DANZAS REGIONALES
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Este documento presenta una breve historia de la danza a través de los tiempos. Comienza describiendo la danza en la prehistoria y su importancia en las sociedades primitivas humanas. Luego describe las danzas en las civilizaciones antiguas como Egipto, Grecia y Roma, y cómo evolucionaron. Finalmente, resume brevemente el desarrollo de la danza a través de la Edad Media, el Renacimiento, los siglos XIX y XX, hasta la danza moderna.
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- 1. TIPOS DE DANZAS BACHILLERATO CENTRO ESCOLAR G.R.C.P. ALUMNA: RUBI OTERO MARTINEZ. GRADO: “SEGUNDO” TEMA: HISTORIA DE “ALBUN DE DANZAS REGIONALES” LAS DANZAS MAESTRA: “NANCY“ 18 DE JUNIO DE 2012
- 2. LA DANZA La danza o el baile, es una forma de arte en donde se utiliza el movimiento del cuerpo, usualmente con música, como una forma de expresión, de interacción social, con fines de entretenimiento, artísticos o religiosos. La danza, también es una forma de comunicación, ya que se usa el lenguaje no verbal entre los seres humanos, donde el bailarín o bailarina expresa sentimientos y emociones a través de sus movimientos y gestos. Se realiza mayormente con música, ya sea una canción, pieza musical o sonidos y que no tiene una duración específica, ya que puede durar segundos, minutos, u horas. Dentro de la danza existe la coreografía, que es el arte de crear danzas. La persona que crea coreografía, se le conoce como coreógrafo. La danza puede bailarse con un número variado de bailarines, que va desde solitario, en pareja o grupos, pero el número por lo general dependerá de la danza que se va a ejecutar y también de su objetivo, y en algunos casos más estructurados, de la idea del coreógrafo. En el deporte también se incorpora la danza, como en la gimnasia, el patinaje artístico sobre hielo o sobre ruedas, la natación sincronizada y la gimnasia rítmica, como asimismo el kata, de las artes marciales, que puede asociarse como un tipo de baile. Por otro lado también se utiliza como figura literaria metafórica, por ejemplo, al describir el movimiento de objetos inanimados: las hojas bailaban con el viento. Asimismo la danza también desempeña un papel comunicativo dentro de los patrones de comportamiento de los animales, como la danza de las abejas, o algunas especies de aves como el Fusil Magnifica, donde el macho baila para atraer a la hembra al apareamiento (a esto se le conoce como cortejo). LA HISTORIA DE LA DANZA La danza ha formado parte de la Historia de la Humanidad desde el principio de los tiempos. Las pinturas rupestres encontradas en España y Francia, con una antigüedad de mas de 10.000 años, muestran dibujos de figuras danzantes asociadas con ilustraciones rituales y escenas de caza. Esto nos da una idea de la importancia de la danza en la primitiva sociedad humana. Muchos pueblos alrededor del mundo ven la vida como una danza, desde el movimiento de las nubes a los cambios de estación. La historia de la danza refleja los cambios en la forma en que el pueblo conoce el mundo, relaciona sus cuerpos y experiencias con los ciclos de la vida.
- 3. Desde la prehistoria el ser humano ha tenido la necesidad de comunicarse corporalmente, con movimientos que expresaban sentimientos y estados de ánimo. Estos primeros movimientos rítmicos sirvieron igualmente para ritualizar acontecimientos importantes donde se celebraban ceremonias tales como lo son los nacimientos, defunciones y bodas, en principio, la danza tenía un componente ritual, de fecundidad, caza o guerra, o de diversa índole religiosa, donde la propia respiración y los latidos del corazón sirvieron para otorgar una primera cadencia a la danza. LA DANZA EN LA ANTIGÜEDAD Desde el Egipto de los Faraones hasta Dionisio, los legados escritos, los bajorelieves, mosaicos.. nos permiten conocer el mundo de la danza en las antiguas civilizaciones egipcia, griega y romana. En el antiguo Egipto, las danzas ceremoniales fueron instituidas por los faraones. Estas danzas, que culminaban en en ceremonias representando la muerte y la reencarnación del dios Osiris se fueron haciendo cada vez mas complejas hasta el punto de que solo podian ser ejecutadas por profesionales altamente cualificados. En la Grecia antigua, la influencia de la danza egipcia fué propiciada por los filósofos que habían viajado a Egipto para ampliar sus conocimientos. El filósofo Platón, catalizador de estas influencias, fué un importante teórico y valedor de la danza griega. Los rituales de la danza de los Dioses y Diosas del Panteón Griego han sido reconocidos como los orígenes del teatro contemporáneo occidental. Alrededor de Dionisio, el dios griego del vino y la embriaguez ( conocido también como Baco ), grupos de mujeres llamadas ménades iban denoche a las montañas donde, bajo los efectos del vino, celebraban sus orgías con danzas extásicas. Estas danzas incluían, eventualmente, música y mitos que eran representados por actores y bailarines entrenados. A finales de siglo V antes de Cristo estas danzas comenzaron a formar parte de la escena social y poítica de la antigua Grecia. Entre los romanos, la aceptación de la danza por parte de los poderes públicos fué decayendo. Hasta el 200 a.c. la danza formó parte de las procesiones romanas, festivales y celebraciones. Sin embargo, a partir del 150 a.c. todas las escuelas romanas de baile cerraron sus puertas porque la nobleza romana consideró que la danza era una actividad sospechosa e incluso peligrosa. De todos modos, la fuerza del movimiento no se detuvo y bajo el mandato del emperador Augusto ( 63 a.c. 14 d.c. ) surgió una forma de danza conocida actualmente como pantomima ó mímica en la que la comunicación se establece sin palabras, a través de estilizados gestos y movimientos y se convirtió en un lenguaje no verbal en la multicultural Roma. La cristianización del Imperio Romano introdujo una nueva era en la que el cuerpo, la sexualidad y la danza resultaron unidas y fueron objeto de controversia y conflictos.
- 4. LA DANZA EN LA EDAD MEDIA La actitud de la Iglesia Cristiana hacia la danza, a partir del S IV y durante toda la Edad Media fué ambivalente. Por un lado encontramos el rechazo de la danza como catalizadora de la permisividad sexual, lascivia y éxtasis por líderes de la Iglesia como S. Agustín (354-430) cuya influencia continuó durante toda la Edad Media. Por otro lado, antiguos Padres de la Iglesia intentaron incorporar las danzas propias de las tribus del norte, Celtas, Anglosajones, Galos.. en los cultos cristianos. Las danzas de celebracion estacional fueron a menudo incorporadas a las fiestas cristianas que coincidian con antiguos ritos de fin del Invierno y celebración de la fertilidad con la llegada de la Primavera. A principios del siglo IX Carlomagno prohibió la danza, pero el bando no fué respetado. La danza continuó como parte de los ritos religiosos de los pueblos europeos aunque camuflados con nuevos nombres y nuevos propósitos. Durante esta época surgió una danza secreta llamada la danza de la muerte, propiciada por la prohibición de la iglesia y la aparición de la Peste Negra. Nacida como danza secreta y extásica durante los siglos XI y XII la danza de la muerte comenzó como respuesta a la Peste Negra que mató a mas de 50 millones de personas en 200 años. Esta danza se extendió desde Alemania a Italia en los siglos XIV y XV y ha sido descrita como una danza a base de saltos en la que se grita y convulsiona con furia para arrojar la enfermedad del cuerpo. EL RENACIMIENTO Y EL NACIMIENTO DEL BALLET El advenimiento del Renacimiento trajo una nueva actitud hacia el cuerpo, las artes y la danza. Las cortes de Italia y Francia se convirtieron en el centro de nuevos desarrollos en la danza gracias a los mecenazgos a los maestros de la danza y a los músicos que crearon grandes danzas a escala social que permitieron la proliferación de las celebraciones y festividades. Al mismo tiempo la danza se convirtió en objeto de estudios serios y un grupo de intelectuales autodenominados la Pléyade trabajaron para recuperar el teatro de los antiguos griegos, combinando la música, el sonido y la danza. En la corte de Catalina de Medici (1519-1589), la esposa italaiana de Enrique II, nacieron las primeras formas de Ballet de la mano del genial maestro Baltasar de Beauyeulx. En 1581, Baltasar dirigió el primer ballet de corte, una danza idealizada que cuenta la historia de una leyenda mítica combinando textos hablados, montaje y vestuario elaborados y una estilizada danza de grupo. En 1661, Luis XIV de Francia autorizó el establecimiento de la primera Real Academia de Danza. En los siglos siguientes el ballet se convirtió en una disciplina artística reglada y fué adaptándose a los cambios políticos y estéticos de cada época. Las danzas
- 5. sociales de pareja como el Minuet y el Vals comenzaron a emerger como espectáculos dinámicos de mayor libertad y expresión. En el siglo XIX, la era del ballet romántico refleja el culto de la bailarina y la lucha entre el mundo terrenal y el mundo espiritual que trascende la tierra, ejemplarizado en obras tales como Giselle (1841), Swan Lake (1895), y Cascanueces (1892). Al mismo tiempo, los poderes políticos de Europa colonizaron Africa, Asia y Polinesia donde prohibieron y persiguieron las danzas y los tambores por considerarlos bastos y sexuales. Esta incomprensión de la danza en otras culturas parece cambiar al final de la Primera Guerra Mundial y las danzas de origen africano y caribeño crean nuevas formas de danza en Europa y en América. LA DANZA EN EL SIGLO XX Después de la I Guerra Mundial, las artes en general hacen un serio cuestionamiento de valores y buscan nuevas formas de reflejar la expresión individual y un camino de la vida mas dinámico. En Rusia surge un renacimiento del ballet propiciado por los mas brillantes coreógrafos, compositores, artistas visuales y diseñadores. En esta empresa colaboraron gentes como: Ana Pavlov, Claude Debussy, Stravinsky, Pablo Picasso... Paralelamente a la revolución del Ballet surgieron las primeras manifestaciones de las danzas modernas. Como reacción a los estilizados movimientos del ballet y al progresivo emancipamiento de la mujer surgió una nueva forma de bailar que potenciaba la libre expresión. Una de las pioneras de este movimiento fué Isadora Duncan. A medida que la danza fué ganando terreno, fué rompiendo todas las reglas. Desde los años 20 hasta nuestros dias nuevas libertades en el movimiento del cuerpo fueron los detonantes del cambio de las actitudes hacia el cuerpo. La música con influencias latinas, africanas y caribeñas inspiraron la proliferación de las salas de baile y de las danzas como la rumba, la samba, el tango ó el cha cha. El renacer del Harlem propició la aparicón de otras danzas como el lindy-hop ó el jitterbug. A partir de la década de los 50 tomaron el relevo otras danzas mas individualistas como el rock and roll, el twist y el llamado free- style; luego apareció el disco dancing, el breakdancing... La Danza, con mayúsculas, sigue formando parte de nuestras vidas al igual que lo hizo en la de nuestros antepasados. Es algo vivo que evoluciona con los tiempos pero es consustancial con la naturaleza humana.
- 6. EL BALLET CLASICO El ballet clásico es el más formal dentro de los estilos de ballet, y adhiere a la técnica tradicional de ballet. Hay variaciones según el lugar de origen, como el ballet ruso, el ballet francés o el ballet italiano. Entre sus características distintivas están el uso de las puntas, sus gráciles, fluidos y precisos movimientos, y sus cualidades etéreas. SUS CARACTERISTICAS Exige muchos años de preparación en forma y técnica. El vestuario propio son los leotardos y las medias, con una falda opcional (tutú). Las bailarinas usan zapatillas de media-punta hasta que sus huesos sean lo suficientemente fuertes y estén entrenados para usar y soportar las zapatillas de punta; los bailarines solo utilizan zapatillas de media-punta y en escasas ocasiones de punta para trabajar huesos de los pies como el empeine. Los huesos de los tobillos y de los pies deben ser lo suficientemente fuertes para ir en pointe (en punta). El ballet clásico está basado en pasos, posiciones y formas de cargar el cuerpo que se originaron fundamentalmente en el siglo XVIII con el trabajo de Jean-Georges Noverre. A pesar de que en todo el mundo se comparte una misma base, hay variaciones regionales, y diversas escuelas, como el método de Agrippina Vagánova o el de Nicolai Legat (rusos ambos) o el de Enrico Cecchetti (italiano). Entre las características más resaltantes se encuentras las siguientes. El bailarín da la cara constantemente al público, busca estar de frente. La danza tiene tendencia a la verticalidad. El suelo solo es para caídas y sostener, no se considera un plano horizontal donde el bailarín pueda expresarse. Bases técnicas muy rigorosas y exigentes con las capacidades del bailarín. Búsqueda de la elegancia de la pose y la belleza plástica. La danza es un continuo devenir de poses, actitudes minuciosamente preestablecidas, salvo excepciones. Lógica geométrica simétrica: distribución de grupos. Baile en puntas. La música es apenas una excusa para la danza, la acompaña.
- 7. DANZA MODERNA La danza moderna es un tipo de expresión artística que está basado en la técnica del ballet clásico, y que conllevaba menor rigidez de movimientos. Surge como una reacción a las formas clásicas y probablemente como una necesidad de expresarse más libremente con el cuerpo. Es una clase de danza en la que se busca expresar, a través del bailarín, una idea, un sentimiento, una emoción, al igual que el ballet clásico, pero mezclando movimientos corporales propios del siglo XX y XXI. Su origen se remonta hasta finales del siglo XIX. En los inicios se buscaba una alternativa a la estricta técnica del ballet clásico, empezaron a aparecer bailarines danzando descalzos y realizando saltos menos rígidos que los tradicionales en el escenario. Con el tiempo, fueron apareciendo variaciones en las que la técnica clásica brillaba por su ausencia e incluso se introducían movimientos de otros estilos de baile, como movimientos aflamencados, movimientos tribales, acrobacias, contacto físico. Hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, este renovado estilo de danza se llamó danza moderna, pero su evolución desde finales de los años 1940 en adelante llevó a que se prefiriese a partir de entonces emplear la expresión danza contemporánea. Hoy en día, las técnicas modernas dejan paso a un torbellino de mezclas de estilos, llegandose incluso a no dejar claro a qué estilo se asemeja o qué patrones se siguen. Se dice que en la danza contemporánea (hoy día) "todo vale".Se pueden distinguir en los inicios dos escuelas, la Americana y la Europea. CARACTERÍSTICAS GENERALES En este tipo de danza, los movimientos se sincronizan con la cabeza tratando de comunicar un mensaje. Amplía el rango de movimiento, y utiliza el espacio con mayo res posibilidades. Una característica distintiva es el uso de multimedia para acompañar las coreografías, como video e imágenes usados de fondo. La danza clásica tiene una dramaturgia con principio, clímax y desenlace. La danza contemporánea puede seguir esta estructura o bien, contar historias de una forma no lineal. La danza contemporánea puede hablar de un concepto, proponer un ambiente o presentar movimientos con el propósito de conseguir una estética determinada, no siempre tiene que contar una historia. Por otro lado, la danza clásica se construye a través de pasos ya existentes y siempre codificados mientras que la danza contemporánea busca la innovación y la creación de nuevas formas de movimiento de acuerdo con las necesidades del coreógrafo o el
- 8. intérprete. La danza clásica busca el preciosismo, lo estructurado y perfecto, la conexión con lo etéreo, con lo celestial; más bien está ligada al concepto de lo apolíneo. La danza contemporánea busca la conexión con lo terrenal, con lo humano y sus pasiones, la no estructura, la transgresión; está ligada al concepto de lo dionisíaco. DANZA CONTEMPORÁNEA La danza contemporánea es el estilo característico del siglo XX, surge a finales del siglo XIX, con figuras como Isadora Duncan, que se oponen a las rigideces del ballet tradicional, procurando una danza más natural. La danza contemporánea nace del rechazo por las formas del ballet clásico, si bien ésta es su descendiente. La danza moderna pregona la libre expresión, dando independencia a los movimientos y dotando al cuerpo de mayor expresividad. Este estilo se ejecuta con los pies descalzos y es el que caracteriza al siglo XX. Una de las figuras pioneras de este estilo fue la norteamericana Isadora Duncan, quien a fines del siglo XIX, se revelaba contra los rigores del ballet clásico, y la rigidez de su falta de expresividad emotiva. Isadora perfería por los movimientos libres y naturales, basándose en el cuerpo, inspirada en la cultura griega. Fue creadora de una serie de movimientos que caracterizaron su estilo. CARACTERÍSTICAS GENERALES Hay una serie de rasgos comunes a todas las manifestaciones de la danza contemporánea, como el coreógrafo-bailarín, la creación de un lenguaje de la danza, el reracionamiento con la música, el empleo del espacio. Es tendencia de esta danza, que el mismo artista cumpla la función de coreógrafo y de bailarín. También suele darse que el bailarín sea además, escenógrafo, iluminador, diseñador de vestuario. A diferencia de los coreógrafos del ballet, que tienen un lenguaje codificado de pasos, los bailarines modernos crean su propio lenguaje, por lo que se hace necesario, que el coreógrafo sea quien baile. La creación del lenguaje de danza, implica un estudio profundo del movimiento del cuerpo y el desarrollo de teorías. Es usual que se emplee la dinámica física que rige los movimientos, además de la ley de la gravedad y su papel en el movimiento. Se considera además, la respiración y sus principios, la columna vertebral y su anatomía. Pueden emplearse tradiciones culturales ajenas a la danza como fuente de inspiración.
- 9. El empleo del espacio es muy diferente al tradicional del ballet, que exige el bailarín situado de frente al público y en relación al escenario. Los bailarines modernos mantienen una orientación multidimensional dentro del espacio escénico. Emplean todas las dimensiones del espacio y suelen colocarse de perfil o de espaldas al público, no siempre están erguidos y realizan movimientos en el suelo o sentados. El peso del cuerpo es un factor importante en la danza moderna, al contrario que en el ballet clásico, que las figuras parecen carecer de peso. JAZZ El jazz (pron. /ʤ æz/ en inglés, /ʝ as/ en español ) es un género musical nacido a finales del siglo XIX en Estados Unidos que se expandió de forma global a lo largo de todo el siglo XX. Entre los muchos intentos de delimitar y describir el complejo fenómeno del jazz, el crítico y estudioso alemán Joachim-Ernst Berendt, en su obra clásica El Jazz: De Nueva Orleans al Jazz Rock, nos dice: el jazz es una forma de arte musical que se originó en los Estados Unidos mediante la confrontación de los negros con la música europea. La instrumentación, melodía y armonía del jazz se derivan principalmente de la tradición musical de Occidente. El ritmo, el fraseo y la producción de sonido, y los elementos de armonía de blues se derivan de la música africana y del concepto musical de los afroamericanos. CARACTERÍSTICAS En este estilo la movilidad del torso es muy importante. Es característica la posición de los pies en paralelo, a diferencia de los pies en primera posición (girados) del ballet. La flexibilidad es un elemento muy significativo.Los elementos de la música jazz son la síncopa, el estilo individual y la improvisación. La danza jazz original tomó estos mismos elementos. TÉCNICA La danza jazz no tiene una técnica concreta; sin embargo, son necesarios conocimientos de danza clásica (ballet) así como de danza moderna. Como el jazz se ha auxiliado en la danza clásica para enriquecer sus movimientos, posiciones, es necesario saber ballet para estudiar este baile.
- 10. BAILE DE SALON Los bailes de salón (inglés: Ballroom dance) son aquellos que baila una pareja de forma coordinada y siguiendo el ritmo de la música. En su origen eran meramente lúdicos y populares y su repercusión social fue de tal magnitud que dio lugar a la creación de salas específicas que -dotadas de una orquesta y un pavimento adecuado- facilitaran su práctica. En la actualidad se practican también como modalidad deportiva en competiciones organizadas y reglamentadas por las correspondientes federaciones nacionales e internacionales. Tanto en su versión social como en la de competición y deportiva los movimientos e interacciones de la pareja se ajustan a patrones previamente establecidos que, asociados con la música, caracterizan a los distintos bailes. Ello motiva que su práctica requiera de un previo aprendizaje que antiguamente se transmitía de padres a hijos y en la actualidad puede ser adquirido en academias de baile. TIPOS DE BAILE DE SALON. Bolero Milonga Conga Pasodoble Cha-cha-chá (Son Montuno) Pericón Cha-cha-chá (cha-cha-chá) Polka Chotis Rock and roll Danzón Rumba Fox-Trot Swing Hustle Tango argentino Mambo - Vals inglés Son Cubano Vals vienés Merengue TIPOS DE BAILE DE SALON. DE COMPETICION Samba Vals Inglés cha-cha-cha Tango pasodoble Vals vienés Jive Slow Fox Rumba-Bolero Quickstep Salsa
- 11. DANZA FOLCLORICA O POPULAR El folklore o folclore hace referencia a las creencias, prácticas y costumbres que son tradicionales de un pueblo o cultura. Esto incluye a los relatos, las artesanías, la música y los bailes, por ejemplo. La danza, por otra parte, es la acción de bailar, es decir, la ejecución de movimiento al ritmo de la música. Estas dos definiciones nos permiten acercarnos al concepto de danza folklórica, que son los bailes típicos y tradicionales de una cultura. La danza folklórica suele realizarse por tradición (no es un arte innovador) y puede ser bailada por cualquier hombre y mujer (no es exclusividad de los bailarines profesionales, aunque pueden existen grupos profesionales de danza folklórica). Este tipo de danzas se realiza especialmente durante acontecimientos sociales como fiestas y conmemoraciones. Los más jóvenes aprenden al ver bailar a los mayores, quienes se encargan de enseñar los secretos de cada danza para perpetuar la tradición. La polca, un tipo de baile surgido en la región de Bohemia durante la primera mitad del siglo XIX, es un ejemplo de danza folklórica europea. Se caracteriza por el tempo rápido, en compás de 2/4 que exige movimientos veloces y agilidad. Otra danza folklórica que ha trascendido por el mundo es la danza del vientre, que combina elementos de Oriente Medio y del norte de África, aunque se ha actualizado con influencias occidentales. Las danzas folkloricas o regionales expresan directamente las actitudes existenciales, las formas de vida y de organizacipon, las ideas morales y religiosas de conglomeramientos más recientes, se considera que en los espacios del campo, existen rutinas dancisticas que tienden a repetirse. Asi mismo las formas de danza que existen son de indole directa y elemental, en cuanto a que relatan literalmente los hechos, en cuanto al grado reducido de complejidad de sus figuras, sencillas a con respecto a sus anécdotas y sus mensajes. Debido a su sencilles de interpretación y entendimeiento las hacen faciles de identificar por el espectador sea nacional o extranjero. Asi mismo este tipo de danzas tienden a ser bailadas por la comunidadentera. Se pudiese decir incluso que se antojan bailarlas, pese a su sencilles de interpretación podemos mencionar que dichas danzas tienen que ser ejecutadas por un profesional que no solo domine sus rutinas y secuencias, sino que también tienda a recrearlas, ya que son danzas que contagian sus formas y ejecuciones a los miembros de la comunidad y extranjeros que las observen.
- 12. En las danzas regionales como su nombre lo indican se ejecutan únicamente en ciertas regiones que las hacen existir, y con ello expresando no solo la generalidad de la expresione del cuerpo y eso que ya antes se ha mencionado, sino que tambien expresan la forma de ser de los individuos de cada region, según sea la danza que se esta ejecutando. En estas formas de ser podemos mencionas habitos tales como la forma de comner, de vestir, su ritmo y sus nociones de belleza. En este tipo de danzas podemos encontrarnos con anécdotas sucedidas en las regiones en que se practican, y es por ello que en muchas ocaciones representan obras literarias, mitos, fabulas, etc. Y es por todo ello que alguien que quiera ejecutar este tipo de danzas deberá adentrarse a las costumbres y formas de vida de la región a la cual quiera representar por decirlo de alguna manera, para que la faena dancistica sea más adecuada y correcta. En este tipo de danzas se repiten mucho las temáticas, es decir por ejemplo, el matrimonio, la siembra y muchos temas como estos son caracterizados en este tipo de danzas y lo importante será la forma en que estos sean representados en cada región, es decir la manera en que los entiendan los habitantes de uno u otro luga DANZAS REGIONALES: DANZA CHINA Las Danzas del león (舞獅, wǔshī) son una forma de baile tradicional de la cultura china practicadas por alguien que imita los movimientos del león disfrazado de este animal. El disfraz de león solía ser manejado por un solo bailarín, pero raras veces podía ir moviendo y sacudiendo la cabeza y manejando las mandíbulas y ojos, por lo que en la actualidad es manejado por un par de bailarines, formando uno de ellos la cabeza y las patas delanteras, y el otro la espalda y las patas traseras del animal.El empleo de un par de bailarines es visto perfeccionado en las exposiciones acrobáticas chinas, con los dos bailarines que forman un equipo que mueve al animal entre las plataformas elevadas móviles. Sin embargo, la forma de danza que se ve con mayor frecuencia en las comunidades chinas de ultramar, es el león sureño, en el que los pasos se originan en los movimientos del kung-fu, por lo que se requiere que los danzarines tengan una sólida postura de jinete, la cual deben mantener durante toda la danza.
- 13. El baile tradicionalmente es acompañado por un tambor, uno o varios pares de platillos y un gong; los dueños de las casas o locales comerciales que la comparsa de danzarines visita acostumbran a quemar petardos, representando la próxima buena suerte. En los días del Año Nuevo Lunar Chino los practicantes de las diferentes escuelas de artes marciales de China salen a las calles a saludar con sus danzas a los vecinos, los cuales reciben la visita del león colocando en la puerta de su vivienda o establecimiento comercial un sobre rojo con dinero en su interior, acompañado de una lechuga. Ésta simboliza larga vida y riqueza, buenos augurios para el año, ya que su pronunciación cantonesa Sang Choy, tiene un sonido muy similar a estas palabras. La forma de presentar el donativo para los danzarines depende del grado de dificultad que el donante les desee imponer, y esto tiene relación directa con la cantidad de dinero que éste dona, ya que cuando los premios son mayores, las dificultades también. En el sur de China no sólo se baila la danza del león, conocida en cantonés como Mou Si, sino que también existen las danzas del Piyao y del Keilon, existen diferentes mitos sobre el origen de la Danza del león, pero ninguno de ellos tiene registros históricos reales. De acuerdo con una de las leyendas, hace mucho tiempo atrás apareció un león en un pueblo y causó grandes destrozos a la población y a los animales domesticos. Un experto peleador de kung-fu supo del león y llegó al pueblo con la intención de matarlo. Él luchó sangrientamente con el león en tres ocasiones pero no consiguió matarlo. Por lo tanto, entrenó a algunos de los aldeanos en Kung-Fu con la intención de matar al león. Unos meses más tarde, subió con los aldeanos entrenados y consiguieron acabar con él. Los aldeanos, con el fin de festejar el triunfo del bien contra el mal o de los hombres contra el león (Yin y yang) crearon este baile popular, la Danza del león. Otra versión del origen de este baile fue que el rey de la Dinastía Qing, había visto un león de baile en uno de sus sueños y le ordenó entonces a los guardias del palacio a bailar de acuerdo con lo que había visto en sus sueños después de que él se despertó. DANZA BRASILEÑA La música del Brasil, es el resultado de la fusión de variados elementos provenientes de tres fuentes principales: indígena, africana y europea.
- 14. La música de los nativos (aborigen) era muy sencilla y elemental y no representa mayormente un aporte significativo en la formación del lenguaje musical brasileño. Los negros de origen africano llegaron al Brasil en 1538, y poseían un nivel cultural superior al de los aborígenes. La innata musicalidad del negro y su extraordinario sentido del ritmo y de la improvisación confieren a la música de este país de un carácter y sabor auténticamente regionales. De la música europea, el principal aporte proviene de Portugal. La cultura y el folclore del país lusitano serán de vital importancia en la constitución de la música brasileña. Características Se emplean diferentes tipos de escalas melódicas de 3, 4 y 5 sonidos, muy comunes en las canciones infantiles y de trabajo, además de la escala mayor diatónica occidental. El canto es generalmente al unísono y rara vez a varias voces. Sin embargo, el elemento característico de la música del Brasil es la compleja y extraordinaria riqueza rítmica de los cantos y bailes que llevan irresistiblemente a la danza. El ritmo es ágil y predominantemente sincopado (síncopa). Canciones y danzas Entre los principales tipos de canción de origen ibérico figuran la Moda y la Modinha. La Modinha es una forma de canción urbana de carácter amoroso. También de procedencia portuguesa son las danzas como el Fandango, las Chengancas y los Bailes Pastoriles. A las que hay que agregar los géneros musicales: el Coco, las Cantigas, la Embolada y el Desafío. La Embolada es una canción en la que intervienen un solista y un coro, considerada como la expresión más original de la música folclórica brasileña, en tanto que el Desafío es una especie de contienda musical entre dos personas; similar a la tradicional Paya chilena. De raíz africana son el Batuque, el Lundú primitivo, la Conga, La Maxixe, de notable parecido con el Tango, y la Samba. A la misma fuente pertenecen, además, los rituales afro-brasileños: la Macumba, el Candomble y las Congadas.
- 15. FOLKLOR MEXICANO Folklore, es el remanente de manifestaciones humanas tradicionales, transculturizadas o del Folk, que se encuentra en permanente función de cambios. Estas manifestaciones tienen influencia diferente en los distintos estratos sociales. En México, casi toda la gente parece preocuparse algo por el folklore, pero son pocos los que pueden explicar con seguridad en que consiste. En nuestro país, casi todos entienden por folclore lo que es canto y música típica mexicana. Sin embargo el verdadero significado de la palabra, es muy distinto.Folklore es toda costumbre que se transmite de generación en generación, adaptada y modelada por el medio ambiente en que vive la gente. Folklore es la comida, la bebida, el vestuario, las leyendas, las canciones, las danzas, la mitología; todas las manifestaciones artesanales. Como cerámica, cestería, tejidos, construcción de casas, talabartería, mueblería, los remedios caseros, la manera de sentir a los muertos, de celebrar los santos etc., etc. Es toda la vivencia de un pueblo. DANZA DE AGUASCALIENTES En la región del Valle de las Aguascalientes se ubicaron varias tribus Chichimecas entre las que destacaron: los Cascanes, Guachichiles, Tecuexas y otros; que vivian de la recolección y la caza. Durante la conquista una de las tribus que dio mayor oposición fué la Caxcana de ahí que se fueron fundando pequeños poblados de españoles e indios hasta formar lo que hoy es parte de Zacatecas, Aguascalientes y parte de Jalisco. No se sabe con exactitud que tipo de fiestas o danzas religiosas o paganas se bailaban en la epoca de la Colonia. Lo que si es cierto es que en varios poblados de Aguascalientes se danzaba la danza de la Pluma o Palma; no fue hasta el año de 1915 cuando el senór Don Bernabe Felix formo la primera danza de Matlachines traida de Zacatecas en donde el principal motivo era danzarle a la Santa Cruz de los albañiles, despues de varios años de esa dicha danza se formaron otras como la del señor Don Lucio, la del señor J. Carmen Montes que aun subsiste pero ahora con el senor sobrino de Don Carmen, que es el señor Jesús Vázquez Montes (El Chale), despues se formo la de don Alfredo Cedillo, la de los cargadores, del señor José Gutierrez (La Panzona), la de Juan Mireles que la prosigue el señor Juan Andrade Salas; de esa misma se fundo otra con uno de los capitanes (Juan Arenas Garca) que ahora continua con el nombre de danza de Matlachines "Tenamaxtle" que también sigue con la misma tradicion de venerar la Santa Cruz. De estas danzas se
- 16. formaron otras en los municipios aladaños a la Capital con diferentes ritmos y estilos, pero siempre conservando la misma tradición. La danza de Matlachines se ejecuta con un estilo encorvado y pisadas fuertes con grado de dificultad, que la hacen una de las danzas con mayor vigor y vistosidad. La formacion de los integrantes se compone como sigue: - Dos capitanes adelante. - Varios danzantes que pueden ser de dos hasta diez o más. - Dos capitanes atras. - Un viejo de la danza o moreno. - Dos barriguillas - que les siguen a 1os dos capitanes de adelante. - Un tamborero. - Dos contra barriguillas adelante. - Un violinista. - Dos contra barriguillas atrás. El papel que desempeñan los capitanes, entre ellos el capitan mayor, es el de iniciar las pisadas del son que se toca. Las funciones del viejo de la danza son: - Llevar el orden y disciplina de 1os danzantes. - Llevar en un morral con herramienta para arreglar los huaraches cuando estos se descomponen. - Abrir campo entre el publico para que dejen danzar y su indumentaria consta de: - Una mascara que satiriza a diferentes personas. - Un latigo que sirve para controlar el orden de los danzantes. - Lleva una mona de garra o un animal disecado. - Camisa y pantalon adornado con colgados como trapos, corcholatas, carrizos, etc. - Lleva en ocasiones una peluca o sombrero. El musico y el tamborero llevan ropa comun de uso normal. VESTUARIO. MONTERlLLA O PENACHO. Bordado en chaquira y lentejuela con diferentes motivos como pueden ser flores, mariposas, grecas, etc. montado sobre una base de
- 17. carton; cuenta con plumeros o chilillos que pueden ser de 7 a 9 colores: verde, blanco, rojo, amarillo, etc. elaborados con pluma de cocono o guajolote; tiene dos tranzas tejidas con listones de colores vivos. CAMISA.- En satín, el color puede variar; en la actualidad los grupos de Matlachines la utilizan encolor amarillo, rojo, azul, de acuerdo a los intereses de grupo. CALZONERA.- Es en color con franjas blancas bordadas a los costados con motivos de flores. MEDIAS.- Se han utilizado siempre de color rojo. HUARACHE.- Es conocido como Zacatecano o de tres agujeros, consta de 3 o 4 suelas de banqueta y el copetillo de baquetilla, en ocasiones se le adorna con motas de estambre, pero eso depende del gusto de cada danzante. NAGUILLAS.- Son dos piezas (delantera, trasera) son rectangulos que estan divididos en franjas, en las cuales unas van bordadas con lentejuela y chaquira y otras llevan carrizo. Los motivos del bordado dependen de la creatividad del danzante que pueden ser flores, mariposas, grecas, etc., en la parte inferior llevan un trozo de carnaza que se le conoce como fleco; este puede ser tambien de plastico. CORPINO O CHALECO.- Elaborado en tela y bordado con lentejuela y chaquira con motivos parecidos a las nagüillas, es un chaleco que se abrocha por la parte trasera, en la parte inferior lleva una hilera de carrizo con tiras de carnaza. PATIO O COTENSE.- Es un cuadro de manta doblado en triangulo, puede ser bordado con flores o un indio; este es utilizado por los danzantes que no cuentan con corpino. CORRELERAS.- Elaboradas en carnaza, se amarran en la parte de abajo de la rodilla y esta cortada en tiras de aproximadamente 30 cm. de largo. ARCO Y SONAJA.- Elaboradas con madera, la sonaja hecha de un guaje en la cual se le ponen piedras de hormiguero para darle mejor sonido, pintados de acuerdo a la iniciativa del jefe de danza. COREOGRAFIA: No tiene mucho movimiento esta danza, ya que los sones son ejecutados sobre dos lineas paralelas, en las cuales se va siguiendo a los capitanes, que dan la vuelta a la fila, para llegar siempre a donde empezo la pisada. En algunos juegos la coreografia tradicional varía, puede formar un gran circulo, como en el "El torito", hileras de cuatro, como en el "Cuatro y cuatro"; una gran hilera como en la "Viborita", etc.
- 18. DANZA DE BAJA CALIFORNIA NORTE El baile Calabaceado este baile anteriormente conocido como baile vaquero, nace al final de los años cincuenta, al ponerse de moda la música norteña, ritmo que permitiría que los vaqueros y la gente del pueblo comenzaran a imitar algunas gracias del ganado, como los brincos, giros y patadas. Pasos Básicos del Baile Calabaceados: 1.- Taconeado : Consiste en golpear fuertemente el piso con el tacón de la bota hacia delante, también el golpe puede ser en forma de patada, ó marcando círculos, golpeando el piso y elevando el pie hacía enfrente para regresar el golpe.. 2.- Golpe doble de planta : También conocido como paso de huapango. Son golpes de planta dobles, fuertes y rápidos alternados. Cada golpe debe ser ejecutado por pequeños brincos al momento de alternar. El golpe debe ser tan fuerte que levante polvo. 3.- Punteado atrás o de patada: Tiene su origen al querer igualar las patadas de los animales del campo e incluso levantar polvo hasta casi lograr que caiga en la espalda del bailador. 4.- Paso de remolino o reguilete : Es quizás el más gustado por todos los ejecutantes y espectadores por su difícil y perfecta ejecución dando vueltas al pie en forma circular hacia atrás, ya sea en sentidos de las manecillas del reloj si la pierna que se reguiletea es a la derecha, y a la inversa si es a la izquierda. 5.- Paso de reparito: Tiene su origen en los reparos del caballo o yegua en el rodeo. Consiste en dar un salto y caer en apoyo con pie izquierdo, al mismo tiempo el derecho sale elevado de costado y pasa al frente apoyándose en tacón y dando un remate de planta con pie contrario (izquierdo). Esta operación es alternada y cuantas veces se requiera. 6.- Apoyo de pie lateral: Consiste en dar un remate con el pie izquierdo y desplazar el pie derecho al frente apoyando el costado del mismo. Se puede repetir varias veces o alternar derecho – izquierdo. 7.- La palanca: Consiste en retroceder un pie, mientras que el pie delantero frena el impulso con el apoyo lateral del pie. 8.- Patada: Consiste en impulsar el pie hacia enfrente dando un salto alto para sacar un pie como si de fuera a dar una pata,mientras más se extienda la pierna más virtuoso es el paso. 9.- De columpio: Consiste en impulsar el pie en forma de „U‟, péndulo o semicírculo, hacia atrás o al frente.
- 19. DANZA DE CAMPECHE Existen diversas teorías acerca del origen de la palabra Campeche. La primera sugiere que se deriva de las palabras mayas "Can " (serpiente) y "Pech "(garrapata) y significa "Lugar de serpientes y garrapatas". El nombre se debe a que en este poblado maya se encontraba una estatua de una serpiente con una garrapata en la cabeza a manera de animales totémicos y a cuyos pies se realizaban sacrificios humanos. Otra teoría indica que Campeche se deriva de las palabras "Kin " (dios sol) y "Pech ". También supone que a este nombre se le puede agregar el prefijo "Ah "que quiere decir "lugar " y en conjunto diría "Lugar del señor sol garrapata .La tercera teoría se basa en la terminología anterior: "Ah Kin Pech ", pero con la aclaración de que Pech es el apellido de un sacerdote. Supone que el significado es "Lugar del Señor Pech adorador del Sol ". LA GUARANDUCHA COZUMELEÑA La guaranducha es una representación músico-teatral de carácter satírico, jocoso, chusco; en la cual los personajes representan una comedia en donde se parodian las costumbres del blanco con el negro (el Mayoral, el Juez, el cazador, la Monina, la Negrita, Candemo, el Burrutaco y María Rosario), o sea, el trato del amo con el esclavo, esta expresión se asentó en la isla de Cozumel a principios del siglo XX y hoy es parte de una tradicion temprana del pueblo isleño. La guaranducha es una expresión popular del pueblo cozumeleño, esta tiene su orígen en la guaranducha campechana que es más detallada, que a la vez, es una reminiscencia de las expresiones del teatro de relaciones del pueblo cubano que se originaron en las plantaciones de caña de azúcar en los ratos de regocijo de los esclavos negros. La guaranducha cozumeleña surge de la necesidad de un individuo por preservar sus costumbres. Estas generalmente se representan en los carnavales o fiestas carnestolendas. Las nuevas generaciones de cozumeleños deberán conservar esta tradición como identidad cultural, fortaleciendo sus costumbres y tradiciones. DANZA DE CHIAPAS El espacio geografico de Chiapas tiene ya varios centenares de años ocupado. En las epocas del Clasico Mesoamericano fueron grupos importantes mayas los que tuvieron el dominio de la region. Luego en el postclasico fueron sometidos por los aztecas unos 15 años antes del siglo XVI. Los españoles consolidan la conquista del area hacia 1527 y mandan a misioneros dominicos y de la orden de La Merced para llevar a cargo la evangelizacion.
- 20. Como producto de los mestizajes mas diversos, fiuyen en el aire manifestaciones artisticas muy particulares. Ejemplo de ello es la marimba que de acuerdo con las mas convincentes teorias, fue traida por los esclavos africanos en el siglo XVI. Hay algunas corrientes de que la marimba es guatemalteca, pero los chiapanecos desmienten esta teoria. Los sones y en general toda la musica que se ejecuta de forma local tiene un carácter profano. Estan dedicados a la flora y a la fauna de la region, (el jabali, conejo, pajaros, etc.) y a las poblaciones que estan situadas en el estado (Iztapa-Zoyalo, San Cristobal, etc.). EL BOLONCHON Es un baile indigena de la etnis de los CHAMULAS (del nahuatl chamuli, ave de cabeza roja, papagallo) que habitabban en los altos de Chiapas y Tabasco, asi como en una parte de Guatemala. Los chamulas son descendientes directos de los maya-quiche, por su idioma se dividen en dos grupos: los Tzeltales y los Tzotziles. La palabra BOLONCHON, viene de bolon(tigre) y chon (culebra). dos animales cuya lucha es frecuente en esas regiones selvaticas y de alli el origen del baile, mismo que ha perdido sus caracteristicas ancestrales, ya que ahora se baila como cualquier son, es decir, por parejas y siguiendo los compases de la musica que, es producida por una arpa, dos violines y una guitarra. En algunos casos se agregan tambores y flautas. Se da el caso de que se baile con marimba ya que los chamulas tocan este instrumento. El vestuario de los hombres, calzon ycamisa de manta con costuras rojas, coton de lana (negro o blanco rayados) abierto en los costados, sombrero de palma de alas anchas, sin listones, huaraches de suela muy gruesa y talonera muy alta. la mujer usa enaguas de lana negra, huipil de manta de lana adornado con monitos de estambre rojo, en la cintura llevan un ceñidor o faja de estambre rojo con adornos amarillos, sobre la cabeza llevan una especia de reboso de lana doblado que ellas tejen, al igual que todas sus prendas de vestir. Los chamulas viven en los Altos de Chiapas, entre las ciudades de San Cristobal de las Casas y Simojobel de Allende. DANZA DE CHIHUAHUA Chihuahua es una ciudad de México. Es capital del estado de Chihuahua.2 Es la segunda ciudad más grande y poblada del estado. Es la décima cuarta zona metropolitana del país. Su principal actividad económica es la industria ligera en forma de maquiladoras.
- 21. DANZA RARÁMURI Las danzas rarámuri son ceremonias llenas de significado, cuidadosamente ejecutadas. Tienen el poder de establecer comunicación con los dioses y de representar la vida de la tribu; son la motivación espiritual de costumbres y creencias. Por medio de las danzas se desenvuelve su cultura y en ellas expresan esperanzas, temores, anhelos y plegarias. Bailan para agradecer bendiciones o para alejar los maleficios y para evitar las enfermedades y el sufrimiento. El baile tutugúri se ejecuta de noche y al amanecer se comen las ofrendas. Durante el desarrollo de la danza el canto del sacerdote se acompaña sólo de una sonaja. Los matachines son los bailarines que actúan en las fiestas de la iglesia. Se distinguen por el brillante colorido de su atuendo, sus danzas son ejecutadas por un número par de bailarines, ocho o doce, acompañados de violines y guitarras DANZA DE COLIMA Su nombre proviene del término en náhuatl con que se denominaba al antiguo reino de Colliman: de colli, "cerro", "volcán" o "abuelo", y maitl, "mano", "dominio". Colima es, pues, "lugar donde domina el dios viejo o el dios de fuego".Es el cuarto estado más pequeño y su Índice de Desarrollo Humano es alto. La ciudad capital del estado recibe el mismo nombre: Colima. Colima limita al norte con el estado de Jalisco, al sur con el estado de Michoacán y al oeste con el Océano Pacífico. Políticamente se divide en diez municipios: Armería, Colima, Comala, Coquimatlán,Cuauhtémoc, Ixtlahuacán, Manzanillo, Minatitlán, Tecomán y Villa de Álvarez. LA MORISMA La Morisma son que bailan especialmente los varones, con un par de cuchillos hacen suertes golpeando al compás de los violines y la guitarra de golpe, ejecutada por un son que se conoce como la morisma de una influencia. DANZA DE DURANGO
- 22. MIS COSITAS Mis Cositas: Es un shotis que es ejecutado en forma tradicional conocida comojalón, o sea, que las parejas ejecutan jalones de brazos sin soltarse. La mujerflexiona levemente su tronco hacia la izquierda, algunos grupos lo interpretan con mayor flexión. El hombre, gracias al jalón mismo que es realizado con fuerza,conserva a la mujer cercas de él, depositando ella en su compañero totalconfianza. DANZA DE HIDALGO DANZA DE HUEHUEME O HUEHUES DE HUIZQUILITITLA La Danza de Huehues se lleva a cabo dentro de la festividad del Xantolo, o mejor dicho, forma parte del ritual del Xantolo. Dicha "fiesta" está dedicada a los difuntos de la comunidad, pero también está íntimamente ligada con el calendario agrícola de los pueblos de la región. El Xantolo es una festividad en la que se pide a los muertos su intervención en asuntos importantes para el pueblo. Surge como una mezcla de creencias prehispánicas y españolas cuyo sincretismo se logra gracias a las coincidencias ideológicas y calendáricas presentes en ambas culturas. LosHuehues o Huehueme son en realidad la representación de los difuntos... o por decirlo de otra manera, los danzantes prestan sus cuerpos para que los antepasados dancen y participen de la fiesta que se ha preparado en su honor, van por las calles de la comunidad y a petición de los jefes de familia interpretan los diferentes sones de la danza. Sobre los pasos, el vestuario y las máscaras. DANZA DE MICHOACAN DANZA DE TUMBIS Danza de Tumbis viene del estado de Michoacan, de la región Comúnmente conocida como la región "Lacustre" del lago de Patzcuaro y del pueblo Ichupio, localizado en la rivera del mismo lago Patzcuaro. De ahi proviene la danza de los "tumbis siendo la labor de pesca la máscomún de este pueblo. La danza de los "tumbis" es una danza de toma de la pesca, y además es de carácter festivo; Hacia como en la región lacustre del lago de Patzcuaro, hay manifestaciones ARTISTICAS que llevan el tema de la pesca por ser esa la base de la alimentación y de la economía de la región. Una de esas manifestaciones artísticas es la de la danza, teniendo como antecedentes danzas que Eduardo Ruiz nos narra en una de sus crónicas "Leyendas y Tradiciones de Michoacán". Los indígenasde el lago de Patzcuaro tienen su "CURUCH URAPITI" (pescado blanco) o danza de el "Chinchorro), donde se usa una red grande y
- 23. amplia. En Janitzio se tiene la danza de "PARACAB UARACUA" o danza de las "Mariposas" que le daban al Michoacán antiguo una típicacaracterización. En la actualidad el uso de estas redes es poco común. También de esta manera los "Tumbis" representan la pesca y llevan en sus labores una red pequeña llamada "Cheremekua" que es una red familiar de producción reducida, es decir para el sustento diario de una familia. "Tumbi" del idioma Tarasco quiere decir "Joven", siendo así la danza de los Jóvenes Pescadores que hacen la representación de la pesca bailando con energía y vigor, luciendo su atuendo y expresando sus emociones con sus movimientos disimulándose los hombres con una máscara de carácter expresivo. Las mujeres recatadas bailan con armonía y sus movimientos son suaves, cadenciosos y de lucimiento. DANZA DE NAYARIT El estado de Nayarit se localiza en el Pacífico Centro a solo minutos norte de Puerto Vallarta y asciende hacia la Sierra Madre Occidental: casa también de los Indios Huicholes, afamados por sus pinturas de estambre, sus "ojos de Dios" y su imponente atuendo. El nombre proviene de un líder Cora (Familia Huichola) de nombre "Nayar" quien al morirfuedeidificado. Nayarit produce caña de azúcar algodón café y tabaco y comparte una espectacular costa con Jalisco y Sinaloa. También es notable por su alto contenido de minerales de importancia. Su capital es Tepic, pero la población de Compostela (Inspirada en Santiago de Compostela, España) fué la primera capital de la Nueva Galicia (Colonia Española compuesta por los estados de Jalisco, Nayarit y Sinaloa). Sones y Jarabes Nayaritas. SUS SONES Existen varios tipos de sones Nayaritas, todas representaciones mestizas de música muy antigua de investigación relativamente reciente por el finado maestro Jaime Buentello a principios de los 70. Por ello esta coreografía está saturada de elementos teatrales modernos en vestuario y danza. Como ejemplo, el exhaustivo faldeo que seguramente nunca existió, pero que posee una poderosa presencia. El macheteo, el balanceo de botellas y vasos llenos de agua en la cabeza y otros detalles han convertido el folklore Nayarita en un favorito. Mas también se encuentran elementos tan reales como su música; como la destreza de los varones con los machetes, comparable a la reata que en manos del charro con algo de tiempo libre, se convierte en maestría artística. La coreografía por parejas para los sones y competitiva para los jarabes es tan real como el conjunto de "Mariacheros" que toca temas con nombres de animales como: ardilla, armadillo, gallito y el buey.
- 24. DANZA DE NUEVO LEON DANZA DE MATLACHINES O MATACHINES Danza mestiza con un profundo sentido religioso, se origina en las costumbres de los pueblos prehispánicos de danzar a sus dioses y que llegó a esta región con los tlaxcaltecas trasladados por los colonizadores. Esta danza también toma el nombre de danza de indio, o el del santo patrono a quien se venera; así puede ser Danza Guadalupe o Danza San franciscana. La danza está integrada por un número no determinado de danzantes los que se colocan en dos líneas; los danzantes que van en los extremos tanto anterior como posterior reciben el nombre de "capitanes" y son seleccionados por su destreza y madurez dentro de la danza, ya que ponen el ejemplo al inicio de cada "pizada" de los diferentes sones. En todo el grupo de danzantes se observa un gran respeto en la interpretación que se hace con el cuerpo literalmente inclinado. Un personaje muy importante es el llamado "Viejo de la Danza", que generalmente es el director, se encarga de la organización general, de los ensayos para que aprendan y practiquen las pisadas, de la confección completa del vestuario y sus accesorios y, ya en el momento de la ejecución, su labor es abrir el camino, levantar los accesorios y corregir a los danzantes. La Danza de Matachines es interpretada comúnmente por "manda", y es encabezada por un estandarte que lleva el santo patrono y el nombre de la cofradía. Al iniciar el traslado al templo lo hacen con el "paso de camino", y cuando se encuentran dos grupos de danzantes, los estandartes que encabezan estas peregrinaciones, se inclinan en señal de saludo al igual que los danzantes. Algunos de los sones más antiguos son: El Matamoros, El Venado, La Golondrina, El Jalisco, El Lucero, etc. El vestuario que portan los danzantes está formado por varias piezas: La camisa, que es de corte natural, confeccionada en seda o satín de color muy brillante; un calzón corto, cuyo largo es hasta la rodilla y confeccionado también en satín; "la nagüilla", que está formada por dos partes, una delantera y otra trasera, ambas sumamente elaboradas con dibujos adornados con lentejuela y enmarcados con canutillo, además, se aplican en tres hileras horizontales pequeños trozos de carrizo delgado detenidos por motas de estambre y la última hilera por un fleco largo de plástico llamado "pajuela"; llevan también un chaleco bordado con lentejuela, chaquira y canutillo; calzan huaraches que ellos mismos confeccionan con cuero y varias capas de lámina y que al danzar se escucha un sonido rítmico muy agradable.
- 25. Llevan en la mano izquierda un arco, que colocan en la cadera y en la derecha una sonaja, que acostumbran llevar con el bule hacia abajo. Lo más atractivo del vestuario es el penacho multicolor, hecho con plumas de pavo pintadas con anilina y los hay de diferentes tipos; el de apache, el de cresta de gallo y el más tradicional de la región, el de comal. Los instrumentos que acompañan las danzas son: el violín y uno o dos tambores. DANZA DE OAXACA DANZA DEL TORO DE PETATE Existe una gran variedad de danzas conocidas como "del toro" en diversas regiones del país. La versión de Santiago Collantes es alegre y llena de movimiento, además de estar inspirada en una historia de la localidad. Santiago Collantes es una Agencia Municipal de Santiago Pinotepa Nacional. Se encuentra localizada al sureste de la cabecera municipal. Tiene una población aproximada de 3,000 habitantes, quienes se dedican principalmente a la siembra y cardado del algodón, cultivo del maíz y las actividades comerciales. Los habitantes de la localidad no hablan ninguna lengua indígena, ya que la ascendencia principal de la mayoría de la población es de origen africano. Los trajes que se usan en la danza constan de pantaloncillos y camisa a la usanza española, los primeros hasta la altura de la rodilla, y la segunda de colores brillantes en tela satinada. Detrás de la camisa cuelgan escarchas brillantes de colores que le dan vida al conjunto del vestido. El jefe de los caporales utiliza una binza (instrumento de cuero de res muy duro empleado como látigo), chaparreras y un sombrero diferente que marca su jerarquía. También llevan una cuerda que en ocasiones utiliza para intentar lazar al toro. El resto de los danzantes, los caporales, portan un listón cruzado sobre el pecho con un moño en el cruce. Los sombreros son adornados con un lienzo brillante y se le ponen cuatro espejos, imitando todo el zarco de los españoles. Los caporales utilizan un machete ficticio colgado sobre el hombro derecho.La imagen de Don Pancho se hizo con una máscara que representa la piel blanca, mirada altiva, nariz aguileña, barba crecida y blanca. También se hizo la imagen de su esposa, María Domínguez, conocida como la Minga, cuya máscara imita piel blanca, ojos azules y cabellera rojiza; su vestido consiste en una falda larga y blusa de colores llamativos, lleva cargando una muñeca envuelta en un rebozo, la que representa a su hija. El toro se confecciona de carrizos con un forro de petate. Los arreglos de los sones se adecúan a las relaciones, las cuales están compuestas en forma de versos. La interpretación de la música es hecha generalmente por cuatro instrumentos de viento: dos trompetas y dos saxofones, acompañados de un tambor que marca el ritmo y que, cuando los caporales se enfrentan al toro, retumba solo, añadiendo suspenso e interés a la danza.
- 26. Aunque el número de danzantes puede variar, por lo general son entre catorce y veinte, incluyendo al jefe de los caporales, a la Minga y al toro. En el desarrollo del baile el jefe de los caporales y Don Pancho bailan con la Minga (que es interpretada por un hombre), mientras que todos los caporales forman dos hileras o un círculo en pasos de danza de manera alternada, y el toro baila al centro. La historia que inspiró el nacimiento de esta danza se va desarrollando a través de los pasos dancísticos hasta que llega el momento de enfrentar al toro. Entonces, en medio de un círculo que forman los caporales, cada uno de ellos recita versos alusivos al festejo o a las personalidades presentes en la fiesta, y después ataca al toro, el cual embiste furiosamente. El violento choque de las espadas de madera con el toro de carrizo es vistoso y estremecedor, y constituye el clímax y la culminación de la danza. DANZA DE PUEBLA DANZA DE QUETZALES La Danza de Quetzales es una danza originaria de la Sierra norte del estado de Puebla, aunque también se baila en algunas localidades del Estado de Veracruz. En la época prehispánica era dedicada al sol, rasgo que aún tiene reminiscencias en la corona que portan los danzantes en la cabeza. Formaba parte de todo un ritual que incluía también las danzas de "voladores" y "hua-huas". En cuanto al origen de su nombre, existen dos teorías, la primera afirma que es tomado porque antiguamente las coronas de los danzantes se elaboraban con plumas del ave quetzal, que actualmente está en peligro de extinción. Otra teoría dice que la danza toma su nombre porque se baila en la región de Cuetzalan, Puebla. La indumentaria del danzante consta de un pantalón de razo rojo con listones de colores a la altura de la rodilla y del tobillo, rematado con flequillo de color dorado o amarillo. Éste pantalón se viste sobre el pantalón blanco de manta de uso común entre los habitantes indígenas de la región. Viste camisa blanca de manta que actualmente se ha sustituido por una camisa blanca de vestir; sobre ella se portan dos capas triangulares que repiten el patrón de los listones y el flequillo dorado al rematar. Una de ellas es forzosamente de color rojo como el pantalón y la otra, llamada contracapa puede variar en color de acuerdo a la región, siendo los colores más comunes el verde, azul y amarillo. Algunas capas presentan motivos bordados ya sea en hilo o con lentejuela y chaquira, representando generalmente a la propia ave, el sol o alguna flor. El danzante chichimeca calza huaraches de tres puntos, también llamados de "pata de gallo" que constan de una suela de llanta y una correa larga de cuero curtido que perfora la suela en tres orificios. Se cree que esta danza tolteca es de origen prehispánico cultural. En la actualidad es ejecutada en su contexto original (Fiestas patronales de las comunidades) por los miembros de los grupos indígenas nahuas y totonacos; y fuera de su contexto por grupos de danza folclórica mexicana. También la danza de los quetzales influye mucho en la vida,ya que sigue siendo una danza muy importante de México y puede llegar a romper fronteras siendo
- 27. una de las principales danzas mexicanas. En nuestra cultura influye mucho ya que es bailada por miles de habitantes en su natal estado. La música se toca con una flauta de carrizo y tamboril,tocados ambos instrumentos por un solo hombre.Normalmente en el vestuario se colocan maracas que también participan en los instrumentos. DANZA DE SINALOA DANZA DEL VENADO La Danza del Venado es una danza ritual celebrada por los indígenas yaquisy mayos de los estados mexicanos de Sinaloa y Sonora. Esta danza es una dramatización de la cacería del venado, héroe cultural de estos pueblos, por parte de los paskolas (cazadores). El Venado, figura principal de la danza de este nombre, se cubre la cabeza con un paño blanco que se amarra fuertemente hasta la altura de los ojos, dejando caer las puntas de la tela hacia atrás. Sobre la cabeza y sujetada con correas bajo la barbilla, se ajusta una cabeza de venado disecada, adornada con cintas de color, mascadas o flores de papel o naturales. En el cuello lleva rosarios o collares de chaquira blanca con medallas. El torso queda desnudo. De la cintura a la rodilla se lía un rebozo azul, a quizá de enagüilla, y se lo sujeta con una ancha faja de lana azul o negra. Sobre la faja se coloca el "grijuútiam" (cinturón de pezuñas de venado) o un cinturón con grandes cascabeles colgantes. En los tobillos se ata dos tiras de "ténabaris" (capullos de mariposa secos) que producen un sonido peculiar al moverse los pies durante la danza. En las manos lleva dos grandes sonajas de bules llamadas “Senasos”. Dependiendo de la festividad en la que se ejecute la danza puede haber otros personajes como lo son los pascolas y los coyotes o cazadores. Los Pascolas llevan la cabeza descubierta y lucen un mechón de cabellos, que llaman "vela", sujeto con una cinta de color enrollada en la parte superior de la cabeza. En el cuello llevan collares de chaquira blanca y negra con medallas. Sujeta a la cabeza llevan una máscara de madera, decorada en blanco y negro, con bigote, barba y cejas de ixtle. Esta máscara se la pone detrás de la cabeza, y se la colocan en la cara cuando bailan determinados pasos. El torso queda desnudo. De la cintura para abajo se lían un sarape de color gris o café, de lana, sujeto a la cintura con una faja de lana azul o roja cuyos extremos se amarran arriba de la rodilla, dándole al sarape el aspecto de pantalones de montar. Sobre la faja, en la cintura, usan cinturones de cascabeles o "grijuútiam". Llevan enrolladas en los tobillos dos tiras de "tenabaris". En la mano derecha llevan una sonaja de discos de bronce montados entre dos pequeñas tiras de madera y que hacen sonar golpeándola contra la mano izquierda. Los danzantes que hacen de Coyotes se cubren con un sarape, que llevan sobre la espalda. Se adornan la cabeza con penachos de pluma de águila que les cubre la frente y caen hacia
- 28. la espalda, semejantes a los que usan los indios pieles rojas de Nuevo México. En la mano izquierda llevan un gran arco de caza que golpean rítmicamente con un carrizo en cuyo extremo se han practicado varios cortes siguiendo el hilo del carrizo, para hacerlo más flexible y sonoro. DANZA DE TABASCO Entre sus tradiciones y folklore, la más mencionada es la danza de “El Pochó”, de origen precolombino, la cual considerada como la mas bella y misteriosa de Tabasco. Esta danza cuenta con personajes como: cojóes, pochoveras y tigres que bailan en calles y plazas de la ciudad al compás de la música de viento y percusión, lucen espléndidos vestimentas confeccionados con grandes hojas, flores, canastillas de chicle y máscaras de madera; esta danza simboliza la purificación del hombre de su lucha entre el bien y el mal, concluyendo con la muerte del Pochó – o Dios maligno – quien es vencido y quemado el mates de carnaval. Se baila del 19 de enero al martes de carnaval en Tenosique. Tres son los personajes que intervienen en el desarrollo de esta danza: las Pochoveras, doncellas de las flores y sacerdotisas del dios Pochó encargadas de mantener el fuego encendido y vigilar su altar. Su vestimenta consiste en una falda larga, su sombrero adornado con flores, hojas y su reboso. Los Cojóes, hombres creados de la pulpa del maíz que representaron una ofensa para el dios Pocho, motivo por el cual los hizo disfrazar para imitar a los hombres de madera. Su vestimenta es la más original y cosiste en una faldilla de las hojas de castaña y un tosco costal con el que se cubren el torso, en el rostro llevan una mascara de madera la cual puede ser pintada de diversos colores, lleva además un sombrero bien adornado con flores y hojas y como accesorio un palo largo con hueco de huarama llamado psiquis que suena como sonaja por las semilla de changala que lleva adentro. Los Tigres o Balandes, son personajes disfrazados que se cubren el cuerpo con sascab que es una tierra blanca que sirve de adorno en el fondo para que sobresalgan las manchas negras hechas de carbón se cubren además con una piel de tigre o de venado. Estos personajes bajan a la tierra para destruir a los hombres de la pulpa del maíz y son protegidos por las Pochoveras, pero los hombres que imitan a los de madera logran vencerlos y unificarlos para su causa. Estos tres elementos constituyen una alianza para vencer al dios maligno iniciando una larga peregrinación hasta lograr la muerte del Pochó.
- 29. DANZA DE VERACRUZ El Estado de Veracruz, representa una fuente interesantísima de tradiciones, creencias y costumbres populares, que han sido transmitidas a través del tiempo por medio de la danza En esta región además de sus danzas se baila el huapango que es un género musical y dancístico denominado también "Son Huasteco", el cual surge en la época colonial de bailes y trovas populares de influencia española pero con una expresión propia de los sectores mestizo e indígena y que se identifica como una cultura regional. Una expresión que sobre el huapango emite Patricia del Carmen Florencia Pulido en su Crónica Histórica del Huapango Huasteco Veracruzano es : "El Huapango es el producto de un sentimiento que se manifiesta bajo acordes musicales, trovos y retumbar de las tarimas por un taconeo suave y armonioso que simbolizan a nuestra raza Huasteca". DANZA DE LOS GUAGUAS O HUAHUAS En esta danza es fundamental la construcción de una cruz de madera que gira de manera vertical, en que se realiza parte de la danza y que ha sido considerada como el símbolo del movimiento (ollín), base de toda creación y generador de la vida cósmica. La danza de Huahuas se baila en las plazas o en los atrios de las iglesias, donde se coloca la cruz sobre altos postes de madera que sirven de ejes. La indumentaria de los danzantes consiste en un pantalón rojo, un delantal del mismo color con bordados y flecos dorados, paliacates cruzados en el pecho y una capa sobre los hombros también roja. En la mano portan una sonaja que acompaña una flauta de carrizo y un tamborcillo de doble parche con el que les marcan el ritmo. El tocado consiste en un cono rígido forrado de tela, adornado con espejos a veces en forma de estrella, y de cuyo vértice sale un pequeño penacho circular formado por una estructura de carrizo con listones de colores entrelazados y otros colgando por la espalda. Calzan botines con los que ejecutan fuertes taconeos y marcando una cruz con los pies. El grupo de danzantes se compone por siete elementos que después de bailar dan paso a cuatro de ellos, quienes se suben a la cruz giratoria que es impulsada por ellos mismos dando vuelta cada vez más rápido hasta convertirse en un círculo de movimiento multicolor.
- 30. DANZA DE TLAXCALA Una de las expresiones culturales más arraigadas en el Estado de Tlaxcala es la celebración del carnaval. La cual se caracteriza por la ejecución de diferentes danzas de origen indígena nahua. En gran parte del Estado la población organiza esta festividad de acuerdo a los usos y costumbres de cada región. El carnaval fue introducido en Tlaxcala por los colonizadores españoles, aproximadamente, desde el siglo XVII. De hecho, en 1699 el entonces gobernador de la Provincia, el Duque de San Román, emitió un Auto en el cual prohibía a los danzantes burlarse de personalidades locales y ordenó que el edicto se pregonara en los idiomas náhuatl y español. Este documento se encuentra en las oficinas del Archivo Histórico de Tlaxcala.* Como respuesta a esta situación, de manera sarcástica los nativos remedaron y ridiculizaron las celebraciones, bailes y vestimentas de hacendados, aristocracia y clero, las clases pudientes que los marginaban. Así nacieron los Catrines de San Bernardino Contla, los Charros de la región sur, los chivarrudos y demás figuras que dan vida y variedad a la riqueza del carnaval de Tlaxcala: "Los Huehues" ** DANZA DE LOS CUCHILLOS De orígenes campesinos y bajos recursos las poblaciones de esta zona encuentran a su manera las formas adecuadas para la celebración de la época del carnaval. Su traje consta de botines negros, medias de color carne o calcetas con anillos de tonos brillantes, falda con chaleco de razo o satín con listones que circundan la falda de colores, y/o camisa de otro color y/o chaquetín de traje negro; utiliza una máscara generalmente de baqueta, porta un sombrero de palma adornado con flores de papel de china y tiras del mismo material que penden del sombrero hacia la espalda, el nombre de estos danzantes lo toman de los cuchillos que portan en los tobillos, estos se colocan encontrados para que cuando se ejecute la danza los hagan sonar. Realizan diferentes suertes cuando brincan la cuerda y cruzan las piernas, la música también hace juego con la danza y el vestuario: solo es de cuerdas principalmente el violín y la guitarra.