Este documento describe los efectos sociales y culturales de la grabación del sonido. Algunos de los puntos principales discutidos incluyen: 1) La grabación del sonido produjo una revolución en la organización social al introducir un nuevo agente de información en el hogar. 2) Características como la tangibilidad y portabilidad de los registros generaron prácticas como el coleccionismo de discos y la capacidad de escuchar música en cualquier lugar. 3) La invisibilidad de los músicos en las grabaciones requirió nuevas formas de interpretar

1. Perspectivas Culturales
Prof. Claudio Nervi
www.claudionervi.com
claudionervi@gmail.com

2. LA GRABACION DEL SONIDO

3. Más que un cambio tecnológico
-La grabación del sonido produjo una revolución
en la organización social.
-Fue utilizada y fomentada para perpetuar un
nuevo “estilo de vida”
-Un agente externo de información se introdujo
directamente dentro del hogar.
-Luego del impacto de su aparición, siguieron y
continúan hasta hoy las implicaciones y
consecuencias de esta nueva tecnología.

4. Algunas características...
-Tangibilidad, portabilidad, invisibilidad,
repetibilidad, temporalidad,
receptividad, manipulabilidad.

5. I - Tangibilidad
-Lo primero que experimenta un operador de un
fonógrafo o un gramófono es la sensación de
tocar.
-Esta importante sensación es lo que busca
cualquier instrumento tangible o multitangible.
De esta, en primera instancia, nace el
“coleccionismo”.

6. Coleccionismo
-Desde el s. XIX que la industria musical ya contenía el
germen del coleccionismo, de entradas , de partituras,
de objetos de artistas.
-Se dice que Liszt hacía que las mujeres se desmayaran
en sus conciertos.
-Con la aparición de la grabación, el formato físico de
almacenamiento generó una relación nueva y única
con la idea de apropiarse de la música.
-Si escucho un concierto, solo me apropio de un
momento especial en mi vida. Si me compro un disco,
“me compro un concierto”

7. -En algunos casos el coleccionismo musical pudo
llegar a ser una enfermedad.
-Hay registros del 1924 en la revista inglesa
Gramophone advirtiendo de la “gramomanía”,
aunque claramente tiene connotaciones más
publicitarias que científicas.
-En EEUU, en 1926, el Phonograph Montly
cuanta historias de gente que vendió hasta sus
camisas por su aficion a los discos.

8. -Otro ejemplo de coleccionismo se da en otros
ámbitos posteriores. En el mundo del Hip Hop
se le llamó “Diggin' in the crates” para referirse
a la búsqueda de disco en tiendas de segunda
mano.
-La búsqueda es de grabaciones antiguas, raras y
especiales.
-Otro punto a Mencionar, los discos son más
baratos que las entradas a los conciertos. Y el
concierto se puede repetir las veces que
quieras.

9. Y después... el Cassette
-Fue desarrollado en 1963 por Philips. Presentaba
“mejoras” con su predecesor, pero eran de índole
comercial, no de sonido.
-El cassette se puede copiar.
-Es más pequeño, más práctico de almacenar.
-Como no mejora la calidad del sonido, y perjudica el
coleccionismo de arte de carátula, no desplaza al
Vinilo, solo compite con él.
-Pero genera cambios sustanciales en el negocio.

10. -Hacia 1978 los cassettes eran raros en India y
solo había una compañía de música, la GCI
(Gramophone Company of India).
-Toda la música giraba en torno al clásico Ghazal
romántico grabado y adaptado para films
(poesía)
-Con la apertura al mercado del cassette en 1980,
se terminó este monopolio.
-Las ventas de cassettes subieron hasta ser el
95% del total.

11. El caso inverso..
En Java, las orquestas
gamelan poseían
cada una su propio
sistema de afinación,
y su propia colección
de instrumentos de
percusión.
-ej: audio gamelan.

12. -Una vez llegado el cassette, la grabación casera y las
copias, comenzó el fenómeno de la imitación, que
produjo que las orquestas menores comenzaron a
imitar a las de pueblos vecinos, incluyendo la
afinación, lo que significó una pérdida de la identidad
de cada lugar, así como de la riqueza de la variedad.
-La música pasa a ser un Agente Globalizador, esto
sucede en todo el mundo.
-Es un complemento junto con la radio, cine y TV.

13. II - PORTABILIDAD
-Cuando la música se transforma en una “cosa”, gana
una libertad para viajar sin precedentes.
-La música en vivo depende de los músicos y los
instrumentos, es aparatosa. Los costos de una gira
incluyen alimentación, hospedaje, etc... eso sin incluir
el “coste de oportunidad”.
-También se produce un fenómeno de igualación de la
música: un solo de armónica es igual de transportable
que una sinfonía de Berlioz!.

14. -La movilidad de la música permitió hacer más rápidos
los fenómenos de influencia intercontinentales, por
ejemplo, haciendo que la música latinoamericana de
herencia africana volviera a re-insertarse en áfrica,
generando nuevas vertientes.
-La improvisación en América se invierte de los bajos a
los cueros agudos y se re-introduce en África. Lo
mismo pasa con el afro beat de Fela Cuti.
-Un buen ejemplo de esto es el cajón Peruano,
instrumento ya típico del flamenco.
Ej: música Perú

15. Sucedió que durante una gira de Paco de Lucía por
Latinoamérica hacia 1977, llegó a manos del percusionista
de la banda un cajón peruano en una fiesta organizada por
el embajador español en Perú.
Rubem Dantas lo incorporó a la música del sexteto del
guitarrista que, como marcaba (y marca) la pauta, suponía
incorporarlo directamente a la música del flamenco.
La canción fue grabada en directo: “Solo quiero caminar” con
Rubem Dantas en Cajón.

16. -En 1929, Darious Milhaud, del grupo de los 6 de
Francia, influenció su música según sus propias
palabras, gracias a los discos de música negra que
compraba en EEUU. Luego se fue a vivir al Brasil, su
música introdujo el “exotismo” desde América.
Ej: Scaramouche (Milhaud 1937)
-El Jazz se desarrolló paralelamente a la aparición del
Disco.
-Es interesante una nueva área de estudio en el
ambiente de la música docta, el rescate folclórico.

17. -La imitación del folclore de diversas partes del mundo
impulsa a los compositores a realizar viajes de
búsqueda de nuevas sonoridades.
-Ejemplos son el ya nombrado Milhaud, o Steve Reich
que visitó Ghana para realizar su composición
“Drumming”.
-ej. Drumming (1971)
-Inversamente, compositores de todo el mundo se han
volcado históricamente hacia los centros de la música
europea, pero es en la época del disco cuando
aparece la posibilidad de imitar sin realizar viajes, o al
menos viajar con parte del trabajo adelantado.

18. Costumbres nuevas
-Aparece la costumbre de escuchar música en
momentos del día antes insólitos, por ejemplo al
desayuno. Es curioso pero en la sociedad de la época,
algunos encontraban una pésima costumbre esto de
escuchar música recién despertando, porque el cuerpo
no estaba listo.
-Estudiar escuchando música?
-La portabilidad no solo permite elegir cuando y donde
escuchar la música, sino además con quién
escucharla !!

19. -Escuchar música siempre fue una práctica social, era
prácticamente imposible escuchar música solo.
Entonces, a comienzos del s.XX nace el auditor
solitario, contrariando siglos de tradición.
-La explotación comercial de este concepto llegará en
los 80as con el nacimiento del Walkman. La música
sirve como un medio de evasión de cierta realidad,
para crear una realidad propia.
-Permite a un adolescente estar solo aún estando en la
compañía familiar obligada.
-Trotar con un Walkman sincronizó cuerpo y música.
Hasta ese entonces, regular el trote con música era
una práctica militar.

20. III - INVISIBILIDAD
- Cuando apareció el fonógrafo de Edison, en su
versión comercial apareció el “Test de Realismo
de Edison”.
-Se trataba de todo un sistema para que la gente
aprendiera como se debía escuchar la música,
o algo así... eran 6 instrucciones que venían en
un folleto en los lugares de venta:

21. El test de Edison
1) Elija el tipo de música que quiere oír.
2) Te sentabas sin mirar el fonógrafo, y mirabas algunas imágenes
de músicos (todos de la compañía de Edison, por supuesto)
3) Luego había que recordar la última vez que escuchaste aquella
música en vivo.
4) Pinte esa escena hasta que la tenga claramente en su mente.
5) Cuando uno decía “ya estoy”, el vendedor encendía la música.
6) La última instrucción: 45'' después de comenzada la música,
cierre los ojos por un minuto o más. Luego ábralos y por 50
segundos con los ojos abiertos trate de no mirar alrededor...
...después de este proceso, ud. será capaz de sentir la misma
emoción que sintió cuando escuchó esta música en vivo. Si no
la siente, ud. no está apto para abstraerse de la influencia de su
entorno.

22. ¿Por que tanta parafernalia?
- La gente no estaba lista para escuchar sin ver.
Un halo de místicismo rodeaba a este aparato,
llamado en principio la “máquina que habla”.
-Escuchar voces siempre se ha relacionado con
el estado de la locura.
-Este test también revela otro inconveniente, que
el auditor no ve a los músicos. Por esto hubo
intentos de suavizar el efecto de la invisibilidad
de los músicos.

23. The illustrated Song Machine (1905)

24. -En 1929 un aficionado a la ópera confeccionaba
figuritas para representar la ópera que se estaba
escuchando.
-En 1936, un profesor norteamericano ya había diseñado
un proyector, donde pasaban los motivos de los temas
musicales, análisis, traducción del texto,etc.. mientras
sonaba la música. En vez de música a la imagen,
pensó en imagen para la música.
-El primer largometraje presentado originalmente como
una película sonora fue El cantante de jazz, estrenada
en Octubre de 1927.

25. La invisibilidad en los músicos
-Cambia la manera de tocar.
-Las grandes pausas de un concierto en vivo, donde
puede estar el intérprete sudando, con los ojos
cerrados, en tensión corporal, etc... en una grabación
no se perciben. Todos los músicos clásicos, que
colocan más énfasis en el silencio, han de modificar
sus gustos pensando que al ser escuchados nadie los
verá.
-Por otro lado nace el problema de grabar sin tener
audiencia. Muchas veces una grabación en vivo se
justifica por la energía, que en el estudio encerrado a
solas no se manifiesta.

26. -En el caso de la grabación, el micrófono fue
despreciado en principio con el argumento de “como
me puedo enamorar de un micrófono” ?
-Existe el recurso de grabar dúos con micrófonos
multidireccionales.
-Por otro lado, la necesidad humanización del micrófono
genera relaciones especiales entre los cantantes y él.
Hay que aprender a hacer cosas con él. Es explotado
como símbolo de poder, arma, sexual, etc...
(ver videos)

27. Mick Jagger (foto del 1982)

28. Rihanna, Morrisey, etc...

29. El experimento de las sílabas
(1976)
-Harry McGurk realizó el experimento siguiente:
Usó un video de gente pronunciando sílabas, pero le
colocó el audio cambiado, de otras sílabas no
coincidentes.
-Los auditores que no miraban el video reconocían los
sonidos originales.
-Los que miraban el video no entendían bien las sílabas
originales. Quedó demostrado lo importante de la
imagen para reforzar el mensaje sonoro.

30. -En 1980 Milli Vanilli fue un grupo musical al que se le
acusó de fraude por cantar con Playback.
-El problema no fue tanto el playback, sino que ganaron
un Grammy, con todo lo que eso implica.
-El tema del playback en TV es un tema de estética entre
otras cosas. Mucha gente considera el sonido de una
grabación como el bello, y el de en vivo como algo
defectuoso.
-En los musicales que se presentan en Barcelona, las
partes de los músicos están dobladas normalmente
por pistas de audio.

32. -Algunos autores como Theodor Adorno consideran que
la mejor forma de “escuchar” una ópera es sin verla.
-Otra perspectiva es que la música se sacraliza al no ver
a los músicos. Este es el motivo de que el coro se
encuentre en la parte de atrás de las iglesias. También
el Órgano
-La exageración de un recurso musical puede provenir
de la falta de imagen, así los violinistas de la primera
época de las grabaciones comenzaron a acrecentar su
vibrato.
-Es el caso opuesto de la exageración gesticular del cine
mudo.

33. -En las grabaciones clásicas, los tiempos de
espera se han tenido que reducir. Entre
movimiento y movimiento queda un vacío de
imagen.

34. IV – REPETIBILIDAD
-Los conciertos en vivo son únicos, mientras que los
grabados son repetibles.
-Si hay cambios son producto de la manipulación,
diferencia en el volumen, el medio ocupado (disco,
cinta).
-La repetibilidad puede tener 3 perspectivas:
a) La del auditor
b) La del artista
c) La del compositor

35. a) el auditor
-La reproducción genera expectación.
-Los “errores” pasan a ser parte de la música.
-Puede ser una cuerda pasada a llevar, o desafinada, un
acople repentino, la respiración del intérprete.
-En principio el ideal de la grabación era repetir lo más
exactamente posible una grabación en vivo. Luego la
grabación se independizó de la realidad.

36. -ej.: el ruido de fondo de un
Echoplex.

37. b) En los intérpretes.
-Se produce una mecanización de los intérpretes en
busca de la repetibilidad de lo ensayado durante la
grabación.
-Fue lo que sucedió al nacer las grabaciones, el ideal ya
no era el profesor ni el músico de la esquina, el ideal
interpretativo pasó a ser “el mejor del mundo”.
-Esto genera una regularización y una estandarización
de la manera de tocar.
-La gente comienza a exigir también una determinada
manera de tocar; la moda global alcanza la
interpretación.

38. -Aparece la expresión: son buenos, suenan como
de disco!!
(ojo, un grupo con secuencias también!!)
-Otro factor importante: los músicos por primera
vez se escuchan a si mismos. Esto implica dos
cosas:
1) se adquiere una herramienta auto-pedagógica.
2) se puede trabajar un sonido propio desde una perspectiva.

39. -Algunos músicos clásicos se quejan de la pérdida de
identidad que representa el estudio de la música
copiando a artistas famosos.
-Hablan de unos “Frankenstein” musicales.
-Por otro lado, la industria de la publicidad se basa en
copiar dentro de la legalidad (8cc) y crear asociación.
-Y la industria Pop combina esta técnica con la de
descubrir las modas del momento.

40. -Volviendo al tema, la música popular utiliza el lenguaje
musical antiguo, clásico, pero para su aprendizaje
necesita de grabaciones para captar todo aquello que
no se puede escribir en notación normal.
-Es imposible aprender a tocar blues leyendo partituras,
todo el bending, timbrística, intensidad, etc.. se puede
solo sacar de las grabaciones.

41. c) composición
-George Gershwin escribió en 1933 que la música nació
para sonar, más que para ser escrita.
Audicion: Rhapsody in Blue (1924)
-Por otro lado, Bela Bartok en 1937 dice que grabando
cada compositor puede especificar mejor su música.
Audición: música para orquesta, percusión y Celesta (1936)

42. -Aaron Copland opinaba que el azar de la interpretación
era uno de los actores más importantes; la segunda
toma siempre carecerá de él.
-Sobre el error en la primera toma, cito a Mile Davis:
“...If you hit a wrong note, it's the next note that you play that
determines if its's good or bad...”
Audio: Scketches from spain (1959-60)
So What – Kind of Blue(1959)

43. En la música docta...
Schoenberg no grabó su música hasta muy avanzada
edad y no fue un entusiasta del gramófono y no le
parecía que la mecanización ayudara a la música, y
eso que su sistema de composición es ya bastante
rígido.
Audición:
- música dodecafónica.
- La noche transfigurada (expresionismo)

44. Steve reich (EEUU 1936)
-En los 60as usa loops con cintas (la tecnología de la
época) y crea obras como “Come Out” (1966), que se
basan en desfasar las cintas pero con un objetivo
musical.
-Luego esta técnica basada en la tecnología misma,
influencia el resto de su música acústica. Se denominó
“Phase Shifting”.
-Acá tenemos la vuelta de lo místico basado en la
repetición, como en los monasterios medievales, pero
el trance se logra a través de la máquina.

45. Three Tales
-Steve Reich en los 2000 produce junto al cineasta Beryl
Korot una obra de video y música basada en eventos
tecnológicos que marcaron el siglo XX, La tragedia del
Hindenburg, La prueba atómica del atolon de las
Bikini, y la clonación de Dolly la oveja.

46. -La repetibilidad hizo que en el Bronx aparecieran
los primeros turntablistas que realizban
loops,unos 10 años después que los
experimentos de Steve Reich. La sincronización
se hacía a mano, entre dos toramesas, en esta
época nace el set standar del Dj.

47. V - TEMPORALIDAD
-Con las grabaciones llegó una nueva limitación, la
duración del formato.
-Hasta que no apareció el LP (long play) de 45 la
duración del disco de 78 era de 4 minutos y medio.
-Normalmente las piezas largas se quebraban en
múltiples discos, como las óperas.
-Con el tiempo los músicos comenzaron a adaptarse a
este formato (se estandarizó la duración de los
singles)

48. Atomized Listening
-El crítico Teodor Adorno habla de “escucha atomizada”
que se refiere a escuchar una obra poniendo interes
en pequeños momentos más que en el todo.
-Si tomamos en cuenta que se venía de un siglo XIX con
Operas wagnerianes de más de 4 horas de duración,
se puede ver la tremenda influencia que ejerció el
formato en la música.
-Años después el concepto de “single” encontrará su
genesis en este tipo de escucha, sumado al antiguo
comercio de partituras.

49. -El caso inverso, a partir de 1950 los repertorios clásicos
de violin comenzaron a cambiar, de pequeñas piezas,
se pasó a pocas pero extensas (generalmente
Sonatas). Esto coincidió con el nacimiento de LP.
-A principio de sXX los músicos tendieron a tocar más
rápido para acortar la duración y así entrar en los 4
minutos del disco de 78.
-También se alteró la música clásica omitiendo las
repeticiones (como en las sonatas)

50. -La grabación doble, con una canción en cada lado, se
introdujo por primera vez en Europa por Columbia
Records y para fines de la década de 1910 se habían
vuelto habituales tanto en ese continente como en
Estados Unidos.
-Otros compositores comenzaron a escribir directamente
para esta duración.
ej.: Ron Harrys cuarteto para flauta y cuerdas llamado “4
minutos y veinte”. Lo compuso para rellenar la cara B
del último de 4 discos que quedaba vacía luego de su
sinfonía No1.

51. Los primeros en adaptar su música
Edward Elgar, Gabriel Fauré, Paul Hindemith.
Vincent d'Indy, Fritz Kreisler, Ruggero
Leoncavallo, Gabriel Pierné, Kurt weill e Igor
Stravinsky.

52. 45 revoluciones contra 33 1/3
RCA introduce el año 1940
el disco de 45, pero su
duración es similar al
disco de 78, por lo que
no puede competir contra
el LP de la música
clásica que Columbia
había desarrollado.
-Pero no muere, el formato
pasa a ser el standard de
Singles por décadas!

53. Jukebox y discos de 45
-Una Wurlitzer Jukebox abierta.
-A partir de los años 50 usan
discos de 45'.
-Decadas después: 331/3, CD,
DVD e Internet.

54. -Es curioso que pocos artistas de Pop tomaron la ventaja
de grabar Lps antes de los 50as.
-Billy Joel canta en la letra de su tema “The entertainer”
(1974) que tenía una canción compuesta, la mejor de
su vida, pero era demasiado larga y que se la
cortaron..
I am the entertainer,
I come to do my show.
You've heard my latest record,
It's been on the radio.
Ah, it took me years to write it,
They were the best years of my life.
It was a beautiful song.
But it ran too long.
If you're gonna have a hit,
You gotta make it fit-So they cut it down to 3:05

55. -Ruben Blades cuenta que su canción Pedro Navaja no
la querían grabar porque era demasiado
larga....terminó siendo la más famosa salsa de la
historia.
Audicion Pedro Navaja intro Live..

56. Otros ejemplos
“Piano Man” de Billy Joel dura originalmente 5:37, pero
fue rápidamente editada para la radio.
-La canción ”Stop” de Sam Brown fue editada en los
años 80as matando un gran solo de órgano hammond,
pero la edición no lo quitó, solo lo acortó a su más
mínima expresión.
Audicion: Sam Brown

57. VI-RECEPTIVIDAD
-Cualquier grabación necesita de un sistema de
recepción, que influirá en la ejecución del artista.
-No solo referido a la microfonía, sino a la aislación
acústica de la sala, el tipo de sistema receptor, el
cuidado en la interpretación para evitar grabar ruidos
ajenos a la música.
-Cualquier micrófono actual es, desde un punto de vista
técnico, mejor que el oído humano, por lo tanto,
sensible...hay que usarlo con cuidado.

58. -En los primeros tiempos, se debían hacer grandes
diferencias entre los sonidos fuertes y los bajitos.
Antes del micrófono, no había movilidad en el receptor
(una campana gigante que amplificaba nuestras
señales) por lo que el cantante tenía que meter la
cabeza adentro para los Pianissimos, y salir
rápidamente para los Fortes.
-Muchas veces se requería de asistentes que estuvieran
moviendo al cantante, algo muy antinatural!!

59. Estudio COLUMBIA

60. -Algunos instrumentos
“intimos” se pueden
escuchar a más elevados
volúmenes, cambiando
su concepto unipersonal.
Ej. Clavicordio
Audicion: Keith Jarrett – Book of Ways (1991)

61. -Otro instrumento que debe su desarrollo en el Jazz a la
amplificación es el Contrabajo. Antes de la
amplificación se prefería la tuba, por su sonido
profundo, además de que se prestaba más para
marchar por su movilidad.
-Los interpretes a partir de 1920 tuvieron que acomodar
su rango dinámico en vivo, ya que era demasiado para
ser reproducido en el estudio.
-John Lennon solía probar cantando por el lado del
micrófono, usándolo como un instrumento ( o efecto?)

62. “Crooning”
-La manera de cantar suave de cantantes como Frank
Sinatra o Bing Crosby o Tony Benet, o incluso Julio
Iglesias! Sería imposible sin el uso de la microfonía.
-Los susurros que se pueden escuchar solo serían
posibles colocando el oído al lado de la boca del
cantante.
-Lo mismo para la articulación de un Rap, o para un
cantante Beat Box.

63. VII- MANIPULABILIDAD
- Las primeras grabaciones el s.XX eran “performances”
en su sentido tradicional. Una sola toma, de principio a
fin.
-No era una opción, no se podía hacer otra cosa.
-Desde la cinta magnética (1940) y la grabación digital
(1970) este concepto cambió rotundamente.

64. Strawberry Fields Forever (1967)
-Se hicieron muchísimas tomas de la canción, pero John
Lennon solo le gustaron la primera parte de la 7 y la
última de la 26.
-Se juntaron en el estudio, a partir de la palabra “going”
de la frase “Let me take you down 'cause i'm going to
Strawberry Fields”
-Para esto se alteró la velocidad de ambas grabaciones,
que estaban en distinto tono. Finalmente no quedó en
440hz!! (minuto 00:59)
Audicion: Strawberry Fields Forever (1967).

65. - El pianista Glenn Gould hizo lo suyo con El clavecín
bien temperado” de Bach, Abriendo y cerrando la fuga
en Lam con la toma 6 y colocando al medio la toma 8.
-Esto es muy revolucionario en el ámbito de la música
clásica, aunque hay algún antecedente:
-En 1946 Jascha Heifetz grabó el concierto para 2
violines de Bach en D menor, él solo.

66. - En 1991, Natalie Cole grabó la canción “Unforgettable”
a duo con su padre, como un homenaje; su padre, Nat
King Cole, había muerto el año 1965.
-Notables son las grabaciones de the Beatles, que
utilizan la imagen stereo de una manera primitiva,
batería por un canal, voz por otro, etc...
-Lo que hoy se considera primitivo, fue un gran recurso
durante la época psicodélica.
Audición: Maggot Brain – Funkadelic (1971)

67. Video TED de David Byrne

68. Sonido Stereo
El stereo es aprox. del año
1933, aunque hay
antecedentes del 1881
como un sistema
telefónico para transmitir
conciertos.
-En 1940 se hizo una
prueba con público en el
Carnegie Hall con sonido
de hasta 100db. Un éxito,
aunque algunas
personas se asustaron...