El documento describe el estilo arquitectónico neogótico, incluyendo sus materiales, elementos, características generales y principales representantes. El neogótico surgió en el siglo XVIII como una imitación del estilo gótico medieval, utilizando nuevos materiales como el hormigón. En el siglo XIX se convirtió en un estilo popular en Europa, donde se restauraron y completaron catedrales. Algunas de sus obras más representativas incluyen la Abadía de Maredsous en Bélgica, la restauración de la

1. Arquitectura Neogótica
1-Materiales utilizados
2-Elementos arquitectónicos
3-Caracteristicas generales
4-Definiciones de términos básicos
4-Principales representantes
1-Los materiales empleados en el periodo neogótico difieren bastante en cada obra en
particular. Te aconsejo leer sobre la construcción de la Catedral de Lujan para que
tengas una conclusión propia.
El empleo de nuevas técnicas é industrialización en la construcción, mediante el
hormigón, la mampostería y ornamentación imitación piedra, etc. difieren del sistema
constructivo original del gótico, basado en la construcción en piedra, donde éste era el
principal medio estructural.
2- Elementos arquitectónicos.
El gótico y muy posteriormente el neogótico (copia del anterior) se han definido
durante mucho tiempo de manera bastante superficial, exclusivamente por la
utilización de uno de sus elementos, el arco apuntado, al que suele llamarse ojival;
pero la utilización de un elemento no puede definir un estilo de forma global, se trata
de un problema más amplio, de una nueva etapa histórica, una nueva concepción del
arte y con él del mundo.
Un elemento estructural, por importante que sea, no puede resumir un concepto
global sobre todo el movimiento.
3- Características Generales;
El neogótico apareció en Inglaterra a mediados del siglo XVIII. En el siglo XIX la Europa
continental vivió una auténtica fiebre neogótica que restauró y completó catedrales,
como la de Barcelona. En 1836 se construiría en este estilo el Parlamento de Londres.
Se sueña a partir de ese momento (siglo XIX) con un renacimiento del arte medieval,
llenándose de nuevo al contenido término "neogótico", que empieza a distinguirse y
separarse claramente del románico.
En el siglo XIX, el entusiasmo romántico por lo medieval (como reacción frente al
neoclasicismo academicista) y el historicismo, lleva a cabo amplias restauraciones de
edificios medievales, llegándose a establecer el estilo neogótico, arquitectura realizada
a imitación de la gótica medieval. Fue destacada la intervención del arquitecto francés
Eugène Viollet-le-Duc.
4- El estilo arquitectónico neogótico, peyorativamente denominado como
pseudológico, consistente en la arquitectura realizada a imitación de la gótica
medieval. Por su común rechazo al racionalismo neoclásico, es un estilo vinculado con
el romanticismo.
4- Principales representaciones;
Entre las obras más representativas del Neogótico a nivel mundial se pueden indicar:

2. Abadía de Maredsous en Bélgica,
la restauración de la Catedral de Colonia en Alemania,
la Iglesia Votiva, en Viena,
la fachada de la Catedral de Barcelona,
el ábside de la Sagrada Familia, y el Palacio Episcopal de Astorga, en España.
La Catedral de La Plata, en Argentina,
la Basílica de Nuestra Señora de Luján, en Argentina,
la restauración de de la Sainte Chapelle, en París, Francia,
numerosos edificios colegiales en Cambridge y en Oxford
el Palacio de Westminster en Londres.
La Catedral Nueva de Vitoria, en España.
La iglesia de Santa Bárbara de Rubio (Venezuela) estado Táchira.
Arte y Arquitectura Gótica
Una nueva sensibilidad para una nueva arquitectura
El estilo gótico se desarrolla en Europa, sucediendo al
románico desde la cuarta década del siglo XII hasta
bien entrado el XVI.
La denominación peyorativa "gótico" fue inventada
por los eruditos del Renacimiento con sentido de
desprecio a un arte que consideraban bárbaro (el "arte
de los godos") muy inferior en consideración al arte
grecorromano.
Sin embargo fue revalorizado y exaltado en el siglo XIX
por los movimientos nacionalistas y románticos
europeos y en la actualidad se considera
universalmente
como uno de los
momentos más
brillante,s desde el
punto de vista artístico, del mundo occidental.
Aunque el gótico sucede arquitectónicamente al
románico del siglo XII, lo cierto es que ambas
arquitecturas responden a principios inspiradores
opuestos.
Como sostiene el gran experto Otto von Simson, con
el gótico se produce una de las más radicales

3. rupturas estilísticas que han conocido la arquitectura occidental.
La razón de tal revolución es el cambio de la mentalidad medieval sobre el
conocimiento y la verdad existente. Los siglos XII y XIII contemplan la derrota del
idealismo de Platón, defendido por San Agustín, que fue la base filosófica de los
siglos altomedievales. Desde estas fechas, se recupera las filosofía basada en la
preeminencia de los sentidos de Aristóteles, intensamente defendido por
personajes de la talla de san Alberto Magno y santo Tomás Aquino.
La idea de que sólo la racionalidad humana es el único sistema de conocimiento y
que las formas sensibles son sólo una apariencia engañosa de la verdad, es
desplazada por la convicción de que de los sentidos son necesarios descubrir las
cosas de la naturaleza, verdadera fuente de conocimiento.
Como consecuencia de este cambio de mentalidad, en el campo del arte y la
arquitectura, el obstinado equilibrio simétrico y la regularidad y geometrismo del
románico, son desplazados. El arquitecto ya no tiene que apegarse a formas
regulares para construir (círculos y cuadrados fundamentalmente) sino que se ve
libre para trabajar, no como une geómetra sino como un ingeniero. Por tanto, si en
el campo de las ideas se sustituye el idealismo por el naturalismo, en el campo del
arte se sustituye la inteligencia abstracta por el empirismo.

4. René Huyghe escribe estas bellas palabras sobre la arquitectura gótica:
"Una estética pragmática edifica monumentos donde, descartadas las superficies
planas, se erizan de puntas, de calados, de proyecciones, se rompen en el juego
complejo de los salientes y las aberturas, donde las líneas tropiezan, se cortan, se
interseccionan con aspereza, donde todas las previsiones de la inteligencia son
derrotadas por el imperioso dictado de los
hechos"
En este contexto y aunque la arquitectura
sigue sujeta a ciertas reglas básicas de
geometría, los edificios se liberan del rigor
racional anterior y a sus estructuras se les
permite la vida y la espontaneidad. Como
afirma Huyghe un edificio gótico puede
entenderse como un organismo vivo que
crece hacia el sol.
Por último, esta nueva arquitectura, utiliza
este empirismo ingenieril es inventar

5. ingeniosas soluciones tectónicas para el fin de crear espacios de gran altura y
colorido. La manera del siglo XIII de simbolizar la Jerusalén Celestial es mediante la
creación de un grandioso espacio de luz y color.
Tema Arte Gótico:
Introducción
El arte gótico es el que corresponde a la Baja Edad Media, en su mayoría el siglo XIII,
aunque comienza en el siglo XII y alcanza hasta el XIV, y en algunos países hasta el XV.
Este es un período dinámico desde el punto de vista socioeconómico, muy variado, con
intensos contactos con Oriente a través de las cruzadas y las rutas comerciales,
la burguesía nace en las ciudades. Es un estilo muy ligado a los nuevos centros
culturales, universidades, catedrales y ciudades en general. El auge de
las ciudades favorece la aparición de las órdenes mendicantes, franciscanos (1209) y
dominicos (1216). Las monarquías recuperan su poder poco a poco, debilitando el
sistema feudal.
El término de gótico fue propuesto por Vasari, con un sentido peyorativo, de vacío
de las formas estilísticas. Era el arte bárbaro propio de los godos.
El emblema del arte gótico es la catedral, donde se dan cita todas las artes,
tendencia que viene del románico. Encontramos una humanización de los
tipos religiosos, que son mucho más naturales. Se pasa de la Virgen reina a la Virgen
madre, al Cristo doloroso en la cruz y a los adornos mundanos. Ahora se ve en la
naturaleza la obra de Dios, la creación, y la belleza nos acerca a Dios. Pero también
aparecen edificios civiles en las ciudades, los palacios, los ayuntamientos y las lonjas.
Se instala una nueva religiosidad, en la que destacará santo Tomás de Aquino, la
Escolástica. La filosofía de Aristóteles se interpreta a la luz de la fe cristiana. Pero
también se reinterpreta a Platón. El neoplatonismo será fundamental para la aparición
de una estética basada en la luz, ya que identificaba a Dios con la luz, la luz celestial.
San Benito, san Roberto y San Bernardo pretenderán la reforma de la orden de Cluny,
recuperando su esencia austera.
La orden del Císter fue la que creó y difundió el nuevo estilo, tras la reconstrucción
de la abadía de San Denis por el abad Suger. Era una arquitectura sobria, austera y
luminosa. En principio estaba exenta de motivos decorativos, proclamando
su aniconismo. No obstante, las catedrales se irán llenando de estatuas y pinturas.
El artista comienza a ser reconocido y en algunos casos firmará sus obras. Sobre todo
alcanzan gran prestigio los maestros de obra.
Arquitectura: La catedral
En el siglo XIII el mundo cristiano se ha vuelto mucho más urbano y burgués. Surge
una nueva ideología que se plasma en los ideales del abad Suger, brillo y esplendor
frente a la austeridad del Císter. El gótico se caracteriza por la verticalidad y la luz, que
es el reflejo de la divinidad. El nuevo estilo recibirá el apoyo de las autoridades

6. municipales y la burguesía. Su expresión más típica es la catedral, en la que
encontramos todos los elementos del arte gótico.
Sin dejar de ser un arte didáctico, el gótico se vuelve mucho más decorativo. Utiliza
un nuevo tipo de arco y de bóveda: el arco ojival y la bóveda de crucería, que gracias a
sus nervios, que convergen en contrafuertes separados del muro, a través de
los arbotantes; lo que posibilita un muro diáfano que se recubre con vidrieras, que
permiten el paso de una luz tamizada por los colores de los cristales. Esta luz crea
una atmósfera irreal, símbolo de la divinidad. Los rosetones son el marco privilegiado
de las vidrieras de colores, que tiñen el interior de color, o de una luz blanca. Existe
un contraste entre estructura y apariencia.
Predominan las plantas de cruz latina en las que se distingue: la cabecera,
el crucero y las naves, de tres a cinco. La cabecera tiene girola y capillas radiales.
La nave central y el crucero son más anchos y altos que las laterales.
El arco apuntado es una de las señas de identidad más características del arte
gótico. Confiere a los edificios esbeltez y verticalidad. En el siglo XIII son muy abiertos,
es el arco apuntado clásico. En el siglo XIV se hacen más apuntados y altos: se
denomina arco lanceolado. Corresponde al momento de mayor verticalidad. En el siglo
XV se utilizan el arco conopial, el carpanel y el mixtilíneo.
Los soportes, generalmente el pilar, evolucionan desde los redondos (columnas) a
los acanalados con forma de estrella. Aparece el pilar fasciculado, que tiene el fuste
formado por varias columnillas delgadas (baquetones). En el edificio gótico se necesita
un sistema de contrapeso adicional a la función sustentante ejercida por el pilar (otra
seña de identidad gótica) para ello se usan los contrafuertes separados del muro. Los
arbotantes enlazan la bóveda central con los contrafuertes a través de un arco
rampante. En la intersección se ponenpináculos para hacer más estable el conjunto.
Además, los arcos poseen canales de desagüe del agua de lluvia, que terminan
en gárgolas. En los edificios más altos existen dos niveles de arbotantes.
Tan características como los arcos apuntados son las cubiertas del gótico. Es la
época de la bóveda de crucería, que permite cubrir espacios rectangulares a mayor
altura. Está formada por dos arcos (nervios) que se cruzan en el centro: en la clave. El
resto de la superficie se cubre con plementos. Con este sistema todo el peso de la
cubierta descansa sobre los soportes, por lo que el muro de descarga es innecesario, y
se puede cerrar el espacio con grandes ventanales. No obstante, para cubrir toda la
nave siguen empleándose el sistema de arcos fajones. La bóveda de crucería
evoluciona con el tiempo. En el siglo XIII se utiliza la bóveda de crucería simple. Para
cubrir los espacios que no son rectangulares se utiliza un tercer nervio que divide la
bóveda en seis partes (bóveda sexpartita). En el siglo XIV la bóveda se enriquece por
medio de nervios secundarios (treceletes) que van desde los ángulos a la mitad de los
nervios; y ligaduras, que van desde el centro del cuadrado a la clave. Ellos dan a la
bóveda un aspecto estrellado (bóveda estrellada). En el siglo XV a las bóvedas se
añaden nervios combados, que van del centro del cuadrado al centro de los nervios
pasando por el centro de los treceletes. Aparecen, también, las bóvedas
de plementería calada, que se recubren con vidrieras.

7. Este sistema constructivo permite abrir vanos en los muros. En realidad los muros
no son necesarios para sostener la cubierta, por lo que se permite la entrada de la
luz lo más posible. El muro se cierra con vidrieras de colores que tamizan la luz.
Las vidrieras se organizan en tracerías, o divisiones de piedra, que forman los vanos.
Cada vidriera posee un armazón de hierro y un emplomado que unen los diferentes
trozos de cristal, y forman las figuras. Las vidrieras son un elemento indisoluble de la
arquitectura, aunque utiliza los mismos convencionalismos iconográficos que la
pintura, y su mismo programa.
La portada se revaloriza. Aquí aparecen los principales motivos ornamentales, que
se vuelven más naturales. En ella se colocan las torres y las puertas. Las torres pueden
estar adosadas a las naves, o justo encima de las puertas laterales. La fachada típica
tiene forma de H. Está formada por dos torres cuadradas, rematadas con un elemento
piramidal. Poseen tres niveles: la portada de entrada, los ventanales y el rosetón: que
iluminan el interior. También las portadas laterales se decorarán. El rosetón tiene
también una función simbólica, pues representa la luz de Dios. En ocasiones la fachada
se remata con un gablete triangular. Las portadas siguen el modelo románico:
son abocinadas y en ellas se encuentra la decoración escultórica. Su número varía en
función de las naves que hay en el interior.
En el alzado de la catedral se distinguen tres partes: la arquería, el triforio y
el claristorio o ventanales. El muro tiende a desaparecer, sobre todo en lo alto.
El triforio es estrecho, ya que pierde su función de tribuna, y se emplea sólo para que
pase la luz al interior.
En el gótico se distinguen cuatro etapas: el gótico primitivo o protogótico, al que
pertenece Notre-Dame de París. Tiene un aspecto un tanto románico. El gótico clásico,
del siglo XIII, principalmente en la primera mitad, a la que pertenece la catedral de
Chartres, y en el que desaparece la tribuna, y los ventanales se alargan. El gótico
manierista, de la segunda mitad del siglo XIII, que en algunos lugares se alarga hasta el
XIV. Se multiplican los radios de los rosetones, y se complican y estilizan todos los
elementos arquitectónicos. Además, hay una mayor luminosidad, porque el triforio
casi desaparece en favor del claristorio. Y el gótico flamígero, sobre todo en Francia
durante los siglos XIV y XV, en el que las estructuras se vuelven más sencillas y la
decoración más abundante. Se caracteriza por la decoración de calados con adornos
asimétricos, semejantes a las ondulaciones de las llamas. Aparecen: el arco conopial y
las bóvedas estrelladas, como en la catedral de Oviedo. Esta es la época en la que
surgen, en España, el estilo isabelino, en fusión con el mudéjar.
Además de las catedrales, adquieren importancia otros edificios civiles. Las ciudades
crecen dentro de sus murallas, gracias a la burguesía, y aparecen edificios de
administración y comercio. Se levantan el ayuntamiento, las lonjas, sin dejar de
construirse castillos y fortificaciones militares, con menos vanos. La ciudad tiende a
organizarse en torno a la catedral, el ayuntamiento y la lonja. Aparecen, también,
palacios urbanos, que expresan la riqueza tanto de los nobles como de la burguesía.
La arquitectura gótica en Europa

8. Francia es la cuna del gótico, como lo fue del románico. En la fase
protogótica encontramos los edificios cistercienses como la abadía de San Denis, y
las catedrales de Laon yNotre-Dame de París. En el período clásico destacan
las catedrales reales, ya que son los reyes los promotores de su
construcción: Reims, Amiens y Chartres. En el período manierista destaca la Santa
Capilla de París y la catedral de Rouen. En general las construcciones francesas tienden
a la verticalidad.
En Alemania el gótico triunfa sobre todo en las regiones occidentales, debido al
influjo francés. Sin embargo, aquí la tradición carolingia, otoniana y románica es muy
fuerte. La primera construcción auténticamente gótica es Santa Isabel de Magdeburgo.
La influencia francesa se deja sentir en la catedral de Colonia. También son destacables
las catedrales de Ratisbona, Erfurt, Ulm y Estrasburgo. No obstante, el gótico llega
hasta el siglo XV.
En Inglaterra el gótico tiene un desarrollo peculiar. Potencia las líneas rectas; es más
macizo y horizontal y utiliza una pantalla a modo de telón tanto por delante como por
detrás de la catedral. Además, usa con profusión las bóvedas de abanico. En Inglaterra
el gótico presenta tres etapas: el estilo primitivo, con catedrales como las
de Canterbury, Lincoln y Salisbury; el estilo decorativo, en el que la decoración se hace
independiente de la arquitectura, con catedrales como las de York, Exeter y Wells; y
el estilo perpendicular, más racional y organizado, y con tendencia a la
desornamentación exterior, aunque se mantiene en el interior. En este período
destacan las catedrales de Westminster, Gloucester y el castillo de Windsor.
El gótico apenas entró en Italia; que continúa con las formas clásicas, los muros
macizos y la tendencia horizontal. No encontramos aquí las señas de identidad góticas,
más que en algunos elementos. Los vanos son menos numerosos, lo que da pie para
ser pintados. Destacan las catedrales de Siena, Arezzo y Milán. Pero lo característico
del gótico italiano es la arquitectura civil: palacios y lonjas, que aparecen en las
numerosas repúblicas italianas. Son, pues, edificios de escasa altura. Destacan
los palacios de las Señorías de Siena y Florencia, la cartuja de Pavía, el Ayuntamiento
de Perusa y el palacio ducal Casa del Oro en Venecia.
En Portugal el gótico llega a través de España. Destacan el convento de Batalha y
el monasterio de Alcobaça. Sin embargo, en los siglos XV y XVI se desarrolla el
original estilo manuelino, que se caracteriza por su abigarrada ornamentación. El estilo
se difunde por todo Portugal, pero destacan el monasterio de Belem, el convento de
Tomar y la iglesia de Olivenza, en España.
España
En España el gótico tiene dos ámbitos fundamentales, el camino de Santiago y las
ciudades comerciales de la Corona de Aragón, que en esta época está extendiéndose
por el Mediterráneo. Distinguiremos cuatro períodos: la fase de transición, el gótico
pleno o clásico, el gótico manierista o mediterráneo y el gótico flamígero.

9. El gótico tarda en introducirse en España, por lo que hay una fase inicial de
transición (siglo XII) en la que conviven las formas románicas y las góticas. Los más
representativos son los monasterios de la orden del Císter, fundamentalmente
en Navarra y Argón. Inicialmente son monasterios rurales, y carecen de decoración
escultórica y pictórica, en consonancia con la austeridad de la orden y su aniconismo.
Destacan las plantas en forma de T, las capillas de la cabecera y el transepto y
el claustro con dos pisos, el superior para las celdas y el inferior para la vida
comunitaria. Destacan los monasterios de Poblet, La Espina, Fitero, La Oliva, Santa
Creu, Gradefes y La Moreruela. Se comienzan a construir
las catedrales de Zamoray Salamanca, con una clara influencia islámica, y las
de Tarragona y Lérida.
La segunda etapa, en el siglo XII, es la del gótico pleno. Fundamentalmente es el
gótico de Castilla y León. Este es el momento de máximo apogeo del camino de
Santiago. El estilo tiene una gran influencia francesa y en él aparecen todos los
elementos que definen el estilo gótico. Las catedrales más importantes son las
de León, Burgos y Toledo. También se construyen las catedrales de Oviedo y Palencia.
La tercera etapa, en el siglo XIV, es la manierista, y se centra, fundamentalmente, en
el Mediterráneo. Se acaban las catedrales de Palma de Mallorca, Barcelona, Santa
María del Mar (Barcelona) y Gerona, y se construye la lonja de Barcelona. Son templos
más austeros, la nave central es más ancha y las laterales son más altas. No abundan
los arbotantes ni los pináculos.
En el siglo XV aparece el gótico flamígero, que en Castilla se denomina isabelino. En
esta época la decoración se desborda, las plantas tienden a ser cuadradas, de una sola
nave y los soportes más delgados. El coro deja de estar en el centro de la nave
principal y se desplaza a los pies y en alto. Los motivos decorativos aparecen en todas
partes: portadas, ventanas, cornisas, cresterías, pináculos, etc., y son,
fundamentalmente, escudos heráldicos, puntas de diamante, conchas, etc., de
inspiración mudéjar. Este estilo parece que llega a España de la mano de los maestros
de los países bajos que trabajan aquí. En la Corona de Aragón destacan las lonjas de
Palma de Mallorca y Valencia, la catedral de Tarragona y la Generalitat de Barcelona.
En Castilla aparecen dos escuelas: la de Toledo y la de Burgos. Se conocen
algunos maestros como Juan de Guas, en Toledo, que construyó San Juan de los Reyes,
y la puerta de los leones de la catedral de Toledo. En Burgos trabaja Juan de
Colonia que construiría las torres de la catedral de Burgos, la capilla del
Condestable; y la cartuja de Miraflores y Simón de Colonia, que construye las fachadas
de San Pablo y San Gregorio en Valladolid. También se construyen la capilla real de
Granada y la catedral de Sevilla. A partir de estos momentos en las ciudades aparecen
palacios que crean un modelo de fachada sobria, como el palacio del Infantado en
Guadalajara.
Escultura
En la escultura gótica se observa una progresiva liberación del marco
arquitectónico y un mayor naturalismo. En principio la escultura se integra en
los elementos arquitectónicos formando parte de las jambas, la estatua columna que

10. se independiza del marco, pero poco a poco se irán haciendo estatuas de bulto
redondo. Continúa teniendo una función didáctica, a demás de estética.
Sus formas son más naturales, tanto en las proporciones como en las referencias al
mundo real, sobre todo en los motivos vegetales. Hay una cierta influencia de
los modelos clásicos, se busca la belleza natural de las formas. Sin embargo, no falta en
la iconografía el bestiario fantástico de influencia oriental, como en las gárgolas y
ciertos elementos secundarios, es un programa iconográfico similar al románico. El
peso de la tradición románica es muy grande, hasta el punto de que en el siglo XIII la
escultura aún está subordinada a la arquitectura. El conjunto tiene un sentido
narrativo en el que se destacan los sentimientos nobles y la melancolía de la
imagen. Las imágenes se comunican entre sí expresando sentimientos: alegría, tristeza,
dolor, etc., hasta llegar al patetismo en el siglo XV. La divinidad se humaniza, el Cristo
majestad pasa a ser el Hijo del Hombre, y la Virgen reina a Virgen madre. Reaparece el
retrato.
El material preferido para la escultura es la piedra, pero también la madera,
generalmente policromada.
Se rompen algunos convencionalismos del románico, como la frontalidad, el
hieratismo y la adaptación al marco. El artista tiene libertad para hacer sus obras y
las firmará. Las obras se colocarán en las portadas, sillerías, sepulcros, retablos, etc., en
general en todos los lugares significativos.
Existirá una escultura monumental, ya que en las grandes catedrales empezaron a
considerarse como algo más que mera decoración. Aparecen las estatuas
columnas monumentales. Las figuras adquieren autonomía y se liberan del marco
arquitectónico. Se abandonan los convencionalismos románicos.
Los capiteles desaparecen de la vista de los fieles, y se abandonan aquí los motivos
narrativos, quedando sólo una decoración vegetal. También se desarrollarán
los retablos, realizados en madera. Algunos de estos retablos son móviles: dípticos,
trípticos y polípticos. En el gótico final los retablos serán soporte de la pintura.
También adquiere gran importancia la escultura funeraria. Este es el ámbito
del retrato y donde hay un mayor realismo. Generalmente es un sepulcro exento,
aunque en España triunfa el sepulcro incrustado en la pared, en la que aparece
esculpida una escena. Otro ámbito en el que encontramos esculturas es en las sillerías
del coro. Están hechas en madera y en ellas la libertad del artista es mayor, ya que no
son vistas, normalmente, por los fieles.
Durante el período protogótico destaca el conjunto del pórtico de la Gloria,
atribuido al maestro Mateo, y el pórtico Real de Chartres. En ellos se observan estatuas
en las columnas con un profundo naturalismo.
En el período clásico encontramos una tendencia a la belleza ideal, a la ingenuidad y
a la sencillez. Suelen ser conjuntos narrativos que ocupan, principalmente, las
portadas. Aparecen todo tipo de temas, María, los santos, el juicio final, Cristo
redentor, etc.

11. El gótico flamígero se caracteriza por la utilización, de manera decorativa, de la
curva y la contracurva, que da movimiento a las figuras. La escultura se hace
totalmente exenta y se difunde la estatuaria funeraria. Los artistas dejan de ser
desconocidos.
La escultura gótica en Europa
Las primeras manifestaciones de escultura se encuentran en Francia, sobre todo en
las fachadas de las catedrales. Destacan: la fachada de la catedral de Chartres, de
influencia románica, los pórticos de la Virgen y San Esteban de Notre-Dame de París
y portada de la de la catedral de Reims. En el siglo XIV la escultura se vuelve exenta y
se traslada al interior del templo. En Francia destaca la escuela borgoñesa, y dentro de
ella Claus Sluter, que realiza el Pozo de Moisés con figuras individualizadas:
encapuchados y gentes en actitudes naturales.
En Alemania la influencia francesa es tan notable como en la arquitectura. La mayor
parte de las obras escultóricas están en el interior del templo. Destacan las obras de
las catedrales de Bamberg, Estrasburgo, Friburgo, Núremberg y Naumburgo. Se
conocen artistas como Hans Multscher, que hizo el retablo de la catedral de
Sterzing; Georg Syrlin: retablo de San Wolfgang en Salzburgo; Veit Stosz el viejo, que
trabaja en las catedrales de Núremberg y Cracovia; Adam Krafft y Tilmann
Riemenschneider.
En Italia no se dan las portadas con programas iconográficos. La escultura está al
servicio del mobiliario de las iglesias y del arte funerario. Aquí se rechaza
la estética románica a favor de una más clásica. Destaca Nicolás Pisano que hace el
púlpito del baptisterio de Pisa y el de la catedral de Siena, en el que se observan
influencias de los sarcófagos romanos. También destacan Giovanni Pisano: púlpito de
la catedral de Pisa, Arnulfo di Cambio, fray Guillermo de Pisa, y Tino di Camaino.
En Florencia trabaja Andrea Pisano, en las puertas de baptisterio de Florencia, Andrea
Orcagna y Nino Pisano. Además, Lorenzo Maitani realiza obras como las fachadas de
las catedrales de Siena y Orvieto.
España
En España podemos distinguir cuatro períodos: el protogótico, el clásico, el
manierista y el hispano flamenco.
El período protogótico abarca la segunda mitad del siglo XII y la primera del XIII.
Todavía mantiene una influencia muy grande del románico. Se conoce al maestro
Mateo que hace el pórtico de la Gloria en Santiago, la cámara Santa de Oviedo, y San
Vicente de Ávila.
En el período clásico, mediados del siglo XIII, se entronca con la tradición francesa.
Destacan las portadas de las catedrales de Burgos y León. También sobresalen
los sepulcros. Existen tres talleres: el de Burgos (puertas Sarmental y Coronería), el
de León (Virgen Blanca, obispo san Mauricio) y el de Palencia.

12. En el período manierista los talleres más importantes se encuentran en Toledo, pero
también destacan las escuelas de Navarra y Levante. Se introduce la estética italiana,
más estilizada y con el canon más largo. Las figuras tienen formas blandas, sinuosas y
delicadas. Destacan las puertas del Reloj y de Escribanos en la catedral de Toledo,
la catedral de Vitoria, el claustro de la catedral de Pamplona, la portada de Santa
María de la Guardia y la portada de la catedral de Huesca.
En el período hispano-flamenco se deja sentir la influencia borgoñesa, y del arte
flamenco y germánico. Ahora se acentúan las notas patéticas y dolorosas en las
expresiones de las figuras, que se hacen más naturales. Dominan los temas de la
Virgen y los crucificados. Son característicos los ropajes amplios que producen efectos
de claroscuro. Es el estilo de Claus Sluter. En la Corona de Argón se conocen a autores
como Guillen de Sagrera: San Pedro y san Pablo de la catedral de Mallorca; Pere
Oller: retablo de la catedral de Vich, Pere Joan: San Jorge de la Diputación de
Barcelona; y Pere Anglada: Ángel del Ayuntamiento de Barcelona.
En Castilla trabajan Francisco de Colonia y Diego de la Cruz. Pero sobre todo destacan
las figuras de Juan de Colonia: retablo de san Nicolás en Burgos; y Gil de Siloé: sepulcro
de Juan II e Isabel de Portugal en la cartuja de Miraflores y su retablo, los castellanos
son los escultores isabelinos.
Pintura
La pintura es el arte que más radicalmente cambia en el gótico, porque pierde su
lugar natural, el muro, donde es sustituido por las vidrieras. Alcanza gran desarrollo en
las miniaturas de los libros, donde se perfecciona. Se recrean textos literarios. Pero
sobre todo se pinta sobre tabla, el retablo. La técnica más utilizada es la del temple, y
más adelante la del óleo, que da un mayor colorido y permite un acabado más
minucioso. Los temas son, bien religiosos bien profanos, aunque con carácter
alegórico. Destacan las narraciones sobre la vida y la pasión de Cristo y la Virgen.
Los temas profanos comenzaron siendo escenas de batallas, motivos heráldicos y las
visiones de la vida campesina.
El gran reto del último período de la pintura gótica fue la conquista de la tercera
dimensión, la representación naturalista de los objetos y el abandono de los
convencionalismos abstractos románicos.
La primera etapa corresponde a la pintura conocida como gótico lineal, hacia
el 1200, también llamado francogótico. París es el centro cultural indiscutible en todas
las artes. Postemas que dominan son los religiosos, que tienen una función simbólica.
Se caracterizan por tener un fondo dorado, de influencia bizantina, un espacio
simbólico. Las figuras tienden a ser planas, los colores vivos y aún tienen muchos
convencionalismos románicos. Continúan utilizando la línea negra para separar los
espacios de colores. Predomina el naturalismo, y los temas se tratan con sencillez.
En Francia destacan las vidrieras de las catedrales, las miniaturas de los libros y los
salterios. En Alemania hay restos de pintura mural: San Gerión de Colonia y San Jorge
de Oberzell. En Inglaterra destacan el Santo sepulcro de la catedral de Winchester, o el
conjunto de la abadía de Westminster. En España destacan las miniaturas de las

13. Cantigas de Alfonso X y diversos frontales y retablos para las principales catedrales
castellanas y catalanas.
La segunda etapa corresponde a la Italia del Trecento, o pintura italogótica, siglo
XIV, en la que también encontramos una fuerte influencia bizantina «manera greca», y
de la antigüedad clásica. Este será el germen de la pintura moderna: desaparece la
línea negra. Surge el claroscuro, lo que revela su preocupación por el volumen y la
profundidad. Esto conduce al estudio de la perspectiva y la plasmación de los estados
anímicos y el sentimiento. Existe pintura mural y sobre tabla, mosaicos, y se observan
ciertas tendencias que desembocarán en el Renacimiento. Podemos distinguir tres
escuelas: la toscana, cuyo máximo representante es Giunta Pisano: Madona de la
catedral de Pistoia; la escuela romana, cuyo máximo representante es Pietro
Cavallini: Nacimiento y muerte de María, Anunciación, Natividad; y la escuela
florentina, cuyo máximo representante es Giotto di Bondone, es el artista más
conocido: frescos de las capillas de los Bardi y Peruzzi, Madona de Uffizi, Virgen con el
Niño, Crucifixión, su aventura es la conquista de la técnica, el estudio del espacio, la
perspectiva lineal, la coloración objetiva, la luz y la degradación de los colores. Dota a
sus composiciones de volumen y corporeidad hasta llegar a los personajes
esculturales. Giotto se inspira en la naturaleza, lo que rompe con la tradición bizantina.
Centra su prioridad en la figura humana, tratándolas de manera individual. Concibe
los espacios de manera arquitectónica, por lo que incluye rocas y elementos
arquitectónicos en sus composiciones, no sin cierta ingenuidad. Otro pintor
importante de la escuela florentina es Cimabue: Dante en el Purgatorio. Mantiene
ciertos elementos de la tradición bizantina, pero consigue éxitos innegables en el
conocimiento de la perspectiva, el volumen y la monumentalidad de sus figuras. La
escuela florentina entró en España de la mano de Gerardo Starnina: capilla de San Blas
en la catedral de Toledo y Delio Delli: retablo de la catedral de Salamanca.
En Italia también hay una escuela en Siena, que se caracteriza por hacer un arte
cortesano, colorista, cromático e irreal, con los fondos dorados de tradición bizantina.
Por sus características tienen una entidad aparte. Ofrece una visión idealizada de la
realidad. Es el modelo que más se difundió por Europa. Duccio di Buoninsegna es el
pintor más conocido, por su refinamiento, sus composiciones sin tensión dramática y
su expresión delicada: Madona Rucellai, La maestá. Otro pintor importante es Simone
Martini, de marcado espíritu cortesano: San Luis de Toulouse, Anunciación. La escuela
de Siena llegará en el siglo XIV a Cataluña. Aquí destacan Jaume Ferrer Bassa: capilla de
San Miguel de Pedralbes, Ramón Destorrents: retablo de Iravalls, y los Hermanos
Serra; Francisco, Joan, Jaume y Pere: retablo de Pentecostés de la catedral de Manresa.
La última etapa corresponde al gótico internacional, en torno al 1400. Este género
tiene unos rasgos comunes en toda Europa. Es un estilo protegido por la nobleza y los
reyes. Se caracteriza por su afición al lujo, los colores brillantes, el dibujo curvilíneo, las
pocas preocupaciones espaciales y por ser un estilo un tanto decorativo. Presta mucha
atención a los detalles, pero continúa utilizando el fondo dorado. Surge de la síntesis
del estilo italiano de Siena en la corte de Borgoña. El resultado es un estilo elegante,
artificioso y extravagante. Tratará de glorificar a una nobleza feudal que se está
extinguiendo. El gótico internacional se extiende por toda Europa con Jean

14. Fouquet: Díptico de Melum en Francia, Stefan Lochner: retablo de los Reyes Magos en
la catedral de Colonia, Conrad Witz: retablo de Basilea y Hans Multscher: altar de
Sterzing, en Alemania y Nuño Gonçalves en Portugal. EnEspaña encontramos;
en Cataluña Lluis Borrassà: retablo del Salvador en la catedral de Barcelona, y Bernardo
Martorell: retablo de san Jorge, retablo de Púbol, en ValenciaLorenzo Zaragoza: San
Roque de Jérica, Andreu Marçal de Sax: retablo de Los arqueros del centenar de
Ploma, Pedro Nicolau: Virgen de Sarrión, y Juan Rexach: retablo de Cubells;
en Aragón García de Benabarre: Vida de san Juan Bautista, Martín Soria: retablo de
Pallaruelo de Monegros y Bartolomé Bermejo: retablo de Daroca, en Andalucía, con
una profunda influencia mudéjar Alejo Fernández: Virgen de los navegantes, y
en Castilla Nicolás Fiorentino: retablo de la catedral vieja de Salamanca y Nicolás
Francés: retablo de la catedral de León, retablo de San Francisco de La Bañeza.
En esta época destaca, también, la escuela flamenca, protegida por una
potente burguesía que es su principal cliente. Los pintores se organizarán en gremios,
por lo que habrá una búsqueda colectiva de la perfección técnica y dibujística, lo que la
hace muy minuciosa en los detalles. No obstante, todos ellos firmarán sus obras de
forma individual. Los pintores flamencos se apartaron de la estética
internacional acercándose a la realidad natural y a la armonía de las formas. Se pinta
al óleo con fórmulas de taller, lo que permite una gran riqueza cromática. La luz se
independizó del color. La perspectiva es una de sus principales preocupaciones, debido
a la obsesión por el detalle. Desarrolla toda una iconografía religiosa de carácter
simbólico, aunque en un ambiente burgués. Busca un espacio natural continuo, sobre
todo en interiores y de la vida cotidiana. Varios son los artistas importantes en la
escuela flamenca: los hermanos Jan y Hubrecht van Eyck: retablo del Cordero místico,
hacen una obra muy intelectual, de gran brillantez y con una amplia gama cromática.
Se especializan en el retrato de interiores, en los que logra un gran equilibrio, como en
el Matrimonio Arnolfini, su obra más representativa. Robert Campin es menos
intelectual y más amable: Anunciación, Santa Bárbara, se le considera como el primer
pintor flamenco. Petrus Christus: Leyenda de san Eloy, Retrato de un cartujo, es
alumno y heredero de Van Eyck. Roger van der Weyden: Descendimiento de la cruz,
tríptico de Los siete sacramentos, Adán y Eva, utiliza modelos, que alcanzan gran
difusión. Es menos intelectual y más comprensible. Pinta tablas de pequeñas
dimensiones. Dierck Bouts: trípticos del Santo sacramento, El martirio de san Erasmo,
El entierro de Cristo, de origen holandés, y con colores algo más fríos. En la segunda
generación destacan pintores como Hans Menling: Adoración de los Reyes y Virgen con
el Niño, con un lenguaje dulce y tonos claros, Hugo van der Goes:tríptico de Portinari,
Tránsito de la Virgen, con sus expresiones inquietantes y Gerard David: Adoración de
los Magos, Descanso en la huida a Egipto, holandés, que funde lo italiano y lo
flamenco.
Pero el autor más personal de este período es Hieronymus van Aeken, el Bosco, que
se sitúa al margen de los tipos flamencos. Utiliza temas alegóricos con los que crea un
mundo fantástico. Tiene un profundo carácter religioso, a la vez que burlesco.
Son característicos sus monstruos, máquinas infernales y figuras fantásticas mezcladas
con seres humanos. Sus obras más importantes son: El juicio final, El carro de heno y el
tríptico de El Jardín de las delicias.

15. Fuera de Flandes fue en España donde este estilo tuvo más éxito. Aquí hay pintores
de primera fila como: Jaume Huget: tríptico de San Jorge, Bartolomé Bermejo: Piedad
del canónigo Desplá y Lluis Dalmau: Virgen de los consellers, en la Corona de Aragón;
y Jorge Inglés: retablo del hospital de Buitrago, Fernando Gallego: retablos de la
catedral de Zamora y San Lorenzo de Toro, y Pedro Berruguete: retablo de Santo
Tomás de Ávila, en la Corona de Castilla.
Resumen:
Introducción
El arte gótico es el que corresponde a la Baja Edad Media. Es un período
dinámico desde el punto de vista socioeconómico, muy variado, con intensos
contactos con Oriente a través de las cruzadas y las rutas comerciales,
la burguesía nace en las ciudades.
La orden del Císter fue la que creó y difundió el nuevo estilo, tras la reconstrucción
de la abadía de San Denis por el abad Suger. Era una arquitectura sobria, austera y
luminosa.
Arquitectura: La catedral
El gótico se caracteriza por la verticalidad y la luz, que es el reflejo de la divinidad.
Su expresión más típica es la catedral, en la que encontramos todos los elementos del
arte gótico.
Utiliza un nuevo tipo de arco y de bóveda: el arco ojival y la bóveda de crucería, lo
que posibilita un muro diáfano que se recubre con vidrieras. Los rosetones son el
marco privilegiado de las vidrieras de colores.
Predominan las plantas de cruz latina en las que se distingue: la cabecera,
el crucero y las naves, de tres a cinco. La cabecera tiene girola y capillas radiales. La
nave central y el crucero son más anchos y altos que las laterales.
Aparece el pilar fasciculado, que tiene el fuste formado por varias columnillas
delgadas (baquetones). En el edificio gótico se necesita un sistema de
contrapeso adicional: los arbotantes.
Es la época de la bóveda de crucería, que permite cubrir espacios rectangulares a
mayor altura. Está formada por dos arcos (nervios) que se cruzan en la clave. El resto
de la superficie se cubre con plementos.
Las vidrieras se organizan en tracerías. Cada vidriera posee un armazón de hierro y
un emplomado.
La portada se revaloriza. En ella se colocan las torres y las puertas. La fachada típica
tiene forma de H. Está formada por dos torres cuadradas, rematadas con un elemento
piramidal. Poseen tres niveles: la portada de entrada, los ventanales y el rosetón.

16. En el alzado de la catedral se distinguen tres partes: la arquería, el triforio y
el claristorio o ventanales.
Además de las catedrales adquieren importancia otros edificios civiles. Se levantan
el ayuntamiento, las lonjas, sin dejar de construirse castillos y fortificaciones militares.
La arquitectura gótica en Europa
Francia es la cuna del gótico. En la fase protogótica encontramos los edificios
cistercienses como la abadía de San Denis, y Notre-Dame de París. En el período
clásico destacan las catedrales reales, Reims, Amiens y Chartres. En el período
manierista destaca la Santa Capilla de París y la catedral de Rouen.
En Inglaterra el gótico presenta tres etapas: el estilo primitivo, catedral
de Canterbury; el estilo decorativo, catedral de York; y el estilo perpendicular, catedral
de Westminster.
El gótico apenas entró en Italia. Pero lo característico del gótico italiano es
la arquitectura civil. Destacan la cartuja de Pavía, el Ayuntamiento de Perusa y
el palacio ducal Casa del Oroen Venecia.
En Portugal el gótico llega a través de España: convento de Batalha y el monasterio
de Alcobaça. En los siglos XV y XVI se desarrolla el original estilo
manuelino: monasterio de Belem.
España
En España el gótico tiene dos ámbitos fundamentales, el camino de Santiago y las
ciudades comerciales de la Corona de Aragón.
El gótico tarda en introducirse en España (siglo XII). Destacan las plantas en forma
de T, las capillas de la cabecera y el transepto y el claustro con dos pisos. Monasterios
de Poblet, La Espina, Gradefes y La Moreruela. Se comienzan a construir
las catedrales de Zamora, Salamanca, Tarragona y Lérida.
La segunda etapa, en el siglo XII, es la del gótico pleno. Las catedrales más
importantes son las de León, Burgos y Toledo.
La tercera etapa, en el siglo XIV. Se acaban las catedrales de Palma de Mallorca,
Santa María del Mar (Barcelona) y Gerona. Son templos más austeros, la nave central
es más ancha y las laterales son más altas.
En el siglo XV aparece el gótico flamígero, que en Castilla se denomina isabelino. En
esta época la decoración se desborda, las plantas tienden a ser cuadradas de una sola
nave y los soportes más delgados. El coro se desplaza a los pies y en alto. Lonjas de
Palma de Mallorca y Valencia. En Castilla aparecen dos escuelas: la de Toledo y la
de Burgos. Puerta de los leones de la catedral de Toledo, la cartuja de Miraflores.

17. Escultura
En la escultura gótica se observa una progresiva liberación del marco arquitectónico
y un mayor naturalismo. No falta en la iconografía el bestiario fantástico. Las imágenes
se comunican entre sí expresando sentimientos, alegría, tristeza, dolor, etc., hasta
llegar al patetismo en el siglo XV. Reaparece el retrato.
El artista tiene libertad para hacer sus obras y las firmará. Existirá una escultura
monumental. También adquiere gran importancia la escultura funeraria. Este es el
ámbito del retrato, donde hay un mayor realismo.
Durante el período protogótico destaca el conjunto del pórtico de la Gloria,
atribuido al maestro Mateo y el pórtico real de Chartres.
En el período clásico encontramos una tendencia a la belleza ideal, a la ingenuidad y
a la sencillez. Suelen ser conjuntos narrativos que ocupan principalmente las portadas.
El gótico flamígero se caracteriza por la utilización de manera decorativa, de la curva
y la contracurva, que da movimiento a las figuras. La escultura se hace
totalmente exenta y se difunde la estatuaria funeraria.
La escultura gótica en Europa
Las primeras manifestaciones de escultura se encuentran en Francia. Destacan:
la fachada de la catedral de Chartres, y San Esteban de Notre-Dame de París. En
Francia destaca la escuela borgoñesa, y dentro de ella Claus Sluter, el Pozo de Moisés.
En Italia la escultura está al servicio del mobiliario de las iglesias y del arte
funerario. Nicolás Pisano: púlpito del baptisterio de Pisa, Giovanni Pisano: púlpito de la
catedral de Pisa.
España
El período protogótico. Se conoce al maestro Mateo que hace el pórtico de la Gloria
en Santiago.
En el período clásico, mediados del siglo XIII, se entronca con la tradición francesa.
Portadas de las catedrales de Burgos y León.
En el período manierista los talleres más importantes se encuentran en Toledo.
Destacan las puertas del Reloj y de Escribanos en la catedral de Toledo y el claustro de
la catedral de Pamplona.
En el período hispano-flamenco se acentúan las notas patéticas y dolorosas en las
expresiones de las figuras, que se hacen más naturales. Pere Anglada: Ángel del
Ayuntamiento de Barcelona, Juan de Colonia: retablo de san Nicolás en Burgos, y Gil de
Siloé: sepulcro de Juan II e Isabel de Portugal en la Cartuja de Miraflores.

18. Pintura
La pintura es el arte que más radicalmente cambia en el gótico. Pierde su lugar
natural: el muro. La técnica más utilizada es la del temple y el óleo, que da un
mayor colorido y permite un acabado más minucioso.
La primera etapa corresponde a la pintura conocida como gótico lineal, hacia
el 1200. Se caracterizan por tener un fondo dorado, de influencia bizantina, un espacio
simbólico. Las figuras tienden a ser planas, los colores vivos y aún tienen muchos
convencionalismos románicos.
La segunda etapa corresponde a la Italia del Trecento, o pintura italogótica. Este
será el germen de la pintura moderna, desaparece la línea negra. Podemos
distinguir tres escuelas; la toscana, Giunta Pisano: Madona de la catedral de Pistoia;
la escuela romana, Pietro Cavallini: Nacimiento y muerte de María; y la escuela
florentina, Giotto di Bondone: Madona de Uffizi. Su aventura es la conquista de la
técnica, el estudio del espacio, la perspectiva lineal, la coloración objetiva, la luz y la
degradación de los colores.
En Italia también hay una escuela en Siena, que se caracteriza por hacer un arte
cortesano, colorista, cromático e irreal, con los fondos dorados de tradición
bizantina. Duccio di Buoninsegna: Madona Rucellai. Llegará en el siglo XIV a
Cataluña Jaume Ferrer Bassa: capilla de San Miguel de Pedralbes.
La última etapa corresponde al gótico internacional, en torno al 1400. Se caracteriza
por su afición al lujo, los colores brillantes, el dibujo curvilíneo, las pocas
preocupaciones espaciales y por ser un estilo un tanto decorativo. Jean
Fouquet: Díptico de Melum. En España encontramos: en Cataluña Lluis
Borrassà: retablo del Salvador en la catedral de Barcelona; enValenciaLorenzo
Zaragoza: San Roque de Jérica; y en Castilla Nicolás Francés: retablo de la catedral de
León.
En esta época destaca, también, la escuela flamenca, protegida por una
potente burguesía que es su principal cliente. Los pintores se organizarán en gremios,
por lo que habrá una búsqueda colectiva de la perfección técnica y dibujística, lo que la
hace muy minuciosa en los detalles. Los hermanos Jan y Hubrecht van Eyck: retablo del
Cordero Místico; Petrus Christus: Leyenda de san Eloy; Roger van der
Weyden, Descendimiento de la cruz; y el Bosco: El juicio final, El carro de heno y el
tríptico de El jardín de las delicias.
Fuera de Flandes fue en España donde este estilo tuvo más éxito. Bartolomé
Bermejo: Piedad del canónigo Desplá y Pedro Berruguete: retablo de Santo Tomás de
Ávila.

19. Barroco y Clasicismo:
Habiendo referido en otras oportunidades a los primeros períodos del arte,
Antigüedad, Grecia y Roma, Temprana Edad Media, Edad Media Tardía, Siglo XV y Siglo
XVI, seguiremos por Barroco y Clasicismo.
En el Siglo XVII, reinaban la escasez y el hambre, epidemias, guerras, rebeliones y
revoluciones. El arte fue la forma en que la iglesia demostraba su poder.
El liderazgo artístico lo tuvo Italia. En Venecia, Génova, Bolonia, Florencia y Nápoles
había comunidades artísticas con lenguajes propios.
La iglesia persuadió y conquistó más fieles debido a las artes, la escenografía de la fé
estaba en esculturas, frescos, cuadros, bóvedas y cúpulas. Siguiendo ese ejemplo,
prelados, príncipes y embajadores practicaban el mecenazgo para mantener su rango.
La decadencia política y económica que presentaba España estaba disimulada con una
producción artística brillante. Alemania, desgastada por la guerra de los treinta años
obligó prácticamente a sus artistas al exilio. Inglaterra poseía una política económica y
comercial agresiva. Los Países Bajos estaban desunidos allí había dos polos artísticos
separados y fecundos, y Francia con el reinado de Luis XIV abarcó los ámbitos
intelectuales y artísticos. (Mignard, cúpula de Val-de-Grace, Trabajpos en Versalles: Le
Vau, Le Notre, arquitecto y diseño de jardines respectivamente.)
A diferencia de otros períodos del arte, el Barroco se caracterizó por el desborde de la
ornamentación y el gran decorado, la simplificación en el tamaño de la figura humana
y la exacerbación y exuberancia de un gran número de figuras y recursos para
ornamentar y disfrazar el mensaje, así como en la literatura se recurrió al uso de
metáforas y en lamúsica a las composiciones recargadas.
El Barroco Romano surgió como respuesta a la ruptura entre católicos y protestantes
luteranos. Una de las piezas claves para esta reconquista fue la Compañía de Jesús.
(Altar de San Ignacio, Roma; Iglesia del Gesú).
Bernini y Borromini fueron dos grandes arquitectos rivales de este período. Bernini
realizó estatuas para el cardenal Borghese, entre ellas Apolo y Dafne, y fue puesto a la
cabeza de laconstrucción de San Pedro por el papa Urbano VIII.
Borromini que trabajó un tiempo en el taller de Bernini y juntos terminaron el
baldaquino de San Pedro, se hizo cargo de la construcción del convento y la iglesia de
San Carlos de las Cuatro Fuentes y luego el oratorio de los filipenses, apartándose de
esta manera de Bernini.
(Cúpula de San Andrés de Quirinal, Bernini; Escalera Regia, Bernini; Oratorio de los
Filipenses, Borromini; San Ivo de la Sapiencia, Borromini).
Las bóvedas y cielos a la romana fueron lo que le ganaron el apodo de la capital del
gran decorado. Se desplegaba grandeza y fastuosidad en bóvedas y techos suntuosos
con temas mitológicos y sagrados. Se amplió la composición y se redujo la escala
humana. (La visión de San Juan Evangelista en Patmos, Decorado de la Bóveda de la
Galería Farnesio).

20. En otros períodos del arte se prefirió el clasicismo de los hermanos Carracci al estilo
del controvertido y violento Caravaggio. Este desdeñaba de Rafael y de lo antiguo,
haciendo un culto de lo feo y lo trivial. Representaba una realidad de manera brutal, ya
que conocía la dureza de la vida por experiencia propia, lo expresaba en su pintura.
La manera única que tuvo de capturar la luz teatralizando y dramatizando fue la
característica principal de su obra. Dedicándose a la pintura religiosa, creó cuadros
sombríos y severos que quizás acercaban al hombre con falacias a una espiritualidad
más sincera.
Luego hubo una oleada de pintores Caravaggistas, como Georges de la Tour, Hendrick
Janz Ter Brugghen o Valentín de Boulogne.
La construcción de San Pedro en Roma aspiraba a reforzar el poder eclesiástico y el
predominio espiritual del Vaticano a través del tiempo asegurándole un papel
destacado entre el resto de los Estados de Italia.
A partir del siglo XVI, también se comenzó, en la pintura, a valorar lo cotidiano, una
naturaleza muerta, una mesa servida, un personaje comiendo. (El comedor de Habas,
Naturaleza muerta con cabeza de carnero).
Diego Velázquez fue el representante de la escuela española, desde la humilde
realidad cotidiana marcó la pintura e influenció la historia.
Era un pintor cortesano que realizaba retratos oficiales, proponiendo poses naturales
para expresar la humanidad del modelo.
En cuanto a las tonalidades que utilizaba, en una primera etapa estuvo muy
influenciado por Caravaggio, para luego trabajar con una pincelada rápida mezclando
los colores y dándoles la sensación de aterciopelado. Llegó a ser un espectacular pintor
realista. (Las meninas, El bufón don Sebastián de Morra).
Rubens fue inventor de composiciones exaltadas, pintor colorista, artista intelectual,
embajador ocasional y amigo de los soberanos. Confirió a su obra color y movimiento,
celebró el cuerpo humano y construyó una fórmula personal. (El rey bebe, Silenio
borracho, Consecuencias de la guerra).
Rembrandt fue considerado el poeta del claroscuro, uno de los más grandes pintores
de todos los períodos del arte. Su audacia formal desconcertó a sus contemporáneos
pero a su vez fue imitado y estimado por la fuerza emocional de sus retratos.
(El pintor en su Taller, Autorretrato del artista ante el caballete, El buey deshollado,
Retrato de una pareja, llamado “La novia judía”).
El grabado en madera apareció en Occidente a mediados de siglo XVI, y el
confeccionado en cobre fue desarrollado gracias a Durero. Era preferido por los
artistas el uso de aguafuertes y buril. Con esta técnica novedosa la obra de arte se
pluralizó.
De esta manera, y a finales del siglo XVII, cerramos una nueva etapa de los períodos
delarte a través de la historia.