El documento presenta información sobre dos museos visitados por estudiantes de historia del arte: el Museo del Oro en Bogotá y el Museo Botero. Resume el arte precolombino exhibido en el Museo del Oro, con énfasis en el trabajo en oro y cobre de culturas colombianas. Luego describe las colecciones del Museo Botero, incluyendo obras donadas por Fernando Botero y una colección internacional que incluye obras de Picasso, Miró y Delaunay.

1. Asignatura:
Historia del Arte
Galería Fotográfica visita museo del oro y museo Botero
Presenta
Luis Fernando Martínez Arévalo ID 000282572
Javier Orlando Martínez Arévalo ID 000282573
Giovanny Pérez Jiménez ID 000072409
Docente
Gustavo Adolfo Ortiz Serrano
Bogotá D .C. Mayo 5 de 2013

2. MUSEO DEL ORO

3. Arte precolombino
El arte precolombino es la manera como se designa al conjunto de realizaciones
artísticas e intelectuales como escultura, arquitectura, arte rupestre, cerámica, textil,
metalistería y pintura realizadas en el continente americano durante el periodo
precolombino. Este es el elemento principal que permite el conocimiento y
reconocimiento de las civilizaciones precolombinas, la prueba de su nivel de
desarrollo y la capacidad de transformación de su medio ambiente. El término
"precolombino" deriva de pre Colombia antes de Colón", pero tiene que ver en
particular con las culturas que dominaban el territorio de las que serían las colonias
españolas en América, es decir, desde México hasta el Cono Sur con la exclusión de
Brasil (en donde se dice "Período pre-colonial") y cuyo desarrollo comenzó en el
periodo preclásico americano o Periodo Formativo de América con el surgimiento de
la cultura Olmeca en Mesoamérica a la que se atribuye la construcción de una de las
ciudades más notables del continente, Teotihuacán. Ello implica un marco de tiempo
que va desde el 1500 a. C. hasta el Descubrimiento de América en 1492, lo que implica
también el periodo formativo o preclásico, el clásico y el posclásico.

4. En Colombia, cuya región montañosa es la "clásica" de la (llamada para la América
precolombina) Región Intermedia se destaca el trabajo en oro y cobre de las culturas
Quimbaya, Manabí, San Agustín, Chibcha, Calima y Tairona. Este tipo de elementos
se elaboraban mediante el procedimiento artesanal de la cera perdida así como la
fabricación de finísimas láminas decoradas con motivos de alambre o cintas, y figuras
antropomorfas muy estilizadas en estos metales. También tejían telas de algodón y
trabajaban la cerámica realizando las mismas figuras antropomorfas estilizadas que
hoy en día es posible apreciar en museos de Colombia y de todo el mundo. Bellísimas
expresiones de las artes en orfebrería (e incluso de "tumbaga") que han sobrevivido a
ser fundidas por los conquistadores y posteriores "huaqueros" aún se pueden admirar
en el Museo del Oro de Colombia.

6. GRABADO DE 1565. GIROLAMO BENZONI IMAGINA PERSONALES
AMERICANOS TRABAJANDO EL METAL.

46. MUSEO BOTERO

47. En el año 2000 el artista Fernando Botero donó al Banco de la República una colección
de arte de 208 obras, 123 de su propia autoría y 85 de artistas internacionales. Con esta
colección se fundó el Museo Botero, ubicado en el barrio La Candelaria, centro
histórico de Bogotá, en una casona colonial que funcionó hasta 1955 como Arzobispado
de la ciudad, y que fue restaurada y adecuada como museo por el Banco de la
República, bajo los preceptos y la curaduría del propio maestro Botero. Desde el 1° de
noviembre de 2000 la colección ha estado a disposición del público.
En el costado occidental del Museo se exhiben las 123 obras del propio maestro Botero
entre las cuales se hallan pinturas, dibujos y esculturas. En estas piezas pueden
apreciarse los rasgos característicos de la obra del artista, su extraordinario dominio de
la técnica, la coherencia de su visión, la creatividad, la sensualidad, el manejo del
volumen, el gusto por el detalle imprevisto y esa combinación de ironía y respeto que
ha marcado su tratamiento de los temas colombianos o sus alusiones a la pintura
universal. Son, ante todo, obras de las últimas décadas del siglo XX que permiten
disfrutar el lenguaje y el estilo que ha caracterizado al pintor en su madurez.
En el costado oriental de la casa, se exhibe la colección internacional del Museo
Botero, 85 obras de altísimo nivel que dan una idea muy completa de la evolución de la
pintura y la escultura modernas, siendo la obra más antigua Gitane au tambourin
(anterior a 1862) de Camille Corot y la más reciente, el gran óleo de Barceló (1998). Una
colección que reúne a artistas tan destacados como
Picasso, Leger, Renoir, Monet, Dalí, Giacometti, Beckmann, Freud, Calder y Bacon, y
que ubicó al Museo Botero entre las cinco colecciones públicas de arte internacional de
mayor importancia en América Latina.

48. FERNANDO BOTERO

49. Fernando Botero (Medellín, 19 de abril de 1932) es un pintor, escultor y dibujante
colombiano. Icono universal del arte, su extensa obra es reconocida por niños y adultos
de todas partes por igual. Es considerado el artista vivo originario de América Latina
más reconocido y cotizado del mundo.
La obra de su autoría lleva impreso un original estilo figurativo neorenacentista
contemporáneo, denominado por algunos como "Boterismo", el cual le da una
identidad inconfundible y conmovedora a las mismas, y se caracteriza por la
interpretación que da el artista a diversas temáticas universales (el ser humano, la
mujer, el hombre, sus sentimientos, pasiones, dolores, creencias, vicios, costumbres, su
cotidianidad, sus relaciones interpersonales, mitos, leyendas, manifestaciones
culturales, así como dramas, acontecimientos y personajes históricos, sociales y
políticos, hitos del arte, hasta objetos, animales, paisajes y la naturaleza en general),
con una volumetría exaltada, que impregna de un especial carácter tridimensional, así
como de fuerza y sensualidad a la obra, junto a una concepción anatómica particular,
una estética que cronológicamente podría encuadrarse entre los años treinta a cuarenta
en occidente, en temáticas que pueden ser contemporáneas o pasadas, pero con
vocación universal, con un uso vivaz y magistral del color al estilo de la escuela
veneciana renacentista y finos detalles de crítica mordaz, ironía y sutileza.
Itinera entre sus afamados estudios de esculturas de Pietra Santa, Italia y los de pintura
en París (Francia), Nueva York (Estados Unidos de América) y de Montecarlo
(Principado de Mónaco); así mismo, dedica tiempo al dibujo algunos días del año en
Zihuatanejo, México y Rionegro, en Colombia.

50. CABALLO
1998
OLEO
SOBRE
LIENZO
BANANOS
1990
OLEO
SOBRE
LIENZO
UNA
FAMILIA
1989
OLEO
SOBRE
LIENZO
PAREJA
1993
BAJO
RELIEVE EN
BRONCE

51. EL
PRESIDENTE
1997
OLEO SOBRE
LIENZO
LA PRIMERA
DAMA
1997
OLEO SOBRE
LIENZO
MANOS
1998
LÁPIZ, ACUARE
LA Y PASTEL
SOBRE LIENZO
CAMINANDO
CERCA AL RÍO
1989
OLEO SOBRE
LIENZO

52. NATURALEZA MUERTA CON FRUTAS
1993
LÁPIZ Y ACUARELA SOBRE LIENZO
MUJER CON
ZORRO
1998
SANGUINA
SOBRE LIENZO
ADAN Y EVA
1990
LÁPIZ SOBRE
PAPEL

53. MUJER SENTADA
CON FRUTA
1996
BRONCE
GATO
BRONCE
HOMBRE, MUJ
ER Y NIÑO
BRONCE
MATERNIDAD
BRONCE

54. PABLO PICASSO
Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios
Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso[1] (Málaga, España; 25 de octubre de
1881 — Mougins, Francia; 8 de abril de 1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor
y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista.
Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis en muchos
movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en
otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras,
presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros
géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el
diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.
En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido
Comunista Francés hasta su muerte,[2] el 8 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie
(Mougins, Francia) a los 91 años. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues
(Bouches-du-Rhone).

55. CRÁNEO DE CABRA
CA. 1952
LITOGRAFÍA
AGUATINTA
HOMBRE SENTADO CON PIPA
1969
OLEO SOBRE LIENZO

56. SONIA DELAUNAY
Sonia Delaunay (en ruso Соня Делоне-Терк Sonia Deloné-Terk; Odesa, 1885 -
París, 1979) fue una pintora y diseñadora francesa de origen ucraniano, casada con el
pintor Robert Delaunay.
Inspirada en las formas del cubismo y en los colores de Paul Gauguin, Vincent van Gogh
y los orfistas, desarrolló, a partir de 1910, un estilo basado en la yuxtaposición o 'contraste
simultáneo' de colores puros rotos en prismas. Se la considera la reina del art decó.
Estuvo brevemente casada con el crítico y marchand Wilhelm Uhde, en 1910 se casó con
Robert Delaunay.
Expuso pinturas, telas y encuadernaciones realizadas con esta técnica y también diseñó
vestuarios para teatro.
En la década de 1920 Delaunay se dedicó al diseño de ropa y a sus telas pintadas a mano
con colores brillantes que revolucionaron el diseño textil.
Después de 1940 su estilo se volvió más delicado y sencillo, sobre todo en los
gouaches, donde sus experimentos cromáticos alcanzaron nuevas cotas de refinamiento.
En 1964, el Museo Nacional de Arte Moderno de París recibió una donación de 58 obras
suyas, que fueron expuestas en el Louvre, con lo que se convirtió en la primera mujer
que, en vida, vio sus cuadros expuestos en ese museo de París.
En 1975 fue condecorada con la Legión de Honor.

57. SIN TÍTULO
1945
GOUACHE Y COLLAGE SOBRE PAPEL

58. JOAN MIRÓ
Joan Miró i Ferrà (Barcelona, 20 de abril de 1893 — Palma de Mallorca, 25 de
diciembre de 1983) pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno
de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el
subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostró fuertes
influencias fauves, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con
cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La Masía del año 1920. A partir de
su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los puntos del
surrealismo e incorporándose a este movimiento.[1] En numerosas entrevistas y
escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los
métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos,
asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese
contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera
con sus compromisos hacia los surrealistas.[2]
Uno de sus grandes proyectos fue la creación en 1975, de la Fundación Joan Miró,
ubicada en Barcelona, centro cultural y artístico para difundir las nuevas tendencia
del arte contemporáneo, constituyéndose con un gran fondo de obras donadas por
el autor; otros lugares con importantes fondos de sus obras son la Fundación Pilar i
Joan Miró de Palma de Mallorca, el Museo Reina Sofía de Madrid, el Centro
Pompidou de París (Musée National d'Art Moderne) y el MOMA de Nueva York.

59. EL DISCO ROJO PERSIGUIENDO A
LA ALONDRA
1953
OLEO SOBRE LIENZO

60. MAX ERNST
Max Ernst (Brühl, Alemania, el 2 de abril de 1891 - París, Francia, el 1 de abril de 1976)
fue un artista alemán nacionalizado francés considerado figura fundamental tanto en
el movimiento dadá como en el surrealismo. A lo largo de su variada carrera artística,
Ernst se caracterizó por ser un experimentador infatigable, utilizando una
extraordinaria diversidad de técnicas, estilos y materiales. En todas sus obras buscaba
los medios ideales para expresar, en dos o tres dimensiones, el mundo
extradimensional de los sueños y la imaginación
EXPLOSIÓN EN UNA CATEDRAL
1960
OLEO SOBRE LIENZO

62. EUGÉNE BOUDIN
Eugène Boudin (12 de julio de 1824 - 8 de agosto de 1898) fue uno de los primeros
paisajistas franceses en pintar al aire libre. La mayoría de su obra son paisajes marinos
que ganaron los elogios de Baudelaire y Corot.
EL PUERTO DE
TROUVILLE
1884
OLEO SOBRE
LIENZO

63. PIERRE-AUGUSTE RENOIR
Pierre Auguste Renoir (25 de febrero de 1841 - 3 de diciembre de 1919), es uno de los
más célebres pintores franceses. No es fácil clasificarlo: perteneció a la escuela
impresionista, pero se separó de ella por su interés por la pintura de cuerpos
femeninos en paisajes, inspirados a menudo en pinturas clásicas renacentistas y
barrocas.[1] [2] [3]
El Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del siglo
XIX, en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de
Bellas Artes, institución que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones
oficiales en el Salón parisino.
El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo
espontánea y directa, en pinturas creadas "in situ", no elaboradas en el taller tal y
como se estilaba hasta entonces. En parte por la necesidad de abreviar la ejecución, se
recurre a una pincelada rápida y suelta, y a formatos manejables frente a los formatos
monumentales típicos de la pintura académica.
Renoir ofrece una interpretación más sensual del impresionismo, más inclinada a lo
ornamental y a la belleza. No suele incidir en lo más áspero de la vida moderna, como
a veces hicieron Manet o Van Gogh. Mantuvo siempre un pie en la tradición; se puso
en relación con los pintores del siglo XVIII que mostraban la sociedad galante del
Rococó, como Watteau.

64. PAISAJE DE L’ LLE DE FRANCE
1883
OLEO SOBRE LIENZO

65. RAYMOND MASON
Raymond Grieg Mason, nacido en 1922 en Birmingham (Gran Bretaña) y fallecido el
13 de febrero de 2010 en París,[1] fue un escultor residente en Francia.
Raymond Mason empleó el bajorrelieve como forma escultórica predominante en si
producción artística. También trajo el color a sus esculturas: "Una escultura es
inerte, mi meta es hacer que esté viva y sea vigente. Hago mis composiciones tan
dinámicas como puedo y las coloreo porque quiero que gusten y que susciten el dialogo
entre las personas. "Raymond Mason.[3]
Es conocido por sus esculturas de personas amontonadas hechas de barro, con obras de
McGill College Avenue en Montreal, las Tullerías, en París; en Georgetown
(Washington D. C.) y en la Madison Avenue, Nueva York. Su controvertido trabajo de
1991 , Forward! en la Centenary Square de Birmingham fue destruido por el fuego el 17
de abril de 2003. La estatua llevaba una referencia ala ADN ("el secreto de la vida") en
conexión con Maurice Wilkins, que fue al colegio en Birmingham y trabajó en la
Universidad de Birmingham.

66. BAJO RELIEVE EN RESINA COLOREADA

67. ARISTIDE MAILLOL
Aristide Maillol (, 8 de diciembre de 1861 – Banyuls-sur-Mer, 27 de septiembre de
1944) fue un pintor, grabador y escultor francés, nacido en Banyuls-sur-Mer en el
Rosellón de los Pirineos-Orientales.
Inició su formación como pintor, siendo discípulo en París de J. L. Gérome y de A.
Cabanel en la Escuela de Bellas Artes. Expuso en el Salón de Artistas Independientes
desde su fundación (1884). Gracias a su amistad con Bourdelle, reveló un concreto
interés por la escultura, particularmente por la de Rodin. En 1893 creó en Banyuls un
taller de tapicería, caracterizado por la excelente calidad de las lanas y por trabajar con
colorantes únicamente vegetales, hechos en el propio taller. También trabajó la
cerámica. Hacia 1900 su arte escultórico estaba aún ligado a Vuillard, Bonnard y
Matisse, pero el contacto con la escultura egipcia, india y clásica centraron su gusto
por los volúmenes macizos (Mediterránea, 1902-1905; Pomona, 1907-
1910, Armonía, 1940-1944). De su serie de monumentos conmemorativos destaca el
dedicado a Cézanne (1912-1920). Maillol fue además un gran artista del libro; gracias al
conde de Kessler fundó la papelería de Monval e ilustró las Bucólicas de Virgilio (1927)
y Canciones para ella de Verlaine (1939).

68. ARMONÍA
1944
BRONCE CON PÁTINA

69. FRANCIS BACON
(Dublín, 1909 - Madrid, 1992). Pintor inglés de origen irlandés, figura destacada de la
denominada Nueva Figuración, tendencia que se desarrolla a lo largo de los años
sesenta, tras el agotamiento del informalismo. En el panorama del arte de la posguerra,
el expresionismo figurativo de Bacon ocupa un lugar aparte, difícilmente relacionable
con algunas de las distintas tendencias artísticas que recorren estos años. Toda la
trayectoria pictórica de Bacon se caracteriza por una profunda independencia, que hace
de su pintura un referente inconfundible del arte europeo de la segunda mitad del siglo
XX. Bacon, además, influyó en gran medida en los artistas del movimiento Pop inglés.
ESTUDIO DE UN NIÑO
1960
OLEO SOBRE LIENZO

70. JEAN DUBUFFET
(El Havre, Francia, 1901-París, 1985) Artista francés. Estudió pintura, pero se dedicó al
comercio de vinos hasta 1942, año en que emprendió con carácter definitivo la carrera
artística. Desde entonces hasta su muerte se convirtió en uno de los artistas más innovadores
del panorama mundial.
Su nombre está vinculado en particular al art brut, tendencia que toma como referencia el
arte popular, el arte de los niños o de los enfermos mentales, es decir, que aspira a una forma
de creación en la que la espontaneidad y el instinto prevalezcan sobre la razón y la formación
técnica. La importancia del arte de Dubuffet radica, por ello, en haber sido uno de los
primeros artistas modernos en renunciar a los materiales y las técnicas tradicionales.
Esta actitud provocó en los comienzos un gran escándalo, pero al final de sus días Dubuffet
gozaba ya de renombre y consideración mundiales. Como es obvio, su creación artística se
distingue por el carácter primario del impulso creativo y por el empleo de diversos materiales
en unión con la pintura, como arena, barro, yeso o detritus orgánicos
EL ORDENANZA
1963
OLEO SOBRE LIENZO

71. ROBERT RAUSCHENBERG
Robert Rauschenberg (* 22 de octubre de 1925, Port Arthur, Texas;† 12 de mayo de
2008, Captiva Island, Condado de Lee (Florida)) fue un pintor y artista estadounidense, que
alcanzó notoriedad en 1950 durante la transición desde el expresionismo abstracto al Pop-
Art, del cual fue uno de los principales representantes en su país
SINGE
SALVAGE SERIES
1984
ACRILICO SOBRE LINO

72. SALVADOR DALÍ
Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, marqués de Dalí y de Púbol
(Figueras, 11 de mayo de 1904 – ibídem, 23 de enero de 1989) fue un pintor,
escultor, grabador, escenógrafo y escritor español, considerado uno de los
máximos representantes del surrealismo.

73. ESCULTURA ABSTRACTA

75. ESCULTURA EN BRONCE, MANIERISTA
Y MODERNISTA, DE EMILIO GRECO
EMILIO GRECO
CATANIA 1913 – ROMA 1995
LA GRAN BAÑISTA IV
1959
BRONCE

76. ¡GRACIAS!