Un repaso general al tema de Grecia.

1. EL ARTE GRIEGO. INDICE GENERAL-2006-2007
1-INTRODUCCION.-El arte griego y el clasicismo (L145)
2-EL ARTE PREHELÉNICO (L-148)
2.1.-Arte CICLÁDICO
2.3.-ARTE MINOICO….D-Palacio de Cnossos
2.2.-LA ARQUITECTURA MICENICA D-La puerta de los Leones D-El tesoro de Atreo
D-El Megarón micénico( reconstrucción)
3-LA ARQUITECTURA GRIEGA (L-152)
3.1.- EL TEMPLO CLASICO (L+F)
a)Características generales. Origen y evolución
b)La Función del templo griego
c)Características formales
b.1.-Aspectos formales
b.2.- Tipos de plantas
b.3.- Los órdenes clásicos: dórico, jónico y corintio
D-Maqueta del a estructura interna-externa de un templo D-Los reajustes ópticos
D-Templo in-antis. Tesoro de los atenienses (F) (L -210)
D-La acrópolis. Los propileos (F)
D-Templo de Atenea Niké
D-El Partenón
D-El Erecteion…D-La tribuna de las Cariátides (F)
3.2.-LA ARQUITECTURA POSTCLASICA
D-Tholos de Delfos (F) (L -210)
3.3.-LA ARQUITECTURA HELENISTICA (L-170)
D-El Teatro de Epidauro D-Mausoleo de Halicarnaso D-El Altar de Pérgamo (L-206)
4-LA ESCULTURA GRIEGA (L-160+F)
4.1.-Rasgos generales. Periodos: arcaico, severo, clásico, postclásico y helenístico(L+F)
4.2.- LA ESCULTURA ARCAICA .
D-DAMA DE AUXERRE(L)
LOS KOUROI y LAS KOURAI ..D-KUROI DE- ANAVISSOS(F) D-SAUNION D-KORE DEL PEPLO (F)
4.3.-EL PERIODO SEVERO (L-F)
D-El Efebo de Kritios
D-EL AURIGA DE DELFOS(l)
D-ESCULTURAS DE FRONTONES (AFAIA EN EGINA)(F)
D-TRONO LUDOVISI (F)
4.4.- LA ESCULTURA CLÁSICA Rasgos generales. Principales obras (F-L)
b.1.-PRIMER CLASICISMO.
MIRON D-EL DISCOBOLO (L-163)
POLICLETO D-DORIFORO(L-164) D-DIADUMENO (F)
b.2.-El gran Clasicismo,FIDIAS.Vida y obra(L-165) (F).EL PARTENON
DECORACION ESCULTORICO DEL PARTENON
D-FRISO DE LAS PANATENEAS ( doncellas, jinetes, dioses)NACIMIENTO DE ATENEA
D-CENTAUROS Y LAPITAS D-NIKE ATÁNDOSE LA SANDALIA
b.3-EL CLACISIMO TARDIO
SCOPAS D-MENADE HERIDA(L-167)
PRAXÍTELES D-HERMES CON DIONISOS(L-168) D-VENUS DE CNIDO (L-169)
LISIPO D-APOXIOMENO (L-169)
4.5.- LA EPOCA HELENISTICA . Rasgos generales. Principales obras (F-L)
D-LA VICTORIA DE SAMOTRACIA (L-174)
D-FRISO ORIENTAL DEL ALTAR DE ZEUS EN PERGAMO (L-206)
D-LAOCOONTE (L-175)
D-GALO LUDOVISI
D-GALO MORIBUNDO
D-VENUS DE MILO

2. TEMPLO GRIEGO:
Evolución: El templo griego tiene un claro antecedente: el megarón prehelénico, pero éste sufrió grandes
transformaciones:
**La planta siguió conservando su cella o naos , así como la antesala o pronaos,,pero pronto apareció un tercer
elemento, una cámara que se hallaba detrás de la cella (opistódomos).
**El megarón estaba dentro de un palacio que contaba con muchas dependencias y sólo tenía una fachada que daba al
patio..el templo griego adquiere su individualidad.
La evolución ya se nota con los llamados templos in-antis que conservan las dos columnas del pronaos y suman otras
dos columnas posteriores si son anfipróstilos y después se va ampliando el número de columnas que simbolizan el
bosque llegando a rodear por completo al templo Los más frecuentes eran los hexástilos (el Partenón es
octástilo)
Caractersticas formales
Los templos griegos se policromaban. Durante la época arcaica para disimular bajo la capa de pintura la deficiente
calidad de la piedra y las posibles irregularidades del aparejo, así como para dar una vida más intensa a los elementos
decorativos. En principio, se utilizaron colores muy vivos, en especial un azul muy intenso y un rojo brillante. En el
presente sólo encontramos vestigios de color en huecos y ranuras. Cuando comenzó a utilizarse el mármol y el aparejo
isódomo, en la época clásica, no se renunció a la policromía , pero se utilizaron colores menos agresivos.
Función: La morada de los dioses no da cabida a los fieles y, desde el punto de vista del espectador, tiene una
significación esencialmente externa, su envoltura se convierte en símbolo del esplendor y grandeza de la deidad El
templo carece en esencia de complejidad interna y por lo tanto, toma como punto de partida el efecto exterior o la
apariencia. El templo nunca fue un lugar de reunión
El templo fue también expresión del esplendor económico y político de las polis, apareciendo en las zonas con mayor
actividad comercial o agrícola, como Corinto (ciudad comercial) o La Magna Grecia (Italia-granero de Grecia).
Apareciendo relacionados con figuras destacadas de la política, así durante las tiranías, en el tránsito de la etapa arcaica
a la clásica, construyen arquitecturas capaces de deslumbrar al pueblo, un ejemplo lo tenemos en Pisistrato en Atenas,
que construye el templo de Atenea (Hecatompedon) y la Acrópolis, destruida poco después por los persas. Pericles
dijo que hay que “emplear las riquezas en obras, que darán una gloria inmortal a la polis” encargando a fidias las
obras de la reconstrucción de La Acrópolis. Otro ejemplo en el que la función del templo es remarcar la importancia
política de los que mandan construirlo lo tenemos en Alejandro Magno, que en el siglo IV a. C. Restaura el templo de
Éfeso como recuerdo de la reconquista de la ciudad a los persas
EL ORDEN DORICO es el más primitivo y simple de los órdenes arquitectónicos clásicos, presentando unas
proporciones que trasmiten sensación de robustez. Se empleó en la Grecia continental desde el siglo VII adC y en el sur
de Italia. El Partenón, templo dedicado a Atenea Parthenos en la Acrópolis de Atenas, es sin duda el máximo exponente
de este estilo arquitectónico.Se emplea especialmente en el Peloponeso y con sus bellas proporciones es un canto al
espíritu apolíneo de las aristocracias dóricas. Los helenos lo creen obra de un héroe, Doros, que fijó el estilo al construir
el templo de Argos. Tópicamente se le atribuye un carácter de masculinidad frente al de feminidad del jónico.
El fuste es de sección circular, corto y poco esbelto. El tamaño total de la columna nunca sobrepasa los dieciséis
módulos, siendo normalmente el del fuste de entre ocho y trece módulos. Está acanalado por 20 estrías cuya
yuxtaposición forma aristas vivas. Su diámetro no es constante, sino que va disminuyendo con la altura más
acusadamente cuanto más arriba, éntasis, que produce la sensación de un ligero abombamiento en la parte central.
Las dimensiones de las columnas se refieren al módulo, que es la medida del diámetro en la base de la columna (donde
es mayor).
Las metopas son zonas cuadradas que se decoran con bajorrelieves.
Estos triglifos y metopas tienen un ritmo peculiar para lograr unas atinadas proporciones respecto a las columnas. El
friso se decora en la parte superior e inferior por unos estrechos filetes con seis gotas , que pueden ser la imitación de los
clavos que sujetan las vigas de madera.
La cornisa , que consta de un dintel continuo y liso sobre el que descansa otro en forma de ángulo que señala las cu -
biertas a dos aguas del templo. El espacio triangular que queda en el centro es el timpano que suele decorarse con
bajorrelieves. Sobre los vértices de la cornisa, lo mismo que en los laterales del templo, hay figuras animales o
monstruosas llamadas «acróteras».
ORDEN JONICO ::tuvo su origen hacia el siglo VI adC en la costa oeste de Asia Menor y en las islas Cícladas,
archipiélago situado al sureste de Grecia en el Mar Egeo. Más esbelto y airoso que el orden dórico, ha dejado
abundantes muestras de su estilo, de las que, como ejemplo, cabe destacar el templo dedicado a Atenea Niké en la
Acrópolis de Atenas.
basa. Se trata de una pieza de apoyo compuesta por tres molduras: dos boceles circulares o medios toros y una escocia
intercalada entre ambos. En ocasiones, esta basa apoya a su vez sobre un plinto, pieza prismática de planta cuadrada de
poco espesor.

3. El fuste es de sección circular, y suele presentar un ligero éntasis o gálibo.. El tamaño total de la columna suele ser de
dieciocho módulos y el del propio fuste de dieciséis. La cornisa coronada por el alero forma un saledizo que
generalmente cuenta con una moldura de tipo cimacio.
El orden corintio es el más elegante y ornamentado de los órdenes arquitectónicos clásicos. Una de las construcciones
más destacables ejecutadas según las pautas estilísticas del orden corintio es el monumento de Lisícrates en Atenas,
levantado hacia 334 adC.
El capitel es el elemento más representativo de este orden y se reconoce por su apariencia de campana invertida o cesta
de la que rebosasen las hojas de acanto, cuyos tallos dan lugar a una especie de volutas o espirales (caulículos) en las
cuatro esquinas.
DIAPOSITIVAS:
D- Maqueta de la estructura interna-externa del templo griego (libro)… se comenta con los apuntes del templo
griego
D-REAJUSTES ÓPTICOS(libro)..se comenta con los apuntes del templo griego
D-LOS ORDENES CLASICOS..se comenta con los apuntes del templo griego
D-TEMPLO IN ANTIS TESORO DE LOS ATENIENSES (DELFOS) (página 210)
Estos compartimentos interiores tenían una portada sencilla, formada por la prolongación de las pilastras de la entrada
-«antae>- y estos templos sencillos se llaman «in antis>. Pero por lo general se les añadía un pórtico de columnas
delantero (templo próstilo], o delantero y trasero (anfipróstilo], y a veces, una fila de columnas que cercaba
completamente la nave (períptero). Si tiene 6 columnas en su fachada principal se denominan hexástilos, si ocho
octáctilos…etc.
Este es el más célebre de los tesoros que se encuentran en el Santuario de Apolo. Su estado es bueno porque está muy
restaurado. Data aproximadamente del 485 a.C. Aquí se encontraba el botín obtenido en Maratón. Su construcción se
basa en mármol traído de la isla de Paros. Estaba adornado con las esculturas de Heracles y de Teseo representando sus
hazañas y una escena de amazonas.
Representa uno de los mejores ejemplos de Templo in antis: el mas sencillo de los templos griegos. Se llama templo
in antis, quiere decir con antae (prolongación de los muros de la naos hacía delante para formar el pórtico). Este
templo consiste en una única habitación y un pórtico generalmente con dos columnas. Son de pequeño tamaño y
también se les denominaban tesoros, porque era el lugar donde se realizaban las ofrendas.
D-El TESORO DE SIFNIOS EN DELFOS
Es el templo “in antis” más antiguo que conocemos (siglo VI a. C.).
Los llamados tesoros eran como “capillas votivas” que construían
las ciudades en los grandes santuarios, y en las que se conservan
ofrendas, trofeos e instrumentos utilizados por los vencedores
de los Juegos. EL Tesoro de Sifnios fue construido entre el 535
y el 530. El entablamento es jónico, pero, en conjunto, no puede
adcribirse a un orden determinado. En la fachada las columnas
centrales están sustituidas por cariátides
D-LA ACRÓPOLIS( libro)
Ampliación:
Puede considerarse la más representativa de las acrópolis griegas Es una roca, plana en la parte superior, que se
alza 156 metros sobre el nivel de la ciudad de Atenas Las excavaciones realizadas demuestran que ya fue habitada en la
época prehistórica. En este periodo era una fortaleza y allí se encontraba el palacio real. Según la leyenda, el rey Erecteo
construyó el primer templo de Atenea en el sitio donde tuvo lugar su enfrentamiento con Poseidón. Tras la Edad Oscura,
la Acrópolis dejó de ser una residencia y se convirtió en el centro de culto de Atenas, centro de adoración para la ciudad.
Tras la invasión dórica del siglo X adC, un nuevo edificio denominado Enneapylon ("nueve puertas") cubrió la fuente.
Trazos de casas micénicas prueban que la acrópolis estaba permanentemente habitada durante esa época y que siguió así
durante los períodos oscuros que precedieron al nacimiento de la polis ateniense en el siglo VIII adC. En dicha época,
existía un pequeño templo dedicado a Atenea mencionado por Homero. La Acrópolis fortificada sirvió como ciudadela
para Pisístrato. En el 510 adC, cuando fue defenestrado por una revolución popular apoyada por los espartanos, se
demolieron los muros. En el mismo lugar, los antiguos habitantes de Atenas se refugiaron durante las Guerras Médicas
hacia el 480 adC. Con dicho propósito, las partes dañadas de la muralla fueron reemplazadas por un refugio de madera,
pero esto no detuvo a las tropas invasoras del Rey persa Jerxes en la conquista de la Acrópolis y en el saqueo y quema
de los templos mayores.
La mayoría de los grandes templos fueron reconstruidos bajo el liderato de Pericles durante la Edad Dorada de Atenas
(460-430 adC). Fidias, un gran escultor ateniense, e Ictino y Calícrates, dos famosos arquitectos, fueron los responsables
de la reconstrucción. Durante el siglo V a.C, la acrópolis obtuvo su forma final.
También se encuentran allí los restos de un teatro al aire libre llamado Teatro de Dionisios, donde estrenaron sus
tragedias Sófocles, Aristófanes y Esquilo Y Otros monumentos, desaparecidos hoy, son el Chalcotec, Pandroseion,

4. Santuario de Pandion, el altar de Atenea, el santuario de Zeus Polieus y, de la época romana, el templo circular de
Augusto y Roma.
**La entradaa LA ACROPOLIS la conforman:
D-LOS PROPILEOS,
cuyo nombre significa "antepuertas", la monumental
entrada al santuario. Su construcción se remonta al año
437 a. de C. y fue realizada por Mnesicles en mármol
blanco pentélico extraído de la cantera del Pentelikón.
Ocupan la parte occidental de la Acrópolis y están
formados por un edificio central de forma rectangular
dividido en su interior por medio de un muro transversal
con cinco puertas, en dos stoas o pórticos.
Los Propileos, no eran solo la formación
monumental de la entrada al santuario, sino que eran también como
una invitación al visitante. Su forma, compuesta de un edificio central con dos alas laterales proyectadas hacia el
occidente, es evidente de que fueron construidas para impresionar ya desde lejos al visitante que subía la cuesta, le
invita como para estrecharle finalmente en sus brazos. Pórticos dóricos decoran sus fachadas, tanto las del edificio
central, como las de sus alas. De las alas de los Propileos, la una, la N.O. que era más grande que la otra del S.O., estaba
decorada con composiciones pintadas en las paredes, probablemente cuadros colgados y por eso ha sido llamada la
'Pinacoteca". Los Propileos fueron transformados en polvorín por los turcos y en 1656 un rayo los destruyó casi en su
totalidad.
Al sudoeste de la Acrópolis se alza el
D-TEMPLO DE ATENA NIKE.(libro-157)
Esta Victoria no tenía alas porque se cuenta que los atenienses se las cortaron para que la victoria nunca se fuese de
Atenas. En los frisos se representaba una asamblea de dioses y la guerra contra los Persas. Parte de estos frisos se
encuentran actualmente en el Museo Británico.
D-EL PARTENON (libro - 158 )
**¿Que significa el nombre Partenón?: Virgen (partenos en griego). Según la tradición ateniense Atenea guardó con
tenacidad su pureza, aún cuando con insistencia la perseguía Hefaisto o Vulcano. Es pues obvio de que Partenón
significa edificio o templo de la Virgen Atenea. Este edificio es la obra cumbre de la arquitectura ateniense y el más
importante del programa edificativo de Pericles
** La impresión de absoluta armonía se consigue gracias al genial estudio de las relaciones entre las diversas partes
que lo integran y al uso casi imperceptible de correcciones ópticas. Así, el estilóbato tiene unos siete centímetros de
inclinación (¡en 70 metros!), los tambores centrales de las columnas se engruesan dos tercios de su altura y se inclinan
levemente hacia el centro del edificio, las columnas de las esquinas son ligeramente más anchas y están más cerca de la
columna de al lado.
**Sobre las columnas, los arquitrabes sostienen el frontispicio dórico donde alternan triglifos y delicadas metopas,
cuyas escenas fueron elaboradas por Fidias en su taller.
Las métopas del lado occidental representan escenas de la Amazonomaquia,
las del lado norte escenas de la guerra de Troya, las del lado
sur escenas de la Centauromaquia y las del lado
oriental, junto a la entrada principal, escenas de la Gigantomaquia, la lucha entre los dioses y los gigantes. Aunque
numerosas métopas se han perdido, algunas pueden verse aún en su lugar originario, mientras otras están en Londres y
París
D-EL ERECTEION (libro - 159 )
ampliación:
Templo jónico dedicado a Atenea y Erecteo, el mítico rey ateniense. Un peculiar edificio de mármol consagrado al culto
de antiguas divinidades. Fue construido durante la Guerra del Peloponeso, entre el 421 y el 406 a. C, probablemente por
el arquitecto Mnesicles. El templo sufrió varios incendios y fue restaurado antes de ser transformado en una iglesia
cristiana en el siglo VI d. C. Cuando la Acrópolis se convirtió en manos de los turcos en una fortaleza, el Erecteion
sirvió para alojar el harem del jefe militar.
D-LA TRIBUNA DE LAS CARIATIDES(libro)…ampliación:
En el lado opuesto, ante el Partenón, hay otro pórtico que, en lugar de columnas,
presenta seis figuras femeninas de unos 2,30 metros de altura. Vitrubio les dio

5. el nombre de "Cariátides" porque las jóvenes que posaron como modelos
provenían de Carie, una ciudad cercana a Esparta. Visten túnicas jónicas y
llevan sobre la cabeza un cesto que funciona como capitel. La segunda
koré (muchacha) de la izquierda fue substraida por Lord Elgin y en su lugar
se ha colocado una copia de yeso. En la actualidad, las cinco Cariátides
restantes son también copias: sus originales se conservan en el Museo de la
Acrópolis para protegerlos de la contaminación atmosférica. La cabeza no
sostiene directamente la cornisa, sino que por medio de un "cesto" esculpido.
En las faldas de la Acrópolis hay dos teatros: el Odeón Herodes Ático y el
Teatro de Dionisos el cual tenía capacidad para 17.000 espectadores.
3.2.-ARQUITECTURA POSTCLASICA
Va desde la derrota de Atenas durante la Guerra del Peloponeso el año 404 hasta la muerte de Alejandro Magno el 323.
Sócrates muere el 399. El renacimiento económico de la tierra de Jonia, tendrá su expresión también en las artes
plásticas. En el campo de la arquitectura religiosa hacia el que se dirigen las grandes empresas, las proporciones son
más atrevidas que anteriormente, las fachadas se amplían y los frontones se rebajan. La separación entre los órdenes no
es tan drástica. Arquitectura circular representada por el tholos de Delfos o el monumento conocido por la linterna de
Lisícrates. Una de las aportaciones tipológicas más considerables es la representada por
D-)SANTUARIO DE ATENEA PRONAIA EN DELFOS.
Restos del tholos que data del primer cuarto del s. IV s. C.
y se encuentra en el interior del reciento del santuario de Atenea
Pronaia. Todavía se contemplan tres de las veinte columnas que
componían su peristilo dórico, las cuales soportan parte
del friso y la cornisa que coronaban el edificio. Es una de las
más bellas construcciones del siglo IV : obra circular de uso
desconocido. Además diez finísimas columnas corintias sobre un
banco corrido en el interior. A primera vista, era un edificio lleno de
novedades, empezando por su misma planta circular, que no se usaba,
al parecer,desde la época arcaica, y que tendría gran éxito en la
generación siguiente y aun en siglos venideros. Para exponer sus hallazgos en esta obra, Teodoto escribió incluso un
libro, según nos relata Vitruvio.
Las columnas internas encajadas en el muro, el simple uso del orden corintio (aunque con capiteles muy esbeltos y
novedosos), el manejo de piedras de distintos colores, todo nos traslada de forma sistemática a obras como el Erecteo o
el templo de Apolo en Basas. Acaso Teodoto, en su juventud, hubiese trabajado con Ictino en esta última obra.
***DELFOS es un lugar donde se encontraba el oráculo de Apolo, en Fócida, a los pies del monte Parnaso, en la costa
norte del golfo de Corintio. Los vapores, seismos y manantiales dieron a este lugar un carácter sagrado, al principio
llamado Pitó. Poseía una pitonisa que entraba en trance, (se servia de los vapores de la cueva y de hojas de laurel),
reclinada en un trípode al fondo del santuario, que tocaba el ombligo del mundo. Los sacerdotes interpretaban los gritos
y movimientos de la pitia, ya que los peregrinos no podían contactar con ella. El camino hasta el templo de Apolo
estaba repleto de ricas casas construidas con las ofrendas de las ciudades estado griegas, y monumentos en
conmemoración de grandes acontecimientos y triunfos.
ARQUITECTURA HELENISTICA
D-)TEATRO DE EPIDAURO (L-172)
El género teatral es de creación griega y el edificio que alberga el espectáculo también es una construcción
típicamente griega. Consta de tres partes esenciales: escena, orquestra y graderío.
La escena se encuentra a nivel de tierra y en ella se emplean decoraciones giratorias en forma de prismas
triangulares.
La orquestra es la parte dedicada al coro; tiene planta circular y en el centro se
alza la estatua dedicada a Dionisos, dios en cuyo honor se celebra la fiesta.
El graderío tiene planta ultrasemicircular, rodeando en parte a la orquestra.
Epidauro, antigua ciudad levantada en la costa nororiental de la península del
Peloponeso, conserva un magnífico teatro del año 300 a.C., proyectado por Policleto el
Joven, que ha sido declarado Patrimonio de la Humanidad. Este teatro, con una
excelente acústica, presenta un escenario circular en torno al cual las gradas, con
capacidad para 14.000 personas, se extienden sobre el terreno inclinado de una
colina. En él, todos los veranos se celebra un festival de teatro griego clásico. La
parte inferior del hemiciclo está dividida en 12 cuneus con una treintena de gradas
cada uno mientras que en la zona superior se hallan 22 cuneus con 20 gradas cada

6. uno. Los espectadores disponían de dos tipos de asientos: los del pueblo consistente en las propias gradas y los de las
personalidades políticas, con respaldo y brazos.
D-)MAUSOLEO DE HALICARNASO( libro172)
D-LA LINTERNA DE LISICRATES
En el helenismo temprano, las novedades arquitectónicas que encontramos se concentran en algunos edificios civiles y
monumentos menores como en este caso.
La Linterna de Lisícrates fue levantada en la época de Alejandro (336-323 a. C.) en Atenas como homenaje al ganador
de un concurso teatral. El trípode se erige
sobre una base arquitectónica que destaca por su riqueza decorativa y en la que podemos observar capiteles corintios,
orden que normalmente se reserva para el interior de los templos.
D-ALTAR DE ZEUS EN PERGAMO
Este templo de la época helenística, llamado Altar de Pérgamo, dedicado a Zeus, responde a un nuevo tipo de
edifico religioso, que durante este periodo artístico de la segunda mitad del siglo IV a.C. se puso de moda en los
territorios dominados por el imperio griego de Alejandro. Pérgamo se convirtió en uno de los núcleos principales del
mundo helenístico, especialmente durante los reinados de Eumenes II (263 - 241 a.C.) y Atalo II, sucesores de
Alejandro.
En la tradición clásica los altares para los sacrificios se levantaban delante de los templos, como construcciones
de menor importancia, ahora éstos adquieren una gran monumentalidad e independencia, y este es el caso del Altar
de Pérgamo.
Tiene una estructura casi cuadrada de 38 x 36 metros de lado, constituida por una gran escalinata que rodea
una plataforma sobre la que se dispone el altar o ara propiamente dicha; a este cuerpo central se unen dos brazos o
antepechos que avanzan hacia el frente y encuadran el altar. En alzado domina la elevación de la gran escalinata, más
prologada en el cuerpo central que en los laterales del edificio, y un inmenso zócalo decorado con relieves, y que sirve
de soporte a una columnata de orden jónico que a su vez actúa como pantalla visual ocultando el altar de los
sacrificios.
Obsérvese la inversión en la disposición de los elementos arquitectónicos jónicos aquí utilizados:
**el friso no forma parte del entablamento sino del podium o basamento del templo, cuya enorme elevación y la poca
altura de las columnas minimizadas visualmente por tener sobre si directamente la cubierta, tiende a exagerar el sentido
de monumentalidad y volumen exterior de todo el conjunto.
Uno de los aspectos más relevantes de este edificio lo constituye la decoración escultórica de los frisos del
podium, cuyos medios relieves de cerca de 2'5 m. de altura son ejemplo de expresividad, movimiento y detallada
narrativa. Los relieves están dedicados al tema de la Gigantomaquía y representan los triunfos de Zeus y Atenea sobre
sus enemigos los gigantes, aunque en realidad es un símbolo de los enfrentamientos entre los griegos y los bárbaros,
asignando al propio rey de Pérgamo el papel del dios vencedor y Atenea la diosa protectora.

7. 4-LA ESCULTURA GRIEGA 4.1.-CARACTERES GENERALES.
Aunque Grecia floreció en todas las Bellas Artes, ninguna le distingue tanto como la escultura cuyas obras
alcanzaron en dicha cultura el ideal de la belleza artística hasta donde pudo llegar por sí solo el ingenio humano.
Forman su característica en los mejores tiempos del Arte (los de Fidias) la expresión de la realidad idealizada, la
regular proporción orgánica, el alejamiento de lo vago y monstruoso, la precisión en los contornos y detalles, la
armonía y belleza en las formas y la finura en la ejecución.
Los ideales de pueblo griego brillan en la escultura, cuyas creaciones señalan una de las cimas de toda la
historia del arte, a pesar de que de algunos de los grandes maestros no conservamos sino copias romanas. Aunque sus
raíces son orientalizantes y en sus primeras fases refleja influencias egipcias su evolución constante llega a crear un
mundo de formas originales, que se distancia de sus primeros modelos.
En principio la función, como la escultura egipcia, tendría una finalidad funeraria: hacer perdurar mediante la
imagen a aquellos que lo han merecido por sus hazañas, PERO la evolución (desde el periodo arcaico hasta el
helenista) ofrece una orientación clara; los escultores plasman en la figura humana sus concepciones de belleza física y
equilibrio espiritual. La belleza concebida como medida, proporción entre las partes, anatomías armoniosas,
idealización del cuerpo humano. Pero la belleza corporal resultaría fría en un rostro inexpresivo; la expresión, no
sólo como una vivencia estética, sino más aún entendida como la exteriorización de los sentimientos (LA
EVOLUCIÓN DEL ETHOS AL PATHOS). Además la representación del movimiento constituye otro objetivo. En los
ángulos de los frontones, los artistas aprenden a doblar la figura o a relacionar dinámicamente los grupos. Siempre es la
figura humana la preocupación central, pero en los relieves del Partenón los cuerpos de los caballos demuestran que en
la anatomía animal los griegos han expresado todas las posibilidades del dinamismo.
Belleza, expresión y movimiento definen los rasgos capitales de la escultura griega; a su lado hay que colocar,
probablemente con menor entidad, la preocupación por el volumen. El arte egipcio había legado una concepción plana
y frontal de la estatuaria; los griegos aportan el principio esencial de que la escultura es un arte de volúmenes que
requiere diferentes puntos de vista para ser contemplado.
4.2.-LA ESCULTURA ARCAICA (desde finales del siglo VIII a C. A comienzos del siglo V a C, )
La colonización griega por el Mediterráneo y Mar Negro había puesto en contacto a las Polis con otras
realidades y manifestaciones artísticas, recibiendo sobre todo el influjo del arte oriental.
Caracteres generales:
** Antropocentrismo : el predominio de la figura humana sobre la representación de animales, que tenían gran
importancia en el arte oriental. En cambio, en el mundo griego el hombre se convierte ya en el eje del arte. Las
esculturas son de tamaño natural en su mayoría, con tendencia en algunas hacia lo colosal. Se representa el
desnudo masculino como exaltación de la belleza física, mientras que no aparece el desnudo femenino.
** Hieratismo-frontalidad , en las formas compactas y rígidas con los brazos pegados al cuerpo y la mirada al frente
** Estatismo , ya que únicamente se desplaza un poco la pierna izquierda para sugerir el movimiento de andar, pero sin
conseguir la sensación de desplazamiento.
** Representación anatómica precaria y ruda . El tórax excesivamente abombado y de una gran anchura contrasta con
el abdomen muy reducido que resulta desproporcionado para la figura. La difícil representación de la rodilla se solventa
dándole forma de trapecio invertido. En la cabeza los
** convencionalismos son también claros: la larga cabellera, propia de los jóvenes griegos, cae sobre la espalda,
solucionándose la representación del cabello mediante formas geométricas y lo mismo ocurre con los rizos que
encuadran la frente. En el rostro se intenta transmitir una cierta vida y expresividad mediante los grandes ojos
almendrados y la llamada “ sonrisa arcaica ” que se logra arqueando levemente los labios hacia arriba.
El material empleado al principio era la madera que pronto fue sustituido por la piedra, especialmente el
mármol que conserva algún resto de policromía en el cabello y los ojos.
En definitiva la escultura arcaica se somete a los mismos convencionalismo que se observan en el arte oriental
(frontalidad, hieratismo, estatismo, formas cerradas, etc), sin embargo, a pesar de las imperfecciones debemos valorar
positivamente dos aspectos:
l) El escultor ha intentado representar el cuerpo humano tal como lo ve en la realidad y ello supone un primer
avance hacia el naturalismo.
2) La escultura logra transmitirnos la sensación de fortaleza y plenitud física del joven atleta triunfador.
Escuela de Creta….La Escuela de Creta es del s.VII y en ella destaca Dédalo, considerado el "inventor de la escultura"
porque se dice que es el primero en abrir los ojos y separar las piernas.D-La Dama de Auxerre(Libro)
LOS KOUROI-LAS KORAI ( http://www.xtec.es/~jarrimad/grecia/kouroi.html )
Estas figuras enigmáticas caracterizan el desarrollo de la escultura griega desde mediados del siglo VII hasta el
480 aC. Se conservan numerosos efebos (jóvenes varones) y muchachas de pie, generalmente del siglo VI, aunque
alguna se remonta al siglo VII, a las que, a falta de designación más precisa, se les llama Kouros (efebo) y Koré
(muchacha). Kouroi y korai en plural. Algunas están firmadas por sus escultores, otras llevan inscrito el nombre del
donante. Unas estaban dedicadas a distintas divinidades; otras se colocaban sobre las tumbas. Ciertamente no eran
retratos, sino estatuas votivas y conmemorativas, idealizadas. Su origen votivo y funerario no les vincula con el
retrato. Son solo expresión de ciudadanía y de un cuerpo humano ideal. Jamás debemos buscar en ellos rasgos

8. psicológicos y personales. Si las «korai» corresponden a concepciones jónicas, los «kuroi» son de ascendencia dórica.
Están caracterizados a primera vista por la desnudez de los cuerpos masculinos y los vestidos de las korai, que
expresan la tendencia típica de la religiosidad y el arte griegos a divinizar el cuerpo humano y humanizar la
divinidad. Cuando empezaron a aparecer estas esculturas, se pensó que los kuroi tal vez fueran estatuas de Apolo,
apoyándose en la descripción homérica del dios que lo presenta con una imagen juvenil, vigorosa y atlética, con una
larga cabellera cayéndole sobre los anchos hombros. Estudios más recientes prefieren suponer, que se trataba, en
general, de jóvenes muertos prematuramente, atletas victoriosos o quizá, en otros casos, de estatuas dedicadas la
divinidad en general, como parece expresar el término griego que las designa: agalmata (ofrendas ), cuyo destino era
embellecer el santuario y congraciar al dios a quien se ofrendaban.
Los kouroi : El esquema de los kouroi es absolutamente fijo ; el joven desnudo, ancho de hombros y estrecho de
cintura, posa frontalmente, en perfecta inmovilidad, con una pierna -de ordinario, la izquierda- algo adelantada, los
pies anclados con firmeza en la base, los brazos adosados a los costados, y las manos cerradas o, alguna vez, abiertas y
apoyadas en los muslos. Grandes ojos almendrados y la llamada "sonrisa arcaica", que se logra arqueando levemente
los labios hacía arriba, con los que se intenta transmitir expresividad y darle una cierta vida.
Quizá la primera inspiración de estas esculturas, que en su mayoría superan las dimensiones del cuerpo humano y a
veces rayan con el colosalismo (por ejemplo el Kouros de Sunion del 600 a.C. tiene casi 3 metros de altura), vino del
arte egipcio. Pero los escultores griegos transformaron profundamente el invariable esquema egipcio para hacer de la
figura viril el tema esencial de su plástica. Otras diferencias con la estatuaria egipcia son, la desnudez completa, la
ausencia de soporte trasero, el nuevo sentido del vigor, de la energía y de la vida, y la clara tendencia al naturalismo. El
cuerpo desnudo, requería un estudio anatómico que en el espacio de siglo y medio llevó a los escultores griegos a
dominar perfectamente la estructura del cuerpo humano.
Las korai Las figuras vestidas de las korai obedecen a otro esquema fijo, que puede ser interpretado de muy diversas
maneras. Las características principales de estas figuras femeninas son la gracia, la elegancia y el refinamiento así
como la tímida sonrisa (Según la leyenda, el escultor Dédalo, para dotarlas de vida, las hizo sonreir, pero su sonrisa es
un gesto forzado y convencional «sonrisa arcaica» .En tiempos próximos a la época clásica se abandonó este gesto,
trocándolo en ocasiones por otro de desdén. Llevan largas trenzas que les caen sobre los hombros y la mano derecha
extendida para ofrecer un don a la divinidad -con frecuencia una granada-, o bien doblado el brazo sobre el pecho en
actitud de muda súplica o de agradecimiento al dios o diosa, con la otra mano, a veces, se recogen ligeramente el
vestido, lo que permite al escultor crear un decorativo juego de pliegues. Menos abundantes que los kouroi, tampoco
alcanzan las colosales dimensiones de éstos: son incluso raras las que superan las medidas del natural. El peplo es un
hábito que se ciñe a la cintura, dará lugar al peplo jonio de dos piezas, una túnica (chitón) y el manto (imatión) hecho
con una tela más fina que condicionó el avance en la anatomía(transparencias) y la introducción de los pliegues de
mayor movilidad.
En su inmensa mayoría son ofrendas votivas, como las extraordinarias korai de la Acrópolis. El
vestido más común de las korai es la tánica jónica (jiton), ligero, de mil pliegues, enriquecido con una
policromía de tonos votivos (amarillos, rojos, azules, verdes... ) de las que aún quedan huellas claras. Porque las
estatuas griegas, así como también algunos elementos arquitectónicos, no eran originariamente tan blancos
como han llegado hasta nosotros, sino que estaban pintados.
El reiterado convencionalismo de representar la desnudez masculina y la modestia femenina se corresponde con
las costumbres de la vida real, diariamente los atletas se entrenaban desnudos en la palestra, mientras que las mujeres
iban siempre cubiertas. Además, los hombres eran completamente libres de ir donde quisieran, mientras que las mujeres
se veían limitadas a permanecer generalmente en casa y raramente salían de ella.
Kouroi de
Saunión
600 a.c.
Kouroi de
Anavissos
530 a.c
Korai de
Del Peplum
530 a.c

9. D-El Efebo de Kritios 450 a.C.
Marca la transición en la evolución de los kourós.
Es una figura que reproduce la misma actitud que
los kourós anteriores pero que por primera vez descansa
el peso sobre la pierna izquierda, afectando a toda la anatomía
y adelantando la pierna derecha. (precedente del CONTRAPOSTO)
Ésto fue un paso esencial para la escultura porque produce un movimiento
armónico que sincroniza el cuerpo. Ya no es una imágen que se asienta
en sus dos piernas sino que todo el cuerpo está articulado. El movimiento
repercute en toda la imagen, comienza la conquista del cuerpo
y la busqueda de las tres dimensiones.
Es una de las imagenes más importantes del arte griego, ya que antes
se mantenía el propotipo de escultura egipcia, añadiendo belleza y
desnudez, pero sin apenas evolución
A partir de ahora se inicia una búsqueda del cuerpo y la figura.
y se abandona progresivamente la sonrisa arcaica.
4.3.-LA TRANSICIÓN HACIA EL CLASICISMO: EL PERIODO SEVERO. (480-450)
El triunfo de los griegos sobre los persas Maratón (490 a C.) y Salamina (480 a C) constituyeron dos hitos
memorables en la historia de la antigua Grecia. Se fortaleció la conciencia frente al bárbaro invasor y, con ella, la
identidad histórica de la cultura griega. Los dioses habían combatido del lado de Grecia. Prodigios y mito sagrado
adquieren una nueva dimensión histórica. Entendida como lucha de la libertad frente a la tiranía, y en Atenas triunfa la
democracia .
Y esto se refleja en la evolución del arte en general y la escultura en particular que va a liberarse
progresivamente de la rigidez y el estatismo del periodo arcaico desarrollando un dinamismo que anticipa el pleno
clasicismo. Son los años del llamado estilo severo, que antecede al primer clasicismo, los rostros se llenan de ese ethos
o carácter solemne de la presencia divina
Esta evolución esta impulsada por los relieves de los frontones del templo de Afaia en Egina y Zeus en
Olimpia. En el frontón mas antiguo del templo de Egina la expresión sonriente de algunas figuras dio nombre a la
sonrisa egineta La forma triangular del espacio obliga a doblar las figuras y la composición de las batallas exige del
escultor un dominio del movimiento. Así vemos al guerrero derribado en tierra que pugna por levantarse, visto tanto de
frente como de espalda; al que de rodillas dispara su arco, o al que, mortalmente herido, siente escapársele la vida.Como
este interés por el movimiento lleva consigo un intenso estudio de la musculatura, la estatuaria griega da en esta obra
un paso gigantesco en el conocimiento de la anatomía. Es curioso, sin embargo, que el escultor de Egina avance, en
cambio, muy poco en la expresión del rostro . Los guerreros de Egina, incluso el que, moribundo, se arranca la flecha
del pecho , nos muestran la sonrisa estereotipada de los atletas arcaicos.
Valores similares podemos observar restos años en el trabajo en bronce, sobre todo en el D--EL AURIGA DE
DELFOS (libro), o El Poseidon pocedente del cabo Artemisión (Eubea) y en relieves como los del trono Ludovisi.

10. D-TRONO LUDOVISI
Autor Anónimo Museo de Las Termas. Roma Caracteristicas: Mármol 102 x 144 cm
El trono Ludovisi es una de las obras cumbres de la escultura arcaica, aunque ya del periodo severo, ya que aún
teniendo rasgos arcaicos ya anuncia otros clásicos. Es un bloque de mármol originariamente policromado con
bajorrelieves es tres de sus caras y abierto en la parte anterior para formar una especie de trono. En lo que constituye el
respaldo está representado el nacimiento de Afrodita en el acto de surgir de las olas ayudada por dos ninfas ( Las
Horas). Los pliegues de la ropa se adaptan al cuerpo que surge de las aguas como si aún estuvieran húmedos. A ambos
lados de la escena principal se encuentras dos figuras femeninas representación del amor sacro y del amor profano: en
uno, la sacerdotisa, la esposa, cubierta con un velo, cuida celosamente de mantener la lámpara encendida; en el otro
aparece una flautista tocando su instrumento , con las piernas cruzadas y desnuda, como si se tratase de una cortesana.
Es uno de los primeros desnudos femeninos de la escultura griega.
En el nacimiento de venus el relieve es muy bajo y se desarrolla casi en un único plano. La combinación de
torso frontal y cabeza de perfil en la figura de Afrodita evoca una fórmula preclásica. Destacan sobre todo los “paños
mojados” (los “paños mojados”, que posteriormente tendrán gran influencia en Fidias y sus seguidores. Esto conlleva
una controversia, puesto que el desnudo de la mujer se ve obstaculizado a la hora de ser figurado: los “paños mojados”
permiten al artista aproximarse al conocimiento anatómico femenino sólo de este modo, mientras que el estudio del
masculino estaba muy generalizado). Aparecen aquí pegados al cuerpo de la diosa, y dejan entrever su anatomía
femenina.
4.4.-LA ÉPOCA CLÁSICA (MEDIADOS DEL SIGLO V A FINALES DEL SIGLO IV a C.).
En los siglos V y IV a C la escultura griega llega a su culminación, creando en esta época obras que han quedado como
modelos de belleza y perfección plástica.
Situación política: Desde mediados del siglo V a C. Gobierna Atenas Pericles, que había trasladado el tesoro de
la Liga de Delos a la capital del Ätica, potenciado el imperialismo político e económico de los atenienses. Apoyándose
en su prestigio personal y en la asamblea popular, propuso que los inmensos tributos destinados a la protección militar
de los confederados se dedicaran al embellecimiento de la ciudad. Atenas será el modelo, escuela de Grecia. Fidias
trabajará en estrecha colaboración con Pericles.
A)Caracteres generales de la escultura clásica:
**”Naturalismo”: los escultores intentan plasmar en sus obras la belleza física ideal. Para lograrlo estudian
matemáticamente las proporciones que debería tener un cuerpo perfecto. Con esta meta la escultura va a progresar
rápidamente en el dominio del naturalismo . Sin embargo el término “naturalismo” no debemos interpretarlo
equivocadamente. No se pretende realizar copias exactas de la naturaleza, sino que la obra de arte pasa primero por la
mente del artista, que es la que abstrae el modelo perfecto, estudia sus proporciones, las combina y por último lo plasma
en piedra o en bronce. El clasicismo pretende pues reproducir la naturaleza tal como se ve, pero corrigiéndola,
mejorándola según las normas del pensamiento.
**Belleza interior-interior: La belleza que se anhela no es solo física, exterior, sino que ha de traslucir la belleza
interior, espiritual. El supremo afán del clasicismo es representar una humanidad superior, equilibrada y perfecta, llena
de ideales elevados.
**Tema de dioses y héroes: Los temas mas representados pertenecen al mundo mítico de los dioses y héroes, que son
tratados con gran seriedad. En ellos la belleza es utilizada como factor de religiosidad y los escultores nos ofrecen un
mundo de dioses dignos, sublimes y de gran belleza.
**Policromía: Para comprender correctamente las obras hemos de esforzarnos en devolverles su aspecto original. Toda
las esculturas y relieves en piedra estaban policromados y las partes de carne recibían una capa de cera, por lo que
tendrían un fuerte realismo. Los bronces hoy oscuros, tenían un color dorado brillante. También existieron esculturas
crisoelefantinas (hechas en marfil y metales preciosos), las obras que nos han llegado son en su mayoría en mármol sin
policromar y copias de la época romana.
b)EVOLUCION DE LA ESCULTURA CLÁSICA.
b.1.---------REPRESENTANTES DEL PRIMER CLASICISMO: MIRÓN Y POLICLETO .
**MIRÓN: Sabemos que fue esencialmente un broncista, aunque le conocemos por copias romanas en mármol.
Su objetivo es alcanzar la euritmia (armonía) a través de la figuración del movimiento; su preocupación es el cuerpo
humano en movimiento, en tensión por ello realiza sus representaciones en posturas forzadas para tratar de mostrar la

11. figura humana en la culminación del movimiento. Sus estatuas disfrutan de un equilibrio inestable, como si hubieran
sido sorprendidas en un momento fugaz. Además del Discóbolo(libro), sus esculturas más famosas son Atenea y
Marsias y el Anadoumenos, así como una escultura de una vaca que hizo para la ciudad de Atenas que se dice que
parecía real. También es probable su participación en la construcción del Partenón.
**POLICLETO : Es teórico de la anatomía humana que recoge en textos literarios sus cánones y los esculpe en su
D-DORIFORO, (libro) joven lancero en el que otorga diferente función a cada pierna, esta posición supone una
aportación importante al clasicismo, al lograrse con un ritmo cruzado y compensando el equilibrio de la figura, la pierna
derecha es la que soporta el peso del cuerpo y está firmemente apoyada en el suelo, comprimiéndose en la cadera, la
pierna izquierda, en cambio, no soporta carga y esta retrasada, tocando el suelo sólo con la parte anterior del pie, en los
brazos el ritmo también esta cambiado, el brazo derecho no realiza esfuerzo y cae relajado a lo largo del cuerpo,
mientras que el brazo izquierdo se dobla para sostener la lanza, a este ritmo cruzado y compensado es lo que se llama
“contraposto”.Analiza cada pliegue muscular y consigue un efecto de profundidad con las posiciones de piernas y
brazos. En el Diadúmeno, la expresión es mas dulce y las piernas mas cortas. Su serie de estatuas de campeones
olímpicos se ha perdido, pero las escasas muestras del arte de Policleto representan otro de los ideales griegos: la fuerza
unida al equilibrio y a la belleza.
D-DIADUMENO
Tras la creación del Doríforo, Policleto entra en una fase de plenitud y madurez,
a la que no es ajeno el influjo ático, más concretamente fidíaco. La obra más representativa
de esta evolución es el Diadúmeno, cuyas formas corporales son más sueltas y naturales que
las del Doríforo y en cuya cabeza se perciben las consecuencias del influjo mencionado.
En ella se mantiene el ritmo alternante, pero se reducen las proporciones y se
da a la composición una forma más cerrada. Comparado con el Doríforo,
el Diadúmeno se concentra más en la acción, perfectamente definida mediante
el recurso de ceñirse la cabeza con una "taenia", que los copistas repetirán
e interpretarán a su antojo. Por otra parte, el Diadúmeno acredita un
cambio de mentalidad en el maestro, más suavizada y, si se prefiere, más humanizada,
cambio que se atribuye al influjo ático y fidíaco. El motivo de base con la
pierna exonerada retrasada es típicamente policlético.
b.2.-EL GRAN CLASICISMO: FIDIAS (libro)
Fidias está considerado como la cumbre del clasicismo, aunque la crítica haya atribuido una parte importante
de su extensa obra a su taller o discípulos. La belleza serena de los rostros, la flexibilidad y transparencia
de las vestimentas (técnica de “los paños mojados”) que, pegadas al cuerpo traslucen su anatomía,
acentuando mas aún su naturalidad, la combinación de equilibrio y vida –conseguida a veces en un cuerpo
estático que inclina ligeramente la cabeza- son rasgos del arte fidiaco. La serie de esculturas dedicadas a
Atenea, el Zeus de Olimpia y los relieves del Partenón constituyen el legado de este maestro. FIDIAS
LA DECORACION ESCULTORICA DE EL PARTENON
La decoración escultórica, que se realizó entre los años 447 y 432 a.C., es la plasmación de un lenguaje formal
homogéneo llamado posteriormente "estilo Partenón" y en el se que recoge la estética clásica, sin duda, atribuible a
Fidias, amigo personal de Pericles, y a sus colaboradores. Buena parte de estas obras fueron realizadas por Fidias, sin
que se sepa con exactitud cuáles, pues cuando fue procesado aún no estaba terminada (fue acusado de malversación del
oro destinado a la estatua de Atenea, y pese a demostrar su inocencia, fue encarcelado so pretexto de impiedad, por
haber incluido su retrato y el de Pericles en el escudo de la diosa Atenea). Se cree que sus colaboradores tuvieron que
terminarlas apoyándose en modelos de arcilla o escayola que el artista habría hecho a modo de bocetos y que luego ellos
esculpieron en mármol del Pentélico.
En la distribución de esta obra escultórica se deja ver el sentido espiritual de su concepción. El programa
escultórico del Partenón está repartido en la fachada (metopas y frontones), y en el interior, aparte de la desaparecida
colosal estatua crisolefantina de la diosa Palas Atenea Parthenos, debajo del friso sin triglifos, corre un bajorrelieve
continuo que representa la "Procesión de las Panateneas".
** FRONTON ORIENTAL , dice Pausanias, que se representa el
D- nacimiento milagroso de Atenea de la frente de Zeus abierta por un hachazo de Hefesto, de cuya herida nace
la diosa que es coronada como "Nike" en presencia de los dioses y otras figuras, como las Horas y las Parcas, deidades
que presiden el nacimiento y la muerte..
Los cuerpos desnudos, más que dioses son el prototipo de la masculinidad de la época, donde la sobriedad
simplificadora aporta al mármol formas puras que le confieren vitalidad y humanidad. Las escultura femeninas van
vestidas, pero en ellas se manifiesta sutilmente su personalidad a través de los pliegues de sus túnicas. Las Parcas,
deidades fúnebres, muestran adaptadas a sus cuerpos los pliegues finísimos de sus ropajes transparentes, en tanto que
los ropajes de Iris y de la Victoria, que habitan aquí en el suelo, se izan los pliegues a impulsos del viento, en contraste
con los planos de tela serena que adorna la figura de la diosa olímpica Hebe, sobre los que se posan los rayos solares.

12. Sólo dos cabezas se han conservado de las estatuas de los frontones del Partenón: una es la del joven recostado
que se suele designar con el nombre de Teseo; la otra es la cabeza femenina que se cree fuese la de Victoria Ambas
cabezas son de una simplicidad sublime, pero todavía bien humana, ya ,que la forma no se estiliza; se idealiza lo que es
eterno e inmortal en la faz de cada sexo. También se encontraban cabezas de caballos que ocupaban los ángulos más
agudos del frontón La misma idealización aparece en las cabezas de los caballos. Acaso se les podría reprochar
únicamente una excesiva transfiguración de su tipo, pero así y todo, serán siempre el ideal de su raza, el arquetipo del
caballo, la idea pura de su forma que pedía Platón para las obras de los artistas.
En el frontón de la fachada occidental se representaba la contienda entre Atenea y Poseidón por el Ática
** METOPAS En cada una de las fachadas menores había catorce metopas y treinta y dos en cada uno de los
lados, en total 92, todas ellas con altorrelieves; éstos muestran,
**en la parte este, la lucha de los dioses contra los gigantes y,
* *en la parte oeste, la lucha de los griegos contra las amazonas;
**en el lado norte, las luchas contra Troya y,
**en el meridional, D-CENTAUROS Y LAPITAS(libro)
INTERIOR: **FRISO D-PROCESIÓN DE LAS PANATENEAS(libro) D-GRUPO DE JINETES
En contrate con estas composiciones heroicas se desarrollaba bajo el gran pórtico un friso con una procesión en
la que desfilaban todos los ciudadanos de Atenas, los cuales, representados en su diversas categorías acudían fielmente
al santuario de la Acrópolis. Era una ceremonia cívica que en la celebración de las Panateneas congregaba cada año a
todo el pueblo de Atenas ( y con mayor solemnidad cada cuatro años) para llevar un nuevo manto a la diosas. El
antiguo ídolo de madera necesitaba que se le vistiera con un manto o peplo de lana tejido por las muchas vírgenes,
panateneas, consagradas a la diosa; después la costumbre se transformó en tradición, cuya ceremonia consistía en que el
sacerdote recibía el peplo a la puerta del Partenón y lo colgaba durante todo el año en la cella, junto a la estatua de la
diosa.
El friso, que da la vuelta a todo el edificio, en un recorrido de 160 m. está grabado en un bajorrelieve con figuras
de un tamaño mitad del natural que forman una comitiva formada por viejos con manto, largas filas de muchachas y
matronas, jóvenes a caballo, sacerdotes y personajes de la aristocracia ateniense, todos encaminados hacia la fachada
oriental, donde estaba la entrada. Naturalmente no faltan los doce dioses superiores, aquí deben destacarse Poseidón,
Apolo, Artemisa, y todos los demás dioses que han descendido del Olimpo y están presentes y visibles en la solemnidad
de la ofrenda del peplo, pero no parece que tomen parte en la procesión, son testigos fedatarios del acontecimiento que
sentados están sumidos en sus conversaciones. La novedad de este friso no está sólo en haber incluido un tema de la
vida civil en la decoración de un templo, sino más bien en el naturalismo con que está representado cada uno de los
grupos humanos.
Las esculturas del Partenón son, por muchos conceptos, el más alto resultado artístico que ha producido la
Humanidad. Desde la antigüedad se ha alabado su perfección. Pericles las calificaba de "milagro sorprendente" y
reprochaba a los atenienses que no supieran admiradas. Plutarco, con sencillez estoica dijo de ellas: "Lo que hace más
admirable aquellas obras es que se hayan ejecutado en tan corto tiempo para tan larga vida
D-ATENEA PROMACOS
Fue la estatua en bronce más gigantesca que se construyó en Atenas.
Tenía unos nueve metros de altura, y no ha llegado a nosotros ninguna
copia que ofrezca una versión satisfactoria.
D-ATENEA LEMNIA
Era de dimensiones muy poco superiores al natural.
Se situó sobre un pedestal dentro de la Acrópolis.
Tenia fama de ser la mejor obra de Fidias.
D-ATENEA PARTHENOS
Construida en oro y marfil (crisoelefantina), fue causa de su
extrañamiento de Atenas, ya que los enemigos de Pericles, para desacreditar a éste, le acusaron de haber sustraído ma -
teriales destinados a esta obra. Se conserva alguna copia romana, muy mediocre, de esta obra, como las llamadas
«Atenea Farnesio» y «Atenea Varvakeion», ambas de reducidas dimensiones.
En los años que mediaron entre su destierro de Atenas y su muerte, Fidias labró,
para el Santuario de Olimpia, la estatua que iba a asegurar su inmortalidad:
D-ZEUS OLIMPICO, también crisoelefantino, que, según los antiguos,
«era necesario contemplar antes de morir». Fue una de las siete
maravillas del mundo. Zeus sentado en su trono alcanzaba la altura de quince metros.

13. D-NIKE ATÁNDOSE LA SANDALIA
Otras obras han sido atribuidas a Fidias. Por ejemplo, la extraordinaria Niké que
decoraba el basamento del Templo de la Victoria Aptera (Atenea Niké).
NIKE Atandose la sandalia....Del pequeño pero magnífico templo de
Atenea Niké de la Acrópolis de Atenas hay que destacar su programa
escultórico de bellísimas esculturas en relieve con diversas representaciones
de la Victoria, sola o en compañía de Atenea. Estos relieves
probablemente fueron esculpidos por maestros que aprendieron
su oficio bajo la dirección de Fidias cuando se realizaron los trabajos
escultóricos del Partenón. La más hermosa de ellas la Victoria desatándose
la sandalia, cuyo transparente ropaje, del mas puro estilo fidiaco, parece una cascada
de pliegues que subrayan las graciosas formas de la Victoria. Además hay que destacar que el relieve presenta ya la
figura en escorzo, y se abandonándose definitivamente la frontalidad arcaica.
Se ha atribuido al escultor Kalimaco -a quien se considera el inventor del capitel corintio- la autoría del
refinamiento de la última fase del estilo del siglo V, que ha perdido las grandes cadencias de Fidias por más que sus
melodías hayan captado nuestra voluntad. Ante la tragedia de la época se representan cosas superfluas, como queriendo
olvidar la realidad. La figura en una pose y aprovecha la disposición del gesto para a través de una serie de paños
paralelos hacer caer una semicircunferencia y como a través de esos paños va jugando con una representación casi
caligráfica y de grandes surcos que hacen que la figura adquiera un claroscuro importante que da sensación de
profundidad cuando el relieve no es tan profundo La técnica de paños mojados que se pegan a la anatomía de la figura
dejándola entrever.
b.3.-EL CLASICISMO TARDÍO-postclasicismo: PRÁXITELES, SCOPAS Y LISIPO.(siglo IV)
Situación histórica: Nos encontramos en una época de disgregación y transformación en lo social, por la crisis
de las ciudades estado, y en lo filosófico, con la cultura de los sofistas en auge. Atenas, a pesar de la crisis política,
siguió manteniendo la supremacía artística en Grecia, con una sociedad elegante y refinada. En este contexto el artista
trabaja no para el estado sino para particulares, pues la Guerra del Peloponeso han dejado sin recursos las arcas del
Estado.
El estilo desarrollado es más humano, si lo comparamos con la serena grandiosidad del estilo de Fidias. Los
dioses se humanizan, las formas se ablandan y en los rostros comienza a reflejarse el “pathos” (su expresión emocional
y estado anímico, cargado de melancolía y se prefiere el mármol al bronce.
PRAXÍTELES :
Sus dioses adoptan actitudes indolentes, sus cuerpos describen curvas suaves, trata de dar una carga psicológica a
sus obras, con expresiones melancólicas, graciosas o indolentes, las posturas son lánguidas, a lo que contribuye la
delicadeza de la carne, que resulta de tratarla con ceras y ayudarse de pintores como Nicias. Son pues, figuras más en
línea con la idealización que con el realismo.
Formalmente, a Praxíteles se le atribuye la creación de la forma en “S”, la llamada curva praxiteliana,
donde el cuerpo se arquea ligeramente al apoyarse en algo exterior, debiendo doblar una pierna para apoyarse
fuertemente en la otra, lo que determina el saliente de la cadera. Además el personaje central siempre mira a
alguien o a algo.
Alarga también el canon de Polícleto, consiguiendo que sus figuras ganen en esbeltez. Entre sus obras destacan:
Venus de Gnido, Hermes con Dionisos, Apolo Sauroctono.
D-HERMES CON DIONISOS NIÑO (libro)
D-VENUS DE CNIDO(libro)---Fue motivo de escándalo para la sociedad griega, ya que por primera vez se trataba de
un integral desnudo femenino. Y lo peor es que no representaba a una cortesana, sino a una diosa. A pesar de ello, la
«Venus de Cnido» fue la estatua más copiada e imitada en los mundos helénico, helenístico y romano.
---La diosa de la belleza se muestra imperturbable y plena de su esencia divina, como si nadie pudiera verla en su
intimidad humana, completamente ajena a la idea de cualquier presencia extraña; sin embargo, Praxiteles la representó
en otras actitudes: su Venus de Arlés» se cubre las piernas con un manto.
La Afrodita de Praxíteles no parece tener precedentes, debió de ser una obra de taller, ejecutada en la soledad de su
genio creador, a juzgar por el carácter intimista que se aprecia en la perfección formal de todos sus detalles. Como todas
las demás obras del gran maestro debió ser cuidadosamente policromada: el color suave puesto sólo en los ojos, los
labios y el cabello; el resto del cuerpo tendría una tonalidad carnal algo más intensa. Aunque la obra fue grandemente
admirada por sus contemporáneos,
Aunque esta copia romana ha perdido la luminosidad de su superficie, la belleza de su cabeza es de una
hermosura ideal; es el prototipo perfecto de mujer hermosa. Sorprenden el maravilloso modelado, tanto del busto como
de la espalda, no hay que olvidar que fue esculpida como obra de bulto redondo para ser contemplada en todo su
contorno y exhibida en un templete abierto, la forma elegante de sus piernas, todo el cuerpo, sobrio y macizo, sin
pliegues, hoyuelos o la más ligera mácula. Si Afrodita es la diosa de la belleza femenina y del amor, esta obra de

14. Praxíteles pudo haber sido considerada también, hasta cierto punto, expresiva de la castidad: su cabeza y su mirada
están libres de pasión; la hermosa mujer mira tranquila, su mirada es limpia y sin turbación pese a manifestar sin pudicia
el encanto de la naturaleza femenina y de la belleza inmortal.
D-APOLO SAUROCTONO
El Apolo Sauróctono de Praxíteles presenta una iconografía difícil de explicar.
¿Por qué el dios, jovencillo, se entretiene despreocupadamente en matar un lagarto?
Sería una burla pensar en una versión diminuta de la serpiente Pitón, y no parece que
Apolo, defensor contra todas las plagas campestres, desde los lobos hasta las langostas,
tuviese mucho que hacer contra animal tan inocente. Sea como fuere, la obra es de
una novedad plástica impresionante. El suave torso, por vez primera en la estatuaria griega
se desequilibra hasta no poderse sostener por sí solo: la ondulación del cuerpo,
estructurada sabiamente por Policleto, y que en la Amazona de Berlín estaba a punto de perder su estabilidad, ahora ya
se deshace en una bella curva continua, la curva praxitélica, que un árbol debe soportar. Y el propio árbol, por lo
demás, añade, con su lagarto, una dimensión nueva a la estatua: Apolo aparece idealmente inmerso en un paisaje idílico,
resumen ideal de los felices campos del Olimpo donde viven los dioses su eternidad placentera
SCOPAS : Tuvo un temperamento artístico muy diferente al de Praxíteles: es ardiente y atormentado, gozando
intensamente ante la representación de temas trágicos. En esta línea es el gran introductor del elemento pasional, de la
expresión patética en la escultura, de la alegría y el dolor. Formalmente lo consigue con el tratamiento de los ropajes, y
sobre todo en los rostros con una disposición especial del arco del entrecejo –encajado- y de la pupila dirigida hacia lo
alto. Consigue una expresividad casi teatral en la violencia del movimiento (como en su “Menade”-libro) ,siendo todo
lo opuesto a Fidias.
LISIPO : Fue el escultor preferido de Alejandro Magno. Es artista de un elevadísimo naturalismo. Modificó el canon de
proporciones (ocho cabezas), resultando las figuras más esbeltas y de cabeza mas pequeña, contribuye a desarrollar en
el retrato el aspecto naturalista y la vertiente personal.
Formalmente, esculpe figuras de tres dimensiones dándole una visión múltiple, al avanzar los dos brazos,
estos abarcan un espacio que se incorpora también a la obra de arte. Por otro lado la frontalidad ha desaparecido
totalmente y la escultura parece invitar al espectador a girar en torno suyo. Se subraya así lo relativo e incompleto de la
visión, alejándose la escultura de ese modo único y fundamental de ver las cosas que imperaba en el primer clasicismo.
Hay en él un gran virtuosismo para representar detalles y para expresar lo violento y agitado, anticipando la escultura
helenística. Sus temas mas frecuentes son los relacionados con las figuras de Alejandro y de Hércules. Entre sus obras
mas importantes destacan el Apoxiomenos (libro) y Ares Ludovisi.
4.5.-LA ÉPOCA HELENÍSTICA.
El Helenismo es en primer lugar la crisis de la polis, al englobarse la constelación de ciudades-estado en una
unidad política bajo el dominio macedónico. En este nuevo mundo político, organizado por el genio de estadista de
Alejandro Magno, no tienen sitio los ideales de armonía y medida de la Grecia clásica y son sustituidos por nuevos
valores. Alejandro conquista el imperio persa, pero muere prematuramente y en los nuevos reinos helenísticos que se
forman a su muerte, la cultura griega se universaliza, admitiendo las aportaciones de los pueblos orientales con los que
funde. Surge así una cultura mixta, en la que se mezclan la tradición clásica, orientalismo (colosalismo y
decorativismo) y una nueva concepción de la vida, no basada ya en elevados ideales, sino en la búsqueda del goce de
la misma. Para Aristóteles el arte debe producir placer al espectador. Ciertas escuelas filosóficas incidían en este
sentido (Epicureismo).
**Los temas son muy variados:
**Los hay patéticos y crueles, mientras otros sin íntimos, delicados y tiernos.
**Hay representaciones colosales y grandiosas, pero contrastando tenemos un gran capítulo de escenas de
género, callejeras y triviales, que van de lo tierno a lo jocoso.
**El realismo avanza en los retratos, descarnados, sinceros y de gran penetración psicológica.
**En general se puede decir que los artistas se inspiran en la explosión de vida que les rodea y la llevan a sus
obras.
Se inicia una era de realismo un tanto amargo, se prefiere el desequilibrio de los cuerpos retorcidos a las serenas
posturas fidíacas, el dramatismo de las expresiones a los rostros tranquilos, la fealdad de monstruos o seres
amenazadores a la belleza clásica. En el grupo del Laocoonte los cuerpos se retuercen, los músculos se hinchan, los
rostros expresan dolor. Se sigue considerando a Atenas como el solar de la cultura pero aparecen otros centros y
escuelas, Pérgamo, Rodas, Alenjandría. Aún así el recuerdo de los ideales de armonía se conservan todavía en la Venus
de Milo, pero las formas barrocas, caracterizadas por el movimiento intenso se plasman en la Victoria de Samotracia.
D- RELIEVES DEL FRISO DEL ALTAR DE ZEUS EN PERGAMO(libro)
D-GALO LUDOVISI (libro)
D-GALO MORIBUNDO (libro)
D-VENUS DE MILO (libro)

15. D-NIKE DE SAMOTRACIA (libro)
D-LAOOCONTE Y SUS HIJOS (libro)