Fichas para trabajar las imágenes de historia del arte de segundo de bachillerato. Material elaborado por el profesor Antonio Casquet Chacón del colegio Ave María Casa Madre de Granada

1. El tributo de la moneda.
Fresco, Capilla Brancacci, Iglesia de Santa María del Carmine, Florencia. 255 cm × 598 cm.
Renacimiento Italiano. Quattrocento, 1424-1425.
Tommaso de San Giovanni conocido como Masaccio.1401-1428.
La historia:
1. En el centro Jesús con sus apóstoles y de espalda el recaudador que exige que pague el tributo , Jesús ordena a Pedro
que se acerque al río, las manos de Cristo y Pedro nos dirige a la izquierda, Pedro en la orilla del río.
2. El milagro : a la izquierda Pedro extrae la moneda de un pez.
3. A la derecha Pedro entrega la moneda al recaudador.

2. Características.
 Masaccio sitúa en el centro de la composición el momento en que Jesús ha hablado dando instrucciones a Pedro y
cómo sus palabras provocan extrañeza entre los discípulos.
 El espacio está construido utilizando las leyes de la perspectiva estudiadas por Brunelleschi y Alberti. Las
construcciones de la derecha y la interpretación del paisaje aumentan la sensación de profundidad.
 Espacio real en el que se sitúan figuras reales, entre las que parece que podemos movernos.
 La luz y el color construyen las figuras dotadas de volumen, como estatuas antiguas.
 El punto de fuga se localiza en la cabeza de Jesús, centro en torno al cual giran los discípulos formando un círculo.
 Masaccio rompe con el decorativismo y la elegancia de la pintura del gótico final y enlaza con la obra de Giotto,
dotando a sus figuras de monumentalidad, tridimensionalidad, grandeza y nobleza en los rostros y actitudes.

3.  La expresión en los rostros de los discípulos manifiesta la tensión emocional ante un mensaje tan descabellado.
 Nada es anecdótico, todo lo secundario se ha suprimido, de ahí la solemnidad de la representación.
 Nada diferencia a Jesús de sus acompañantes, viste como ellos, es igual de alto pero su rostro trasmite serenidad,
seguridad y decisión.
 La sencillez de su gesto está cargado de fuerza y significado
Masaccio, a pesar de su corta vida, es considerado el iniciador de la pintura del Renacimiento y sus influencias fueron
decisivas en pintores posteriores.
Obra suya es también el fresco de La Trinidad, en la Iglesia florentina de Santa María Novella.
Fue contemporáneo de Brunelleschi y Donatello y de pintores como Fray Angélico.

4. La trinidad.
Fresco, Iglesia de Santa María Novella, Florencia. 680 cm × 475 cm.
Renacimiento Italiano. Quattrocento, 1424-1425.
Tommaso de San Giovanni conocido como Masaccio.1401-1428.
Tema.-
La figura de Dios Padre, el Espíritu Santo y el Crucificado, a los pies de
la cruz la figura de la Virgen a nuestra izquierda y San Juan, bajo una
bóveda de cañón con casetones entre columnas y pilastras ,en un
escalón inferior los donantes, un sarcófago entre columnas bajo un
altar en un primer plano.
Características.-
 Los elementos arquitectónicos que organizan el espacio están
tomados del lenguaje formal de la Antigüedad Romana.
 Los colores dominantes rojo y azul, también mantienen el mismo
equilibrio que las figuras.
 La perspectiva permite a Masaccio sugerir la profundidad del
espacio, “¡Masaccio ha abierto un agujero en la pared!
Exclamaban sus contemporáneos sorprendidos ante el efecto
ilusionista de profundidad, y la correcta colocación de cada una
de las figuras.
 La luz incide con mayor intensidad sobre las figuras de los
donantes, pero todas parecen estatuas con un claro sentido
escultórico, fuertemente tridimensional, con la mismo tamaño.
 Figuras realistas, con amplios ropajes que cubren la totalidad de
sus cuerpos inmóviles, salvo el gesto de María señalándonos a
San Juan y éste mirando al Crucificado.
 Como en otras obras suyas se ha eliminado todo lo anecdótico,
decorativo y secundario.

5. “Fui lo que tú eres y un día serás lo que yo soy.”
Lo efímero y transitorio de nuestro paso por la tierra.
 El punto de fuga en la línea en que apoyan las figuras de
los donantes y a la altura de la cabeza del espectador.
 La composición en balanza, equilibrada, inscrita en un
triángulo equilátero.
Masaccio, a pesar de su corta vida, es considerado el
iniciador de la pintura del Renacimiento y sus influencias
fueron decisivas en pintores posteriores.
Obra suya es también el ciclo sobre San Pedro en la Capilla
Brancacci en la Iglesia de Santa María del Carmine, en
colaboración con el pintor Masolino de Panicale.
Fue contemporáneo de Brunelleschi y Donatello y de
pintores como Fray Angélico.

6. La Anunciación.
Fresco Convento de San Marcos, Florencia, 216 cm X 321 cm.
Renacimiento Italiano, Quattrocento, 1438-1445. Fra Angélico, Fiésole, cerca de Florencia, 1400? – Roma 1455.

7. Tema.-
El arcángel Gabriel se aparece ante María y le anuncia que el Hijo de Dios se encarnará en su vientre y se hará
hombre.
Características.-
 La Anunciación de Fra Angélico establece un espacio definido para la Virgen y otro para el arcángel a través de
la perspectiva rompiendo con los fondos dorados y abstractos, tradicionales en la pintura de finales del gótico.
Pero lo cierto es que el espacio es demasiado pequeño, observa las columnas , de capiteles corintios y jónicos,
y la altura del techo, imaginemos que la Virgen se pone de pie.
 Sencillez y claridad en la composición. No hay elementos de distracción, salvo las delicadas alas del arcángel.
 Todo está en calma y armonía, el orden impuesto por Dios mismo, reflejo de la profunda fe del autor.
 Las dos figuras con claro volumen y corporeidad. Rostros serenos y concentrados.
 Luz y colores suaves, apenas hay sombras dentro del pórtico donde trascurre la acción. El jardín pleno de flores
y verdor.
 También es el autor de La Anunciación del museo del Prado, los frescos de las vidas de San Esteban y San
Lorenzo en el Vaticano y otras pinturas al fresco dentro del mismo edificio del convento de San Marco en
Florencia, entregado por los poderosos Médicis a la orden de los dominicos, entre los que se encontraba Fra
Angélico.
La Anunciación que conserva el Museo del Prado. Pintada al temple
sobre tabla, con semejanzas y diferencias con respecto a la del
convento de San Marcos, pero con el mismo candor y emoción religiosa
por parte del autor.

8. Virgen con santos, ángeles y Federico de
Montefeltro. También llamada Pala Brera. sacra
conversazione. Temple sobre tabla, 248 X 170 cm.
Pinacoteca Brera, Milán.
Renacimiento Italiano, Quattrocento. 1469-1472.
Piero della Francesca 1416-1492.
Tema.-
La Virgen sentada con un Jesús Niño dormido en su
regazo, A sus lados santos y ángeles, a la izquierda, San
Juan Bautista, San Bernardino y San Jerónimo; a la
derecha San Francisco mostrando los estigmas, San Pedro
Mártir y San Juan Evangelista; a cada lado de la Virgen dos
ángeles , por último arrodillado a la derecha y en actitud
de oración, el Duque Federico de Montefeltro como
donante . La Virgen de un tamaño ligeramente mayor que
los demás. San Bernardino y San Pedro Mártir fueron
añadidos con posterioridad.
Características:
 La acción transcurre en un espacio arquitectónico al
estilo de Alberti: pilastras clásicas, bóveda de cañón
con casetones y venera cerrando el ábside de la que
pende un huevo. La luz viene de la izquierda e ilumina
de forma suave y homogénea, en la sombra sigue
habiendo luz, todo efecto dramático ha sido
eliminado.
 Todo está en orden, equilibrio y simetría, las figuras
inmóviles, detenidas en el tiempo, sin relación entre
ellas, claramente tridimensionales.

9.  El huevo y la concha, como elementos simbólicos,
podrían interpretarse aludiendo a la maternidad de
María como a la milagrosa maternidad de Battista
Sforza, mujer de Federico de Montefeltro.
 de ahí el Duque con armadura y espada al cinto.
 Desde sus primeras obras la geometría se convierte en
el medio de organizar las obras y reducir las figuras a los
esencial.
 Los colores poco numerosos en la pintura de Piero, fríos
y blancos, con una luz clara y fría, sin sombras ni
claroscuros, inmoviliza a las figuras como estatuas de
piedra.
 Obra de carácter votivo, posiblemente una victoria
militar la batalla de Volterra, .
Otras obras de Piero della Francesca:
La leyenda de la Vera Cruz, frescos de la Iglesia de San
Francisco en Arezzo.
La Flagelación de Cristo de la Galería Nacional de Urbino.
Retratos y triunfos de Federico de Montefeltro y Battista
Sforza en la Galería Uffizi de Florencia.
Fue contemporáneo de Sandro Botticelli y algunos años
más joven que Fray Angélico.
Su influencia fue decisiva en pintores posteriores,
especialmente en el manejo de la luz y de la perspectiva

10. El nacimiento de Venus.
Renacimiento italiano, Quattrocento, 1484-1486.
Temple sobre tela. 172,5 x 278,5 cm. Galería de los Uffizi, Florencia. Para el palacio de Pierfrancesco de Médicis.
Alejandro Botticelli 1455-1510.

11. Tema.-
Tema mitológico relacionado con el nacimiento de
Venus, diosa de la belleza y del amor que, desnuda y
ocupando el centro de la composición, navega en una
concha empujada por los vientos Céfiro y Aura hacia
la isla de Citerea, mientras que en la orilla Flora,
acude con un manto a a cubrir el cuerpo desnudo de
Venus.
Características.-
 Predominio del dibujo sobre el color , marcando
firmemente contornos y dintornos de las figuras
con líneas serpenteantes que imprimen
movimiento a la composición.
 Recuperación de la Antigüedad Clásica en cuanto
al tema mitológico como a las formas inspiradas
en la estatuaria antigua, las Venus Púdicas del
mundo romano, o el contrapposto en la posición
de las piernas.
 Belleza idealizada acompañada de melancolía en
la figura de Venus, de larguísimos cabellos
ondeando al viento.
 Recuperación del desnudo femenino, olvidado por
completo durante la Edad Media al considerarlos
pecaminoso.
 Composición equilibrada, con inclinación a la
derecha del espectador, con el eje central de
Venus.
 Escaso interés de Botticelli por el paisaje y la
representación del espacio.

12. La Primavera.
Renacimiento Italiano. Quattrocento.1482.
203 X 314. temple sobre tabla. Galería de los Uffizi. Florencia. Para el palacio de Pierfrancesco de Médicis.
Alejandro Botticelli 1455-1510.

13. Tema.-
Tema mitológico que nos muestra en un espléndido jardín a
Venus, la diosa del amor, en el centro, a la derecha, Céfiro, el
viento frío de marzo persigue a la ninfa de la Tierra, Cloris, que al
ser tocada por él se trasforma en Flora, diosa de la vegetación y de
las flores, encima de Venus está Cupido, disparando sus flechas a
las tres Gracias, en concreto a la del centro, Castitas, que mira al
dios Mercurio, mensajero de los dioses y nexo entre el cielo y la
tierra, que aleja con su caduceo las últimas nubes del invierno.
Características.-
 Botticelli fue el primer artista en pintar cuadros mitológicos
tan monumentales que competían con el arte religioso de su
época.
 Composición equilibrada, Venus es el fiel de la balanza y a
ambos lados , en los platillos, se disponen las demás figuras.
 Figuras idealmente bellas, cargadas de poesía, de canon
alargado, de gestos y actitudes serenas y elegantes, de carnes
luminosas, de colores vivos y cálidos, de dibujo firme, enérgico
y preciso, con gusto por el detalle, de ritmos curvilíneos que
imprimen movimiento y dinamismo constante, de múltiples
direcciones.
 Tanto la Primavera como el nacimiento de Venus, que
comparten protagonista, estaban destinadas a la educación del
joven Lorenzo Pierfrancesco de Médicis. Venus que encierra
en el Renacimiento multitud de significados, en este caso se
identifica con la Humanitas, es decir la Humanidad,
atribuyéndole multitud de virtudes, Caridad, Modestia,
Magnanimidad, Templanza …, la belleza de los cuadros de
Botticelli es el camino para el aprendizaje del joven Lorenzo
que contaba en ese momento catorce o quince años.
Detalle de Flora, el único personaje que nos mira.
Boticelli también realizó pintura religiosa como la
Adoración de los Magos , La Madona del
Magníficat o una Piedad. También alegorías como
la Calumnia de Apeles.
Fue contemporáneo de Piero de la Francesca,
Donato Bramante y Leonardo de Vinci

14. Virgen de las rocas.
Renacimiento italiano. Cinquecento. Clasicismo. 1483-1486.
Leonardo de Vinci, 1452-1519
Óleo sobre tabla. 199 X 122 cm. Museo del Louvre. París.
 El primer encargo en Milán .
 Formaba parte de un retablo para una capilla de San
Francisco el Grande de Milán y encargada por la Cofradía
de La Inmaculada Concepción.
 La Virgen sentada abraza a San Juan que, arrodillado,
reza ante Jesús Niño , Éste le bendice, el ángel señala el
suceso y nos mira. Este episodio de la vida de María no
está reflejado en los Evangelios, sí en los textos
apócrifos.
 María , muy joven, dirige su mirada hacia San Juan niño
y avanza su mano derecha en un escorzo perfecto.
 Las cuatro figuras se disponen a la entrada de una
gruta, bajo una luz suave que procede de la izquierda. El
sfumato suaviza el contorno de las figuras . Otra fuente
de luz encontramos al fondo de la gruta.
 Una vegetación variada crece por doquier y parece más
viva que nunca hasta entonces, plantas todas existentes
y reproducidas con una visión botánica.
 Línea cerrada. Composición en pirámide
 La humedad del ambiente se percibe.
 Al fondo el paisaje se difumina en la distancia. Frente a
la perspectiva lineal del Quattrocento, Leonardo
presenta la perspectiva aérea.
 La visión científica sobre la naturaleza de Leonardo está
presente ya en la obra.

15. Leonardo pintó el mismo tema en otra ocasión, con la
intervención de Ambrogio de Predis, óleo sobre tabla que se
conserva en la National Gallery de Londres. También son
obras suyas, La Gioconda , La inconclusa Adoración de los
reyes Magos de la Galería de los Uffizi de Milan o la Santa
Cena del refectorio de Santa María de las Gracias de Milán.
La obra de Leonardo no se limita a los pictórico, sus
aportaciones son importantes también en escultura y
arquitectura, ingeniería y música, sin olvidar sus
investigaciones , proyectos e inventos en todos los campos de
la ciencia recogidos de manera muy desordenada en sus
cuadernos.
Contemporáneo de Miguel Ángel Buonarroti, Rafael Sanzio o
Donato Bramante
La Virgen de las rocas.
Versión de la National Gallery.

16. La Santa cena.
Renacimiento Italiano. Cinquecento, Clasicismo. 1495-1497.
Óleo sobre temple y sobre revoque. 460 x 880 cm. Refectorio del convento de Santa María de las Gracias. Milán.
Leonardo de Vinci, 1452-1519. Encargada posiblemente por Ludovico Sforza.
El tema.-
la última cena de Jesús con sus discípulos. A partir de aquí se inicia su pasión y muerte en la cruz, con la oración en el
huerto de los olivos y el prendimiento por la autoridad romana.
“Uno de vosotros me ha traicionado”. Jesús acaba de pronunciar esas palabras que provocan gran agitación entre
Los apóstoles.

17. Características.-
 Las palabras pronunciadas por Jesús se pueden comparar a una piedra que cae en un estanque provocando
ondas concéntricas que van perdiendo fuerza conforme se alejan del epicentro hasta llegar a los extremos de la
alberca en que se frenan. Aquí la piedra son las palabras de Jesús y la onda expansiva son las emociones
manifiestas en los rostros de los apóstoles.
 La línea cerrada de las dos figuras de los extremos frena toda la agitación y movimientos de los grupos.
 La mesa, demasiado pequeña para tantos comensales, acentúa la fuerza y la tensión de las figuras., agrupadas de
tres en tres.
 Los rostros se convierten en un variado repertorio expresivo de los movimientos del alma, sorpresa, estupor, ira ,
indignación, …son seres humanos agitados por la noticia.
 Leonardo no aísla al traidor, lo distingue con algo más sutil, su rostro a contraluz.
 Leonardo ilumina su pintura desde la izquierda, donde están colocadas las ventanas reales del refectorio y
continúa su arquitectura de forma fingida a través de la perspectiva.
 Las tres ventanas del fondo se abren a un paisaje que se pierde en la lejanía y que recortan la silueta de Jesús
aislada en el centro, un triángulo equilátero perfecto,
la única figura que trasmite serenidad, el arco sobre la ventana
aísla todavía más a la figura de Jesús.
 Lamentablemente la pintura comenzó a deteriorarse antes
de que Leonardo la diera por terminada.
La obra de Leonardo no se limita a los pictórico, sus aportaciones
son importantes también en escultura y arquitectura, ingeniería y
música, sin olvidar sus investigaciones , proyectos e inventos en
todos los campos de la ciencia recogidos de manera muy
desordenada en sus cuadernos.
Contemporáneo de Miguel Ángel Buonarroti, Rafael Sanzio o
Donato Bramante

18. Gioconda
Renacimiento Italiano. Cinquecento. Clasicismo. 1503-1510?
Óleo sobre tabla. 77 X 53 cm.
Leonardo de Vinci, 1452-1519.
Museo del Louvre. París.
El tema.-
Leonardo acepta a comienzos de 1503 el encargo de
Francesco del Giocondo de retratar a su esposa Lisa
Gherardini, llamada Mona Lisa, para celebrar el nacimiento
de su hijo Andrea.
 Retratada de medio cuerpo, sentada, apoyando su brazo
izquierdo en el del sillón.
 Las piernas dirigidas hacia la izquierda y girando su
cuerpo, cuello y cabeza hasta alcanzar una posición casi
frontal.
 La figura muy próxima al espectador, mientras que el
fantástico paisaje del fondo acentúa la distancia y la
profundidad espacial.
 Sin cejas, la frente muy amplia, ningún adorno, ni anillos
ni collares, un discreto velo casi trasparente cubre su
cabello.
 Trasmite sensibilidad y vida.
 Su sonrisa, agradable hacia el espectador.

19.  En ella están presentes las características
más significativas de la pintura de
Leonardo:
Perspectiva aérea. Recurso pictórico
atribuido a Leonardo de Vinci, que intenta
representar la atmósfera que envuelve a los
objetos, disolviendo las líneas y contornos
precisos , de manera que la figura queda
inmersa en la atmósfera que la rodea. Los
elementos del paisaje pierden nitidez
conforme se alejan del espectador y el color
va adquiriendo unas tonalidades grises
azuladas, intensificando el efecto de
distancia.
También se denomina Sfumatto.
Hasta tal punto se disuelven los contornos y
dintornos que la figura adquiere un volumen
nunca alcanzado hasta entonces. Leonardo
alcanzaba este grado de difuminado usando
la técnica de las veladuras,
consistente en aplicar muy poco pigmento
con aceite y esencia de trementina casi
transparente, sobre una base de color ya
seca, en repetidas ocasiones sobre la misma
superficie hasta el punto de hacer
desaparecer la pincelada. La suavidad
del modelado con la luz y la sombra se
ha llevado a sus últimos extremos.

20. La Escuela de Atenas.
Renacimiento italiano, Cinquecento. Clasicismo. 1510-1511.
Pintura al fresco. 500 X 770 cm. Stanza della Segnatura, Palacio Vaticano.
Rafael Sanzio de Urbino, 1483-1520.

21. La Escuela de Atenas esta pintada en una de las cuatro paredes de la Stanza della Segnatura, en el Palacio Vaticano
ocupado en esos momentos por Julio II, las otras tres paredes muestran: “La disputa del Sacramento”, “El Parnaso” y “La
Jurisprudencia”. También de Rafael. El fundamento de todo este programa iconográfico está en la filosofía neoplatónica
que intenta conciliar la cultura grecorromana y cristiana haciendo que los temas paganos tengan un carácter moralizante
y convivan con los religiosos.
Tema.-
La exaltación de la Filosofía y de la Ciencia. Bajo las bóvedas de una arquitectura inacabada, aparece una multitud de
sabios y filósofos de la Antigüedad que representan las diferentes disciplinas del saber, presiden la escena las dos figuras
del centro que parecen avanzar hacia nosotros, son Platón con el Timeo y Aristóteles con su Ética.
Características.-
 El escenario en que se mueven con soltura y naturalidad, en variadas direcciones esta multitud de personajes, se
caracteriza por su monumentalidad y grandeza, emparentando con la gran arquitectura imperial romana y el
proyecto de Bramante para el nuevo San Pedro. Las esculturas de Apolo y Atenea a ambos lados, divinidades
antiguas protectoras de las Artes y del Pensamiento.
 Los cuatro peldaños que escalonan el escenario y permiten distribuir los personajes con soltura y claridad,
simbolizan los cuatro elementos de la Naturaleza y del conocimiento.
 No es casual que el punto de fuga de este imponente escenario se encuentre en la mano de Platón que porta el
Timeo, señalando con la otra mano el mundo de las Ideas, mientras que Aristóteles con su mano dirigida hacia el
suelo alude a la realidad empírica. No son posturas irreconciliables, sino formas de acercamiento a una única verdad.
 La representación de los personajes es realista pero con cierta idealización, todos rebosan dignidad en sus rostros y
actitudes, como si estuvieran por encima de los aspectos cotidianos de la vida y su única ocupación fuera el arte, la
ciencia y el pensamiento, Pitágoras, Averroes, Heráclito, Sócrates, Euclides, entre otros; en ellos se han querido ver
retratos de personalidades contemporáneas a Rafael.
 En toda la obra domina la unidad, la coherencia y el equilibrio entre el dinamismo de los distintos grupos , con muy
diferentes poses y actitudes, y la quietud del conjunto.
Otras obras de Rafael:
Los desposorios de la Virgen, La Madona Ducal, El papa León X y dos cardenales, Retrato de un Cardenal, Madona Sixtina
y La Transfiguración.
Exponente del Clasicismo Pictórico de los primeros veinte años del siglo XVI, aunque más fue contemporáneo de
Leonardo de Vinci y Miguel Ángel Buonarroti o Donato Bramante.

22. Bóveda de la Capilla Sixtina.
Renacimiento Italiano, Cinquecento, clasicismo, entre 1508 y 1512.
Pintura al fresco. 36 m. X 13 m. Techo de la Capilla Sixtina. Vaticano. Roma.
Miguel Ángel Buonarroti, 1475 – 1564.
Tema.-
El amplio programa iconográfico está dividido en tres registros:
• en el central, en nueve espacios rectangulares, de dos tamaños, representa episodios del Génesis, desde la
embriaguez de Noé a la separación de la luz de las tinieblas. Junto a espacios pequeños parejas de jóvenes desnudos
sujetando medallones con pasajes del Antiguo Testamento.
• A ambos lados profetas del Antiguo Testamento y Sibilas, visionarias del mundo griego.
• Más al exterior, en los lunetos sobre las ventanas los antepasados de Cristo.
Características.-
 El encargo fue realizado por el pontífice Julio II
 La bóveda de cañón rebajado que cubre la Capilla Sixtina fue dividida por Miguel Ángel en secciones a través de arcos
y cornisas pintados.

23.  El protagonista de toda la obra es el cuerpo humano desnudo, con un claro sentido escultórico incrementado por las
posiciones rebuscadas, los violentos escorzos de las figuras.
 Cuerpos poderosos, anatomías imponentes inspirados en la escultura grecorromana y reinterpretados por Miguel
Ángel a través de su concepción ideal del cuerpo humano.
 Cada una de las escenas tiene autonomía propia, sin relación con sus vecinas.
 Las normas clásicas de proporción, simetría, composición , etc. son tratados con total libertad por Miguel Ángel.
 Las escenas centrales del Génesis fueron realizadas por el artista en sentido inverso al cronológico, comenzando con
la embriaguez de Noé y terminando con la separación de la luz de las tinieblas por el creador. El número de figuras
va reduciéndose progresivamente en estos episodios centrales.
 En cualquiera de ellas los elementos de paisaje o arquitectónicos han sido reducidos al mínimo o suprimidos en su
totalidad para centrarse en la figura humana: el hombre centro de todo.
Miguel Ángel realizó esta obra cumbre del arte universal casi en solitario y en un tiempo record de menos de cuatro
años. En esos momentos Rafael Sanzio está trabajando en las Estancias del Vaticano y Bramante en el primer proyecto
para en nuevo San Pedro.
Años más tarde entre 1535
y 1451, Miguel Ángel pintó
el testero de la Capilla
Sixtina con el tema del
Juicio Final. También es
obra suya el “Tondo Doni”
de 1504.
Escena de la Creación del
Hombre.

24. La Bacanal.
Renacimiento Italiano. Cinquecento. Escuela Veneciana. 1523-1526.
Óleo sobre lienzo. 175 cm. X 193 cm.
Tiziano Vecellio. 1490 ? – 1576.
Encargo de Alfonso d'Este, Duque de Ferrara, para la decoración del
Camerino de alabastro, una estancia del castillo ducal.
Museo del Prado, Madrid.
El tema.-
Mitológico.
La escena transcurre en la isla de Andros, tan
favorecida por Baco que el vino manaba de un
arroyo. Dioses, hombres y niños se unen en la
celebración de los efectos del vino, cuyo consumo,
en palabras de Filostrato, autor de la base literaria
de la obra, hace a los hombres ricos, dominantes en
la asamblea, dadivosos con los amigos, guapos y
de cuatro codos de altura. Redunda esta idea en la
partidura de un primer plano, “quien bebe y no
repite no sabe lo que es beber”, atribuido a un
músico flamenco en la corte de Ferrara.
Características.-
 Exaltación de los sentidos a través de la música,
el baile y el abundante vino que corre como río
en medio de los grupos de figuras.
 La obra posee un ritmo admirable ligando una
figura con otra a través del color y de la luz.
 El estudio del cuerpo humano desnudo,
masculino y femenino, en actitudes y poses de
forzado equilibrio, violentos escorzos, de
idealizada belleza, con influencias de la pintura
de Miguel Ángel y los relieves de la Antigüedad
Romana.
 El personaje más atractivo de la composición es
la ninfa del ángulo inferior derecho, espléndido
desnudo femenino donde Tiziano combinó
magistralmente vulnerabilidad, sensualidad y
abierto ofrecimiento al espectador.

25.  La riqueza del colorido veneciano , de tonalidades cálidas y
luminosas con las que Tiziano nos sugiere las calidades de los
objetos, la trasparencia de una jarra de cristal con vino tinto, el brillo
de los objetos metálicos tomados del mundo antiguo.
 El paisaje se convierte en elemento protagonista donde las nubes se
trasforman rápidamente y los árboles se agitan movidos por el
viento.
Su larga vida explica una gran producción pictórica en todos los temas y
géneros: la mitología “Baco y Ariadna”, lo religioso “La Asunción de la
Virgen” o “La Pietá”, el retrato “Retrato de Gentilhombre” o “Carlos V a
caballo en Mülberg”, la alegoría “Amor sagrado y amor profano”, etc.

26. El Emperador Carlos V, a caballo, en
Mühlberg.
Renacimiento Italiano. Cinquecento. 1548.
Óleo sobre lienzo, 335 x 283 cm.
Tiziano Vecellio. 1490 ? – 1576.
Museo del Prado. Madrid.
El tema.-
Retrato ecuestre.
La pintura conmemora la batalla de Mühlberg, que
Carlos V ganó a los príncipes alemanes coaligados en
la Liga de Smalkalda, que tuvo lugar el día 24 de abril
de 1547. Un año después, en la ciudad de Augsburgo,
Tiziano, a instancias de Carlos V, realiza esta obra.
Características.-
 Carlos como heredero de la tradición romana y
encarnación del miles christianus.
 Significado acorde a ambas interpretaciones
tendría la lanza, alusión a la de Longinos y arma
de san Jorge, caballero cristiano por excelencia,
pero símbolo también del poder supremo de los
césares.
 El retrato se realizó con un claro sentido de
propaganda política. La propaganda imperial
presentó la campaña contra la Liga de Smalkalda
como un conflicto político y no religioso
destinado a castigar a quienes se habían
sublevado contra su legítimo señor.
 En este lienzo Tiziano se relaciona con el Retrato
ecuestre de Marco Aurelio, único conservado de
la Antigüedad clásica y crea el prototipo de
retrato ecuestre, de gran influencia posterior.

27.  La ausencia de expresión en el rostro de Carlos nos remite a su idea de un emperador estoico y a la imagen
propagandística que en ese momento le interesaba desarrollar, que no era otra que la de un personaje pacífico.
 Tiziano se plantea una imagen muy directa del emperador, inspirándose en la crónica oficial de Luis de Ávila y -
Zúñiga, cuyo texto describe el tipo de caballo, las armas utilizadas (el arnés, obra de Helmschmid, se conserva en la
Real Armería de Madrid), e incluso la peculiar iluminación atmosférica de la jornada. La utilización del morrión de
triple cresta, a la «tudesca», la lanza corta de combate, la pistola de arzón y la ya mencionada media armadura,
proporcionan el tono «real» a la pintura, prodigiosa construcción, por tanto, de una imagen a la vez que
mitificadora y simbólica, directa y realista.
 Tiziano utilizó la técnica colorista propia de la pintura veneciana y la aplicó con gran sabiduría a los brillos de la
armadura, al rojo y a los reflejos dorados de la gualdrapa del caballo y, sobre todo, a la iluminación y sentido
atmosférico del paisaje en el que ha enmarcado al personaje. Especial atención hay que prestar a la realización
pictórica de la armadura, en la que los brillos y las sombras no están, de ninguna manera, dados al azar, sino con
una gran precisión individualizadora de aquello que está pintando, aun en sus mínimos detalles.
 También este paisaje iluminado por las luces del crepúsculo y en el que, en su parte derecha, se pueden observar
las brumas, una pequeña construcción y las ciénagas y estanques que, aún hoy día, son características de la ribera
del Elba, donde se libró la batalla.
Fernando Checa Cremades. Museo del Prado.
Tiziano Vecellio fue contemporáneo de los
pintores Rafael Sanzio y Miguel Ángel
Buonarroti, también del arquitecto Andrea
Palladio.