El documento resume el arte colonial en México. Tuvo tres influencias principales: indígena, española y mestiza. La arquitectura combinó estilos europeos con elementos prehispánicos. La escultura y pintura se usaron para evangelizar, y evolucionaron de un estilo renacentista a uno barroco. Artistas notables incluyen a Manuel Tolsá y Miguel Cabrera.

1. ARTE COLONIAL EN
MÉXICO

2. INTRODUCCIÓN
El arte colonial, muestra con más vigor los rasgos de la
cultura colonial, pues son notables las influencias
indígenas, como en la Arquitectura, en que la mano de
obra de los naturales impuso algunas modalidades y
elementos prehispánicos mezclados con elementos de
la arquitectura europea introducida por los españoles.
Por la forma de realización son también frecuentes las
mezclas de estilos: románico, gótico y aun algunos
elementos mudéjares.

3. • El arte colonial mexicano en México,
también conocido como "Novohispano”,
floreció en el siglo XVII, cual fue un
reflejo de los ideales políticos y religiosos.
• En este siglo fue un punto sólido en la
política y sobre todo en la economía del
virreinato (una vez concluida la conquista
espiritual) Durante todo este siglo las
artes estuvieron floreciendo cada vez más,
tanto en las bellas artes como en las artes
menores.
• Cuenta con tres períodos, en el primero,
cuál es donde destaca la columna
salomónica, en el segundo periodo destaca
el estípite y en el último se regresa al
clásico y regresa a llamarse barroco
vitriuvano.
CONTEXTO

4. ESCULTURA

5. Hacia fines de XVI traen a México a escultores andaluces
para que tallaran esculturas en madera, las adoraran y
estofaran para decorar los altares y retablos de los templos.
En el XVII la escultura cae en la expresión barroca y se
impregnó de un sentimiento trágico y doloroso: vírgenes y
cristos.
Se pueden encontrar valores ancestrales de la cultura
popular mexicana mucho más fuertes que en la pintura.
Los talladores mestizos e indígenas eran herederos de una
tradición basada en la decoración en relieve.
La escultura es más libre y original que la pintura, sobre
todo más americana, y puede observarse bajo dos aspectos:
obras realizadas por artistas mestizos o indígenas y las
expresiones de tradición renacentista.

6. Trabajos escultóricos por manos indígenas o mestizas: Pulpitos y
pilas bautismales de las iglesias, en los que se muestra la
síntesis entre tradición local y formas europeas, interpretadas en
un estilo decorativo denominado “Tequitqui”.
Escultura de tradición o influencia renacentista: La Virgen María,
realizada en madera dorada y policromada, con proporciones y
rostro que recuerdan a la escultura clásica. También están “La
Virgen del Retablo en la Iglesia de Xochimilco” y “La Virgen de la
Salud” en Pátzcuaro, Michoacán.
Tequitqui

7. Pátzcuaro, Michoacán

8. Nativo de Puebla y autor de las estatuas que rematan las
torres de la catedral en México.
Escultores más importantes
Creador de la escuela de talladores de Querétaro.
Autor de obras maestras de escultura como el Ciprés
Neoclásico de la Catedral de Puebla y la Estatua Ecuestre de
Carlos IV

9. Manuel Tolsá

10. • Surge de la necesidad de contar con imágenes devocionales y decorar
templos y conventos.
• Escuelas de arte y oficios enseñan a los indígenas las técnicas de
escultura policromada y estofada.
• Llegan de España maestros escultores y trabajan bajo ordenanzas
que regulan el trabajo y garantizan buen funcionamiento.
• Tuvo un papel fundamental para la conversión y evangelización de
los indios y como expresión propia de una sociedad mestiza.
• Particularmente expresiva y simbólica, dio forma plástica al
mensaje religioso.
• Influencia europea: manierismo, barroco y neoclásico.
• Copia de estampas y grabados provenientes de Europa.
Características generales

11. La escultura posterior a la conquista se divide en dos áreas: decorativa y
estatuaria. Ambas realizadas en piedra o en madera. El arte plateresco fue
esencialmente escultórico y en la colonia produjo importantes retablos.
Siglo XVI
Características
Esculturas en piedra o madera, reproducciones de grabados y
estampas medievales y renacentistas.
Con el tiempo los indios hicieron su propia interpretación del arte
escultórico.
Combinación de técnica indígena con figuras europeas son los Cristos
de caña de maíz.
Se elaboraban con el bagazo de la caña las partes principales y
se unían con una especie de engrudo; se moldeaba con tiras de papel
tela y se policromaban.

12. Retablos y fachadas sobrias con características renacentistas y
manieristas.
Elaboración reglamentada por normas eclesiásticas (Concilio de
Trento) y por las ordenanzas.
Representaciones de paisajes bíblicos, apóstoles, santas y
santos fundadores del cristianismo.
Las manos y la cabeza de las imágenes se desbastaban en el
mismo bloque.
Policromía tonos oscuros en las vestimentas; tonos cafés, negros
y grises combinados con blancos y ocres. Adornos florales finos y
pequeños.
8

13. Las academias creadas en Europa a partir del siglo XVII se fundaron en lo
racional abandonando la visión netamente religiosa que había dominado los
siglos anteriores. En Nueva España, esta filosofía desató una reacción contra
lo barroco. Así, los retablos eran esencialmente escultóricos, se consideraron
recargardos y se sustituyeron por manifestaciones arquitectónicas. La figura
central de esta época en la Nueva España es el español Manuel Tolsá.
Siglos XVII y XVIII
Características
Devoción a los santos de reciente canonización como San Ignacio de
Loloya o Santa Rosa de Lima.
Los imagineros cortaban la cabeza y manos por separado para
trabajarlas aisladamente y las ensamblaban después de que las
policromaban y encarnaban.

14. Se aplica el esgrafiado; en orlas y cenefas de túnicas y mantos con
pequeños motivos vegetales o animales.
Imágenes con actitudes hieráticas y con ropajes que caen pesadamente,
para la segunda mitad del siglo XVIII, adquieren movimiento. La expresión
es más extrovertida y realista.
La gama de colores se enriquece con azules, rojos y verdes, los diseños
vegetales crecen en dimensiones.
Encarnaciones en tonos rosados. Golpes y heridas se matizan con grises y
azules.
Se acentúa el detalle anatómico.
Materiales complementarios; ojos de vidrio, lágrimas de cristal, pestañas y
pelucas de pelo natural, dientes y huesecillos en las espadas de los Cristos,
telas y encajes encolados, aureolas y resplandores.
8

15. Siglo XVIII
Siglo XVII

16. PINTURA

17. Los misioneros se valieron de la pintura para auxiliarse en su
tarea evangelizadora, haciendo pintar lienzos y paredes con
escenas religiosas.
Utilizaron la pintura, algunas veces realizada por indígenas,
para sus altares y capillas particularmente las abiertas en las
que se oficiaba para grandes núcleos de aborígenes.
El primer pintor de fama que vino a México fue el flamenco
Simón de Pereyns, crea la primera escuela de pintura, con
destacados alumnos como Andrés de la Concha, Alonso de
Villasana y Francisco Zumaya.
PINTURA

18. Con la llegada del primer pintor flamenco Simón Pereyns
(1566-1603) A México durante el segundo tercio del siglo
XVI, se inició el desarrollo de una pintura de caballete
Las primeras pinturas de caballete que llegaron a la Nueva
España fueron traídas por los conquistadores y la utilizaban
para presidir las ceremonias litúrgicas, así como para
proteger cristianamente a los conquistadores.
Pintura del siglo XVI

19. Surge la necesidad de contar con imágenes que apoyaran a los frailes
en su labor evangelizadora
Se crean pinturas como grabados procedentes de Europa que sirvieron
como modelo formal e ícono gráfico a seguir y copiar por los artistas de
Nueva España.
Se difundieron las técnicas de la pintura de caballete al óleo pero
también se incorporaron técnicas mixtas desarrolladas en este nuevo
continente.
Se formaron artistas indígenas que cubrieron la demanda de pinturas
religiosas para las construcciones eclesiásticas de las diferentes
órdenes religiosas.
Gusto por la decoración
Características

20. Paralelamente a la introducción de la técnica de la pintura sobre madera,
se inicia la del empleo de los textiles igualmente importada de Europa
El uso del color estuvo limitado por la simbología cristiana de dichos
colores y su asociación con los personajes o escenas representados.
El estudio de las pinturas sobre lienzo ejecutadas en el siglo xv, con muy
contadas excepciones, revela que la tela está preparada con "gacha" o con
aguacola fría, que recibe, a continuación, una imprimación muy ligera con
base de albayalde mezclado con alguna tierra y molido al aceite.
El manejo color se vio influenciado por las obras que llegaron de Europa al
territorio de la Nueva España
Durante el siglo XVI y el primer tercio del XVII, la paleta del pintor se
componía de seis a doce pigmentos, generalmente de origen mineral
La representacion pictórica más significativas del siglo XVI corresponden
a los frescos realizados en los muros y bóvedas de templos y los
conventos, donde se combinan los motivos platerescos con las formas
medievales; por lo general el color se limita al blanco y negro con toques
rojo ocre

21. El Calvario
Pinturas Murales del Convento
de San Andrés Epazoyucan
He aquí el hombre La Calle de la Amargura

22. Retablo mayor Iglesia
dominica
La muerte de Jesús. El tránsito de la Virgen.
Retablo de la Iglesia de
Cuauhtinchan
La oración del huertoAdoración de los Reyes

23. A partir de los últimos años del siglo XVII la pintura de
tamaño monumental sobre lienzo se desarrolla en México.
Hasta mediados del siglo XVIII en el arte colonial, es
común el uso del almagre o de la tierra roja para la
imprimación de los lienzos; a partir de esa fecha, se pinta
con más libertad sobre preparaciones un poco pardas
En esta época tuvieron una gran influencia los pintores
Rubens y Murillo, no sólo en la paleta, sino también en los
asuntos mismos, pues vinieron a la colonia copias y muchos
grabados de sus obras que sirvieron muchas veces como
pauta para las pinturas que aquí se hicieron.
Pintura de los siglos XVII y
XVIII

24. Sufre un cambio total en la concepción del uso del color y la luz en los
lienzos, reflejado en el uso del reflejo de la luz sobre los objetos,
creando atmósferas claras con gran brillantez y en las que cada
elemento de la obra tiene valores cromáticos propios.
Uso del pigmento verde de cobre, dicho pigmento apareció en la
pintura de caballete a partir de la segunda mitad del siglo XVII,
extendiéndose su uso hasta la segunda década del siglo XVIII.
Con la utilización de bases de preparación, generalmente de color rojo,
el manejo del claroscuro en la pintura se vio acentuado,
proporcionando a la obra una calidad cromáticacálida, que ayudó a
acentuar las sombras
Las escenas violentas, los martirios de Santos, que tanto se pintaron en
el primer período, y los buenos estudios de dibujo anatómico y de
claroscuro, no fueron buscados ni gustados
Características

25. La pintura europeizante del primer barroco culmina en la obra de
Cristóbal de Villalpando y Juan Correa, ambos pintores fecundos y, tal
vez por eso mismo, desiguales en sus respectivas producciones; ambos
alternaron una forma de expresión sombría, estática y de tonos oscuros
con otras figuras dinámicas y tonos claros
Se distinguieron dos pintores de carácter más diferenciados, José de
Ibarra nacido en Guadalajara conocido como el “Murillo
Mexicano”, tanto por su habilidad para copiar el maestro como por el
parecido físico con el. Miguel Cabrera, fundador de la primera Academia
de pintura en México, fue un excelente retratista, de temática
principalmente religiosa; realizó una vasta obra para conventos e
iglesias y es muy conocido el retrato de “Sor Juana Inés de la Cruz”.
ARTISTAS

26. Obras de Juan Correa

27. Obras de Cristóbal de Villalpando
La lactación de Santo
Domingo
La
Anunciación.
La Dolorosa

28. La Virgen del
Apocalipsiso
La Virgen de la
escalera
Adán y Eva en el
Paraíso.

29. ARQUITECTURA

30. Las primeras construcciones se caracterizaron por sus
pesadas fábricas, las capillas abiertas, los atrios, las capillas
posas y las espadañas en donde se sitúan las campanas. Los
agustinos buscaron en sus construcciones menos sobriedad
que los franciscanos y desarrollaron el estilo plateresco. Por
su parte, la orden de los dominicos prefirió el barroco
La arquitectura neoclásica de fines de la colonia alcanzó su
máxima expresión con la obra de Manuel Tolsá; de ella
destaca el Palacio de Minería, edificado en la calle de
Tacuba de la ciudad capital.
Arquitectura

31. Ante la necesidad de conquistadores españoles por llevar a
cabo de forma inmediata sus planes de dominación en
América, antes de la conquista definitiva de México, se
levantaron sitios estratégicos modestas construcciones de
tipo defensivo.
Después de la caída de Tenochtitlán, se empezaron a
construir, a costa de la destrucción de la arquitectura
mexica, escuelas, iglesias y monasterios con estilos
importados de España
ARQUITECTURA COLONIAL

32. Los conventos: Con un estilo plateresco, mudéjar o gótico y la
disposición de sus espacios estuvo definida por la traza moderada
establecida por el virrey Antonio de Mendoza, con el propósito de
señalar las características que deberían tener los conventos de Nueva
España.
Los conventos tenían 3 espacios principales:
Atrio: un patio rectangular limitado por muros altos con almenas y 3
puertas en sus ejes principales, así como en cada esquinas hay capillas
posas, y en el centro una cruz labrada en piedra con relieves
escultóricos
Iglesia: ubicada al fondo del atrio, cuenta con una nave y cubierta con
una bóveda de estilo gótico
Convento: donde habitaban los monjes, con un claustro al centro y las
dependencias alrededor del mismo.
ARQUITECTURA RELIGIOSA
Convento San Francisco de Asis en
Tepeaca

33. Convento de Acolman
Convento de Huejotzingo,
Puebla
Convento de Calpan, Puebla
Convento de San Luis Obispo,
Tlalmanalco
Convento de Atlixco,
Puebla

34. Convento de Yanhuitlán
Convento de YuririaConvento de Actopan
Convento de San Francisco
Javier en Tepotzotlán
Los conventos dominicos fueron más grandes
que de los anteriores y comenzaron a usar el
crucero. La orden de los dominicos prefirió el
barroco y construcciones suntuosas con
pinturas al fresco.

35. Existieron 4 fases:
ARQUITECTURA BARROCA
Barroco sobrio, o de estructuras clasicistas con decoración superficial.
Conserva los órdenes arquitectónicos con alteración de proporciones,
ruptura de entablamentos, profusión de elementos ornamentales y
multiplicación de formas en puertas, ventanas, nichos, remates y
frontones
Barroco salomónico, en el que predomina el empleo de la columna de
fuste helicoidal, con implicaciones simbólicas para rescatar una serie de
conceptos religiosos a partir del Concilio de Trento (1545-1563). Trata
de reconstruir en imagen el Templo de Salomón con la columna
salomónica cubierta con diversos símbolos cristianos.
Iglesia de Santiago
Tlatelolco
Iglesia de Santa Monica,
Guadalajara

36. Existieron 4 fases:
Barroco estípite, en el que se utiliza de forma estípite. En cuanto al
fuste éste está compuesto por cuatro partes fundamentales: basamento
estípite o sección piramidal invertida, cubo y capitel, cada una de las
cuales representa las partes principales del cuerpo humano
geometrizado.
Ultrabarroco, dentro del cual se encuentra el estilo
churrigueresco, que ande al elemento anterior las pilastras-
nichos y los cortinajes, e interrumpe la columna con figuras
antropomorfas. Exuberante, cubre todo el espacio con relieves
de argamasa o yeso, pintados de blanco o crema con líneas
doradas, o policromados
ARQUITECTURA BARROCA Sagrario de la Catedral de
México
Parroquia de
Tlaxcala

37. El criollo manifiesta su espíritu o esencia de pensamiento: abundancia,
exuberancia, movilidad continua, efervescencia, vida de riqueza y
libertad. La riqueza espiritual cristiana que prometía alcanzar la gloria
divina.
Caracterizan al arte barroco mexicano le yesería policroma, la tintura
de almagre y el azulejo, reflejos de un marcado dualismo: por un lado el
estilo español imitador de obras europeas…
CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL
BARROCO
Iglesia de San
Sebastián

38. Colegiata de Ocotlán
Catedral de ZacatecasIglesia de Santa Prisca
Convento de Santa Rosa
Y por el otro la influencia indígena

39. Destaca sobre todo por los bellos palacios citadinos, casi sin variantes en
su planta: un patio central rodeado por cuatro crujías. En las
construcciones urbanas del siglo XVI hay una fuerte influencia medieval,
aunque es notorio el gusto por la suntuosidad renacentista.
Las fachadas son ostentosas, de acuerdo con la calidad y esplendidez de
los dueños.
ARQUITECTURA CIVIL
La Casa de los Montejo en
Mérida.
El Palacio de Cortés en
Morelos.
La portada de la casa Mazariegos, en San
Cristóbal
de las Casas,

40. BIBLIOGRAFÍA:
• Cantú, J. & García, H. (1996). Historia del Arte. México: Trillas
• Chan, Jane. “Arte Colonial Mexicano”. SlidesShare.
https://es.slideshare.net/mobile/janechan23/arte-colonial-
mexicano
• Bolaños, R. (1985). Historia Patria. México: Ediciones Pedagógicas
• Farga Mullor, María del Rosario. Historia del arte. Segunda Edición.
Pearsons. México (2012)

41. • Díaz Carrillo Daniela de
Fatima.
• Godoy Salazar Irlanda.
• Mendoza Velázquez
Jennifer Alondra.
• Saldivar Marin Luz Anahí.
• Valerio Ramón Michel
Equipo 4. 6L