Musica en el Renacimiento

1. EL RENACIMIENTO

2. Introducción
• Renacimiento: siglos XV y XVI
• Exaltación de lo humano frente a lo divino: antropocentrismo
• Interés renovado por la Antigüedad Clásica
• Organización de los estados:base de la organización política
europea actual
• Gran avance en las ciencias: Galileo Galilei, Copérnico, da
Vinci
• Desarrollo de los centros urbanos y la burquesía
• Invención de la imprenta:
– Petrucci. Uso de la “triple impresión”
– Attaignant. Impresión a una sóla plancha

3. Características de la música
renacentista
• Polifonía a cuatro voces mixtas
• Acercamiento a nuestro sistema tonal
• Dos texturas preferidas
– Homofónica (vertical o de acordes)
– Imitativa (contrapuntística)
• Numerosas obras teóricas sobre práctica instrumental, notación e instrumentos
musicales
• Unión entre la música y el texto. Empleo frecuente de “madrigalismos”
• Empleo de las reglas de la Música Ficta
• Comienza a diferenciarse la música vocal de la instrumental. Aparición de las
primeras partituras impresas de conjunto

4. La música inglesa del
Renacimiento

5. La escuela Inglesa
• En el siglo XV aparece en Inglaterra un nuevo estilo
musical, diferente a la música continental
• Recursos:
– Predilección por la textura homofónica
– Empleo de la sonoridad del acorde de 3ª y 6ª
– Tendencia a la tonalidad mayor
• John Dunstable (1390-1453)
– Su servicio al Duque de Bedford, regente de Francia,
justifica su presencia en el continente
– Uso del fauxbordon (6ª paralelas)
– Estilo brillante, alegre y consonante
– Compone principalmente antífonas votivas y carol

6. La polifonía inglesa del XVI
• POLIFONÍA RELIGIOSA
– 1540. Enrique VIII provoca la ruptura entre Inglaterra y el
papado
– 1549. Eduardo VI adopta el Protestantismo y se crea el
Common Prayer como único libro litúrgico
– Las principales formas religiosas son el Anthem (motete) y los
Servicios (equivale a la misa)
– Los principales compositores son Orlando Gibbons y William
Byrd
• POLIFONÍA PROFANA
– El género más cultivado es el madrigal, de estilo homofónico,
melodía sencilla en la voz superior y ritmo de danza. Los
estribillos suelen ser vocalizaciones sobre las sílaba “fa-la” (Now
is the month of maying). Los principales cultivadores son T.
Morley, T. Weelkes y J. Wilbye
– Otro género son los Ayres, canciones para solista con
acompañamiento de laúd. El principal compositor es Dowland.

7. La escuela franco-flamenca

8. La escuela franco-flamenca
• Domina el panorama musical europeo entre 1450 y 1550
• Primera generación:
– Guillaume Dufay
– Miembro de la capilla papal
– Compone:
• Motetes: a cuatro voces, isorrítmicos, tenor sacado del gregoriano y texto religioso
• Chanson: canción de amor, a tres voces
• Misas: Ordinario: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus y Agnus Dei, todos unificados por el mismo
cantus firmus que puede ser sacado de la música profana (“L’homme armé”)
– Guilles Binchois
– Estilo similar a Dufay:
• Textura a tres voces
• Influencia de la música inglesa
• Estilo arcaico del motete isorrítmico para las ceremonias religiosas solemnes

9. • Segunda generación:
– Características:
– Textura a cuatro voces
– Ocasional empleo del contrapunto imitativo
– Representantes:
– Busnois (1430-1492):
• Añade una cuarta voz en el grave a la chanson
• Compone los textos de sus piezas
• Misa de L’homme armé
– Ockeghem (1425-1497):
• Maestro de capilla del rey de Francia
• Profesor de Busnois y Des Prez
• Estilo bastante conservador, compone sobre todo misas y
motetes
• Como Busnois amplia el registro grave

10. • Tercera generación
– Características:
– Domina la textura de contrapunto imitativo
– Odhecaton es una de las principales antologías de música vocal de este periodo
– Relación con la polifonía italiana
– Autores:
– Jacob Obrecht
• Compositor en las cortes de Amberes, Brujas y Ferrara
– Josquin Des Prez (1450-1521)
• Principal compositor de comienzos del s. XVI
• Admirado por Lutero, trabajó para los Sforza en Milán, para la capilla papal y para la corte de Ferrara
• Recursos usados en sus misas
– Parodia
– Soggeto cavato
– Paráfrasis
– Cantus firmus

11. La chanson francesa en el XVI
• Auge de la chanson a mediados de siglo por
influencia del renacimiento italiano y del crecimiento
de la clase burguesa.
• Sus temas son el amor y las cosas cotidianas
• Características estilísticas:
– Armonía sencilla y estilo homofónico
– Melodía silábica, muy rítmica y binaria
– Música programática y descriptiva
– Melodía en la voz superior
– Versos de diez sílabas
• Principales compositores:
– Sermisy
– Janequin
– Verdelot

12. La polifonía religiosa

13. POLIFONÍA RELIGIOSA
• LA MÚSICA EN LA REFORMA
– Lutero incide en la importancia de la música en la
educación
– Era un gran admirador de la polifonía franco-flamenca de
Jusquin des Prez
– Instauró la “misa alemana” que facilitaba la participación
del pueblo
– El principal canto religioso de la iglesia reformada es el
coral
– Está basado en una melodía gregoriana
– Primero monódico y luego a varias voces
– El texto se divide en versos que acaban en calderones o reposos
– Su forma habitual es AAB
– Su estilo es sencillo y silábico

14. • LA MÚSICA EN LA CONTRARREFORMA
– Problemas de la música religiosa:
– Creciente espíritu profano (uso de melodías populares)
– La polifonía compleja no permite la comprensión del texto
– Uso de instrumentos en la iglesia
– Relajo de los cantores
– Nuevas normas introducidas por el Concilio de Trento (1545-1563)
– Homofonía →textos largos / contrapunto→textos cortos
– Se prohiben los cantus firmus profanos
– Uso del órgano como único instrumento
– Representantes:
– Giovanni Pierluigi da Palestrina:
• Estilo silábico y respeto por la acentuación de las palabras
• Melodía cantabile y fluida
• Ámbito que no excede la 9ª
• Polifonía a cuatro voces
• Timbre a capella
– Tomás Luis de Victoria
– Cristobal de Morales

15. El Renacimiento italiano

16. Polifonía profana italiana
• EL MADRIGAL ITALIANO DEL XVI
– El madrigal había surgido en el s. XIV pero su forma
y estilo se modificarán
– En el XVI el madrigal es un poema bucólico o
amoroso con una sola estrofa de varios versos (10 a
16) endecasílabos y heptasílabos de rima libre
– Alternan la textura homofónica y contrapuntística
– Es muy importante la expresión del texto
– Su textura suele ser a 4 o 5 voces
– La evolución del madrigal del XVI marcará el paso al
estilo Barroco

17. • ETAPAS DEL MADRIGAL
– El madrigal temprano (1530-1550)
– Usan textos de calidad con pausas al final de cada verso
– Su armonía es sencilla y su textura homofónica
– La voz superior es la principal, la que lleva la melodía
– Algunos representantes: Verdelot, Arcadelt y Willaert
– El madrigal clásico (1550-1580)
– Tiene efectos más dramáticos y madrigalísticos
– Los textos suelen ser de Petrarca, más extensos y con mayor número de voces (hasta 8) de
la misma importancia
– Entre los principales autores: Cipriano de Rore y Orlando di Lasso (Matona mia cara)
– El madrigal tardío (1580-1620)
– Preludian el estilo barroco, con una expresividad exagerada y algunos son dialogados
– Representantes:
• Carlo Gesualdo (1560-1613), se preocupa principalmente de la experimentación armónica
• Claudio Monteverdi (1567-1643), principal compositor italiano de madrigales, (8 libros, en el 5º ya usa
el bajo continuo), que enlazan el Renacimiento con el Barroco. Usa la armonía con libertad y su
música refleja fielmente el texto (Cruda Amarilli)

18. EL RENACIMIENTO EN
ESPAÑA

19. LA ÉPOCA DE LOS REYES
CATÓLICOS
• La “capilla” real se nutre de músicos españoles y
extranjeros, influenciados por el contrapunto franco-
flamenco y las formas populares italianas
• Cancionero de Palacio: reúne casi 400 obras
– Melodía en la voz superior
– Armonía sencilla
– Tratan sobre el amor cortés o temas populares
– Melodía silábica y cantábile en todas las voces
– Forma principal: el Villancico
• Existen 4 cancioneros con música de este periodo
• Los polifonistas más destacados son Juan del Enzina y
Francisco de Peñalosa

20. LA MÚSICA BAJO EL REINADO
DE CARLOS I Y FELIPE II
• Alcanza su plenitud el Renacimiento musical español
(1516-1598)
• Música vocal
– Cristóbal de Morales
– Tomás Luis de Victoria
• Música instrumental
– Escuela organística: Antonio de Cabezón
– Influencia de Flandes y Londres
– Compone diferencias y tientos
– Escuela vihuelística: Luis de Milán, Luis de Narváez y Diego
Pisador
– Componen fantasías, diferencias y canciones influidos por los laudistas
italianos

21. LA MÚSICA INSTRUMENTAL
RENACENTISTA

22. • Papel de los instrumentos en el Renacimiento:
– Duplicar las voces
– Sustituir la voz en algún fragmento
– Acompañar improvisando
– Interpretar danzas
• Danzas: por grupos:
– pavana-gallarda
– Pasamezzo- saltarello
• Improvisaciones:
– Toccata
– Fantasía
• Piezas basadas en modelos vocales:
– Ricercare (motete)
– Canzona (chanson)
• Variaciones
– En España tientos o diferencias

23. INSTRUMENTOS
RENACENTISTAS

24. chirimias cornetas flautas
sacabuches cromornos flautas bajón

25. laúd
tiorba
Violas de gamba vihuela

26. clavicordio espineta virginal
Clavicembalo/clave/clavecín órgano

29. LA DANZA EN EL
RENACIMIENTO

30. CARACTERÍSTICAS DE LA DANZA
RENACENTISTA
• Se inicia la enseñanza y la teoría da la danza en
el norte de Italia
• Se diferencia entre danza popular y danza
cortesana
• La danza cortesana tendrá sus movimientos
reglados y pierde el carácter pantomímico
• Curt Sachs:
– Danzas corales
– Danzas de pareja
• Grupos de danzas: rápidas y lentas, de pasos y
de saltos

31. Tratados de danza
Siglo XV
• Doménico da Piacenza. De arte saltandi et choreas
ducendi.
– Clasifica los elementos de la danza: compás, manera o temperamento,
memoria, división del terreno y “aire” (calidad del salto)
– Tipo de pasos:
– Naturales: simple, doble, repetición, posición noble, reverencia, vuelta, salto.
– Accidentales: entrechant, paso corrido, cambio de pie.
• Giugielmo Ebreo da Pésaro. Práctica o arte de la danza.
– Habla de los principios fundamentales de la danza:
concordancia entre movimiento y música; memoria de pasos y
encadenamientos; consciencia del espacio; agilidad; expresión
– describe 31 danzas.
– Usa por primera vez el término “balleto”

32. Siglo XVI
• Caroso di Sarmoneta:
– Varios tratados
– Incluye danzas españolas
– No utiliza aún notación coreográfica
• Cesare Negri: La gratia d’amore
– Incluye nociones pedagógicas
– Los pasos descritos tienen una dificultad técnica
superior
• Thoinot Arbeau: Orchesographie
– Incluye pasos y posturas que aún se mantienen en la
actualidad en las escuelas de ballet
– Apartado dedicado a la geometría de las danzas

33. Tipos de danzas
Nombre Compás Tempo Estilo origen
Basse-danse Cuaternario Lento
Deslizada, pasos
cortos y
alzamientos sobre
media punta
La más popular
entre 1400 y 1550
saltarello ¾ Rápido
Saltada sobre las
puntas
italia
Pavana 2/4 o 4/4 lento
Danza baja,
deslizada.
Apertura
Italiano o español
Gallarda 3/4 rápida
Turdión
Gallarda
Volta
Italia (romanesca)
alemanda ternaria lenta
Bailada al
principio por
hombres
alemania

34. Nombre Compás Tempo estilo origen
Corrente o courant ternaria lenta Italia
Branle binario ligera
Sencilla
convariantes locales
Francia
Gavota 2/4 rápida
Baile en círculo con
pequeños saltos
Tenía 3 partes, la
última: musette
Francia
Campesinos del
Gap
Deriva del branle
Zarabanda Ternario Lenta
Prohibida por
obscena
España
Canario ligera
Baile por parejas,
precedente de la
jota
Dos filas
España
Chacona y pasacalle Ternario alegre
Suele estar
compuesta sobre un
bajo ostinato
España

36. • Transición al Barroco
• Escritura a 5 voces
• Temática bucólico-
amorosa: Il pastor
fido de Guarini
• Alternan textura
homofónica y
contrapuntística
• Versos heptasílabos y
endecasílabos de
rima libre
• Uso libre de la
disonancia para
plasmar el significado
del texto
(madrigalismos)

38. Cruda Amarilli, che col nome ancora,
d’amar, ahi lasso! amaramente insegni;
Amarilli, del candido ligustro
più candida e più bella,
ma de l’aspido sordo
e più sorda e più fera e più fugace;
poi che col dir t’offendo,
i’ mi morrò tacendo.
Cruel Amarilli, que con tu propio nombre,
me has enseñado, ¡ay de mí!, a amar amargamente;
Amarilli, más pálida y más bella
que el blanco jazmín,
pero más sorda y más fiera y más fugaz
que el sordo áspid;
puesto que al hablar te ofendo,
moriré en silencio.

40. Flandes en la época de Felipe II