarín debe conocer profundamente para dar vida a una danza.
Fue una de las primeras que realizaron coreografías totalmente en silencio, sostenía que la danza
es un acto independiente de la música.

En ocasiones utilizaba instrumentos de percusión de procedencia oriental o de cuerdas arcaicas.
Su técnica está vinculada al principio de tensión-relajación basado en el ritmo respiratorio. La
fuerza o energía del cuerpo que se opone a la ley de gravedad o coopera con ella, que dirige su
energía hacia el centro o la periferia del cuerpo son las cuestiones que el bailarín debe abordar y
controlar. En 1920 estableció una escuela en Dresden, desde donde transmitió su experiencia y lo
aprendido de sus maestros; su carrera como coreógrafa comenzó en 1914 y se prolongó hasta la
década del 60. Desde 1920 se dedicó a preparar a un grupo de bailarines que se afianzaron y
realizaron por esa época numerosas giras, alcanzando cierta notoriedad en Europa, que no llega
mantenerse como tal debido a la situación política. En 1940 el régimen nazi cierra su escuela. La
Danza Moderna Alemana o Danza Libre fue interrumpida en ese entonces pero no obstante había
creado un cambio definitivo logrando convertirse en un arte independiente y distinto del ballet.
anadeutsch1@yahoo.com.ar // www.luciernaga-clap.com.ar // Selección Fotográfica por Danza
Ballet.

Martha Graham,
Martha Graham, ex-alumna de St.Denis, funda en 1927 su propia escuela basada en la relajación-
contracción del cuerpo. Sus obras están inspiradas en la historia americana (PrimitiveMysteries,
Frontier, Appalachian Spring) y en la mitología (Cave of theHeart, ErrandintotheMaze, Hérodiade,
etc.). Dejo de bailar en el escenario a los 75 años y su última coreografía (MappleLeafRag) la creo
a los 96 años, una verdadera Matusalem de la danza.
Martha Graham (Pittsburgh, Pensilvania 11 de mayo de 1894 — Nueva York, 1 de abril de 1991),
fue una bailarina y coreógrafa estadounidense de danza moderna cuya influencia en la danza es
equiparada a la que tuvo Picasso en las artes plásticas, Stravinsky en la música o Frank Lloyd
Wright en la arquitectura.1 Para ella, la danza moderna no era producto de la inventiva, sino del
descubrimiento de principios primigenios.
Martha Graham nació en Pittsburgh y se mudó a
California siendo una niña. Después de ver a Ruth St.
Denis bailar en los años 1910 tomó un interés por el
baile aunque no fue hasta los 22 años (1916) cuando
se interesó profesionalmente, entrando en el
Denishawn. En esta histórica escuela Ruth St. Denis
pide a Ted Shaw que la tome como alumna ya que le
es imposible enseñarle. Ted Shaw no tarda en
descubrir las capacidades excepcionales de su nueva
alumna.
Se abrió paso sola pero con el constante apoyo de
Louis Horst, un músico que trabajaba como
acompañante al cual ella conoció mientras estudiaba
en Denishawn y que se convirtió en su amante y
mentor musical. En 1923, después de una intensa
colaboración como ayudante y como bailarina solista
de Ted Shaw, Martha Graham abandona el
Denishawn. Viaja a Nueva York para bailar en
Greenwich VillageFollies y en el Eastman Theater. En
1925 Graham se convirtió en instructora de baile en la
Escuela de Música y Teatro Eastman en Rochester,
Nueva York. Durante dos años en esta escuela, experimenta y encuentra los principios de su
danza. Descubre a Mary Wigman a través de libros y fotografías; asiste a una demostración de la
bailarina Ronny Johansson en el estudio de Ted Shaw, queda impresionada de la utilización del
suelo que hace la bailarina y a partir de ello se percata del control que puede efectuarse sobre los
músculos del torso. Incorpora este método de trabajo para resolver técnicamente problemas
fundamentales sobre el equilibrio y es así como descubre a la pelvis como la fuente de energía del
bailarín.
En 1926 Graham fundó su propia compañía, La Compañía de Danza Martha Graham. Su estilo
único de danza moderna reflejaba el arte moderno de su época. Las presentaciones de Graham la
hicieron famosa por sus innovaciones en la danza moderna. El estilo de Martha Graham es
ampliamente reconocido por sus características contracción y relajación, la caída al piso
controlada, los saltos del hombre, y un desarrollo de imágenes que van con los movimientos.

En la Universidad de Bennington en 1932, Graham fundó el primer grado de bachiller de las artes
en danza. En 1951 creó la división de danza en la Escuela Juilliard
En 1936 llegó el trabajo definitivo de Graham, que marcó el comienzo de una nueva era en la
danza contemporánea. "Steps in the Street" trajo al escenario los serios problemas que
experimentaba el público en general de manera dramática. Influenciada por el desplome de Wall
Street, la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial, la danza se enfocó en la depresión y el
aislamiento, reflejados en las oscuras escenografías y vestuarios. Esto definió el nuevo estilo de
baile y fijó el estándar que muchos coreógrafos siguen hoy en día.
La vida en el baile de Graham gradualmente llegó a un descanso comenzando en los años 1950.
En 1948, el Centro Martha Graham de Danza Contemporánea fue establecido. Una de sus
estudiantes era la heredera Bethsabée de Rothschild de la cual se hizo amiga cercana. Cuando
Rothschild se mudó a Israel y estableció la Compañía de Danza Batsheva en 1965, Graham se
convirtió en la primera directora de la compañía, preparó a la primera generación de bailarines, y
coreografió trabajos exclusivos para el grupo israelí.
Su última presentación de danza llegó a finales de los años 1960, y después de eso se enfocó en
la coreografía. Algunos críticos dicen que aunque hay poco registro existente de sus bailes, éstos
son más memorables que su trabajo como coreógrafa. Graham continuó trabajando en el arte
hasta que en 1991 murió por causas naturales a los 96 años.
Fue premiada con la Medalla Presidencial de la Libertad en 1976 por el presidente de los Estados
Unidos Gerald Ford (la Primera Dama Betty Ford, había bailado con Graham en su juventud.),
recibio el Premio Kennedy y la Medalla Nacional de las Artes.
En 1998, la revista TIME, la nombró "Bailarina del Siglo", y una de las personas más importantes
del siglo XX.

Doris Humphrey
Otra ex-alumna de St Denis, Doris Humphrey pone en
práctica la técnica de control y abandonamiento, de la
busqueda de equilibrio en el desequilibrio del cuerpo con
sus coreografías (TheShakers, New Dance Trilogy, Salón
México). Victima de artritis en 1945, se dedica a dirigir la
compañia de su alumno más destacado, José Limón.
(Oak Park, Illinois, 1895-Nueva York, 1958) Bailarina,
pedagoga y coreógrafa estadounidense. Discípula de
Ruth Saint Denis y de Ted Shawn, se unió a Charles
Weidman. Pionera del ballet moderno, su técnica explota
hábilmente las infinitas posibilidades de equilibrio y de
ritmo del cuerpo humano. Sus composiciones parten de temas dramáticos (Llanto por la muerte
de Ignacio Sánchez Mejías) o de abstracciones (Passacaglia). Su libro El arte de bailar(1959) es
una de las obras de coreografía
más importantes.

José Limon
Mexicano de origen, José Limón crea un estilo viril y feroz (La Pavane du Maure)que a la vez
busca una profunda espiritualidad (Thereis a time). Su compañia es una de las pocas en Estados
Unidos que han sobrevivido a su muerte.
osé Arcadio Limón Traslaviña (Culiacán, Sinaloa, 12 de enero de 1908 - Flemington, Nueva Jersey,
2 de diciembre de 1972), fue un bailarín, maestro de danza y coreógrafo mexicano-
estadounidense. Es considerado el precursor de la danza moderna, además de iniciador de las
técnicas coreográficas que aún hoy se siguen y de que fue el primero en resaltar el rol masculino
entre las compañías de danza.
Cuando se le cuestionó acerca de su acercamiento a la danza, Limón recordaría una presentación
de los bailarines HaraldKreutzberg e Ivonne Georgia,1 la primera función dancística a la que
asistió, comentando "lo que presencié simple e irrevocablemente me cambió la vida. Vi la danza
como una visión de poder inefable. Un hombre puede, con dignidad y torrencial majestuosidad,
bailar. Bailar como las visiones de Michelangelo y como baila la música de Bach".2 En tal
declaración encerró la determinación que lo guiaría a emprender la carrera de le dio fama y
reconocimiento el resto de su vida.
Comenzó su carrera cercano a los 20 años de edad, pero eso no le impidió destacar en el mundo
de la danza y alcanzar alturas únicas. Inició sus estudios formales en la ciudad de Nueva York con
Doris Humphrey y Charles Weidman. En 1946 estableció su propia compañía de danza en Estados
Unidos, la Compañía de Danza José Limón, que se consolidó siendo la primera compañía
estadounidense en dar una gira por Europa. Además, en su presentación debut (1947) fue
catalogado por el New York Times como "el más fino bailarín masculino de su tiempo".3
La pieza más famosa creada por José Limón es TheMoor'sPavane, con música de Purcell (1949),
que rápidamente se convirtió en una pieza replicada por muchos ballets y compañías alrededor del
mundo. En 1969 José Limón creó la fundación que lleva su nombre José Limón Dance Foundation.
En 1971 la esposa de José Limón fallece de cáncer, y un año después el bailarín moría a causa de
un cáncer de próstata.

MerceCunningham
MerceCunningham, ex-alumno de Martha Graham, crea su compañía en 1953 donde enfatiza una
posición vertical en piernas y brazos elegantes. Utiliza muchos ejercicios con demi-pliés y ejercicios
en pointé en distintas direcciones (Points in Space). Otros coreografos norteamericanos
destacados, que le imprimieron a la danza un goze por la vida y un particular sentido del humor,
fueron Paul Taylor, AlwinNikolais, el étnico AlvinAiley o TwylaTharp que dirigió al legendario
MikhaïlBarychnikov.
MerceCunningham
(16/04/1919 - 26/07/2009)
Coreógrafo y bailarín estadounidense de danza moderna
Nació el 16 de abril de 1919 en Centralia, Washington (Estados Unidos). Cursó estudios de
folclore, claqué y bailes de salón en su ciudad natal, y hacia 1940 se inició en el ballet. Se encontró
con el compositor vanguardista John Cage en una clase de danza en Seattle (Washington) en
1938, y juntos formaron una larga y productiva asociación. Desde 1939 hasta 1945 trabajó como
bailarín solista en la compañía de la coreógrafa Martha Graham. En 1953 fundó la suya propia. En
rechazo a los temas psicológicos y literarios de Graham, consideró el movimiento su único objetivo,
así, su técnica coreográfica consistía en la combinación aleatoria de una serie de secuencias
previamente seleccionadas. Colaboraba de forma habitual con compositores contemporáneos y
con pintores vanguardistas como Robert Rauschenberg y Andy Warhol. Hay que destacar entre
sus trabajos: Suite por azar (1952), con la primera partitura electrónica del compositor
estadounidense Christian Wolff, Cómo pasar, Puntapié, Caer y correr (1965), y Canfield (1969). En
1974 se inició en la representación de lo que llamó eventos, extractos de algunas danzas, que se
ejecutaban a la vez. Sus trabajos posteriores incluyen Duetos (1980), Canales/Insertos (1981) y
Entradas 2(1984). Falleció el 26 de julio de 2009 en Nueva York.

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