9 renacimiento

RENACIMIENTO ITALIANO: CONCEPTO
 El término Renacimiento designa a un amplio movimiento
cultural y artístico cuyos ideales se concretan en una
valoración de la antigüedad clásica, surgido en la Italia del
s. XV, extendiéndose por Europa a lo largo del XVI.
 Caracteriza al período histórico que constituye el inicio de
la Edad Moderna.
 En cada país el Renacimiento adquirió unas características
propias y originales. Se ha dicho que el Renacimiento es el
primer período de la historia en el que sus principales
protagonistas: los humanistas.
 Pero en contra de la opinión más tradicional que suponían
al Renacimiento como una ruptura total con el medievo, la
realidad es que el Renacimiento tiene mucho de
continuación de la Edad Media.

CARACTERÍSTICAS DEL ARTE DEL RENACIMIENTO
 El Renacimiento italiano se desarrolla
cronológicamente a lo largo de los siglos XV, o
Quattrocento (el Cuatrocientos) y el XVI o
Cinquecento (Quinientos). Desde un punto de vista
estético se distinguen tres momentos:
 Un período inicial de experimentación que coincide con
el Quattrocento
 El Clasicismo, que constituye la fase plena y se localiza
en los primeros años del Cinquecento
 El Manierismo, etapa que cierra el Renacimiento y que
desemboca en el arte Barroco.

ORÍGENES Y CONDICIONANTES
 Son varios los hechos que explican el origen y caracterizan
al Renacimiento:
 El naturalismo y florecimiento de las ciudades-estado del
Gótico italiano, y particularmente Florencia, constituye el
precedente más inmediato del Renacimiento.
 El ascenso social de una clase burguesa y el despegue del
capitalismo en su forma inicial. Muchos miembros de esta
clase social emergente se convertirán en auténticos mecenas
(protectores) de los artistas (por ejemplo los Medici).
 El desarrollo del espíritu científico explicaría la
predisposición de los artistas por ensayar nuevas técnicas
constructivas y su aplicación a la pintura con la
representación espacial (perspectiva).
 En Italia, y particularmente en Florencia, floreció el
redescubrimiento del mundo griego y buena parte del saber
de la antigüedad.

 Las características que definen al arte del
Renacimiento son:
Preocupación del mundo clásico como fuente de
inspiración, para realizar una reinterpretación de las
formas clásicas (en arquitectura y escultura).
Adopción de una visión antropocéntrica del mundo,
en la que el hombre en referencia y medida en todas las
ramas artísticas.
Reducción de las formas al lenguaje matemático,
basadas en los principios clásicos de proporción,
armonía y belleza, junto al desarrollo de un novedoso
sistema de perspectiva* y el predominio de aspectos
lineales y geométricos.

 La perspectiva:
 Se trata del gran logro del Renacimiento y el verdadero
fundamento de la pintura moderna.
 La invención de un sistema de perspectiva se efectúo en
Florencia en los primeros años del siglo XV.
 Las experiencias anteriores, como las realizadas por Giotto en
el Trecento, presentaban un carácter empírico pero no
dejaban de ser unos simples balbuceos de la representación de
la naturaleza y la tridimensionalidad del espacio.
 La composición surge de una ventana abierta en la que el
plano pictórico se configura mediante la intersección de
líneas (rayos visuales) que convergen en un punto de fuga
referencial, dando lugar a lo que se conoce como pirámide
visual (Panofsky).

 La tradición señala que fue Brunelleshi quien efectúo tal
hallazgo y lo plasmó en sus construcciones. Pero fueron
muchos los artistas que contribuyeron a codificarlo en la
práctica. Mas tarde Alberti (De pictura, 1435) Y Piero della
Francesca (De prospectiva pingendi, 1480) se encargaron de
desarrollar en el plano teórico (además de práctico) los
principios de la perspectiva
 Conviene precisar que la perspectiva no es solo un recurso
susceptible de aplicación al campo de la pintura (Massacio)
o la escultura en relieve (Ghiberti, Donatello). En realidad
se trata de un instrumento de toda la cultura figurativa y
arquitectónica del Quattrocento.
 La perspectiva es, en esencia, una ilusión óptica que
permite recrear un espacio fingido, a base de degradar
en tamaño a objetos y figuras en función de su
acercamiento o lejanía con respecto al plano del
espectador.

 Ahora bien, la perspectiva cuatrocentista se fundamentaba
en un espacio mesurable y cuantitativo. Un espacio mental
en suma que poco tenía que ver con la realidad. Basta
observar un detalle común a casi todos los cuadros del XV:
las figuras y objetos del fondo parecen tener la misma
nitidez que las más próximas.
 Pero la otra gran revolución llegaría de la mano de
Leonardo de Vinci al introducir como novedad una
percepción espacial fundada, no sobre una concepción
geométrica, sino sobre la base de la observación y la
experimentación de la pura realidad.
 De esta manera pudo Leonardo formular un nuevo
concepto de espacialidad: la perspectiva aérea, que ya no
aspira a degradar a los objetos en tamaño sino en nitidez,
en un intento por captar la atmósfera que se interpone
entre ellos. Esto tendrá su plasmación práctica en el
característico sfumatto.

• Además de todos estos aspectos más técnicos, existen otras
características fundamentales del arte del Renacimiento como
son:
 EL INDIVIDUALISMO DEL ARTISTA: El hombre renacentista
concibe la vida como un bien que debe gozarse y aspira a
conseguir la fama y la admiración de todos, lo que conlleva a la
aparición de la figura del "genio".
 EL ARTE NATURALISTA: Se imita a la naturaleza a la que se
pretende plasmar tal como es, pero seleccionando lo más bello
que nos ofrece.
 AMOR A LA BELLEZA: La belleza física, constituía un reflejo
de la belleza espiritual como paso hacia el objetivo final: la
unión con la belleza última (Dios). A esta se podía llegar a
través de la belleza de una mujer. Ello explicaría que el
Renacimiento fija su meta en una belleza serena e idealizada
que se fundamenta en la proporción y en la armonía, en
suma en la naturaleza.
 TEMÁTICA MITOLÓGICA

EL QUATTROCENTO
 En el s. XV Florencia será la gran capital artística de
Italia.
 Se convertirá en el "inmenso laboratorio" donde los
artistas van a realizar multitud de investigaciones y
experiencias en arquitectura, pintura y escultura.
 Descubrirán los conceptos plásticos que en los que se
fundamenta el lenguaje artístico del nuevo estilo.

EL QUATTROCENTO FLORENTINO
ARQUITECTURA
• La nueva arquitectura nacerá de la
admiración de los artistas por las ruinas
romanas y de la conmoción que produjo el
hallazgo de la obra del tratadista romano
Vitrubio, Tratado de Arquitectura.
• Pero por encima de todo, está la aportación
de dos grandes artistas: Brunelleschi y
Alberti.

EL QUATTROCENTO FLORENTINO.ARQUITECTURA
 FILIPPO BRUNELLESCHI
 Escultor y arquitecto italiano considerado uno de los
creadores del estilo renacentista. Pese a su inicial
formación como escultor y orfebre en la ciudad de
Florencia, trabajó como arquitecto e hizo uso de los
antiguos órdenes clásicos. Construyó edificios con
elementos de la más pura tradición clásica y participó en
varios concursos como el llevado a cabo para la
realización de las puertas del Baptisterio de la Catedral,
la iglesia de San Lorenzo, o la cúpula de la Catedral de
Florencia, su obra cumbre, inspirada en la del Panteón
de Roma y, en la que gracias a la estética y la ingeniería
llevada a cabo, es una obra clave del Quattrocento y
referencia para periodos posteriores.

FILIPPO BRUNELLESCHI
 Construye la primera gran obra del Renacimiento, la
cúpula de la catedral de Florencia, inspirada en la del
Panteón de Roma, que habrá de servir de modelo
posterior.
 Hizo uso de los antiguos órdenes arquitectónicos
clásicos y construyó sus edificios con elementos
arquitectónicos de la más pura tradición clásica: arcos de
medio punto, columnas y pilastras, bóvedas de cañón,
plantas basilicales, frontones y entablamentos.
 Todo ello se hace presente en obras tan singulares como
la Iglesia de San Lorenzo y la Capilla Pazzi.
 Así mismo fijará el modelo de palacio renacentista
caracterizado por la utilización del muro almohadillado,
como hacían los antiguos romanos.

EL QUATTROCENTO FLORENTINO: ARQUITECTURA

• MICHELOZZO:
• Artista florentino formado como escultor en el taller
de Ghiberti, y que posteriormente colaboró con
Donatello.
• Como artista combinó a la perfección las técnicas y la
estética del gótico italiano con el estilo clásico.
• Se convirtió en el arquitecto mayor de la familia
Medici, para quienes construyó el Palacio Medici
Riccardi, en el que sienta las bases de la tipología del
palacio renacentista. Elimina los órdenes clásicos de la
fachada, que divide en tres cuerpos de altura,
diferenciados por el tratamiento de los sillares, desde
el almohadillado más rústico de la parte inferior, al
tratamiento como un lienzo continuo en la superior.

 ALBERTI
 Artista florentino que encarna al nuevo artista científico y
erudito. Es un investigador racional y preciso.
 Escribió numerosos tratados de arquitectura, escultura y
pintura, e incluso hizo una descripción de Roma.
 De la arquitectura de Vitrubio asimiló la idea de la proporción
como fuente de belleza y estudió la analogía entre la figura
humana y la arquitectura.
 Para Alberti la belleza en arquitectura será fruto de una serie
de reglas objetivas y el carácter científico del arte será
determinante en la nueva valoración del artista.
 En Santa María Novella, Alberti realiza el acabado de la
fachada de la iglesia de origen medieval, empleando las
columnas en plan ornamental y el frontón clásico junto con la
decoración claramente medieval a base de mármol de
diferentes colores, creando un efecto con gran sentido
cromático.

EL QUATTROCENTO FLORENTINO. ARQUITECTURA, ALBERTI

EL QUATTROCENTO FLORENTINO.ARQUITECTURA,
ALBERTI
 Otro de los edificios que se renueva en el Renacimiento
es el palacio, y Alberti en sus tratados sobre
arquitectura los describe como verdaderas ciudades,
debido al enorme conjunto de edificaciones de que
solían constar. Cabe destacar el Palacio Rucellai

ESCULTURA
 La escultura seguirá ligado a la religión pero los
artistas van a preocuparse fundamentalmente de la
belleza de las formas.
 Al arte narrativo medieval le sustituye un arte
sensorial más cercano al llamado arte por el arte.
Son obras que proporcionan un puro placer estético.
 El hombre y la naturaleza son los protagonistas de
este arte. El cuerpo humano desnudo a la manera
clásica, reaparece como portador de toda la belleza.
 Los temas religiosos pierden importancia y en
cambio se reutilizan temas paganos de carácter
mitológico, y alegorías.

 La técnica del vaciado en bronce se vuelve a
popularizar así como las estatuas ecuestres y las
puertas de bronce.
 También es el momento del triunfo del retrato
y de nuevo se realizan esculturas que
enriquecerán las obras públicas de las nuevas
ciudades.
 De esta forma surge un tipo de escultura
ecuestre, inspirada en las de los antiguos
emperadores romanos, que ensalza el poderío y
las virtudes de sus gobernantes y esos
mercenarios llamados condotieros

 La escultura naturalista es introducida en la
Florencia del XV por GHIBERTI (1378-1455)
quien labró los famosos relieves que decoran
las puertas del Baptisterio de Florencia, "las
puertas del Paraíso" al decir de Miguel
Ángel.
 Se trata de la obra maestra del artista y
completa las otras dos puertas, la del lado sur
obra de Pisano.
 En ellas plasmó los logros de la perspectiva
dotando a sus relieves de un valor pictórico,
al tiempo que introdujo el paisaje.

EL QUATTROCENTO FLORENTINO: ESCULTURA
 Características de la puerta:
 Tiene una compleja composición porque aparecen muchos
personajes que remueven en un amplio espacio.
 Ghiberti le da a esta representación una técnica pictórica:
la Perspectiva, los elementos en primer plano tienen gran
volumen mientras que los que están al fondo apenas tienen
esbozada su corporeidad. Se aplica por 1ª vez a la escultura.
 Ordena la composición por planos dando gran importancia
a la luz y a las sombras.
 Conjuga las figuras en primer término en alto relieve y
figuras del plano intermedio en medio o bajo relieve, y con
fondos de paisaje y arquitectónicos en un bajo relieve aún
más plano.
 Las figuras se ajustan al canon y proporción clásicos,
siempre con la búsqueda de la belleza idealizada propia del
renacimiento.

EL QUATTROCENTO FLORENTINO. ESCULTURA

 DONATELLO
 Nace en Florencia, será el más grande escultor
cuatrocentista.
 Sus figuras inspiradas directamente en los modelos
clásicos suponen el triunfo de la representación del
hombre, al que somete a un proceso de idealización
 Prefiere figuras aisladas a las grandes composiciones.
 El centro de su escultura es la figura humana en las
diversas actitudes, pasando desde la ingenuidad infantil,
deteniéndose en la belleza juvenil (David) y
presentándonos la mayor fealdad de la vejez la
representó en todos los estados de ánimo, desde la
alegría a la tristeza.

EL QUATTROCENTO FLORENTINO: ESCULTURA. DONATELLO
 Su escultura ecuestre de Gattamelata:
 Se inspira en la de Marco Aurelio
 Es la más clásica de sus obras, además de servir de modelo,
impresiona por lo atrevido de sus formas.
 Erasmo de Narni (Gattamelata; gata melosa por su astucia)
presenta un magistral retrato, lleno de vida y expresividad,
hace Donatello un verdadero análisis psicológico del guerrero.
 Ritmo repetido de curvas (cola, grupa, cuello) sugieren un
movimiento ondulante de su paso, las líneas oblicuas de la
espada y el bastón de mando indican la dirección.
 La obra es para destacar al héroe al condotiero y se integra
perfectamente en el espacio urbano de Padua.

EL QUATTROCENTO FLORENTINO. ESCULTURA. DONATELLO

 Otra obra importante es su David (1430):
 Fundido en bronce se considera la primera figura desnuda
desde la Antigüedad clásica.
 Es una exaltación a la belleza adolescente.
 Hermoso joven con sombrero de paja florentino y botas que
tiene a sus pies la cabeza del gigante Goliat (ligero
desequilibrio) al que parece haber vencido por su inteligencia
más que por su fuerza.
 Ligero contraposto, el cuerpo se balancea ligeramente, pierna
izquierda doblada y sobre la cabeza y la derecha recta es la que
sostiene todo el peso desplazando la cadera.

 Por último en su María Magdalena vemos un
despiadado estudio del cuerpo deshumanizado, lleno de
fealdad.
 En Donatello la escultura alcanza su mayora de edad y
aplica todos los logros espaciales (perspectiva,
composición) de la pintura. Para ello realiza dos
aportaciones:
o La utilización de un sistema de proporciones inspirados
rigurosamente en la antigüedad. Su San Jorge es la
primera escultura a tamaño natural desde la época
romana.
o La adopción de un tipo relieve conocido como
schiacciatto (relieve plano) consistente en la
multiplicación de los planos de profundidad

 LUCCA DELLA ROBIA:
 Escultor florentino que emplea el mármol, aunque es
más conocido por ser el introductor del barro vidriado, o
la cerámica vidriada.
 Consisten en un fondo de color azul y la figura en
blanco.
 Predominan escena de la Virgen con el Niño.
 Obras: “Relieves de la Cantoría de la Catedral de
Florencia”

EL QUATTROCENTO FLORENTINO. ESCULTURA. LUCCA DELLA
ROBIA

 VERROCHIO:
 En la 2ª/2 del XV destaca como broncista, además es
pintor y orfebre.
 Es el maestro de todos los escultores después de
Donatello.
 Se caracteriza por la preocupación por la belleza interna
que la externa.
 Le preocupa la figura humana.
 Obras: David el joven (Inspirado en el modelo
donateliano). Condotiero Colleoni (inspirado en el
Gatamelata de Donatello).

EL QUATTROCENTO FLORENTINO. ESCULTURA. VERROCHIO

 POLLAIOULO:
 Artista florentino que, como Verrochio, se inspira en
Donatello pero marca aún más el realismo y el
movimiento que consigue, gracias a un profundo
estudio de la anatomía.
 Obras: funerarias, “Sepulcro del Papa Sixto IV”
 Aparece una figura yacente sobre un basamento con
las paredes en forma de talud decoradas con relieves
donde están señaladas las Virtudes y las artes
liberales.
 “Sepulcro de Inocencio VIII”:
 Aparece una doble representación del difunto,
arriba aparece vivo y sentado en la cátedra de San
Pedro y abajo aparece muerto y en posición yacente.

EL QUATTROCENTO FLORENTINO. ESCULTURA. POLLAIOULO

PINTURA
• Dada su naturaleza, la pintura del Renacimiento difícilmente
podía inspirarse en modelos de la antigüedad de los que se
carecía.
• Durante este periodo, la pintura busca el renacer de la
Antigüedad, restableciendo un mundo cultural clásico pero sin
una imitación directa, a falta de modelos pictóricos.
• Se produce una observación viva de lo natural, y un marcado
carácter antropocéntrico: en el hombre se concentra el ideal de la
belleza, la obra más perfecta de la naturaleza.
• El estudio de las proporciones de su cuerpo y de sus movimientos
en el espacio obliga a los artistas a buscar un método de
representación espacial, la perspectiva, inventada por Filippo
Brunelleschi. Hará posible la plasmación tridimensional de la
realidad en las dos dimensiones del plano pictórico.
• Se dio cuenta de que todas las líneas de la naturaleza convergen
ante nuestros ojos en un punto determinado del horizonte.

EL QUATTROCENTO FLORENTINO: PINTURA
 Sobre la base de esta perspectiva lineal, León Battista
Alberti presentó en 1435 su tratado Sobre la pintura,
por el que desarrollaba la representación espacial de
objetos tridimensionales sobre una superficie
bidimensional, comparándola con una ventana abierta
a través de la cual el pintor representa el mundo.
 Según esta teoría, todos los elementos del cuadro se dirigen
a un punto de fuga.
 Se crea una retícula de líneas que convergen hacia un
mismo punto, de modo que los objetos disminuyen de
tamaño a medida que aumentan la distancia con respecto a
la posición del espectador.
 De este modo, el cuadro se corresponde con nuestra visión
tridimensional de la realidad.
 Aparece al mismo tiempo una preocupación por la
iluminación, el volumen, la expresión y los gestos, y, en
definitiva, por la composición.

 Los temas religiosos siguen siendo los predominantes,
aunque se desarrollan también escenas históricas y
mitológicas en frescos de palacios y decoraciones de
muebles (como los arcones o “cassoni”).
 El arte también abre sus puertas a temas nuevos.
Progresivamente, los pintores comienzan a expresar
sus ideas como artistas libres.
 Las técnicas fundamentales de la pintura renacentista
son el fresco (pintura mural, de tradición italiana), el
temple (sobre madera) y el óleo (sobre lienzo, por
influencia flamenca).

 Más allá de los temas religiosos, aparece un nuevo
género pictórico, el retrato, en consonancia con el
espíritu humanista y antropocéntrico de la época.
 Generalmente de perfil, se inspiran en las monedas y
medallas antiguas, lineales e idealizadas, sin posibilidad
de exteriorizar el lado psicológico del retratado.
 Los artistas contaban con el mecenazgo de ricas
familias, entre las que destaca la de los Medicis, que
durante generaciones impulsó el desarrollo de todas
las artes en la ciudad de Florencia.
 La posición social del artista cambia radicalmente.
Frente al anonimato de épocas anteriores, ahora es
altamente valorado.

 Durante el Quattrocento:
 El hombre y la naturaleza se convierten en protagonistas.
 Se produce una vuelta al desnudo y las representaciones
mitológicas. Estas escenas eran encargadas por familias de gran
poder adquisitivo. En los cuadros se introducía la imagen de los
mecenas.
 El retrato adquiere un importante desarrollo como género
independiente.
 Se generaliza el estudio del paisaje.
 Los artistas buscan efectos diversos, consiguiendo grandes logros en
la aplicación de la perspectiva, el paisaje, la luz y las proporciones.
 Juegan con el color para producir la perspectiva. Para los personajes
situados en primer plano emplean tonos cálidos, mientras que las
figuras del fondo tienen colores fríos.
 La pintura del Quattrocento en Florencia cuenta con las aportaciones
de grandes maestros de la talla de Fra Angélico, Masaccio o Piero della
Francesca, entre otros. Todos ellos pertenecen a la primera generación
florentina.

 FRA ANGÉLICO:
 Artista dedicado a la pintura que sigue la tradición medieval dentro
del gótico internacional, hasta que su carrera experimenta un leve
giro, al interesarse por las mismas preocupaciones renacentistas de
algunos contemporáneos.
 Introduce estructuras arquitectónicas con las que insinúa la
perspectiva, y aborda el tratamiento de la luz y el color con aires
mucho más renovados.
 La Anunciación:
 Se distingue una zona arquitectónica y otra en la que predomina
el paisaje.
 No obstante, los personajes se identifican con los arquetipos
medievales.
 Otro de los elementos tradicionales es el oro que cubre las figuras
y el idealismo del tratamiento de la luz.
 En el paisaje del fondo evoca la expulsión del Paraíso.

EL QUATTROCENTO FLORENTINO: PINTURA. FRA ANGELICO

 MASACCIO:
 Se alza como uno de los máximos representantes de esta revolución
pictórica del Quattrocento florentino, ya que introduce la
perspectiva y la monumentalidad de las figuras en sus
composiciones.
 En los frescos se aprecia su inquietud por el estudio del espacio y la
luz, sin descuidar la calidad de la expresión. En esta obra sigue la
organización tradicional en bandas horizontales.
 En el mural de La Trinidad de Santa María Novella, Masaccio
recurre a un tema tradicional, aunque desde una perspectiva
tremendamente novedosa.
 Masaccio pertenece a la llamada generación experimental, que
integra a un conjunto de artistas que establecen los principios de la
pintura moderna gracias a los hallazgos que realizan

EL QUATTROCENTO FLORENTINO: PINTURA. MASACCIO

 PIERO DELLA FRANCESCA:
 Pintor florentino que continúa la línea pictórica de Masaccio, aunque a lo
largo de su obra, mucho más amplia y personal, abordará temas de carácter
religioso y profano.
 A mediados del siglo XV realiza para la iglesia de San Francisco en Arezzo
una serie de frescos.
 Para enmarcar estas escenas recurre a paisajes y espacios arquitectónicos de
estilo renacentista.
 Tanto los distintos planos naturales como los elementos clásicos le ayudan a
crear la perspectiva lineal y a conceder mayor libertad de movimiento a los
personajes.
 Mediante líneas imaginarias que se crean a partir de las miradas de los
personajes, consigue dotar de unidad a la escena.
 Frente al volumen de las figuras de Masaccio, la fisionomía de los
personajes de Piero della Francesca es mucho más estilizada.
 Entre sus cuadros de caballete destacan el Bautismo de Cristo y La
flagelación.

EL QUATTROCENTO FLORENTINO: PINTURA. PIERO DELLA
FRANCESCA

EL QUATTROCENTO FLORENTINO: PINTURA. PIERO DELLA
FRANCESCA
 Otra de sus obras importantes es la Madonna de
Federico de Montefeltro.
 PIERO DELLA FRANCESCA es el gran teórico y práctico,
que centrará su preocupación en el modelado de las
figuras a través de los juegos de luces y sombras.
 El elemento esencial de su investigación es la
proporción.
 La composición que realiza se sirve fundamentalmente
de la luz como elemento de determinación espacial,
reduciendo las figuras a una íntima simplificación
volumétrica que las convierte en un elemento
arquitectónico de la composición.

EL QUATTROCENTO FLORENTINO: PINTURA.
 MANTEGNA:
 Autor que une las características de la escuela florentina con la
veneciana.
 En esta última estaban especialmente interesados por el estudio de
la naturaleza y de la luz en diferentes momentos del día.
 Busca la perspectiva de los personajes empleando constantemente
el recurso del escorzo.
 Uno de los temas que más le preocupa a este pintor es el paisaje y el
color, lo que se aprecia en La oración en el huerto.

EL QUATTROCENTO FLORENTINO: PINTURA. MANTEGNA
 Mantegna se caracteriza por la concepción de la
perspectiva del "punto de vista bajo", que posibilita la
proyección de las figuras sobre la bóveda o el cielo, al
mismo tiempo que consigue también admirables
escorzos, como en el célebre Cristo Muerto.

 PAOLO UCCELLO:
 Trabaja la misma línea investigadora que Mantegna, que
funde la geometría y la perspectiva, obsesionado con la
representación del espacio y los escorzos.
 La obra que mejor representa su estilo es La batalla de
San Romano.

 Desde la segunda mitad de este siglo, se empiezan a
abordar nuevos temas que indican una mayor
preocupación por otros aspectos de la vida.
 La pintura vive además un mayor refinamiento y, gracias al
intercambio comercial que Italia mantiene con los Países
Bajos, se genera un flujo de ideas que rápidamente calan en
los gustos de la burguesía.
 Las familias más poderosas no sólo se ven totalmente
implicadas en la promoción de actividades artísticas, sino
que también pasan a la historia por recuperar el
pensamiento filosófico de los clásicos.
 Los Medici, en concreto, retoman las doctrinas de Platón,
dando lugar a la corriente neoplatónica, cuyos postulados
influirán directamente en el trabajo de los artistas
contemporáneos.

 SANDRO BOTTICELLI:
 Uno de los representantes más célebres, cuya obra encaja perfectamente en
los preceptos de la escuela neoplatónica.
 Lejos de las preocupaciones del Quattrocento, aborda los temas que le exige
esta minoría, teniendo una notable repercusión sus escenas mitológicas.
 En el Nacimiento de Venus:
 Representa a la diosa de la belleza surgiendo de las aguas sobre una
concha.
 Empujada por los vientos llega a la orilla, donde una ninfa la cubre con
un manto de color púrpura.
 Se trata de una representación plana, carente de profundidad.
 A diferencia de los maestros del Quattrocento, a Botticelli no le interesa
plasmar con realismo la naturaleza, ni afrontar la perspectiva.
 Por el contrario, se centra el una representación ideal de la belleza
divina, que logra con figuras estilizadas.
 Dibujo eléctrico, trazo nervioso con movimiento que agita todas sus
formas.

EL QUATTROCENTO FLORENTINO: PINTURA. SANDRO BOTTICELLI

EL QUATTROCENTO FLORENTINO: PINTURA. SANDRO BOTTICELLI
 Con La Primavera:
 Intenta expresar la transformación que se produce con
la llegada de esta estación.
 Céfiro toca a la ninfa Floris, que comienza a modificar
su aspecto con elementos de la naturaleza.
 Para complicar aún más este pasaje de la mitología, el
autor dibuja a las tres gracias y a Mercurio, que están
directamente relacionados con personajes de la
Familia Médici.

EL CINQUECENTO: EL CLASICISMO
 En los últimos años del siglo XV y primeros del XVI,
los Estados europeos, no italianos, van a ver el
Renacimiento italiano como modelo a seguir.
 El proceso de difusión de este modelo italiano, a
formas y modos se unen todas las nuevas ideas del
humanismo.
 Literalmente lo italiano se pone de moda y es
asimilado con carácter diferenciador respecto a lo
local.
 Se trata de un arte viene a justificar estéticamente
el autoritarismo de los príncipes que han surgido
en el Estado Moderno.

 Los inicios del proceso de difusión y asimilación del
modelo italiano, vienen caracterizados, por un uso
indiscriminado de elementos del código renacentista.
Esencialmente, se debe a la falta de una tradición técnica y
a la inexistencia de un fundamento teórico.
 Durante el XVI Roma, y en menor medida Venecia,
desplazaran a Florencia en la capitalidad artística de Italia.
 La actividad constructora de los Papas, tiene su época de
esplendor en el XVI, sobre todo, gracias al impulso de Julio
II que es uno de los grandes mecenas de la época.
 Será durante este período cuando el arte renacentista, una
vez superada la etapa de investigación, fijará los modelos
definitivos e ideales que habrán de ser imitados en su
tiempo y con posterioridad.

 Características del clasicismo:
 Armonía y equilibrio.
 Se inspiran directamente en los modelos de la
Antigüedad y sin olvidar al gran maestro y teórico
Alberti y sus principios: armonía, equilibrio y
proporción.
 Lo fundamental no es la decoración, sino el efecto de
conjunto, la sensación de masa.
 Los edificios serán monumentales, además hay que
tener en cuenta que Roma es el eje de la vida católica,
centro del cristianismo.

 La arquitectura alcanza su apogeo con la construcción de
la basílica de San Pedro, obra que inicia Bramante, el
maestro de Miguel Ángel. Destacan así mismo, las
figuras de Vignola y Palladio.
 Sin embargo la gran novedad de los primeros años del
siglo XVI lo constituye la aparición de tres genios
universales: Leonardo, Miguel Ángel y Rafael

 A lo largo de este siglo se establecen y ponderan las
proporciones de la arquitectura, cotejándolas con la
medida del hombre y cifrada en cánones aritméticos
por Leonardo, Miguel Ángel y Durero.
 El modelo antropocéntrico se aplica a la misma
configuración de la arquitectura, aunque esta adquiera
en plantas y alzados la magnitud monumental que
ahora se potencia, reclamando para todos los edificios
el imperio de la simetría.
 Al mismo tiempo predominaran las plantas
centralizadas.

 A partir del primer tercio del siglo XVI comienza a
aparecer poco a poco el lenguaje manierista en Italia,
que refleja la crisis, que afecta a toda Europa, el
impacto del descubrimiento de América, la Reforma
Protestante y el clima de tensión.
 Los artistas cuestionan los dogmas del clasicismo.

 DONATO BRAMANTE:
 Es el arquitecto más importante del clasicismo.
 Su trabajo en Roma resume el ideal de la arquitectura
renacentista:
 Simplicidad
 Para él la arquitectura es orden, medida, proporción y masa;
es un puro contraste de espacios vacíos y llenos.
 Es un maestro insuperable de lo que podríamos llamar
composición arquitectónica.
 Uno de los más puros ejemplos de su arquitectura es el
Templete de San Pietro en Montorio

EL CINQUECENTO: EL CLASICISMO. BRAMANTE
 Templete de San Pietro en Montorio:
 Financiado por los RR.CC.
 Representa una austera robustez y elegancia auténticamente
romana.
 El edificio se levanta en 1502, donde según la tradición fue
martirizado San Pedro.
 Es un martyrium con escalinata.
 Planta centralizada circular, con cúpula y con peristilo toscano
rematado en balaustrada.
 Cúpula sobre tambor con ventanas y hornacinas.
 La cella presenta un muro exterior articulado con nichos con
remate circular con veneras que alternan con vanos
adintelados.
 Pilastras toscanas que coinciden con las columnas del
peristilo.

 Esta articulación se dispone rítmicamente partiendo de la
existencia de 4 puertas, de 2 ejes que se cruzan en el centro a
modo de Cardo y decumano.
 Bramante emplea como módulo el cilindro:
 Cilíndrico es el cuerpo inferior
 Cilíndricas son las columnas, la balaustrada, la cella y el
tambor.
 En el que se recoge el ideal de templo circular grecorromano
pero coronado por una cúpula.

• Proyecto de San Pedro del Vaticano:
• El Papa Julio II le encarga en 1506 un proyecto para reconstruir
de nuevo la antigua basílica de San Pedro (siglo IV).
• Bramante concibe un templo centralizado con cruz griega, con
una gran cúpula sobre tambor con galería columnada, 4
cúpulas más pequeñas y 4 fachadas flanqueadas por 4 torres
en las esquinas.

EL CINQUECENTO: EL CLASICISMO.
• MIGUEL ÁNGEL:
• Se trata de uno de los artistas italianos más
importantes del Renacimiento ya que destaca en
todas las ramas del arte (arquitectura, escultura y
pintura), por lo que se le considera un genio.
• Realiza numerosas obras, entre las que destaca la
cúpula de San Pedro de El Vaticano, de la que
además elaboró un proyecto de ampliación de la
planta que finalmente seguiría el proyecto de
Maderno.

EL CINQUECENTO: EL CLASICISMO. MIGUEL ÁNGEL
• A mediados de siglo, en 1546, continúa la construcción
de San Pedro.
• Retoca el proyecto, lo simplifica realiza una cúpula de 42
metros de diámetro sobre un tambor, es más alta que la de
Brunelleschi.
• Emplea la solución de doble casquete pero las dimensiones
son mayores, colosales y también el tambor es más alto.
• En el tambor coloca unos poderosos contrafuertes subrayados
por parejas de columnas de orden corintio, que continúan con
los nervios – netamente acusados -, que recorren el extradós
hasta terminar en los pares de columnillas de la linterna (que
es obra de Giacomo della Porta).

• El papel de los contrafuertes queda ocultado por la
nobleza de las columnas, pero Miguel Ángel no
oculta la estructura de la cúpula.
• Todo está articulado y ceñido por una cinta de
entablamento.
• La cúpula del Vaticano es solemne, inamovible y
definitiva. Es más potente que Florencia.
• Miguel Ángel arquitecto concibe la arquitectura
desde un prisma eminentemente plástico.
• Intentará darle movimiento, elasticidad y para ello
hay que darle volumen.

• Miguel Ángel representa en la arquitectura
italiana un cambio hacia el barroquismo, o el
manierismo.
• Es el creador del orden gigante cuando sólo con
enormes pilastras, que abarcan varios pisos,
cubre las paredes de San Pedro del Vaticano
• Además acierta a impulsar las ilusiones y
engaños típicamente barrocas.

• Biblioteca Laurenciana (1524-27):
• Constituye el punto de partida de la arquitectura
manierista.
• Sobre un terreno desnivelado de la Biblioteca
constituida en dos espacios: Sala de lectura y
vestíbulo
• Sala de lectura: coloca pupitres y sillas entre los
elementos constructivos creando la atmósfera
idónea para el estudio.
• Vestíbulo: donde coloca en sus paredes columnas
gruesas y geminadas, no adosadas, sino encajadas en
un hueco estrecho con función sustentante y no
decorativa.

• Parecen descansar sobre ménsulas pero éstas son
decorativas.
• La unión entre ambos espacios se realiza a través de
una escalera que parece bajar a la sala como un
torrente de lava e invadir el vestíbulo con su masa
provocando una sensación de dinamismo y agitación.
• En un espacio muy reducido
• Logra dar impresión de gigantesca majestad, con
espaciosos peldaños, abiertos en abanico, con lo que
se dilata ópticamente la entrada.
• Combina en los peldaños rectas y curvas.

• Plaza del Capidoglio:
• Encargo de Paulo III
• Miguel Ángel crea una plaza directa, diferente al
foro clásico.
• En el centro coloca la estatua de Marco Aurelio, que
sirve como punto focal de la composición, sobre un
pavimento oval con elipses entrelazadas y una
estrella de 12 puntas.
• Dota de nuevas fachadas con orden gigante a los
palacios medievales.
• Configura el espacio como un trapecio.

EL CINQUECENTO: MANIERISMO.
• Arquitectura del segundo tercio del siglo XVI, conocido
también como Bajo Renacimiento (Manierismo):
• Se mantiene el vocabulario clásico pero con mayor
libertad y se desmitifican el concepto de belleza,
proporción y armonía.
• Utilizan con mayor libertad los elementos y
proporciones.
• Desmitifican los conceptos de belleza, proporción y
armonía y el optimismo anterior dejan paso a la tensión
y el pesimismo.
• Se rompe con la concepción del espacio estático y
delimitado del Renacimiento y la visión unitaria.
• Tras Trento la planta centralizada deja paso a la
longitudinal.

• Se desarrolla el urbanismo: preocupación por las
fachadas, jardines, etc...
• En la decoración se recurre, se recupera a lo
extravagante.
• Utiliza el vocabulario clásico pero de forma caprichosa
y distorsionada.
• Mayor libertad.
• Trasgresión de las normas clásicas, rompe con los
aspectos clásicos. Se pierde el sentido de la claridad en
la composición.
• Deseo de sistematizar los conocimientos
arquitectónicos: TRATADOS

• IL VIGNOLA:
• Aquitecto italiano que destaca por sus tratados, desde
cabe mencionar: Regla de los 5 órdenes”.
• Destaca sobre todo en tipología religiosa: IL GESÚ.
• En Roma, iglesia central de los jesuitas.
• Nave única.
• Planta de cruz latina con cúpula en el centro, brazos del
crucero poco profundo, la nave central se ensancha a costa
de las naves laterales que se reducen a dos filas de capillas
bajas y pequeñas comunicadas entre si.
• Al ser tan bajas permiten poner una tribuna.
• En el interior la sobriedad exigida por Trento.

EL CINQUECENTO: MANIERISMO. IL VIGNOLA

EL CINQUECENTO: MANIERISMO. IL VIGNOLA
• La fachada del edificio es obra de Giacomo della Porta, le
da al templo gran majestad con el empleo de:
• Orden gigante
• Uso de pilastras
• Rematado por un gran frontón.
• Se establece el tránsito entre el cuerpo bajo y alto por medio de
dos grandes mensulones.
• Esta fachada será la tipología que es extenderá en las iglesias
italianas, y fundamentalmente romanas, a lo largo del Barroco.

EL CINQUECENTO: MANIERISMO
• ANDREA PALLADIO
• El más grande de los arquitectos de finales del siglo XVI.
• Representa el Clasicismo en Venecia.
• Conocedor de la arquitectura antigua, representa la
corriente más clasicista dentro del manierismo.
• Su obra escrita más destacada es el tratado: Cuatro libros
de la Arquitectura.
• EL aire clásico se aprecia en sus VILLAS; caracterizadas
por la armonía de proporciones, uso del mármol,
frontones y columnas colosales.
• Usa en sus construcciones de pórticos la asociación arco
(arquitrabe, columnas de dos tamaños y alternancia de
vano) macizo con lo que consigue fuertes contrastes de
luces; es lo que se denomina "tramo rítmico".

• Villa Rotonda:
• Su obra más destacada
• Villa suburbana, dotada con un vestíbulo circular organiza
toda la villa con cuatro pórticos hexástilos jónicos más
escalinata.

EL CINQUECENTO: MANIERISMO. PALLADIO

• En Venecia realiza 2 iglesias: “San Jorge el Mayor” y “El
Redentor”:
• Compromiso entre planta central con cúpula en el
crucero y la disposición longitudinal.
• En la fachada una serie de elementos clásicos tratados
con sensibilidad manierista.

EL CINQUECENTO
ESCULTURA
• No se puede hacer un estudio de la escultura italiana
del Cinquecento sin mencionar a Miguel Ángel.
• El influjo clásico se aprecia en:
• El tratamiento de los temas mitológicos
• Uso del mármol como elemento básico
• El desnudo como necesidad para exponer el nivel
técnico y los conocimientos anatómicos del escultor.

EL CINQUECENTO: ESCULTURA
MIGUEL ANGEL BUANORROTI
• A pesar de ser un hombre polifacético fue ante todo un
escultor, por eso su arquitectura y pintura presentan
un marcado carácter escultórico.
• En su faceta escultórica destaca la grandiosidad de sus
figuras que parecen estar dotadas de una fuerza
expresiva y una tensión dramática difícilmente
superables.
• El resultado es un equilibrio entre masa y movimiento.
• Michelangelo dijo: “No existe idea que no pueda
expresarse en un bloque de mármol”.
• Tiene una atormentada vida religiosa y un carácter
irritable.

EL CINQUECENTO: ESCULTURA. MIGUEL ÁNGEL
• El mundo soñado por él es de gigantes, de actitudes grandiosas,
donde aparecen las figuras con facciones perfectas y esas
facciones nos muestran gestos terribles; TERRIBILITÁ:
transmisión de la fuerza espiritual del personaje.
• Las esculturas de Miguel Ángel son arquetipos gigantescos
• Serán el fruto de su idealismo exaltado. Esos arquetipos son los
siguientes:
• La vida late por todo el cuerpo
• De los rostros se borra toda expresión de superficialidad,
gracias a que hace aparecer el alma apasionada del personaje.
• Muestra un perfecto estudio de la anatomía.
• Cuando presenta desnudos, el cuerpo aparece en tensión
(puede mostrar la vida: David, la muerte: Cristo de la piedad).
• Dinamismo contenido (Moisés)

• De sus obras juveniles el "David" y la "Piedad del Vaticano"
ponen de manifiesto no solo el perfecto dominio de la
técnica, sino una concepción filosófica neoplatónica,
influencia de Lorenzo de Medicis
• Trabajaba en Roma a las órdenes de Bramante al que
acabará por suceder, a su muerte, como directora de las
obras de la basílica de San Pedro.
• Entre tanto el Papa Julio II le encarga la realización de su
tumba, obra en la que pone gran empeño pero que nunca
finalizará, quedándonos algunas esculturas como la
impresionante representación del "Moisés".
• En este momento el Papa le encomienda la decoración con
frescos de la Capilla Sixtina su gran obra pictórica que
refleja un "universo de gigantes".

• Hasta su muerte realizará muchas más obras más, como el
las Tumbas Mediceas, en la capilla de la familia Medici, en
la Iglesia de San Lorenzo, en Florencia.
• En las obras de Miguel Ángel se aprecian los sentimientos
más diversos, sin embargo, el más fuerte y dominante es el
dramatismo (terribilitá) que por apartarse del concepto
escultórico clásico y estar más unido al período helenístico,
es el más claro precedente de la "revolución manierista" de
finales de siglo.
• La obra escultórica de Miguel Ángel evoluciona desde su
inicial preocupación por la belleza hasta una factura
mucho más intensa y expresiva que define sus obras más
maduras.

• De sus años de juventud
es la Virgen de la
Escalera, la obra plástica
más antigua que se
conserva.
• Es un relieve plano
• Crea la profundidad a
través de la escalera.
• La composición se centra
en la figura de la Virgen y
el Niño.

• Una vez en Roma, realiza la Piedad del Vaticano:
• Curiosamente la única escultura firmada por Miguel
Ángel.
• En esta obra de composición piramidal
• El equilibrio es perfecto.
• Una Virgen, aniñada y carente de expresividad, sostiene
en su regazo el cuerpo yacente de su hijo.
• Los volúmenes y el acabado de la obra, que expresa el
ideal de belleza a través de la Virgen, alcanzan la
perfección.

• Cuatro años después, en 1503, realiza para la plaza de la
Signoria de Florencia el David.
• Con esta escultura, que conmemoraba la victoria de
Florencia sobre Milán
• Representa la imagen de un héroe lleno de tensión.
• Para dar mayor contraste, en el pelo utiliza la técnica del
trépano.

• Problemas del David:
• Escultura de gran tamaño y necesita un bloque de
mármol enorme, Miguel Ángel recorrió toda Florencia
en busca del bloque.
• El bloque encontrado genera un segundo problema, la
forma, es alargado y estrecho, lo que le aconseja una
obra casi plana sin contorsión.
• Él concibe la figura como si fuera una figura en relieve
(movimiento contenido) por lo tanto no tendrá formas
centrífugas sino que los miembros de la figura se
contendrán en el tronco. Te proporciona una vista
frontal de la escultura.

• Rompe con la iconografía tradicional en la que se
representaba a David en forma de figura pequeña y con
frecuencia de aspecto adolescente (David de Donatello).
• La forma nos recuerda la belleza corporal de este atleta a
como presentaban sus figuras Polícleto y Lisipo.

• Rasgos específicos:
La terribilitá: es una figura de 4,5 metros de
altura, es una figura que está en tensión:
 Pierna derecha en la que se apoya, mientras que la
pierna izquierda se aleja.
 Mano izquierda sostiene la honda, codo doblado,
sobre el hombro
 Mano derecha estirada sujeta y oculta la piedra.
 No hay ni un solo miembro que aparezca distendido ni
estático.
 Esa tensión se ve también en el cuello que gira, las
venas marcadas, parece que incluso respira.

 En esta figura se ha roto la simetría, esto lo produce la tensión del
brazo y la pierna izquierda.
 Movimiento contenido; es un movimiento centrípeto, es decir las
líneas de fuerza retornan hacia el bloque (principal diferencia
respecto al Barroco, donde el movimiento será centrífugo, hacia
fuera).
 Hay que fijarse en las manos, una aparece pegada al muslo y la otra
tiene el codo doblado, la que sostiene la honda está casi pegada al
hombro, es por lo tanto un movimiento circular.
 La cabeza: en el rostro existe pasión, emoción, vida, da la sensación
de que la figura tiene una gran vida interior. Casi da la sensación de
que respira (cuello). El mensaje que envía es que está a la
expectativa, a la espera de algo, es un rostro de concentración
absoluta. La mirada fija la lejanía, en el enemigo.

 Con respecto a la perfección anatómica hay que decir que Miguel
Ángel antepone la forma a la perfección anatómica, la forma
expresiva. Nos da la sensación de poder, pese a ser una escultura tan
grande (manos desproporcionadas, una pierna más larga…) Miguel
Ángel quiere que te sientas representado como florentino con la
escultura.
 Es necesario que la musculatura esté en tensión (cuello, manos,
rodillas…Para aumentar la tensión miguelangelesca el volumen del
cabello está al trépano.

• Trabajando en Roma, Julio II le encarga el diseño de su
sepultura, que se colocaría en la basílica de San Pedro.
• Tumba del Papa Julio II:
• El proyecto inicial de Miguel Ángel contempla tres
niveles:
• Uno más bajo de nichos con esculturas
• Un nivel medio con las figuras de San Pedro y Moisés en
representación de la vida activa y contemplativa
• Uno más alto, con el féretro del Papa sostenido por ángeles.
• Miguel Ángel estaba muy implicado en esta obra, pero el
encargo del Julio II de decorar la capilla Sixtina le obliga
a abandonarla temporalmente.

• Posteriormente, la muerte del Papa y los impedimentos
de sus sucesores para evitar que concluya el sepulcro,
dejaría reducido este proyecto a la escultura del Moisés.
• Con esta escultura aborda un momento distinto de la
vida de Moisés, en el que aparece sentado con las tablas
bajo el brazo.
• La distribución magistral de las telas refuerza la
monumentalidad de la figura.
• La Terribilitá es patente en la escultura
• A este sepulcro también pertenecían las esculturas de
los esclavos desnudos.

• Hacia 1524, está en Florencia donde realiza los
“Sepulcros de los Médicis” (Lorenzo y Guiliano),
en la capilla de los Médicis:
• Sendos nichos aparecen adosados a la pared
• El sepulcro de Lorenzo, está flanqueado por el
Crepúsculo y la Aurora
• El de Giuliano tiene al Día y la Noche.
• En ambas el canon de las figuras aparece distorsionado.

• En la última etapa de su vida realiza la “Pieta de la
Catedral de Florencia” donde muestra un intenso
dramatismo, hacia 1550.
• Por último entrono a 1564 realiza “Pieta Rondanini”
en la que apenas está esbozado.

GIAMBOLOGNA
 Escultor italiano de origen flamenco.
 Tras viajar a Italia y conocer el arte del Renacimiento,
se formó en escultura y realizó unas obras con un estilo
manierista, y una estética basada en la antigüedad
clásica.
 Sus obras están dotadas de gran movimiento, gracias a
las predominantes líneas diagonales, y un esquema
que permite todos los puntos de vista.
 Desafía los cánones de belleza y prefiere centrarse en
el efecto que provoca sobre el espectador que observa
su obra.
EL CINQUECENTO: ESCULTURA. GIAMBOLOGNA

EL CINQUECENTO: ESCULTURA. GIAMBOLOGNA

EL CINQUECENTO
PINTURA
• Los problemas técnicos se han resuelto con el siglo XV
y ahora el artista tiene una sola preocupación: el
contenido.
• Se rinde culto a la belleza.
• Se propugna un ideal claro y simple, concentrando el
interés en unas pocas figuras monumentales.
• Lo anecdótico desaparece.
• Los marcos arquitectónicos se reducen al mínimo.

EL CINQUECENTO: PINTURA
• Para fijar los ideales de belleza se busca lo impersonal,
el cuerpo humano desnudo como en el clasicismo
griego.
• Es la gran época del desnudo femenino.
• El movimiento es aún, una viva obsesión de los
pintores.
• La luz se torna aire respirable que se espesa y tiende a
borrar los perfiles de las figuras.

LEONARDO DA VINCI
• Gran humanista y excepcional creador, Leonardo da
Vinci representa al hombre renacentista por
excelencia.
• Discípulo de Verrochio, entra en el círculo de los
Medici y el Neoplatonismo.
• Trabaja en Roma para los Papas. Después trabaja para
Ludovico Sforza en Milán.
• Su obra significa el paso del Quattrocento al
Cinquecento.

EL CINQUECENTO: PINTURA. LEONARDO DA VINCI
• Culmina toda la trayectoria de la pintura anterior.
• Estudia sistemáticamente todo lo que le rodea. La
naturaleza y el cuerpo humano, así como la
perspectiva, la luz y el color, son algunos de los temas
en los que más ahonda.
• Una de sus aportaciones pictórica que más incidencia
tendrá en sus contemporáneos y sucesores es la técnica
del sfumato: capa que difumina los contornos y los
envuelve en una especie de neblina que armoniza a las
figuras con el fondo.
• Renueva los dos aspectos más atrayentes de la pintura:
Paisaje y el Retrato.

• Domina la perspectiva.
• Su inquietud y curiosidad se traducen en una
impresionante producción escultórica y pictórica,
además de todos sus diseños de ingeniería y sus
numerosos manuscritos, a modo de informe, sobre
cualquiera de sus actividades.
• Como teórico destaca su Tratado de la pintura, cuyo
contenido expresa en su obra pictórica y hace
investigaciones sobre nuevas técnicas al fresco.

• Dentro de su producción religiosa destaca el cuadro de
La Anunciación, que realiza en su juventud.
• En el paisaje, donde representa la escena, ya se aprecia
su interés por dotar de profundidad al cuadro, mediante
la graduación de zonas horizontales claras y oscuras.
• La fisonomía de los personajes resulta idealizada.

• Virgen de las Rocas
• Es importante el tratamiento de la luz.
• Para iluminar las figuras introduce entradas de luz a
través de las rocas.
• Mediante la composición piramidal consigue imprimir la
sensación de armonía y equilibrio.
• Como en todas las figuras de este maestro, los rostros
presentan un aspecto idealizado.
• Al fondo, dibuja un paisaje rocoso en penumbra con
entradas de luz que se alternan con sombras, logrando la
sensación de profundidad.

• La Ultima Cena
• Para el refectorio del Convento de Milán
• Se trata una de sus obras maestras en pintura mural.
• Hace uso de una perspectiva lineal en el que es el propio
Cristo el que se convierte en el punto de fuga, y por tanto
el principal de la obra.
• Variedad en las expresiones de los apóstoles y diversidad
de rostros y posiciones
• Unos ventanales abiertos en el fondo acentúan la
sensación de profundidad, vinculados a los casetones del
techo y las paredes

• En el género del retrato, abandona definitivamente los
dogmas del Quattrocento.
• La Gioconda es, sin duda, una de sus obras más
enigmáticas.
• De fondo, emplea un paisaje que pierde su definición
según avanza, indicando así la profundidad.
• El personaje, cuya sonrisa se considera un auténtico
enigma, es puramente leonardesco.
• Aplica el color valorando los efectos que producen los
tonos cálidos y fríos hasta conseguir equilibrios
cromáticos y suaves contrastes.
• Usa la luz-claridad como valor artístico, las sombras y
penumbras.

• Fue creador de una nueva concepción de belleza no
ligada a cánones y proporciones sino al resultado de sus
investigaciones.
• Los gestos resultan enigmáticos, vivos y elocuentes.
• La armonía, proporción y equilibrio clásicos toman una
fuerza nueva de representación.

 RAFAEL SANZIO DE URBINO
• Clásico por excelencia, se inicia bajo la influencia de
Leonardo da Vinci.
• Sus primeras obras están totalmente integradas en el
Renacimiento más puro, coincidiendo con el cambio
de siglo.
• Rafael supo asimilar las enseñanzas de otros artistas y
sintetizarlas con su estilo personal.
• Gran cantidad de obras, una parte atribuidas a su
taller.

EL CINQUECENTO: PINTURA. RAFAEL SANZIO
• En su juventud aprende de Perugino la delicadeza de
sus modelos y la simetría en la composición.
• Tras su estancia en Florencia con Leonardo, adopta las
estructuras piramidales y el sfumato, que aplica a sus
retratos.
• Una de sus principales aportaciones a la pintura son
sus MADONAS:
• Realizadas con perfección de dibujo y claridad
compositiva
• Los elementos pictóricos son de gran calidad como la
luz, la composición como por ejemplo “La Madona del
Gran Duque”: con una suave gradación de luces. De su
legado religioso cabe destacar

• La Madona del Gran
Duque
• Muestra una suave
gradación de luces.
• Es una Virgen con el
Niño sobre sus brazos
• Mirada melancólica
• El Niño mira hacia el
espectador

• La Sagrada Familia del
cordero
• Obra a destacar de su
legado religioso
• Composición piramidal
perfectamente trabajada,
sobre un paisaje que se va
diluyendo según gana
profundidad.
• Mediante el tratamiento
de la luz logra crear una
sensación de armonía, y
dota de volumen a las
figuras.

• Destaca también La
Virgen del Jilguero
• Crea un espacio
envolvente que comunica
a las figuras con el
espectador.
• Muestra a la Virgen con
Jesús niño y San Juanito
• Los tres crean una
composición piramidal

• Los Desposorios de la
Virgen
• Muestra su preocupación por
el ESPACIO.
• Trabaja la profundidad a
través de los adoquines del
suelo
• Un templete de fondo
acentúa la perspectiva
• En el centro de la imagen
descata el momento de la
unión de la Virgen y San José
• Los asistentes a la boda
visten indumentarias propias
de la época contemporánea
del pintor

• En el año 1508 se traslada a Roma.
• En este momento, la situación política y religiosa se tambalea a
causa de la Reforma.
• Allí conoce la obra de Bramante y tras su muerte (1514) el Papa le
encarga la dirección de las obras del Vaticano.
• En la ciudad eterna, Rafael entra en contacto con Miguel Ángel,
artista que influirá de manera decisiva en su estilo, mucho más
monumental.
• De esta época son excepcionales las pinturas al fresco que dirige
para el Palacio del Vaticano, donde reproduce escenas
mitológicas y religiosas, con el equilibrio que los principios
humanistas persiguen.
• Su 2ª aportación es la CONCEPCIÓN DEL ESPACIO, en la
profundidad y la amplitud del espacio en la que se mueven las
figuras de las grandes composiciones.

• La escuela de Atenas:
• Composición racional y espacial.
• La escena se desarrolla en un marco arquitectónico a
gran escala, formado por una gran nave que se
interrumpe en tramos, donde emplea los recursos de
perspectiva lineal.
• Para incrementar la sensación de profundidad realiza
juegos de luces, y sitúa las figuras según las normas de
perspectiva.
• Junto con estas figuras, ordenadas y racionales, otras se
mueven con toda libertad hasta reproducir un
movimiento violento con escorzos forzados.

• En el género de retrato su factura se identifica con
las pautas del clasicismo.
• Uno de los más famosos es el Retrato del
cardenal
• Actualmente en el Museo del Prado.
• Lejos de la idealización del Quattrocento, Rafael capta la
personalidad de este religioso al que retrata de tres
cuartos y sobre un fondo

 MIGUEL ÁNGEL:
• Fundamentalmente escultor, aunque también
arquitecto y pintor, encarna el verdadero espíritu del
hombre renacentista.
• Conserva la energía del dibujo y el deseo de
movimiento y fuerza que inspira su obra plástica.
• Su pintura está dotada de grandes volúmenes y
escorzos, al tiempo que revela un profundo análisis de
la anatomía humana.

EL CINQUECENTO: PINTURA. MIGUEL ÁNGEL
• Para el Palacio de la Signoria inició la Batalla de Cascina, en
directa competencia con Leonardo, que diseñó la Batalla de
Anghiari. Ninguno de los dos maestros llegó a concluir su
obra, aunque los bocetos fueron de gran interés para el
estudio de sus sucesores.
• Otra obra de esta época es el Tondo Doni.

• Cuando Miguel Ángel se traslada a Roma entra al servicio del papa Julio
II, que le encarga la decoración de la Capilla Sixtina del Vaticano:
• En sus paredes ya existían otros frescos realizados por artistas de
finales del Quattrocento.
• En esta obra, el pontífice le concede absoluta libertar para trabajar.
• Para decorar los parámetros, el pintor finge una arquitectura real
que provoca una ilusión óptica en el techo casi plano, haciendo que
parezca una bóveda de cañón.
• Cada uno de los espacios y tramos le servirán posteriormente para
pintar de forma ordenada las diferentes escenas del génesis.
• En nueve capítulos, relata los principales acontecimientos del
Antiguo Testamento en la banda central del techo.
• Todo ello bajo la atenta mirada de los profetas y las sibilas, figuras
monumentales, que sitúa en los lunetos laterales, y la presencia de
bellos jóvenes desnudos que contemplan la escena desde las
pilastras.

• El efecto general revela el alto conocimiento del cuerpo humano y
su dominio de los escorzos.
• En el frontal de la capilla completa esta obra con la escena del Juicio
Final. En esta obra el dinamismo llega a su plenitud.
• Mundo colosal, de gigantes de músculos tensos.
• Destaca por su obra enorme y las condiciones de posición e
iluminación.
• En su obra están todas las raíces del Manierismo, gigantes que se
mueven con formidable impulso, carecen del suficiente espacio y la
atmósfera adquiere cierta sensación de angustia, es un mundo
dramático bien diferente del equilibrio y optimismo del hombre del
primer renacimiento.
Enlace a la visita virtual de la Capilla Sixtina:
http://www.vatican.va/various/cappelle/sistina_vr/index.html

La escuela veneciana
• En la rica y cosmopolita república de Venecia, a medio
camino entre oriente y occidente, tendrá lugar el
florecimiento de una importante escuela de pintura con
personalidad propia.
• Entre los principales maestros destaca Giorgione, el
fundador de la escuela, que introduce en su pintura una
pincelada suelta y dos temas que van a popularizarse: el
concierto campestre y la Venus dormida.
• En el siglo XV los Bellini y Carpaccio ponen las bases de
una escuela que va a caracterizarse por su culto al color, que
se impone al dibujo

EL CINQUECENTO: PINTURA. VENECIA
• Características generales:
Culto al color: frente a línea de los florentinos el
cromatismo de los venecianos. Prefieren los colores
cálidos, idóneos para reflejar la forma bella o el
ambiente opulento.
Importancia de los temas secundarios: a la
anécdota, al detalle no fundamental se le concede la
misma atención que al tema principal.
Exaltación de la riqueza: palacios, telas, música,
definen los ambientes.
Contemplación poética del paisaje, que se llena de
luces y profundiza en el romanticismo con Giorgione.

EL CINQUECENTO: PINTURA. VENECIA. GIORGIONE

TIZIANO
• Es el retratista de la escuela
• En los retratos los elementos de encuadre como el
paisaje, las cortinas, un collar, etc. ocupan la
atención como el retratado.
• Entre los retratos destacan: retrato ecuestre de
Carlos V en Mühlberg, Isabel de Portugal

EL CINQUECENTO: PINTURA. VENECIA. TIZIANO

• Maestro de las formas blandas y redondas como
muestra su predilección por los desnudos
femeninos e infantiles: Venus y el Amor, Dánae,

• En la Bacanal (Museo del Prado)
• Convierte un tema mitológico en un cuadro social, en
una fiesta alegre
• Aprovecha la composición para colocar en un ángulo un
espléndido desnudo femenino, obtener brillos en las
telas y los vidrios, y efectos de luz azulada en cielo y en
los bosques.

• Su paleta evolucionó
hacia una factura más
pastosa, más gruesa, en la
que la mancha parece
deshacer la forma; así lo
encontramos en su
Autorretrato del Museo
del Prado y en sus últimas
obras.

VERONÉS
• Es el pintor del lujo, las escenas se
desarrollan en palacios de mármol, con
columnatas y balaustradas, y jardines con
fuentes
• Sus figuras van vestidas con ropajes costosos
y se adornan con alhajas, Venus y Adonis,
representa a la primera semivestida.

EL CINQUECENTO: PINTURA. VENECIA. VERONÉS

EL CINQUECENTO: PINTURA. VENECIA. VERONÉS
• Gusta de los detalles anecdóticos, como en
Las Bodas de Caná (Museo del Louvre),
gran inclinación hacia los detalles
anecdóticos como los músicos, criados que
portan bandejas, mesas atiborradas de
manjares.

TINTORETTO
• Trasluce ya la crisis de los ideales renacentistas en
sus composiciones manieristas.
• Maestro de las luces violentas, de los contrastes de
luz y sombra, de los escorzos, del movimiento
tenso, inestable, del paisaje romántico, de la
profundidad obtenida mediante la alternancia de
zonas de diferente intensidad lumínica,
anticipando algunos valores del Barroco.
• En el Lavatorio de pies del Museo del Prado se
dan todas estas características.

EL CINQUECENTO: PINTURA. VENECIA. TINTORETTO

EL CINQUECENTO: PINTURA. VENECIA. TINTORETTO
• Realiza más de cincuenta obras para la Iglesia
veneciana de San Rocco, destacando El Calvario y
El Nacimiento de San Juan Bautista, donde
destaca su forma de enfocar la escena con un
punto de vista bajo, como a ras de suelo, con lo que
la lejanía del fondo se acusa más. Luces dramáticas
concepción prebarroca de la perspectiva.
Inclinación por la anécdota.
Tendrá una gran influencia en El Greco y en los
primeros maestros barrocos.

9 renacimiento

Más contenido relacionado

La actualidad más candente

Similar a 9 renacimiento

Más de rodalda

Último

9 renacimiento