Este documento describe la evolución de las formas instrumentales entre el Renacimiento y el Barroco. Explica que en el Renacimiento había formas libres como el preludio y formas basadas en la danza, mientras que en el Barroco surgieron formas como la suite, la fuga, la sonata y el concierto. Resalta compositores como Corelli, Vivaldi y Bach y analiza en detalle géneros como la suite, la fuga, la sonata y el concierto grosso y solista.

1. La música en el
periodo barroco
Las formas instrumentales
Unidad didáctica 2
Francisco Parralejo Masa
C.P.M. ‘Joaquín Villatoro’
Jerez de la Frontera
© 2014

2. La evolución de las formas
instrumentales entre el Renacimiento y el
Barroco

3. Evolución de las formas instrumentales
© Francisco Parralejo Masa 2013
Renacimiento
• Formas libres: Preludio,
intonazione, tocata
• Composiciones basadas en la
liturgia gregoriana
• Recercar
• Canzona
• Formas de danza
• Variaciones (series,
diferencias)
• _
Barroco
• Formas libres: Preludio, tocata,
fantasía
• Composiciones basadas en la
liturgia gregoriana o protestante
• Fuga
• Sonata
• Suite
• Variaciones ..
• Concerto

4. LA SUITE
(PARTITA, ORDRE, SONATA)
Francisco Parralejo Masa
© 2013

5. La Suite
• “An instrumental genre consisting of several movements in
the same key, some or all of which were based on the
forms and styles of dance music” (David Fuller, NGDMM)
 Alternancia de ritmos rápidos y lentos, por danzas
generalmente emparejadas
 Forma binaria simple A:|:B: con algunas excepciones
 Desarrollo inicial en Francia
 Diferenciación ambigua entre música para ser bailada y
para ser escuchada.
 Influencia muy profunda sobre toda la música del período

6. La danza en el Barroco
• Al comienzo del Barroco, “las habilidades en el baile eran cultivadas
diariamente por la nobleza y sus emuladores de clase media,
enseñados por los ubicuos maestros de danza o en los colegios
jesuíticos. Se asumía que el alegre flirteo y las exhibiciones, de
delicadeza en las mujeres y de valor en los hombres, a través de la
danza, eran aspectos saludables y deseables de las relaciones sociales.
Todas las celebraciones, grandes o pequeñas, requerían de un
espectáculo, muy a menudo basado en la danza”. (Rebecca Harris-
Warrick, “Dance”, en NGDMM)
• Peso social e intelectual incrementado exponencialmente en Francia en
el siglo XVII.
• 1661: Creación de la Académie Royale de Danse: La danza como
« l'un des plus honnêtes et des plus nécessaires à former le corps et à
lui donner les premières et les plus naturelles dispositions à toutes
sortes d'exercices »

7. Nicolas Lancret (1690-1743): El baile de La Camargo
Henri Gissey (1621-1673): Luis XIV
como Apolo en Le Ballet de la nuit
(1653)

8. La Suite: Danzas típicas
Obertura /
Preludio
Forma libre
inicial
Alemanda
Tempo
moderado
Metro binario
o cuaternario
Anacrusa
característica
Courante /
Corrente
Tempo rápido
Metro
ternario
Juegos
rítmicos
Zarabanda
Tempo lento
Metro
ternario
Muy
expresivo
Giga
Tempo rápido
Compás de 6/
8 o derivado

9. LaSuite:danzasadicionales Danza Tempo Metro Características
Pavana Lento Binario Forma generalmente AABBCC
Gallarda Rápido 6/8
Bourrée Rápido Binario Anacrusa inicial y ritmo sincopado
Gavota Moderado Binario
Minueto Moderado Ternario Estructura Minueto – Trío – Minueto
Passepied Rápido Ternario
Siciliana Lento 6/8 Preeminencia modo menor. Figuración
Rondó Rápido Forma ritornello
Musette Imita la nota pedal de una gaita (musette)
Hornpipe Moderado Ternario

10. La Suite en Francia
• Ornamentación profusa
• Ritmos característicos
• Escaso contrapunto
• Títulos descriptivos o sugerentes
• Numerosas colecciones a solo para clave y
laúd
• Forma de cámara
• Suites orquestales extraídas esencialmente
de espectáculos escénicos

11. La música francesa para viola da gamba
Importante tradición, tanto como solista como en consort:
- Jean de Sainte-Colombe (1640-1700)
- Antonio Forqueray (1672-1745)
Marin Marais (1656-1728):
• 5 libros de suites para viola da gamba
• 2 libros de Pièces en trio
• Importante tradición lírica

12. La música para teclado en Francia
François Couperin (1668-1733)
• Capacidad de síntesis de estilos.
• Obras para teclado:
• L'art de toucher le clavecin (1716) / 4 Libros de Suites
• Música de cámara:
• Concerts royaux / Les Goûts réunis / Les Nations
Jean-Philippe Rameau (1683-1764)
• Planteamiento ecléctico con diversas fuentes de influencia
• Concepción armónica revolucionaria
• Obras para teclado: 3 libros de Piezas para clavecín
• Música de cámara: Pièces de clavecin en concert

13. • Consagración como género orquestal:
– Forma pura de concierto: estilización
– Pérdida del carácter danzable
– Incremento del número de movimientos,
incluyendo números ajenos
– Peso creciente de las oberturas
– Inclusión progresiva de instrumentos solistas
• Georg Philipp Telemann (1681-1767)
• Georg Frideric Haendel (1685-1759)
– Water Music / Music for the Royal Fireworks
La suite alemana

14. Las Suites de J. S. Bach
• Riqueza y diversidad de estilos
• Importancia del contrapunto (real y figurado)
– 6 Suites para cello solo
– 3 Sonatas & 3 Partitas para violín solo
– Suites para teclado:
• Suites inglesas
• Suites francesas
• Partitas
– 4 Suites orquestales

15. FORMAS DE VARIACIÓN

16. Composiciones derivadas de la liturgia
• Desarrollo a partir de la liturgia gregoriana o del coral protestante
• Centralidad absoluta del órgano. Importancia de la construcción de órganos en
Alemania gracias a Andreas Silbermann y sus descendientes
• Formas “de obliggo”: Basadas en elementos preexistentes
– Variaciones sobre un bajo
– Variaciones sobre un tema
– Variaciones sobre el coral
• partita o variación coral, en la que el coral permanece inalterable y se van sucediendo distintas
pautas contrapuntísticas que los complementan en sucesivas variaciones.
• fantasía coral, forma rapsódica y virtuosa en la que el coral se fragmenta.
• fuga coral, en que la melodía original se usa como tema para fuga, bien sólo su frase inicial, bien
fragmentándolo en distintas fuguetas.
• preludio coral, una única variación del coral (correspondería a una de las variaciones de la partita),
Normalmente antecede a la interpretación del coral por parte de la congregación.

17. El órgano en el Barroco
Johann Pachelbel (1653-1706)
• Estilo muy italianizante
• Insistencia en la línea melódica con menos contrapunto
• Elementos rapsódicos especialmente sobre pedales
Dietrich Buxtehude
(1637-1707)
• Contrapunto mucho más desarrollado
• Armonía muy avanzada
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
• Clara influencia italiana: uso de los ritornelli
• Trabajo más concentrado sobre pocos motivos
• Importancia de las formas rapsódicas (toccata, preludio o fantasía)
combinadas con una fuga
• Sonatas en trío adaptadas para el órgano en estilo italiano
• Trabajo sobre las formas corales

18. LAS FORMAS LIBRES
LA FUGA

19. Formas libres
• Toccata / preludio / fantasía / Tiento
• Girolamo Frescobaldi (1583-1643)
– Fiori musicali (1635)
– Cromatismo muy marcado
– Técnica muy avanzada para el teclado
– Tempo muy inestable con amplio rubato
– Herencia de técnicas improvisatorias
• Desarrollo ligado a la música religiosa
• Emparejamiento progresivo con la fugaGirolamo Frescobaldi
(1583-1643)

20. Del Ricercar a la fuga
• Forma contrapuntística (ricercar: volver a buscar)
• Ricercar politemático: temas distintos en cada
sección con imitación variada
• Ricercar monotemático (“sopra un sogetto”): Un
único tema sometido a una larga serie de
variaciones, bien con modificaciones sobre el tema
original o bien con la inserción de distintos
contrasujetos. Antecedente claro de la fuga.
• Girolamo Frescobaldi (1583-1643)
• Evolución hacia la fuga: J. S. Bach (1685-1750)

21. La fuga
• Sujeto
• Respuesta
• Contrasujeto
Exposición
• [Stretto]
• [Pedal]
• [Inversión]
• [Aumentación]
• [Disminución]
Episodios
• Reexposición del
sujeto en la
tonalidad
• Coda
Sección final &
Coda

22. Johann Sebastian Bach
• Preludios y fugas para órgano
• El clave bien temperado: Colección de
48 preludios y fugas en todas las
tonalidades: consolidación del nuevo
sistema de afinación

23. LA SONATA

24. Primera evolución

25. Arcangelo Corelli
(1653-1713)

26. Las sonatas de Corelli
• Opp. 1-4 incluyen 12 sonatas “a tre”
• Op. 5 incluye 12 sonatas a solo
• Op. 6 incluye 12 concerti grossi
Sonatas en trío y sonatas a solo
Importancia del desarrollo armónico con un lenguaje continuo y articulado
Inclusión creciente del contrapunto
• Movimiento I: Dos voces imitativas contra el bajo integrado en el tejido polifónico
• Movimiento II: Variaciones con componentes muy imitativos
• Movimiento III: Tiempo lento de danza, generalmente Sarabanda
• Movimiento IV: Tiempo rápido de danza, generalmente Giga
Estandarización de la forma en cuatro movimientos:

27. Desarrollos posteriores a Corelli
• Consolidación del modelo solista de Corelli
especialmente gracias al éxito internacional del op. 5
• Desarrollos de la sonata en trío: Haendel, Telemann,
Jan Dismas Zelenka (1679-1745)
• Desarrollos de la sonata a solo: Giuseppe Tartini
(1692-1770) y Pietro Antonio Locatelli (1695-1764)
Giuseppe
Tartini
(1692-1770)
Pietro
Antonio
Locatelli
(1695-1764)
Jan Dismas
Zelenka
(1679-1745)

28. Domenico Scarlatti Vinculación a la corte real española
550 sonatas para teclado
• Parte expositiva en la tónica
• Parte contrastante en la dominante
que resuelve nuevamente en la tónica
Estructura bipartita:
• Uso de la disonancia
• Uso extensivo de las modulaciones
Armonía muy rica

29. EL CONCIERTO

30. El Concerto Grosso
• Forma barroca basada en la contraposición entre un pequeño
grupo de solistas (concertino) y una orquesta completa (el tutti)
• Extensión del concepto formal de la sonata a una estructura
orquestal
• Primera gran colección: 12 Concerti Grossi, op. 6 de Arcangelo
Corelli: concertino compuesto de 2 violines y cello y ripieno
únicamente de cuerda
• Extensión de la forma con la obra de Francesco Geminiani (1687-
1762), Locatelli, Tartini, Giuseppe Torelli (1685-1709), Tomaso
Albinoni (1671-1751) y Haendel.
• Cierre final de la forma con los Conciertos de Brandemburgo de
Bach.

31. El concierto solista
• Obra para instrumento solista y orquesta
• Estructura en tres movimientos Rápido – Lento – Rápido
• Diferenciación clara entre solo y tutti:
– Solos muy virtuosos
– Tutti melódicos fácilmente memorizables y tendentes al
desarrollo
• Estructura de ritornelli
• Movimiento lento dejado a la improvisación del solista con
pocos acordes
• Importancia de la obra de Giuseppe Torelli (1685-1709)

32. Antonio Vivaldi
• Tres movimientos (rápido – lento – rápido) con una posible
introducción lenta
• Cambios esenciales en la estructura del concierto solista:
– El primer ritornello incluye tres o más ideas contrastantes. La
última de ellas suele estar conectada a la primera.
– Los siguientes ritornelli no citan todo el material original, sino
únicamente partes significativas. El último recapitula todos los
elementos.
– Los episodios a solo raramente están conectados entre sí o con
el material de los ritornelli. Evolución a medida que avanza la
producción del compositor.
– Los episodios a solo están dominados por secuencias
armónico-rítmicas de carácter virtuoso, armónicamente más
inestables.
– En los movimientos rápidos suele haber cuatro o cinco
exposiciones del ritornello. Uno de ellos, al menos, suele
cambiar la modalidad original

33. Ejemplo: Concierto op. , n.
• 1er movimiento:
– Ritornello con cuatro motivos que nunca aparecen posteriormente juntos. El primero y el último
de los motivos están conectados entre sí
• 2º movimiento: Período extendido a partir de un fortspinnung
• 3er movimiento: Forma ritornello en el que el último ritornello presenta material nuevo.

34. La música en el
periodo barroco
Las formas instrumentales
Unidad didáctica 2
Francisco Parralejo Masa
C.P.M. ‘Joaquín Villatoro’
Jerez de la Frontera
© 2014