Historia del cine de animación

El cine de animación

La animación es la técnica que da sensación de
movimiento a imágenes, dibujos, figuras, recortes,
objetos, personas, imágenes computarizadas o cualquier
otra cosa que la creatividad pueda imaginar,
fotografiando o utilizando minúsculos cambios de
posición para que, por un fenómeno de persistencia de
la visión, el ojo humano capte el proceso como un
movimiento real. Según el animador norteamericano
Gene Deitch, «animación cinemática es el registro de
fases de una acción imaginaria creadas individualmente,
de tal forma que se produzca ilusión de movimiento
cuando son proyectadas a una tasa constante y
predeterminada, superior a la de la persistencia de la
visión en la persona.»
Mientras en el cine de imagen real se analiza y
descompone un movimiento real (24 imágenes por
segundo), en el cine de animación se construye un
movimiento inexistente en la realidad (desde 24 hasta 8
imágenes por segundo).
Con la invención del paso de manivela, Chomón
estableció los principios fundamentales de la animación.
Mas tarde Cohl los aplicó al campo gráfico, y estableció las
bases de lo que con los años se convertiría en la poderosa
industria de los dibujos animados. McCay dio al dibujo
animado la técnica básica con la que se ha mantenido hasta
el presente, pues los principios de la animación en papel,
en acetato o por ordenador, la forma técnicamente más
avanzada del género, son exactamente los mismos; sólo
cambian las apariencias.
En el caso del ordenador, el truco del paso de manivela es
llevado al extremo: la unidad elemental manejada, el píxel,
es mucho más pequeña que el fotograma, el resultado es
que el animador tiene el control total tanto del espacio -el
objeto filmado- como del tiempo -el movimiento de las
imágenes. En el futuro, el abaratamiento de costes
permitirá una aplicación generalizada en investigaciones
científicas, en la generación de gráficos y recursos para la
educación, en simulaciones de todo tipo, y en campos en

los que, como suele suceder, las aplicaciones aún están por
llegar.

Diversos tipos de animación

Existen numerosas formas de animación, que dependen
de la creatividad de los animadores y de la técnica o de los
objetos que se utilicen.
Dibujo animado
Los dibujos animados se crean dibujando cada
fotograma. Al principio se pintaba cada fotograma y luego
era filmado, proceso que se aceleró al aparecer la animación
por celdas o papel de acetato inventada por Bray y Hurd en
la década de 1910. Usaron láminas transparentes sobre las
que animaron a sus personajes sobre el fondo. Más tarde, al
técnica se agilizó mediante los dibujos realizados en
computador, pues existen programas que asisten a la
creación de los cuadros intermedios.
Stop motion
Cuando la animación no entra en la categoría anterior, del
dibujo animado, se llama stop motion, en la que se le da
vida a objetos de todo tipo, maquetas, objetos a escala,
muñecos, sean articulados o de plastilina, tomadas de la
realidad mediante fotografía o filmación. Para ello se utiliza
la grabación «fotograma a fotograma» o «cuadro a cuadro»,
cuyo iniciador fue segundo de Chomón con su llamado
«paso de manivela». Cuando lo que se animan son recortes,
cartón, papel o fotografías, se llama Animación de
recortes (cutout animation).
En la animación con plastilina o con otros materiales
moldeables, las figuras se van transformando o moviéndose
en el progreso de la animación paso a paso. es un proceso
muy laboriosos que requiere fidelidad a los tiempos
determinados y a la credibilidad de los movimientos, en
ocasiones ojos y boda de muñecos, para cuando sea
proyectada a veinticuatro imágenes por segundo. Cualquier
materia que pueda ser fotografiada, puede utilizarse para ser

animada: arena, agua, agujas, etc. Actualmente, los
ordenadores facilitan la tarea.
Recambio de piezas
La técnica de «recambio de piezas», «replacement
animation» (animación por reemplazamiento, o por
sustitución). El sistema de captura es básicamente el mismo
que el del stop-motion convencional, pero los muñecos
empleados aquí, normalmente tallados en madera, no
poseen partes móviles, sino piezas intercambiables.
Consiste en crear tantas piezas como movimientos o
expresiones vaya a necesitar el personaje. Un ejemplo fácil
de comprender es diseñar diferentes cabezas –con una
sonrisa, triste, enfadada…- e ir colocando la cabeza que
corresponda en el momento adecuado del plano. Las piezas
se elaboran previamente siguiendo la animación esbozada
en papel, y luego en vez de mover los miembros de los
muñecos, lo que se hace es reemplazar las piezas. De esa
forma un sencillo movimiento podría requerir un gran
cantidad de piezas, en torno a las 20.
Puppertoons
El termino Puppertoons fue acuñado por Geor Pal y su
socio Dave Bader, se compone de los términos puppet –
marioneta- y cartoons –dibujos animados-. Ya que se
trataba de animar las marionetas siguiendo la técnica clásica
de animación de los dibujos, o sea, una figura del personaje
diferente para cada fotograma.
Film directo
Se denomina así al que directamente se dibuja, raya, se
pinta o se compone sobre el mismo celuloide. Len Lye,
neozelandés, fue un pionero. En ocasiones, como en el
caso de Norman Mclaren, dibujaba también la banda
sonora.
Pixilación
Se denomina pixilación a una variante del stop-motion,
en la que se animan personas u objetos cotidianos. Para ello
se fotografía repetidas veces desplazando ligeramente el
objeto. En el caso de personas se suprimen secciones de
una filmación con el fin de crear una sensación diferente.

Norman McLaren fue pionero de esta técnica (utilizada con
anterioridad por Emile Cohl), empleada en su corto
animado A Chairy Tale, en el que da movimiento una silla o
su cortometraje Vecinos, Neighbours (1952), en el que dos
personas realizan movimientos muy complicados. Norman
McLaren también experimentó con el dibujo directamente
sobre le celuloide, tanto de las imágenes como la realización
de la misma banda sonora.
Rotoscopía
Disney animó a Blancanieves en momentos de cierta
complicación, bajada de escaleras, bailes, y a otros
personajes sobre la filmación de personas reales. El
equivalente en infografía es la técnica llamada motion
capture.
Animación limitada
Es un proceso de creación de dibujos animados que
disminuye la cantidad de cuadros por segundos. En vez de
realizar la animación de 24 imágenes por segundo, muchos
de esos cuadros son duplicados, se usa arte abstracto,
simbolismo, repetición de fondos y de movimientos para
crear el mismo efecto por lo que el dibujo se hace más
imperfecto, pero abarata mucho los costes. Un ejemplo
característico son los Picapiedra.
Animación flash
Flash es un programa de edición multimedia con varias
finalidades crear animaciones, contenido multimedia,
juegos, etc. Con él se pueden realizar animaciones y de
hecho muchas productoras están en la actualidad realizando
trabajos de animación en 2-D con este sistema para páginas
web y sitios web multimedia.
Animación en 3D
Hace referencia a un tipo de animación que simula las
tres dimensiones. se realiza mediante un proceso
denominado renderización, que generar una imagen de 2D
desde un modelo de 3D. Así podría decirse que en el
proceso de renderización, la computadora «interpreta» la
escena en tres dimensiones y la plasma en una imagen
bidimensional.

Foto-realidad
Consiste en trasladar al mundo virtual de la forma más
realista posible el mundo real. Una película realizada con
esta técnica fue Final Fantasy, en 2002, de Hironobu
Sakaguchi que, aunque fracasó comercialmente, quedará
como una herramienta con la que investigar en el futuro.
Animación motion capture y performance capture
La «Performance Capture» es un avance recientes de las
técnicas de captura de imagen por ordenador. Se podría
traducir como captura de la interpretación, cuando la
«Motion Capture», el sistema anterior, en el que se basa, era
la captura de algunos movimientos del cuerpo mediante
sensores que son interpretados por un ordenador. Ver cine
siglo XXI.

La prehistoria de la animación. La animación antes
del cine

En las manifestaciones artísticas, desde que se conocen,
la especie humana ha intentado representar la ilusión del
movimiento, en las pinturas rupestres, o en el arte egipcio y
griego, o las sombras chinescas. Sin embargo, fue
Anthonasius Kircher el que en 1640 inventó la Linterna
mágica, con la que proyectaba diversas fases de un
movimiento mediante grabados en cristales, que cambiaba
de forma mecánica.
En 1824, Peter Mark Roget descubrió el «Principio de
Persistencia de la Visión», fundamento en el que se basan
todas las imágenes proyectadas que conocemos hoy en día.
Demostraba que el ojo humano retiene la imagen que ve
durante el tiempo suficiente para ser sustituida por otra, y
así sucesivamente, hasta realizar un movimiento completo
y el Dr. John Ayrton Paris puso a la venta en Londres el

taumatropo. Primer juguete óptico que explota la
persistencia de la imagen sobre la retina, compuesto de un
disco y de hilos vinculados a las extremidades de su
diámetro. Sobre cada cara hay un dibujo; al hacer girar
sobre un eje el disco, se ven simultáneamente los 2 dibujos.
En 1828, Joseph Plateau (Belgica, 1801-1883) estableció
que una impresión luminosa recibida sobre la retina
persiste 1 de segundo después de la desaparición de la
imagen; concluye que imágenes que se suceden a más de 10
por segundo dan la ilusión del movimiento (el
descubrimiento del principio de persistencia de las
impresiones retinianas se remonta al siglo II.).
Dos personas, no se sabe quien lo hizo antes que el otro,
inventaron las primeras ruedas de este tipo en 1832. Simon
Ritter von Stamfer, de Viena, en Austria, que le llamó
Stroboscopio, y el mismo Joseph Plateau, que le llamó
Phenakistoscopio. Estos fueron los primeros
instrumentos capaces de crear la impresión de una imagen
que se movía realmente.
Mientras tanto, nació la fotografía, sin la cual no existiría
el cine. Hacia 1852, las fotografías comenzaron a sustituir a
los dibujos en los artilugios para ver imágenes animadas. A
medida que la velocidad de las emulsiones fotográficas
aumentó, fue posible fotografiar un movimiento real en
vez de poses fijas de ese movimiento.
En 1877, el francés Émile Reynaud, logró mayor
flexibilidad en el movimiento aparente de las figuras con el
Praxinoscopio, un tambor giratorio con un anillo de
espejos colocado en el centro y los dibujos colocados en la
pared interior del tambor que al girar parecían cobrar vida.
Lo aplicó al «teatro praxinoscópico» en el a través de una
combinación de espejos se movían tenues figuras
luminosas. Permitía proyectar películas animadas dotadas
de argumento en una pantalla para un público, y,
acompañadas de música y efectos sonoros, mantuvo un
espectáculo de dibujos animados desde 1892, tres años
antes de la primera sesión pública de cine, hasta finales del
siglo XIX. Las representaciones se hacían en el Museo
Grévin de París con películas que duraban unos 10 min. y
en las que empleaba ya las bases de la moderna animación,

dibujando los personajes sobre papeles transparentes para
evitar la repetición de fondos.

Los pioneros de la animación cinematográfica

El año oficial del nacimiento del cine es el 1895, pero
el nacimiento del cine de animación se produjo unos
diez años más tarde, en 1905. Fue ese año cuando
Segundo de Chomón realizó El hotel eléctrico, 1905,
quizá la primera animación de la historia, aunque la
historia oficial, escrita sobre todo por anglosajones y
James Stuart Blackton franceses, dice que este honor corresponde a La casa
encantada, The haunted house, 1907, del inglés afincado en
los Estados Unidos James Stuart Blackton. En 1907,
Chomón realizó para los hermanos Pathé, Los Ki ri ki,
uno de los primeros films coloreados con un sistema
ideado por el propio Chomón. Lo cierto es que el honor
del primer film de animación se lo disputan los cineastas
Stuart Blackton, norteamericano, Segundo de
Chomón, español, y Emile Cohl, francés.
James Stuart Blackton (1875-1941), ilustrador y
periodista, rodó en 1900 The enchanted drawing, una de las
primeras producciones de animación, muy imitada por
sus contemporáneos, en la que realizaba dibujos de
rostros rápidamente en una pizarra, donde los personajes
cambiaban de expresión por medio de trucos de
sustitución. En 1906 realizó Humorous Phases of Funny
Segundo de Chomón Faces, por algunos considerado el primer dibujo animado
de la historia, puesto que los movimientos de los
personajes se consiguen por la sucesión rápida de los
fotogramas. En un cortometraje Haunted Hotel, 1907,
puede verse una mesa bien servida en la que los
cubiertos se mueven solos, en donde se utilizó la técnica
del stop motion e se introdujo la animación de objetos en
tres dimensiones. A ese film le siguió otro, The Magic
Fountain Pen ,1909, en el que una pluma animada con

vida propia traza dibujos sobre un folio blanco. Blackton
tenía grandes contactos con con Albert E. Smith, Edison
y los fundadores de la Vitagraph.
Segundo de Chomón (1871-1929). El gran invento
de Chomón fue el mecanismo de control del paso de la
manivela de la cámara mediante el cual se podía trucar el
tiempo y el movimiento de les imágenes. Fue el punto de
partida de todo el cine de animación y en el que se
sustenta hasta la actualidad. A partir de este
Emile Cohl descubrimiento (stop-motion), desarrolló un aparato la
«cámara 16», que filmaba imagen por imagen con la que
realizó sus más arriesgados proyectos. Hizo El hotel
eléctrico, producida en 1908 por la Pathé, tal vez inspirada
en El hotel embrujado (1906) de Stuart Blackton. Entre lo
más significativo de la obra de Chomón en cuanto a la
animación está La poule aux oeufs d'or (1905), basado en la
fábula de La Fontaine, en los que figura un cuadro de
gallinas que se convierten en bailarinas gracias al paso de
manivela, un huevo transfigurado en murciélago y otro
que alberga la cabeza de un demonio. En La maison hantee
George Méliès (1906) narra una pesadilla mediante transparencias y
sombras chinescas, en Le Theatre du Bob (1906) utiliza
muñecos articulados que luchas a esgrima, boxean, y
hacen gimnasia. En muchos otros film Chomón utilizó
su creatividad para trucar utilizando sus sistemas de paso
de manivela, coloreado y otros.
Emile Cohl. Fue dibujante de cómics. Desde 1908
realizó los primeros cortometrajes de dibujos animados,
viendo los trabajos de Chomón, Méliès y Blackton, sobre
todo La casa encantada de este último, e imaginó nuevas
Cecil Hopworth posibilidades para aquel tipo de cine. Con la misma
técnica del registro fotograma a fotograma, realizó
Fantasmagorie (La pesadilla de Fantoche), film que tiene
el valor de abrir la animación al campo del grafismo y
que se considera la primera película de dibujos animados
y el primer personaje al cual se le consagraría más de un
filme. Entre 1908 y 1921, Cohl realizó 250 animados,
todos inspirados por la filosofía del grupo de Los
Incoherentes, quienes estaban convencidos de que la
locura, las alucinaciones, los sueños y las pesadillas eran

la mayor fuente de inspiración estética. Combinó
personajes de carne y hueso con animados en Clair de
lune espagnol, realizó en Estados Unidos la serie de los
Snookums, y de regreso a Francia, en 1918, Los pies
niquelados. También hizo Los alegres microbios (1910-1911),
La lámpara que humea, filmes de trucos a partir de
conferirle falsa movilidad a los objetos, Las cerillas
animadas, y una versión de Fausto con muñecos.
Billy Bitzer, (1874-1944), utilizaba el stop motion para
hacer que bustos y estatuas aparezcan riéndose y hasta
fumando, en The Sculptor’s Nightmare. Pero su popularidad
se debe a dos grandes cualidades: sus continuos
experimentos durante las filmaciones o toma de
fotografías que marcaron el camino de futuros directores
y directores de arte y su asociación con Griffith. A
Bitzer, conmsiderado el primer director de fotografía de
la historia del cine, se deben numerosos inventos
Charles Bowers, y los dibujos de técnicos y procedimientos de filmación que hicieron
Harry Fisher avanzar el lenguaje cinematográfico.
George Méliès (1861-1938). Utilizó en sus filmes
abundantes efectos realizados con técnicas de animación.
Fue un famoso Mago a fines del XIX y llevó a la pantalla
alguno de los trucos que le hicieron popular en los
escenarios. Algunas de sus películas de este periodo
ofrecen trucajes conseguidos al rodar ciertas escenas
fotograma a fotograma.
Cecil Hopworth (1874-1953), en el RU. dirigió The
Electricity Cure, primera de una serie cuyos títulos son
Wladislaw Starewicz suficientemente expresivos: The Electrical Goose (1905),
The Electric Hotel (1906), The Electric Belt (1907), Liquid
Electricity (1907), The Electric Servant (1909) y The Electric
Vitaliser (1910), plagados de efectos de animación.
Pionero indiscutible de los dibujos animados fue
Winsor McCay que era caricaturista y autor de cómics
en el New York Herald y que se sintió atraído por el
espectáculo cinematográfico, por lo que comenzó a
experimentar con los dibujos animados. Realizó todos
los dibujos del film Little Nemo (1911), que el llevaron
Pat Sullivan y Otto Messmer
cuatro años. inspirado en su historieta Little Nemo in
Slumberland. Hizo también Gertie the dinosaur (1914), que

realizó él mismo cartón por cartón, y que contenía diez
mil cuadros. El filme consolidó su técnica de animar los
movimientos intermedios entre dos posiciones extremas.
Jersey Skeeters (1916), El hundimiento del Lusitania (1918) -
Ver documental animado- y The dream of a rarebit friend
(1921), títulos esenciales en la historia de estas técnicas.
John Randolph Bray (1879-1978) fue el primero en
darse cuenta de las posibilidades industriales del dibujo
animado. En 1903 creó la serie Little Johnny and His Teddy
Bears. Fundó unos estudios y produjo varias películas,
entre las que destaca Colonel Heeza liar's african hunt
(1914). Fue quien desarrolló la técnica de acetato
trasparentes superpuestas (Cel-Systems), que fue una
revolución en la realización de dibujos animados y que se
ha mantenido hasta la era de la informática. El cel
systems es atribuido a Bray y también a Earl Hurd.
Ambos se unieron y formaron la Bray-Hurd Process
Company. En 1919 dirigió el primer animado
bicromático The Debut of Thomas Cat, pero el
procedimiento se juzgó demasiado caro para uso
comercial.
El personaje de Krazy Kat, un divertido felino creado
en 1910 por George Herriman para una de las
principales cabeceras de Hearst, el New York Journal,
pasó a formar parte del mundo del cine en 1916, en que
se realizaron varios cortos, de unos tres minutos de
duración, acerca del personaje. Poco después, influidos
por el éxito de este felino, un ejecutivo de la compañía
Paramount Pictures, John King, contrató a dos
dibujantes de cómics, Pat Sullivan y Otto Messmer
para que realizaran una película protagonizada por un
personaje inventado por Sullivan, el gato Félix. Su
primera película fue Feline Follies (1918).
Dignos de reseñar son Arnaldo Ginna, 1890-1982,
pintor, escultor y director de cine italiano, que creó la
técnica de pintar directamente sobre celuloide, que luego
adoptarán Len Lye y Norman McLaren. Opinaba que el
color y las formas podían mostrarse igual que los
motivos musicales de una pieza. Wladislaw Starewicz,
en La venganza del camarógrafo (1912), una obra maestra

del stop motion con figuras en tercera dimensión, en este
caso escarabajos disecados. Wladislaw Starewicz,
llamado en Francia Ladislas Starewitch, realizó en
Francia en 1927 La cigale et la fourmi y La reine des papillons.
El canadiense Raoul Barre fundó su propio estudio y
desarrolló una técnica de animación basada en el rasgado
y recortado para lograr diversos niveles en la imagen.
Charles Bowers, llevó a la pantalla las historietas
creadas por Harry Fisher para diversos periódicos, en
Mutt and Jeff (en español Benitín y Eneas), que se
mantuvo como figura protagónica del dibujo animado
hasta bien avanzados los años veinte. La serie incluyó
unos 500 animados, y finalizó en 1928.
En España, tras los experimentos de Segundo de
Chomón, la primera película íntegramente animada
española, fue El Toro Fenómeno, de diez minutos de
duración, realizada en 1919 por Fernando Marco, cinta
que podría haber sido la primera de una prometedora
serie que nunca se produjo dadas las dificultades de
explotación con las que tuvo que enfrentarse su autor.

Félix el gato

El Gato Félix y los dibujos animados que incluían al
personaje disfrutaron de un enorme éxito en los años
1920 y se mantuvieron hasta 1930 con una breve
resurrección en 1936. Félix el gato no superó los avatares
que en el cine se sucedieron con la revolución del color y
el sonido y fue superado por la factura de otros estudios,
como Disney , pues no pudo competir con Mickey
Mouse.
Los orígenes de Félix son cuestionados. Pat Sullivan,
caricaturista y empresario de cine de origen australiano y
el animador estadounidense Otto Messmer han afirmado Felix el gato, la primera imagen que fue
ser los creadores, y la evidencia parece sostener ambas difundida por una emisora de televisión

demandas. Muchos historiadores, sin embargo,
incluyendo John Canemaker, afirman que fue Sullivan
quien plagió a Messmer. Lo que es seguro es que el gato
salió del estudio de Sullivan, y los dibujos animados que
incluían al personaje disfrutaron de un enorme éxito en
los años 1920. Paramount Pictures distribuyó las
primeras películas entre 1919 y 1921. Margaret J. Winkler
distribuyó los cortos entre 1922 y 1925, el año en que
Educational Pictures asumió el control de la distribución
de los cortos. En 1928, Education dejó de sacar los
dibujos animados de Félix y muchos fueron reemitidos
por First National Pictures. Copley Pictures lo distribuyó
desde 1929 hasta 1930. Tuvo una breve resurrección en
1936 por Van Beuren Studios, pero la gloria de los viejos
tiempos desapareció durante el breve paso del gato por
el color y el sonido.

La consolidación del cine de animación en todo el mundo

El dibujo animado fue siempre a la par con las técnicas de animación, ya en 1914 el pintor
franco-ruso-finlandés Leopold Survage, compañero de alojamiento y correrías de
Modigliani, convenció a la compañía Gaumont, para que el financiara una serie de películas
de dibujo abstracto, semejante al dibujo animado. El alemán Hans Richter, tal vez influido
por el anterior, realizaba cortometrajes experimentales abstractos, como Rhythmus 21 (1921).
La animación norteamericana se concentró en Nueva York hasta finales de los años veinte y
principio de los treinta. La Guerra Mundial abatió las escuelas de animación y preparó el
predominio norteamericano, una situación que se confirmó luego de la II Guerra Mundial.
Lotte Reiniger, fue una pionera que realizó dibujos animados en Alemania a partir del
teatro de sombras, personajes opacos sobre fondos blancos, como Las aventuras del príncipe
Ahmed (1926), el primer largometraje de dibujos animados que se conserva. (El primer
largometraje de animación fue mudo y argentino, El Apóstol (1917) de Quirino Cristiani,
película que se ha perdido porque el celuloide en el que había sido revelado fue utilizado
posteriormente, siguiendo la costumbre de la época, en la fabricación de peines. En Suecia,
en 1916, se realizó la serie Kapten Grogg, de Víctor Bergdahl. El británico Anson Dyer,
realizó John Bull’s Animated Sketchbook (1920), Three Little Pigs (1922) y Little Red Riding Hood
(1923).
Windsor McCay, en 1918, realizó el que es considerado el primer documental animado,
The Sinking of the Lusitania, con 25 000 cuadros, en un estilo muy realista, en el que debió

poner documentación e imaginación para relatar un hecho en el que no había imágenes
fotográficas.
En las primeras décadas del siglo XX se hicieron películas como Symphonie diagonale (1921-
24), de Vicking Eggeling, mediante recortes en estaño creaba relaciones rítmicas entre
formas y líneas geométricas simples mediante la proporción, las relaciones numéricas y la
intensidad lumínica, a partir de las cuales surgía algo así como una música lumínica para los
ojos. Es de destacar igualmente Emak Bakin (1926), de Man Ray, dadaísta y más tarde uno
de los fundadores del surrealismo. Ambos abrieron un camino que, con el tiempo, seguirían
otros cineastas.
En Japón, a partir de experimentos de varios dibujantes procedentes de la historieta o de
las artes plásticas, surgió un interesante movimiento de animación que se inició con algunos
experimentos en el año de 1914, pero fue en 1917 Oten Shimokawa, quién realizó el primer
corto animado de 5 minutos titulado Imokawa Mukuzou (El Portero). También e 1917, Junichi
Kouchi realizó un corto titulado Hanahekonai Meitou no Kani (El sable nuevo y flamante), y
Seitarou Kitayama, realizó Sarukani Gassen (La guerra de monos y cangrejos). Kitayama, trabajó
en animación hasta que en 1918 logró el primer éxito mundial de la animación japonesa con
Momotarou (El Chico Durazno). Noburu Ofuji, en 1927, realizó Kujira, La ballena en papel
semitransparente, cuyo resultado recuerda las siluetas de Lotte Reiniger. En 1952 rodó
remake de La ballena. Yasuji Murata empleó acetatos en El hueso del pulpo, 1927, donde recreó
un mundo de animales antropomórficos. En 1931 Kenzo Masaoka realizó sonora, Chikara
to onna no yo no naka, El mundo del poder y de las mujeres, primer animado sonoro japonés, en el
que utilizó parcialmente celuloide, muy caro en Japón en aquellos momentos. En 1935,
Mitsuyo Seo, uno de los grandes pioneros en animación del país, que había sido dibujante
para Kenzo Masaoka, realizó varias películas propagandísticas en torno al conflicto chino-
japonés
Mickey Mouse fue un punto de inflexión importante en la historia del cine de animación,
a partir del cual se desarrolló una de las mejores épocas del cine de animación. Walt Disney
y Ub Iwerks (quien diseño a Mickey), comprendieron la importancia de los dibujos
animados en el cine y, a pesar de su dificultad y los riesgos económicos, apostaron por esa vía
cinematográfica. El éxito de Mickey Mouse, protagonista de Steamboat Willie (1928), les lleva a
investigar y a superar las miles de dificultades, aplicar sonido y efectos de todo tipo, combinar
personajes animados y actores reales, que consiguen con la serie de cortometrajes que inicia
Alice in Wonderland (1923), y que que perfeccionaron con el tiempo, sobre todo al inventar la
cámara multiplano, desarrolada por Iwerks, que siempre estuvo más preocupado de las
innovaciones técnicas que de las historias o la animación en sí, fundamental para obtener una
profundidad de campo, que sirvió para aumentar el realismo de la producción de dibujos
animados en el futuro. Fue Blancanieves y los siete enanitos (1937), una de las primeras películas
de dibujos animados de metraje largo, la que hizo conocer en el mundo entero la posibilidad
del dibujo animado como cine que podía competir con cualquier otra película.
En los mismos tiempos, los hermanos Dave y Max Fleischer, competían en las pantallas
con Disney, con personajes tan populares del comic norteamericano como Betty Boop y

Popeye. En 1916 comenzaron la serie Out of the Inkwell (Fuera del tintero), protagonizada por el
payaso Koko, que se hizo hasta 1930. En largometraje hicieron Los viajes de Gulliver, Gulliver's
Travels (1939), en el que utilizaron el rotoscopio, un aparato inventado por ellos en 1915, con
el que mejoraban los movimientos de los dibujos animados y que fue utilizado
posteriormente por muchos animadores. El rotoscopio permite diseñar imágenes a partir de
referencias filmadas en vivo y reimprimir la película y, por tanto, que aparezcan juntos
personas y objetos reales con dibujos animados. Disney lo utilizó en Blancanieves y los siete
enanitos y puede ser considerado un precursor de la técnica de captura de movimiento digital.
Los Fleischer realizaron animaciones educativas: The Einstein Theory of Relativity (1923) y
Darwin’s Theory of Evolution (1925), películas didácticas. En 1924, los hermanos Fleischer le
dieron forma a The Song Car-Tunes, donde se animaban canciones de moda, con el texto
subtitulado y una bolita que permitía seguir la letra por donde iba el cantante. En 1930
presentaron el personaje de Betty Boop en Dizzy Dishes, creado por Grim Natwick, el mismo
que animó a la Blancanieves de Disney. En 1937 realizaron Popeye The Sailor meets Simbad the
Sailor, rodada en plataformas o escenarios cuyos fondos eran modelos en tres dimensiones
sobre los cuales se colocaban los personajes dibujados en cristales transparentes. En 1939
realizaron su primer largometraje, Los viajes de Gulliver y más tarde Mr. Bug goes to Town (1941).
A principios de los cuarenta hicieron la serie de Superman, en la que introdujeron
abstracciones y una serie de elementos realistas.
Paul Terry, pionero en casi todas las técnicas de animación desde 1915, realizó su serie
más famosa: Aesop’s Film Fables. y sobre todo a partir de los años veinte, en la Paramount:
Ugly Ducking (1925), Dinner’s Time (1928), el primer dibujo animado sonoro, Queen Bee (1929),
The Bull Fight (1935), The Mouse of Tomorrow (1942). Produjo cerca de 1.300 dibujos animados
hasta 1955, entre ellos los Terrytoons.
Walter Lantz, autor de cómics, pasó a colaborar como animador en los Estudios Bray y
posteriormente creó una compañía para el desarrollo de dibujos animados, primero para el
cine y más adelante destinados a la televisión. Uno de los personajes más conocidos de
Walter Lantz es el Pájaro Loco. En 1924 produjo la serie de Dinky Doodles. Más tarde con la
Universal, convirtió en héroe al conejo Oswald, Oswald the Lucky Rabbitt. Oswald había sido
creado por Disney pero perdió los derechos sobre su comercialización.
En 1925, Willis O’Brien animaba figuras en tercera dimensión, con modelos de arcilla,
con la técnica del stop motion. Realizó los efectos especiales da varias películas importantes, la
más famosa de ellas el gorila a animado de King Kong que, aunque aparentaba en la gran
pantalla una altura de quince metros, era en realidad un muñeco articulado de alrededor de 45
centímetros de envergadura. King Kong, 1933, fue dirigida por Merian C. Cooper y Ernest B.
Schoedsack.
El neozelandés Len Lye pintaba directamente sobre el celuloide en The color box (1935),
una técnica retomó Norman McLaren, otro influyente autor de cortometrajes
experimentales. Por su parte, el ruso Alexander Ptushko empleó personas y marionetas
flexibles para rodar El nuevo Gulliver (1936).

Ub Iwerks, separado de Disney, abrió su propio estudio en 1930, adaptó el cuento The
Brave Tin Soldier, de Hans Christian Andersen, para sus Comicolor Cartoons. Más tarde pasó
a la Warner (hasta 1940). Fue el creador de Jack and the Beanstalk (1933), Don Quixote (1934),
Aladdin and the Wonderful Lamp (1934), Humpty Dumpty (1935), The Three Bears (1935), Ali Baba
(1936), The Frog Pond (1938) y otros.
Las Silly Symphonies de Disney, melodías animadas con personajes, fueron imitadas en varias
ocasiones. En 1930 nacieron los Warner Brothers Cartoons con el corto Sinking in the
Bathtub. Harman, Ising y Freleng, habían sido colaboradores de Disney y, dirigidos por Leon
Schlesinger crearon los Looney Tunes. En 1934, se hizo la primera Merry Melody en colores de la
Warner, pues los Looney Tunes fueron en blanco y negro hasta 1943. En los años cincuenta,
los ejecutivos de la Warner decidieron quemar casi todos estos filmes, pues necesitaban
espacio de almacenaje. I Haven´t Got a Hat, primer éxito de Porky Pig, dentro de las Looney
Tunes, firmado por Fritz Freleng. En 1931, se crearon las Merrie Melodies, cuyo primer film
fue Lady Play Your Mandolin.
En 1932, el checo Berthold Bartosch realizó L'Idée, La idea, un corto eminentemente
político, radical y revolucionario, que presenta a la idea como algo que no puede ser
destruido, a pesar de persecuciones o dogmatismos. Realizado a base de pinceladas gruesas y
sombras arriesgadas, resaltadas por el uso del blanco y negro. Dura media hora, con partitura
de Arthur Honegger, uno de los compositores de la vanguardia musical francesa de ese
tiempo. Utiliza técnicamente el principio de la animación por sustracción de fotogramas, que
también utilizó Norman Mclaren, el cut-out, animación con recortes o papel recortado, y
pegar los recortes en diferentes cristales a diferentes distancias, que simulan profundidad.
Bartosch fue uno de los muchos colaboradores de Lotte Reiniger en su etapa alemana. Su
obra se ha perdido casi por completo, excepto el corto L'Idée, pues los nazis destruyeron toda
su obra, depositada en la Cinématheque Française antes de la segunda guerra mundial.
Oskar Fischinger, un pintor abstracto alemán que debió emigrar a EEUU, realizó en
1930 dos primeras partes de la serie Studie (hasta 1932), con una técnica que denominó
animación absoluta, donde combina la geometría con la música. Hizo películas en colores
Muratti Marches on y Composition in Blue, en 1936. Colaboró en la realización de Fantasía, de
Disney, cuyo segmento no fue incluido en el montaje final y, a finales de los años cuarenta,
realizó las famosas Motion Painting I y II, imágenes geométricas para animar música clásica.
En Francia, Alexandre Alexeieff, grabador y decorador ruso, realizó junto a Claire
Parker, en 1932, Une nuit sur le Mont Chavre, inspirado en música de Mussorgski. Se animaban
una serie de alfileres, fotografiados cuadro a cuadro. Los alfileres, sobre tela, con la luz
alumbrando en unos perfectos 45 grados, las sombras de los alfileres creaban sombra o luz,
negro o blanco. Si los alfileres se sacaban, generaban sombra y la pizarra quedaba negra, si los
alfileres se metían, la pantalla quedaba blanca.
En Rusia, en 1934, Iván Ivanov-Vanó fue uno de los pioneros de la animación soviética.
El mercado lo valorizó de tal manera que se le empezó a conocer como «el Disney de Rusia».
La mayoría de sus temas se basan en cuentos tradicionales rusos, tomando referencias de la
poesía local, los bordados, las tallas y la arquitectura. Los trabajos más conocidos en

Occidente de los primeros años son El zar Durandai (1934), La cigarra y la hormiga (1936) y Los
tres mosqueteros (1938). Iván Ivanov-Vanó siguió como director de prestigio hasta los años 50
del siglo XX. Alexander Ptushko realizó en 1935 El nuevo Gulliver, que combina figuras
reales y animados en tercera dimensión (muñecos moldeados en cera). En 1939, realizó el
filme de marionetas La llave dorada.
En 1935, Len Lye, neozelandés, admirador de Oskar Fischinger, realizó Color Box, una
de las primeras obras maestras de la animación, Pintaba directamente sobre el celuloide, sin
necesidad de cámara, sincronizados con una canción popular de Don Baretto. Una mesa de
expertos de animación en el festival de Annecy de 2005 lo consideró como una de las diez
obras más importantes de la historia de la animación. Su técnica la heredaría Norman
McLaren. Más tarde realizó con el mismo sistema Kaleidoscopio (1936), Rainbow Dance (1937) y
Trade Tatoo (1938). En Free Radicals Lye (1958), utilizó película negra sobre la que rascaría
dibujos sobre la emulsión.
En 1936, Tex Avery dibujó para la Warner el personaje de Porky. Más tarde hizo también
el personaje de Duffy Duck y las Gold Diggers, 1937. Robert Clampett continuó con el
personaje de Porky, y creó al canario Tweety, Piolín en español. Chuck Jones debutó con The
Night Watchman, 1938, muy influido por Disney. Poco después creó el personaje de Sniffles, un
ratoncito parlanchín. En 1940 definió el personaje de Bugs Bunny, junto a Chuck Jones, Bob
Clampett, Fritz Freleng y Frank Tashlin. En contraposición a los estilos Disney, Tex Avery
realizó Red Hot Riding Hood, que comienza como una versión común de Caperucita roja hasta
que los personajes se rebelan ante los papeles que deben interpretar, como una revisión del
cuento clásico, con exageraciones que hicieron que algunas partes de la película y el final,
fueran censuradas. Realizó más tarde King Size Canary (1947) y Bad Luck Blackie (1949).
En España se produjeron intentos de producir animación, como los del caricaturista
Ricardo García López, conocido como K-Hito, entre los cuales destaca Francisca, la mujer fatal
de 1933, y los de Joaquín Xauradó, dibujante que hizo famoso su perrito y que realizó dos
interesantes películas: Un drama en la costa y El Rata primero, que hizo en colaboración con K-
Hito.
En 1943, los hermanos Whitney, John y James, llamaron a su cine, cine puro, vinculado a
las vanguardias cinematográficas y más cercano a la fotografía y al movimiento que la llamado
cine de animación. Realizaron el film Five Abstract Film Exercises. En 1941 habían realizado
Variations, a partir de los movimientos de las bandas sonoras, y en 1957, los Whitney
consiguieron los primeros gráficos analógicos por ordenador.
George Pal, húngaro, fue el precursor de las películas realizadas por Steven Spielberg y
George Lucas. En 1940 inició la serie de los Puppetoons, contratado por la Paramount, que
revolucionó la animación tridimensional por el empleo de la técnica del recambio de piezas
(ver arriba).
En 1945, en Estados Unidos, un grupo de dibujantes y creativos separados de la Disney
constituyeron la UPA (United Productions of America) decididos a realizar cosas
diferentes. Estrenaron Brotherhood of Man, de Bobe Cannon, y Robin Hoodlum. Mr Magoo,
creado por Peter Burns, fue una de las estrellas de la UPA.

Len Lye. El film directo

«El neozelandés Len Lye es un artista que escapa a
la catalogación dentro de las vanguardias de
comienzos del siglo pasado y que sin embargo
participó en ellas con su obra pictórica, escultórica y
cinematográfica. Pintura, esculturas cinéticas y
películas animadas fueron los soportes elegidos por
este "nuevo salvaje" (fascinado por el arte primitivo y
aborigen) para plasmar la esencia del movimiento.».
(De la Web del Centre de Cultura Contemporània
de Barcelona)
Su película de 1935, A colour box, un anuncio de
embalaje barato, fue el primer filme directo
proyectado ante una audiencia. En Free Radicals Lye
utilizó película negra sobre la que rascaría dibujos
sobre la emulsión. El resultado es un danzante patrón
de líneas y marcas, tan dramático como el rayo en el
cielo nocturno. En 2008, esta película fue incluída en
el United States National Film Registry.
Lye experimentó con las posibilidades del cine
directo hasta el final de su vida. En varios filmes
utilizó un diverso rango de tintes, plantillas,
aerógrafos, rotuladores, sellos, peines e instrumentos
de cirugía, para crear imágenes y texturas sobre el
celuloide. En Color Cry, emplearía el método del
fotograma combinado con varias plantillas y
materiales para crear patrones abstractos.

El cine de animación tras la Segunda Guerra Mundial

Tras la segunda Guerra Mundial se dio el gran desarrollo
del cine de animación, que consolidó totalmente con los
largometrajes de Disney y los cortometrajes de la Warner
Bros.
Estados Unidos
Pinocho
Wal Disney. Finalizada la guerra mundial Disney se dedicó
a todo tipo de cine. Aparte de los dibujos animados que
siguió creando, realizó documentales y películas de aventuras
con actores reales. En momentos de dificultades Disney
decidió economizar e iniciar la producción de dos películas
mucho menos ambiciosas. La primera de ellas, The Reluctant
Dragon (1941), combinaba la acción real con tres cortos de
Blancanieves dibujos animados. La segunda fue Dumbo (1941). Con los
materiales recopilados durante una gira por América del Sur,
Disney hizo dos largometrajes: Saludos, amigos (1943) y Los tres
caballeros (1945), Canción del Sur (1946), en la que se mezclaban
los personajes de carne y hueso con los dibujos animados. La
Cenicienta (1950), Alicia en el país de las maravillas (1951), Peter
Pan (1953), La dama y el vagabundo (1955), que fue el primer
Disney en cinemascope marcaron nuevos tiempos para
Disney. En la primera intentó recrear antiguos esplendores.
Peter Pan
Las restantes están llenas de momentos inolvidables. La bella
durmiente (1959) marcó el final de otra era de los estudios
Disney, pues fue la última película dibujada totalmente a
mano, un proceso enormemente costoso que se vio sustituido
en 101 dálmatas (1961) por otro más barato, aunque menos
creativo, el llamado Xeroxed. Posteriormente la compañía
abordó la producción de películas de muy diverso contenido.
Merlín el encantador (1963), Mary Poppins (1964), en el que se
intercalaban y convivían personales reales con los animados y
El libro de la selva (1967), con las que el estudio conoció
triunfos como los de épocas pasadas.
United Productions of America (UPA). Walt Disney
soportó en 1941 una huelga de animadores que supuso la
huida de varios de sus mejores dibujantes, entre ellos
Stephen Bosustow, uno de los creadores de la UPA, que
Fantasía

funcionó desde 1943, y John Hubley, en desacuerdo con el
estilo ultrarealista de Disney. Influenciado por la obra de
Chuck Jones, comenzaron a promover la idea de que la
animación debía seguir con mayor libertad en la búsquedas de
nuevas formas de expresión artística. Bosustow prefiere un
tipo de dibujo esquemático, muy caricaturesco, expresivo y
muy alejado de los parámetros realistas tan apreciados por
Disney y quienes le siguen siendo fieles. Durante la II Guerra
La dama y el vagabundo Mundial, la UPA hizo cortometrajes de propaganda pero,
acabada la guerra, su futuro era incierto. Ya no había
demanda de propaganda, y algunos de sus socios
abandonaron la compañía. La Columbia Pictures contrató a la
UPA como estudio de animación y se comenzaron a realizar
cartoons para el público general. Su personaje de lanzamiento
fue Mr. Magoo, un anciano al que su miopía le hace pasar por
las peripecias más complicadas. Los miembros de la UPA
deseaban diferenciarse del resto de los estudios, sobre todo
El libro de la selva de Disney, la Warner y MGM, por lo que en 1951 hicieron
más libre y personal su estilo gráfico, buscando relatos más
modernos y menos convencionales. Comenzaron con Gerald
McBoing-Boing, de Robert Cannon, en 1953 realizaron Unicorn
in the Garden, de Bill Hurtz, nominado al Oscar, y al año
siguiente es premiado When Magoo Flew. En el mismo año
hicieron The Tell-Tale Heart, una adaptación de Edgar Allan
Poe que utilizaba técnicas y estilos nuevos de dibujo para
profundizar en los estados psicológicos de los personajes. La
Unicorn in the Garden
UPA fue vendiendo paulatinamente sus estudios a la TV,
hasta 1959 en que Paul Terry vendió los Terrytoons a la CBS.
El primer y último largometraje fue 1001 Arabian Knights, que
cerró ese año las puertas.
Chuck Jones y Friz Freleng fueron animadores,
caricaturistas, guionistas, productores y directores, y sus
trabajos más importantes los cortometrajes de Looney Tunes y
Merrie Melodies del estudio de animación de Warner Brothers.
1001 Arabian Knights Chuck Jones obtuvo un Oscar por su cortometraje The Dot
and the Line, El punto y la línea (1965) y otro honorífico por su
labor en la industria cinematográfica. Fue uno de los primeros
en incorporar la técnica de animación limitada, rompiendo así
con la influencia de una animación más detallada y trabajada
por parte del estudio de Disney, adoptando un estilo que sería

posteriormente conocido como «estilo UPA», que abarataba
los costes aunque hacía mucho más imperfecto el dibujo. Sus
creaciones más populares son Pepé Le Pew y El Coyote y
el Correcaminos (Road Runner). En 1953, utilizó la técnica de
las 3-D en Lumber Jack Rabbit, el único cortometraje animado
de Warner Bros que ha incorporado dicho efecto. Es
considerado por muchos como un maestro en la
caracterización y la coordinación de las imágenes. Friz
Freleng introdujo varias de las estrellas más importantes del
estudio, como Porky Pig, Piolín, El gato Silvestre, Sam
Bigotes, Speedy Gonzales y La pantera rosa. Fue el
director del estudio Termite Terrace de Warner, incluso se
convirtió en el más premiado de los directores, ganando
cuatro premios Oscar. Fue encargado de crear la secuencia al
comienzo de la película La pantera rosa. El personaje se volvió
tan popular que en 1964, con un cortometraje para United
Artists, obtuvo un premio Oscar. En 1957, Chuck Jones y
Fritz Freleng realizaron What´s Opera Doc?, de la que algunos
historiadores afirman que es una obra maestra. Es un
resumen de seis minutos de El anillo de los nibelungos en un
cartoon que parodia la Fantasía de Disney. En 1963, Fritz
Freleng dio vida a La pantera rosa para los créditos de un filme
Correcaminos de Blake Edwards; luego se convertiría en una serie de
animados que estaría en pleno auge diez años después.
Tex Avery, en 1948, en la MGM, trabajando junto a
Hanna y Barbera, creó personajes tan famosos de los años
cuarenta y cincuenta como Chilly-Willy The Penguin y Droopy
The Dog. Cuando cerró Cierra el departamento de animación
de la MGM, William Hanna y Joseph Barbera fundaron la
Hanna-Barbera Productions, que trabajó con muchísimo
Mr. Magoo
éxito para la TV. En 1955 fueron nominados al Oscar por los
cortos Good Will to Men (1955) y One Droopy Knight (1957). En
1959 crearon la serie de los Huckleberry Hound, con la que
ocupan los principales espacios televisivos al poco tiempo,
viéndose en todo el mundo. Influenciados por la UPA,
siguieron la técnica de animación limitada, de figuras un tanto
envaradas y fondos muy sencillos. Realizaron más de 100
películas, y sus personajes, The Flintstones, Yogi Bear,
Huckleberry Hound, Pixie y Dixie, Top Cat, y muchos otros, se
Piolin hicieron famosos en todo el mundo.

Charles M. Schulz. En 1950 nace la serie de los Peanuts,
que logró veinte años de éxito mundial para el animador ,
quien en 1969 comenzó la secuela Charlie Brown y sus amigos.
Bill Meléndez continuó la serie en TV y realizó varias secuelas
para cine: Charlie Brown Christmas (1965), Charlie Brown
Thanksgiving (1973), entre otras.
James Whitney, en 1955, siguiendo los pasos de su
hermano John, realizó Yantra. El término yantra proviene del
sánscrito, del prefijo yan, que significa concebir y por
antonomasia, concepción mental. En un complicado sistema
de formas ópticas se planteaba evocar el ascenso espiritual.
Además de Yantra, otras obras como; Catalog (1961) de John
Whitney o Lapis (1963-66) de James Whitney, son pioneras
en la aplicación del ordenador elaborando las imágenes
fotograma a fotograma.
El gato silvestre En 1961, Jordan Belson, representante de la Visual music,
establece la animación vanguardista a partir de la
manipulación de luces y la toma continua. Realiza Allures
(1961), Samadhi (1967), Light (1973), Fountain of Dreams (1984)
y Epilogue (2005) que representan abstracciones orgánicas en
perpetuo movimiento, entre otras, muy en la línea de Lye,
McLaren y los hermanos Whitney.
Canadá

El punto y la línea El National Film Board of Canada promovió todo tipo
de experimentos vanguardistas, lo que convertiría a Canadá
en una potencia de primer orden. Destaca el trabajo de uno
de los principales animadores experimentales y abstractos de
todos los tiempos: Norman McLaren. Aún hoy se pueden
ver conceptos que inventó McLaren hasta en anuncios y
videoclips.
Francia

En 1947, el cortometraje Petit Soldat, de Paul Grimault,
La pantera rosa
consagra internacionalmente a la animación francesa, al
alcanzar el premio máximo en Venecia, compartido con un
corto de Disney. En 1949 se produjo mucho para la TV,
sobre todo Jean Image, ilustrador de cuentos infantiles, que
hizo varios largometrajes: Jeannot l’intrepide (1949), Las fabulosas

aventuras del barón Fantástico (1979), Aladino y la lámpara
maravillosa (1985), y famosas series como Joë chez les abeilles
(1960). El más interesante largometraje animado lo produjo
en 1950 Paul Grimault, La pastora y el deshollinador, que
transformó y amplió en 1979 en Le roi et l’oiseau. En 1963 el
ruso Alexandre Alexeieff hace en Francia Le nez, inspirada
en Gogol. En 1964, el polaco Walerian Borowczyk realiza
en Francia Les Jeux de anges.
Huckleberry Hound
Checoslovaquia

En los países del bloque soviético, el Estado promovió
intensamente la animación. Esto permitió a muchos
animadores trabajar sin presiones comerciales y crear obras de
inmensa variedad y riesgo. Jiri Trnka, (ver recuadro) fue un
ilustrador, escenógrafo y director de películas de animación
checo, sobre todo en la animación con marionetas. Consagró,
Charlie Brown Christmas
con más de 20 películas, entre ellas 6 largometrajes, lo que se
denominó «estilo checo» de animación. Su obra en este
campo ejerció una innegable influencia sobre otros cineastas.
La mayoría de sus películas estaban dirigidas al público
adulto, y muchas de ellas eran adaptaciones de obras literarias,
de autores checos o extranjeros. Por la cantidad y calidad de
sus films y su gran influencia en una infinidad de animadores
posteriores fue denominado el Walt Disney de la Europa del
Yantra Este. En 1950, Bretislav Pojar hizo La cabaña de mazapán, y
en 1953, Un vaso de más, animación de títeres contra el abuso
del alcohol. Karel Zeman, realizó Inspiración (1947), El rey
Lavra (1951), El tesoro de la isla de los pájaros (1953), Viaje a la
prehistoria (1955), etc. y en 1958, combinando actores reales y
animaciones, hizo La invención diabólica, inspirada en Julio
Verne. En 1959, Baron Munchausen, imitaba el estilo de los
grabados de Doré, en 1977, Historia de una locura y Aprendiz de
Allures brujo, en 1977. Un animador de marionetas, Jan Svankmajer
hizo La última broma (1964), Jardín (1968), Dimensiones del
diálogo (1982) y Diario de Leonardo (1988).
Rusia

Iván Ivanov-Vanó, llamado el Walt Disney soviético, hizo
en 1946, tras tres años de trabajo, el primer largometraje
animado soviético, El caballito jorobadito, una de las obras

maestras de la animación. Los negativos del filme se
Samadhi
extraviaron y, en 1975, Ivanov-Vanó realizó una nueva
versión. Adaptó algunos cuentos rusos: Snegurochka (1952), La
liebre valiente (1955), La aventura de Burattino (1959) y muchos
otros. En más de 50 años de dirección de cine animado,
realizó interesantes películas como The Snow Maiden, 1953,
basada en la obra de Ostrovsky, y Once Upon a Time (1963),
The seasons, 1964, basada en la música de Tchaikovsky, es una
interpretación imaginativa y colorista de los paisajes de Rusia.
Pero la más poderosa y mejor diseñada de sus películas es The
Petit Soldat
Battle of Kerzhenets (Secha pri Kerzhentse), 1971, basada en la
leyenda de la ciudad invisible de Kitezh de Rimsky-Korsakov.
La película es una fusión de los antiguos iconos rusos,
transparentes, brillantes y de elegante diseño, y el ritmo de la
música, haciendo un excelente uso del tiempo y el espacio y
los aspectos dinámicos. Lev Atamanov realizó La bella y la
bestia (1952) y La reina de las nieves (1957), en una línea que
Les Jeux de anges pudiera llamarse neoclásica y que influiría notablemente a
Miyasaki.
Yugoslavia

La escuela de Zagreb. «La característica esencial de la
The Battle of Kerzhenets
Escuela de Zagreb es que no intentamos imitar a los demás.
Nuestro poder está en nuestra imaginación y en la habilidad
de expresarla dibujando» (Dusan Vukotic). En 1956, con El
robot juguetón, de Dusan Vukotic, se inicia la producción del
Estudio de Zagreb, en Yugoslavia, que a la vuelta de unos
años ganaría prestigio mundial por su prioridad a los
principios de la plástica contemporánea y su estrategia de
animación reducida. En 1961 realizó Surogat, que logró el
Óscar al Mejor Cortometraje de Animación en 1961, primer
no estadounidense en conseguirlo. En la Escuela de Zagreb
Surogat
donde también estuvieron Vlado Kristl, Aleksandar Marks,
Nikola Kostelac y Boris Kolar.
Polonia

Antes de Jan Lenica y de Walerian Borowczyk el cine de
animación era un género poco valioso en Polonia
considerado únicamente como diversión para niños y
desprovisto de aspiraciones artísticas, ideológicas y filosóficas.

En 1957, ambos dieron consistencia, contenido y arte al cine
Jan Lenica y Walerian Borowczyk
de animación en Érase una vez., mediante una novedosa
técnica de collage y de empleo de sonido de modo
asincrónico y con fines satíricos. Combinan el dibujo y el
collage (cut-out stop-motion) con imágenes reales, introducen
el humor negro, gags surrealistas y una técnica nueva basada
en la repartición del guión en escenas. En 1958 realizaron la
obra surrealista La casa (1958), en el que utilizan una gran
variedad de estilos, materiales y técnicas, collages, deformación de
Daniel Szczechura
movimientos y animación de objetos. Laberinto y Los rinocerontes
son dos de las películas de Jan Lenica, que trabajó durante
tres años para realizar Adán II. Borowczyk aportó el
pertubador Theatre de M. Mme Kabal (1967) sobre la
deshumanización del mundo moderno. Ambos salieron del
país, uno, Lenica, para afincarse en Alemania y el otro,
Borowczyk, en Francia. Witold Giersz es una de las grandes
figuras del cine animado polaco, sobre todo de miniaturas e
incluso de pintura al óleo, con El secreto del viejo castillo (1956);
Nino Pagot Epigrama de neón (1959); El pequeño oeste (1960); La espera
(1962), premiado en Cannes, Moscú y Edimburgo. Daniel
Szczechura es la revelación desde el estudio Se-Ma-For y
con el taller de la Academia de Bellas Artes de Varsovia.
Dirigió Conflicto (1961), Primero, segundo y tercero (1964), En la
calle (1966), Castillo en el bosque (1971), Arena (1973), El
problema (1977), Fatamorgana I y II (1981-1983), Historia de una
mala época (1997).
Italia
Astro Boy
Francesco Guido, de seudónimo Giba, creó el primer
corto de animación italiano de la postguerra (L’ultimo sciuscia).
Después, alternaría su trabajo como animador con la labor de
historietista: Menenio e i petrolieri (1961), Le Papillon (1962), Il
racconto della giungla (1973), Il nano e la strega (1974), Scandalosa
Gilda (1984), Kim (1994), etc. 1960. Se estrena I paladini di
Francia, de Giulio Gianini y Emanuele Luzzati, los
La familia Telerín
principales animadores de títeres y marionetas en Italia.
Ambos directores serían nominados al Oscar por La gazza
ladra (1964) y Pulcinella (1973). En 1949, en el Festival de
Venecia se presentaron los dos primeros largometrajes
italianos de animación: I fratelli Dinamite (de Nino Pagot) y

La rosa di Bagdad, de Antón Domeneghini.(Información de
Miradas audiovisuales http://www.eictv.co.cu/miradas)
Japón

En 1947, Kon Ichikawa realizó la adaptación de la pieza
de teatro kabuki Una muchacha en el templo de Dojo, con títeres.
En 1959, Osamu Tezuka trabajó en el largometraje Diario del
oeste, modernizó el manga y consiguió convertirlo en un
fenómeno de masas, fue el pionero de la animación televisiva,
para la cual realizó la primera serie de dibujos animados vista
en Japón. Además de Astro Boy (presentado en 1961) fue el
La calabaza Ruperta creador, en los años sesenta y setenta, de Kimba, el león blanco,
Jungle Taitei, Blackjack, Memory, Broken Down Film, Cyborg 009,
El pájaro de fuego y muchas otras. En 1963, se impuso la
animación surrealista y experimental del japonés Yoji Kuri:
Locus, Face, Amor, Discovery of Zero, The Chair, son cortos de
este año, seguidos por Samurai (1965), The Eggs (1966), Flower
(1967), Imagination (1969) y Midnight Parasite (1977).
Información de Miradas audiovisuales
http://www.eictv.co.cu/miradas)
España

En 1945, se hizo Garbancito de la Mancha, dirigida por Arturo
Moreno, el primer largometraje de animación netamente
español, realizado en plena posguerra y periodo de penuria y
escasez, de manera artesanal, por lo que significó todo un
acontecimiento para los niños de todo el país. Garbancito, de
trasfondo quijotesco, lucha contra las fuerzas del mal
encarnadas en la Tía Pelocha y el gigante Caramanca, para
salvar a su cabrita Peregrina y a sus amigos Quiriqui y Chirili.
Las aventuras continuaron en 1948 con Alegres Vacaciones,
realizada por Arturo Moreno y dirigida por José María Blay.
En la animación española nació La familia Telerín, de Juan Luis
El estilo checo
Moro, quien realizaría en el 72 La calabaza Ruperta, del
programa televisivo 1, 2, 3.

Norman McLaren y el National Film Board of Canada

Norman McLaren (1914-1987) fue un animador escocés y
director de cine reconocido por sus trabajos en el National
Film Board of Canada. Fue un gran admirador del cine de
Eisenstein. Pronto se dio cuenta de la importancia del séptimo
arte como medio de expresión y comenzó a innovar.
Su trabajo como camarógrafo en 1936 durante la guerra civil
española fue tan duro que, en los momentos anteriores a la
Segunda Guerra Mundial, emigró a los Estados Unidos y en
1941 a Canadá, donde se incorporó al National Film Board,
para abrir un estudio de animación y enseñar a animadores
canadienses.
Es famoso por sus experimentos con la imagen y el sonido, Neighbours
al dibujar directamente sobre la película, incluso la banda
sonora, o raspando el celuloide para provocar nuevos sonidos
ópticos, explorando aspectos que posteriormente fueron de
suma importancia para la industria cinematográfica. Muchos
trucos, efectos y estilos de animación que hoy estamos
habituados a ver, tanto en el cine como en la televisión, fueron
el resultado de los experimentos que realizó a lo largo de toda
su vida: pintar sobre celuloide, la pixilación, animación con
foto fija de seres humanos, la slow motion, el filme
estereoscópico, etc. Muchas de ellas, dedicadas a mostrar las
metamorfosis de una figura en el tiempo. Pas de deux
En 1933, dio forma a las primeras animaciones
vanguardistas dentro de la unidad de dibujos animados
formada por Grierson, en Londres: Hand. Painted Abstraction
(1933), Camera Makes Whoopee (1935), Colour Cocktail (1936). En
1939 realizó el abstracto Love on the Wing, anuncio para el
correo aéreo, y en 1939, Allegro.
Los técnicos del Film Board of Canada le construyeron un
sistema especial de cámara y proyector para que él pudiera
experimentar sin limitaciones. Dollar Dance y Hen Hop (1943).
En 1951, realizó los primeros films tridimensionales: Around is
around (1952) y Now is the time (1952). Animaba todo lo que le
era posible, una silla en A chairy tale (1958) y a seres humanos
animados, en su célebre técnica que llamó Pixillation, en
Neighbours (ganadora del Oscar en animación en 1953) y en

Canon, 1965, así como realizo películas completas raspando y
pintando sobre el celuloide como Blinkity Blank (1955) y
Caprice en couleurs. Investigó sobre los movimientos de la danza
y dejó obras maestras con la participación de destacados
bailarines, Adagio (1972), Pas de deux (1968) y Narciso (1983), su
última película, en las que manipuló el tiempo dando como
resultado imágenes de increíble belleza y una dimensión
desconocida del ballet.
En 1969, Caroline Leaf, norteamericana, asentada en se
asentó en el National Film Board se convirtió en maestra de la
animación en arena con Sand- Or Peter and the Wolf.

Jiri Trnka y el estilo checo

Jiri Trnka, (1912-1969) fue ilustrador, escenógrafo y
director de películas de animación checo. Además de por su
extensa carrera como ilustrador, especialmente de libros
infantiles, es conocido sobre todo por su trabajo en la
animación con marionetas, que inició en 1946.
Aunque él no animaba directamente las marionetas (hacía
los guiones y las diseñaba y en ocasiones fabricaba y
disponía de un equipo técnico de altura), su obra en este
campo ejerció una innegable influencia sobre otros
cineastas. La mayoría de sus películas estaban dirigidas al
público adulto, y muchas de ellas eran adaptaciones de

obras literarias, de autores checos o extranjeros.
A lo largo de su carrera experimentó con diferentes
técnicas de animación, desde los dibujos animados
tradicionales, en sus primeros cortos, hasta la animación
con sombras chinescas. Sin embargo, su procedimiento
preferido, y el que le dio fama mundial, fue la animación
llamada stop-motion con marionetas. Trnka no alteraba la
fisonomía de sus muñecos sino que prefería plasmar sus
emociones y sentimientos mediante cambios de encuadre y
la iluminación.
Formó su propio teatro de marionetas en 1936, y después
de la guerra fundó un estudio de animación, donde realizó
algunos cortometrajes de dibujos animados en celuloide:
Zasadil dedek repu (El abuelo plantó una remolacha, 1945) y
Zvírátka a petrovstí (Los animales y los bandidos, 1946), ambas
de dibujos animados. Por la última fue premiado en el
primer Festival de Cannes.
Pronto pasó a la animación con marionetas, que empezó
a experimentar en 1946. Su primer largometraje fue Spalicek
(El año checo, 1947) basado en un libro ilustrado por Mikoláš
Aleš. Fue premiada en numerosos festivales internacionales,
incluyendo el de Venecia. A partir de ahí comenzó a recibir
subvenciones estatales.
Siguieron otros largometrajes, como Cisaruv slavík (El
ruiseñor del emperador, 1949), basado en un cuento de Hans
Christian Andersen, en la que intervienen también actores
reales y algunos cortometrajes en 1949, con muñecos
animados, como Román s basou (Historia de un contrabajo),
adaptación de un cuento de Antón Chéjov, Certuv mlýn (El
molino del diablo) y Arie prerie (Canción de la pradera).
En 1950 hizo su tercer largometraje de animación con
marionetas, Bajaja (El príncipe Bayaya), basado en dos
cuentos de la escritora Bozena Nemcová, Viejas leyendas
checas (1953), El bravo soldado Schweik (1954), Sueño de una
noche de verano (1959, ficción realizada con títeres), y La mano
(1965).
Regresó a los dibujos animados con O zlaté rybce (El pez
dorado, 1951), y animó sombras chinescas en Dva mrazíci
(1953). En Veselý Circus (El alegre circo, 1951) empleó la

técnica stop-motion con recortes de papel bidimensionales.
En 1953 estrenó Staré povesti ceské (Antiguas leyendas checas),
su cuarta película de larga duración, que narra la historia del
pueblo checo.
En 1955 adaptó para la animación con marionetas la
sátira antibelicista Dobrý voják Svejk (El buen soldado Švejk), de
Jaroslav Hašek, por la que recibió varios premios en
festivales.
Su último largometraje los rodó en 1959, Sen noci
svatojanske (El sueño de una noche de verano), adaptación de una
de las obras de William Shakespeare, al que dio un aire de
ballet. Las marionetas las fabricó de un plástico más flexible
y es reconocida como una de las obras maestras de Trnka.
Se considera su testamento artístico el cortometraje Ruka
(La mano, 1965), el último rodado por el cineasta, una
especie de himno rabioso a la libertad creativa.
1950: Jiri Trnka, el maestro checo de la animación con
títeres, marionetas y muñecos tridimensionales, realizó El
príncipe Bayaya (1950).

Garbancito de la Mancha. Cine español de la
posguerra

Dirigida por Arturo Moreno y producida en los
estudios barceloneses de Balet y Blay, en 1945, es el
primer largometraje de animación netamente español,
realizado en plena posguerra y periodo de penuria y
escasez, de manera artesanal, por lo que significó todo
un acontecimiento para los niños de todo el país (es la
primera película que vi en mi vida). El guión está basado
en el cuento de un falangista muy conocido, Jaime
Parera, y la historia posee un mensaje subliminal notable
favorable al franquismo (las arengas contra los malvados
se hacen siempre en nombre de Dios, en un lenguaje
muy parecido al del régimen).
Sin embargo, el hecho de su realización supone un
hito en el dibujo de animación y en el equilibrio con el

sonido, impensable con los medios que se tenían en la
España de la posguerra. Entre dibujantes, animadores y
técnicos, hubo varios represaliados por el franquismo
por sus sospechas de republicanismo.
Garbancito, de trasfondo quijotesco, lucha contra las
fuerzas del mal encarnadas en la Tía Pelocha y el gigante
Caramanca, para salvar a su cabrita Peregrina y a sus
amigos Quiriqui y Chirili. Las aventuras continuaron en
1948 con Alegres Vacaciones, realizada por Arturo
Moreno y dirigida por José María Blay.

Dalí con Disney en Destino, 1946

En 1945, Dalí conoció a Walt Disney y firmó un
contrato para un cortometraje de animación de pocos
minutos de duración que debía combinar ballet y dibujos
animados. El proyecto, titulado Destino, quedó entonces
truncado por diversos problemas, entre ellos la crisis
económica que siguió al final de la II Guerra Mundial. Se
ha rescatado y completado recientemente con el centenar
largo de escenas, dibujos y pinturas conservadas y
siguiendo las instrucciones y los esbozos del artista.
Es, básicamente, una historia de amor entre Dahlia y
Chronos, que se sirve de las imágenes y del simbolismo de
Dalí para indagar en la naturaleza de las relaciones
humanas.
Dalí adaptó la técnica de escritura automática a la
pintura, una forma de creación particularmente apropiada
para la animación, ya que permite mezclar y ensamblar
libremente imágenes salidas directamente del inconsciente.
En el filme se mezclan bailarinas, jugadores de béisbol,
hormigas convertidas en bicicletas, tortugas gigantes y la
Torre de Babel, no sigue una trama lógica, y deja gran
parte del argumento en manos de la imaginación del
espectador. Dalí siempre decía: «Si lo entendéis, he
fracasado».

La animación hasta 1980

La vida del cine de animación se mantuvo, a pesar de la
influencia de la televisión, trasladándose a otros canales de
distribución, y los cortometrajes animados desaparecieron de los
cines, salvo los grandes largometrajes de Disney, que hasta la
última década del siglo XX, fue reticente a cambiar los cines por
otros canales de distribución como el vídeo o más tarde el DVD.
Sin embargo, al cine de animación prosperó, se tecnificó y se
especializó, fundamentalmente en los festivales de cine y el la Los Picapiedra
televisión. En Estados Unidos, Hanna-Barbera dominó la
animación para televisión y Disney la animación para cine.
Hanna-Barbera. William Hanna y Joseph Barbera, ambos
hijos de inmigrantes libaneses, trabajaron juntos por primera vez
en el estudio de animación de Metro-Goldwyn-Mayer en 1939,
cuando aparecieron Tom y Jerry. La productora Hanna-Barbera
introdujo la animación limitada, popularizada por UPA (United
Productions of America), como un método para reducir el costo
de producción. Esto contrajo una reducción en la calidad de la
animación. Se especializaron en la animación para televisión por Ralph Bakshi, El Señor de los anillos
la que ganaron ocho premios Óscar. Sus series animadas más
características son Loopy De Loop, The Huckleberry Hound Show, The
Yogi Bear Show, Tiro Loco McGraw, Don Gato, Jonny Quest, Los
Supersónicos, y especialmente Los Picapiedra. En 1969, estrenaron
uno de sus personajes más populares: Scooby Doo, que se
transformaría en uno de los programas de televisión (ABC) más
vistos de toda la historia.
Filmation, una empresa norteamericana, produjo teleseries
basadas protagonizadas por personajes famosos del cómic y de la
literatura: Flash Gordon, Tarzán, el Zorro, Batman y Robin, entre
otros.
Ralph Bakshi. A través de sátira y comentarios políticos
Ralph Bakshi, con sus primeras películas pertenecientes al
movimiento underground, abrió el camino a la animación para
adultos, en la que fue pionero, en ocasiones con la técnica de la
rotoscopia, por la que dio calidad en movimientos y dibujo.
Realizó la primera adaptación de El Señor de los Anillos (1978), con

técnicas de rotoscopia, y películas como Cool World (1993) que
mezcla imagen real con dibujos animados. También creó
animaciones para adultos como Fritz el gato (1972) basado en el
personaje de Robert Crumb.
Las industrias de Europa del Este y la URSS, se convirtieron en
las más potentes del mundo: la producción fue enorme en
volumen y variedad, desde las series de televisión para niños
hasta los cortometrajes artísticos más vanguardistas y radicales.
En 1965, el dibujante de historietas Nedeljko Dragic dirigió su
primer corto, Elegía, exploración en un mundo absurdo, lleno de
humor, dentro de la llamada Escuela de Zagreb. Dragic
continuó con los cortos Domador de caballos salvajes (1966), Strip-
tease (1969), La puerta (1970) y Tup Tup, de 1972, que obtuvo una
nominación al Oscar. De entre los muchos artistas importantes,
el más famoso es el checo Jan Svankmajer, que trabaja con
muñecos, utilizando la técnica de stop-motion. No obstante, ha
empleado también actores reales, máquinas, figuras de arcilla,
muñecas antiguas, esqueletos de animales y otras muchas cosas.
Consigue crear un clima de pesadilla. Algunos de sus
largometrajes son Neco z Alenky (Alice, 1988, basado en «Alicia en
el país de las maravillas», de Lewis Carroll, Faust (Fausto, 1994) y
en los últimos tiempos Otesánek (2000, y Sílení (2005). Ha influido
mucho en cineastas actuales como Tim Burton o Terry Yellow Submarine
Gilliam.
En Japón es de destacar Osamu Tezuka, pionero del cómic
actual japonés (manga) y de los dibujos animados nipones
(anime). Creó su propia empresa, Mushi Productions, y con ella
la primera serie de dibujos animados de Japón: Tetsuwan Atom
(Astroboy). Más tarde Janguru Taitei (Kimba el león blanco), que
rodaría más tarde Disney con el nombre El rey león, y Ribbon no
Kishi (La princesa caballero).
En Europa occidental se hicieron películas los logros fueron
más puntuales: películas como Yellow Submarine (El submarino
Bruno Bozzetto
amarillo, 1968), de George Dunning, un largometraje de
animación cuyos personajes principales representan a The Beatles.
La original estética de los dibujos, con colorido y estética entre
naïf y psicodélica, emanó del estilo y el trazo de Heinz
Edelmann, un conocido ilustrador y diseñador alemán. Hace
una panoplia de homenajes a pintores como los relojes blandos
de Dalí, los bombines y las manzanas de Magritte, y a personajes

del cine como Frankenstein o Marilyn Monroe. En Francia
continuó el ruso Iván Ivanov-Vanó que estrenó Se puede, No se
puede, seguido por La leyenda del gigante malvado (1968), Ave María
(1972), El lago mágico (1979) y La fábula del zar Saltán (1984), que
cierra su filmografía. René Goscinny se inspiró en la famosa
historieta francesa de Asterix El Galo para concebir series de
televisión, largometrajes para cine y recopilaciones en video y
DVD.
Bruno Bozzetto es un famoso animador de nacionalidad
italiana creador de muchos cortometrajes, principalmente de
naturaleza política o satírica. En 1965 realizó su primer
largometraje animado, West and Soda, parodia de los western
americanos. En 1968 hizo VIP, mio fratello superuomo, en donde
parodiaba el género de superhombres. Su personaje más famoso,
es el Signor Rossi, protagonista de siete cortometrajes animados,
y del que se llegaron a realizar tres películas: El Sr. Rossi busca la
felicidad (1976), Los sueños del Sr. Rossi (1977), y Las vacaciones del Sr.
Rossi (1977). Su trabajo más conocido es Allegro non troppo, 1976, La planète sauvage
un montaje a base de trozos de sus cortos, aplicados a la música
clásica a la manera de la Fantasía de Disney. En 2002 hizo
Mammuk, un filme animado sobre el cine en épocas prehistóricas.
En la actualidad está haciendo cortometrajes satíricos con la
técnica del flash.
René Laloux ejercitó de manera conjunta la direccion de
películas de animación y la pintura, en un desbordante universo
en el que cualquier fantasía era posible. En 1960, hizo su primera
película de animación, en el estudio de Paul Grimault, Les dents
du singe (Los dientes del mono), un cortometraje escrito y dibujado Crac
por un grupo de enfermos de la clínica psiquiátrica de Cour
Cheverny, de la que era director. Con el grafista Roland Topor
hizo tres películas: Les temps morts (Tiempo muerto, 1964), Les
escargots (Los caracoles, 1965), y La planète sauvage (Planeta salvaje,
1973), con el que ganó el Grand Prix del Festival de Cannes. Con
el dibujante de comics Moebius hizo Les maîtres du temps (Los amos
del tiempo, 1982), y con Philippe Caza, el cortometraje Comment
Wang Fo fut sauvé (Cómo fue salvado Wan-Fo, 1988) y el largometraje
Gandahar (Caza para Gandahar, 1988). En 1979, El rey y el pájaro,
Paul Grimault, realizó uno de los mejores animados de todos
los tiempos, inspirado en Andersen. El mago de los sueños
En el cine de animación canadiense, además dentro de la

continuación de las actividades del National Film Board of
Canada y de Norman Mclaren, en 1970, Frederic Back, una
de las leyendas del cine de animación canadiense, consiguió su
primer gran éxito internacional con Abracadabra (1970), seguido
de Inon ou la conquete du feu (1971), La creation des oiseaux (1973),
Illusion (1974), Tout Rien (1979, nominado al Oscar y Crac, 1983,
que fue seleccionada como una de las seis obras maestras de la
animación en la Olimpiada de este disciplina, celebrada en Los
Angeles. Caroline Leaf alcanzó fama internacional con The Street,
en pintura sobre cristal. Dirigió más tarde The Metamorphosis of Mr.
Samsa (1977) y Le tigre et le renard (1986). (Obtenida en Miradas
audiovisuales http://www.eictv.co.cu/miradas)
En 1975, Garri Bardin, ruso, que fue director del teatro de
marionetas, realizó El fin del cielo. En la década de los 80 realizó
animación tridimensional de objetos, títeres y marionetas de
diversos materiales: El lobo gris y la caperucita roja (1990). En 1980,
Yuri Norstein presentó El cuento de los cuentos, considerada una de
las mejores película de animación jamás realizada.
En España, se realizó en 1965 El mago de los sueños,
protagonizada por la familia Telerín, de Francisco Maciá, quien
junto a Cruz Delgado y José Luis Moro se convirtieron en los
puntales de la animación española, junto a Maite Ruiz de
Austri, la autora de El regreso del viento norte (1995) y La leyenda del
unicornio (2001).

John Whitney, los
inicios de la
animación por
ordenador

John Whitney (1917-
1995/USA). Es uno de
los pioneros más
destacados de la
animación con
ordenador y el padre del
arte generativo. Su obra
recorrió desde los

dominios de lo óptico,
lo análogo a lo digital..
Su interés por la técnica
y su talento artístico lo
condujeron a utilizar
con una finalidad
creativa algunos
mecanismos de
computadoras análogas
creadas con finalidad
bélica y construir su
propia máquina, a partir
de un cañón antiaéreo
de la segunda guerra
mundial, precursora de
la motion control, para
desarrollar sus gráficos
y animaciones, tanto en
el ámbito experimental
como en el comercial.
Tanto en sus primeros
experimentos,
realizados a mano por
John y su hermano
James, que era pintor,
como en los
posteriores, que
llevaron a cabo por
separado, sirviéndose
del optical printer y de
los primigenios
ordenadores, el color,
las formas geométricas
y la música componen
algunos de los mejores
films abstractos
psicodélicos.
Su trabajo,
recordando sus propias

palabras, consiste en
«evocar las emociones más
explícitas de una forma
directa, mediante sencillas
configuraciones formales de
tonos de tiempo»
En los años 60 del
siglo XX fundó la
Motion Graphics Inc.,
dedicada a realizar
producciones
audiovisuales a partir de
un computador
analógico, y en la
década de los 80,
trabajaba ya en formato
digital, creando el
Whitney-Reed RDTD,
un software que
combinaba gráficos
hechos por computador
a través de una entrada
de audio.
Realizó la secuencia
inicial de Vértigo (De
entre los muertos), para
Alfred Hitchcock, junto
al diseñador Saul Bass.
Whitney sostenía que
«la innovación
tecnológica nos
proveerá de los medios
para desarrollar un
nuevo arte para el ojo y
el oído. Las
computadoras son el
único instrumento que
nos permite crear

música relacionada con
colores en movimiento
y gráficas, y aunque su
complementariedad es
aún experimental, se
puede prever grandes y
promisorias
consecuencias.»

El cine de animación en occidente en las
últimas décadas

El cine de animación ha conocido un desarrollo sin
precedentes. La caída del telón de acero logró además
que muchos animadores de los países del este pasaran
por todo el mundo aportando su experiencia.
Disney continuó en EEUU con sus momentos de
esplendor, con películas como La Sirenita, (The little
mermaid, 1989, de John Musker y Ron Clements y La
bella y la bestia (Beauty and the Beast, 1991) , de
Trousdale y Wise, y y su decadencia, al mismo tiempo
que crecía una pequeña entidad, Pixar, de John
Lasseter que de ser una desconocida empresa
infográfica experimental en los años 80 pasó a ser la
más importante productora de animación del mundo,
con películas tan bien acogidas como Toy Story, Bichos,
Monstruos S.A., etc. En 1991 Pixar y Disney unieron
fuerzas e hicieron varios largometrajes en común. En
2004 Pixar y los estudios Disney rompieron sus
relaciones, hasta que en enero de 2006 Disney
adquirió Pixar Animation Studios y cedió el control
de su estudio de animación a los directores creativos
de Pixar.
Frederic Back, canadiense, en 1988, realizó
L´Homme qui plantait des arbres, con el que ganó
abundantes internacionales y el Oscar al mejor

cortometraje de animación del año; después hizo Le
Fleuve aux grandes eaux (1993), que recibió el gran
premio en el Festival de Annecy y también fue
nominado al Oscar.
Brad Bird, un animador educado en la serie Los
Simpson, realizó en 1999 El gigante de hierro (The iron
giant), película que está a la altura de las mejores
películas de dibujos animados. Está ambientada en en
plena paranoia de la Guerra Fría, y cuenta la historia
de un niño que hace amistad con un robot venido del
espacio, un relato lleno de ternura basado en un relato
que que el poeta Ted Hughes escribió para consolar a
sus hijos de la muerte de su madre. es una película
independiente hecha con pocos medios para lo que el
cine de animación suele utilizar.
Pesadilla antes de Navidad (Tim Burton's The Nightmare
Before Christmas, 1993) de Henry Selick, está basada
en un poema de Tim Burton, que había trabajado
con Disney . Fue producida por él mismo, está
realizada con muñecos de látex y tiene todos los
elementos característicos del cine de Burton. El guión
y los derechos estaban desde hacía años en manos de
la Disney, por lo que Burton volvió a la compañía
para poder realizarlo. Aunque tuvo mala recaudación
y fue muy criticada en su momento, actualmente es
una película de culto. Mástarde hizo, en 2005 y con el
mismo sistema, La novia cadáver, Tim Burton's Corpse
Bride. El estilo de Burton es de influencias góticas,
llenas de romance y fantasía. En ocasiones relatan las
vivencias de personajes lisiados, fenómenos, seres
excluidos de la sociedad o personajes populares que
no se logran sentir en concordia con su estatus social.
Actualmente está trabajando en Alicia en el País de las
Maravillas, adaptación de la novela infantil y contará
con la técnica «3-D» y «Performance Capture» en su
rodaje, y su siguiente proyecto será un remake de su
cortometraje, Frankenweenie, el cual habrá de adaptar
en un filme «3-D» acompañado de la técnica «stop-
motion».
Bill Plympton realizó varios cortometrajes y dos

largometrajes de cierto interés, Me casé con un extraño (I
married a strange person!, 1997) y Mutant aliens (2001).
Bill Plympton es un frenético humorista, que realiza
sus dibujos de forma muy artesanal, de gran
expresividad y tintes surrealistas y bastante duros y
gamberros, con escenas fuertes de sexo y violencia.
En Francia, Michel Ocelot ha abierto el camino
para un número creciente de películas de ambiciones
y calidad notables. Tras trabajar con Disney, que no le
sedujo, probó diversos estilos. Los tres inventores (1980)
es un largometraje realizado con papel blanco
recortado y blondas de pasteles. Su infancia en
Guinea, Africa, la reflejó en Kirikú la Bruja, 1998, y
Kirikou et les bêtes sauvages (2005), que le llevaron a la
fama. Realizó también Princes et princesses (1999) y Azur
& Asmar (2004), ambientada en Oriente, sobre la
inmigración y la integración entre culturas.
Sylvain Chomet es un animador francés
influenciado por el surrealismo de Svankmajer y los
dibujos de Walt Disney, conoció a Didier Brunner, el
productor de Las Trillizas de Belleville, con los que
trabajó desde Canadá. En 1995 dirigió La Vieille Dame
et les Pigeons con Nicolas de Crécy, con los que recibió
varios premios y estuvo nominado al Oscar y al César.
En 2002 dirigió Leon La Came y más tarde continuó
con la producción de Las trillizas de Belleville. Su estilo
tiene mayor influencia de la cámara que de la
animación, y está basado sobre el mimo y la
interpretación de los personajes.
Pascal Morelli, aunque nació en parís, trabajó
muchos años como animador en Los Ángeles y Tokio
y trabajó en storyboards para largometrajes. En 1994,
dirigió las series de dibujos animados The busy world of
Richard Scarry, para Paramount, Arsene Lupin para
France Animation, y Calamity Jane para Warner Bros-
Kayenta. Admirador de Hugo Pratt, realizó en 2002
Corto Maltesse: La cour secrète des Arcanes.
En el Reino Unido, la productora Aardman
Animations (dedicada principalmente a animación

con plastilina) se hizo popular a ambos lados del
Atlántico con sus cortometrajes (especialmente la saga
de Wallace y Gromit, de Nick Park). Nick Park,
británico, creo los personajes animados en plastilina
de Wallace y Gromit, por ejemplo Wallace y Gromit: la
maldición de las verduras (2005) y colaboró en varios
proyectos ganadores del Óscar de Hollywood. En
2000 dirigió Evasión en la granja, Chicken Run .
Siguiendo la tradición de la animación con
marionetas, el checo Jan Werich, realizó el
largometraje titulado Fimfárum, 2002, una moraleja
humorística acerca de la vida de los hombres, que
reúne cinco cuentos de varios libros conocidos,
divertidas parodias sobre el destino del ser humano.
Werich influyó en varios animadores checos, Petr Poš
y Martin Velíšek.
Como animador cubano hay que destacar a Juan
Padrón, dibujante de historietas, que comenzó a
trabajar en el ICAIC (Instituto Cubano de Arte e
Industrias Cinematográficas) en 1974 como director
de dibujos animados. Creó las series de animados
Filminuto y Quinoscopio, esta última en colaboración
con el humorista argentino Quino, creador de
Mafalda. Su primer largometraje, en 1979, fue Elpidio
Valdés y el segundo, Vampiros en La Habana, en 1985.

La animación japonesa en los últimos tiempos

Tras Osamu Tezuka, el anime japonés se ha convertido en la
industria más prolífica del planeta, popularizándose en todo el
mundo. Las series de televisión son innumerables, y siempre van
unidos el cine, la televisión y el cómic, en cualquiera de sus dos
facetas, el «shojo manga», o relato romántico para el público
femenino, y el «mecha», o historia de robots, por lo general
repleta de escenas de lucha y devastación. Es frecuente que
cuando una compañía desarrolla una nueva línea de cómics (los
llamados manga), tenga presente su adaptación a dibujos
animados (anime), que se emitirán en forma de teleserie, serán

vendidos en vídeo o llegarán al cine en forma de largometraje. y
siguen siendo la atracción principal para millones de aficionados.
La fuerza, tras unos años de inactividad del cine japonés, llegó
de la mano de Nausicaa del valle del viento de Hayao Miyazaki y
Akira (1998) de Katsuhiro Otomo, sin olvidar al animador
independiente Koji Yamamura, que combina la escultura en
barro con figuras tridimensionales, fotografía, crayola y
multimedia, mezclando técnicas y tendencias como el
puntillismo y minimalismo, y que ha logrado un gran
reconocimiento en Occidente, ni a Akira Toriyama el
responsable de la moda del manga y el anime con la producción
Dragonball (1986-1989). Para llevar a dibujo animado la historieta
de Osamu Tezuka, Metrópolis, se unieron dos directores,
Rintaro y Katsuhiro Otomo, en un cuento adulto de ciencia
ficción, donde no falta el barroquismo urbanístico high-tech.
El anime se caracteriza en general, aunque hay obras de mayor
complejidad, por la sencillez de su trazo, la estructura narrativa
lineal y una tecnología basada en la economía de imágenes, lo
que hace el proceso de elaboración relativamente rápido, que los
convierte en productos baratos en los mercados internacionales.
Se han dado así coproducciones importantes para televisión con
los países occidentales, como Heidi (1974), Vickie el vikingo
(1974-1975) y Las aventuras de la abeja Maya (1975-1976), con la
empresa alemana Bastei Verlag, Ulises 31 (1988) con el estudio
francés de Jean Chalopin y Las aventuras de Sherlock Holmes (1984-
1985) con Radiotelevisión Italiana (RAI).

Hayao Miyazaki

Hayao Miyazaki
(1941) es un ilustrador,
dibujante y animador
japonés.
En sus primeros
años como animador
colaboró con Isao
Takahata en los anime
Heidi y Marco y

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