bloque 8

1. La segunda guerra mundial
Fue el conflicto más grande y destructivo de toda la historia.
Alemania invadió Polonia el 1 de septiembre de 1939 y así dio
inicio a la Segunda Guerra Mundial. Como respuesta, Gran
Bretaña y Francia le declararon la guerra a Alemania. Las fuerzas
alemanas invadieron Europa occidental en la primavera de 1940.
-Arte y Segunda Guerra Mundial: un antes y un después.
-LA ESCULTURA DE POSGUERRA: Henry Moore y Antoine
Pevsner
-CINE:
El género de “suspense: Alfred Hitchcock
La comedia ácida: Ernst Lubitsch y Charles Chaplin

2. ARTE Y SEGUNDA GUERRA MUNDIAL: UN ANTES Y
UN DESPUÉS.
Los con
fl
ictos bélicos de gran envergadura dejan una profunda
huella en las expresiones artísticas. La Segunda Guerra Mundial no
solo marcó un antes y un después, si no que derivó a multitud de
formas de abordar la re
fl
exión del con
fl
icto, e incluso de huir de las
imágenes de los horrores de la guerra.
Antes de la guerra hablamos de una Europa de las vanguardias, la
que arranca a partir de la primera mitad del siglo XIX, donde
habían surgido una gran cantidad de corrientes que buscaban
renovar y transformar una visión del arte tradicional, que había
persistido a lo largo de siglos. Una forma de innovar que se
continuaría con el siglo XX, pero se encontraría con el obstáculo de
los
regímenes fascistas.
En lo que se conoce como Entartete Kunst o arte degenerado,
como contraposición a un arte heroico y alemán, los artistas fueron
tildados de degenerados y sujetos a sanciones. Incluso se llegó a
realizar una exposición en Múnich en 1937 donde se recogían
algunas de estas obras que el Tercer Reich de
fi
nía como
“productos enfermos de locura, la impertinencia y la falta de
talento”.
Una extensa lista de nombres conocidos como Marc Chagall,
Edvard Munch, Emil Nolde, e incluso Pablo Picasso estaban bajo
esa etiqueta.
La ocupación de París por los alemanes desde 1941 y la
persecución nazi de este arte, supuso el desmantelamiento de las
vanguardias.
Así, una vez
fi
nalizada la guerra, el epicentro de innovación
artística se desplaza de la capital francesa hasta Nueva York en
EE.UU. que consolida su papel en la modernidad y donde sus
artistas adoptan aires de grandeza y optimismo que contrastan
con la situación de recuperación de Europa tras la desolación.

3. Tras la guerra, una sucesión de
imágenes, fotografías y documentales
mostraron la crudeza del con
fl
icto, y a
su vez inspiró a algunos artistas en su
obra. La guerra, el rechazo del régimen
nazi, y la rebeldía de ciertos artistas,
provocaron una emigración de artistas
europeos
que se desplazaron al nuevo continente.
Los aires de renovación y el rechazo de
las tradiciones y convenciones en el
arte, ayudaron a entender la abstracción
como una forma
importante de expresión artística.
Así asistiremos al nacimiento del
expresionismo abstracto en Estados
Unidos con artistas como J. Pollock y su
Action Painting.

4. LA ESCULTURA DE
POSGUERRA:
Henry Moore y Antoine Pevsner
La escultura después de la segunda
Guerra Mundial también investigará los
caminos iniciados por la abstracción y de
la conquista del espacio vacío.
Oval con puntos
(1968) Henry Moore
LA ESCULTURA DE
POSGUERRA:
Henry Moore y Antoine Pevsner
La escultura después de la segunda
Guerra Mundial también investigará los
caminos iniciados por la abstracción y de
la conquista del espacio vacío.

5. Oval con puntos
(1968) Henry Moore
Henri Moore (1898-1986)
Aunque sus inicios fueron los de un
artista académico, enseguida buscó un
lenguaje propio. En los años veinte se
unió a la corriente artística que volvió su
mirada hacia las formas primitivas
(Picasso, Derain, Brancusi...).
La escultura de Gaudier-Brzeska, así
como las de Jacob Epstein y las
esculturas arcaicas, tendrán una influencia
directa en el trabajo de Moore, que inicia
en 1922 una de sus series más
célebres, Madre e
hijo.
The Rock Drill, (1914) Jacob Epstein
Henry Moore dibujo grupo familiar (1944)

6. Durante los años 1930 se unió al
movimiento modernista.
Moore realizaba varios bocetos y
dibujos para cada escultura.
Sus primeras esculturas mostraban
vacíos convencionales, producto de
extremidades flexionadas que se
separaban y regresaban al cuerpo.
Mujer (1931) Henry Moore
Posteriormente sus figuras se volverán
más abstractas, con vacíos que
penetran directamente en el cuerpo.
Por medio de este tipo de figuras Moore
exploró formas cóncavas y convexas
Las secuelas de la Segunda Guerra
Mundial, el Holocausto y la era de la
bomba atómica infundieron en la
escultura de los años 40 un sentimiento
de que el arte debería regresar a sus
orígenes preculturales y prerracionales.

7. Pieza atómica (1965) Henry Moore
A finales de los años 1940, Moore
comenzó a producir esculturas
moldeando la figura en arcilla o yeso
antes de terminar el trabajo en bronce
usando la técnica de la cera perdida o
en arena.
Los bronces de Moore se volvieron cada
vez más grandes
Mujer yacente con niño, (1975) Henry Moore
Moore coleccionó una variedad de
objetos naturales: cráneos, madera
flotante, piedras y conchas, que le
servían de inspiración.
Para sus trabajos más grandes Moore
creaba modelos a escala antes de
realizar el modelo final y fundir la pieza.
Maqueta para Family Group (1945) Henry Moore

8. Los temas de la obra de Moore son
figuras femeninas, reclinadas, grupos de
madre e hijo y las
más abstractas, son formas encajadas.
Sus esculturas generalmente tienen
espacios vacíos y formas onduladas.
Madre e hijo (1932) Henry Moore
Moore en lo esencial es un escultor
biomórfico. La “Abstracción Biomórfica”
recurre a formas orgánicas, inspiradas
en la naturaleza biológica.
Figura Reclinada (1936) Henry Moore
Antoine Pevsner (1888 –1962)
Escultor ruso nacido en Orel, era hijo de
un ingeniero. Junto con su hermano
Naum Gabo (Naum Pevsner), recibe una
primera formación científica que le
aporta el espíritu de investigación con el
que desarrolla su

9. obra.
En 1911, abandona la Academia de
Bellas Artes de San Petersburgo y viaja
a París, donde admira los trabajos de
Delaunay, Gleizes,
Metzinger y Léger.
En una segunda visita a París en 1913,
conoció a Modigliani y a Archipenko, que
estimularon su interés por el cubismo.
Durante la guerra permaneció en Oslo;
volvió a Rusia en 1917 y enseñó en la
Academia de Bellas Artes de Moscú.
En 1920, Pevsner y Gabo publican el
Manifiesto Realista, en donde afirman
que el arte tiene un valor absolutamente
independiente y una función que
desempeñar en la sociedad.
El gondolero (1914) Archipenko
En 1923 visitó Berlín, donde conoció a
Duchamp.

10. A partir de su encuentro con Duchamp,
abandonó la pintura y se volcó en la
escultura constructivista.
Luego se instaló definitivamente en
París, obteniendo la ciudadanía
francesa en 1930.
En París, Pevsner y Gabo lideraron el
grupo constructivista Abstracción-
Creación, un grupo de artistas que
representaba diversas corrientes del
arte abstracto.
Construcción Dinámica, (1947) – bronce-
Antoine Pevsner
Visión espectral, (1959) -cobre y bronce
oxidados- Antoine Pevsner
En los años treinta, las obras de
Pevsner se expusieron en Amsterdam,
Basilea, Londres, Nueva York y
Chicago. Se caracteriza por el uso de

11. nuevos materiales y su interés por
incluir el espacio en sus obras.
Proyección en el espacio, (1938) Antoine Pevsner
CINE
En la etapa de posguerra, el cine vivirá
una época de esplendor en diversos
países como Italia (neorrealismo), Francia
(cinèma de qualité), Estados Unidos o
Gran Bretaña, mientras que el cine español
quedará marcado por la dictadura
franquista establecida tras la Guerra
Civil.
Una escena de la película: El Ladrón de bicicletas
(1948) Vittorio De Sica
La gran ilusión, de Jean Renoir (1937)
Fruto de la Guerra Fría, en EE.UU
surgirá el macartismo o "caza de brujas"
que persiguió en el cine estadounidense
(y en la cultura en general) cualquier

12. atisbo de antiamericanismo o
comunismo.
Mientras tanto, aparecerían otras
nuevas y pujantes cinematografías,
como las de los países nórdicos o Japón.
El macartismo (Senador McCarthy) es un término
que se utiliza en referencia a acusaciones de
deslealtad, subversión o traición a la patria, sin el
debido respeto a un proceso legal justo donde se
respeten los derechos del acusado
EL GÉNERO DE “SUSPENSE:
ALFRED HITCHCOCK
Alfred Hitchcock (1899- 1980) definía el
suspense en una entrevista para
televisión: «supóngase usted, le decía al
entrevistador, que los espectadores han
visto, antes de que usted y yo nos
sentáramos, que un terrorista ha
colocado una bomba debajo de esta
mesa. Mientras nosotros hablamos

13. tranquilamente de fútbol, ellos estarán
solamente pensando cuándo explorará
la bomba...
(...) El suspense es la sensación que
tiene el espectador de que está en
posesión de una información que el
actor desconoce, de que algo va a pasar
y está esperando que pase».
Se ha dicho con frecuencia que más
que dirigir películas, Hitchcock, dirigía a
los propios espectadores.
Daba una gran importancia al
subconsciente de los espectadores y al
empleo de efectos subliminales. Para
ello, el genio creativo de Hitchcock se
expresa a través de una serie de efectos
visuales o auditivos, de trucos
sorprendentes destinados a hacer que
el público quedara sobrecogido.
Empleó medios no utilizados hasta su
tiempo y de manera tan creativa que se

14. pueden considerar casi todas sus
películas como experimentales...
Fotografías trucadas, decorados extraños
(Salvador Dalí le diseñó los decorados
para la secuencia del sueño de
Recuerda), montajes sorprendentes de
imagen y sonido, fantasías elaboradas a
partir de trucos ópticos, multiplicación de
lentes, superposición de imágenes como las
de Psicosis, cuando mezcla la cara de
Anthony Perkins con la calavera de su
madre...
O la utilización pionera de máquinas y
artilugios en las aves asesinas de su
película Los pájaros (1963).
Mediante todos estos tipos de efectos
provocaba la complicidad del
espectador, que quedaba preso en las
redes de su montaje...

15. En 1926, en El inquilino (The logder),
una película muda, ya usaba una
sucesión de efectos por los que los
espectadores intuían que alguien estaba
detrás de las cámaras construyendo la
ficción de una forma diferente.
El truco más conocido de la película
está destinado a mostrar la angustia de
una familia normal y corriente cuya
tranquilidad se ve perturbada por los
inacabables paseos del misterioso
inquilino del piso de arriba.
Hitchcock construyó un «sonido visual»,
al ser cine mudo, haciendo construir un
suelo de cristal y rodando desde abajo
para que se «vieran» los pasos del
asesino...
Durante su vida como director
experimentó recursos escénicos con el
fin de envolver al espectador en la
trama, ya fuera incluyendo en un diálogo

16. confuso reiteradamente y de forma clara
la palabra «cuchillo» como en La
muchacha de Londres (Blackmail, 1929),
en la que demostró que incluso los
diálogos se podían montar con
creatividad; la bombilla escondida en el
vaso de leche en Sospecha (Suspicion,
1941), el empleo del «zoom» (artilugio
que utilizan los directores de cine con
poca frecuencia) en Vértigo (1958), o
colocando tras la protagonista Janeth
Leigh en Psicosis (1960) aves de presa
disecadas mientras Norman Bates/
Anthony Perkins le habla con
movimientos parecidos a los de los
pájaros sobre su madre, de forma tal
que introducía al espectador
subliminalmente en una atmósfera de
muerte...
El público se introducirá en la atmósfera
que crea Hitchcock en sus películas,

17. gracias a sus extraordinarias
habilidades técnicas, cuando le
entretiene con sus bromas macabras o
con sus apariciones rápidas en casi
todas las películas (cameos), o
contando historias interesantes llenas
de efectos espectaculares...
Sin embargo, los efectos de Hictchock
no estaban fuera de la trama, sobre todo
tras su película Encadenados (1946), no
eran solamente efectos esporádicos con
los que atrae al espectador, pues con
frecuencia el truco marcaba toda la
película, integrándose en el argumento,
como ocurre con La ventana indiscreta
(1954), en la que el protagonista,
temporalmente inválido, está presente
desde una ventana como observador en
todo lo que ocurre en el film, o el
estrangulamiento en el parque de
atracciones de Extraños en un tren (1951)

18. visto únicamente como un reflejo en las
gafas de la víctima caídas en la hierba.
Conocedor de las claves de la
percepción, Hitchcock tenía en cuenta
que el espectador sabe que la heroína,
y más si es la estrella de la película, va
a ser salvada en el último segundo de
las vías del tren en la que está atada.
Por ello el ejemplo más sorprendente es
el asesinato de Janet Leigh en Psicosis
(Pycho, 1960), en la que la estrella es
asesinada en la ducha cuando pasan
solamente veinte minutos de película.
Rompe los esquemas al espectador y ya
puede seguir jugando con él.
LA COMEDIA ÁCIDA:
ERNST LUBITSCH Y CHARLES
CHAPLIN

19. Películas que satirizan aspectos
sociales o culturales desde un punto de
vista mordaz e irónico, y siempre crítico.
La sátira conlleva una ridiculización o
burla del tema que aborda. Se diferencia
de la “parodia" en que su finalidad
principal no es tanto cómica sino crítica.
“To be or not to be” Ernst Lubitsch.
“Ser o no ser” (1942) de Lubitsch es, junto
a “El gran dictador” (1940), de Charles
Chaplin, las películas más divertidas y
sarcásticas que ha hecho el cine sobre
Hitler y el nazismo. El comienzo de la
película es magistral: nos encontramos
en Varsovia, Polonia en Agosto de 1939.
Una compañía teatral promociona una
obra sobre el nazismo llamada
“Gestapo” y uno de sus actores se
pasea disfrazado de Hitler por las calles
de Varsovia, sembrando el desconcierto
en la población.

20. Ante las presiones políticas, la
compañía teatral tendrá que anular la
obra teatral prevista y en su lugar,
tendrán que hacer el clásico de
Shakespeare “Hamlet”. Unos días más
tarde estallará la guerra y el ejército
alemán toma el control de Polonia y
cesarán las funciones teatrales.
Lubitsch utiliza la comedia no como un
género ligero sino como un arma
magistral y afilada contra el apogeo
nazi. A través de la caricaturización del
opresor, consigue desautorizar sus
actos, su ideología.
A pesar de las innumerables críticas que
recibió por este enfoque, su atrevimiento
es indudable y sólo el paso del tiempo le
dio el lugar que merecía. En España, no
se estrenó hasta 1971, casi treinta años
después de ser filmada.

21. “The Great Dictator” Charles
Chaplin
“El gran dictador” (1940) es una película
estadounidense escrita, dirigida y
protagonizada por el británico Charles
Chaplin.
Chaplin era el único cineasta en
Hollywood que seguía realizando
películas mudas cuando el sonido ya
estaba plenamente implantado en el
cine, y esta fue su primera película
sonora y la de mayor éxito.
En el momento de su estreno, Estados
Unidos todavía estaba en paz con la
Alemania nazi, pero la película ya era
una feroz y controvertida condena
contra el nazismo, el fascismo, el
antisemitismo y las dictaduras en
general. En la película, Chaplin define a
los nazis como "hombres-máquinas ".

22. Chaplin interpreta dos papeles, el del
dictador Adenoid Hynkel (clara parodia de
Adolf Hitler) y el del barbero judío. Este
último guarda muchas similitudes con el
personaje más famoso de Chaplin, el
vagabundo Charlot.
Aunque no se especifica si se trata de él
o no, generalmente se considera que en
esta película se produce la última
aparición de Charlot.