1) La instalación es una forma de arte contemporáneo que involucra la selección y disposición de varios objetos y medios en un espacio para crear una nueva narrativa o contexto. 2) A diferencia del arte moderno que se enfocaba en formas individuales, el arte contemporáneo se enfoca en el contexto y marco mediante instalaciones. 3) Una instalación puede incorporar pinturas, dibujos, fotografías, videos y otros objetos para darles un nuevo significado al seleccionarlos y presentarlos juntos.

1. FACULTAD DE ARQUITECTURA Y
URBANISMO
HISTORIA DEL ARTE II
JAVIER MARCELO PILLAJO NAZCA
2do Nivel “D”
12-10-2016

2. GRAFFITI
Entendida como una de las expresiones de arte urbano más populares y características de la
actualidad, el graffiti no es más que un dibujo o una obra de arte pictórica realizadas en las
pares y muros de la calle. Así, el graffiti no se mueve o muestra dentro de círculos
intelectuales o privados de arte sino que se caracteriza por ser expuesto de manera pública
para que todos lo vean y disfruten día a día. El graffiti es por lo general anónimo y puede
tener diferentes objetivos en lo que respecta a la razón de su realización.
El graffiti término que proviene del italiano sgraffio, arañazo, ha existido desde el principio
de la historia del hombre. Existen pinturas en las cuevas de Lascaux, ubicado en Francia,
aquí se grababan en las paredes con huesos y piedras, aunque el hombre enseguida anticipó
las técnicas de la plantilla y el spray, al crear siluetas soplando polvo de color en sus manos
mediante huesos huecos. Se han encontrado fragmentos de arcilla de la Grecia antigua en
los que se habían grabado textos, y las excavaciones de Pompeya revelaron una gran
cantidad de graffiti, que incluían eslóganes electorales, dibujos y todo tipo de obscenidades.
El graffiti fue importante para los movimientos de resistencia como método para hacer
pública su oposición. En la actualidad comenzó a desarrollarse a finales de la década de
1970 en Nueva York y Filadelfia, donde artistas como Taki y Cornbread empezaron a
pintar sus nombres en paredes o en las estaciones del metro de Manhattan. Se trataba de
una especie de batalla contra los agentes del poder y de una salida de la pobreza y del
gueto. A través de estos pioneros, nació el graffiti americano, y se extendió a lo largo y
ancho del mundo arrastrando tras de sí a miles de jóvenes.
Al principio, los artistas del graffiti utilizaban con frecuencia su nombre real o sus apodos,
pero pronto comenzaron a aparecer los primeros seudónimos. Los tags se hicieron cada vez
más grandes, hasta que aparecieron las primeras piezas en los trenes de Nueva York.
Muchos de estos artistas buscaban la fama, ya fuese pintando más trenes o las mejores
obras. Otros, como los que trabajan con plantillas o los artistas de la calle, deseaban
comunicarse con el transeúnte o dar forma a su entorno sin ningún tipo de restricciones.
Las letras solían predominar en el graffiti, pero hoy en día la cultura se ha ampliado: se
exploran nuevas formas y han comenzado a proliferar personajes, símbolos y abstracciones.
Durante los últimos años, los artistas del graffiti han utilizado un abanico expresivo más
amplio. El estilo es libre para desarrollarse sin ninguna clase de restricciones y se utilizan
todo tipo de pinturas e incluso la escultura: pegatinas, pósters, plantillas, aerografía, tizas.
La mayoría de los artistas se han liberado de la dependencia exclusiva del bote de spray.
En consecuencia, actualmente muchos han comenzado a referirse a un movimiento
posgraffiti, caracterizado por aproximaciones formales e innovadoras técnicas que van más
allá de las concepciones tradicionales del estilo clásico del graffiti. Con el fin de reflejar
dichos cambios.

3. ARTISTAS:
Juan Carlos Arguello
Muelle es un ejemplo de conducta: es ético, no
es vandálico y es una persona sencilla. Sin un
ego soberbio. Una de las teorías fue que la
flecha marcaba la dirección de la casa donde
vendían droga.
Juan Carlos Argüello, España, "Muelle"
Keith Haring
Este artista contrajo la enfermedad del VIH,
a partir de aquello todas sus obra habla
sobre esta enfermedad, en este caso, está
describiendo a las personas que gritan y
quieren apartarse de este virus sin poder
salir de él.
Keith Haring, EUA, “El sida”
Yimbo Briones
La obra quiere llevar hacia la
concientización en las personas para que no
tomen esta difícil y dura decisión como lo
es el aborto, es un tema delicado que el
autor trata de llevar el mensaje a su manera,
en este caso el graffiti.
Yimbo Briones, Ecuador, “No al aborto”

4. ARTE OBJETO
En el arte contemporáneo el arte objeto quizás es el que tiene mayor presencia. Este arte de
tipo netamente conceptual se presenta en diversas maneras como: Los ready mades (objetos
encontrados) donde claro esta destaca el célebre urinario “Fountain” (La Fuente) de Marcel
Duchamp, considerada obra fundacional del arte conceptual. Duchamp sabiendo lo que
provocaría en su época envío el objeto a una exposición en 1917 el cual naturalmente fue
rechazado, esta obra hace una crítica al arte tradicional que hasta entonces se presentaba en
las exposiciones, a lo que se consideraba arte y contra todos los cánones de lo estético,
dando así total importancia a la idea y significado que le daba el artista.
El arte encontrado a recibido nombres en las distintas geografías por los materiales
empleados como lo es el trash art o junk art (arte basura) o el movimiento italiano
denominado Arte Povera “arte pobre” donde los artistas realizan obras con materiales de
fácil obtención considerados pobres, como es el caso de la conocida “Venus de los trapos”
de Michel angelo Pisto letto.
Entre el arte objeto presentado con artículos intervenidos, modificados o producidos
destaca la obra de Piero Manzoni quien concibió al artista como una propia obra de arte y
todo lo que saliera de él en todos los sentidos, como su polémica obra de la lata etiquetada
“Merde d’artiste” de 1961. Entre la obra de Andy Warhol encontramos las célebres cajas de
conglomerado rotuladas en serigrafía con logotipos de marcas de productos de consumo
como Kellogg, Brillo o Heinz, obras que sintetizan la cultura pop y la presencia de los
productos y marcas en la vida diaria de las personas.
“El arte es vida.” Esta afirmación es respaldada por el arte contemporáneo, en el cual el
arte-objeto tiene mayor presencia. En el arte-objeto el objeto es apreciado no solamente por
su utilidad, sino por su calidad estética. Aumentando la presencia artística. Este valor
estético ya no es solamente un procedimiento técnico, sino un acto mental, una actitud
distinta ante la realidad.
Esto consiste en tomar un objeto de la vida diaria y reubicarlo en un ambiente distinto al
cual verdaderamente pertenece, de esta forma se pierde el sentido utilitario del objeto y
ayuda al artista a expresar lo que quiere. Logrando que el espectador tome un punto de vista
diferente de este objeto, lo que siempre ve, dándole un nuevo significado a esa cosa, a la
vida.Dentro del arte-objeto existe la rama de objetos encontrados, en la cual se puede
clasificar diferentes maneras de emplear estos objetos encontrados. Tal y como los
“Readymades” los cuales son objetos manufacturados de la vida cotidiana con una
alteración mínima del artista, a veces sin ninguna alteración. El mejor ejemplo de esto es
“Fountain” de Marcel Duchamp.
A todo esto se podría decir que el arte objetual propone una provocación a que la gente se
despegue de su rutina y vea la vida de una manera diferente, rechazando lo establecido.
Cualquier objeto puede ser utilizado para crear algo que nos haga pensar que hay existe
mucho más de lo que ya nos presentan en la realidad. Para hacernos pensar de una forma
distinta creando un interés de la gente a este mundo del arte.

5. ARTISTAS:
Marcel Duchamp
Lo hizo por experimentar como ya antes lo
había hecho con la pintura, negó que su
invención tuviera un propósito ya que un
artista hace obras con lo que está más a la
mano, con lo que más le gusta y como no hacer
algo con un banco si él se sentaba allí. La
bicicleta es algo de placer y entretenimiento.
Marcel Duchamp, Francia, “Rueda de bicicleta”
Joseph Kosuth
La silla por sí misma no significa mucho, es sólo
un objeto de uso cotidiano que puede
materializarse de diferentes formas, sin
embargo a lado de la fotografía cambia, pues la
idea que cada persona tiene sobre una silla
puede ser totalmente diferente aunque la
función sea la misma. La definición de silla
limita el concepto de lo que se puede
considerar acerca de ese objeto.
Joseph Kosuth, EUA, “Una y tres sillas”
Magdalena Pino
La autora trata de reflejar cómo podemos
devolver a la naturaleza que por “progreso
humano” lo hemos destruido. Con papel
reciclado realizó la forma de un árbol que
quiere crecer y ser libre y poderoso como
lo pudo haber sido cuando lo destruimos.
Magdalena Pino, Ecuador, “Árbol de papel”

6. VIDEO ARTE
Una de las grandes paradojas del video arte también conocido como video de creación es
que su historia comienza algún tiempo antes que el video estuviera disponible entre los
artistas. Dicho de otra manera, las primeras obras de la historia del video arte no incluyen,
de hecho, al video como medio.
La historia comienza en el año 1963. En el mes de marzo, el artista coreano Nam June Paik,
perteneciente al grupo Fluxus, realiza una exposición Exposition of Music Electronic
Television en la Galería Parnass de Wuppertal, Alemania, donde presenta trece televiso-res
con sus imágenes distorsionadas. La distorsión se origina en la manipulación que el artista
ha realizado en los circuitos de los televisores. Modificando válvulas, cables y transistores,
obtiene imágenes abstractas a partir de la transmisión televisiva habitual, convirtiendo la
emisión figurativa en un cúmulo de líneas vibrantes y palpitaciones luminosas. Es decir se
trata de un movimiento que comenzó a desarrollarse en esta década y que consiste en crear
manifestaciones artísticas mediante sonidos e imágenes en movimiento.
Es, según el artista, el comienzo de la televisión abstracta. Más tarde, descubrirá otros
medios para manipular las emisiones catódicas como el uso de imanes que atraen los
electrones y construirá, junto al ingeniero Shuya Abe, el Sintetizador de Imágenes Paik-
Abe, con el que realiza una serie de videos distorsionando segmentos de televisión
pregrabados.
En este origen se pone en evidencia la violenta postura crítica que los artistas tomarán
respecto a la televisión. Al igual que gran parte de los teóricos de la época, los artistas ven
en ella al enemigo máximo de la cultura, al más claro exponente de la manipulación
ideológica sobre la que se sustenta la sociedad de masas. En formas más o menos sutiles,
más o menos agresivas, las primeras experimentaciones con la televisión buscan poner en
cuestión su protagonismo social, el poder de sus imágenes, y en última instancia, su alianza
con el sistema capitalista.
Las realizaciones de Paik y Vostell son una guía adecuada para comprender los rumbos que
adquiere el video arte desde su nacimiento. En primer lugar, el medio se definirá
principalmente como una experimentación con la imagen electrónica, aun si la tecnología
del video se encuentra ausente en las obras. En segundo término, las producciones pioneras
se caracterizan por una clara aversión hacia la televisión, lo que ubica a ésta como una
referencia inmediata e insoslayable. Curiosamente, el video arte no se relaciona en absoluto
con el cine, ni siquiera con el cine experimental salvo contadas excepciones que florecía en
aquella época; esta es una tercera característica de la producción video gráfica pionera.
Por último, debe señalarse que el video arte nace en el seno de las artes visuales, de la mano
de creadores reconocidos, y en espacios, exposiciones y eventos ubicados en el circuito de
las artes plásticas. El videoarte se puede registrar o plasmar de diferentes maneras. Hay
obras que son grabadas y distribuidas en soportes como el DVD, por ejemplo. También hay
performances de videoarte que se desarrollan en vivo, combinando videos, música y
sonidos de diferentes forma.

7. ARTISTAS:
Gianfranco Foschino
Esta obra da una visualización sobre el
significado de la naturaleza, su
composición, la belleza que recorre entorno
a la misma a través del video.
Fotograma del video “A New Landscap”, HD, 12 min,
color, sin sonido. Chile.
Oliver Herring
Es un video que contiene a personas
realizando danza, el cual tiene su
significado, las adversidades y los
problemas que tiene que enfrentar el
hombre a través de la vida.
Fotograma del video “Little dance of
Misfortune”.Alemania
Ricardo Chávez
Es un artista ecuatoriano que a través de sus
obras quiere presentar las raíces aborígenes,
su origen y tradiciones, las cuales se
encuentran ubicadas en el país en el que el
autor radica.
Foto: Participación de Ricardo Chávez en el MIVA.

8. INSTALACIÓN
Es por eso que yo sostengo que la instalación es la forma señera del arte contemporáneo. La
instalación demuestra ser una determinada selección, una determinada concatenación de
opciones, una determinada lógica de inclusiones y exclusiones. La hacer esto, una
instalación manifiesta aquí y ahora una determinada decisión acerca de qué es viejo y qué
es nuevo, qué es un original y qué es una copia.
Cada exposición importante o cada instalación están hechas con la intención de designar un
nuevo orden de recuerdos, proponer nuevos criterios para contar una historia y diferenciar
entre el pasado y el futuro. El arte Moderno estuvo trabajando en el nivel de las formas
individuales.
El arte contemporáneo está trabajando en el nivel del contexto, de marco, el fondo la nueva
interpretación teórica. Es por eso que el arte contemporáneo es menos una producción de
obras de arte individuales que una manifestación de una decisión individual de incluir o
excluir cosas e imágenes que circulan anónimamente en nuestro mundo, para darles un
nuevo contexto o para negárselos: una selección privada que es al mismo tiempo
públicamente accesible y de ahí hecha manifiesta, explícita, presente. Incluso si una
instalación consistiera en una pintura individual, es todavía una instalación, ya que el
aspecto crucial de la pintura como una obra de arte no es el hecho de que haya sido
producida por un artista, sino el de haber sido seleccionada por un artista y presentada
como algo escogido.
El espacio de la instalación puede, por supuesto, incorporar toda clase de cosas e imágenes
que circulan en nuestra civilización: pinturas, dibujos, fotografías, textos, videos, filmes,
grabaciones, toda suerte de objetos, etc. Es por eso que a la instalación frecuentemente se le
niega el status de una forma de arte en particular, porque enseguida surge la pregunta
acerca del medio específico. Los medios artísticos tradicionales están todos definidos por
un material específico para el medio: lienzo, piedra, o filme. El material que constituye el
medio en una instalación es, sin embargo, el espacio mismo. Este espacio artístico de la
instalación puede ser el museo o la galería de arte, pero también un estudio privado, una
casa, o un lugar en un edificio.
Pero todos ellos pueden ser transformados en el sitio de una instalación al documentar el
proceso de selección, sea privado o institucional. Eso no significa sin embargo que la
instalación sea “inmaterial”. Por el contrario, la instalación es material por excelencia, ya
que es espacial. Ser en el espacio es la mejor definición de ser material. La instalación
revela precisamente la materialidad de la civilización en la que vivimos, porque instala todo
aquello que nuestra civilización simplemente hace circular. De ahí que la instalación
demuestre el soporte material de la civilización que de otra manera pasaría inadvertido
detrás de la superficie de la circulación de imágenes mediáticas. Al mismo tiempo una
instalación no es una expresión de una relación ya existente entre las cosas; por el contrario,
una instalación ofrece una oportunidad de usar cosas e imágenes de nuestra civilización de
una manera muy subjetiva e individual.

9. ARTISTAS:
Wolf Vostell
La explosión de la cultura del automóvil en
los años 60 tuvo un dramático frenazo en
seco con las sucesivas crisis del petróleo y
esto incentivo al autor a construir la
reflexión sobre la sociedad, las metáforas
del mundo de consumo o las alegorías de la
velocidad.
Fiebre de Automóvil, 1973, Instalación, Museo Vostell
Malpartida
Paloma Navares
La artista quiere indicar a traves de la
fotografía y la luz una temática social, sus
ritos, costumbres y tradiciones. Su lenguaje
plástico está construido desde la idea de
hibridez y sustentado, desde sus inicios, en
la práctica interdisciplinar, el ensamblaje de
técnicas y soportes, y la utilización de
materiales industriales.
Luz del pasado. Instalación de fotografía y luz. España.
Paul Jaúregui
Es una instalación de arte que se introduce
en el bosque nativo andino para conocer la
realidad de los anfibios, su hábitat y el
importante rol que cumplen en la
naturaleza, así como su perseverancia.
Instalación artística en el jardín botánico. “El hábitat y la
naturaleza”

10. PERFORMANCE
La performance bebe de las fuentes del happening, del arte corporal, de la danza, la música,
el teatro, los medios tecnológicos y las artes plásticas. El término “Performance Art” tuvo
sus inicios en los años 60 en Estados Unidos. Fue originalmente utilizado para describir
cualquier evento artístico en vivo que incluyera poetas, músicos, cineastas, etc. en adición a
las artes visuales.
Es apropiado aclarar que, aunque estamos hablando de los 60, existieron tempranos
precedentes del Performance Art. En 1908 el Movimiento Futurista liderado por Marinetti
planteaba en su Manifiesto Futurista incorporar todas las disciplinas del mundo intelectual
y una de las características del Performance es que incluye poetas, artistas visuales,
músicos y teatristas. Luego los dadaístas, en 1916, llevaron a cabo performance en vivo que
incluían poesía y artes visuales.
Ya en 1970, el “Performance Art” era un término global y su definición un poco más
específica. “Performance Art” significaba que era en vivo y era arte, no teatro. También
significaba que era un arte que no podía ser comprado, vendido o intercambiado como
comodidad. Realmente, esta última característica era la de mayor importancia. Los artistas
de Performance veían (y ven) el movimiento como un medio para expresar su arte
directamente al público.
Se realiza delante de un público que generalmente es pasivo. El escenario puede ser lo
mismo un teatro, una sala de una galería de arte, una vía pública, un estudio, etc. Puede
tratarse de una realización individual, o de pequeños grupos, en los que el artista no
representa ningún papel, solo se expresa a través del cuerpo, de los gestos, para transmitir
determinadas ideas, ayudándose también de medios técnicos sobre todo de la música y de
imágenes proyectadas con vídeo y a veces dejándose llevar por la improvisación.
Suele acompañarse de vídeos, música experimental, sonidos realizados por todo tipo de
instrumentos. De hecho, el precursor de la performance fue un músico, John Cage, que
desde 1937 reivindicaba los ruidos como futuro de la música, capturando ruidos cotidianos
con los que hacía composiciones muy originales.
La problemática del performance, es que al igual que el ejemplo de la cabeza de gallina, la
reacción de los artistas tradicionales frente al arte de acción es de rechazo y por
consiguiente la performance no es tomada actualmente como una disciplina de Arte, pero
existen los que quieren ver más allá de una gallina corriendo y es por eso que el
performance sigue vigente a la par con la tecnología y nuevas ideas. Esto mismo sucedió
con Duchamp y sus obras dadaístas relacionadas con orinatorios y ruedas de bicicleta, de
una manera despectiva fueron vistas por las personas como obras independientes del arte,
como obras que no son arte. Es fácil pensar que en el futuro el Arte de la mayoría de las
galerías van a dejar de ser espacios sólo de escultura, pintura o fotografía, o que los teatros
no solo van a exponer Ópera, Teatro y Danza, o que los foros musicales no se limiten al
Rock y sus fusiones más recientes.

11. ARTISTAS:
Yves Klein
Usa la fotografía como medio post-moderno
haciendo un juego con el cuerpo y el
espacio.
“Salto al vacio” (1960)
Marina Abramovic y Ulay
En esta pieza querían demostrar como el ser
humano es capaz de absorber la vida del
otro entonces unen sus bocas respirando el
mismo aire que generan. En la pieza los dos
caen inconscientes a los 17 minutos de estar
haciendo esto.
“La muerte misma” (1997)
Jenny Jaramillo
Fusiona su cuerpo completamente pintado
de blanco y cubierto de galletas de
animalitos sobre una pared con las mismas
características. Explora el nivel psicológico
y subconsciente que existe en el espacio que
hay entre el performer y el público.
Piel, Pared, Galleta, Quito.

12. BODY ART
Con este nombre se denominan procesos artísticos en los que el artista utiliza su propio
cuerpo como soporte material de la obra.
Surge a finales de los años sesenta y se desarrolla en la década siguiente. La obra de estos
artistas trata temas como la violencia, la autoagresión, la sexualidad, el exhibicionismo o la
resistencia corporal a fenómenos físicos. Así el cuerpo puede estar transformado por un
disfraz, ser utilizado como instrumento o unidad de medida, agredido o puesto a prueba
hasta los límites del sufrimiento, etc.
Es un arte procesual, porque intenta explorar la transformación y el cambio de un objeto –
en este caso el cuerpo- a través de su sometimiento a distintas acciones. No importa tanto el
resultado como el proceso en que se desarrolla. El arte de acción porque se va a utilizar el
cuerpo para realizar o someterse a distintas acciones, existiendo además un gran
componente crítico. Los actos del body art quedan plasmados en fotografías, vídeos o
filmes. El body arte europeo se caracteriza porque el cuerpo se somete a acciones muy
dramáticas y masoquistas que cuyos testimonios son fotografías. Bebe del dramatismo y
misticismo de la religión cristiana y de su idea de la redención a través del dolor y la
mortificación del cuerpo, de lo que han sido ejemplo los múltiples suplicios de santos y
mártires, y la propia crucifixión de Cristo, infinitamente representados a lo largo de la
historia del arte. También es un body art de una fuerte carga política. El body art
norteamericano se caracteriza porque hay cierta implicación del espectador y del tiempo en
la obra, por eso, las acciones que se realizan con el cuerpo son grabadas en vídeo en lugar
de dejar como testimonio las fotografías. Son más conceptuales y minimalistas.
Tendencias:
body art expresionista y antropológico. Interesa el cuerpo por sí mismo, como material
artístico, para que el artista se exprese. Los artistas tratan al cuerpo como lo más genuino
del ser humano, y se intentan encontrar a sí mismos a través de las acciones que desarrollan
sobre su propio cuerpo. En muchos casos consideran su cuerpo como una obra de arte y
trabajan sobre él como si fuera otro soporte. No se busca establecer una comunicación con
el espectador, salvo el impacto emocional que producen las acciones.
Esta modalidad es la más acorde con el body europeo y está muy en relación con el
accionismo vienés, porque se ha centrado mucho en el sometimiento al cuerpo a distintos
tipos de lesiones como marcas, incisiones, cortes, incluso amputaciones. En general, la
mayoría de los artistas del body, no solo los europeos, han practicado esta tendencia y en
algunas ocasión. Además, fue una tendencia típica en los inicios del body, que se fue
abandonando después hacia experiencias más conceptuales. Es la forma de body art es la
más reivindicativa porque en el fondo lo que se intenta es rechazar radicalmente la imagen
del cuerpo fetichista y al cuerpo como generador de diferencias que está generándola
propaganda comercial. Este tipo de cuerpo fetiche es sólo pantalla que no refleja la

13. ARTISTAS:
Gunter Brus
Se expone pintado de blanco y cubierto de
cicatrices, podemos decir que tanto esta
como cualquiera de sus obras representan el
dolor de maneras diferentes, el artista como
un medio de exploración del dolor. Dicha
expresión artística intenta significar al dolor
como agonía en sí misma
Performance “Self-mutilation”. Austria.
Man Ray
Los instrumentos eran simplemente material
muerto, sin ningún efecto sensual, en tanto
que Man Ray dota a su fotografía de una
especial capacidad erótica el cual evoca la
larga tradición de la ejecución musical
como alegoría del juego amoroso.
“Violin of Ingres” Francia.
John Vargas
Artista ecuatoriano que manifiesta a las
distintas naciones donde va sobre su país,
En este caso sus obras reflejan a especies
del Yasuní, un “pulmón de la Tierra” al que
no se le debe sacar el crudo de sus tierras.
“Yasuní”

14. HAPPENING
Kaprow fue el primer artista en realizar un happening, lo define como “acontecimiento”,
como algo que “simplemente sucede que sucede”. Es la extensión de un ambiente artístico
(una obra que no es un objeto, sino la recreación de un ambiente, la apropiación creativa de
un espacio). El artista desarrollar una acción, y se puede acompañar de objetos artísticos, de
olores, de vídeos, danza, etc. con el fin de estimular los sentidos y el instinto del
espectador. Sería una especie de representación teatral, donde el espectador no es un simple
mirante, sino que se le exige una participación plena. Sin la participación del espectador no
hay happening.
Se consideran las actuaciones en los conciertos en Black Mountain del cantante John Cage,
entre 1951 y 1925, los precedentes históricos del Happening. Cualquier lugar era idóneo
para la representación de los happening. En un principio parece que fueron
elegidos espacios abiertos, al aire libre. No obstante, hay muestras de happening en los
primeros tiempos en almacenes o estaciones de metro, por citar algunos.
El happening realmente comprendía la extensión de una sensibilidad artística, o más
precisamente una sensibilidad "collage-entorno" a una situación compuesta también por
sonidos, duraciones de tiempo, gestos, sensaciones, incluso olores. Sus raíces permanecían
en el estudio del artista y no en el teatro. No se suministraba al espectador un modelo de
libreto y carácter; en cambio se lo bombardeaba con sensaciones que debía ordenar bajo su
propia responsabilidad. Ésta era la esencia de una obra como El patio de Allan Kaprow.
Aquí uno de los ejecutantes era un hombre que andaba lentamente en bicicleta, en círculos
alrededor del espacio de la representación. Lo que usted elaborase con esto, si se
encontraba allí, era cuestión suya.
Es una acción previamente organizada, pero ha de intervenir el azar. La estructura fija que
haya preparado el artista, puede variarse finalmente según la intervención del espectador.
Importa menos el contenido que se quiere transmitir, y más que el espectador asuma nuevas
formas de percepción y de comportamiento, que tenga la conciencia abierta a –tiene, por
tanto, significados múltiples en función de las asociaciones que haga cada espectador.
Importante crear un estado receptivo en el espectador. Según Marchán Fiz, el espectador
pasaría por dos momentos distintos: de irritación inicial, que va unido al efecto sorpresa,
momento en que el espectador asume los objetos y elementos que se le ofrecen; un segundo
momento de distanciamiento, en que se cuestiona la irritación inicial, hace una autocrítica,
busca el lado constructivo.
Lo que busca finalmente un happening es la crítica a la sociedad de consumo, la crítica a un
mundo que está previamente dirigido y que no deja vía libre a los instintos, a la
imaginación. Busca dar vía libre a los contenidos alucinatorios, reprimidos o neutralizados
por la industria y la cultura, dar rienda suelta al mito, a lo mágico que tiene por sí mismo el
hecho artístico. Ligeras diferencias entre happenings europeos y americanos: los europeos
suelen ser muy rituales, dar salida a la parte más reprimida.

15. ARTISTAS:
Allan Kaprow
Se desarrolla en un espacio restringido y
suelen utilizarse multitud de objetos a
disposición de los participantes entre los
cuales no ha habido previamente acuerdo
para la actuación. No hay tiempo marcado y
el final debe ser marcado por los intérpretes.
“Dieciocho happenings en seis cuadros”EUA.
Julian Beck
Se desarrolla en un espacio restringido y
suelen utilizarse multitud de objetos a
disposición de los participantes entre los
cuales no ha habido previamente acuerdo
para la actuación. No hay tiempo marcado y
el final debe ser marcado por los intérpretes.
Su intención es siempre mezclar lo más
posible representación y vida.
The living theater May(1975). EUA.
Pablo Barriga
Uno de los happening más duros fue cuando
no sabía que decir en la época de León
Febres Cordero, en la que utilizó símbolos
patrios, arrastraba libros, cosas personales,
que representaban el peso y la angustia de
vivir en un país que atravesaba por una
crisis gubernamental.
“El silencio”, Quito.

16. BIBLIOGRAFÍA:
 Turbay, Alvaro. (2011). El arte objeto. Editorial: Attribution Non-Commercial
 Ganz, Nicholas. (2004). Arte urbano de los cinco continentes. Barcelona: Editorial
Gustavo Gili, S.L.
 Alonso, R. (2005). Hazañas y peripecias del video arte en Argentina. Cuadernos de Cine
Argentino, 3, 1998-1999.
 Groys, B. (2008). La topología del arte contemporáneo. trad. Ernesto Menéndez-
Conde, 1.
 Jones, A. (1998). Body art/performing the subject. Editorial: U of Minnesota Press.