Esta escultura de 1913 titulada "Formas Únicas de Continuidad en el Espacio" del artista futurista italiano Umberto Boccioni busca capturar el movimiento y el dinamismo de una figura que avanza hacia el futuro. Realizada originalmente en yeso, existen versiones posteriores en bronce. La figura angular y pulida se asemeja a una máquina en movimiento. Rompiendo con la escultura tradicional, Boccioni abre la forma para transmitir la sensación de fuerza y velocidad con la que la figura se mueve
El Éxtasis de Santa Teresa es una escultura de mármol realizada por Bernini entre 1647-1652. Representa el momento en que un ángel traspasa el corazón de Santa Teresa con un dardo, causándole a la vez dolor y deleite místico. La obra se encuentra en la Capilla Cornaro de la Iglesia de Santa María de la Victoria de Roma, y forma parte de un conjunto escenográfico diseñado por Bernini para despertar la devoción en los fieles.
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Anàlisi i comentari de l’obra “El tres de Maig de 1808” del pintor aragonès Francisco de Goya, seguint l’esquema proposat pel el comentari d’una obra pictòrica PAU 2020.
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El Éxtasis de Santa Teresa es una escultura de mármol realizada por Bernini entre 1647-1652. Representa el momento en que un ángel traspasa el corazón de Santa Teresa con un dardo, causándole a la vez dolor y deleite místico. La obra se encuentra en la Capilla Cornaro de la Iglesia de Santa María de la Victoria de Roma, y forma parte de un conjunto escenográfico diseñado por Bernini para despertar la devoción en los fieles.
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Anàlisi i comentari de d’un dels edificis més emblemàtics de l’anomenada escola de Chicago: Els magatzems Crson, Pirie, Scott de l’arquitecte nord-americà Louis Sullivan seguint les pautes de l’esquema proposat per l’anàlisi d’una obra arquitectònica PAU 2017.
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Vanguardias artísticas. Pintura siglo XX.Javier Pérez
El documento describe los movimientos artísticos del Fauvismo, Cubismo, Abstracción y Surrealismo a través de la presentación de obras representativas de artistas clave como Matisse, Picasso, Kandinsky, Dalí y otros, con enlaces a una página web para más información sobre cada obra.
La Piedad del Vaticano, esculpida por Miguel Ángel a los 23 años, representa a la Virgen sosteniendo el cuerpo de Cristo muerto en su regazo. Considerada la obra maestra de Miguel Ángel, muestra su habilidad para esculpir figuras de gran perfección anatómica directamente de un bloque de mármol. El documento analiza los aspectos técnicos, formales e iconográficos de esta escultura, destacando la unión íntima entre las figuras y el realismo con el que Miguel Ángel represent
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Anàlisi i comentari de l'obra número 1 del pintor nord-americà Jackson Pollock. seguint les pautes del guió per l'anàlisi d'una obra pictòrica PAU 2015.
La presentació inclou "links" amb pàgines web, altres presentacions i vídeos que permeten ampliar la informació sobre l'obra.
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NOVA VERSIÓ ACTUALIZADA al meu bloc: hdartantonio.blogspot.com
Esta escultura de Bernini representa el éxtasis de Santa Teresa cuando un ángel le atraviesa el corazón con una flecha. Se trata de una composición teatral que integra escultura, arquitectura y luz para transmitir la emoción del momento místico. Los recursos barrocos como contrastes de luz y texturas buscan conmover al espectador y reforzar la fe católica.
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Anàlisi i comentari de l’escultura “Els primers freds” d’en Miquel Blay, seguint l’esquema proposat per l’anàlisi de una obra escultòrica PAU 2020.
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Anàlisi i comentari de l'obra La Madeleine de P. Alexandre VIGNON seguint l'esquema d'anàlisi proposat per l'anàlisi d'una obra arquitectònica PAU 2019.
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El documento resume la evolución del concepto de "barroco" y sus características principales. Inicialmente fue un término peyorativo usado por críticos neoclásicos para describir el arte del siglo XVII como exagerado e irregular. Más tarde, a finales del siglo XIX, el barroco pasó a valorarse como un estilo propio que reflejaba la mentalidad de la época. Se desarrolló en toda Europa como resultado de los cambios políticos, religiosos y científicos del siglo XVII, aunque con variant
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Analisi de l'obra "Eros i Psique" de l'escultor neoclàssic Antonio Canova seguint l'esquema d'anàlisi proposat pel comentari d'una obra escultòrica PAU 2019..
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Anàlisi de l'obra " El Pensador" de l'escultor francès Auguste Rodin seguint l’esquema proposat per l’anàlisi de una obra escultòrica PAU 2020.
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La escultura experimenta una revolución radical en el siglo XX, abandonando las formas tradicionales y materiales. Se produce una pérdida del humanismo y un fuerte individualismo. Artistas como Rodin, Moore y Giacometti exploran nuevas técnicas como la deformación, la incorporación del espacio y el vacío, y el uso de materiales no convencionales. Para finales del siglo, la escultura contemporánea incluye el movimiento, la abstracción y concepciones no figurativas del arte.
Julio González nació en 1876 en Barcelona y se trasladó a París en 1900 donde conoció a Picasso y Gargallo. Aunque su familia se dedicaba a la orfebrería, González se interesó por la escultura y creó máscaras de metal repoussé influenciadas por el cubismo. Más tarde, produjo esculturas abstractas de hierro que marcaron el inicio de la escultura moderna y colaboró con Picasso en varias obras. Sus esculturas más destacadas fueron La Montserrat y Mujer ante el espejo.
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Vanguardias artísticas. Pintura siglo XX.Javier Pérez
El documento describe los movimientos artísticos del Fauvismo, Cubismo, Abstracción y Surrealismo a través de la presentación de obras representativas de artistas clave como Matisse, Picasso, Kandinsky, Dalí y otros, con enlaces a una página web para más información sobre cada obra.
La Piedad del Vaticano, esculpida por Miguel Ángel a los 23 años, representa a la Virgen sosteniendo el cuerpo de Cristo muerto en su regazo. Considerada la obra maestra de Miguel Ángel, muestra su habilidad para esculpir figuras de gran perfección anatómica directamente de un bloque de mármol. El documento analiza los aspectos técnicos, formales e iconográficos de esta escultura, destacando la unión íntima entre las figuras y el realismo con el que Miguel Ángel represent
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El documento resume la evolución del concepto de "barroco" y sus características principales. Inicialmente fue un término peyorativo usado por críticos neoclásicos para describir el arte del siglo XVII como exagerado e irregular. Más tarde, a finales del siglo XIX, el barroco pasó a valorarse como un estilo propio que reflejaba la mentalidad de la época. Se desarrolló en toda Europa como resultado de los cambios políticos, religiosos y científicos del siglo XVII, aunque con variant
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La escultura experimenta una revolución radical en el siglo XX, abandonando las formas tradicionales y materiales. Se produce una pérdida del humanismo y un fuerte individualismo. Artistas como Rodin, Moore y Giacometti exploran nuevas técnicas como la deformación, la incorporación del espacio y el vacío, y el uso de materiales no convencionales. Para finales del siglo, la escultura contemporánea incluye el movimiento, la abstracción y concepciones no figurativas del arte.
Julio González nació en 1876 en Barcelona y se trasladó a París en 1900 donde conoció a Picasso y Gargallo. Aunque su familia se dedicaba a la orfebrería, González se interesó por la escultura y creó máscaras de metal repoussé influenciadas por el cubismo. Más tarde, produjo esculturas abstractas de hierro que marcaron el inicio de la escultura moderna y colaboró con Picasso en varias obras. Sus esculturas más destacadas fueron La Montserrat y Mujer ante el espejo.
Pablo Gargallo fue un escultor español que creó la obra El Profeta en 1933. El Profeta representa a un profeta poderoso gritando con una mano levantada. Gargallo creó la figura a partir de láminas de hierro curvadas que forman vacíos, sugiriendo el volumen a través del espacio negativo. El Profeta es considerada la obra maestra de Gargallo y una de las obras cumbres de la escultura contemporánea.
Este documento resume los principales movimientos y vanguardias escultóricas del siglo XX, incluyendo el primitivismo, expresionismo, cubismo y otros. Destaca figuras clave como Constantin Brancusi, Wilhelm Lehmbruck, Alberto Giacometti, Pablo Picasso, Alexander Archipenko y otros pioneros que transformaron la escultura a través del uso de nuevas formas, materiales y perspectivas.
Este documento describe la crisis de la escultura tradicional a comienzos del siglo XX y la evolución hacia nuevos enfoques. La escultura tradicional se basaba en estatuas narrativas de figuras humanas en materiales nobles como piedra o bronce. Artistas como Rodin y el descubrimiento del arte africano llevaron a experimentar con formas expresivas, puntos de vista insólitos y fragmentos. Más adelante, Picasso, Duchamp, Tatlin y otros comenzaron a utilizar nuevos materiales y técnicas
El documento describe la escultura "Pájaro en el espacio" creada por el artista rumano Constantin Brancusi en 1928. Brancusi simplificó drásticamente la forma del pájaro eliminando detalles innecesarios para capturar su esencia y sensación de vuelo. La escultura pulida de bronce parece flotar gracias a su forma aerodinámica y estilo minimalista, estableciendo una nueva relación entre la forma y el espacio.
1) El arte bizantino se desarrolló a partir del siglo VI en Constantinopla y otras áreas del imperio, continuando las tradiciones del arte paleocristiano y clásico pero adoptando elementos orientales.
2) Pasó por periodos de esplendor bajo Justiniano y los Comnenos y épocas de conflicto iconoclasta, donde se prohibieron imágenes religiosas.
3) Monumentos característicos incluyen Santa Sofía de Constantinopla, con su innovadora estructura de cúpulas, y las iglesias del Monte Ath
El arte bizantino se caracterizó por derivar sus formas del arte romano, griego y paleocristiano. Tuvo una fuerte influencia religiosa al servicio del poder imperial y eclesiástico. Destacó por su arquitectura de cúpulas y espacios interiores suntuosos, así como por sus iconos de figuras estilizadas con claros mensajes simbólicos y teológicos.
El documento resume el arte bizantino. Se describe como continuador del arte paleocristiano oriental, impregnado por la religión cristiana ortodoxa e influenciado por Oriente. Se detallan tres edades de oro del arte bizantino, desde los siglos VI al XV, caracterizadas por importantes obras arquitectónicas como Santa Sofía de Constantinopla y San Marcos de Venecia. Finalmente, se explican las características generales de la arquitectura y la iconografía bizantina.
Tema06: El arte paleocristiano y bizantinombellmunt0
El documento proporciona información sobre el arte paleocristiano y bizantino. Brevemente describe la arquitectura paleocristiana como la adopción de la basílica romana como modelo para las iglesias cristianas. También cubre la escultura funeraria y pintura en las catacumbas. Luego resume el arte bizantino con su arquitectura abovedada prominente en Rávena y Constantinopla, y el uso del mosaico para decorar los interiores de las iglesias. Finalmente incluye una galería de imágenes rel
El documento resume la arquitectura bizantina. Destaca la iglesia de Santa Sofía de Constantinopla como el edificio más representativo, caracterizado por una planta centralizada con cúpula central. Otras características arquitectónicas incluyen el uso de cúpulas abovedadas, la creación de amplios espacios interiores y el contraste entre exteriores austeros e interiores ricos. También se mencionan otros ejemplos notables como San Apolinar in Classe, San Vital de Rávena y la basílica de
DESCRIBE LAS CARACTERÍSTICAS DEL MOSAICO BIZANTINO Y DE LOS TEMAS ICONOGRÁFIC...Ignacio Sobrón García
DESCRIBE LAS CARACTERÍSTICAS DEL MOSAICO BIZANTINO Y DE LOS TEMAS ICONOGRÁFICOS DEL PANTOCRÁTOR, LA VIRGEN Y LA DEÉSIS, ASÍ COMO SU INFLUENCIA EN EL ARTE OCCIDENTAL. Historia del Arte. 2º de Bachillerato LOMCE
La pintura bizantina se caracteriza por tener una temática religiosa figurativa con el objetivo de divulgar las doctrinas cristianas. Destacan el predominio del color sobre el dibujo y la jerarquización del tamaño de las figuras según su categoría. Se representa en la pintura mural, los iconos y las miniaturas con esquematismo y falta de naturalidad en las figuras.
El arte paleocristiano se desarrolló entre los siglos I y V d.C. durante el Imperio Romano y la expansión del cristianismo. Inicialmente, el arte cristiano se produjo de forma clandestina en las catacumbas debido a las persecuciones, utilizando símbolos para representar sus creencias. Con el Edicto de Milán en 313 se permitió el culto cristiano de forma pública. La pintura en las catacumbas mostraba escenas bíblicas de forma simbólica para instruir a los fieles.
El documento resume la arquitectura bizantina, con énfasis en la basílica de Santa Sofía de Constantinopla. Describe la planta centralizada de Santa Sofía, con una gran cúpula central sobre pechinas. También analiza otras iglesias bizantinas notables como San Vital y San Apolinar en Rávena, destacando sus mosaicos. Resalta que Santa Sofía sintetizó la planta basilical de tres naves con la planta central, y fue un logro arquitectónico sin precedentes debido a su gran cúpula y uso
El documento describe el arte bizantino. Se desarrolló bajo el Imperio Bizantino y estuvo influenciado por las tradiciones romana, paleocristiana, helenística y oriental. Tenía una concepción simbólico-religiosa y su función era exaltar al Emperador y la Iglesia. El mosaico y la iconografía fija fueron medios importantes. Carecía de naturalismo y realismo, enfatizando la trascendencia sobre la razón. Tuvo gran influencia en el arte medieval occidental.
El Futurismo fue un movimiento artístico fundado en Italia en 1909 por el poeta Filippo Tommaso Marinetti, cuyo manifiesto promovía un arte moderno que capturara el dinamismo de la era industrial y la velocidad de las máquinas. Artistas como Boccioni, Carrá y Severini crearon obras que representaban el movimiento a través de formas abstractas y superposiciones para simular la persistencia de la visión. Aunque el Futurismo tuvo una corta existencia hasta 1914, influyó en movimientos posteriores como el
El documento describe el manifiesto futurista de 1909 y las características principales del movimiento futurista en Italia. El futurismo rechazaba el pasado y exaltaba la vida moderna y la tecnología como la máquina y la velocidad. Promovía una actitud irreverente y un arte agresivo que buscaba expresar el movimiento. Artistas como Balla, Boccioni y Carrá representaron el dinamismo de la vida moderna a través de la pintura.
El documento describe el movimiento artístico del Futurismo en Italia a principios del siglo XX. Rechazaba el arte de los museos y la tradición, en favor de la modernidad, la máquina, el dinamismo y la velocidad. Filippo Tommaso Marinetti publicó el Manifiesto Futurista en 1909. Artistas como Boccioni, Balla y Severini intentaban capturar el movimiento en la pintura, representando figuras con múltiples extremidades. El Futurismo influyó en el diseño urbano y la escultura, así
El documento resume los principales movimientos y escuelas de arte, enfocándose en el futurismo. El futurismo fue un movimiento artístico vanguardista fundado en 1909 en Italia que buscaba reflejar el dinamismo y la velocidad de la era moderna. Artistas futuristas como Boccioni, Balla y Severini crearon obras abstractas que representaban el movimiento a través de formas fragmentadas y colores vibrantes. El futurismo influenció movimientos posteriores como el cubismo y el surrealismo.
El futurismo fue un movimiento artístico fundado en Italia en 1909 por el poeta Filippo Tommaso Marinetti. Se caracterizó por rechazar la tradición y ensalzar la vida moderna y la tecnología, en particular la máquina y el movimiento. Promovió nuevas formas de expresión artística como la pintura, escultura y literatura para representar el dinamismo del mundo moderno.
El documento describe el movimiento futurista en el arte, que surgió en Italia en 1909 impulsado por Filippo Tommaso Marinetti. El futurismo buscaba romper con la tradición y ensalzar la vida moderna mediante el uso de la máquina y el movimiento. Se caracterizó por representar el dinamismo y la velocidad a través de formas geométricas y colores puros. Artistas futuristas notables incluyen a Boccioni, Balla, Severini y Sant'Elia.
Umberto Boccioni fue un pintor y escultor italiano que fue el principal exponente del movimiento futurista. Nació en 1882 y se trasladó a Roma en 1901 donde conoció a otros pintores futuristas. Entre sus obras más destacadas se encuentran La ciudad que surge (1910) y La calle ante la casa (1911) que representaban la modernidad y velocidad de las ciudades. Boccioni murió en 1916 mientras servía como voluntario en la Primera Guerra Mundial.
El futurismo fue un movimiento artístico fundado en Italia en 1909 por el poeta Filippo Tommaso Marinetti, que buscaba romper con la tradición y glorificar la velocidad, la tecnología y la violencia de la época moderna. Se caracterizó por intentar representar el movimiento a través de formas geométricas y colores puros, y por rechazar el pasado y los museos. Influenció a otros movimientos como el cubismo y el constructivismo.
Los lenguajes visuales de la modernidad collage, assemblage y montajeOliver Six
1. El documento describe tres vertientes del montaje artístico: el collage, el assemblage y el montaje literario. Explica cómo el collage surgió en el cubismo como una forma de romper con la representación clásica. También analiza el contexto social y artístico en que surgió el cubismo a principios del siglo XX.
2. Introduce la idea del assemblage a partir de una exposición de los años 1960, y cómo este intentó actualizar el espíritu collagista. Finalmente, habla sobre el montaje literario según Walter Benjamin,
El Futurismo fue un movimiento artístico italiano que surgió en 1909 tras la publicación del manifiesto de Filippo Tomaso Marinetti, en el que se exaltaban valores como la velocidad, la máquina y la guerra, mientras se despreciaba lo burgués, lo religioso y lo relacionado con el pasado. El Futurismo se caracterizó por reflejar el dinamismo del mundo moderno a través de técnicas como el cubismo y el expresionismo, aunque tuvo una fuerte influencia del nacionalismo y el fascismo ital
El futurismo fue un movimiento artístico fundado en Italia en 1909 por el poeta Filippo Tommaso Marinetti. Celebraba la era de la máquina y la velocidad, y rechazaba la tradición estética del siglo XIX. Pintores futuristas como Umberto Boccioni, Carlo Carrà y Giacomo Balla buscaban representar el movimiento y la cuarta dimensión del tiempo en sus obras.
Este es un power hecho en la secundaria para la materia Artes Visuales año (2012) , esta hecho en Power point versión 2010 pero cualquier cosa comenten que se los paso a una versión mas antigua si no lo pueden abrir
El documento describe el movimiento artístico del futurismo. Fundado por Filippo Tommaso Marinetti en 1909 en Milán, el futurismo buscaba romper con la tradición y ensalzar la vida moderna, temas como la máquina y el movimiento. Artistas futuristas como Umberto Boccioni y Giacomo Balla se caracterizaron por representar el dinamismo y la velocidad en sus obras. El futurismo influyó en diversas artes como la pintura, escultura, fotografía, poesía y arquitectura.
El documento resume los principales cambios en el arte del siglo XX. Surge como una ruptura con el arte anterior, adoptando una visión más pesimista influenciada por eventos históricos como las guerras mundiales. Los avances científicos también contribuyeron a cambiar la perspectiva del arte, el cual dejó de enfocarse en representar la realidad y pasó a ser una expresión de la creatividad del artista. A principios del siglo se desarrollaron varias vanguardias artísticas como el fauvismo y el cubismo que allanaron
Este documento resume los principales movimientos artísticos de escultura del siglo XX hasta 1945, incluyendo el cubismo, el futurismo, el constructivismo, el dadaísmo y el surrealismo. Describe las características y obras representativas de cada movimiento, así como los escultores más importantes como Archipenko, Lipchitz, Laurens, Gargallo, Tatlin, Arp, Duchamp, Brancusi, Giacometti, Moore, Calder, González y Sánchez.
El movimiento futurista surgió en Italia en 1909 impulsado por el poeta Filippo Tommaso Marietta. Se caracterizó por rechazar la estética tradicional y ensalzar la vida contemporánea, en particular la máquina y el movimiento. Los artistas futuristas buscaban representar el dinamismo y la velocidad a través de formas geométricas y colores puros.
El Futurismo fue un movimiento artístico que surgió en Italia en el siglo XX liderado por Marinetti, quien publicó el Manifiesto Futurista en 1909 rechazando el pasado y la tradición a favor de un arte dinámico que reflejara la sociedad moderna y la técnica. El futurismo glorificó la máquina, la velocidad y el movimiento tomándolos como inspiración para un arte nuevo, y tuvo seguidores en Italia, Rusia, Bélgica y Portugal aunque declinó en los años 40
Similar a Comentario formas únicas de continuidad en el espacio de boccioni (20)
La civilización egipcia se desarrolló hace más de 5,000 años a lo largo del río Nilo, dando lugar a un arte muy tradicional y destinado principalmente a representar al faraón y a los dioses. La arquitectura egipcia incluía grandes pirámides y templos construidos en piedra para la eternidad, así como tumbas excavadas en la roca, que reflejaban su enfoque en la vida después de la muerte. El arte egipcio cambió poco durante más de 3,000 años debido a la naturaleza muy
Las primeras civilizaciones urbanas surgieron en Mesopotamia entre los ríos Tigris y Éufrates hace unos 3500-3000 años a.C., desarrollando la agricultura de regadío, la escritura y los primeros códigos legales. Su arte estaba al servicio de los gobernantes y reflejaba las diferentes culturas que se sucedieron en la región como los sumerios, acadios, babilonios y asirios. La arquitectura se caracterizaba por los palacios y templos con forma horizontal, realizados principalmente en ladrillo
El arte prehistórico incluye manifestaciones desde hace 65.000 años realizadas por Neandertales como pinturas rupestres. Durante el Paleolítico existían dos tipos de arte: mueble como objetos de hueso con motivos animales; y parietal como pinturas polícromas de grandes mamíferos en cuevas franco-cantábricas con intención mágico-ritual. En el Neolítico surgieron las construcciones megalíticas como menhires, cromlechs y dólmenes, así como la cerámica y
Este documento proporciona información sobre el grupo de Ignacio Sobrón García, profesor tutor. Incluye el horario de tutoría, el profesorado del grupo, los horarios de contacto, las dependencias de clase, el protocolo COVID, características del grupo, recomendaciones para las familias y calendario de evaluaciones.
El Greco fue el principal representante del manierismo en España en el siglo XVI. Recibió influencias de la pintura bizantina, veneciana y manierista, desarrollando un estilo único caracterizado por figuras alargadas, uso vibrante del color, escorzos dramáticos y composiciones espirituales que conectaron con la Contrarreforma española. Su obra maestra, El entierro del Señor de Orgaz, divide la escena celestial y terrenal de forma espiritual.
El Renacimiento español se caracterizó por: 1) La introducción paulatina de las ideas renacentistas italianas debido a los contactos políticos y comerciales con Italia; 2) El arte estuvo al servicio de la monarquía y la Iglesia católica en lugar de mecenas independientes como en Italia; 3) Algunas ideas paganizantes italianas no fueron aceptadas debido al poder de la Iglesia y la Inquisición, defendiendo la ortodoxia católica.
El documento describe la evolución de la arquitectura renacentista italiana desde el Quattrocento hasta el Manierismo. En el Quattrocento, arquitectos como Brunelleschi y Michelozzo recuperaron las formas clásicas y valores como la racionalidad y el orden. Alberti incorporó elementos clásicos de forma consciente en obras como el Palacio Rucellai. El Cinquecento vio el apogeo de los ideales clásicos, mientras que el Manierismo rompió con las formas clásicas buscando nuevas expresiones.
La escultura renacentista recupera las formas clásicas con un enfoque en la figura humana y la naturaleza. Artistas como Donatello y Miguel Ángel crean obras maestras talladas o fundidas en bronce que combinan el naturalismo con la belleza idealizada inspirada en modelos clásicos. La escultura renacentista alcanza su madurez con Miguel Ángel, quien lleva el género a nuevas cotas de expresividad emocional antes de dar paso al estilo manierista más complejo y dinámico.
La pintura renacentista en Italia se inspiró en modelos clásicos como la escultura y la mitología griega y romana. Se caracterizó por el estudio anatómico del cuerpo humano, el uso de la perspectiva científica, y la búsqueda de la belleza ideal a través de la proporción y el equilibrio. Los pintores más importantes del Quattrocento como Masaccio, Piero della Francesca y Botticelli experimentaron con estas nuevas técnicas para lograr mayor naturalismo y realismo en sus obras.
El documento proporciona definiciones de numerosos términos artísticos y arquitectónicos utilizados en el arte medieval, incluyendo partes de iglesias como el ábside, el altar y el nártex, así como estilos arquitectónicos como el arco de herradura, técnicas como el temple y el fresco, y elementos decorativos como el rosetón, la tracería y el pináculo.
El documento presenta breves definiciones de varios términos artísticos relacionados con el arte del siglo XIX, incluyendo el neoimpresionismo, el postimpresionismo, técnicas como el modelado, el grabado, la litografía y el aguafuerte, así como otros conceptos como el boceto, el cartón, el marchante, la acuarela, el hormigón y el hierro colado.
Este documento proporciona definiciones de numerosos términos relacionados con el arte clásico, incluyendo elementos arquitectónicos como columnas, arcos y bóvedas; tipos de templos griegos; técnicas escultóricas como el alto relieve y la fundición; y técnicas pictóricas como el fresco y el mosaico. El documento parece ser una guía o glosario de referencia para conceptos artísticos y arquitectónicos de la antigüedad clásica.
Las Trece Colonias inglesas en América del Norte se independizaron del Reino Unido debido a las crecientes tensiones políticas y económicas. Tras la Guerra de los Siete Años, el Reino Unido intentó recaudar más impuestos en las colonias sin representación parlamentaria, lo que llevó a los colonos a declarar su independencia en 1776. Después de varios enfrentamientos armados con apoyo francés y español, las colonias establecieron los Estados Unidos de América como una nación soberana con su
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6. LOCALIZACIÓN:
Museo de arte Moderno
MoMA
Nueva York (EEUU)
El original en yeso y una fundición en bronce se encuentran en el Museo de
Arte Contemporáneo de la Universidad de Sao Paulo (Brasil) , El resto de las
otras fundiciones en bronce se encuentran en museos de Nueva York,
Londres, Los Ángeles y Milán.
14. El yeso original ejecutado en 1913 fue adquirido por Ciccillo
Matarazzo en 1952, junto con el yeso original de otra célebre
escultura de Boccioni, Desarrollo de una botella en el espacio. Ambas
fueron donadas por Ciccillo al Museo de São Paulo (MAC-USP), en
1963. Cuatro ejemplares fueron fundidos en bronce del yeso
original después de la muerte del artista. Uno de ellos está en el
MoMA (1931), otro en el Museo Metropolitano de Arte (1942),
ambos en Nueva York. El tercero fue fundido en 1960, y también
pertenece a las colecciones del MAC-USP. El cuarto fue fundido por
el MAC, a petición de la Tate Gallery, y negociaron a cambio una
escultura de Henry Moore, encontrandose en Londres desde 1972.
Otras versiones se fundieron en 1972, pero no del yeso original,
sino de la versión del año 1942 del Metropolitan. Una se encuentra
en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles y otra en el
Museo del Novecento en Milán. Esta escultura se encuentra
reproducida en una de las caras de la moneda de 20 céntimos de
euro italiana.
La pieza en yeso se convierte en una de las pocas piezas originales
del artista que se salvaron de la destrucción que ocurrió en una
exposición póstuma, celebrada en Italia. Las circunstancias de la
destrucción de las otras piezas permanecen oscuras.
16. Humberto Boccioni fue uno de los fundadores del movimiento futurista
italiano, que nació en 1910, rechazando el pasado y con la inspiración de la
tecnología, la vida moderna, el dinamismo, la nueva realidad de la ciudad
urbanita e industrial.
El futurismo se asienta en dos manifiestos de 1910, el 'manifiesto de los
pintores futuristas' y el 'manifiesto técnico del movimiento futurista'.
En ellos predican la liberación de los modelos y los modelos figurativos,
que quieren romper con el pasado, centrándose en el mundo contemporáneo,
donde la ciudad y los automóviles se convierten en una realidad caótica.
Aunque herederos del cubismo, lo consideran excesivamente estático, evitan
la línea recta y utilizan la técnica de los colores complementarios para obtener un
efecto de vibración en sus cuadros.
En la escultura Formas Únicas en la Continuidad del Espacio, se
representan las dos máximas del futurismo, la simultaneidad y el dinamismo,
por ello se captura el espacio, el movimiento de la figura y, con ello, el
tiempo.
En 1909 el poeta y dramaturgo italiano Filipo Tomasso Marinetti publicará el
1º manifiesto del futurismo. Como veremos, todas las vanguardias históricas se
caracterizarán por la difusión de manifiestos en los que divulgar sus ideas. Lo
que distinguirá al futurista de otros movimientos será su fascinación por la
modernidad, la técnica, la luz eléctrica, los motores, las nuevas máquinas como
motocicletas, automóviles de carreras o aviones y la velocidad encarnada por
ellos y el culto de la violencia y la guerra como agentes de transformación,
higiene y superación de lo antiguo y regeneración. El rechazo de lo antiguo y
de los valores y el arte tradicionales les llevará a proclamar la condena de los
museos y así, dirán que un automóvil de carreras es más bello que la Victoria de
Samotracia.
17. Esto se concretará en las formas de sus pinturas y esculturas por la adopción
de un lenguaje plástico inspirado en el cubista pero , también, en la
utilización de recursos puntillistas y de líneas cinéticas para intentar
representar en éstos el dinamismo de figuras y máquinas en movimiento.
El núcleo inicial del futurismo surgió en Italia, revolviéndose contra toda el
enorme peso de su tradición clásica y estaba formado por artistas como
Giacomo Balla, Carló Carrá, Gino Severini y Humberto Boccioni, aunque
sus presupuestos fueron seguidos inmediatamente por artistas de otros países
como Rusia, dónde pronto se darían cédulas futuristas, aunque éstas
evolucionarían con rapidez hacia presupuestos suprematistas o
constructivistas.
La llegada de la primera guerra mundial hizo que la mayoría de estos
futuristas italianos corriera a enrolarse en el ejército. Alguno de ellos, como
Boccioni, fallecería en la guerra y , tras ella, muchos de ellos encontrarían
acomodo en el violento y bravucón fascismo italiano.
Boccioni fue el representante más notable del futurismo. Trabajó como pintor y
escultor y en ambos campos realizaría importantes obras que testimonian su
interés por el movimiento, las máquinas y la vida moderna. Entre sus cuadros
más destacables están “ Estados de la mente n. 1. Las despedidas” o
“Dinamismo de un jugador de fútbol” ambos de 1911 y “Dinamismo de un
ciclista” de 1913.
Al declararse la 1ª Guerra Mundial, impulsado por la creencia en el poder
regenerador de la guerra que acaba con lo débil y lo anticuado y selecciona y
hace sobrevivir a lo moderno y fuerte, Boccioni corrió a enrolarse como
voluntario en el ejército italiano. En 1916, falleció, como si se tratara de una
broma de mal gusto, al caer de su caballo que se había encabritado al paso de
un automóvil, durante unas maniobras militares.
19. MATERIALES Y TÉCNICA:
Bronce
Formas únicas de continuidad en el espacio es la obra
más conocida de Boccioni y una de las esculturas más
significativas del siglo XX. La versión original fue
realizada en 1913 por Boccioni en yeso, ya que éste
rechazaba el empleo de los materiales más tradicionales y
se inclinaba por el empleo de la madera, el hierro o el
vidrio, aunque, paradójicamente, tras la muerte de
Boccioni se realizaron una serie de versiones en
bronce a partir del vaciado de la figura original.
20. TEMA:
En esta obra podría estar representado a un hombre, una figura heroica
que avanza al futuro, y en su movimiento queda reflejado su movimiento, su
estela se mantiene, resplandeciente. Se parece a una máquina, ya que se
representan las formas angulares gracias a la superficie pulimentada.
La escultura podría contemplarse como una figura que avanza imparable a
gran velocidad, sensación que se transmite abriendo como hemos dicho el
contorno de la pieza a base de multiplicar planos y ángulos de visión, que
desfiguran la imagen de la figura en sí, pero potencian la sensación de
movimiento al convertirse en estelas de alas o ropajes que se agita con su
velocidad. De tal forma que la obra al final no representa figura alguna, sino
el concepto mismo del movimiento. Y esa es la gran aportación de
Boccioni a la escultura, la plena liberación del tema, y como en la pintura, la
reducción definitiva de la obra de arte a su lenguaje esencial, en este
caso, el juego de planos, el juego de luces que provoca el bronce, el
concepto de masa variable y el de volumen abierto, movimiento y fuerza.
El que el resultado parezca una máquina, cuyas piezas se mueven
potenciando la fuerza y la velocidad, se inscribe igualmente en ese peculiar
concepto del arte que tenían los futuristas.
21. DESCRIPCIÓN:
La simultaneidad y el dinamismo de Umberto Boccioni busca capturar una
sensación no solo de espacio y movimiento, sino también de tiempo. De
hecho fue uno de los fundadores del movimiento Futurista italiano en 1910,
que rechazaba el pasado y buscaban su inspiración en la tecnología, plasmando
en sus obras la vida moderna con todo su dinamismo y vitalidad.
En la obra “Formas Únicas en la Continuidad del Espacio”, vemos una figura
que avanza potentemente hacia el futuro, la figura tradicional del desnudo
heroico se hace aquí agresivamente moderna. La superficie brillante y
pulida del bronce hace que esta figura parezca más una máquina, potenciado
por las formas angulares que la componen.
Boccioni además ha acentuado la sensación de espacio y movimiento
perenne, gracias a la multiplicación de las formas y a que la figura aparece
con unas extensiones, a modo de alas o de ropajes movidos por el viento
en contra, que permiten al espectador sentir cómo la figura avanza con
fuerza, de hecho el motivo esencial de la escultura no es la figura en sí
misma o la forma, sino la captación del movimiento y la fuerza.
22. La forma escultórica juega con la representación de superficies
cóncavas y convexas perfectamente pulidas, formas geométricas
que la aproximan a un cierto aspecto de máquina y con líneas
angulosas que se asemejan a líneas cinéticas y que acrecientan la
sensación de movimiento perenne de un cuerpo que avanza por el
espacio. Así, las formas parecen el resultado de la fusión de músculos,
miembros y ropajes captados en distintos momentos y posiciones. Si el
cubismo de Picasso construía una imagen pictórica que era el resultado
del proceso de la reordenación y la reconstrucción intelectual de
visiones parciales efectuadas sobre el motivo desde distintos puntos de
vista y , por tanto en distintos momentos, Boccioni introduce también
el factor tiempo al intentar representar en una misma imagen las
distintas fases del poderoso movimiento de avance de una figura
en el espacio.
La aportación fundamental de esta obra de Boccioni está en que La
fluidez y el dinamismo de sus formas parecen romper con las
formas cerradas o recogidas en si mismas de la escultura
tradicional. La forma escultórica se desarrolla en su periferia, se
extiende, se abre al espacio con el que, en el caso de esta obra,
parece luchar en su avance por él. Se acentúa la sensación de espacio
y movimiento por la multiplicación de las formas, como extensiones,
como ropajes movidos por el viento en contra. Esto se traduce en la
sensación de que la figura, humana pero maquinizada, avanza con
fuerza.
23. CONTEXTO ARTÍSTICO:
Plásticamente sus aportaciones se entremezclan con las de otras vanguardias
contemporáneas, especialmente con el Cubismo y el Orfismo de Delaunay. Su objetivo
fundamental es plasmar en sus obras ese dinamismo que nutre toda su proclama. Hacer del
movimiento la esencia de su representación estética: por ello se procura una pintura sólida,
que construya sus formas con color (como Cézanne), pero no estáticamente como ocurría
con aquél, sino siempre en movimiento. Para ello se expanden los cuerpos en el espacio
y se deforman las figuras buscando siempre su elasticidad. Aunque inevitablemente, como
ya había demostrado el Cubismo, tienen también que dividir y superponer en planos las
imágenes para transmitir su idea de simultaneidad. Por último utilizaron lo que se dio en
llamar Líneas-fuerza, es decir, una estructuración de los objetos y figuras en las que
prevalezcan una serie de tramas o líneas remarcadas, que marquen el ritmo
compositivo, pero que sirvan siempre como un reclamo al movimiento e incluso a la
potenciación de determinados sentimientos y sensaciones. Boccioni se propuso la
abolición de la línea finita y de la estatua cerrada. Entendía con ello que la forma
escultórica no había de cerrarse sobre sí misma, sino desarrollarse en su periferia. El bloque
plástico se dotaba de un impulso centrífugo en la medida en que trataba de dar síntesis a la
actividad misma del objeto en movimiento, en este caso una figura que camina.
En efecto es la obra de Boccioni la que tiene una perduración mayor en la Historia del arte,
más allá de los presupuestos puntuales del episodio futurista. De hecho, la obra que hoy
comentamos es sin duda la muestra más conocida del movimiento y una de las piezas más
características de toda la escultura contemporánea. Es ella en realidad una
experimentación del concepto del movimiento en la escultura, siguiendo así la idea
esencial del futurismo de agregar a la obra de arte dinamicidad y agitación. La forma de
conseguirlo es abrir la escultura, es decir, romper las líneas cerradas en las que la
escultura tradicional envolvía su volumen, de tal forma que sus límites queden imprecisos
e indeterminados para el espectador, lo que considerando la carga crítica que lleva respecto
al arte anterior es también un perfecto ejemplo de obra futurista.
24. SIMBOLISMO:
Esta obra simboliza la figura que
avanza al futuro, al dinamismo, a dejar el
pasado atrás y mirar al futuro con
optimismo. Con fuerza, ya que puede con
el viento que la azota.
25. VALORACIÓN:
Con esta escultura Boccioni intentó, ir más allá de la
impresión de movimiento, explorar la noción de
velocidad y fuerza en la escultura, pretendiendo asignar
valores lumínicos a la superficie tallada. La escultura
excede los límites corpóreos del ser humano, y se asemeja
a una bandera ondeando en el viento. Parece que el cuerpo
que se representa serpentea, luchando contra una fuerza
invisible. Aunque el resultado (físico) es un retrato en
tres dimensiones, el cuerpo en movimiento introduce
una cuarta dimensión, el tiempo. En su «lucha» contra
esta fuerza invisible, el cuerpo en movimiento, va dejando
pedazos de sí mismo. “Formas únicas de continuidad en
el espacio” de Boccioni es uno de los hitos en el devenir de
la escultura del siglo XX y en el interés presente en ésta por
establecer nuevas relaciones entre la forma escultórica
y el espacio circundante.