Este documento presenta un resumen de cuatro categorías históricas del concepto de estética según Elena Oliveras: 1) El fundamento de producción, 2) El artista, 3) El comitente, 4) El fin según cada época. Describe estas categorías para la Edad Media, el Renacimiento y la Ilustración, e incluye ejemplos visuales para cada período. También resume dos puntos adicionales sobre el concepto de "percepto" y la comparación entre una obra renacentista y una vanguardista para explicar el concepto de "

1. UNIVERSIDAD NACIONAL DE SAN JUAN
FACULTAD DE CIENCIAS SOCIALES
DEPARTAMENTO DE COMUNICACIÓN SOCIAL
LICENCIATURA EN COMUNICACIÓN SOCIAL / TECNICATURA UNIVERSITARIA EN PERIODISMO
PROFESORA: SANDRA BUSO
JEFA DE TRABAJOS PRÁCTICOS: DESIREÉ SISTERNA
TRABAJO PRÁCTICO N°2
ALUMNOS: Germán González
1. Lea el capítulo “Aproximación a la estética” en “La cuestión del Arte” de Elena Oliveras. La
autora presenta un esquema con los principales cambios históricos producidos en relación al
concepto de estética. Amplíe Ud. este cuadro explicando las cuatros categorías que
considera Oliveras:
a) El fundamento de producción
b) El artista
c) El comitente
d) El fin según cada época
Busque ejemplos visuales para ejemplificar.
2. La expresión: “El arte conserva y es lo único en el mundo que se conserva… El arte no
conserva del mismo modo que la industria” (pag 33/34). Da cuenta del concepto de
percepto. Cómo relaciona este concepto con el ojo crítico, busque un ejemplo de obra de
arte y explique.
3. Elija una obra del renacimiento y una vanguardista (Pallock, Duchamp, Zorreguieta, Nicola
Constantino, León Ferrari, Dalí) compárelas y explique el concepto de mundo/arte.

2. 1.
EDAD MEDIA:
Fundamento de producción: Auctoritas. El arte de la Edad Media no era sentido como
algo separado de la religión. El fundamento estaba asentado en la Biblia, en la Palabra de
Dios.
Artista: El artesano o trabajador manual era elegido por la Iglesia. Realizaba pinturas en
murales, esculturas, retablos, mosaicos, vitrales. Sus trabajos eran valorados
cuantitativamente, es decir, por la cantidad de horas de desarrollo puestos en ellos.
Comitente: La Iglesia intervino en las obras el reflejo de lo divino que establecían como
regla o mandato a la entidad religiosa como la autoridad máxima.
Fin: Es un fin educativo y religioso y consistía en la enseñanza de las escrituras a aquellas
personas que no tenían acceso a las Sagradas Escrituras porque no sabían latín. Las
distintas esculturas del Medioevo conformaban la Biblia para los pobres.
RENACIMIENTO
Fundamento de producción: El arte comenzó a basarse en la experimentación personal
del artista. La elección subjetiva de éste remplaza la intervención divina y se crea un arte
más individualista.
Artista: El artista es considerado un genio en lo que hace. A partir del Renacimiento, el
nuevo tipo de artista se interesa en todo tipo de saber, el Paradigma del artista
“humanista”. En esta época sus trabajos son valorados cualitativamente, osea, por llevar
la firma de quien lo hizo y además era remunerado por su obra.
Comitente: En el Renacimiento cuando el artista comienza a producir, no para la
comunidad, sino para el cliente individual. Ahora son los príncipes, prelados, aristócratas
y burgueses adinerados los nuevos comitentes que remplazan a la Iglesia o al Estado.
Fin: Dejar constancia de las personas, culturas y épocas que existieron a las nuevas
generaciones como homenajes, recuerdos. Se pone en marcha un modo de circulación de
obras “capitalista” gracias a la concepción individualista del artista quien era pagado por lo
que hacía, es decir, los cuadros se empezaron a comercializar.
ILUSTRACIÓN
Fundamento de la producción: Autonomía. El fundamento se basaba en la educación, en
el desarrollo plural del individuo, los principales ideales de la Ilustración, guiada por la
razón y que permitía al hombre alcanzar la completa felicidad.
Artista: El artista es libre de crear cualquier obra más allá de los cánones tradicionales, la
libertad del artista ligada a la idea de progreso, síntoma inequívoco de lo moderno.
Comitente: El nuevo sujeto burgués, autónomo, producto social de la Ilustración, será el
principal destinatario de la utopía de la felicidad.
Fin: Felicidad. Reflejar la utopía de un estado de felicidad en el cual la cabeza y el corazón
se reconcilian en una paz sublime e inalterable.

3. Ejemplos visuales:
EDAD MEDIA
Detalle de una vidriera de la
catedral inglesa de Salisbury
El tapiz de la Creación del S. XII, una pieza de
grandes dimensiones que representa en círculos
concéntricos la figura de Cristo Pantocrátor y
una serie de escenas de la Creación del Mundo,
tomadas del libro del Génesis (Museo de la
catedral de Girona)
Las vidrieras y rosetones góticos
tamizaban la luz y producían una
extraña sensación de colorido
contemplados desde el interior de los
tempos. Éste es el rosetón central de la
catedral de Estraburgo.
Pintura románica que se conserva en el
Museo de Arte de Cataluña y que
representa un Pantocrátor, Jesucristo
Señor del Universo.

4. RENACIMIENTO:
Retrato de Margarita de Austria
El artista flamenco Bernard van Orley
pintó, en 1518, este retrato de
Margarita de Austria, hija del
emperador Maximiliano I y de María de
Borgoña.
Alejandro Farnesio, duque de Parma
El artista español Alonso Sánchez Coello le
representó en este retrato juvenil que se
conserva en la Galería Nacional de la ciudad
italiana de Parma.
Carlos de Austria
Este retrato de Carlos de Austria es
obra del pintor español de la corte de
Felipe II, Alonso Sánchez Coello, y se
conserva en el madrileño Museo del
Prado.
El banquete de boda
Pieter Brueghel el Viejo pintó hacia 1566 o 1567 este
óleo sobre tabla conocido como El banquete de boda.
En él se aprecia la precisión técnica del artista, su
madurez y su capacidad de observación de la naturaleza
humana. En el siglo XVI sólo acudían a los banquetes
nupciales unos veinte invitados, por lo tanto, el resto de
los personajes que se agrupan en la puerta debían ser
meros espectadores.

5. ILUSTRACIÓN:
Delacroix – La libertad guiando al pueblo
Joaquín Soralla - Bastida
Jean Huber - Le repas des philosophes (1772-1773)
Anicet Charles Gabriel Lemonnier – Lectura en la Casa de
Madame Geoffrin

6. 2. El arte conserva, y es lo único en el mundo que se conserva. El arte no conserva del mismo
modo que la industria, que añade una sustancia para conseguir que la cosa dure… lo que se
conserva, la cosa o la obra de arte, es un bloque de sensaciones, es decir, un compuesto de
preceptos y de efectos. Pero lo que se conserva no es el material, que constituye la condición del
hecho… lo que se conserva en sí es el percepto o el afecto. La materia puede envejecer pero la
obra como percepto sigue siempre joven.
El percepto es todo lo que está en la percepción actual y también antes de ella, aunque no
se reduce o no se explica por la memoria, si bien ésta no deja de intervenir. Es “un vibrar la
sensación”. Es, sobre todo, enigma.
El percepto es el paisaje antes del hombre, en la ausencia del hombre. Es el enigma (que
se ha comentado a menudo) de Cézanne“el hombre ausente, pero por completo en el paisaje”. Es
una emoción causada por una obra de arte a través de una primera impresión (ojo común).
En cambio el ojo crítico es la capacidad de apreciar una obra de arte y reconocer ciertos
elementos rescatables de la misma y que trata de entender en base de su conocimiento. Es el ojo
que mejor puede apreciar el arte. Esta formado además de conocimientos, de intuición,
superación de preconceptos, oportuna puesta en foco del ojo, variación del ángulo de visión para
encontrar el más adecuado. “La verdad crítica es, por lo tanto, conquista”.
En este autorretrato de Goya podemos ver cómo era el artista, que ya no está. “El hombre
ausente, pero por completo en el paisaje”. Si viéramos otro autorretrato de Goya sabríamos que
es él, no por la memoria, sino por un vibrar de sensaciones. Aunque Goya envejeció, en su obra se
mantiene joven y en cada una de sus obras está su toque particular que lo caracterizó como un
buen artista, que lo mantiene presente y lo conserva, no quedó en el olvido.
Goya - Autorretrato

7. 3. La obra de arte presenta un Mundo. Nos permite conocer en profundidad la atmosfera
espiritual de una época determinada, el conjunto de pensamientos, ideas, creencias,
costumbres y sentimientos propios de una época histórica determinada. La obra de arte abre
un mundo, nos introduce en la complejidad de un momento de historia.
Si bien en la imagen no puede caber todo el mundo, en ningún signo. Es posible a través de la obra
de arte fijarla y clasificarla, aunque sea parcialmente. Este es el concepto de MUNDO/ARTE
La primera obra, perteneciente a Goya refleja un acontecimiento histórico, una parte de la
Guerra de Independencia española. El país ibérico se encontraba bajo la dominación de los
franceses y Napoleón. En la obra se ven a civiles españoles que están por ser asesinados por
soldados franceses. En la segunda imagen de Dali se representa un momento de pensamientos del
artista, de reflexión de ideas que forma parte de su mundo.
Las diferencias entre una obra y otra es que en la primera se expresa algo histórico, se
clasifica una parte de la historia, se toma y se la pone en un cuadro como prueba de que eso
sucedió. Se refleja algo exterior, algo que el artista vio. En cambio en la imagen de Dali se
desarrolla el estado interior del autor, algo subjetivo de su mundo, su pensamiento sobre el paso
del tiempo y la persistencia de la memoria.
Goya – Los fusilamientos del 3 de Mayo. Dalí – La persistencia de la memoria

8. A.1) Leer y aplicar a los ejemplos el concepto de "KITSCH" del CAPITULO 8, texto "Una estética
del arte y el diseño de imagen y sonido", Marta Zatonyi.
A.2) Leer y aplicar las nociones relativas a "representaciones de carácter artístico", del CAPITULO
3 de "El lenguaje visual", de María Acaso.
A1) El Kitsch según “Una estética del arte y el diseño de imagen y sonido” de Marta Zatonyi es una
transgresión que va en contra de lo ya existente, ya sistematizado, es una actitud que se elimina
en la repetición del otro, en vez de ser uno mismo. Busca identificarse en el otro, ya que su
identidad le resulta insoportablemente inferior o inaceptable, y quisiera ascender, por este medio
a ser reconocido y admirado. El arte aquí es signo de pertenencia, signo de una identidad
“superior”.
Entre los ejemplos de los puntos anteriores, en los de la Edad Media no veo Kitsch, pero si
por ejemplo en las del Renacimiento. En donde todos los burgueses mandaban hacer retratos
sobre ellos porque era una forma de tener prestigio ante la sociedad y estaba de moda en ese
tiempo. Los hacía sentir más superiores. En la actualidad muchas personas tienen en sus casas
copias de las más famosas pinturas de Dalí, Goya, Munch porque les da cierto prestigio aunque a
ellos mismo no les guste mucho, pero se dejan llevar por la moda que impone la sociedad. Esto es
Kitsch.
Otros ejemplos:
A2) Representaciones de carácter artístico:
Lo que diferencia a las representaciones visuales artísticas de las informativas y
comerciales son dos factores, en primer lugar, la intención del artista en generar conocimiento
crítico que genere un significado personal en el espectador y en segundo lugar la necesidad de
crear este conocimiento mediante un código nuevo, esta es la nueva concepción de arte que se
separa de la tradicional. Empieza a tratar nuevos interés de la sociedad como la pornografía, la
inmigración, las cirugías, el terrorismo, etcétera.

9. De todos los ejemplos el único que puedo reconocer por los dos factores es la obra: “La
persistencia de la memoria” de Salvador Dalí porque es creo que genera conocimiento crítico y
utiliza una nueva forma de comunicar y que a su vez es muy particular del autor. Todas las demás
son del arte tradicional.
Otros ejemplos: