historia del barroco y renacimiento

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2. Barroco
Los acontecimientos del siglo XVI provocaron cambios importantes en el ámbito del arte. El mannerismo y las
secuelas del renacimiento dejan paso al barroco, un arte dinámico que, a pesar de presentar características
constantes, evoluciona y adquiere originalidad en cada país.
Tradicionalmente se denomina "Barroco" al período de transcurre desde el siglo XVII al XVIII. El estilismo especial
que caracteriza al arte barroco alcanzó su momento de madurez plena en Italia hacia 1630 y se desarrolló en los
cuarenta años siguientes. A partir de ese momento se difundió por todas las naciones de Europa.
Se conoce como arte barroco a la etapa artística que se desarrolla en Europa. Es una evolución de las formas
renacentistas, aunque influye además el movimiento religioso de la Reforma católica y la Contrarreforma. El
extraordinario desarrollo del boato de los monarcas absolutos que se hacen construir palacios en cuyas grandes
proporciones y lujo deslumbrantes reflejan su poder.
Renacimiento
El concepto de renacimiento se aplica a la época artística que da comienzo a la Edad Moderna. El término
procede de la obra de Giorgio Vasari Vidas de pintores, escultores y arquitectos famosos, publicada en 1570, pero
hasta el siglo XIX este concepto no recibió una amplia interpretación histórico artística.
De hecho el Renacimiento rompe, conscientemente, con la tradición artística de la Edad Media, a la que califica,
con pleno desprecio, como un estilo de bárbaros o de godos. Y con la misma conciencia se opone al arte
contemporáneo del norte de Europa.
Desde una perspectiva de la evolución artística general de Europa, el Renacimiento significa una ruptura con la
unidad estilística que hasta ese momento había sido supranacional.

3. La arquitectura barroca será la fundadora del
urbanismo moderno. Hay una obsesión por
dinamizar el espacio del edificio, así los
entablamentos se incurvan y los frontones se
parten, y describen curvas, los muros dejan de ser
rectilineos y de cruzarse en ángulos rectos, y sus
salas dejan de ser rectangulares o cuadradas. Se
crea una sensación de movimiento, con
abundantes efectos de luz y ricos juegos de
perspectivas. Y este amor desenfrenado por lo
curvilíneo triunfa en la columna salomónica. En
cuanto a la decoración, conserva los temas
vegetales corrientes del arte clásico. Salvo en
España, la decoración barroca arquitectónica se
manifiesta sobre todo, en los interiores y en las
artes industriales.
Italia continúa durante el barroco a la cabeza de la
arquitectura europea. Ella es también la creadora
del palacio barroco.
La arquitectura renacentista se desarrolla a partir del siglo
XV principalmente en Italia Es común atribuir el lugar de génesis
a la ciudad italiana de Florencia, ciudad donde el gótico apenas
había penetrado, en el momento de la construcción de
la cúpula de la catedra de Santa María del Fiore proyectada
por Filippo Brunelleschi. Tal episodio no sólo es un mero cambio
en el perfil estilístico que predominaba en el escenario
arquitectónico florentino, sino la demostración clara de la ruptura
que vendría posteriormente en la propia forma de producir la
arquitectura, abriendo camino para, no sólo redescubrir el
clasicismo, sino también para la promoción de la tratadística y
para una teorización inédita sobre el tema. Son muchos los
estudiosos que afirman que Brunelleschi construyó, de hecho,
no sólo una cúpula, sino el concepto de un nuevo tipo de
arquitecto: altera las reglas de la construcción civil iniciando un
proceso que, gradualmente, separará al proyectista del
constructor.
Produjo innovaciones en diferentes esferas: tanto en los medios
de producción (técnicas de
construcción y materiales constructivos) como en el lenguaje
arquitectónico, que se plasmaron en una adecuada y completa
teorización.

4. Carlo Maderna: Es el arquitecto más representativo de la transición del manierismo al barroco. Arquitecto de la corte
pontificia, ejecuta en Roma sus dos obras maestras.
- La Fachada De San Pedro el Vaticano
Lorenzo Bernini: Protegido por los papas, comienza su carrera como escultor y termina cultivando también la
pintura.
- Baldaquino de San Pedro: Está formada por
4 columnas salomónicas.
-Plaza de San Pedro: Construye dos inmensos brazos en forma
de elipse para tapar las dependencias vaticanas. Intenta evitar
que exista una visión frontal de San Pedro ya que así la fachada
taparía la cúpula. Por ello fue un error abrir la avenida de la
Conziliazione.
- La Fachada de Santa Susana

5. BRUNELLESCHI FILIPPO: Nacido en Florencia en 1377, Brunelleschi es el más importante arquitecto
del Renacimiento. Es autor del arquetipo de palacio renacentista y el primero en construir iglesias en el
mismo estilo. Prestigioso ya en su tiempo, dedica veinticinco años a resolver el problema técnico que supone
la inmensa cúpula de la catedral florentina. Sus inicios artísticos empiezan en el dibujo y los trabajos de
orfebrería.
·Cúpula de la catedral de Santa María
del Fiore Florencia 1420-1436
·Palacio Pitti (atribuido) 1557-
1566
DONATO BRAMANTE: Nacio en Roma, Monte Asdruvaldo, actual Italia, 1514) Arquitecto y pintor italiano. Fue
el mayor arquitecto del Renacimiento italiano, a caballo entre los siglos XV y XVI, heredero de Brunelleschi y Alberti,
En 1499, tras la caída de Ludovico el Moro, se trasladó a Roma, donde trabajó principalmente al servicio del papa
Julio II. Pintor y arquitecto autor del impactante Cristo a la columna y, sobre todo en la construcción de Santa Maria
presso San Satiro.
·Palazzo della Cancelleria (1513)
·Basilica de San Pedro

6. Ante todo la escultura barroca va a ser la escultura del movimiento. Frente al equilibro y reposo del
Renacimiento, la escultura barroca va a proyectarse dinámicamente hacia fuera. Las composiciones
serán en aspa y la gesticulación expresiva de brazos y manos estarán muy presentes. Los ropajes se
hinchan, sus plegados se multiplican, atendiendo más al movimiento. Con frecuencia es escultura
esencialmente decorativa y forma parte de retablos. Un deseo de pictoricismo y de naturalismo hará que
las superficies se traten de modos diversos, procurando que el mármol o el bronce reproduzcan las
diversas calidades de las cosas. Se contraponen superficies pulidas a otras someramente desbastadas.
Se interpretarán expresiones muy exaltadas como “éxtasis místicos”. También se busca la policromía:
en Italia usando mármoles de diferentes colores, en España y Alemania con la madera pintada en la
tradición medieval. Los géneros que se cultivan en la escultura son: Temas religiosos: alegorías en las
que se muestra el triunfo de la fe sobre la herejía. Mausoleos. Estatuas ecuestres. Fuentes
monumentales.
Stefano Maderno:
-Cuerpo de Santa Cecilia: Cultiva por vez
primera el culto naturalista, reproduciendo el cuerpo
de la santa tal y como se lo encontró en las
catacumbas.
Lorenzo Bernini:
Primera Epoca: Rapto de Proserpina: Gran estudio
sicológico de los personajes.
Lorenzo Bernini:
-Apolo y Dafne.

7. La escultura del Renacimiento se entiende como un proceso de recuperación de la escultura de la Antigüedad
clásica. Los escultores encontraron en los restos artísticos y en los descubrimientos de yacimientos de esa época
pasada la inspiración perfecta para sus obras. También se inspiraron en la naturaleza. En este contexto hay que tener
en cuenta la excepción de los artistas flamencos en el norte de Europa, los cuales además de superar el estilo
figurativo del gótico promovieron un Renacimiento ajeno al italiano, sobre todo en el apartado de la pintura. El renacer
a la antigüedad con el abandono de lo medieval, que para Giorgio Vasari «había sido un mundo propio de godos», y el
reconocimiento de los clásicos con todas sus variantes y matices fue un fenómeno casi exclusivamente desarrollado
en Italia. El arte del Renacimiento logró interpretar la Naturaleza y traducirla con libertad y con conocimiento en gran
multitud de obras maestras.
Miguel Ángel Buonarroti
Piedad del Vaticano
Pietà 1498 -1499: La Virgen María, joven, bella y
piadosa, cuyas vestiduras se expanden con
numerosos pliegues, sostiene a Cristo muerto y
que, intencionadamente, aparenta mayor edad que
la madre, en una composición triangular
sosegada,llena de ternura y que muestra el dolor de
una madre al ver a su hijo muerto en sus brazos.
Miguel Ángel Buonarroti
David 1501-1504: El David contrasta con las representaciones
previas de Donatello y Verrocchio en las que David aparece
con el cuerpo de Goliat asesinado. En la versión de Miguel
Ángel, Goliat no aparece, por lo que se interpreta que aún no
ha sido vencido. El cuerpo de David es el de un hombre
musculoso, no el del muchacho de las obras de Donatello y
Verrocchio. En lugar de aparecer victorioso como en las dos
versiones antes mencionadas, David aparece en tensión y
preparado para el combate.

8. La pintura barroca participa de la mayoría de las características
de la escultura. La pintura cansada de tanta perfección clásica
renacentista e impulsada por el naturalismo, no duda en
representar con la mayor crudeza tipos deformes, e incluso
cadáveres en putrefacción. Al pintor barroco le preocupa sobre
todo el estudio de la expresión que dejará honda huella en la
pintura religiosa. Mientras el Renacimiento procura evitar la
expresión del dolor, el barroco se complace en representarlo en
las escenas de martirio como medio más eficaz para fomentar
la devoción. Esta ansiedad celestial y este deseo de liberarse
de la limitación terrena da lugar al nuevo tipo de pintura
decorativa. En un principio, las superficies de las bóvedas se
decoraban con pinturas donde las escenas aparecen de perfil,
como en un lienzo o pintura mural, pero después se
contemplan en escorzo, como vistas desde abajo. La luz es un
elemento de capital importancia. Si la pintura debe al
Renacimiento la conquista de la perspectiva lineal, tiene que
agradecer al Barroco el dominio de la perspectiva aérea. Se
desvaloriza la línea y, como consecuencia de ello, el plano, así
a la visión renacentista por planos reemplaza la visión en
profundidad del barroco. Aunque se continúa empleando el
fresco, éste se reduce a la decoración de las bóvedas. En
cambio se abandona el temple y se generaliza el óleo y el
lienzo. La iconografía cristiana se enriquece con las
Inmaculadas y las escenas alegóricas del Santísimo
Sacramento. Las representaciones de santos se hacen más
numerosas, pero no obstante la fábula pagana se continúa
cultivando. El retrato se difunde considerablemente,
generalizándose el de cuerpo entero y creándose de forma
definitiva el de grupo. El paisaje, convertido en género
independiente, dentro de su género se cultivan los paisajes de
marina, batallas navales. Aparece el cuadro con escenas
caseras, así como la naturaleza muerta.
Caravaggio y el Naturalismo: Es el primer
artista marginado de la etapa moderna, su
carácter violento convierte su vida en unan serie
ininterrumpida de persecuciones, fugas, y de
muertes. La actitud artística de Caravaggio es la
franca rebeldía, su principal interés es el
problema de la luz. En el Caravaggio la luz se
proyecta sobre la forma con violencia y su
contraste con la sombra es brusco e intenso. A
ello se debe el nombre de tenebrismo con que
se conoce su estilo. Caravaggio es el campeón
del naturalismo barroco.
Vocación de San Mateo
-Muerte de la Virgen: En este caso el modelo
era una mujer ahogada en el Tiber, con el vientre
hinchado, hubo protestas por este cuadro.

9. La pintura renacentista abarca el período de la historia del arte europeo entre el arte de la Edad Media y el barroco.
Como todo el arte del Renacimiento, la pintura de esta época está relacionada con la idea de volver a la antigüedad
clásica, el impacto que tuvo el humanismo sobre artistas y sus patronos, gracias a la adquisición de nuevas
sensibilidades y técnicas artísticas.
Se considera a Italia la cuna de la pintura renacentista al confluir allí las nuevas técnicas (como el descubrimiento
de la perspectiva) con una nueva ideología humanista. Allí se conservaban a la vista los monumentos de
la Antigüedad a la que se quería hacer renacer, buscando modelos de armonía y belleza.
Leonardo da Vinci
La Gioconda1503-1519: Es un óleo sobre
tabla de álamo de 77 × 53 cm, pintado
entre 1503 y 1519,​ y retocado varias veces por
el autor. Se considera el ejemplo más logrado
de sfumato, técnica muy característica de
Leonardo, si bien actualmente su colorido
original es menos perceptible por el
oscurecimiento de los barnices. El cuadro está
protegido por múltiples sistemas de seguridad y
ambientado a temperatura estable para su
preservación óptima. Es revisado
constantemente para verificar y prevenir su
deterioro
Paolo Veronese, h.
Jesús entre los doctores 1560: La obra
representa un asunto habitual en la iconografía
cristiana, pues ilustra el pasaje
homónimo del evangelio de Lucas (2, 41-50), donde se
relata la presencia de Jesús entre los rabíes, o
exégetas del judaísmo, a quienes vence en la
disquisición teológica, aspecto que se señala al situar a
Cristo en lo alto del centro axial de la composición.