10La pintura del Quattrocento italiano y los primitivos flamencos

Pintura del Quattrocento
La revolución pictórica del XV
Primitivos flamencos
Florencia
Higinio Rodríguez Lorenzo

Características
• El Renacimiento supone, antes que nada, una
RENOVACIÓN en lo artístico, pues el
desarrollo del HUMANISMO fuerza a
cambios en lo que era la tradición gótica:
– renovación bajo la pauta de modelos clásicos;
– renovación buscada por nuevos grupos sociales en
auge: la burguesía comercial de las ciudades.
– renovación de las estructuras sociales
(individualismo); políticas (monarquía
autoritaria=Estado moderno); y culturales (ciencia)

Características
• El Humanismo es el “alma” del Renacimiento:
– una nueva perspectiva de lo humano: el centro de
la creación (pues hablamos de un humanismo cristiano);
– una nueva valoración de lo humano:
• libre: sin ataduras de orden natural salvo la muerte;
• inteligente: capaz de entender la Naturaleza;
• con derechos: la dignidad, como el ser creado más
perfecto;
• y creador (homo faber), sólo por detrás de Dios;

– Y de la Naturaleza: el conocimiento empírico: ver,
medir, experimentar, conocer… para poder.

Características
• Ese individuo único, el ser humano, ahora se
retrata a la misma altura y detalle que la
divinidad (véanse los “primitivos flamencos”)
para luego retratarse ya solo, mirando de
frente:
– retratado, pintor y espectador en un único diálogo
… que ya no es “pedagógico” como la narración
pictórica o escultórica medieval.
– el detalle lleva a un realismo y a una veracidad que
es más que la individualización gótica.

Los primitivos flamencos
• Se denomina así a los pintores de la región de
Flandes (actuales Bélgica, Holanda, Luxemburgo y la
Picardía, Artois… franceses) que conformaban el
ducado de Borgoña en el XV. Una región muy rica y
con un alto nivel cultural, donde sus reyes ejercían un
alto mecenazgo, pero también nobles y burgueses.
• Dan un rumbo inusitado al gótico: realismo
naturalista y detallista; el retrato es “humanizado” y
los temas religiosos, también son “humanizados”.
• Paisaje y arquitecturas empiezan a ser “coherentes”
con los personajes.

http://www.pais-global.com.ar/mapas/mapa30.htm

Marco Zanoli aka Sidonius en Wikimedia Commons

Los primitivos flamencos
• Dominan y propagan el óleo y se atreven con la
perspectiva hasta dominarla, si bien es segura una
mutua influencia con los pintores italianos de la
Toscana (Florencia) y el Véneto (Venecia) pues los
intercambios comerciales eran habituales también.
• La lista de pintores es larga y entra en el XVI. Esa
tradición perdurará luego en los pintores de los dos
siglos siguientes tanto de Holanda como del Flandes
católico, si bien se empaparán de otras influencias de
origen italiano y francés, especialmente.

Jean van Eyck 1390-1441
• Genial pintor, discípulo de miniaturistas como los
hnos. Limbourg, es escultor K. Sluter y que también
conoció y se vio influido por Campin y el mismo van
der Weyden (algo más joven).
• Practica un estilo realista que trasciende el gótico
internacional: detallismo y naturalismo,
especialmente en el retrato.
• Utiliza el óleo.
• No obstante, el simbolismo cristiano que utiliza
remite a la tradición gótica. También los formatos de
sus pinturas: trípticos (y un políptico) son típicos del
gótico.

Jean van Eyck 1390-1441

Supuesto autorretrato

82 x 60 cm. Óleo sobre tabla.
National Gallery, Londres.

El matrimonio Arnolfini 1434
• Se trata de un retrato de Arnolfini, un comerciante de
Lucca establecido en Brujas, y su esposa Giovanna
Cenami.
• Parece ser que es más que un retrato: un conjunto de
símbolos en torno al matrimonio cristiano.
• Respecto a la técnica hay que subrayar, antes que
nada, la precisión de miniaturista con la que ha sido
ejecutada. El rostro del comerciante está modelado
por la luz que entra por la ventana dejando al
contraluz su amplio sombrero.

El matrimonio Arnolfini 1434
• El espejo convexo devuelve la imagen de la habitación desde un
nuevo punto de vista: la pareja Arnolfini está de espaldas y,
delante de ellos, en el umbral de la puerta, dos personajes con
indumentaria azul y roja, uno de ellos, quizás, el propio van
Eyck, que reforzaría con este artificio óptico su presencia en la
composición, insistiendo en su calidad de testigo del matrimonio
• La única vela de la lámpara -a plena luz del día no sirve para
iluminar- simbolizando a Cristo que con su presencia santifica el
matrimonio.
• Sta. Margarita (la fertilidad) y la escoba (trabajo doméstico).
• El perrito que representa la fidelidad…
• Las frutas que nos recuerdan el estado de inocencia antes del
pecado original.
http://www.aloj.us.es/galba/MONOGRAFICOS/VERMEER/espejo.htm
http://cv.uoc.es/~991_04_005_01_web/fitxer/perc48.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Retrato_de_Giovanni_Arnolfini_y_su_esposa

66 x 62 cm. Óleo sobre
tabla. Museo del Louvre.
París.

La virgen del canciller Rolin 1435
• Es un encargo de un alto funcionario de la
corte borgoñesa, el canciller Rolin.
• Es un cuadro religioso y también un retrato.
Debe destacarse que el orante y la virgen
tienen el mismo tamaño (si bien uno es
pintado “humanizado” y ella, más
“idealizada”, tiene el aura de la divinidad).
Además, el orante mira de frente a la virgen.
• El espacio, aún apretado, es “coherente”
• La perspectiva no está perfectamente lograda
pero se le acerca bastante.

• El detallismo es total: el cuadro va a ser visto
de cerca y debe reflejar la habilidad del artista.
• Es posible que se pueda ver como símbolos:
– el pavo real del exterior (sería Cristo) y las flores
(azucenas: la pureza de laVirgen)
– incluso hay quien señala que la ciudad,
posiblemente Lieja, sería la “nueva Jerusalén”
– Y, como vimos en el retrato del matrimonio
Arnolfini, también parece que se autorretrata el
autor: sería el personaje de turbante rojo del
exterior.

Jerónimo del Bosco 1450-1516
• Es de la generación de Boticelli y de Leonardo da
Vinci.
• Es una figura singular y solitaria, que vivió alejado de
los grandes centros artísticos de la época.
• Se le atribuyen con certeza una treintena de pinturas,
en las que adoptó los nuevos métodos de la pintura,
que permitían representar la realidad de manera más
verosímil, para reflejar las cosas que nadie había visto
nunca: dio forma concreta y tangible a los miedos
que obsesionaron al hombre medieval pero con la
visión del hombre moderno.
• Dejará una impronta y será continuado por otros
flamencos (Brueguel, etc)

220 x 195. Óleo sobre tabla. Central. 220 x 75. Laterales 220 x 75.Museo del Prado. Madrid.

El jardín de las delicias 1510
• Las distintas partes del tríptico:
– Cuando éste se mantiene cerrado, en el exterior está
representado, en grisalla, el mundo después del diluvio. Se
ve una imagen de la Tierra como un disco plano rodeado
de agua, y Dios en la parte alta del ángulo izquierdo; hay
escrita una cita del salmo 33 ("Ipse dixit et facta sunt; ipse
mandavit et creata sunt") que ha hecho pensar que se
refería a la Creación del mundo, pero no lo puede ser
porque en el paisaje se ven castillos y otros edificios. Hay
un haz de rayas a la izquierda de la esfera que podrían ser
el arco iris, que es el señal de la alianza que hizo Dios con
Noé después del diluvio (Génesis, 9, 13-15).

El panel izquierdo del interior del tríptico nos
muestra la Creación, con Dios que acaba de
dotar a Adán de una compañera. En un primer
término, animales de distintos géneros pululan
alrededor de una balsa: reptiles, aves, peces y
mamíferos de extravagante apariencia se
mueven por tierra, agua y aire. En medio del
paraíso, en el centro de un lago, una extraña
fuente de color rosado. La profundidad del
paisaje está hecha de colinas, prados y lagos
poblados de una fauna primitiva


• El panel central del tríptico,
contrasta con el ambiente bucólico
y reposada de la Creación.
• Es un paisaje, tomado desde una
perspectiva elevada, en el que
también se suceden lagos y prados
hasta un horizonte montañoso.
• En el primer término, hombres y
mujeres -algunos de piel negra- se
dedican a sofisticados juegos.
Peces, aves y grandes moluscos se
mezclan con los humanos, y en el
lago del primer término las parejas
se dedican a juegos amorosos.


• El centro compositivo es un
estanque circular, en el que se
bañan mujeres blancas y negras,
con garzas, cuervos y pavos reales
encima de la cabeza, alrededor del
cual una estrambótica cabalgata
tiene un aspecto procesional.
• En el lago del fondo desembocan
los cuatro ríos del paraíso, con
extrañas embarcaciones y sirenas,
una esfera flotante que aguanta una
fuente monumental y grupos de
personajes que se introducen en un
huevo monumental o se comen un
madroño


En el panel derecho, con un
procedimiento basado en el juego
de luces y tinieblas, se describe el
infierno, donde los humanos son
sometidos a torturas con máquinas
que parecen instrumentos
musicales, relojes de sol o formas
medio zoológicas medio vegetales,
como el demonio que devora a los
condenados y los evacua a un
agujero, con unos pájaros que salen
volando del ano del cuerpo cuya
cabeza es devorada. Al fondo,
explosiones de fuego recuerdan la
naturaleza del infierno.

• Una interpretación de este tríptico lo ve como una
parábola del mal producido por el goce sexual.
• Otra interpretación lo entiende, así mismo, como una
descripción positiva de la relación sexual: santificado
por la presencia de Dios.
• También existe otra visión que, dejando de lado el
elemento sexual, ha subrayado un tema que parece
impregnar esta obra: la inestabilidad y la fugacidad.
como las estructuras que presentan un equilibrio
sumamente precario: la torre del lago central,
construida sobre un globo agrietado que flota sobre el
agua; figuras que se balancean…

Masaccio 1401-1428
• Enlaza con el “naturalismo” de Giotto.
• Aunque es algo más joven que Brunelleschi y
Donatello, trató con ellos y le influyeron:
–
–
–
–

sin ornamentación los temas que pinta;
crea volumen, “corporeidad”;
valora y aplica la perspectiva lineal;
apura un fuerte naturalismo en sus pinturas que
tienen un tratamiento “plástico” y “escenográfico”.

Frescos de la Capilla Brancacci 1424
• Comparte autoría aquí con Masolino.
• Los dos pintores trabajaron de forma
perfectamente coordinada: ambos trabajaron
en las dos paredes de la capilla, y dieron una
gran unidad a la composición, gracias al
empleo de una misma gama cromática, y de un
único punto de vista (el de un espectador
situado en el centro de la capilla).
• Cuando Masolino marchó a Hungría, en
septiembre de 1425, Masaccio continuó
trabajando en solitario

• Los frescos se distribuyen en dos niveles
horizontales a lo largo de las dos paredes de la
capilla (originalmente había también pinturas en los lunetos
y en la bóveda, todas ellas obra de Masolino).

• Se sigue el esquema característico de la
pintura florentina al fresco: se ordenanan las
composiciones como si fuesen cuadros
colocados en el muro, enmarcando cada
escena con pilares clásicos y capiteles
corintios pintados.

• El tema principal de los frescos es la historia
de la vida de san Pedro, patrón de los
marineros y comerciantes del mar, y hay
también algunas referencias al Génesis.
• En el muro lateral izquierdo se encuentran
cuatro escenas compuestas por Masaccio: dos
en la parte superior, La expulsión de Adán y
Eva del paraíso terrenal, El tributo; y dos en
la inferior, La resurrección del hijo de Teófilo
y San Pedro en la cátedra, y San Pedro cura a
los enfermos con su sombra.

El tributo

El tributo: se describe la escena narrada en un pasaje del Evangelio de
Mateo (Mateo 17:24-27: al ser solicitado a Jesús y sus discípulos en
Cafarnaúm el pago del tributo para el templo, éste ordena a Pedro que
pesque un pez, en el cual encontrará la moneda del tributo

• Masaccio representa en un solo espacio tres
acontecimientos sucesivos.
• La escena se divide en tres partes: en el centro del
fresco el cobrador, de espaldas, con túnica roja,
solicita el pago del impuesto, y Jesús ordena a Pedro,
con un gesto que el apóstol repite, lo que ha de hacer;
a la izquierda de esta escena (no aparece en la
imagen) aparece Pedro, esforzándose en sacar la
moneda del pez que acaba de pescar; a la derecha,
finalmente, Pedro paga el tributo al cobrador ante un
edificio en perspectiva

• Estamos ante una construcción racionalista y sistemática del
espacio, de las figuras y de la composición. El espacio está
organizado científicamente, edificado lógicamente por un
sistema de perspectiva: las matemáticas ayudan a

Masaccio a encontrar la mayor unidad posible en su
construcción espacial y a disponer de los distintos
elementos de una manera lógica. Pero es un espacio
hecho por los hombres: existe porque existe la acción
humana, y por ello es un espacio que no puede dejar
de estar totalmente comprometido en el drama
humano
Para más interpretaciones: http://es.wikipedia.org/wiki/Masaccio
Joaquín Yarza y otros. Historia del Arte. COU. Noguer Didáctica.

Piero de la Francesca 1416-1492
• Es el pintor que más fielmente siguió a Masaccio:
– Las figuras son tratadas de forma similar: volumen,
monumentalidad, estatismo, inexpresividad…
– El espacio “tridimensional” gracias a la perspectiva, que lo
hace también coherente.
– Proporción, orden, simetría… como proponía Alberti para
la arquitectura.
– También recibió influencias de la pintura flamenca cuando
trabajó en la corte de Urbino para los Montefeltro.
– Añade como novedad un magistral uso de la luz y el
claroscuro (también estudió a Fra Angélico y a Paolo Ucello)
http://es.wikipedia.org/wiki/Piero_della_Francesca

www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/2993.htm

C. 1453. 58.4 x 81.5 cm. Oleo y temple sobre tabla. Galleria Nazionale delle Marche, Urbino

La flagelación de Cristo (hacia) 1453
• En esta obra, la escena sacra, relegada a un segundo término,
tiene lugar en un aireado pórtico de arquitectura clásica,
mientras a la derecha, en primer plano y ajenos al
acontecimiento, tres personajes conversan en una plaza
adyacente. La celebración laica solapa al motivo religioso.
• Demuestra un singular dominio del vocabulario arquitectónico
clásico y de virtuosismo en el uso de la perspectiva. Se puede
construir un diagrama con las principales líneas de
perspectiva: las vigas del techo, el mosaico del suelo, las
diagonales del tejado de la derecha... y se ve que todas
coinciden en un punto de fuga bajo, que contribuye a disociar
dramáticamente las figuras situadas en primer plano (mediante
el brusco cambio de escala) de la escena en segundo término.

• Parece haber sido realizado en memoria de Oddantonio de
Montefeltro, asesinado en la conjura de los Serafini en 1444.
Estableciendo un franco paralelismo entre su sacrificio y el de
Cristo, Piero le sitúa en primer plano con el rostro lleno de
presentimientos, acompañado por sus dos traidores consejeros,
participantes en la conjura.
• Otra interpretación nos sitúa ante un “Herodes” -que sería el
último emperador bizantino- que asiste impasible a cómo se
“tortura a la Iglesia de Cristo”, mientras que en primer plano
un “griego” (¿el cardenal Besarión?) pide ayuda a los cristianos
de occidente de los que uno, joven e idealista, estaría por
emprender una cruzada.
http://cv.uoc.es/~991_04_005_01_web/fitxer/perc49c.html
http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/4704.htm
Otras interpretaciones:
http://es.wikipedia.org/wiki/La_flagelaci%C3%B3n_(Piero_della_Francesca)

Sandro Boticelli 1445-1510
• Aprendiz de orfebre en sus inicios, pasó luego
al taller de Filippo Lippi del que heredó la
delicadeza en el modelado de los rostros.
También recibió influencia de Pollaiuolo para
el modelado corporal: estilizado y monumental;
y compañero de Leonardo en el taller de
Verrochio.
• Representa temas religiosos y profanos de una
belleza serena y con referencias clásicas muy
claras.

• A partir de 1475 y durante todo el período central de su
carrera (hasta comienzos de los años 90), Botticelli se nos
aparece como el pintor de los Médicis.
• Realizó para ellos innumerables encargos y supo asumir y
traducir a términos plásticos el mundo de ideas del
neoplatonismo alentado por Lorenzo de Médicis y el grupo
de humanistas (Marsilio Ficino, Poliziano...) que le rodeaba.
• Su pintura se convirtió así en intérprete y portavoz de las
aspiraciones vitales e ideológicas del grupo intelectual más
sofisticado de su tiempo, un círculo que aspiraba a la armonía
universal y de todas las potencias del hombre, que identificaba
bondad con belleza viendo en ésta una emanación de la luz
divina y que creía, por otra parte, en la posibilidad de conciliar
la filosofía platónica con la Revelación cristiana
•


• No obstante, esa fuerte religiosidad le llevó a
una crisis espiritual a finales de siglo (en relación
con la predicación y teocracia de Savonarola) y agotó su
fuerza creativa hasta el extremo de renunciar a
pintar y destruir parte de su obra realizada.
Estilísticamente “dio un paso atrás” durante
los últimos 20 años de su vida.
• Es, con Leonardo, la síntesis y culminación
del Quattrocento florentino.

La primavera 1478
• La primavera. 203 x 314 cm. Temple sobre tabla.
Galleria degli Uffizi, Florencia .

• Se trata de una pintura muy sugestiva en la que
elementos incluso eróticos (Céfiro persiguiendo a Flora) se
elevan hacia una espiritualidad refinada, melancólica,
como en las Gracias desnudas bajo sus velos y donde,
en la penumbra del bosque florido, las gráciles figuras
en su linealismo melódico, leve, adquieren
verdaderamente una cualidad mítica, como de ensueño.
• Estas cualidades de ritmo, de sublimación del realismo,
de misterioso y fascinante mensaje, justifican para una
obra similar la frase de Leonardo: "la pintura es una
poesía muda".

La primavera 1478
• La obra, al responder a unas claves filosóficas
altamente refinadas y elitistas, ha dado lugar a
numerosas interpretaciones:
– Se ha interpretado en términos musicales: el episodio de la
derecha con Céfiro persiguiendo a Flora, a la que sigue una
Hora de la Primavera, se ha parangonado con un allegro;
después con un andante melancólico, la figura central de la
Venus vestida; en el siguiente episodio, la melodía parece
variar, moviéndose como en un ritmo perpetuo, en las Tres
Gracias, para llegar a un trillo muy acusado en las dos manos
levantadas de este mismo grupo, y extinguirse, finalmente,
como en un morendo, en el Mercurio que, en actitud
relajada, señala el cielo.

La primavera 1478
– También se puede considerar esta pintura como una
alegoría del reino de Venus, interpretada según la
filosofía neoplatónica: Venus = Humanitas, es
decir, unidad, armonía, entre Naturaleza y
Civilización.
– Hay quien ha vista una alegoría del amor entre
Juliano de Médicis y Simonetta Cattaneo Vespucci,
o de la muerte de ésta el 1476 (Simonetta cogida por la
muerte -el Céfiro- y su renacer en el Elíseo).

– Incluso se puede ver la representación de los meses,
desde el febrero (Céfiro) a septiembre (Mercurio).

El nacimiento de Venus 1485
•

172,5 x 278,5 cm. Temple sobre tela. Galleria degli Uffizi, Florencia .

• El análisis de la geometría de esta obra es
particularmente interesante porque nos permite
comprobar que la posición de Venus se ha desplazado
con respecto a la línea central precisamente lo
necesario para trasmitir una sensación de movimiento
desde un punto de partida central, tal como lo exigen
“Céfiro” y “Cloris”, cuyo aliento empuja la concha
hacia la playa .
• El desnudo femenino protagoniza con pleno derecho
esta composición; sus contornos están trazados con
un dibujo muy delicado.

• No es una exaltación pagana de la belleza femenina.
• Entre sus significados implícitos se encuentra
también el de la correspondencia entre el mito del
nacimiento de Venus desde el agua del mar y la idea
cristiana del nacimiento del alma desde el agua del
bautismo.
• La belleza que el pintor quiere exaltar es, antes que
nada, una belleza espiritual y no física; la desnudez
de Venus significa simplicidad, pureza, falta de
adornos.
• La naturaleza se expresa en sus elementos (aire, agua,
tierra).

• El tema ya había sido tratado por Apeles (pintor
helenístico del siglo IV a.C.) Desde los tiempos de la
Roma Clásica no se había vuelto a representar a esta
diosa pagana desnuda y de tales dimensiones.
• El desnudo femenino, considerado pecaminoso en el
arte medieval cristiano, se recupera en el
Renacimiento como símbolo de inmaterialidad.
• Esta Venus no representa el amor carnal o el placer
sensual sino que, con su postura y sus facciones finas,
se acerca más al ideal de inteligencia pura o saber
supremo.
•
http://es.wikipedia.org/wiki/Sandro_Botticelli


Leonardo da Vinci 1452-1519
• Genio humanista del renacimiento y de todos los
tiempos. Cierra el Quattrocento italiano e inicia el
“momento clásico” en el cambio de siglo.
• Investigó técnicas y mostró un insaciable deseo de
superar y superarse. Se formó con Verrochio y ahí
empezó la experimentación.
• De esos experimentos (como el “óleo sobre yeso” para
La última cena o La batalla de Anghiari, que se deterioró
rápidamente) queda el “sfumato”: la técnica con la

que difumina los contornos, consiguiendo una
excelente sensación atmosférica y que lega como
“claroscuro” a la posteridad.


• Se opuso al concepto de "belleza" ideal propio de
Boticelli, defendiendo la imitación de la naturaleza
con fidelidad, sin tratar de mejorarla. Y así contempla
la fealdad y lo grotesco, como en sus dibujos de
personajes deformes y cómicos, considerados las
primeras caricaturas de la historia del arte.
• Su dominio del color y la atmósfera le hace también
el primero en ser capaz de pintar el aire. La
perspectiva aérea o atmosférica, como hoy se conoce,
es una característica inconfundible de su obra, en
especial de los paisajes.
• Leonardo fue el primero en considerar que la
distancia se llenaba con aire y que éste hacía que los
objetos lejanos perdiesen nitidez y se viesen azulados

• Ese deseo de reflejar la realidad tal y como es se deriva de su
afán “científico”: Sus estudios de anatomía le permitieron
conocer las proporciones físicas de las personas, logrando
figuras de asombrosa exactitud al representar la figura
humana.
• Como artista fue frecuente que dejase las obras sin terminar,
de ahí su escasa obra y, en general, también con problemas de
atribución completa a su mano (tuvo taller y colaboradores).
• Compendia todo el siglo XV italiano y lega un “clasicismo”
que otros dos genios, Rafael y Miguel Ángel (a los que
conoció aunque no trató mucho, hacia 1500 en Florencia y
1515 en Roma) llevarán al “manierismo”.
• Tiene un “Tratado de la Pintura” como legado a sus discípulos
http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/personajes/2516.htm

1985. 199 x 122 cm. Óleo sobre tabla
Museo Nacional del Louvre. París

1503-6. 189 x 120. Óleo sobre tabla.
National Gallery, Londres.

La virgen de las rocas 1485 y1503
• Leonardo recibió en Milán el encargo de un tríptico con una
Madonna, hecho junto a dos artistas milaneses; Leonardo,
tenía que hacer el panel central, con la Virgen, el ángel y los
niños. El cliente era la Hermandad de la Inmaculada
Concepción de Milán. Pero descontento con el precio realizó
una copia de una obra que se había traído de Florencia: la
primera está hoy en el Louvre; la segunda en la N.G. de
Londres.
• Las figuras se encuentran en el umbral de una gruta, que
recibe la luz desde arriba y desde las aberturas del fondo. En
contra de lo habitual, las figuras aparecen dispuestas en cruz,
al encuentro de cuatro directrices del espacio: Jesús se inclina,
en primer plano, hacia el espacio exterior, mientras que el
Bautista y el ángel sugieren la expansión lateral del espacio y
la Virgen, que domina el grupo, parece cumplir el papel de
una "cúpula" desde la que desciende la luz.

“Las cuatro figuras de La Virgen de
las Rocas no tienen gestos definidos
o movimientos precisos: el ángel
señala, Jesús se recoge en sí mismo,
como retirándose de un espacio que
no es el suyo, el Bautista se adelanta,
la Virgen presenta una actitud y una
sonrisa llenas de "melancolía", como
si supiese o previese el inevitable
dolor de la experiencia. Son, quizás,
las imágenes de los móviles, de los
profundos impulsos espirituales, y por ello se encuentran aún en la
caverna subterránea, aunque en el umbral."
(Argan, G.C. Renacimiento y Barroco págs 403-404)
http://www.davinci-systems.es/leonardo/ http://cv.uoc.es/~991_04_005_01_web/fitxer/perc54.html

La virgen de las rocas 1485 y1503
• Tenemos dos obras con casi 20 años de diferencia que llevan
el mismo nombre. La primera está hoy en el Louvre; la
segunda en la N.G. de Londres.
• Leonardo recibió el encargo de un tríptico con una Madonna,
hecho junto a dos artistas milaneses; Leonardo, tenía que
hacer el panel central, con la Virgen, el ángel y los niños. El
cliente era la Hermandad de la Inmaculada Concepción de
Milán.
• Las figuras se encuentran en el umbral de una gruta, que
recibe la luz desde arriba y desde las aberturas del fondo. En
contra de lo habitual, las figuras aparecen dispuestas en cruz,
al encuentro de cuatro directrices del espacio: Jesús se inclina,
en primer plano, hacia el espacio exterior, mientras que el
Bautista y el ángel sugieren la expansión lateral del espacio y
la Virgen, que domina el grupo, parece cumplir el papel de
una "cúpula" desde la que desciende la luz.

La última cena 1495-1497

• Durante dos años trabajó en su obra maestra "La Última
Cena", pintura mural para el refectorio del monasterio de
Santa Maria delle Grazie, en la que recrea un tema tradicional
de manera completamente nueva. En lugar de mostrar a los
doce Apóstoles aislados, los presenta agrupados de tres en
tres, dentro de una dinámica composición.
• El empleo experimental del óleo sobre yeso seco provocó
problemas técnicos que condujeron a su rápido deterioro tres
años después. Desde 1726 se llevaron a cabo intentos fallidos
de restauración y la pintura resistió a varias guerras,
incluyendo los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial.
• Hace 30 años, en 1977, se inició un programa haciendo uso de
las más modernas tecnologías, como consecuencia del cual se
han experimentado algunas mejoras. Aunque la mayor parte
de la superficie original se ha perdido, la grandiosidad de la
composición y la penetración fisonómica y psicológica de los
personajes dan una vaga visión de su pasado esplendor.

La última cena 1495-1497

• El éxito de esta obra se basa en la fuerza psicológica de la
escena. Contra lo habitual hasta el momento, el pintor no centra
la escena en el momento de la consagración del pan, la
Eucaristía, sino en el momento en el que Cristo denuncia la
traición de uno de los discípulos. Ante esto, cada discípulo
reacciona de una manera diferente, lo que permite realizar a
Leonardo un completo estudio de los temperamentos humanos:
la cólera, la sorpresa, la incredulidad, la duda... la culpabilidad.
Judas no está, como tradicionalmente, a un extremo de la mesa,
sino en medio, sin hablar con nadie.
• La manera tradicional de organizar un grupo tan abundante en
un friso horizontal, se solía colocar dos grupos de seis a ambos
lados de Cristo. Pero Leonardo los distribuye en grupos de tres.
Destaca a Cristo no con los atributos conocidos, como el halo
de santidad, sino con una ventana tras él, abierta al paisaje,
cuya luz natural destaca su figura.
http://www.portalplanetasedna.com.ar/leonardo_da_vinci.htm
http://www.elrelojdearena.com/leonardo-da-vinci/la-ultima-cena.htm

1495-97. 460 x 880 cm. Fresco (más correctamente, óleo sobre yeso).
Iglesia Sta. María della Grazie. Milán

1495-97. 460 x 880 cm. Fresco (más correctamente, óleo sobre yeso).
Iglesia Sta. María della Grazie. Milán. (Restaurada)
http://www.avizora.com/publicaciones/biografias/textos/textos_d/0009_da_vinci_leonardo.htm

La gioconda 1503-5

• Fue durante esta segunda estancia de Florencia cuando
Leonardo pintó la joven esposa de un mercader Florentino.
Era una bella dama con las cejas finamente depiladas, llamada
Madonna o Mona, Lisa del Giocondo. Leonardo la pintó
posando con las manos cruzadas, mirando al visitante con la
leve sonrisa que aparece en otros tantos rostros pintados por
el.
• Nos consta que Leonardo no se separó nunca del cuadro;
desde la fecha de su ejecución -también discutida- lo retuvo
siempre con él. Esto abona la suposición que el pintor trabajó
en él durante muchos años, según un concepto perfeccionista
típico de su mentalidad.
• Mona Lisa fue un hito en el arte de pintar retratos, pues
Leonardo insufló vida en su personaje.
http://www.davinci-systems.es/leonardo/


La sistemática observación de los
fenómenos físicos llevó a Leonardo
a degradar los colores para marcar
la lejanía progresiva del paisaje y
suavizar el dibujo difuminando
los perfiles como efecto de la
atmósfera que envuelve figura y
naturaleza, de manera que ambas
queden armónicamente unificadas.
Así, las figuras y los objetos situados
en primer término tienen una mayor
precisión, y a medida que los objetos
se alejan va suavizando y
matizando el trazo, de manera que
quedan difuminados por la masa
de aire interpuesta, dando la
sensación de una auténtica lejanía.
97 x 53 cm. Óleo sobre tabla. Louvre, París

La expresión de un rostro reside
principalmente en dos rasgos:
las comisuras de los labios y las
puntas de los ojos.
"Precisamente son esas partes
las que Leonardo dejó
deliberadamente en lo incierto,
haciendo que se fundan con
sombras suaves. Por este motivo
nunca llegamos a saber con
certeza cómo nos mira realmente
Mona Lisa. Su expresión siempre
parece escapársenos"
(Gombrich E.H., Hª del Arte., pág. 249)

Hay varias “copias” de esta obra.
Algunas con una ejecución muy
lograda como es el caso de la
“Gioconda del museo del Prado”
Fue restaurada recientemente y un
estudio revela que se pintó al
mismo tiempo que la original…
por un discípulo muy hábil y
cercano al maestro.

Idea, textos y realización del autor.
El autor,

Higinio Rodríguez Lorenzo, profesor en el IES
Mata Jove, de Gijón (Asturias. España) la ofrece bajo licencia

[ Registrada

en Safe Creative

Código: 1401229911990
Fecha 22-ene-2014 19:46 UTC]

2007-2014.
higiniorl@educastur.princast.es

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