UNIDAD DIDÁCTICA nº 6 de la asignatura FUNDAMENTOS DEL ARTE (II).Departamento de Dibujo. IES Aguilar y Eslava, Cabra (Córdoba)

1. UD. 6:
LOS FELICES AÑOS VEINTE.
EL ART DÉCO.

2. ART DECÓ:
- El desarrollo económico mundial y el auge del art déco.
- Características y evolución a partir del Modernismo.
- La pintura de Tamara de Lempicka.
- EL diseño en joyería: Cartier.
- EL diseño en moda: Coco Chanel.
LA ESCULTURA DE LOS AÑOS 20:
- Pablo Gargallo.
- Constantin Brancusi.
Contenidos

3. EL DESARROLLO
ECONÓMICO MUNDIAL Y EL
AUGE DEL ART DÉCO.

4. La denominación
felices años veinte o
años locos
corresponde al
periodo de
prosperidad
económica que tuvo
lugar en Estados
Unidos de 1920 a
1929, como parte del
periodo expansivo de
un ciclo económico.

5. Esta prosperidad
benefició a toda la
sociedad e hizo
que la economía
siguiera creciendo
a un ritmo que no
se había
registrado antes,
generando una
gran burbuja
especulativa.

6. Prosperidad que
finalizaría el 24 de
octubre de 1929,
conocido como el
Jueves Negro, y
con la llegada del
Crack del 29 que
culminaría con el
advenimiento de la
Gran Depresión…

7. Causas:
•En la Primera Guerra Mundial EEUU había
exportado grandes cantidades de armamento y
otros productos a los países europeos. Al finalizar
la guerra, la economía de Europa quedó tocada
seriamente.
•Al acabar la guerra, Inglaterra al igual que
muchos países europeos, tenía deudas con
EEUU, lo que lógicamente favoreció su economía.
Estados Unidos se vio frente a un exceso de
demanda lo que provocó un desarrollo económico
vertiginoso mientras Europa se reconstruía…

9. La expansión de Estados
Unidos se basó en un nuevo
desarrollo técnico que
permitía disminuir costes y
aumentar la producción,
obteniendo más beneficios.

10. En esta época se popularizó el uso del
teléfono, el automóvil y los
electrodomésticos.
Aparatos caros, para los que se aplicó
por primera vez la venta a plazos. Se
desarrolló una oleada consumista que
hizo que se comprara tanto, que los
consumidores se endeudaban por
encima de sus posibilidades.

12. Se popularizó la radio como medio de
comunicación masivo, y la fábrica Ford de
comenzó la producción en cadena de
automóviles.
Se comenzaron la construcción de grandes
rascacielos. Y la sociedad americana vivió
unos años de bienestar y de gran optimismo
frente al futuro

15. CARACTERÍSTICAS Y
EVOLUCIÓN A PARTIR DEL
MODERNISMO.

16. El ART DÉCO fue un movimiento de diseño
popular desarrollado de 1920 a 1939, pero cuya
influencia se extiende hasta la década de 1950 en
algunos países.
El ART DÉCO influyó en las artes decorativas
tales como arquitectura, diseño interior, y diseño
gráfico e industrial, y también en las artes visuales
como la moda, pintura, grabado, escultura y
cinematografía.

18. En 1925 se organizo la Exposition Internationale
des Arts Décoratifs et Industriels Modernes
(Exposición Internacional de Artes Decorativas e
Industriales Modernas) en París, y sus
participantes se llamaron a sí mismos
los modernos.
El término ART DÉCO se acuñó posteriormente
en la retrospectiva titulada «Les Années 25»,
llevada a cabo en París en 1966.

19. El término DÉCO es
por lo tanto un
apócope de la
palabra francesa
décoratif. En inglés
suele suprimirse la
tilde y se escribe
«deco». En español,
la RAE lo ha
normalizado como
art déco, con la tilde
en la «e».

20. El art déco alcanzó su
apogeo en los años 1920.
No tiene raíces o
intenciones políticas o
filosóficas, es casi
puramente decorativo, por
lo que se considera un
estilo burgués.
Pero a pesar del
eclecticismo de sus
influencias formales y
estilísticas, el art déco es
sólido y posee una clara
identidad propia.

21. Su significación
gira en torno al
progreso, la ciudad,
lo urbano, la
maquinaria...
Elegante, funcional
y modernista, el art
déco fue un
avance frente al art
nouveau.

22. El art déco es un estilo
opulento, y su
exageración se atribuye
a una reacción contra la
austeridad producto de
la Primera Guerra
Mundial.
De manera simultánea a
una creciente depresión
económica y al fantasma
del acercamiento de la
Segunda Guerra, había
un deseo intenso de
evasión...

23. La sociedad
gozó de los
placeres de la
vida y del art
déco durante
la era del
jazz.

24. Características:
•Es una amalgama de muchos estilos y
movimientos diversos de principios del siglo XX,
que se inspira en las Primeras Vanguardias.
•Las influencias provienen del constructivismo,
cubismo, futurismo, y del art nouveau, del que
evoluciona, y también del estilo racionalista de
la escuela Bauhaus.
•Los progresivos descubrimientos arqueológicos
en el Antiguo Egipto marcaron sus formas y la
monumentalidad y elementos de sus
composiciones

25. • Por influencia del desarrollo de la técnica,
utilizó las innovaciones de los tiempos para
sus formas: líneas aerodinámicas,
iluminación eléctrica, la radio, el
revestimiento marino y los rascacielos.
• Estas influencias del diseño se expresaron
en formas fraccionadas, cristalinas, con
presencia de bloques cubistas o
rectángulos y el uso de la simetría. El
color se nutrió de las experiencias del
fovismo; trapezoides, zigzags y una
importante geometrización de las formas.

28. La tumba de
Tuthankamon
descubierta en 1922
por Howard Carter,
tuvo mucha influencia
en las artes
decorativas del siglo
XX especialmente en
el Art Déco que incluía
elementos
ornamentales del
antiguo Egipto

30. Muchos patrones de ornamento de Art Déco se se
utilizaron, desde el diseño de zapatos para señoras
hasta las parrillas de radiadores, el diseño de
interiores para teatros y rascacielos como el Edificio
Chrysler.
El estilo art déco llegó incluso a la ingeniería naval,
el transatlántico SS Normandie, cuyo viaje inaugural
tuvo lugar en 1935, fue diseñado incorporando
muchos diseños art déco, incluyendo un salón
comedor cuyo techo y decoración estaba realizada
con vidrio de Lalique. Otros buques con influencia art
déco en su decoración fueron el Île de France, el
Queen Mary y el Nieuw Amsterdam.

34. LA PINTURA DE
TAMARA DE LEMPICKA.

35. Tamara de Lempicka
(1898-1980)
fue "la primera artista en
ser una estrella del
glamour".
Influenciada por el
Cubismo, fue una de las
mayores representantes
del estilo Art Déco en
dos continentes, fue la
artista favorita de
muchas estrellas de
Hollywood y llamada "la
baronesa con pincel".

36. Fue la retratista
más reconocida
de su generación
entre la "alta
burguesía" y la
aristocracia,
pintando
personajes de las
altas esferas
sociales.

37. Retrato del Marqués
Sommi (1925)
Tamara de
Lempicka

38. A través de su red de amistades, fue capaz de
exponer sus pinturas en los salones de mayor
élite del momento.
Su producción se centra en retratos
femeninos y en desnudos de ambos sexos.
Siguiendo la tendencia art decó, pintaba
mujeres etéreas, con ropajes flotantes y dedos
largos, si bien dan una impresión férrea y
escultural por la pincelada pulida y los marcados
contrastes de luces y sombras; son sus mejores
ejemplos, junto con los desnudos.

39. Retrato de Madame
Allan Bott (1930)
Tamara de Lempicka

40. Sus influencias principales son Botticelli, y el
retrato manierista en general, y el Cubismo,
pero sin llegar al arte abstracto.
Empleaba este eclecticismo o fusión de
estilos antiguos para representar temas
actuales, donde las figuras visten ropajes y
peinados de última moda. Aunque las
imágenes más populares de su arte son
desnudos…

41. La bella Rafaela, (1927) Tamara de Lempicka

42. “El hombre incompleto”
(1932)
Tamara de Lempicka

43. “Andrómeda” (1927)
Tamara de Lempicka

44. “Mujer con vestido verde”
(1930)
Tamara de Lempicka

45. “Adán y Eva” (1931)
Tamara de Lempicka

46. “Tamara en
Bugatti
verde” (1929)
Tamara de
Lempicka

47. EL DISEÑO EN JOYERÍA:
CARTIER.

48. La 1ª Guerra Mundial supuso una ruptura en el
diseño de joyería. La guerra cambió el papel
de la mujer en la sociedad. La necesidad de
que las mujeres ocuparan los puestos de trabajo
de los hombres creó una gran emancipación.
Los “Locos Años 20” florecieron con un gusto
por el lujo decadente. La moda femenina
adoptó un estilo masculino y estilizado. Los
pantalones se convirtieron en el símbolo de la
mujer liberada durante el día…

49. La diseñadora “Coco” Chanel, impuso que los pantalones sueltos, estilo pijama,
podía ser signo de elegancia y confort.

50. Pero por la noche,
provocativos
vestidos fueron el
último grito. Las faldas
se acortaron para
enseñar las rodillas,
incluso a veces más,
para bailar los ritmos
de moda: tango,
charleston, fox trot…
Y el pelo se llevaba a
lo “garçonne”.

51. Los accesorios se convirtieron en una
parte muy importante del vestir.
Por lo general consistía en piezas de joyas
de ART DÉCO, como collares de perlas
junto a guantes largos, bolsos,
sombreros, estolas, broches y zapatos
con tacones imposibles…

53. La joyería ART DÉCO se caracterizará por
diseños geométricos, combinaciones de color y
motivos abstractos inspirado en el arte egipcio e
incluso maya o azteca.
Las piedras preciosas más populares del período
ART DÉCO fueron rubíes, zafiros, esmeraldas,
coral, marfil, jade, o cristal de cuarzo que
fueron empleadas como acentos de color junto a
los diamantes o en solitario.
El metal preferido sería el platino.

55. Aunque las combinaciones más comunes eran
las que mezclaban los diamantes con piedras de
color como los zafiros o las esmeraldas, poco a
poco se fue trabajando en igualdad de
condiciones materiales y piedras nobles
(diamantes, zafiros, esmeraldas y rubíes) con
otros de menos valor (onix, coral, jade...)
El primero en introducir estas maravillosas
combinaciones fue el propio Cartier, cuya
colección Tutti Frutti es conocida ya no sólo por
esa combinación de color, sino por ser un trabajo
ejemplo y muestra de las tendencias de la época.

56. Colección Tutti Frutti (1936) Cartier.
Platino, oro blanco, diamantes, zafiros, esmeraldas y rubíes.

57. La empresa Cartier fue
fundada en París en 1847
por Louis-François Cartier.
En 1874, Su hijo Alfred
Cartier comenzó a
administrar la compañía,
pero, a partir de 1900,
serían sus tres hijos, Louis,
Pierre y, especialmente,
Jacques Cartier, los
responsables de desarrollar
la marca Cartier a nivel
mundial…

58. Louis Cartier amigo de
Santos Dumont, pionero
de la aviación, le regaló
el primer reloj de pulsera
en 1901 al saber que no
podía poder mover los
brazos de los mandos
para ver la hora.
Su reloj tuvo tanto éxito,
que Cartier empezó a
comercializarlo en 1908,
bajo el nombre de
Cartier Santos en honor
a aquella amistad.

59. Una tendencia que también se observó en la
joyería ART DÉCO fueron la incorporación de
formas de animales (serpientes, galgos,
pekineses, loros), aunque el más importante de
ellos sería, sin duda, la pantera de Cartier
(1914) que apareció como estampado en uno
de sus relojes y que años más tarde fue
oficialmente nombrada imagen de la casa …

61. Aunque los motivos con más presencia en
esta época fueron los orientales, tanto los
inspirados en Egipto como de China e India.
Se reflejaban de manera clásica (como
brazaletes con dibujos de bambú en
esmeraldas, diamantes y zafiros), como se
trabajaban de manera más original
mezclando turquesas o el ónix.

63. Las piezas estrella de Cartier fueron los brazaletes
que se aventuran en las formas abstractas y
geométricas. El siglo arranca con ímpetu y los códigos
establecidos quedan trastocados: estalla el color con
el fauvismo, el movimiento expresionista alemán o los
ballets rusos que París descubre con sorpresa y
fascinación en 1909.
Cartier crea piezas con nuevas formas en lo que
“estilo moderno”, inaugurando
así el futuro estilo Art Déco adelantándose a sus
rivales en la creación artística.

65. Otra de las piezas características fue el broche, utilizado en
cuellos, solapas, cinturones, zapatos, bolsos, sombreros…

66. Cartier, fue una fuerza de modernidad con sus
innovaciones en diseño y materiales que le vino de
sus frecuentes viajes, sobre todo a Oriente. En su
viaje en 1911 a la India, aprendió nuevas técnicas,
tallas y diseños que causaron sensación en la
Europa, como las piezas de la colección Tutti Frutti.
Cartier fue testigo de la admiración que las joyas y
relojes parisienses suscitaban en los marajás.
Aquellos hombres, dueños de colecciones de
piedras preciosas que parecían haber salido de
cuentos de aventuras acabaron confiando en el
joyero dándole sus propias piedras para que las
montara en piezas contemporáneas, generalmente
en platino.

68. El encargo más
espectacular de todos
fue la remodelación de
las joyas de la corona
de Sir Bhupindra
Singh, Marajá de
Patiala, cliente dueño
del collar más grande
fabricado por la casa
hasta el momento que
incluía el famoso
diamante De Beers, de
234,69 quilates, y 5
vueltas con 2.390
brillantes…

69. Con el tiempo, los
marajás más ricos de la
India se convirtieron en
clientes de Cartier:
el Marajá de Kapurthala,
el Aga Khan, el Sultán de
Mysore, el Nabab de
Rampur, el Nizam de
Hyderabad...

70. EL DISEÑO EN MODA:
COCO CHANEL.

71. Si hay algo icónico
en los años 20 son
las flappers, esas
mujeres
liberadas, que se
enfrentan a las
normas, piden el
voto femenino,
bailan jazz, beben
licores, fuman,
conducen, y se
cortan el pelo en
bobs o el más
atrevido
“Eton Crop”

72. Como se puede
apreciar en el
dibujo de
Eduardo Benito,
un dibujante
español que
triunfó en revistas
como Vogue o
Vanity Fair en
esos años.

73. Gabrielle “Coco” Chanel
(1883-1971)
Se crio en un orfanato de
monjas donde aprendió a
coser y donde le consiguen
un trabajo como costurera,
que abandona para
dedicarse al cabaret.
Uno de sus amantes le
financiará una sombrerería
que abre en París en 1909,
que rápidamente extenderá
a otras ciudades costeras
francesas…

75. En 1910 abre su
casa de moda y
vendrán sus
grandes éxitos:
en 1921 crea el
perfume
CHANEL Nº 5,
en 1927 su
famoso vestido
negro, la
generalización
del punto...

76. Muchos de los gustos
estéticos preferidos de
“Coco” Chanel siguen
siendo actuales:
mujeres altas y
delgadas, uso de
prendas sport y de
influencia masculina,
influencia marinera, los
trajes como prendas
elegantes o la bisutería
como sustituto de las
joyas.
Coco Chanel (1928)

77. Una de las tradiciones más arraigadas de la
vestimenta era asociar el color negro al luto,
una costumbre heredada desde el Imperio
Romano.
Una de las mayores aportaciones de Chanel
fue romper este vínculo e introducir, en la
vida de la mujer, el color negro como
sinónimo de elegancia.

78. El Petite Robe Noir
(PRB), el Little
Black Dress (LBD)
o simplemente el
vestido negro que
revolucionó la
moda en 1926 y
que tras ser
publicado en
Vogue,
fue calificado
como el uniforme
de la mujer
moderna.

79. En la II Guerra Mundial cerraría sus tiendas.
En la ocupación nazi, tuvo un romance con un oficial
alemán y las acusaciones de haber sido una espía nazi
la obligan a exiliarse a Suiza en 1945.
En 1954, regresó a París, reabre su negocio, y triunfa en
Estados Unidos con su pieza estrella estos años: el
traje de tweed. Un traje de chaqueta de lana inglesa
que era un tejido reservado exclusivamente para la ropa
interior.
Trabajó hasta su muerte a los 87 años y en la actualidad
las creaciones de ambas etapas son fuente continua de
inspiración en la moda actual.

81. Traje de tweed o traje Chanel

82. LA ESCULTURA DE LOS AÑOS 20:
- Pablo Gargallo.
- Constantin Brancusi.

83. Pablo Gargallo
(1881-1934)
es considerado uno
de los escultores
más importantes e
innovadores del
siglo XX, a lo largo
de su vida artística
combinó
paralelamente el
clasicismo con la
experimentación.

84. Influido por su amigo Julio González, desarrolló
un estilo de escultura basado en la creación de
objetos tridimensionales de placas planas de
metal, usando también papel y cartón…
Se le considera uno de los artistas más
significativos de la vanguardia española e
internacional.
En 1985 se inauguró el Museo Pablo
Gargallo en Zaragoza.

85. El profeta (1933)
culmina toda su trayectoria
y lo incorpora la
vanguardia cubista en una
escultura que conjuga el
volumen y el vacío, y
posee una gran energía de
carácter expresionista.
El Profeta, (1933) Gargallo

86. Entre sus obras
se encuentran
tres piezas
inspiradas en la
actriz americana,
Greta Garbo…
Retrato de Greta Garbo,
(1930) Gargallo.

87. Torso de mujer,
(1915) Gargallo.

88. David, (1934) Gargallo.

89. Constantin Brancusi
(1876-1957)
de origen rumano, se
desarrolló y se dio a
conocer en París.
Está considerado
como uno de los
grandes escultores
del siglo XX.
Su obra ha influido en
nuevos conceptos de
la forma en escultura.

90. Su obra evolucionó del realismo escultórico
hacia un estilo muy personal, geométrico, con
una eliminación de los detalles que le condujo
casi a la abstracción, proponiendo una
realidad distinta.
Inspirándose en el arte escultórico
prehistórico y africano, intentó mostrar la
naturaleza subyacente al desnudo mediante
una simplificación extrema de la forma.

91. Trabajó el mármol, piedra
caliza, bronce y la madera.
Predomina en sus obras dos
formas simples: el huevo y
el cilindro alargado.
Realizó una serie de
esculturas en metal
llamadas Pájaro en el
espacio.
Pájaro en el espacio (1928), Brancusi.

92. Madre durmiente (1906-10), Brancusi.

93. El beso (1908),
Brancusi.

94. La sabiduría de la tierra
(1909), Brancusi

95. Prometeo (1911), Brancusi

96. La Columna del infinito
(1933), Brancusi