4º eso. la música en el cine

LA MÚSICA EN EL CINE
1º Introducción
La música ha servido desde la antigüedad para realzar manifestaciones humanas de
todo tipo: sociales, políticas y religiosas. Desde su origen, la música ha ido también
indisolublemente ligada a otras manifestaciones artísticas, como el ballet, la ópera, el
teatro y el cine, con las que presenta distintos tipos de relación: mientras que en el
ballet o en la ópera la música es un elemento imprescindible, en el cine o en el teatro
se considera un arte dependiente o accesorio, puesto que, a pesar de contribuir a
enriquecerlas, ambas formas de arte pueden perfectamente prescindir de ella.
Clasificación de la música cinematográfica
Por su relación con las imágenes a las que acompaña podemos clasificarla en:
- Música viva o de pantalla: es la música que se oye como procedente de una
fuente presente o sugerida por la acción que transcurre en la pantalla: una orquesta
tocando en escena, un baile, una radio, un cantante, un aparato de música o un
instrumento musical.
- Música de ambientación o de fondo: es la música que acompaña o comenta la
acción y los diálogos sin formar parte de ellos, constituyendo la parte sonora del
decorado que nos ayuda a situar la acción de modo cronológico, histórico y
emocional.
Funciones de la música en el cine
La música puede cumplir en una película las siguientes funciones:
- Ambientar una historia en tiempo y lugar.
-Contribuir a la caracterización psicológica de los personajes, subrayando
pensamientos no expresados o repercusiones no vistas de una situación.
- Servir como fondo neutro para los diálogos.
- Dar unidad a escenas que de otro modo parecerían inconexas.
- Delimitar, acompañando a los créditos iniciales y finales, la estructura teatral de la
obra.
Los comienzos de la música en el cine
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Las primeras músicas que se escucharon en el cine eran tocadas en el exterior de las
salas, y servían para atraer al público y hacerle entrar. La música se utilizaba en los
primeros años del siglo XX como un elemento de atracción y enganche.
Más adelante la música entró en las salas, en forma de pianista en las salas más
modestas (el mismo que hacía de organista de la misa dominical), o de orquesta en
las más grandes. En algunas salas americanas disponían de un órgano Wurlitzer, de
varios teclados, que tenía la posibilidad de realizar multitud de efectos (sirenas,
pájaros, disparos y varios instrumentos de percusión, además del sonido del piano).
En las salas que sólo contaban con un pianista, éste tenía que tocar arreglos de
melodías conocidas (clásicas o de moda) que se adecuasen al carácter de las escenas
de la película que se estaba pasando, o bien utilizar alguno de los repertorios de
fragmentos musicales que circulaban, recopilados y catalogados como "música de
persecución", "temas de amor", "inminencia de una tragedia", "batalla", "naturaleza",
según las escenas a las que se podían aplicar. Pocas veces se interpretaban partituras
originales. Las exigencias en cuanto al realismo de las interpretaciones eran
diferentes de las actuales: en las escenas musicales (música viva o de pantalla:
ceremonias, bailes, músicos tocando o cantantes), el público no esperaba oír el timbre
original de los instrumentos que aparecían en la imagen, sino un arreglo al piano que
evocase ese tipo de música.
En las salas grandes que disponían de orquesta, los directores también disponían de
estas colecciones de fragmentos catalogados, pero después aún quedaba la difícil
tarea de encadenar unas secuencias con otras de forma instantánea (algo bastante
difícil de hacer con un grupo numeroso de músicos). Poco tiempo después se empezó
a pedir a los compositores que crearan partituras originales para las películas, aunque
únicamente las grandes salas solían tener orquestas lo suficientemente importantes
como para ejecutarlas, con lo que en la práctica las películas se acompañaban con una
transcripción para piano o pocos instrumentos.
La música cumplía, ya desde estos primeros momentos, dos funciones: una colectiva
(subrayar los puntos fuertes de la acción en la pantalla), y otra individual (aislar a
cada espectador en su relación con la película). A menudo la música se utilizaba
también durante el rodaje para inspirar a los actores, creando un determinado
ambiente emocional que les facilitaba la interpretación de determinadas escenas.
El cine sonoro
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A finales de los años 20, los departamentos musicales de las productoras de cine
tuvieron que empezar a contratar más personal, y el que ya había asumió funciones
nuevas. El director musical se convirtió en el personaje más importante de los
estudios, y añadió a sus funciones de seleccionador de fragmentos preexistentes y
arreglista de música ya escrita la de componer fragmentos propios para los títulos de
crédito, para los finales y para otras escenas. Los directores musicales son los
primeros en componer una música auténticamente cinematográfica, en tanto que
pensada específicamente para las imágenes de una determinada película.
Con los nuevos procedimientos inventados para fijar el sonido hacia 1926-27, el cine
pasó de ser un arte cinematográfico (que fijaba el movimiento) a convertirse en un
arte cronográfico (que fijaba el tiempo). Hasta ese momento la velocidad de la cinta
no había sido normalizada, y podía fluctuar ostensiblemente entre filmación y
proyección (afectando, en el caso del sonido, no sólo al ritmo, sino a la altura). Sin
embargo, al inventarse el cine con sonido grabado sincronizado se acabaron tales
fluctuaciones.
El cine sonoro fue concebido para difundir cada película con su música, una música
que ya no iba a variar según la sala o los medios, sino que permanecería
indisolublemente ligada a ella e idéntica (para bien o para mal, como en el caso de las
malas interpretaciones o las malas mezclas) para siempre.
Los primeros sistemas de sincronización de sonido e imágenes, como el Vitaphone,
realizaron breves grabaciones de discursos, números y escenas de ópera. El primer
largometraje hablado de la historia fue El cantor de jazz, de 1928, cuyo éxito decidió
la continuidad del género. Esta película alternaba elementos del cine mudo (diálogos
resumidos en rótulos y música de fondo) con algunos cantos religiosos y canciones
sincronizadas integradas en la acción, y presentaba una sola secuencia hablada.
Los años 30
La Warner Brothers es la primera productora que apuesta por el cine sonoro. En estos
años la música se utiliza para hacer la película más completa: describir ambientes,
caracterizar personajes, enlazar secuencias. Se concibe como una sinfonía que está
presente durante todas las escenas, con un tema principal destacado y diferentes
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leitmotiven para cada uno de los protagonistas. Al igual que en las oberturas de las
óperas, en la música que acompaña a los títulos de crédito se sintetiza el carácter de la
película.
En esta década muchos compositores europeos han llegado a Estados Unidos
escapando del ascenso del régimen nazi. Dos de ellos: Erich Wolfgang Korngold y
Max Steiner, son fichados por la productora y para ella crearán las mejores bandas
sonoras de la década. En Europa, Francia se pone a la cabeza de la composición
cinematográfica con la música creada para el cine por los compositores del grupo de
los seis para las películas de René Clair, Jean Cocteau y André Malraux. Alemania
pierde el papel protagonista que había tenido en los comienzos, pues la mayor parte
de sus compositores se exilian voluntariamente a los Estados Unidos. En Rusia hay
que destacar los trabajos de Dmitri Shostakovich y Sergei Prokofiev, que como
principales compositores nacionales colaboran en un arte de interés estatal. En Gran
Bretaña colaboran con el cine los compositores Benjamin Britten y William Walton.
Lo que el viento se llevó fue una película que marcó toda una época. Estrenada en
1939, su música es quizá la banda sonora más popular de la historia del cine. La
compuso Max Steiner con la colaboración de los cinco mejores orquestadores del
Hollywood de entonces.
Los años 40
En la década de los cuarenta se han solucionado muchos de los problemas técnicos
(fotografía, montaje) del arte cinematográfico y se consolida la creación de bandas
sonoras. Es la época dorada de Hollywood. La pista de sonido tiene ahora tres
bandas: una para el ruido ambiental, otra para la música y una tercera para el diálogo.
Los compositores crean la partitura una vez ha terminado el rodaje y dirigen a la
orquesta mientras la película es proyectada en una pantalla tras ella, después son los
montadores musicales quienes se encargan de los ajustes.
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Varios compositores de música sinfónica se interesan por el cine y componen bandas
sonoras, es el caso de los americanos Aaron Copland y Virgil Thomson o del francés
George Antheil.
Las bandas sonoras de esta década están dominadas por el uso del leitmotiv. Es una
época, tanto en Europa como en América, de vuelta a los modelos clásicos, y de
desorientación en todos los terrenos como consecuencia de la II Guerra Mundial.
La partitura de Cumbres Borrascosas (1939, William Wyler), de Alfred Newman,
contiene numerosos leitmotiven, como el de Cathy, la protagonista femenina, el de
Cumbres Borrascosas o el de la desesperación de Heathcliff. El primero es uno de los
temas más populares de la historia de las bandas sonoras.
En Ciudadano Kane (1940, Orson Welles), Bernard Herrmann expresa
magistralmente el misterio que rodea Xanadú, la mansión de Kane. La música se
articula en breves secciones, utilizando algunos leitmotiven: el Poder y Rosebud, que
aparecen varias veces a lo largo de la obra. En algunos momentos la música nos sirve
para situar la acción en unas determinadas coordenadas temporales o anímicas: el
ragtime que se oye cuando llega como propietario al Inquirer o el vals de los
desayunos con su primera esposa, que se va haciendo más disonante a medida que las
relaciones del matrimonio empeoran.
Los años 50
Hay dos elementos nuevos en el cine de esta década:
- Se concede mayor importancia a la música de los títulos de crédito, que se alargan
considerablemente. A menudo se utiliza para ello una canción, de otro compositor,
que luego debe aparecer como música de fondo en la película, lo que molesta a
algunos creadores de bandas sonoras. Estas canciones se hacen tremendamente
populares.
- El jazz se incorpora a las películas, como estilo musical más apropiado para
expresar determinados ambientes turbios y sentimientos obsesivos de los
protagonistas que el estilo sinfónico derivado de la música europea del XIX.
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En esta época aparece el Cinemascope como medio para contrarrestar la creciente
competencia de la televisión, y el cine se interesa por producciones espectaculares,
ambientadas en lugares exóticos o remotos en el tiempo. De ahí el exotismo de
algunas bandas sonoras, que recogen, transforman y adaptan todo tipo de melodías
populares, desde temas mejicanos (Viva Zapata, de Alex North) hasta árabe-israelitas
(Éxodo, de Elmer Bernstein).
Entre los compositores americanos, empiezan a destacar en esta década Elmer
Bernstein y Alex North. Malcolm Arnold, británico que trabajó en Hollywood. Entre
los europeos sobresalen Georges Delerue (que formó una simbiosis perfecta con el
director François Truffaut), discípulo de Darius Milhaud, y Nino Rota (inseparable
del director Federico Fellini).
Un tranvía llamado Deseo, dirigida por Elia Kazan en 1951, se sitúa en Nueva
Orleáns, cuna del jazz, lo que probablemente animó a Alex North a emplear este tipo
de música en su banda sonora. Él fue el precursor, pero le siguieron Elmer Bernstein
con El hombre del brazo de oro (1955) o el propio Duke Ellington con Anatomía de
un asesinato (1959).
Gracias a la partitura de El puente sobre el río Kwai, 1957, Malcolm Arnold
consiguió un Óscar y se trasladó a Hollywood.
Los años 60
La década de los 60 está marcada por dos tendencias opuestas: se inicia con el auge
de las películas espectaculares con bandas sonoras complejas y suntuosas, tendencia
que ya venía de la década anterior (Espartaco, Ben-Hur y Éxodo son películas de los
años 59-60), sobre todo en el cine americano; por otra parte, como reacción a ello, se
da en el cine europeo un creciente interés por las películas de temática más cercana,
que tratan los problemas de la gente de la calle, en las que directores y compositores
se sienten más libres para innovar.
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Henry Mancini es la estrella indiscutible de la década, con partituras como Desayuno
con diamantes o La Pantera Rosa. Con la primera de ellas impone la moda de que
una canción, sin relación con la trama argumental, se repita varias veces a lo largo de
la película a modo de leitmotiv, acompañando a imágenes con las que nada tiene que
ver. La crisis de los valores tradicionales y la renovación de los mismos impulsada
por la juventud heredera del mayo del 68, junto al auge de la música popular, cuyos
máximos representantes fueron The Beatles, y de la canción folk en los años
siguientes, convertirá a esta moda en una constante, hasta que en los años finales de
la década la banda sonora entra en decadencia, sustituida por un conjunto de
canciones que, sin guardar ninguna relación con las imágenes, acaban adueñándose
de las escenas.
Henry Mancini fue también el primer compositor que, previendo el éxito de las
bandas sonoras como objeto independiente de las imágenes para las que se crearon,
pensó en la mejor manera de presentarlas al oyente en forma de disco, reorquestando
y modificando los temas para hacerlos más atractivos.
En el cine europeo de la época destaca época Italia, con el compositor Ennio
Morricone, músico prolífico de producción irregular en cuanto a su calidad pero de
indudable interés. Sus trabajos más conocidos son sus bandas sonoras para los
spaghetti western de Sergio Leone. Maurice Jarre, el más destacado compositor
francés, trabajó en la época de mayor decadencia de Hollywood, en una carrera en la
que se puede destacar la música para las películas Lawrence de Arabia (1963) y
Doctor Zhivago (1965), por las que consiguiò sendos Óscars. En Japón podemos
mencionar al compositor Toru Takemitsu, con preferencia por la música
electroacústica, que colabora con el director Akira Kurosawa.
Desayuno con diamantes (1962) es la primera colaboración importante entre el
director Blake Edwards y Henry Mancini. El tema principal de la película,
Moonriver, aparece varias veces en distintas situaciones: tocado en la guitarra y
cantado por la protagonista, o como música de fondo en distintas situaciones, hasta su
apoteosis final con coros en la escena final.
El bueno, el feo y el malo (1966) es quizá la colaboración más importante entre
Sergio Leone y Ennio Morricone. En la banda sonora de esta película se combinan
instrumentos tradicionales (guitarra, flauta, trompeta y percusión) con silbidos y
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voces, de una forma muy original. La película lanzó al estrellato a un actor de
televisión casi desconocido: Clint Eastwood.
Los años 70
Cuando ya parecía que el concepto tradicional de banda sonora había pasado a la
historia, y que la música en el cine había dejado de cumplir las funciones para las que
había nacido, sustituida por las canciones, a mediados de los años 70 se produce un
redescubrimiento de la música sinfónica de la mano del que será el compositor más
popular del género de todos los tiempos, John Williams. Williams no muestra ningún
interés por los avances tecnológicos y sus posibilidades de conseguir nuevos efectos
y sonidos gracias a los sintetizadores; sus partituras son, como la música
cinematográfica de los años 40, en la que se inspiran, plenamente sinfónicas. Su obra
maestra es la banda sonora de La guerra de las galaxias (1975), que ha sido imitada
hasta la saciedad.
Jerry Goldsmith ha sido el único compositor que ha podido rivalizar con John
Williams, y para algunos críticos es mejor que él, sobre todo por la regularidad y
calidad del conjunto de su obra, en la que no hay altibajos. Su versatilidad se adapta a
cualquier género o argumento, y a los estilos estilos más diversos, desde el
melodismo más clásico hasta el lenguaje atonal.
Tiburón (1975) hizo ganar a John Williams su primer Óscar como compositor, y es la
segunda de una larga serie de colaboraciones con Steven Spielberg. El siniestro tema
que aparece cada vez que el tiburón está cerca hace que el espectador tome
conciencia del peligro y, a la vez, cuando el tema no se escucha, el ataque del escualo
provoca una sorpresa doble, visual y auditiva. La música de este fragmento está
inspirada en los Augurios primaverales y Danzas de los adolescentes del ballet La
consagración de la Primavera (1913) del compositor ruso Igor Stravinsky.
Para la música de Alien, el octavo pasajero (1979), película dirigida por Ridley Scott,
Jerry Goldsmith se inspiró en el impresionismo de Debussy y Ravel, especialmente
en el ambiente de acordes que el primero creó en Nuages, uno de sus nocturnos para
orquesta, cuyo vocabulario utiliza Goldsmith para crear el tema que asocia al espacio,
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al vacío. También se observan influencias de las instrumentaciones de Ravel y de las
composiciones de Xenakis y Penderecki de los años 60 y 70.
Los años 80
En la década de los 80 los sintetizadores dominan la banda sonora. Sus partidarios
citan entre sus ventajas frente a los instrumentos y orquestas tradicionales que su uso
abarata los costes de producción, y que son capaces de reproducir cualquier sonido, lo
que los hace especialmente útiles cuando se trata de ambientar películas exóticas. La
década se inicia con el Óscar para Vangelis por Carros de fuego (1981) y continúa
con las contribuciones de Maurice Jarre El año que vivimos peligrosamente (1983),
Único testigo (1985) y Gorilas en la niebla (1988).
Otra corriente importante es la de los compositores minimalistas, representada por el
americano Philip Glass y el británico Michael Nyman, especialistas en repetir una y
otra vez las mismas frases musicales con mínimas variaciones, lo que en ocasiones
resulta bastante monótono.
Entre los compositores de estilo más conservador, hay que citar al británico John
Barry, quien se había dado a conocer en la década de los 60 con la música para la
serie sobre James Bond. Sus años de mayores éxitos son los comprendidos 1964 a
1972, entrando después en un periodo de decadencia que finalmente se recupera en
los 80 gracias a las bandas sonoras de Memorias de África (1985) o Bailando con
lobos (1990). Su estilo es barroco en la orquestación y muy característico por sus
amplias melodías. James Horner también merece ser destacado en este apartado.
Evangelos Papatanassiaou (Vangelis) es un músico griego de formación autodidacta
que adquirió reconocimiento mundial por la banda sonora de Carros de fuego (1981),
por la que recibió un Óscar. Componer con instrumentos electrónicos le permite ser el
responsable total de su música, pues él crea los temas, los arregla, y los interpreta.
En esta película cada uno de los atletas rivales está caracterizado por un tema, se ha
convertido en un clásico que conocen incluso quienes no han visto ni saben de qué
trata la película.
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Los años 90 y el panorama actual
En los últimos años se puede hablar de una fusión de estilos en el cine
norteamericano. Frente a compositores que continúan haciendo partituras sinfónicas,
la mayor parte de ellos aprovechan las posibilidades de los sintetizadores para
conseguir nuevos timbres y efectos. Por otra parte, la tendencia a incluir canciones
comerciales interpretadas por los grupos de moda del momento continúa aumentando
hasta conseguir relegar la música incidental a un segundo plano, con el resultado de
que la mayor parte de las veces las escenas se acompañan de canciones que nada
tienen que ver con las imágenes (pero que ayudan a las ventas). Películas como
Pretty Woman (1990) o El guardaespaldas (1992) son ejemplos de esta tendencia,
que se había iniciado ya en los años 60, llevada hasta el extremo.
Además de los grandes maestros que continúan en activo, como Jerry Goldsmith,
John Williams o Elmer Bernstein, van destacándose otros nuevos, como James
Horner (Titanic, 1997), Danny Elfman (El planeta de los simios, 2001), Howard
Shore (El señor de los anillos, 2001-3) o Hans Zimmer, de origen alemán (Gladiator,
2000).
El cine de animación se preocupa en esta década por la música de sus títulos,
solicitando el trabajo de algunos de los mejores compositores, como Alan Menken,
que recibe ocho Óscars por sus trabajos, entre los que merecen destacarse La bella y
la bestia (1991), Aladdin (1992) y Pocahontas (1995), Hans Zimmer, con la música
para El príncipe de Egipto (1998) y El rey león (1994), y Michael Giacchino, autor de
la de Los increíbles (2004).
Entre los compositores europeos encontramos a algunos de los que conocemos de las
décadas anteriores, que siguen creando obras maestras, como Ennio Morricone, John
Barry o Michael Nyman, junto a nombres nuevos que empiezan a despuntar, como el
italiano Nicola Piovani (La vida es bella, 1997).
Batman (1989), Eduardo Manostijeras (1990), Charlie y la fábrica de chocolate
(2005) y La novia cadáver (2005) son algunas de las colaboraciones entre el director
Tim Burton y el compositor Danny Elfman.
En la banda sonora de Forrest Gump (1994), se combina la utilización de la música
incidental de Alan Silvestri para enfatizar los momentos más emotivos de la película
con un recorrido por la música popular que marcó las etapas de la vida del
protagonista, testigo de algunos de los momentos más importantes de la historia
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reciente de los EEUU. Aparecen así canciones de The Beach Boys, The Doors, Elvis,
Joan Baez, The Mamas & The Papas o Simon & Garfunkel, en esta ocasión
plenamente justificadas.
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CUESTIONARIO.
1º Introducción
1º Indica qué función ha cumplido la música desde la antiguedad.
2º ¿Qué distintos tipos de relación muestra la música con las diferentes manifestaciones artísticas?
3º ¿Cómo podemos clasificar la música cinematográfica?
4º ¿Qué funciones puede cumplir la música en una película?
Los comienzos de la música en el cine
1º ¿Con qué finalidad se comenzó a interpretar música en el cine?
2º ¿Qué era un “órgano Wutlizer”?
3º¿Cuál era la función de los pianistas?
4º ¿Qué funciones cumplía la música en estos primeros momentos?
El cine sonoro
1º ¿Cuál era el trabajo de un director musical?
2º ¿Qué cambios introdujeron los nuevos procedimientos inventados para fijar el sonido hacia
1926-27?
3º Explica qué era el “Vitaphone”
4º ¿Por qué es famosa la película “El cantor de jazz”?
2º Los años 30
1º ¿Cuál fue el papel de la Warner Brothers en estos años?
2º ¿Por qué Max Steiner abandonó Alemania en estos años?
3º “Lo que el viento se llevó “ fue la principal película de los años 30, explica por qué.
3º Los años 40
1º ¿Cómo evoluciona la pista de sonido en esta época?
2º Relata el proceso de creación de una partitura musical.
3º ¿Qué caracteriza a la partitura de Cumbres Borrascosas? Escribe el nombre de su autor.
4º Explica alguno de los recursos musicales que utiliza Bernard Herrmann en Ciudadano Kane
(1940, Orson Welles)
4º Los años 50
1º ¿Qué novedades musicales se introducen en el cine de los años 50?
2º ¿Por qué se introdujeron melodías populares exóticas en est época?
3º Qué caracteriza la música de las siguientes películas:
Viva Zapata.
Éxodo.
Un tranvía llamado deseo.
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5º Los años 60
1º Describe las dos principales tendencias argumentales del cine de esta época.
2º ¿Quién fue el compositor estrella de esta época? Escribe dos películas en las que trabajó.
3º ¿Qué ocurre en las bandas sonoras de los años finales de los 60?
4º Escribe el nombre de los compositores de las siguientes bandas sonoras y describe qué las
caracteriza.
El bueno, el feo y el malo.
Desayuno con diamantes.
5º Los años 70
1º ¿Quién es el principal compositor de bandas sonoras en estos años? Describe qué caracteriza su
música y escribe el nombre de su principal banda sonora.
2º ¿Qué músicas influyeron a John Williams en la composición de la banda sonora de Tiburón?
3º ¿Qué otro compositor destaca en estos años?¿cuál es su principal banda sonora?
6º Los años 80
1º ¿Qué instrumento domina esta época? Explica porqué.
2º ¿Qué ventaja le reporta a Vangelis componer con instrumentos electrónicos?
7º Los años 90
1º ¿Qué estilos musicales dominan el trabajo de los compositores de estos años?
2º ¿Quién es el principal compositor de cine de animación de los años 90? Escribe el nombre de las
principales bandas sonoras de este autor.
3º ¿Por qué es famoso Danny Elfman?
4º ¿Qué caracteriza la banda sonora de Forrest Gump?
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