Este documento describe el contexto musical del Renacimiento entre los siglos XV y XVI. Explica que los géneros musicales predominantes fueron la música sacra, profana e instrumental. Describe las características compositivas generales como el uso del contrapunto y la imitación, y el desarrollo de la sonoridad triádica. También analiza los parámetros musicales de la altura, incluyendo las alturas en la melodía y la simultaneidad, y las duraciones a través del sistema de mensuración.

1. •
Esquema
EL RENACIMIENTO
Siglos XV al XVI (1400-20 a 1600)
• I) GENERALIDADES
• A) Contexto histórico-cultural
 La Europa del Renacimiento
 Cosmovisión de época
 Aspecto Socio-Político-económico
 Los cambios Socio-Político-económicos
y su impacto en el arte
• B) Contexto del arte renacentista
 Figuras del arte renacentista
• C) Contexto Musical
 Géneros Musicales
 Características compositivas generales
 Sistema Musical
 Análisis paramétrico de: Altura y duracion
• a)Altura
 Alturas en la sucesión (melodía)
 Alturas en la simultaneidad ("acordes)
 Digresión: La música ficta
• b) Duraciones
 El sistema de mensuración durante el Renacimiento
• Principales teóricos
• II) EL RENACIMIENTO MUSICAL
A Renacimiento Temprano (1400–1467)
 “Manera inglesa” o “Sonido inglés”
B Renacimiento Pleno (1467-1534)
 El genio de Josquín
C Renacimiento Tardío (1534 - 1600)
 La Reforma Protestante y La Contrarreforma- El Concilio de Trento

2. EL RENACIMIENTO
Siglos XV al XVI (1400-20 a
1600)
I) GENERALIDADES

3. A) Contexto histórico-cultural
La Europa del Renacimiento
• Renacimiento: resurrección de las antiguas
civilizaciones de Grecia y de Roma.
Revalorización de los antiguos escritos Griegos y
Romanos.
• Tuvo origen en Italia donde se lo llama
Quattrocento y Cinquecento. Existencia de
referentes de la antigüedad clásica proporcionados
por monumentos y demás legados en el suelo
italiano. Además del contacto de mercaderes con el
mundo bizantino.

4. Cosmovisión de época
• Antropocentrismo: Se pasa de una cultura
Teocéntrica, a una Antropocéntricamente orientada.
Contribuyen a esta cosmovisión:
– El Heliocentrismo: Copérnico y Galileo Galilei
anuncian esta teoría en la que el sol es el centro del
Universo y no la tierra.
– La expansión colonial : Cambio en la visión de la
tierra (Cristóbal Colón y Fernando de Magallanes
ampliando los límites de un mundo centrado en
Europa)

5. Aspecto Socio-Político-económico
• Se evoluciona del viejo sistema feudal al moderno estado jerárquico.
Establecimiento de monarquías autoritarias con burocracias eficaces y
ejércitos permanentes. En España los Reyes Católicos. En Francia Los Borbones
con Luís XIV. En Inglaterra los Tudor.
• Economía con base agraria. Estado lamentable de los campesinos debido a
que debían mantener los gastos de los terratenientes.
• Prospera la clase burguesa, enriquecida con el comercio.
• Artesanos y personas con oficios se encuadraban en gremios.
• Desarrollo de instrumentos financieros.
• Expansión colonial
• Otras ideas políticas: Nicolás Maquiavelo (1469 - 1527) - Aunque nunca lo dijo,
se le atribuye la frase "el fin justifica los medios", ya que resume muchas de sus
ideas. Considerado como uno de los teóricos políticos más notables del
Renacimiento, abre el camino a la modernidad en su concepción de la política y la
reestructuración social. Considera que en toda comunidad el del pueblo y los
poderosos (que quieren gobernar al pueblo), están en constante conflicto. Sostiene
en los “Discursos” que el mejor régimen es una República donde contener el
conflicto político dentro de la esfera pública.

6. Los cambios Socio-Político-económicos
y su impacto en el arte
• La expansión colonial, cuyo objeto y resultado es una infame
transferencia de riquezas desde las colonias a diferentes
ciudades de Europa, hace posible un activo intercambio
musical que genera los fundamentos de un estilo
internacional.
• Aparece el mecenazgo. El incremento en la subvención del
arte a través de cortes ricas, gobiernos de municipios e
instituciones religiosas, contribuye al desarrollo en el arte,
que se considera como medida del desarrollo del
conocimiento y la cultura.
• Los cambios socio-políticos, el desarrollo de la cultura, de
la vida urbana y los avances científico-tecnológicos
abrieron nuevos horizontes que ya no podían satisfacer las
ideas heredadas de la Edad Media. De ahí que se buscara
inspiración en la antigüedad clásica.

7. En lo esencial, el
sistema de valores
consolidado durante
el Renacimiento,
continúa vigente en
nuestros días.

8. B) Contexto del arte renacentista
• Imitación de la arquitectura y la escultura de Grecia y
Roma.
• Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones
dictados por la razón.
• Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que
proceden de la armonía del todo.
• Creación de obras, cuya claridad y perfección,
atributos exigidos por la razón universal, les dan una
validez permanente.

9. Figuras del arte renacentista
• Francesco Petrarca (1304 –1374) antecesor del renacimiento. Lírico y humanista
italiano, cuya poesía dio lugar a una corriente literaria que influyó en autores como
Garcilaso de la Vega (en España), William Shakespeare y Edmund Spenser (en
Inglaterra), bajo el nombre genérico de Petrarquismo. De concepción humanista,
intentó armonizar el legado grecolatino con las ideas del Cristianismo. Predicó la
unión de Italia para recuperar la grandeza del Imperio romano.
• Sandro Botticelli (1445– 1510) - Pintor cuatrocentista italiano bajo el mecenazgo
de Lorenzo de Médici, Su obra se ha considerado representativa de la gracia lineal
de la pintura del primer Renacimiento, y El nacimiento de Venus y La primavera
son, actualmente, dos de las obras maestras florentinas más conocidas.
• Piero della Francesca (1415 –1492) fue un pintor italiano del Quattrocento (siglo
XV). Especialista en frescos, también matemático, maestro de la perspectiva y de
la geometría euclidiana. Su pintura se caracterizó por su sereno Humanismo y el
uso de las formas geométricas, particularmente en relación con la perspectiva y la
luz. Es uno de los principales y fundamentales personajes del Renacimiento,
aunque jamás trabajó para los Médicis y pasó poco tiempo en Florencia.

10. • Raffaello Sanzio conocido como Rafael (1483 – 1520). Fue un pintor y arquitecto
italiano del Renacimiento pleno. Como inspector de antigüedades, se interesó en el
estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.
• Michelangelo Buonarroti (1475 –1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un
arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes
artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.
Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma,
que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los
diferentes papas romanos
• Leonardo da Vinci (1452- 1519). Notable polímata del Renacimiento italiano (a la vez
Pintor, anatomista, arquitecto, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo,
ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista). Sus primeros trabajos de importancia
fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en
Roma, Boloña y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, por invitación del
rey Francisco I. Es considerado como uno de los más grandes pintores de todos los
tiempos y, probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples
disciplinas que jamás ha existido. Sus pinturas más célebres, La Gioconda, La Última
Cena y el Hombre de Vitruvio, Como ingeniero e inventor, Leonardo desarrolló ideas muy
adelantadas a su tiempo, tales como el helicóptero, el carro de combate, el submarino y el
automóvil. Muy pocos de sus proyectos llegaron a construirse (entre ellos la máquina para
medir el límite elástico de un cable), puesto que la mayoría no eran realizables aún en esa
época. Como científico, Leonardo da Vinci hizo progresar mucho el conocimiento en las
áreas de anatomía, la ingeniería civil, la óptica y la hidrodinámica.Maquiavelo.

11. C) Contexto Musical
• Hay una consistencia estilística
marcadamente uniforme. El dogma,
"...el arte imita a la naturaleza", se
traduce en una exigencia de
naturalidad en la música.
• La aparición de la impresión en la
música, permite un mayor acceso a
partituras y tratados teóricos de música.

12. Géneros Musicales
• Tres géneros musicales predominan en el
Renacimiento:
• Música Sacra: continuación de géneros
anteriores como la Misa y los Motetes.
• Música Profana: nuevas formas generadas a
partir de corrientes nacionales como por ejemplo
el Madrigal Italiano o la Chanson Francesa.
• Música instrumental: favorecida en su desarrollo
por la impresión musical.

13. Características compositivas generales
– En las texturas contrapuntísticas, todas las líneas tienen la misma
jerarquía. El desarrollo melódico y la imitación, permiten la nivelación en
grado de importancia de todas las voces.
– El acorde es producto de la superposición de líneas, pero a fines
del siglo XVI comienzo, a percibirse como unidad y paulatinamente
se impone la sonoridad triádica. A partir de aquí, la composición
por estratos es reemplazada por la composición simultánea.
– Desarrollo de las Cláusulas, fórmulas de cierre: son importantes en la
definición de la Tonalidad.
– La melodía es sencilla, balanceada en frases, y estructurada según la
respiración humana.
– El ritmo es más fluido, suave, uniforme y menos complejo.
– El canto gregoriano es sustituido como fundamento de la
composición, por melodías de canciones populares.
– En la relación texto-música, el texto es en general tratado
indiferentemente en cuanto al significado, al ritmo y a la entonación de
las palabras, pero en determinadas situaciones se busca reproducir su
contenido expresivo.
– Idiomas_ Predomina el Latín en la Iglesia Católica, el Alemán e Inglés
en la Iglesia Protestante, y los idiomas vernáculos en la música popular.

14. Sistema Musical
• Sistema Modal, en común con la época anterior. Las diferencias aparecen
en el tratamiento particular de cada uno de los parámetros del sonido.
• Lenguaje escalístico Serie diatónica de sonidos: Do, re, mi, fa, sol, la, si.
• Cada modo tiene un sonido jerárquicamente más importante: la nota
Final o Principal. Un segundo grado jerárquico es la quinta del Modo,
nota Tenor, (salvo cuando recae sobre el Si en cuyo caso se traslada una
2da arriba). En los Hipomodos este sonido está una 3ra por debajo de su
correspondiente modo auténtico, con la misma excepción para el Si.
• En el siglo XVI aparecen citados por primera vez por Glareanus, dos
modos más: Eólico (sobre la) y Jónico (sobre DO). En la práctica los dos
modos se usan desde mucho antes. El modo Locrio (sobre si) completa el
sistema, pero no es utilizado por problemas cadenciales.
• Cada Final genera dos modos: Auténtico y Plagal, Modos e
Hipomodos, de acuerdo al ámbito de la melodía: Dórico re - re, Hipodórico
la - la, una cuarta más abajo.

15. Análisis paramétrico de: Altura y duracion
a) Altura
1. Alturas en la sucesión (melodía)
2. Alturas en la simultaneidad ("acordes)
3. Digresión: La música ficta
b) Duraciones

16. a) Alturas
1) Alturas en la sucesión (melodía)
• El espacio musical (ámbito) del modo esta limitado a una octava, más
un sonido agregado a cada extremo (a veces dos en un extremo, pero no
en los dos). El máximo ámbito para una melodía es entonces una
octava más una cuarta.
• Melodías con carácter eminentemente vocal, rara vez virtuosísticas,
diatónicas (salvo en la obra de Gesualdo, que constituye una excepción),
en un espacio musical reducido, cuidadosamente balanceada en sus
movimientos ascendentes y descendentes, y en el tratamiento de los
saltos. La ornamentación melódica es discreta y se concentra
principalmente en las cadencias, sobre todo a partir de notas de paso y
bordaduras. La línea del bajo, está igualmente jerarquizada que las
superiores, aunque suele tener un poco menos de actividad rítmica.
Participa en los pasajes imitativos con las restantes voces.
• Cromatismo: Uno de los problemas que plantean en la práctica estas
escalas, es el uso del trítono fa-si, por su difícil entonación (Diabolus in
música). La solución es el descenso del Si a Sib, y más raramente el
ascenso del Fa al Fa#. La coexistencia Si - Sib es la génesis del

17. 2) Alturas en la simultaneidad ("acordes)
• Predominio de los intervalos de 3ras y 6tas en contraste a la sonoridad
estática de 5tas y 8vas. Técnica del fauxbourdon.
• Composiciones a cuatro voces. Como norma, ya a fines del siglo XV. El
punto de partida es la composición a dos voces de los siglos XI-XII
con tenor gregoriano (cantus), y voz superior (discantus). Quedando
establecida una configuración de cuatro voces con los siguientes
componentes:
– Discantus o sopranus: conductor de la melodía.
– Contratenor altus o contralto, voz de relleno armónico.
– Tenor, a veces con el cantus firmus, voz conductora de la composición.
– Contratenor bassus o bajo: voz más grave, soporte armónico.
• Armonía tríadica pretonal: Armonía primariamente modal, no funcional
salvo en las cadencias. Los picos de tensión y relajación son producto del
movimiento de las voces. Consonancias a partir del bajo. Acordes
muchas veces completos.
• Cláusulas, fórmulas de cierre: son importantes en la definición de la
Tonalidad.

18. 3) Digresión: La música ficta (Musica Falsa)
Se caracteriza por:
• Frecuentes sensibilizaciones sobre los modos (ascenso de la sensible) que
comienzan a hacer derrumbar un sistema eminentemente diatónico. Las
alteraciones usadas son: do#, fa#, sol#, sib y mib.
– Do#: sensible del Dórico.
– Fa#: sensible del Mixolidio.
– Sol #: sensible del Eólico. Usado a veces junto al Fa # (Fa#-Sol#-La).
– Sib: en todos los modos evita el trítono, y también el efecto de sensible en una
secuencia ascendente (sol-la-si-do). En los modos transportados mantiene las
relaciones interválicas originales del modo.
– Mib: para evitar el trítono en los modos transportados.
• Multimodalidad y Polimodalidad: diferentes secciones de una obra pueden
aparecer en diferentes modos o, diferentes modos en diferentes voces.
• Son las únicas versiones cromáticas de estos sonidos hasta el siglo XVI
aproximadamente (do# y no re b etc.). La ausencia de un sistema de
temperamento igual, hace imposible el uso de los equivalentes enarmónicos.
• El uso de enarmonías en Gesualdo o en otros compositores, constituyen casos
aislados, y quedan limitados a la práctica vocal.

19. b) Duraciones
• Valores rítmicos: Máxima, Longa, Cuadrada (Breve), semibreve,
mínima, semimínima, fusa y semifusa.
• Condiciones métricas: predominio de compases de 4/2 (en
menor medida 3/1). El pulso lo establece la blanca. Se considera
acentuada la primera de cada dos blancas. El compás 4/2 en la
Polifonía Renacentista es una referencia para la ubicación de
disonancias, valores métricos, etc. En la práctica la acentuación
agógica (duraciones largas con respecto a cortas) en conjunción
con el texto, produce una métrica completamente irregular en
cada una de las partes, no coincidente con el metro.
• Tempo: constante en toda la obra, con cambios producidos en
nuevas secciones. Cambios siempre proporcionales. Metro [flujo
regular de pulsos (tactus)]. La percepción del metro es variada. En
las polifonías horizontales (música religiosa principalmente) la
acentuación agógica, genera en forma natural una polimetría en
el conjunto de las partes.

20. El sistema de mensuración durante el Renacimiento
Los primeros aspectos que se pueden detallar del sistema mensurable del renacimiento
son aquellos elementos de la notación moderna que están ausentes en la escritura
musical de los siglos XV y XVI.
• Ausencia de barras de compás. Las barras de compás aparecen cerca del año
1600, cuando las partituras comienzan a ser publicadas en forma vertical,
mostrando la superposición entre las diferentes partes. Previamente las partes
individuales se imprimen una a continuación de la otra, yuxtapuestas, no
superpuestas.
• Ausencia de ligaduras de prolongación. Esto limita los valores posibles, a las
duraciones del sistema y a las posibles con puntillos.
• Subdivisión ternaria. Actualmente cualquier duración tiene una división natural en
dos duraciones menores. La subdivisión ternaria es producto de valores artificiales.
En el Renacimiento tanto la subdivisión ternaria como la binaria son posibles.
La Ternaria, incluso, se considera más importante (Ternaria = Perfecta, Binaria =
Imperfecta).
• Los valores de las fiiguras, pueden variar. Por lo expuesto arriba, una figura puede
en determinados momentos modificar su duración si pasa de una mensuración
ternaria a una binaria. El Tactus, es el pulso. Significa golpe. Un Tactus de
aproximadamente MM=70-80, es válido para la mayoría de las obras de este
período.

21. Principales teóricos:
• Johannes Tinctoris: "Liber de arte contrapuncti"
(1477)
• Franchino Gaffurio: "Theorica musice" (1492)
"Practica musice" (1496) "De harmonia musicorurn
intramentorum opus" (1518). Incorpora aspecto del
saber "clásico" Griego en a la teoría musical.
• Heinrich Glareanus: "Dodekachordon" (1547)
incorpora cuatro nuevos modos a los ocho existentes,
el Eolio y el Jónico, cada uno con sus correspondiente
hipomodos.
• Gioseffo Zarlino: "Le Institutioni harmoniche" (1558)
expone reglas estrictas en el manejo de las
disonancias, cadencias, etc.

22. II) EL RENACIMIENTO MUSICAL
• El Renacimiento abarca la música de cerca 200 años.
• Durante este periodo la composición experimenta importantes cambios que
se manifiestan en una gran variedad de estilos.
• El Renacimiento musical se divide en tres épocas:
• Renacimiento Temprano (1400–1467)
• Renacimiento Pleno (1467-1534)
• Renacimiento Tardío (1534 - 1600)
• Mientras la música del Renacimiento temprano parece ser la
continuación de la Edad Media, el Renacimiento tardío prepara
el Barroco. El primer gran compositor del Barroco, Claudio
Monteverdi, fundador de la ópera, inicia su carrera con
madrigales renacentistas.
• En los siglos XV y XVI los géneros musicales más cultivados
son la Misa, el Motete y las canciones sobre poemas profanos.

23. • En el siglo XV las composiciones todavía utilizan las fórmulas preestablecidas como
el cantus firmus, el color y la talea. El paso más importante que caracteriza el
nuevo estilo es el uso de la 3ª como consonancia. La textura vuelve más clara
gracias a las tríadas.
• ​ ​ ​
Nace la Misa cíclica: los cinco movimientos (Kyrie-Gloria-Credo-Sanctus y Agnus
Dei) se relacionan a través de utilizar las mismas ideas.
• Durante la época del Renacimiento pleno los compositores se liberan cada vez
más de las formulas preestablecidas. Aparece una nueva técnica compositiva
que consiste en elaborar las obras mediante el desarrollo temático; nace el
estilo imitativo –contrapuntístico. Esta técnica conlleva que por primera vez en
la historia de la música, las voces se compongan simultáneamente.
• La técnica imitativa influye al aspecto tonal: la dimensión armónica adquiere
cada vez más importancia cambiando el sistema modal al sistema tonal –
funcional. Los compositores del Renacimiento tardío aumentan el cromatismo
hasta el límite que aguanta el sistema de afinación natural.
• En el siglo XVI, por la influencia del humanismo italiano, la expresión del texto
adquiere cada vez más importancia no sólo por su forma, sino por su espíritu.
• La música del Renacimiento nace en el Norte de Europa (Inglaterra, Flandes,
Borgoña). Sin embargo, sobre finales del siglo XVI Italia recupera su papel
dominante en el arte de la música.

24. El renacimiento temprano (1400–1467)
“Manera inglesa” o “Sonido inglés”
• Según los contemporáneos, el nuevo estilo musical nace en Inglaterra por Dunstable y de allí pasa al
Norte del continente donde los compositores franco-flamencos Dufay y Binchois escriben obras
novedosas a la manera inglesa.
• “Manera inglesa” significa una sonoridad más rica en colores que en la música anterior. Esta sonoridad
es resultado de tres novedades técnicas:
1. nuevas consonancias como la tercera y la sexta que frente a las consonancias antiguas, son
variables
2. la utilización de la tríada como producto de las nuevas consonancias que produce una textura
más clara homofónica
3. esto produce a su vez el tratamiento cuidadoso de las disonancias
• La música Inglesa del siglo XV tiene una fuerte conexión con el estilo folclórico. Predomina una
tendencia hacia la tonalidad Mayor antes que a los Modos Gregorianos y a texturas homorrítmicas
(Polifonía vertical) antes que a líneas independientes. Hay que mencionar que la mayor claridad
de la textura va junto con una mayor claridad en la forma: las melodías son más sencillas pero
son elegantes; no están sobrecargadas de adornos y melismas que desdibujan su línea y ritmo.
Se contrastan las partes “tutti” y las partes solistas.

25. • Son características las composiciones politextuales
• Esta primera etapa es la de la técnica faburden, con la voz principal en el medio. Su
característica principal es un movimiento paralelo de voces formando acordes de 3ra-6ta,
ubicados entre acordes de 5ta-8va en los comienzos y finales. (No es difícil descubrir
en ello la herencia del organum).
• El principal compositor de este período es John Dunstable (ca. 1390-1453). Quedan de
él, registro de unas 70 obras, entre las cuales hay secciones del Ordinario de la Misa,
Motetes a tres voces (12 de ellos isorrítmicos) utilizando la técnica del faburden y
canciones profanas a tres voces.
• En el continente a esta técnica se la denóminó fauxbourdon (bajo falso), con algunas
diferencias compositivas: voz superior más ornamentada y rítmica, y canto llano en la
voz inferior.

26. • A partir de las décadas que abren el siglo XV, se desenvuelve un proceso que
tuvo como resultado la emergencia de lo que hoy llamamos tríada o acorde
perfecto, conceptos por lo demás desconocidos por Dunstable, Dufay y sus
contemporáneos, quienes habrían analizado sus obras y enseñado a otros cómo
componer en términos de intervalos. La tríada pronto se convirtió en la base
del proceso compositivo y transformó el sonido en general.
• La principal fuente de música escrita del período es el "Old Hall Manuscript",
contiene 147 composiciones que datan del período 1370-1420. Dentro de
ellas hay más de un centenar de realizaciones del Ordinario, en el estilo del
Discanto Inglés, utilizando canto llano en voces interiores. El resto son
motetes, himnos, secuencias. Varias de estas composiciones son
isorrítmicas.

27. El “Quam Pulchra Es” de Dunstable
• No hay ejemplo mejor del “sonido inglés” que el Quam pulchra es, de John Dunstable
(ca. 1390-1453). ¿Qué hay en esta pieza que hubiera llamado la atención a los oídos
continentales de principios del siglo XV? Sin duda fue (utilizando una terminología
moderna) la cualidad triádica, casi de do mayor, de la pieza, o (en términos más
familiares para un músico del siglo XV) la preponderancia de las consonancias
imperfectas (terceras y sextas) y la disonancia estrictamente controlada. En efecto, no
hay una sola disonancia sin preparación entre dos voces cualesquiera en un pulso
que sea estructuralmente importante, característica que ha llevado a los investigadores
actuales a aplicar el término de “panconsonante” a esta obra y otras parecidas.
Tampoco hay ningún caso de consonancias perfectas paralelas (cuartas, quintas y
octavas), que seguían siendo toleradas por los compositores continentales
contemporáneos.

28. El Renacimiento pleno (1467-1534)
• El lenguaje, formado por Dufay, transformándose otra vez por la nueva generación del Norte, se forma el
lenguaje expresivo del Renacimiento. elmáximo representante del nuevo estilo es Josquin Desprèz
[Desprès o des Près (1440 – 1521)].
• Josquin a diferencia de Ockeghem, abandona las formas fijas, utiliza textos estróficos, y su
construcción textural, en vez de ser estratificada es uniformemente imitativa. Es el primer
compositor que domina todas las dimensiones de la composición tanto la melódico-lineal como la
armónico-vertical. Algunos teóricos opinan, con razón, que con Josquin comienza la impronta de la música
europea.
• Josquin descubre el motivo y lo utiliza para desarrollar de ello las frases musicales. Para ello inventa la
técnica imitativa, fuente del contrapunto, que establece la independencia e igualdad de las voces.
Por primera vez en la historia de la música, las voces se componen simultáneamente. Cada frase de
la obra se desarrolla de un motivo diferente formando una estructura libre. Los diferentes tipos de
imitación sirven para formar texturas contrastantes: textura que se aumenta de solo a tutti por la

29. • Josquin recibe su formación contrapuntística en el Norte. Sin embargo, se traslada a Italia
donde descubre una música de carácter popular y de textura homofónico – acórdica. El
compositor consigue unir el estilo contrapuntístico del Norte y el estilo homofónico,
del Sur.
• Los instrumentos participan cada vez más en la interpretación duplicando o
sustituyendo las voces.
• La obra de Josquin comprende misas, motetes y canciones profanas. La mayor parte de
sus obras se editaron después de su muerte. En una época en que no se interpretaron
más que música actual, la popularidad de las obras de Josquin después de su muerte
es un hecho notable. Su fama fue tan grande que Lutero le llamó "maestro de las notas”.
• Sus obras más destacadas son los motetes, cuya forma libre posibilita la realización de
las ideas más extravagantes del compositor.
• El nuevo estilo, formado sobre todo por Josquin será confirmada cerca 50 años más tarde
por el Concilio de Trento (1545 – 1563) como el estilo oficial (stile antico) de la iglesia.

30. Fuentes de manuscritos: los
Códices de Trento
• Siete volúmenes que actualmente se hallan en la
biblioteca del Museo Nacional en el Castello del
Buonconsiglio de Trento, y que contienen en total
más de 1600 composiciones escritas entre
1420 y 1475 aprox. Las transcripciones de éste y
otros manuscritos de este periodo se han
reimpreso en ediciones modernas.

31. RENACIMIENTO TARDÍO (1534 - 1600)
La Reforma Protestante y La Contrarreforma- El Concilio de Trento
La Reforma Protestante
• El Cristianismo experimenta un nuevo cisma iniciado por Martín Lutero, que
indignado particularmente por la Venta de indulgencias, la noche antes del 31 de
octubre de 1517, clavó en la puerta de la Iglesia de Wittenberg, sus 95 tesis
académicas.
• Las nuevas ideas que se empiezan a extender por Europa (Calvinismo,
anglicanismo,…) tienen en común la falta de reconocimiento de la autoridad
del Papa.
• Ante esta situación, la Iglesia reaccionará afirmando sus principales dogmas
y tratando de depurar usos y abusos que habían caracterizado su última
época (Concilio de Trento y Contrarreforma).

32. La Contrarreforma- El Concilio de Trento
• Fue un concilio ecuménico de la Iglesia Católica Romana desarrollado Trento
(ciudad del norte de la Italia), en periodos discontinuos durante 25 sesiones, entre el
año 1545 y el 1563, que abarcaba todas las cuestiones de la iglesia, incluida la música
litúrgica.
• Las decisiones tomadas y expresadas por decretos adquieren el nombre de
contrarreforma.
• El concilio de Trento decretó que las artes y la música deberían de ser más accesibles
a los no educados, a la masa.
• El arte y la música deberían tener como único objetivo servir y aclarar la fe cristiana.
Por eso se fue dejando el manierismo, que se consideraba elitista y deliberadamente
complejo.

33. Música Religiosa protestante del Renacimiento
tardío - Alemania
• Martín Lutero que admira la polifonía religiosa y sobre todo la de Josquin, fue un excelente
tañedor de laúd y cantante. El personalmente pondrá en marcha esta nueva forma de
entender la Música Religiosa:
• Toma su base en el Gregoriano con influencias de los trovadores alemanes y la polifonía
franco flamenca.
• En las misas los himnos alemanes sustituyen la mayoría de los cánticos del Ordinario,
siendo sustituido el latín por el alemán para ser cantados por el pueblo . Los textos
proceden de la Biblia que el propio Lutero se atreverá a traducir al alemán.
• La música se simplifica con respecto al decorativismo y virtuosismo imperante en el periodo
Ars Nova.
• Se cristalizará en una nueva forma compositiva creada por el propio Lutero: El Coral
Protestante. Una música sencilla, regular rítmicamente y con una polifonía sencilla que
se pone al servicio de la letra.
• La música protestante, a partir de la sencillez del Coral, dará ricos frutos musicales en el
Periodo Barroco con figuras como Bach.

34. Formas musicales luteranas
• El Coral Luterano: es un himno congregacional estrófico, cuyos elementos
primarios son el Texto y la melodía. Son melodías simples para cantar al
unísono, sin acompañamiento, ni armonización.
• Coral Polifónico: Johann Walter (1496-1570), el principal colaborador musical
de Lutero, publica un volumen con 38 Corales Polifónicos y 5 Motetes Latinos.
Son corales para coros casi profesionales, no para congregaciones. En la
ejecución se alternan el coro y la congregación cantando al unísono. Los
instrumentos en algunos casos duplican las partes corales.
• Contrafactura: "Parodias" de canciones profanas en las que se retiene la
melodía, pero se modifica el texto. La adaptación de canciones profanas o
polifonía profana para ser utilizada en la Iglesia es una práctica común en el
siglo XVI.
• Estilo cancional: acórdico, rítmicamente sencillo, con la melodía principal en la
voz superior.. Principales compositores: Hans Leo Hassler (1564-1612), Michael
Praetorius (1571-1621), Johann Hermann Schein (1586-1630).
• Motete Coral: es un desarrollo de fines del siglo XVII. Los compositores
luteranos comienzan a utilizar melodías tradicionales como material compositivo.
Los principales compositores son: Hans Leo Hassler, Johannes Eccard (1553-
1611), Leonhard Lechner (1553-1606), Michael Praetorius.

35. La música de la Reforma fuera de Alemania
• De todos los reformistas, el más radical en
cuanto al uso de la música en los servicios
religiosos fue Jean Calvin (1509-1564). De
sus reformas, que excluían cualquier tipo
de referencia a música de origen católico,
surge el Salterio Francés con melodías
compuestas por Loys Bourgeois (1510-
1561). Realizaciones de los Salmos hay de
los compositores: Claude Goudimel (1505-
1572), Claude Le Jeune (1528 o 1530 –
1600 ) en Francia y J.P. Sweelinck (1562-
1621) en los Países Bajos.

36. II) La música religiosa Católica del Renacimiento tardío
• La música religiosa y Católica del Renacimiento tardío se
arraiga en los preceptos emergentes del Concilio de Trento
también llamado contrarreforma, con el que la iglesia
respondía a las reformas realizadas por Martín Lutero,
La iglesia católica orientada por la contrarreforma señaló
como modelo para la composición el “stile antico”, el
estilo Josquin Despréz.
Giovanni Pierluigi da Palestrina (Italia), Orlando di Lasso
(Países Bajos), William Byrd (Inglaterra) y Tomás Luis de
Victoria (España) son los compositores de música Sacra
más importantes de este período.

37. Compositores católicos del Renacimiento tardío
• Giovanni Pierluigi da Palestrina (ca. 1525-1594)
Cuando el obispo de Palestrina accedió al trono papal con el nombre de Julio III, le nombró maestro del coro
de la Cappella Giulia del Vaticano. Giovanni Pierluigi da Palestrina fue el máximo representante del estilo
requerido por el Papa.
Palestrina marca la culminación del estilo polifónico. Su música, prácticamente toda ella de carácter sacro y
a cappella, sin acompañamiento instrumental de ningún tipo, se distingue por su belleza pura, su profunda y
serena espiritualidad y su severidad constructiva. No fue un autor innovador como su contemporáneo Lasso, sino
más bien un tradicionalista que, a partir de los procedimientos y las técnicas usados antes que él, llevó a
su culminación más perfecta y ortodoxa un arte que tenía sus raíces en la Edad Media, de tal manera que
su obra representa el paradigma de tal proceder.
Palestrina fue un compositor prolífico en el que cantidad y calidad no están reñidas. Las misas son las obras en
que más se evidencia la maestría del músico. Unas veces construidas sobre un cantus firmus de procedencia
gregoriana, otras basadas en temas procedentes de motetes o madrigales, tanto propios como de otros autores
contemporáneos o, incluso, de canciones populares.
• William Byrd (1543-1623)
Es el último gran compositor, ejecutante y maestro católico del siglo XVI. Escribe 3 Misas (para 3, 4 y 5 voces
respectivamente), oficios anglicanos incluyendo el Gran Servicio , 60 anthems anglicanos, piezas para teclados y
Motetes. Pasó parte de su niñez como cantor de la Chapel Royal, bajo la dirección del gran Thomas Tallis.
Entre sus discípulos más famosos podemos mencionar a Thomas Tomkins y Thomas Morley.

38. • Orlando di Lasso (1532-1594)
Luego de trabajar en Nápoles y Roma, viaja a Francia e Inglaterra. En 1555 vuelve a los Países Bajos, donde publica sus
primeros trabajos. Un año después, se une a la corte del Duque Albrecht de Baviera, quien intentaba crear un centro musical
en Munich (donde permanecerá por el resto de su vida).. Lasso ganó fama en Europa, y los compositores iban a Munich a
estudiar con él, como los músicos de la Escuela Veneciana Andrea y Giovanni Gabrieli (Ver La Sonata y la Escuela Veneciana).
Entre 1570 y 1580 hizo varias visitas a Italia, donde se puso en contacto con los géneros musicales y las tendencias más
modernas de la Escuela polifónica veneciana.
Fue uno de los más prolíficos, versátiles y universales compositores del Renacimiento tardío, especialmente evidenciado su
talento en sus variados y exquisitos motetes. Escribió más de 2000 composiciones, incluyendo música vocal con
textos en latín, francés, italiano y alemán, en todos los géneros conocidos en su época. Esto incluye motetes,
madrigales, villanellas, chansons francesas, y lieder alemanes. Algunas de sus misas, muestran la influencia de la
Escuela polifónica veneciana, particularmente en el uso del género policoral (por ejemplo en la “Missa osculeter me”, a ocho
voces, basada en sus propios motetes). Tres de estas Misas son para doble coro, y deben haber influenciado a su vez en los
venecianos. Aunque Lasso usó el género sonoro veneciano, su lenguaje armónico permaneció conservador,
adaptando la textura veneciana a sus propios fines.
No se conoce música suya estrictamente instrumental.
Es uno de los compositores del género conocido como música reservata. El significado exacto del término es motivo de
debate, aunque existe consenso entre los musicólogos que implica una disposición de los textos intensamente expresiva,
cromatismo, y lo que podría explicarse como música para conocedores.
Un famoso ejemplo es su serie de 12 motetes titulados Prophetiae Sibyllarum (Profecías de la Sibila), plenos de un amplio
cromatismo que recuerda a Gesualdo.

39. Tomás Luis de Victoria (1548 – 1611)
• Nació en Ávila donde inicia sus estudios musicales de teoría del canto llano,
contrapunto y composición, ejercitándose también en la práctica del teclado. En 1567
emprende viaje a Roma. Ingresó en el Collegium Germanicum, fundado por los jesuitas,
donde pudo recibir lecciones de Giovanni Pierluigi da Palestrina, de quien tuvo
influencias muy notables en sus primeras composiciones, En 1573 sucedió a
Palestrina en el cargo de maestro de capilla del Collegium Romanum.
En su música, enteramente religiosa, usa un lenguaje dramático que se arraiga en el
tratamiento expresivo del texto. Frente a la fluidez meditativa de la música de su
maestro Palestrina, Victoria siempre está dispuesto a interrumpir el contrapunto
fluido para destacar una palabra o frase, sus melodías abundan de saltos, la
línea melódica no osa de equilibrio, sino de expresión. Tal dramatismo
también se manifiesta por el contraste de diferentes texturas: Victoria
utiliza una gran variedad de tipos de imitación consiguiendo de esta manera un
cambio constante de la densidad de la textura. También son frecuentes las
frases homofónicas intercaladas entre las contrapuntísticas.
La obra de Victoria es poca en comparación con la de sus coetáneos: 20 misas, 45
motetes y otras composiciones de función litúrgica: himnos para todo el año litúrgico,
Magnificats, Salmos. Una de sus mejores obras es el Oficio de Semana Santa.

40. Manierismo
• A finales del siglo XVI, acabando el
Renacimiento, se desarrolló un estilo
manierista radical. En música profana,
especialmente en el madrigal, había una
tendencia hacia la complejidad y hasta el
cromatismo extremo (como se observa en
las madrigales de Luzzaschi, Marenzio, y
Gesualdo). El término "manierismo" se
deriva de la historia del arte.

41. La escuela Borgoñona - los compositores
franco-flamencos
• El ducado de Borgoña (Flandes), es un feudo que florece
como centro cultural en el siglo XV y desaparece en el año
1477, cuando el condado de Flandes pasa a la dinastía de
los Habsburgo. Comprende lo que actualmente es Holanda,
Bélgica, Luxemburgo y nordeste de Francia. Es el centro de
la escena musical del siglo XV. Su capital fue Dijon. El arte
franco-flamenco de esta época se considera un nuevo
Ars Nova a partir de 1430.
• El predominio de los músicos del norte, que se había
iniciado a comienzos del siglo XV queda claramente
ilustrado por las carreras de sus principales compositores y
ejecutantes entre 1450 y 1550. La mayoría de esos
hombres pasaron gran parte de sus vidas al servicio del rey
de Francia, del papa o del Emperador del Sacro Imperio
Romano (servicio éste que podía llevarlos a España,
Alemania, Bohemia o Austria). En Italia, las cortes o
ciudades de Nápoles, Florencia, Ferrara, Módena,
Mantua, Milán y Venecia eran los centros principales de
los compositores franceses, flamencos y neerlandeses.

42. Géneros musicales borgoñones
• Los tipos principales de composición de la escuela de Borgoña fueron Misa, Magnificat, Motete y Chanson
(canción popular con texto en francés).
• Misas: El siglo XV, es el comienzo de la tendencia hacia las Misas Cíclicas con el din de de lograr cohesión en la
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obra completa, en las que los 5 movimientos del Ordinario (Kyrie-Gloria-Credo-Sanctus y Agnus Dei) están
unificados basando cada uno de ellos en el mismo material preexistente utilizando el mismo tenor en todos los
movimientos (Misa de Tenor o Misa de Cantus Firmus). El tenor puede no ser litúrgico y a l igual que en los
motetes, el tenor (canto-llano) pasa a ser la voz inmediata a la inferior.
A mediados del siglo XV la distribución usual es a cuatro voces y con los siguientes componentes: bajo
(contratenor bassus), tenor, contralto (contratenor altus) y soprano (discantus o sopranus = superior).
Las primeras misas cíclicas las escriben los compositores ingleses. A partir de 1450, se extiende el género entre
los compositores continentales.
• El magníficat es un género de música polifónica vocal religiosa, similar a la cantata, pero de menor extensión,
basado en un pasaje bíblico de Evangelio de Lucas que comienza «Magnificat anima mea Dominum»
(engrandece mi alma señor) y que no pertenece al año litúrgico. El magníficat era interpretado antes de las
misas en festividades religiosas extraordinarias.
• Motetes: al igual que las misas se escriben a la manera de la chanson con una parte melódica en la voz superior
melódicamente libre, acoplada a un tenor y a un contratenor completando las tres partes. La voz superior (treble) es
nueva o un canto llano ornamentado. En los motetes borgoñones el canto llano debía ser reconocido. Y
algunos todavía hacen uso de la isorritmia. En el motete medieval, el canto llano estaba en el Tenor, la voz
más grave. En el siglo XV, la voz inferior queda libre para funcionar como fundamento armónico, sobre todo
en las cadencias. Por lo tanto el tenor pasa a ser la voz inmediata a la inferior y tiene el canto-llano.
• La chanson es cualquier realización polifónica de un texto francés. La temática principal es el amor y sobre
todo el amor frustrado. Su estructura principal es el rondeaux.
• La Chanson y las formas fijas (Les formes fixes)
Los motetes de los años 60 del siglo XV eran composiciones muy diferentes de las de los años 20. La canción
profana francesa, en comparación, daba la impresión de permanecer invariable.. Esto fue el resultado de la
tenacidad con la que las llamadas formes fixes (Formas fijas trovadorescas) -rondeau, virelai y Ballade-
mantuvieron su interés en la imaginación de poetas y compositores. En efecto, durante los dos siglos que van
desde 1300 a 1500, estas tres formes fixes definieron la forma de la canción profana francesa.

43. Características compositivas de la
Escuela Franco-Flamenca
• Melodía: es más redondeada, fraseada, respetando la respiración,
claramente articulada, con frecuentes terceras mayores y formación
de tríadas.
• Ritmo: predominio del metro triple (equivalente a un 3/4) y de
proporciones sencillas por influencia de la danza.
• Armonía: la resultante del fauxbourdon.
•
• Densidad polifónica: en los comienzos 3 voces. Desde mediados
del siglo XV la norma son 4 voces.
• Estructura de la composición: formación de períodos simples.
Imitación y variación como recursos de repetición o reiteración.
Alternancia de partes similares o no, incluyendo contrastes en la
densidad textural como forma de articulación (alternancia de partes
escritas para 1, 2, 3 o 4 voces).