Estudio de las voces femeninas y su relación con el canto, preparado por José Luis Ulzurrun

1. R. Wagner: Wesendonck Lieder
https://youtu.be/9GtVFt8_POE
Anna Caterina Antonacci, soprano
Orquesta Filarmónica de Rotterdam
Yannick Nézet-Séguin, director
Londres, Prom's 2013
Textos de Mathilde Wesendonk
Música de Richard Wagner
Orquestación de Felix Mottl
De estos cinco lieder, hay dos que fueron
un estudio preliminar para Tristán e Isolda. Wagner los compuso entre el otoño de
1857 y la primavera de 1858, sobre unos románticos poemas
de Mathilde Wesendonk. Fueron compuestos para voz y piano. La versión para orquesta
con la que suelen ser ejecutados en la actualidad, se remonta a 1880, y se debe al compositor y
director Felix Mottl. El último lied fue orquestado por el propio Wagner, que lo hizo interpretar
por dieciocho instrumentos, con un violín solista en lugar de la
voz, bajo la ventana de Mathilde Wesendonk, ofreciendo así a su
amada un espléndido regalo de cumpleaños.
Orquestación
El Ángel: 2 clarinetes, 2 fagotes, 2 flautas, 2 oboes, 2 trompas y cuerdas.
No os mováis: 2 clarinetes, 2 fagotes, 2 flautas, 2 oboes, 4 trompas,
trompeta, timbales y cuerdas.
En el invernadero: 2 clarinetes, 2 fagotes, 2 flautas, 2 oboes, 3 trompas y
cuerdas.
Tormentos: 2 clarinetes, 2 fagotes, 2 flautas, 2 oboes, 4 trompas, trompeta y
cuerdas.
Sueños: 2 clarinetes, 2 fagotes, 2 trompas y cuerdas.
R. Strauss: "Electra", Monólogo del Acto I
https://youtu.be/s-PBKPtdpd4
Linda Watson, soprano
Orquesta Filarmónica de Múnich
Christian Thielemann, director
Electra (título original en alemán, Elektra) es una ópera en un acto con música
de Richard Strauss y libreto en alemán de Hugo von Hofmannsthal, fruto de una
de las primeras colaboraciones de ambos basado en el mito clásico de Electra,
según la tragedia de Sófocles. Fue estrenada el 25 de enero de 1909 en el
Königliches Opernhaus de Dresde.
Electra, de Richard Strauss, es una ópera llena de furia, odio, muerte, la cruda
barbarie de un mundo nocturno y antiguo, llevado a su máxima expresión, muy
lejos de lo que habían sido hasta la fecha, las representaciones clásicas de una
tragedia griega.
Richard Strauss no volvería a escribir con esta visión provocativa y
vanguardista, con su siguiente obra, Der Rosenkavalier, rompe con el díptico
expresionista deSalomé-Electra.

2. Electra es una ópera “de mujeres” pero a la vez enormemente machista, aunque
los hombres son reducidos a meros objetos como Egisto o a simples medios con
los que conseguir saciar la sed de sangre como Orestes en el fondo dominan la
escena sin que sea necesaria su presencia, la ausencia de Agamenón tiñe la
ópera entera como el verdadero protagonista.
El dolor vivido por las dos hermanas por la pérdida de Agamenón, su padre, se
sitúa en polos opuestos, la esperanza, el deseo de ser mujer, la luz, el llanto más
profundo y calmo de Crisotemis se encuentra con la antítesis de Electra donde el
dolor histérico y obsesivo se une a la oscuridad y la venganza desde la rabia
sedienta de sangre. La tercera mujer en discordia es la madre Clitemnestra,
perseguida por sus sueños, neurótica, fácil presa de su astuta hija.
G. Meyerbeer: O beau Pays de la Touraine y Trío del
Acto II de "Los Hugonotes"
https://youtu.be/QYKlXXoEFgk
Annick Massis, soprano
Los hugonotes (título original en francés, Les Huguenots) es una Grand
Opéra en cinco actos con música de Giacomo Meyerbeer y libreto en francés de
Eugène Scribe y Émile Deschamps. Fue estrenada en el Théâtre de l'Opéra de
París el 29 de febrero de 1836.
En el Acto II, en el castillo y los jardines de Chenonceaux, la reina Marguerite de
Valois canta la pastoral O beau pays de la Touraine mientras se mira en un
espejo.
La historia de la ópera culmina con la histórica Masacre del Día de San
Bartolomé en 1572, cuando miles de protestantes franceses (Huguenots) fueron
asesinados por los católicos en un intento por librar a Francia de la influencia
protestante. Estos eventos son descritos con rigor histórico. El resto del libreto
narra principalmente el amor de dos personajes ficticios, Valentine (católica) y
Raoul (protestante).
Meyerbeer crea una partitura ecléctica, con elementos barrocos, como esas
reminiscencias a Bach, a los recitativos haendelianos, o el uso del obligato con
instrumentos como la viola d´amore en la romanza de Raoul; melodías
populares francesas como en la cavatina de Urbain; la tradición de la ópera
francesa, con los ballet y grandes coros; las melodías italianas y la armonía
alemana. Todos estos elementos conforman una orquestación suntuosa e
inusual, una ópera de contrastes, de grandes escenas combinadas con
momentos intimistas, pero todo ello, en grandes cuadros de conjunto, sin la
división en números más cerrados, de la ópera italiana. Probablemente, es en el
cuarto acto donde se observan los contrastes con más claridad, con la escena de
La Bendición de las Espadas, y el Gran Dúo de Raoul y Valentine.
Erich W. Korngold: Canción de Marietta, de "La ciudad
muerta"
https://youtu.be/N1IzUbFMDGc
Renée Fleming, soprano

3. Texto en alemán:
Gluck, das mir verblieb,
Rück zu mir, mein treues Lieb.
Abend sinkt im Haag
Bist mir Licht und Tag.
Bange pochet Herz an Herz.
Hoffnung schwingt sich himmelwärts.
Wie wahr, ein traurig Lied.
Das Lied vom treuen Lieb,
Das sterben muß.
Ich kenne das Lied.
Ich hört es oft in jungen,
In Schöneren Tagen…
Es hat noch eine Strophe,
Weiß ich sie noch?
Naht auch Sorge trüb,
Rück zu mir, mein treues Lieb.
Neig dein blaß Gesicht,
Sterben trennt uns nicht.
Mußt du einmal von mir gehn,
Glaub, es gibt ein Auferstehn.
Traducción al español:
La alegría de antes
guarda el secreto de mi amor fiel.
La oscuridad apaga el día,
tú encenderás mi camino.
El miedo late en nuestros corazones
y la esperanza sube hacia el cielo.
Es en verdad una canción triste.
Es la canción de un verdadero amor
que pronto debe morir.
Conozco la canción.
La oí a menudo en mis días de juventud,
cuando era feliz…
Tiene otra estrofa.
¿Cómo era?
Los días jubilosos pueden huir,
pero tú, mi querido amor, quédate cerca de mí.
El tiempo pasará,
pero el verdadero amor se quedará.
Aunque nosotros tenemos que partir en el dolor,
en el más allá nos encontraremos de nuevo.
Korngold, compositor de origen judío, demostró bien pronto su capacidad para
la música al componer un ballet con solo once años de edad. A los diecinueve ya
estrenó sus dos primeras óperas en Viena, ambas de un solo acto, Der Ring des
Polykrates (El anillo de Polícrates) y Violanta.
Korngold es otro de los nombres importantes de la ópera alemana. El nombre
de Korngold, sin embargo, irá siempre asociado a la ópera que más éxito le
supuso:Die tote Stad (La ciudad muerta), que se estrenó en 1920.
Tras ser director de la Ópera de Hamburgo y profesor en Viena, estrenó en 1927
Das wunder von Heliane (El milagro de Heliane) y al llegar los nazis al poder, se
marchó a Estados Unidos, donde le esperaría una nueva etapa en su vida de
músico, al componer numerosas bandas sonoras de películas.
Las partes más conocidas de La ciudad muerta son el aria para barítono "Mein
sehnen, mein wähnen" y el fragmento "Glück das mir verblieb", conocida
comoMariettas Lied o canción de Marietta. En el contexto de la ópera, esta
última es un dúo, pero suele ser interpretada por una soprano solista en las
salas de concierto o en las grabaciones específicas de esta parte o en arreglos de
cámara como el realizado por Bengt Forsberg para la mezzosoprano sueca Anne
Sofie von Otter.
Georg Friedrich Haendel: "Ombra mai fu", de "Serse",
HWV 40
https://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=KqIHPWg53vs
Cecilia Bartoli, mezzosoprano
Il Giardino Armonio
Giovanni Antonini, director
El Largo de Händel, como popularmente se conoce a este arioso en tiempo larghetto, es un
bello tema de amor… a un árbol.
Jerjes I, Rey de Persia (papel para castrato y hoy aplicable a una mezzosoprano), se encuentra
bajo la sombra de un platanero de su jardín y canta embelesado sus excelencias:
Ombra mai fù di vegetabile cara ed amabile soave più (Jamás ha existido sombra vegetal tan
querida y amable).

4. Aunque luego se enamorará perdidamente de Romilda, la prometida de su hermano…
Serse es una ópera italiana con música de Georg Friedrich Haendel. Es probable que el libreto
fuera escrito para una ópera anterior de Giovanni Bononcini; en esta versión el libreto es de
Niccolò Minato y Silvio Stampiglia. La obra se estrenó en el King's Theatre de Londres el 15 de
abril de 1738.
Serse es la más mozartiana de las óperas de Haendel. La pasión está mezclada con la farsa y la
sátira; la estupidez humana es expuesta pero no ridiculizada. Su acción discurre en Persia, en el
año 480 a. C. y el personaje principal es el rey Jerjes I, aunque el argumento tiene pocos
elementos que hagan esto relevante.
Georg Friedrich Haendel: "Da tempeste", aria de
Cleopatra en "Giulio Cesare in Egitto", HWV 17
https://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=7klKEtcXxr0
Danielle de Niese, soprano
En el Acto III, Ptolomeo sale victorioso de una batalla entre sus fuerzas y las de Cleopatra; ahora
ella es prisionera de su hermano en sus aposentos, Cleopatra se despide de sus sirvientes porque
piensa en el suicidio. César y sus soldados entran para liberarla. Él retorna después del
encuentro al campo de batalla, mientras ella se regocija con su repentino cambio de suerte en el
aria “Da tempeste”:
Da tempeste il legno infranto,
se poi salvo giunge in porto,
non sa più che desiar.
Così il cor tra pene e pianto,
or che trova il suo conforto,
torna l’anima a bear.
Por tempestades rota la barca,
si luego al puerto llega a salvo,
no puede desear ya nada más.
Así el corazón, entre penas y llanto,
una vez que ha hallado el consuelo
puede el alma jubilar.
Georg Friedrich Haendel: "Va tacito e nascosto", aria de
Julio César en "Giulio Cesare in Egitto", HWV 17
https://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=2CJXlJCJSH4
Sarah Connolly, mezzosoprano
Julio César está envuelto en un amargo conflicto contra Pompeyo el Grande, por el control del
mundo romano. En su batalla más reciente, en Farsalia (48 a.C.), César ha derrotado a su rival,
quien ha huido hacia Egipto, imperio que se halla bajo la regencia de Ptolomeo y su hermana,
Cleopatra. César ha seguido a Pompeyo hasta Alejandría.
En el Acto I de la ópera de Haendel, el pueblo egipcio le da la bienvenida a César en Alejandría.
Cornelia y Sexto, esposa e hijo de Pompeyo, solicitan que los dos romanos hagan las paces, y
César está de acuerdo. En ese momento entra Achilla, comandante del ejército egipcio, trayendo
la cabeza de Pompeyo como presente de Ptolomeo XIII, el Rey de Egipto, para César.
Horrorizado, César le dice a Aquiles que debe ir a la corte de Ptolomeo para hablar con el rey.
En el palacio real, al que ha acudido para entrevistarse con Ptolomeo, César expresa ante el Rey
de Egipto su disgusto por el asesinato de Pompeyo. Una vez que se encuentra a solas, reflexiona
sobre el astuto cazador invisible que se mueve silenciosamente.
Georg Friedrich Haendel: Cessa omai di sospirare, aria
de Cornelia en "Giulio Cesare in Egitto", HWV 17
https://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=99PPwBaIgw0
Ewa Podles, contralto

5. Georg Friedrich Haendel (Halle 1685 - Londres 1759) alcanzó con esta obra una de sus cimas
como compositor. El libreto es bastante convencional y responde a lo que más tarde se conocería
como "ópera seria"; sin embargo Giulio Cesare está hábilmente orquestada y posee una gran
riqueza melódica.
El estreno tuvo lugar el 20 de febrero de 1724 en el King's Theatre de Haymarket, Londres. El
texto es obra de Nicola Haym que a su vez se basó en otro libreto de G. F. Bussani para una
ópera anterior, de igual título, con música de Antonio Sartorio, estrenada en Venecia en 1676.
En el Acto II Cornelia, la viuda de Pompeyo, amenaza con suicidarse (aria “Cessa omai di
sospirare”) por el acoso que sufre por parte de Achilla, general del ejército de Tolomeo, pero su
hijo Sexto aparecerá junto a Nireno a tiempo para impedírselo.
Georg Friedrich Haendel: Iris, hence away! de "Semele",
HWV 58
https://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=HYlzmNOraSM
Marilyn Horne, mezzosoprano
Semele, HWV 58, es una ópera u oratorio del año 1744, en tres actos, con música de George
Friedrich Haendel, basado en el mito clásico de Sémele, madre de Dionisos.
La obra se estrenó el 10 de febrero de 1744 en el Teatro del Covent Garden, en Londres. Sin
embargo, fracasó. El público de la serie de conciertos que se celebraban anualmente en época de
Cuaresma esperaba un tema basado en la Biblia. Es decir que un oratorio hubiese satisfecho sus
expectativas. Pero el tema amoroso de Semele era obvio que bebía de los mitos griegos, no de las
leyes hebreas, lo que desagradó a quienes acudieron buscando una forma de elevación
espiritual. Al ser su libreto en inglés, disgustó también a los defensores de la ópera italiana.
Esta ópera se representa poco, pero el aria de Juno en el Acto II, “Iris, hence away!” es muy
frecuente en los recitales de las mezzosopranos.
Georg Friedrich Haendel: "Tornami a vagheggiar", de
Alcina HWV 34
https://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=infGbYqPgfY
Joan Sutherland, soprano
Richard Bonynge, piano
Esta obra de Georg Fiedrich Haendel (Halle -Alemania-, 1685 -; Londres, 1759) constituye una
de las cimas de su producción operística junto a Julio César en Egipto (Londres, 1724). La obra
sigue el consabido esquema barroco de Recitativo secco-Aria , pero el argumento mágico hace
que sea posible la inclusión de escenas de baile, haciendo patente así la influencia de la ópera
francesa. Hay que hacer notar que Alcina se representó en la reapertura del Covent Garden y
que el empresario, John Rich, había contratado la compañía de ballet de la francesa Marie Salle;
quizás es éste el motivo por lo que en cada acto de la obra se incluye un número de ballet, no
siempre justificado por la trama.
El libreto de Antonio Marchi, está basado en el los cantos VI y VII del poema de Ludovico
AriostoOrlando Furioso y en un libreto de Riccardo Broschi (hermano de Farinelli) titulado La
isla de Alcina. El estreno tuvo lugar el 16 de abril de 1735 en el Teatro del Covent Garden de
Londres.
"O zittre nicht", aria de la Reina de la Noche en el Acto I
de "La flauta mágica"
https://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=ov1hRqPnm58
Diana Damrau, soprano

6. En el Acto I, el príncipe Tamino llega a un bosque para refugiarse de la
persecución de una serpiente monstruosa. Allí cae desvanecido y es salvado por
tres damas. Estas mujeres se maravillan de su belleza y salen a dar la noticia a
su señora, la Reina de la Noche. Mientras tanto, ha llegado al lugar Papageno,
curioso personaje que se dedica a cazar pájaros para la reina. Éste le mentirá
haciéndose pasar por su salvador. Las damas al volver castigarán la mentira
cerrándole la boca con un candado.
Las damas mostrarán un retrato de la hija de la Reina de la Noche. Tamino, al
verla, quedará enamorado. Cuando aparece la reina por medio de una entrada
triunfal, conmovida por las palabras de amor del príncipe, se dirige a éste para
contarle la historia de su hija: Ha sido secuestrada por Sarastro y si él logra
rescatarla obtendrá su mano.
La soprano de coloratura es la voz femenina con un registro agudo más amplio y
una voz ágil, capaz de cantar pasajes rápidos y muy ornamentados. Los roles de
Lakmé, Lucia en Lucia di Lammermoor y Zerbinetta en Ariadne auf Naxos son
ejemplos de sopranos de coloratura. Existen también papeles que demandan el
registro más agudo y flexibilidad vocal al tiempo que una voz más dramática,
con más peso. Éstos son papeles de coloratura dramáticos. La Reina de la Noche
respondería a este perfil.
Wolfgang A. Mozart: "Parto, parto ma tu ben mio", de "La
clemenza di Tito", KV 621
https://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=DaKX21earkk
Cecilia Bartoli, mezzosoprano
Sabine Mayer, clarinete basetto obbligato
Orquesta del Festival de Lucerna
Claudio Abbado, director
Posteriormente al Quinteto para Clarinete y Cuerdas, KV 581, Mozart siguió incluyendo al
clarinete en sus obras, tales como arias y óperas y contradanzas. Es muy probable que siempre
lo hiciera teniendo en cuenta a Stadler para las interpretaciones de dichas piezas. Finalmente
Mozart compondría un concierto para clarinete a petición de su amigo que cada vez le
demandaba más repertorio. Antes de entrar de lleno en la historia de este concierto, se enumera
un listado de obras en las que escribió partes para clarinete solista y para dos clarinetes:
- Aria "Chi sà, chi sà, qual sia", KV 582, para soprano, dos clarinetes, dos fagotes, dos cornos y
cuerdas. Viena, 1789.
- Aria "Vado, ma dove?", KV 583, para soprano, dos clarinetes, dos fagotes, dos cornos y
cuerdas. Viena, 1789.
- Doce Minuetos, KV 585, para dos flautas (o un flautín), dos oboes (o clarinetes), dos fagotes,
dos cornos, dos trompetas, timbal, dos violines y bajo. Viena, 1789,
- Doce Danzas Alemanas, KV 586, para dos flautas (o un flautín), dos oboes (o clarinetes), dos
fagotes, dos cornos, dos trompetas, timbal, címbalos, dos violines y bajo. Viena, 1789.
En las dos últimas composiciones y otras que le siguen, se destaca una característica interesante:
hay partes para oboe que también se pueden adaptar para clarinete. Mozart dejaba abierta esta
posibilidad de acuerdo a la disponibilidad de instrumentistas que hubiera donde se tocaban las
piezas. Aunque a veces era el mismo compositor el que agregaba partes para clarinete o
adaptaba partes escritas para oboe en sus obras tempranas, compuestas en momentos o lugares
en los que no había clarinetes a su disposición. Lo mismo ocurría con otros instrumentos, como
también se observa para el caso de la flauta.
- Ópera buffa "Così fan tutte", KV 588, cuyo libreto era de Lorenzo Da Ponte y en la que incluyó
dos clarinetes en la parte de vientos. Viena, 1790.
- Seis Minuetos, KV 599, dos flautas (o un flautín), dos oboes (o clarinetes), dos fagotes, dos
cornos, dos trompetas, timbal, dos violines y bajo. Viena, 1791.
- Seis Danzas Alemanas, KV 600, para dos flautas (o un flautín), dos oboes (o clarinetes), dos
fagotes, dos cornos, dos trompetas, timbal, dos violines y bajo. Viena, 1791.

7. - Cuatro Minuetos, KV 601, para dos flautas (o un flautín), dos oboes (o clarinetes), dos fagotes,
dos cornos, dos trompetas, timbales, hurdy-gurdy, dos violines y bajo. Viena, 1791.
- Cuatro Danzas Alemanas, KV 602, para dos flautas (o un flautín), dos oboes (o clarinetes), dos
fagotes, dos cornos, dos trompetas, timbal, urdí-urdí, dos violines y bajo. Viena, 1791.
- Dos Minuetos, KV 604, para dos flautas, dos clarinetes, 2 fagotes, 2 trompetas y tímpano, 2
violines, bajo. Viena, 1791.
- Obertura (fragmento de una obertura en Mi bemol), K. 620a, para dos flautas, dos oboes, dos
clarinetes, dos fagotes, dos cornos, dos trompetas, timbales y cuerdas. Viena, 1791.
En 1791 Mozart compuso otra ópera, la última, en la que también incluiría partes solistas
escritas especialmente para el clarinete de Stadler. (La anterior había sido La Flauta Mágica).
Se trata de La Clemenza di Tito, KV 621, con libreto de Caterino Mazzola, basada en una obra de
Pietro Metastasio. La obra fue completada el 5 de septiembre de ese año y fue estrenada días
después en el Teatro Nacional de Praga, con motivo de la coronación de Leopoldo II, rey de
Bohemia.
Pamela Poulin, en su obra sobre Anton Stadler, escribió acerca de esta ópera:
"El 6 y 30 de septiembre de 1791 Stadler tocó el clarinete y el corno di basseto en Praga,
para la presentación de La Clemenza di Tito. Mozart incluyó dos solos obbligato en las arias
para cada uno de ambos instrumentos. La primer aria de Sesto, nº 9, "Parto, parto ma tu ben
mio", es para clarinete basseto […] Mozart volvió a Viena tras la primera representación, la cual
no fue muy bien recibida. Stadler presumiblemente se quedó para la segunda, al final del mes.
Mozart escribió a su esposa tras la segunda representación: " desde los palcos, e incluso desde la
orquesta, Stadler fue aclamado con gritos de bravo".
Varias ideas valiosas se extraen de este párrafo. Se ve que Stadler viajó a Praga para interpretar
él mismo las partes para clarinete y corno di basseto. Mozart incluso terminó de escribir las
partes para su amigo durante el viaje a Praga, en cuyo carruaje viajaba, además de la esposa del
compositor, Constanze Weber, su discípulo Süssmayr. Es de destacar que Stadler tocó ambos
instrumentos (clarinete y corno di basseto), puesto que ambos obbligato fueron interpretados
por él, por lo que recibió ovaciones del público y de sus compañeros de orquesta, según
menciona la autora, en trascripción de una carta del mismo Mozart.
Respecto a esta composición Eric Hoeprich comenta:
"La mezzosoprano y el clarinetista tienen pasajes muy exigentes, que requieren un gran
virtuosismo. Mozart se vale frecuentemente de registros contrastados para ambas partes, y la
forma incluye la lenta expresividad de un Adagio, seguido por la brillantez de las secciones
marcadasAllegro, especialmente apropiado para las cualidades del clarinete bassetto".
Richard Wagner; Dich, Teure Halle, aria de Elisabeth en
"Tannhäuser"
https://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=-sSjRvaty0U
Deborah Voigt, soprano
Orquesta de la Metropolitan Opera
James Levine, director
"Todavía debo Tannhäuser al mundo". Esta afirmación hecha por el compositor en carta a
Cosima, bastante más tarde de los estrenos de Dresde y París, es significativa de su
inconcreción, de sus dudas, y de los frecuentes cambios introducidos en la partitura.
El mito de la redención por el amor femenino es una vez más la esencia de una obra
wagneriana.Tannhäuser está dividida en tres actos: el primero muestra el amor sensual en su
más furiosa manifestación. El Venusberg (ubicado cerca de Eisenach) es la gruta de la
satisfacción de las pasiones, el eterno femenino condenado religiosamente como devorador, y
vencido sólo por la contranatura de la virginidad.
Venus, aunque diosa, cuando desea es débil y, a pesar de haber sido rechazada, volverá en el
acto final a tratar de recuperar al hombre amado.

8. En el segundo acto, Tannhäuser regresa a su ciudad natal reencontrándose con el resto de los
caballeros y, de nuevo, con el amor de Elisabeth. Este acto tiene como escenario único la gran
sala del castillo de Wartburg, la Halle, donde se celebran los famosos concursos de canto de
losminnesänger. Aparece Elisabeth, exultante de alegría ante el retorno del caballero que ama al
lugar donde había triunfado y canta en una explosión de júbilo.
Giacomo Puccini: Vissi d'arte, aria de "Tosca", por María
Callas
https://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=NLR3lSrqlww
El acto segundo de Tosca se desarrolla en el Palacio Farnese, por la tarde-noche del mismo día
en el que arranca la historia de esta ópera. Scarpia maquina una doble trampa: después de
torturar al amante de Floria Tosca, Mario Cavaradossi, pone precio a su cabeza, que no es otro
que los favores sexuales de la diva. Tras un inmenso dúo, ella accede, con la condición de que
libere a Mario. La trampa consiste en hacer creer a Tosca que Mario será sometido a un falso
fusilamiento para, así, poder escapar con ella a continuación. Tosca cree a Scarpia, y, cuando el
“trato” está ya cerrado, le asesta una mortal puñalada con el cuchillo que el barón estaba
utilizando en su cena.
Tosca es un papel favorito de las sopranos. Las más famosas intérpretes del personaje han sido
Hariclea Darclée, que estrenó la ópera en 1900, Karita Mattila, Emma Calvé, Gina Cigna, Eva
Turner, Maria Jeritza, Claudia Muzio, Maria Caniglia, Renata Tebaldi, Magda Olivero, Régine
Crespin, Leonie Rysanek, Montserrat Caballé, Leontyne Price, Renata Scotto, Birgit Nilsson,
Galina Vishnévskaya, Eva Marton y Maria Guleghina. En los años de la segunda posguerra
brilló, por encima de todas, María Callas, la intérprete con la que más se asocia el rol en la
segunda mitad del siglo XX.
Georges Bizet: Habanera de "Carmen", por María Callas
https://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=OYfMRZTDLZQ
¿Dónde estaba la magia de la Callas? Zeffirelli que la dirigiera escénicamente en un total de
cinco producciones ha dado su punto de vista sobre este enigma. Son extractos algo extensos
pero creemos que no tienen desperdicio. Están recogidos en el estupendo libro Callas de John
Ardoin y Gerald Fitzgerald (Londres, 1974). Habla Zeffirelli:
“La magia de la Callas es una cualidad que tienen pocos artistas, algo especial, diferente. Hay
muchos artistas muy buenos, pero muy pocos que tengan este sexto sentido, esa cualidad
extraordinaria. Es algo que los eleva de la tierra y los transforma en semidioses. La Callas la
tenía. Cuando María sube a un escenario o empieza a hablar de su trabajo o se pone a tararear
una melodía, inmediatamente adquiere esta cualidad adicional. Para mí María es siempre un
milagro. No se la puede comprender ni explicar. María puede girar de la nada al todo, de la
tierra al cielo. ¿Qué es lo que tiene esta mujer? No lo sé, pero cuando se realiza el milagro, María
es un nuevo ente, es como si poseyera una nueva alma”.
Zeffirelli seguidamente trae a la memoria las míticas representaciones de Lucia en la Scala en
las que Karajan dirigía musical y escénicamente. Habla Zeffirelli:
“Karajan no intentó dirigirla. Se limitó a disponer todo en torno a ella. La Callas representó la
escena de la locura con un foco como una bailarina sobre fondo negro, y nada más. Karajan
deseaba que todo en ella fuera música, música total. Era lo mejor que se podía hacer con la
Callas. Creo que fue el único que supo comprenderlo. Estaba formidable con su media sonrisa,
sus ojos y su boca. Era música viva, la ilustración perfecta de la música. Ningún director se lo
había enseñado, era un don innato, la forma de crear el gesto exacto, el momento para hacer el
movimiento preciso.”
Es imposible resumir o comentar todo lo que se ha escrito de ella, porque también como su
protagonista, todo lo dicho resulta excesivo. Su paso por el mundo de la música se podría
catalogar de fulgurante y también de fugaz. Pocos fueron los años de plenitud, aunque éstos
fueron extraordinarios, luego vino el declive y el silencio. Un silencio que a todos los aficionados
les pareció tan prematuro como ineludible. María Callas lo había dado todo en su corta carrera,

9. que la consagró a principios de los años 50 y prácticamente cesó en los 60: aunque siguió dando
conciertos y recitales, ya se resentía su voz y, poco a poco, ese maravilloso instrumento fue
apagándose.
Vincenzo Bellini: Casta diva, aria de "Norma", por María
Callas
https://youtu.be/7rjGwS20V94
Maria Callas llegó a lo más alto en cuatro grandes óperas que desde entonces se han visto a
través de su figura, sin menosprecio de otras grandes sopranos. Cuatro grandes títulos a los que
muy pocas han servido como ella: Norma, Tosca, Traviata y Lucia. Estos son los cuatro pilares
sobre los que se asienta la fama de la Callas y sin ellos es probable que esta fama no fuera tan
legendaria. Por ello, cualquier aficionado a la ópera que se precie, debe tener estos cuatro títulos
por la Callas en su discoteca. Varias son las grabaciones que hay -oficiales y piratas- y se puede
estar a favor de una más que de otra pero disponer de esta galería de cuatro óperas con ella es,
sin duda, obligado.
Gioacchino Rossini: Una voce poco fa, aria de Rosina en
"El Barbero de Sevilla", por María Callas
https://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=bP3SAxP2O2c
La fama de María Callas radica sobre todo en su extraordinaria voz y en su increíble versatilidad
como intérprete, que la hacían capaz de abordar los más diversos papeles aun cuando no fueran
de su tesitura vocal de soprano; pero la popularidad de María Callas trascendió el ámbito de los
escenarios de los teatros de ópera para convertirse en un personaje de la prensa internacional
del corazón, no ya por su faceta artística, sino también por su vida personal.
¿Dónde nace el mito? ¿En la escena o fuera de ella? Sea donde sea, María Callas es un mito, sus
seguidores la siguen recordando y valorando como la voz femenina más impresionante que se ha
podido escuchar nunca en el mundo de la lírica. Muchas veces los aficionados se han preguntado
qué tenía la Callas para alcanzar tal fama, prestigio y popularidad a pesar de tener una voz
ingrata y poco bella y una técnica menos sólida que la de otras aunque esto no deja de ser un
tópico más pues sólo hay que escucharla en un recitativo para asombrarse de su técnica sin
mencionar sus trémolos, escalas, ligados y otras fioriture de tal perfección en su instrumento. El
director Nicola Rescigno que la conocía tan bien decía: "Es un profundo misterio que una chica
del Bronx educada en un ambiente sin inclinación a la ópera, se haya visto dotada de la
capacidad de cantar el recitativo a la perfección. Tenía un sentido arquitectónico que le indicaba
con toda precisión qué palabras debía acentuar en una frase musical y cuál era la sílaba exacta
que había que subrayar en esta palabra."
Giacomo Puccini: O mio babbino caro, de "Gianni
Schicchi"
https://youtu.be/1plmvM9YW9E
Renée Fleming, soprano
Orquesta Filarmónica de Berlín
Ion Marin, director
A principios del siglo XX, Giacomo Puccini (Lucca 1858 - Bruselas 1924) es uno de los
principales representantes del verismo, con óperas tan famosas como La bohème, Madama
Butterfly y Gianni Schicchi. Puccini compuso esta última como parte final de Il Trittico (junto
a Il Tabarro, Suor Angelica), pero debido al gran éxito que ha venido experimentando, es la
única obra del Trittico que se suele representar por separado. El estreno, junto a Il
Tabarro y Suor Angelica, tuvo lugar el 14 de diciembre de 1918 en la Metropolitan Opera House
de Nueva York.

10. El autor del libreto, en un acto, es Giovacchino Forzano (Florencia 1884 - Roma 1970) que se
inspiró en el Infierno de La Divina Comedia de Dante. La trama es divertida e inteligente, por
lo que esta pequeña ópera ha conseguido auparse a lo más alto de la comedia operística italiana.
El argumento de Gianni Schicchi transcurre en Florencia en el año 1299. El rico Buoso Donati
acaba de fallecer dejando la mejor parte de su fortuna a un monasterio. Los familiares, reunidos
en torno al muerto, buscan desesperadamente el modo de cambiar a su favor el testamento.
En medio de la confusión general, el joven Rinuccio afirma que Gianni Schicchi, padre de su
amada Lauretta, es el único que puede ayudarles, y manda a alguien en su busca.
Cuando llega Schicchi, los parientes lo desprecian, resistiéndose a aceptar la ayuda de un
campesino recién llegado a Florencia, pero Lauretta suplica a su padre que los ayude, único
modo de que los parientes acepten su boda con Rinuccio.
Gianni Schicchi, conmovido por la petición de su hija, decide hacerse pasar por el muerto y pide
a los parientes que llamen al notario para cambiar el testamento.
Ante el notario, Schicchi, imitando desde la cama la voz de Buoso, dicta el nuevo testamento:
deja a los monjes cinco liras y algunos bienes a cada pariente.
Por fin llega el momento de repartir la mejor parte de la herencia, la casa y los molinos en Signa.
Buoso se lo deja todo a... ¡Gianni Schicchi!
O, mio babbino caro, una de las arias más famosas del repertorio operístico, es el título de la
conmovedora súplica de Lauretta a su padre para que ayude a los familiares del fallecido Buoso.
La estructura del aria destaca por su simplicidad. Dos frases de ocho compases, la segunda de
ellas ampliada, basadas en motivos de dos compases. La melodía, muy expresiva, es precedida
de un preludio de la cuerda que interpreta uno de los motivos de la melodía.
De la gran aceptación de esta aria en todo tipo de manifestaciones artísticas sirva de ejemplo su
utilización en la película Una habitación con vistas (1986), del director James Ivory, donde es
cantada por Kiri Te Kanawa.
O, mio babbino caro,
mi piace, è bello bello;
Vo’andare in Porta Rossa
a comperar l’anello!
Sì, sì, ci voglio andare!
E se l'amassi indarno,
andrei sul Ponte Vecchio,
ma per buttarmi in Arno!
Mi struggo e mi tormento!
O Dio, vorrei morir!
Babbo, pietà, pietà!
Babbo, pietà, pietà!
Oh, querido papaíto,
lo amo, es tan guapo;
¡Quiero ir a Porta Rossa
a comprar el anillo!
¡Sí, lo digo de veras!
Y si mi amor fuera en vano
¡me iría al Ponte Vecchio
y me arrojaría al Arno!
¡Me consumo y sufro un tormento!
¡Oh Dios, quisiera morir!
¡Padre, piedad, piedad!
¡Padre, piedad, piedad!
Alfredo Catalani: Ebben? Ne andrò lontana, de "La Wally"
https://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=MCVIVuS-Z-c
Angela Gheorghiu, soprano
Concierto en Versalles, 2013
Alfredo Catalani nació en 1854 en Lucca. Estudió con Bazin en París y Bazzini en Milán.
Giovannina Lucca publicó su primer ópera Elda (1876; revisada como Loreley en 1890),
además de Dejanice(1883) y Edmea (1886). La unión comercial de Lucca con Ricordi en 1888
colocó a Catalani en una posición subordinada a Verdi y Puccini, pero La Wally (1892), basada
en un cuento folklórico del romanticismo alemán, fue presentada con gran éxito en La Scala. La
prematura muerte de Catalani contribuyó a que su obra, con su romanticismo y predilecciones
wagnerianas, fuera pronto eclipsada por la cruda intensidad del verismo.

11. La acción se desarrolla en Hochstoff y Sölden, en el Tirol y sus alrededores en los Alpes Suizos,
a comienzos del siglo XIX. En el aria más conocida de esta ópera, Ebben?… Ne andrò lontana,
la protagonista decide huir ante un matrimonio concertado por su padre. Es el momento de la
despedida de su hogar.
Ebben?... Ne andrò lontana,
come va l'eco della pia campana,
là, fra la neve bianca,
là, fra le nubi d'or,
laddove la speranza
è rimpianto, è dolor!
O della madre mia casa gioconda,
la Wally ne andrà da te lontana assai,
e forse a te non farà mai più ritorno,
ne più la rivedrai!
Mai più, mai più!
Ne andrò sola e lontana
come l'eco della pia campana,
là, fra la neve bianca;
ne andrò sola e lontana
e fra le nubi d'or...
¿Y bien?... Me iré lejos.
Como el eco de la piadosa campana,
allá, entre la nieve blanca,
allá, entre las nubes de oro,
la esperanza
¡es llanto, es dolor!
¡Oh, casa alegre de mi madre,
la Wally se irá muy lejos de ti,
y tal vez no vuelva jamás!
¡No te volveré a ver!
¡Jamás, jamás!
Me iré sola y lejos,
como el eco de la piadosa campana,
allá, entre la nieve blanca;
me iré sola y lejos,
y entre las nubes de oro...