Reseña de LITTLE, Charles T. (ed.), Set in Stone: The Face in Medieval Sculpture. Catálogo de la Exposición (Nueva York, The Metropolitan Museum of Art, 26 sept 2006-18 Feb. 2007). Londres y New Haven, Yale UP, 2006. XVI + 222 pp.
El documento describe la escultura San Sebastián creada por el artista español Alonso Berruguete en 1527. Berruguete se formó en Italia y asimiló el estilo manierista, creando figuras alargadas con expresiones de angustia. Su San Sebastián muestra un cuerpo tenso adherido a un árbol con un rostro que expresa dolor, siendo un ejemplo del estilo dinámico y emocional de Berruguete.
La carta describe el Renacimiento como un florecimiento cultural en Florencia que buscaba recuperar los valores de la Antigüedad clásica a través de un esfuerzo por sintetizar la civilización grecorromana y cristiana. Esto se logró mediante la renovación del pensamiento filosófico y teológico a través del redescubrimiento de Platón y el humanismo. El documento analiza los orígenes del Renacimiento en Italia y su desarrollo posterior en el resto de Europa.
Algunas consideraciones acerca del 'Abito y armadura· de Diego de CabranesPANOFSKYDORA
BHA: Le religieux espagnol Diego de Cabranes, membre de l'ordre de Saint-Jacques-de-l'Epée, est l'auteur d'un ouvrage méconnu intitulé Abito y armadura spiritual (Salamanca, 1544). Ce traité est un exemplaire précieux pour la connaissance des théories de l'image religieuse qui circulaient avant le Concile de Trente dans la péninsule Ibérique. Cet article reprend et développe quelques-unes des conclusions publiées par l'historien Fernando Checa Cremades sur le traité de Cabranes
La carta describe el florecimiento cultural que caracterizó al Renacimiento en Italia, particularmente en Florencia, donde las artes liberales como la gramática, poesía, retórica, pintura y música revivieron después de haber casi desaparecido. El Renacimiento se caracterizó por tres aspectos principales: 1) un extraordinario florecimiento cultural, 2) un esfuerzo por recuperar los valores de la Antigüedad clásica griega y romana, y 3) la renovación del pensamiento a través del redescubrimiento de la filosofía platón
El documento describe los ideales del cortesano renacentista según Baltasar Castiglione. Castiglione sostiene que el cortesano ideal debe estar versado en latín y griego, conocer la poesía, oratoria e historia, ser diestro en prosa y verso en su lengua materna, ser músico y saber tocar instrumentos, tener talento para el dibujo y conocimientos de pintura.
El documento describe las características principales del arte barroco en Europa. El estilo barroco surgió como una reacción a la Reforma y la Contrarreforma, buscando exaltar lo religioso a través de efectos dramáticos y teatrales. Artistas como Bernini, Caravaggio y Velázquez crearon obras llenas de pasión y dinamismo que buscaban persuadir e influir en los espectadores. El barroco se desarrolló de manera diferente en cada región pero siempre en función de los intereses religios
El documento resume la historia del Museo del Hermitage en San Petersburgo, Rusia. Comenzó como una colección privada de los zares rusos que se dedicaron al coleccionismo de arte renacentista y barroco europeo a gran escala desde el siglo XVIII. La zarina Catalina la Grande fue la mayor coleccionista, expandiendo las colecciones y construyendo el Palacio de Invierno y el Pequeño Hermitage. El museo continúa creciendo hasta hoy en día.
El documento resume las características principales del neoclasicismo en diferentes áreas como la arquitectura, la escultura, la pintura y la literatura. En la arquitectura se rechazó el estilo barroco y se volvió a los modelos griegos y romanos, buscando la funcionalidad por encima del ornato. En la escultura y la pintura prevaleció una sencillez de líneas inspirada en el arte clásico. En la literatura, la Ilustración promovió la difusión del conocimiento y una concepción de
El documento describe la escultura San Sebastián creada por el artista español Alonso Berruguete en 1527. Berruguete se formó en Italia y asimiló el estilo manierista, creando figuras alargadas con expresiones de angustia. Su San Sebastián muestra un cuerpo tenso adherido a un árbol con un rostro que expresa dolor, siendo un ejemplo del estilo dinámico y emocional de Berruguete.
La carta describe el Renacimiento como un florecimiento cultural en Florencia que buscaba recuperar los valores de la Antigüedad clásica a través de un esfuerzo por sintetizar la civilización grecorromana y cristiana. Esto se logró mediante la renovación del pensamiento filosófico y teológico a través del redescubrimiento de Platón y el humanismo. El documento analiza los orígenes del Renacimiento en Italia y su desarrollo posterior en el resto de Europa.
Algunas consideraciones acerca del 'Abito y armadura· de Diego de CabranesPANOFSKYDORA
BHA: Le religieux espagnol Diego de Cabranes, membre de l'ordre de Saint-Jacques-de-l'Epée, est l'auteur d'un ouvrage méconnu intitulé Abito y armadura spiritual (Salamanca, 1544). Ce traité est un exemplaire précieux pour la connaissance des théories de l'image religieuse qui circulaient avant le Concile de Trente dans la péninsule Ibérique. Cet article reprend et développe quelques-unes des conclusions publiées par l'historien Fernando Checa Cremades sur le traité de Cabranes
La carta describe el florecimiento cultural que caracterizó al Renacimiento en Italia, particularmente en Florencia, donde las artes liberales como la gramática, poesía, retórica, pintura y música revivieron después de haber casi desaparecido. El Renacimiento se caracterizó por tres aspectos principales: 1) un extraordinario florecimiento cultural, 2) un esfuerzo por recuperar los valores de la Antigüedad clásica griega y romana, y 3) la renovación del pensamiento a través del redescubrimiento de la filosofía platón
El documento describe los ideales del cortesano renacentista según Baltasar Castiglione. Castiglione sostiene que el cortesano ideal debe estar versado en latín y griego, conocer la poesía, oratoria e historia, ser diestro en prosa y verso en su lengua materna, ser músico y saber tocar instrumentos, tener talento para el dibujo y conocimientos de pintura.
El documento describe las características principales del arte barroco en Europa. El estilo barroco surgió como una reacción a la Reforma y la Contrarreforma, buscando exaltar lo religioso a través de efectos dramáticos y teatrales. Artistas como Bernini, Caravaggio y Velázquez crearon obras llenas de pasión y dinamismo que buscaban persuadir e influir en los espectadores. El barroco se desarrolló de manera diferente en cada región pero siempre en función de los intereses religios
El documento resume la historia del Museo del Hermitage en San Petersburgo, Rusia. Comenzó como una colección privada de los zares rusos que se dedicaron al coleccionismo de arte renacentista y barroco europeo a gran escala desde el siglo XVIII. La zarina Catalina la Grande fue la mayor coleccionista, expandiendo las colecciones y construyendo el Palacio de Invierno y el Pequeño Hermitage. El museo continúa creciendo hasta hoy en día.
El documento resume las características principales del neoclasicismo en diferentes áreas como la arquitectura, la escultura, la pintura y la literatura. En la arquitectura se rechazó el estilo barroco y se volvió a los modelos griegos y romanos, buscando la funcionalidad por encima del ornato. En la escultura y la pintura prevaleció una sencillez de líneas inspirada en el arte clásico. En la literatura, la Ilustración promovió la difusión del conocimiento y una concepción de
Este documento presenta 5 obras arquitectónicas del arte barroco en Italia y España entre los siglos XVII y XVIII, incluyendo el Baldaquino y la Plaza de San Pedro en el Vaticano de Bernini, la Iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes de Borromini en Roma, la Plaza Mayor de Salamanca de los Churriguera y la fachada del Hospicio de Madrid de Pedro de Ribera. Proporciona información sobre los estilos, épocas, autores, ubicaciones y contextos históricos y culturales de estas important
El documento describe el Renacimiento en Europa durante los siglos XV y XVI, caracterizado por un renovado interés en el arte y la cultura clásica de Grecia y Roma. Algunas características clave del arte renacentista incluyen la imitación de la arquitectura clásica, la búsqueda de la belleza ideal y la razón, y la creación de obras narrativas y realistas de alta calidad y perfección.
El documento describe el arte neoclásico que surgió a finales del siglo XVIII e inicios del XIX como reacción contra el Barroco. El neoclásico buscaba volver a los ideales de belleza de la antigüedad grecorromana y adoptó sus formas racionales y ordenadas. Se difundió por Europa y Estados Unidos impulsado por la Ilustración, la Revolución Francesa y Napoleón, y se manifestó en la arquitectura, escultura y otras artes.
El documento resume el Renacimiento en Europa Occidental entre los siglos XV y XVI. Se produjo un renacimiento de las artes y las ciencias inspiradas en la cultura clásica. La arquitectura renacentista utilizó elementos griegos y romanos. En pintura y escultura, los artistas representaron la anatomía humana de forma realista usando la perspectiva. El Renacimiento italiano tuvo dos periodos principales, el Quattrocento y el Cinquecento. La literatura renacentista española incluyó la lírica italianizante y la novela
Este documento proporciona definiciones y explicaciones de varios términos clave relacionados con la arquitectura y las artes visuales. Brevemente describe elementos como arcos, bóvedas, columnas y órdenes clásicos, así como conceptos como claroscuro y canon. El objetivo es introducir la terminología básica para comprender y analizar obras de arte arquitectónicas y escultóricas.
El Neoclasicismo surgió en el siglo XVIII, una época de grandes cambios y revoluciones. Fue influenciado por los ideales de la Ilustración y la Revolución Francesa. Se desarrolló debido al redescubrimiento de la antigüedad clásica a través de la arqueología, la creación de academias que promovieron los ideales clásicos, y el agotamiento del estilo Barroco asociado con la monarquía absoluta.
El documento resume la evolución del arte figurativo gótico en Europa entre los siglos XII y XV. El estilo gótico se caracterizó por un mayor realismo y humanización de las figuras, representando temas religiosos como la Virgen y el Niño o el Crucificado de forma más expresiva y cercana. La escultura gótica también adoptó estas características al enfocarse en la belleza ideal y humanidad de Cristo, ampliando sus temas más allá de lo estrictamente religioso.
Elaborada a partir de la presentación de Tomás Pérez Molina (www.slideshare.net/tomperez).
Las fuentes de los recursos utilizados figuran en la última diapositiva.
La pintura neoclásica surgió en Roma en la década de 1760 y se desarrolló en Europa hasta 1830, cuando el Romanticismo se convirtió en la tendencia dominante. Se caracterizó por temas de la Antigüedad clásica tratados de forma idealizada, racional y contenida, inspirándose en hallazgos arqueológicos. Artistas como David y Mengs promovieron esta estética que buscaba la perfección técnica y la armonía por encima de la expresividad.
El documento resume las características del Renacimiento Italiano en el siglo XV (Quattrocento), cuando Florencia se convirtió en el centro de este movimiento artístico gracias al mecenazgo de familias como los Medici. La arquitectura, escultura y pintura de este período se caracterizaron por un retorno a las formas clásicas griegas y romanas, un mayor naturalismo y el desarrollo de técnicas como la perspectiva. Artistas importantes mencionados incluyen a Ghiberti, Donatello, Masaccio
El documento describe el período artístico del Quattrocento en Italia. Surge en Florencia impulsado por los Médicis y marca el inicio del Renacimiento. Se caracteriza por el resurgimiento de los elementos arquitectónicos clásicos, el desarrollo de la perspectiva en la pintura y el realismo en la escultura. Artistas como Brunelleschi, Donatello, Masaccio, Piero della Francesca y Botticelli crean obras maestras que exaltan la belleza y la dignidad humana.
Tema 11: El Renacimiento Italiano. El manierismo.mbellmunt0
El documento resume el contexto artístico del Renacimiento italiano entre los siglos XV y XVI, con un énfasis en el Quattrocento. Brevemente describe las principales características y artistas representativos de la arquitectura, escultura y pintura de este periodo, incluyendo figuras clave como Brunelleschi, Alberti, Ghiberti, Donatello y otros. Además, presenta datos históricos y artísticos relevantes para comprender el desarrollo del arte renacentista.
El documento describe la sociedad, economía, política y arte del siglo XVII en Europa. Hubo transformaciones económicas incluyendo el comercio triangular y el surgimiento de manufacturas estatales. Políticamente se establecieron los estados-nación y las monarquías absolutas. En el arte, el barroco se caracterizó por el movimiento, contraste y emotividad en contraste con el equilibrio del renacimiento. La pintura barroca destacó en Italia, Flandes y Holanda, mientras que la arquitectura y escultura barrocas
El documento describe el estilo artístico del Barroco que surgió después del Renacimiento entre los siglos XVI y XVII. Se caracterizó por buscar efectos novedosos, sorpresa y dificultad formal. Fue influenciado por el manierismo italiano y encarnó el espíritu de la Contrarreforma católica. El Barroco se incorporó a la arquitectura, pintura, literatura y otras artes con formas recargadas y complejas.
El autor argumenta que el arte ha llegado a su fin y ya no tiene futuro como etapa histórica. Primero discute dos modelos de la historia del arte, uno basado en el progreso hacia la representación naturalista y otro más amplio. Luego propone un tercer modelo inspirado en Hegel, donde el arte y la historia han tomado caminos separados aunque el arte continuará de forma post-histórica. Finalmente plantea si el concepto mismo de arte se ha agotado.
El documento describe las características generales del Renacimiento en Europa, con un enfoque en Italia entre los siglos XV y XVI. Resalta el humanismo, el individualismo, el mecenazgo y el retorno a los modelos clásicos en arquitectura, escultura y pintura. Menciona obras y artistas representativos de cada disciplina como Brunelleschi, Miguel Ángel, Leonardo da Vinci y El Bosco. Finalmente, hace referencia al desarrollo del Renacimiento en España y estilos como el plateresco y el manierismo.
El documento describe el movimiento cultural del Neoclasicismo que surgió en el siglo XVIII como reacción al Barroco. Se caracterizó por un retorno a los ideales de equilibrio y armonía de la antigüedad griega y romana. Los viajes arqueológicos a Grecia y Roma generaron interés en la cultura clásica. La Ilustración puso al hombre en el centro y promovió el progreso racional. Las artes debían servir para educar en lugar de exaltar la iglesia o la monarquía
Características de la pintura barroca en España en el siglo XVIIIgnacio Sobrón García
La pintura española del siglo XVII experimentó una gran evolución. En un principio dominó el naturalismo y el tenebrismo influenciados por Caravaggio. Más tarde, pintores como Velázquez y Murillo abandonaron este estilo en favor de una pintura basada en la luz, el color y la atmósfera. La temática fue principalmente religiosa al servicio de la Iglesia. Los principales centros fueron Valencia, Sevilla y Madrid, donde destacaron artistas como Ribera, Zurbarán, Murillo y Velázquez.
Dorothea McEwan, Fritz Saxl, Eine Biografie. Aby Warburgs Bibliothekar und er...PANOFSKYDORA
Este documento resume la biografía de Fritz Saxl escrita por Dorothea McEwan. Saxl fue bibliotecario y primer director del Instituto Warburg en Londres. Trabajó estrechamente con Aby Warburg y salvó los fondos de su biblioteca llevándolos a Londres para escapar del nazismo. Publicó varios artículos en el Journal of the Warburg and Courtauld Institutes. Saxl realizó varios viajes de investigación, incluyendo uno a España en 1927 para estudiar manuscritos astrológicos medievales y obras de Veláz
Sobre dos noticias en la obra de Fray Martín SarmientoPANOFSKYDORA
Este documento analiza dos breves referencias de Fray Martín Sarmiento sobre obras de arte que tienen gran importancia para la historia del arte. La primera referencia describe la Virgen de Brera de Piero della Francesca, destacando su perspectiva y la representación del donante. La segunda referencia describe las representaciones de la Trinidad con tres cabezas o caras, indicando que a pesar de ser consideradas herejéticas, continuaron usándose en España hasta el siglo XIX en ámbitos populares.
El documento describe la arquitectura renacentista en Europa entre los siglos XV y XVI. Se caracterizó por buscar la perfección técnica y geométrica basada en cálculos matemáticos, con preferencia por el espacio unitario y la simetría. Surgió en Italia y sus principales exponentes fueron León Battista Alberti, Donato Bramante, Andrea Palladio, Miguel Ángel y Lorenzo Ghiberti.
Este documento presenta 5 obras arquitectónicas del arte barroco en Italia y España entre los siglos XVII y XVIII, incluyendo el Baldaquino y la Plaza de San Pedro en el Vaticano de Bernini, la Iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes de Borromini en Roma, la Plaza Mayor de Salamanca de los Churriguera y la fachada del Hospicio de Madrid de Pedro de Ribera. Proporciona información sobre los estilos, épocas, autores, ubicaciones y contextos históricos y culturales de estas important
El documento describe el Renacimiento en Europa durante los siglos XV y XVI, caracterizado por un renovado interés en el arte y la cultura clásica de Grecia y Roma. Algunas características clave del arte renacentista incluyen la imitación de la arquitectura clásica, la búsqueda de la belleza ideal y la razón, y la creación de obras narrativas y realistas de alta calidad y perfección.
El documento describe el arte neoclásico que surgió a finales del siglo XVIII e inicios del XIX como reacción contra el Barroco. El neoclásico buscaba volver a los ideales de belleza de la antigüedad grecorromana y adoptó sus formas racionales y ordenadas. Se difundió por Europa y Estados Unidos impulsado por la Ilustración, la Revolución Francesa y Napoleón, y se manifestó en la arquitectura, escultura y otras artes.
El documento resume el Renacimiento en Europa Occidental entre los siglos XV y XVI. Se produjo un renacimiento de las artes y las ciencias inspiradas en la cultura clásica. La arquitectura renacentista utilizó elementos griegos y romanos. En pintura y escultura, los artistas representaron la anatomía humana de forma realista usando la perspectiva. El Renacimiento italiano tuvo dos periodos principales, el Quattrocento y el Cinquecento. La literatura renacentista española incluyó la lírica italianizante y la novela
Este documento proporciona definiciones y explicaciones de varios términos clave relacionados con la arquitectura y las artes visuales. Brevemente describe elementos como arcos, bóvedas, columnas y órdenes clásicos, así como conceptos como claroscuro y canon. El objetivo es introducir la terminología básica para comprender y analizar obras de arte arquitectónicas y escultóricas.
El Neoclasicismo surgió en el siglo XVIII, una época de grandes cambios y revoluciones. Fue influenciado por los ideales de la Ilustración y la Revolución Francesa. Se desarrolló debido al redescubrimiento de la antigüedad clásica a través de la arqueología, la creación de academias que promovieron los ideales clásicos, y el agotamiento del estilo Barroco asociado con la monarquía absoluta.
El documento resume la evolución del arte figurativo gótico en Europa entre los siglos XII y XV. El estilo gótico se caracterizó por un mayor realismo y humanización de las figuras, representando temas religiosos como la Virgen y el Niño o el Crucificado de forma más expresiva y cercana. La escultura gótica también adoptó estas características al enfocarse en la belleza ideal y humanidad de Cristo, ampliando sus temas más allá de lo estrictamente religioso.
Elaborada a partir de la presentación de Tomás Pérez Molina (www.slideshare.net/tomperez).
Las fuentes de los recursos utilizados figuran en la última diapositiva.
La pintura neoclásica surgió en Roma en la década de 1760 y se desarrolló en Europa hasta 1830, cuando el Romanticismo se convirtió en la tendencia dominante. Se caracterizó por temas de la Antigüedad clásica tratados de forma idealizada, racional y contenida, inspirándose en hallazgos arqueológicos. Artistas como David y Mengs promovieron esta estética que buscaba la perfección técnica y la armonía por encima de la expresividad.
El documento resume las características del Renacimiento Italiano en el siglo XV (Quattrocento), cuando Florencia se convirtió en el centro de este movimiento artístico gracias al mecenazgo de familias como los Medici. La arquitectura, escultura y pintura de este período se caracterizaron por un retorno a las formas clásicas griegas y romanas, un mayor naturalismo y el desarrollo de técnicas como la perspectiva. Artistas importantes mencionados incluyen a Ghiberti, Donatello, Masaccio
El documento describe el período artístico del Quattrocento en Italia. Surge en Florencia impulsado por los Médicis y marca el inicio del Renacimiento. Se caracteriza por el resurgimiento de los elementos arquitectónicos clásicos, el desarrollo de la perspectiva en la pintura y el realismo en la escultura. Artistas como Brunelleschi, Donatello, Masaccio, Piero della Francesca y Botticelli crean obras maestras que exaltan la belleza y la dignidad humana.
Tema 11: El Renacimiento Italiano. El manierismo.mbellmunt0
El documento resume el contexto artístico del Renacimiento italiano entre los siglos XV y XVI, con un énfasis en el Quattrocento. Brevemente describe las principales características y artistas representativos de la arquitectura, escultura y pintura de este periodo, incluyendo figuras clave como Brunelleschi, Alberti, Ghiberti, Donatello y otros. Además, presenta datos históricos y artísticos relevantes para comprender el desarrollo del arte renacentista.
El documento describe la sociedad, economía, política y arte del siglo XVII en Europa. Hubo transformaciones económicas incluyendo el comercio triangular y el surgimiento de manufacturas estatales. Políticamente se establecieron los estados-nación y las monarquías absolutas. En el arte, el barroco se caracterizó por el movimiento, contraste y emotividad en contraste con el equilibrio del renacimiento. La pintura barroca destacó en Italia, Flandes y Holanda, mientras que la arquitectura y escultura barrocas
El documento describe el estilo artístico del Barroco que surgió después del Renacimiento entre los siglos XVI y XVII. Se caracterizó por buscar efectos novedosos, sorpresa y dificultad formal. Fue influenciado por el manierismo italiano y encarnó el espíritu de la Contrarreforma católica. El Barroco se incorporó a la arquitectura, pintura, literatura y otras artes con formas recargadas y complejas.
El autor argumenta que el arte ha llegado a su fin y ya no tiene futuro como etapa histórica. Primero discute dos modelos de la historia del arte, uno basado en el progreso hacia la representación naturalista y otro más amplio. Luego propone un tercer modelo inspirado en Hegel, donde el arte y la historia han tomado caminos separados aunque el arte continuará de forma post-histórica. Finalmente plantea si el concepto mismo de arte se ha agotado.
El documento describe las características generales del Renacimiento en Europa, con un enfoque en Italia entre los siglos XV y XVI. Resalta el humanismo, el individualismo, el mecenazgo y el retorno a los modelos clásicos en arquitectura, escultura y pintura. Menciona obras y artistas representativos de cada disciplina como Brunelleschi, Miguel Ángel, Leonardo da Vinci y El Bosco. Finalmente, hace referencia al desarrollo del Renacimiento en España y estilos como el plateresco y el manierismo.
El documento describe el movimiento cultural del Neoclasicismo que surgió en el siglo XVIII como reacción al Barroco. Se caracterizó por un retorno a los ideales de equilibrio y armonía de la antigüedad griega y romana. Los viajes arqueológicos a Grecia y Roma generaron interés en la cultura clásica. La Ilustración puso al hombre en el centro y promovió el progreso racional. Las artes debían servir para educar en lugar de exaltar la iglesia o la monarquía
Características de la pintura barroca en España en el siglo XVIIIgnacio Sobrón García
La pintura española del siglo XVII experimentó una gran evolución. En un principio dominó el naturalismo y el tenebrismo influenciados por Caravaggio. Más tarde, pintores como Velázquez y Murillo abandonaron este estilo en favor de una pintura basada en la luz, el color y la atmósfera. La temática fue principalmente religiosa al servicio de la Iglesia. Los principales centros fueron Valencia, Sevilla y Madrid, donde destacaron artistas como Ribera, Zurbarán, Murillo y Velázquez.
Dorothea McEwan, Fritz Saxl, Eine Biografie. Aby Warburgs Bibliothekar und er...PANOFSKYDORA
Este documento resume la biografía de Fritz Saxl escrita por Dorothea McEwan. Saxl fue bibliotecario y primer director del Instituto Warburg en Londres. Trabajó estrechamente con Aby Warburg y salvó los fondos de su biblioteca llevándolos a Londres para escapar del nazismo. Publicó varios artículos en el Journal of the Warburg and Courtauld Institutes. Saxl realizó varios viajes de investigación, incluyendo uno a España en 1927 para estudiar manuscritos astrológicos medievales y obras de Veláz
Sobre dos noticias en la obra de Fray Martín SarmientoPANOFSKYDORA
Este documento analiza dos breves referencias de Fray Martín Sarmiento sobre obras de arte que tienen gran importancia para la historia del arte. La primera referencia describe la Virgen de Brera de Piero della Francesca, destacando su perspectiva y la representación del donante. La segunda referencia describe las representaciones de la Trinidad con tres cabezas o caras, indicando que a pesar de ser consideradas herejéticas, continuaron usándose en España hasta el siglo XIX en ámbitos populares.
El documento describe la arquitectura renacentista en Europa entre los siglos XV y XVI. Se caracterizó por buscar la perfección técnica y geométrica basada en cálculos matemáticos, con preferencia por el espacio unitario y la simetría. Surgió en Italia y sus principales exponentes fueron León Battista Alberti, Donato Bramante, Andrea Palladio, Miguel Ángel y Lorenzo Ghiberti.
Este documento describe la Tira de la Peregrinación, un manuscrito pictográfico azteca que narra la migración de los mexica desde Aztlan hasta la fundación de Tenochtitlan. El autor analiza la Tira de manera independiente al texto en náhuatl del Códice Aubin, para interpretar mejor los elementos pictográficos. El análisis sugiere que la Tira enfatiza el papel de los mexica como guerreros herederos de la tradición chichimeca, más que su ascendencia culhua-tolteca
Este documento presenta un resumen de la Tira de la Peregrinación, un manuscrito pictográfico azteca que narra la migración de los mexicas desde Aztlan hasta la fundación de Tenochtitlan. La autora realiza un análisis de la pictografía sin dejarse influir por interpretaciones previas, reconociendo escenas y personajes a través de fuentes primarias. Esto muestra que el autor del Códice Aubin no comprendió completamente la pictografía en el siglo XVI. La Tira destaca el papel de los az
El documento resume tres obras destacadas del Renacimiento: la escultura de David de Miguel Ángel, La Escuela de Atenas de Rafael, y La moneda de tributo de Tiziano. También describe las características del Renacimiento como un movimiento cultural que surgió en Italia y se centró en el ser humano, con temas como el campo, la vida sencilla y el aprovechamiento del presente.
Este documento resume la evolución iconográfica del tema del Descendimiento de Cristo de la cruz desde sus orígenes en el arte bizantino hasta la obra maestra de Benedetto Antelami en 1178. Explica cómo las figuras de la Virgen y San Juan se fueron incorporando en el siglo XI para reforzar el sentido dramático de la escena. Finalmente, destaca el relieve de mármol de Antelami en la catedral de Parma como la cumbre del arte románico y la más antigua representación italiana del tema.
Jean Clair. Relatos Curatoriales I Grace Wahnish y Ana Fernicola UNA
Jean Clair compara la situación del arte moderno y los museos de arte contemporáneo con la religión romana en la época final de la República. Sugiere que al igual que los romanos multiplicaron los templos cuando dejaron de creer en sus dioses, hoy en día se multiplican los museos de arte moderno a medida que crece el escepticismo sobre el valor y significado del arte, especialmente entre los expertos. También argumenta que los curadores comparten el escepticismo religioso de los romanos tardíos, al aceptar cualquier elemento nuevo en el
El Renacimiento surgió en Italia, concretamente en Florencia, a principios del siglo XV. Los artistas reutilizaron formas del arte clásico pero evolucionaron cultural, social y políticamente. La escultura de Moisés de Miguel Ángel, realizada en mármol en 1505, ha recibido múltiples interpretaciones aunque representa a Moisés recibiendo los Diez Mandamientos en el Monte Sinaí según el Éxodo.
1) En enero de 1950, Bengt Edman y Lennart Holm diseñaron una casa en Uppsala (Suecia) que llevó al término de "Neo-Brutalist" como broma.
2) En los años siguientes, algunos arquitectos jóvenes en Inglaterra adoptaron el término "Neo-Brutalism" para describir sus proyectos.
3) La Escuela de Hunstanton de 1953, diseñada por Alison y Peter Smithson, se considera el primer ejemplo del nuevo movimiento arquitectónico del
El documento presenta un resumen de 3 oraciones del Renacimiento en Italia y Europa:
1) En Italia durante los siglos XV y XVI floreció un imponente movimiento artístico, literario, científico y cultural conocido como el Renacimiento, que también tuvo implicaciones políticas y sociales.
2) Este periodo estuvo marcado por los grandes genios del arte como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael.
3) El mito del Renacimiento de Burckhardt es cuestionado por exagerar los contrastes entre esta ép
El documento presenta tres oraciones:
1) Cuestiona la noción del Renacimiento como una época de oro aislada, señalando que hubo varios renacimientos a lo largo de la historia y que los llamados hombres del Renacimiento tenían muchas características medievales.
2) Argumenta que usar el término "Renacimiento" sin prejuicios, reconociendo los logros medievales y no europeos, puede ser útil como concepto para referirse a determinados cambios culturales.
3) Concluye que cada ren
El origen de las leyendas de la Cruz de los Angeles y Cruz de la VictoriaHistoria de Cantabria
El documento analiza el origen de las leyendas asociadas a las cruces de los Ángeles y la Victoria que se conservan en la catedral de Oviedo. Estas cruces fueron donadas en los siglos IX y X, pero no fue hasta el siglo XII cuando el obispo Pelayo promovió nuevas interpretaciones de ellas: la Cruz de los Ángeles como una obra realizada por ángeles, y la Cruz de la Victoria como emblema real de la batalla de Covadonga. Pelayo buscó dar nuevos significados a estos objetos como parte de
Las casas blancas apuntes sobre una tentativa de arquitectura nacionalBonillas Construcciones
INSTITUTO DE ARTE AMERICANO E INVESTIGACIONES ESTETICAS
N|6
Las casas blancas apuntes sobre una tentativa de arquitectura nacional
OCTUBRE 1988
ROBERTO FERNANDEZ
Este documento resume una edición del libro "De Divina Proportione" de Luca Pacioli publicada en 2007. El libro presenta una traducción anotada de la obra original de Pacioli con dibujos realizados por Leonardo da Vinci. Explica conceptos matemáticos como la proporción divina y su importancia para el arte renacentista.
El documento resume el Renacimiento en Italia, destacando que fue un movimiento urbano y minoritario que buscó revivir la cultura clásica de Grecia y Roma a través de la imitación y asimilación de sus modelos artísticos, arquitectónicos y literarios. El Renacimiento se desarrolló gradualmente a lo largo de la Edad Media y tuvo un auge en el siglo XV en Italia, especialmente en ciudades-estado con autogobierno, donde resurgieron disciplinas como la gramática, la retórica, la filos
Este documento discute las razones simbólicas detrás de la tradición religiosa de cubrir cruces e imágenes durante la Cuaresma. Se citan ejemplos históricos como una pintura de Bruegel que muestra un Crucificado en el suelo de una iglesia, y la práctica actual en dos iglesias gallegas de cubrir cruces. El autor también explica que esta tradición se basa en el escrito de un autor medieval sobre cómo la divinidad de Cristo se ocultó durante su Pasión, y por lo tanto las cruces deben
Animales Virtuosos. A propósito de una nueva interpretación de la 'Alegoría' ...PANOFSKYDORA
Este documento analiza la interpretación de la Alegoría de Ticiano, conocida como "Alegoría de la Prudencia", que se encuentra en la National Gallery de Londres. Tras un breve ensayo historiográfico sobre la obra, el autor reivindica la interpretación propuesta por Fritz Saxl y Erwin Panofsky, quienes sugirieron que la obra combina dos tradiciones: la medieval, que representa a la Prudencia con tres cabezas humanas, y la antigua, que representa a Serapis, el dios egipcio, acomp
El documento describe los mosaicos instalados en la Colegiata de Santa María de Vigo en 1964. Los mosaicos, realizados por el artista catalán Santiago Padrós, presentan escenas relacionadas con el sacrificio de Cristo y la Virgen María. Representan ideas como que la Iglesia surge de la herida en el costado de Cristo, así como la relación entre el Árbol del Paraíso, la Cruz y el Pecado Original.
Símbolos eucarísticos en el románico gallegoPANOFSKYDORA
Este documento analiza símbolos eucarísticos encontrados en iglesias románicas gallegas, como altares con forma de sigma o lobulada, imágenes del Cordero de Dios y puertas de sagrarios. Estos elementos se interpretan como signos visibles de la Eucaristía que recuerdan al sacrificio de Cristo y su presencia en la misa. Algunos tímpanos replican la forma de altares antiguos y patenas, mientras que imágenes del Agnus Dei en umbrales enfatizan que se ent
DOS TEMAS ICONOGRÁFICOS EN LA PINTURA MURAL GALLEGA: NOSA SEÑORA DAS VIRTUDES...PANOFSKYDORA
Este documento analiza dos temas iconográficos encontrados en la pintura mural gallega: 1) La escena del "Milagro del Campo de Trigo" en la iglesia de Arante, que ilustra un episodio apócrifo de la huida a Egipto de la Sagrada Familia. 2) La cabalgata de los Siete Pecados Capitales en el ábside de Santa María de Castrelo do Miño, una representación común en el arte desde finales del siglo XV para advertir a los fieles sobre los vicios. El documento también expl
Contemplando una obra maestra de Tino di CamainoPANOFSKYDORA
Este documento resume un artículo sobre una escultura del siglo XIV realizada por Tino di Camaino que representa a la muerte. La escultura forma parte de un sepulcro y muestra a la muerte con tres caras y cuatro brazos disparando flechas contra diferentes grupos sociales. El autor analiza la inspiración para esta obra en una ilustración del siglo XIV creada por Francesco da Barberino que también representa a la muerte de forma similar. Barberino y Camaino probablemente se conocieron y influyeron mutuamente en sus representaciones alegóricas de
ACERTIJO DESCIFRANDO CÓDIGO DEL CANDADO DE LA TORRE EIFFEL EN PARÍS. Por JAVI...JAVIER SOLIS NOYOLA
El Mtro. JAVIER SOLIS NOYOLA crea y desarrolla el “DESCIFRANDO CÓDIGO DEL CANDADO DE LA TORRE EIFFEL EN PARIS”. Esta actividad de aprendizaje propone el reto de descubrir el la secuencia números para abrir un candado, el cual destaca la percepción geométrica y conceptual. La intención de esta actividad de aprendizaje lúdico es, promover los pensamientos lógico (convergente) y creativo (divergente o lateral), mediante modelos mentales de: atención, memoria, imaginación, percepción (Geométrica y conceptual), perspicacia, inferencia y viso-espacialidad. Didácticamente, ésta actividad de aprendizaje es transversal, y que integra áreas del conocimiento: matemático, Lenguaje, artístico y las neurociencias. Acertijo dedicado a los Juegos Olímpicos de París 2024.
1. MINIUS XV, 2007, pp. 353-355
Ch. T. Little (ed.),
Set in Stone: The Face in Medieval Sculpture. Catálogo de la Exposición (Nueva York, The Metropolitan
Museum of Art, 26 sept 2006-18 Feb. 2007). Londres y New Haven, Yale UP, 2006. XVI + 222 pp.
Carlos Sastre Vázquez
Erwin Panofsky, buscando un elemento diferenciador entre la escultura de la Antigüedad clásica y la del
medioevo, explicaba: “una estatua gótica privada de su cabeza nos conmueve como si estuviera mutilada de
un modo mucho más vital que un torso clásico” (Los primitivos flamencos, p. 30. Véase P. Zanker, The Mask
of Socrates, p. 10, y el célebre poema de Rilke: “Wir kannten nicht sein unerhörtes Haupt…” ). En buena
medida, la exposición cuyo catálogo es el motivo de la presente reseña corrobora tal aserto: las esculturas
medievales son, por así decirlo, pedestales para cabezas, la parte del cuerpo en la que se concentra el “alma”
de la figura. Salvo excepciones que confirman esta regla (entre las que se encuentra la bellísima pieza
del museo de la catedral de Santiago de Compostela –que no pasó desapercibida al autor alemán – atribuida
por Serafín Moralejo a un “maestro de los paños mojados”: Cuad. Est. Gallegos, 1973, pp. 293-310; D. Rico,
El románico de S. Vicente de Ávila, pp. 160 ss.), la decapitación de una estatua medieval equivale a despojarla
de su capacidad expresiva. Como señala uno de los redactores del volumen, Stephen K. Scher, “one of
the premises of the exhibition [es] that the head is the seat of identity and character” (p. 24).
Concebida en parte como homenaje al Internacional Center of Medieval Art (ICMA), editor de la prestigiosa
revista Gesta, la exposición presenta al gran público un exquisito elenco de rostros que recorren un
significativo arco cronológico del arte occidental, desde la Antigüedad Tardía hasta los albores del
Renacimiento. Las ochenta y una piezas se organizan siguiendo una organización temática que es la que
también ordena el catálogo: 1. Iconoclasm 2. Limestone Sculpture Provenance Project 3. Stone Bible 4.
Marginalia 5. Portraiture 6. Gothic Italy 7. Objects of Devotion.
Como introducción general, se incluye un breve ensayo de Willibald Sauerländer, “The Fate of the Face in
Medieval Art”. Ya anteriormente el historiador del arte alemán había realizado una importante contribución al
tema de la fisiognomía: (Mellon Lectures at the National Gallery of Art, 1990 –pero 1991- ). Traza
Sauerländer una breve historia de la expresión del rostro (motus animae) que considera “inextricably linked to
the rise of religious theatre in the same period” (p. 11). Repasa textos medievales en los que se insta a la
mesura en la manifestación de los sentimientos, sin obviar ejemplos profanos, como el Roman de la Rose,
donde se estipula que la “femme doit rire a bouche close” (p. 10). Es de mencionar que, como ocurre con
otros investigadores de fuera de nuestras fronteras (excepción hecha de entusiastas como M. Ward), el
sonriente Daniel del Pórtico de la Gloria es despachado con una simple mención (p. 8). Hasta donde sé, sólo
Claudia Rückert (Humboldt-Universität, Berlín) se ha tomado en serio el majestuoso conjunto compostelano
2. como banco de pruebas para el desarrollo de las expresiones faciales (“Smiling: Display of Emotions in Late
Romanesque Sculpture”, Leeds, IMC 2006, inédito). Sauerländer, que relaciona la cuestión de la emergencia
de las expresiones con la paulatina accesibilidad hacia 1200 de los tratados de fisiognomía griegos y árabes,
se detiene en cuestiones como la ambivalencia (el negro como ser inferior y como santo) o la creciente
devoción bajomedieval a la cabeza decapitada del Bautista, que “could be considered a type of anti-Laocoön,
in which the face of the pagan priest expresses pain, and the face of the beheaded Baptist expresses peace” (p.
16).
Como ya se señaló, la exposición –y el catálogo- se ordena en secciones, cada una de las cuales es abierta con
una breve introducción. La primera corre a cargo de Stephen K. Scher, “Iconoclasm: A Legacy of Violence”,
dando paso a una selección de piezas provenientes de destrozos durante algún fanático episodio de
iconoclasia, con piezas bellísimas, como las cabezas regias (Cat. 10).
La segunda sección está dedicada al interesantísimo Limestone Project, que mediante técnicas de laboratorio
se ha convertido en una útil herramienta de apoyo a la hora de determinar con más precisión la proveniencia
de piezas descontextualizadas. De su impacto mediático da fe la inclusión en la edición española de The New
York Times (El País, 9-XI-06) de un breve artículo acerca de este método (agradezco al profesor J. Eladio
Seco que me hiciera notar esta información periodística). Cabe recordar, no obstante, que ya en ámbitos más
académicos se había prestado especial atención a este procedimiento, como lo prueba el número
extraordinario de Gesta del año 1994. Como era de esperar, la sección va ilustrada con ejemplares de los que
se ha podido establecer (o corroborar) su procedencia gracias a este reciente recurso. Por supuesto, el punto de
partida sigue siendo el “método morelliano”: siempre ha de existir una propuesta establecida por algún
especialista en el periodo escultórico estudiado.
Llegamos ahora a la tercera sección, “The Stone Bible: Faith in images”, introducida por un breve ensayo a
cargo de Jacqueline E. Jung. Partiendo de dos conocidísimos textos, la Carta a Sereno de Marsella, del papa
Gregorio, y el poema de Villon en el que el poeta pone en boca de su madre el impacto producido por la
visión de un programa de Juicio Final, Jung recuerda a autores como John Ruskin y Víctor Hugo, defensores
de un análisis global (obvio la atroz palabreja “holística”) de las catedrales góticas (una breve panorámica en
R. Sánchez, Actas Congreso Cat. León, 2004, pp. 204-6). Concluye la autora con la idea de que “rather than
acting as a surrogate for sacred texts, the “stone bible” is best understood as a vibrant supplement to them,
using artificial bodies to bridge the gap between ancient writings and contemporary human communities” (p.
76). Entre las piezas que iluminan esta sección es destacable la expresiva cabeza de Herodes procedente de
Chartres (Cat. 33). También merece la pena hacer notar que –tras la polémica suscitada por Linda Seidel
(Legends in limestone)- se reintegra a Gislebertus a la nómina de artistas que han dejado su firma para la
posteridad (Cat. 26).
3. La siguiente sección, “What are marginalia?” es presentada mediante un –anodino- texto a cargo de Janetta
R. Benton, en el que se dan cita todos los lugares comunes acerca de esta temática. Por cierto, uno no
comprende la razón de que se incluya (Cat. 39) una pila bautismal cuyas cuatro cabezas son interpretadas
como los cuatro ríos del Paraíso Terrenal ¿Dónde está aquí el tema marginal?
“Sculpting Identity” se abre con unas reflexiones acerca del retrato y la noción de individuo en la Edad
Media, firmadas por Stephen Parkinson. Junto a verdades obvias, tales como que “the Middle Ages was not a
period without individuals” (p. 123), nos encontramos con discutibles argumentos acerca de las razones que
explican el surgimiento de un retrato realista (con todas las reservas ante el término) a finales de la Edad
Media: “court artists increasingly came to see facial mimesis as a means of demonstrating their memory of,
and thus loyalty to, their lordly patrons, further increasing the taste for verism” (p. 123. Véase una idea menos
confusa, para el s. XII, en K. E. Wildgen, “El capitel de Autun con el Suicidio de Judas” Románico 4; en
prensa).
Llegamos al apartado que lleva por título “Gothic Italy: Reflections of Antiquity”. La introducción corre a
cargo de Charles T. Little y Christine Verzar, una de las grandes conocedoras del arte italiano de la Edad
Media; texto muy centrado en la figura de Federico de Sicilia, lo que tiene su correspondencia en buena parte
de las magníficas piezas que ilustran esta sección. Hacer notar que Cat. 66, analizado por Verzar como pieza
del último tercio del s. XIII, es ahora considerada una obra antigua reesculpida en la Edad Media (p. VII).
Cierra el catálogo la sección 7, “Objects of Devotion”, expresamente dedicada a cabezas-relicario, la del
decapitado Bautista, y a los santos cefalóforos. El ensayo introductorio (“Reliquary Busts: A Certain
Aristocratic Eminence”) viene firmado por Barbara Drake Boehm, quien contribuyera al monográfico sobre
relicarios editado por Gesta en 1997. Boehm, enumerando algunas de las características de los bustos-
relicario, alude a “their frontal presentation”, que es, evidentemente, un buscado arcaísmo, casiuna nostálgica
mirada a los tiempos en los que –citando a Umberto Eco- “los dioses No tenían espalda” (una útil panorámica
de los personajes de espaldas en M. Koch, Die Rückenfigur im Bild von der Antike bis zur Giotto).
Como ocurre en toda obra colectiva, hay una notable diferencia entre las distintas entradas al catálogo,
destacando algunas por su alta calidad (p. e. Cat. 47 a 52 y gran parte del apartado 6) frente a otras poco
menos que prescindibles, siendo el resultado desparejo. En cualquier caso, un volumen muy interesante.
Diciembre 2006