Arte griego

EL ARTE GRIEGO

“El hombre es la medida de todas las
cosas”.
PROTÁGORAS. ARTE GRIEGO I
ENLACES
ARTE GRIEGO II

EL ARTE GRIEGO
-Partenón: exterior (fachada fronto-lateral)
LÁMINAS P.A.U. -Kourós de Anavyssos
-Discóbolo, de Mirón
-Hermes con Dioniso, de Praxíteles
-Laocoonte y sus hijos

(Páginas de la 16 a la 47 del libro de texto)

CARACTERES GENERALES DEL ARTE GRIEGO

• Arte hecho a la medida del hombre, que fue siempre el
punto de referencia y fuente de inspiración.
• Búsqueda de la belleza y de la armonía. Un edificio o un
escultura respondían a la conjunción de cálculos o medidas
equilibradas (cánones) que definían el concepto de belleza.
• Tener una arquitectura hecha para ser contemplada en el
exterior con cierto sentido escultórico (tratamiento dado a la
columna a través de los órdenes clásicos) y en la que se
destaca la construcción de edificios de carácter público
(templos, teatros, etc.); una escultura centrada en la figura
humana; o el desarrollo del urbanismo ( estudio de la
relación del edificio con su entorno).

Arquitectura.
Rasgos Generales.
• 1 – La arquitectura griega estaba hecha a escala del hombre, que guarda proporción
con sus dimensiones y ante la cual no se siente empequeñecido.
• 2-Preocupación por la apariencia exterior de los edificios y por su relación con el
entorno (urbanismo).
• 3-Se trataba de una arquitectura arquitrabada (de arquitrabe) o adintelada, basada en
líneas verticales (columnas) y horizontales (entablamentos). Los griegos no usaron ni el
arco, ni la bóveda.
• 4-Era una arquitectura policromada, los exteriores de los templos se decoraban con
colores, aunque este aspecto no se ha conservado en la actualidad se tiene constancia de
que así era.
• 5-Materiales.
En principio se empleó el “poros”, que es un conglomerado de piedra arenisca. También
se usó la piedra caliza y, por ultimo, el mármol.
• 6-Concepción escultórica de la arquitectura, que se plasmó sobre todo en el tratamiento
que se le dio a un elemento sustentante como la columna, la cual llegó a generalizarse en
exterior de los templos -edificios por excelencia del arte griego-(peristilo o cinturón
exterior de columnas).

• 7-La búsqueda de la armonía visual a través de efectos ópticos (ya definidos hacia el
s. V a.C.), como:
*La curvatura del entablamento y estereobato (plataforma o escalinata sobre la
que se levantaba el templo griego), para evitar el efecto de concavidad o de desplome
en el centro.
*Inclinación de las columnas hacia el centro para impedir la sensación de
caída hacia los laterales y obtener el “efecto piramidal” (en forma de pirámide).
*Éntasis. Consistía en engrosar (hacer más grueso) las columnas en su parte
central, para corregir el efecto visual de concavidad que tienen las columnas de lados
rectos.
*Mayor anchura de las columnas situadas en los ángulos o esquinas de los
edificios, para dar a los edificios sensación de robustez y fortaleza.
*Desigual distancia entre las columnas (intercolumnios), que es mayor o
menor según los casos.
• 8.- La distinta conformación de los elementos arquitectónicos (sustentantes:
columnas; sostenidos: entablamento) en el exterior de los edificios (templos) dio
lugar a los llamados órdenes clásicos:

Templo próstilo,
Sólo tiene columnas en la fachada delantera

Columnas en fachada
delantera

Anfipróstilo
Columnas en fachada
delantera y trasera

Este templo es a la vez ANFIPRÓSTILO( tiene columnas en sus lados menores),
PERÍPTERO (al estar rodeado de columnas por sus cuatro lados) y HEXÁSTILO
(presenta seis columnas en su frente)

Pseudoperíptero. Está
rodeado de columnas, pero Columnas adosadas al
algunas están adosadas la muro de la CELLA
muro de la cella.

El templo de Afaia es DÍPTERO, porque está totalmente rodeado por dos filas de columnas
y hexástilo porque presenta seis columnas en su fachada. Si presentase dos sería DÍSTILO,
si tuviera cuatro sería TETRÁSTILO, si ocho OCTÁSTILO, DECÁSTILO si diez....

URBANISMO. PRINCIPALES ZONAS DE LA POLIS GRIEGA

RECONSTRUCCIÓN IDEAL DE UN ÁGORA

RECONSTRUCCIÓN IDEAL DE UN
ESTADIO DE DELFOS ESTADIO GRIEGO

PARTES DEL TEATRO
El theatron era, originalmente, el lugar donde se celebraban las danzas y cantos en honor a
Dionisos y, posteriormente, dio nombre a las construcciones destinadas a las
representaciones dramáticas.
El edificio consta de tres partes: la destinada a los espectadores, la que ocupa el coro y la
escena.
1- EL GRADERÍO (koilon o cavea) es donde se sitúa el público y se divide en sectores
(kerkís) y en grupos de gradas: dos en el teatro griego y tres en el teatro romano (imma,
media y suMma cavea).
En la parte superior de las gradas tanto el teatro griego como el romano tienen un pasillo
circular (diazoma).
Situado junto a la orquesta, suele tener algún asiento reservado al sacerdote de Dionisos o
a las autoridades y ante ella un pequeño muro separa las gradas de la orquesta (balteus).
2- LA ORQUESTA (orchaestra) es el lugar donde accionan el coro y los primeros actores.
Mientras que en el teatro griego tiene una forma circular o mayor que un semicírculo y el del
teatro romano es de medio círculo.
Además entre la orquesta/graderío y la escena hay un pasillo (parodos) por donde puede
entrar el público al interior.
3-LA ESCENA (skené o scaena) es el lugar por donde aparecen los actores desde la parte
posterior. La parte anterior, que da a la orquesta, se denomina proscenio (proskenion,
prescaena o pulpitum) y fue allí donde se trasladaron los actores desde la orquesta.
La propia escena (skené o scaena) suele tener dos pisos con nichos adornados con
estatuas y en sus columnas se fijan los decorados (pinakes); en algunas escenas había
unas pantallas giratorias (periaktos) para cambiar de decorado.
La parte posterior de la escena en el teatro griego estaba ocupada por una dependencia
para el cambio de atuendo de los actores.

Teatro de Epidauro

Teatro del Santuario de Delfos

Teatro de Siracusa

ARQUITECTURA ARCAICA. dórico
Templo de Apolo en Thermos

ARQUITECTURA ARCAICA. Templo de
Hera en Olimpia. Dórico.

Hera en Paestum. Dórico.

Artemisión en Efeso. Jónico.
Reconstrucción ideal.

ARQUITECTURA ARCAICA. Tesoro de
Sifnios. Reconstrucción.

Tesoro de los sifnios. Santuario
de Delos
Era el más suntuoso del santuario.
De estilo jónico y construido
enteramente con mármol de Paros,
tenía en su frente dos cariátides en
lugar de columnas y estaba
adornado con dos frontones y un
largo friso esculpido con
representaciones de episodios
mitológicos

ARQUITECTURA ARCAICA. Tesoro de
los atenienses

Tesoro de los atenienses.
Santuario de Delos

ARQUITECTURA DE TRANSICIÓN AL
CLASICISMO. PRINCIPIOS DEL SIGLO
V A.C. TEMPLO DE APHAIA. EGINA

PLANTA

RECONSTRUCCIÓN

CLASICISMO. MEDIADOS DEL SIGLO V
A.C. TEMPLO DE POSEIDÓN. PAESTUM

PLANTA

CLASICISMO. MEDIADOS DEL SIGLO V
A.C. TEMPLO DE ZEUS. OLIMPIA.

PLANTA

RECONSTRUCCIÓN

ARQUITECTURA
CLÁSICA. LA
ACRÓPOLIS DE
ATENAS

ACRÓPOLIS. PROPILEOS.

El arquitecto Mnesicles fue quien proyectó los pórticos
como si fueran fachadas de templos dóricos. El pórtico
exterior tiene una plataforma a cada lado con tres
columnas jónicas que sostenían un techo de mármol
azul y estrellas. Los dos frentes tienen una fachada
dórica, hexástila, con el intercolumnio central más
ancho, dando paso a la calzada. El muro de acceso se
articula en cinco vanos adintelados dispuestos en
orden decreciente. Flanqueando la escalinata de
acceso, encontramos un desarrollado basamento sobre
el que se levanta el templo de Atenea Niké.

ACRÓPOLIS. TEMPLO DE ATENEA NIKÉ.

La planta, de muy pequeñas dimensiones, es propia de un templo anfipróstilo-tetrástilo, en el que tanto el
vestíbulo delantero (pronaos) como el trasero (opistodomos) se convierten en pequeños pórticos. La cella o
sala de la diosa, es casi cuadrada (4 x 4 metros). Es, por tanto, un templo muy pequeño, de dimensiones
humanas; muy armonioso en sus proporciones. Todas las medidas están matemáticamente estudiadas
para dar esa sensación de esbeltez, a pesar de su escaso tamaño.
El friso del templo, que representa a Atenea, Zeus y Poseidón ayudando a los atenienses, es sin duda un
intento de elevar la moral de la ciudad, que en aquellos años estaba sumida en otra contienda que acabaría
perdiendo, la Guerra del Peloponeso.El proyecto se le encargó a Calícrates.

Partenón. Ictinos y Calícrates. Acrópolis de Atenas. (447-432 a.
C.)

Estudiar Fachada norte
Tetrástilo y jónico

Fachada principal
Hexástilo y jónico

Tribuna de
las cariàtides
ERECTEION. PLANTA

El Erecteion. Mnesicles. Acrópolis de Atenas. (421-424 a. C.)

Fachada norte
Tetrástilo y jónico

Fachada principal
Hexástilo y jónico

Tribuna de
las cariàtides
ERECTEION. PLANTA

PERIODO CLÁSICO. SIGLO V. TEMPLO DE APOLO EN BASSAE

Estudiar, solo recordar ejemplo

PERIODO CLÁSICO. SIGLO V. TEMPLO DE APOLO EN BASSAE

PERIODO CLÁSICO. SIGLO IV. Tholos del Santuario de Delfos.

Un tholos (plural tholoi) es un templo de estilo clásico, generalmente griego, de planta circular rodeado de
una columnata. El más conocido es el tholos de Delfos
El Tholos de Delfos está incluido en el santuario de Athena Pronaia. Esta construcción circular fue construida
entre el 380 y el 360 a. C. Tiene 20 columnas dóricas dispuestas en un círculo de 14.76 metros de diámetro
exterior, con 10 columnas corintias en su interior.


PERIODO CLÁSICO. SIGLO IV. Mausoleo de Halicarnaso.

El mausoleo estaba dividido en tres partes: un podio de planta cuadrangular, una columnata
intermedia con 36 columnas y un cuerpo piramidal coronado por una cuadriga. El edificio estaba
adornado con numerosas estatuas de mármol que representaban caballos y hombres tallados de
forma muy realista, destacando el hecho de que ninguna de las esculturas estuviera dedicada a
los dioses de Grecia

PERIODO CLÁSICO. SIGLO IV. Linterna de Lisícrates

En el helenismo temprano, las novedades arquitectónicas que encontramos se concentran en
algunos edificios civiles y monumentos menores como en este caso. La Linterna de Lisícrates fue
levantada en la época de Alejandro (336-323 a. C.) en Atenas como homenaje al ganador de un
concurso teatral. El trípode se erige sobre una base arquitectónica que destaca por su riqueza
decorativa y en la que podemos observar capiteles corintios, orden que normalmente se reserva
para el interior de los templos

PERIODO HELENÍSTICO. SIGLO II A.C. TEMPLO DE ZEUS OLÍMPICO EN ATENAS
(OLIMPEION).

El Templo de Zeus Olímpico, también conocido como el Olimpeion, es un templo de
Atenas. Aunque comenzado en el siglo II a. C. no fue terminado hasta el reinado del
emperador Adriano en el siglo II. En las épocas helenística y romana era el templo más
grande de Grecia.

PERIODO HELENÍSTICO. TEMPLO DE APOLO EN DÍDIMO(TURQUÍA).

El templo griego de Apolo en Dídimo, Turquía, fue construido hacia el 300 a.C. Es un
templo díptero, debido a la doble fila de columnas que rodeaba su espacio interior.
Estas columnas jónicas, que alcanzaban los 19,5 m de altura, rodeaban una pequeña
habitación que albergaba la estatua de Apolo.


PERIODO HELENÍSTICO. ALTAR DE ZEUS EN PÉRGAMO.

Uno de estos grandes altares construidos en el período helenístico fue el gran altar de Pérgamo, dedicado a
Zeus o a Atenea. Sus ruinas han subsistido a través de los siglos y fueron descubiertas por un equipo de
arqueólogos alemanes en el siglo XIX. En la actualidad puede contemplarse el gran friso de esculturas en la
ciudad alemana de Berlín, en el museo de Pérgamo.
Es una construcción colosal alzada sobre un podio, respetando la visión original; estaba construida en la
segunda terraza de la acrópolis de la ciudad. El gran friso de las esculturas no formaba parte del
entablamento sino del podio del templo. Arriba se encontraba una columnata de orden jónico dividida en tres
cuerpos, uno central al fondo y dos laterales. La columnata central daba su espalda a un patio cuadrangular
que era el espacio reservado para los sacrificios en que se quemaba incienso y se hacían libaciones en honor
de los dioses.

PERIODO HELENÍSTICO. TEATRO DE EPIDAURO.

El género teatral es de creación griega y el edificio que alberga el espectáculo también es una construcción típicamente
griega. Consta de tres partes esenciales: escena, orquestra y graderío. La escena se encuentra a nivel de tierra y en ella se
emplean decoraciones giratorias en forma de prismas triangulares. La orquestra es la parte dedicada al coro; tiene planta
circular y en el centro se alza la estatua dedicada a Dionisos, dios en cuyo honor se celebra la fiesta. El graderío tiene planta
ultrasemicircular, rodeando en parte a la orquestra.
El teatro más famoso es el de Epidauro, construido por Policleto el Joven a finales del siglo IV a.C. Se utilizó un desnivel
natural del terreno de 24 metros para edificar una concha de 120 metros de diámetro que se divide en dos zonas. La parte
inferior del hemiciclo está dividida en 12 cuneus con una treintena de gradas cada uno mientras que en la zona superior se
hallan 22 cuneus con 20 gradas cada uno. En total podía albergar hasta 15.000 espectadores que disponían de dos tipos de
asientos: los del pueblo consistente en las propias gradas y los de las personalidades políticas, con respaldo y brazos.

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- Etapas: Período Arcaico, siglos VIII al VI a.C., desde el final de la llamada
Edad Oscura hasta las Guerras Médicas (490-480 a.C.); Etapa Clásica, siglos V y
IV a.C., desde las Guerras Médicas contra los invasores persas hasta el fin de la
Guerra del Peloponeso (404 a. C.); Período Helenístico, desde finales del siglo
IV a.C., a partir del reinado de Alejandro Magno (336-323 a. C.), hasta la
conquista de Grecia por Roma, a mediados del II a.C.

Características
1) La escultura tuvo como protagonista al ser humano.
2) Los escultores griegos trataron de plasmar la belleza física del cuerpo
humano, por tanto, a los hombres y mujeres se tendió a representarlos
desnudos o usando técnicas que insinuaban la anatomía humana (Ej. Paños
mojados de Fidias).
3) Se dio una inclinación a la idealización del cuerpo humano. Se trató de
reflejar la belleza idealizadamente, sin defectos. Aunque en la época helenística
de dio un giro hacia el realismo, al aparecer las figuras tal como eran en su
aspecto natural.
4) La belleza se entendía como la armonía entre medidas, de proporción entre
las partes del cuerpo. La belleza residía en la relación numérica de cada parte
con la inmediata y de todas con el conjunto.
5) Los artistas griegos no se limitaron al exterior de las figuras sino que trataron
de exteriorizar estados de ánimo (expresiones del espíritu) desde la
impasibilidad de las esculturas de la época arcaica, a la serenidad de la
estatuaria de la época clásica, hasta llegar a gestos de dramatismo, de dolor y
desesperación de ciertas obras de la época clásica pero sobre todo helenística.
6) Otra preocupación fundamental fue la plasmación del movimiento.
Partiendo del hieratismo (falta de movilidad) de las representaciones
escultóricas arcaicas, se llegaba a los movimientos serenos y contenidos de la
época clásica (apolíneo) hasta desembocar en figuras que se agitaban, retorcían
convulsivamente, se movían violentamente o estaban en disposiciones forzadas
(dionisíaco), como ocurrió en los momentos finales del clasicismo y en la etapa
helenística.
7. Era una escultura policromada. Las obras escultóricas (hechas en
terracota o mármol) se cubrían de colores, aunque este aspecto no se
puede apreciar en la actualidad por no haberse conservado pinturas en la

Estudiar mayoría de las estatuas (además muchas de ellas son copias romanas).
Con ello acentuaban el sentido de realidad.
8) Los materiales utilizados fueros diversos:
*Terracotas (figuras de barro cocido). Sobretodo en la época arcaica. Las
acróteras de los templos se solían hacer en este material.
*Caliza.
*Mármol. Fue el material más empleado y en el que están hechos los mejores
ejemplos de estatuaria griega.
*Bronce.
*Oro y marfil. Esculturas crisoelefantinas.
9) Los griegos hicieron tanto esculturas de bulto redondo como relieves (altos y
bajos).
10) Función. En un origen la esculturas griegas estaban destinadas a los
templos, bien al culto de los dioses o como exvotos (ofrenda que se le ofrecía
a la divinidad como agradecimiento de un don recibido); y a tumbas.
También fueron frecuentes las representaciones de atletas desnudos, de
damas haciendo una ofrenda, escenas mitológicas o hazañas guerreras.

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ESCULTURA ARCAICA (SIGLOS VII Y VI A.C.)
- Encontramos esculturas anteriores al período arcaico, muy simples: Pequeños
exvotos y xoanas (esculturas talladas sobre el propio tronco del árbol).
- Ya en época arcaica encontramos las primeras esculturas de gran formato
realizadas en piedra, fundamentalmente dos tipos muy característicos: Los
kouroi o efebos (kourós en singular), figuras de atletas desnudos; y las korai o
muchachas (kore en singular), figuras oferentes de mujeres vestidas. Estaban
dedicadas a distintas divinidades y no eran retratos, sino estatuas votivas y
conmemorativas idealizadas.
- Las características principales de la escultura arcaica son: de cuerpo entero;
actitud hierática; ley de la frontalidad; modelado sencillo y de fuerte
geometrización; estatismo, ya que únicamente se desplaza un poco la pierna
izquierda para sugerir el movimiento de andar, pero sin conseguir la sensación
de desplazamiento; y otros convencionalismos, como los grandes ojos
almendrados, la sonrisa arcaica o eginética, expresión facial mediante un gesto
forzado y convencional, las largas cabelleras de elementos geométricos, etc.

Las Korai
- Características: vestidas, es más importante el estudio de los pliegues que el de
la anatomía, encontramos dos tipos fundamentalmente, con el peplo dórico
(túnica gruesa sin pliegues) y con chitón jónico (de textura fina y con
abundantes pliegues); con los dos pies juntos; la mano libre sujeta el vestido o
una ofrenda; con sonrisa arcaica. Son estatuas de carácter religioso, encontradas
en los templos. Ejemplos: Dama de Auxerre, derivada de las xoanas; Hera de
Samos, todavía muy arcaica; Kore del Peplo y otras korai evolucionadas del siglo VI
a.C., como las descritas más arriba.

Estudiar, solo recordar ejemplos

Los Kouroi
- Características del siglo VII a.C.: Con la pierna izquierda adelantada, pero
sin sensación de movimiento, ya que las plantas de los dos pies están pegadas
al suelo; con los brazos caídos, pegados al cuerpo y los puños cerrados;
modelado sencillo (que evolucionará hacia formas cada vez más conseguidas),
con fuerte geometrización (sobre todo en pelo y torso), y desproporciones entre
las distintas partes del cuerpo; con ojos almendrados y abultados; la boca
siempre cerrada y con "sonrisa arcaica" ("sonrisa eginética"). Ejemplos: Cleobis y
Bitón.

Estudiar


CLEOBIS Y BITON
S.VII A.C.

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Los kouroi del siglo VI a.C.: Evolucionan hacia formas más redondeadas,
perfeccionándose el modelado anatómico; también es menor la geometrización
de las formas; se aprecian ya suaves movimientos; aparecen nuevos elementos.
Ejemplos: El Moscóforo (joven portador de ternero como ofrenda); Jinete Rampín,
con la cabeza ligeramente girada; el Kourós de Anavyssos y el Apolo de Piombino,
kouroi con líneas más dulces.

Autor: Anónimo,
(talleres de Ática).
Estilo:
Período arcaico de Grecia
.
Material: Mármol del
Monte Himeto, con
incrustaciones de
piedra en los ojos.
Altura: 1,65
centímetros.
La inscripción en su
base dice que esta
dedicado por Rombos,
hijo de Pales.

El Moscóforo en el
MOSCÓFORO s.VI a de C. momento de su hallazgo
Museo de la Acrópolis de Atenas en 1866.

KOUROS DE ANAVYSSOS

Estudiar a través de la lámina

Estudiar, solo recordar ejemplo bronce hallada en 1832, en
Magnífica escultura en
el mar muy cerca de Piombino por lo que recibe este
mismo nombre. Se cree que se trata de una
representación del dios Apolo, y que, por tanto,
portaría un arco en la mano derecha y una flecha en
la izquierda.

Para hacer un trabajo en bronce, básicamente
primero se hacía un modelo en arcilla, que luego se
cubría con una capa uniforme de cera. Luego se
ponía en un molde adaptado bien a la cera, se hacía
salir ésta (con calor) y se vertía el bronce fundido
que ocupaba el espacio originariamente cubierto por
la cera. Una vez frío y sólido se sacaba el molde con
un cincel y se terminaba la figura. Este proceso era
complicado y normalmente no se hacían las estatuas
de una sola pieza. Pero en versión sencilla o
compleja, las estatuas de bronce debido al material
necesitan pocos o ningún apoyo para su equilibrio,
lo que las hace adecuadas para experimentar nuevas
posiciones. Se denomina técnica de la cera perdida.
APOLO DE PIOMBINO. Bronce. s. VI. 1,15 mts

Estudiar
La Escultura Monumental (aplicada a la Arquitectura)
- Los frisos: Encontramos decoración escultórica en relieve en las metopas de los
frisos dóricos y en los frisos corridos jónicos; en ocasiones también en frisos que
decoran otros lugares de los templos u otros edificios.

- Los tímpanos de los frontones: Es el lugar preferido, decorados generalmente
con esculturas de bulto redondo. Aquí encontramos el problema de adaptar la
escena a la forma triangular del tímpano, produciéndose una evolución en la
búsqueda de soluciones. Ejemplos: En el Templo de Artemisa en Corfú las figuras
aparecen a distintos tamaños, recurriéndose a animales para las esquinas
(Medusa y felinos); en el Tesoro de los Sifnos en Delfos y en el Templo de Afaia en
Egina y en el Templo de Zeus en Olimpia, que pertenecen a la fase de transición
entre el arcaísmo y el clasicismo, encontramos ya nuevas soluciones que
respetan la proporcionalidad de las figuras, que van variando de postura (de
pie, inclinados, arrodillados, sentados, recostados, tumbados), además también
encontramos un mayor dinamismo en las figuras. Esta será la línea a seguir a
partir de ahora.

TÍMPANO DEL TEMPLO DE ARTEMISA EN CORFÚ

Tesoro de los Sifnos en Delfos

Estudiar

El siglo V a.C. La Etapa Clásica
- En este siglo se produce un proceso febril de realizaciones para conmemorar la
victoria frente a los persas y para reconstruir lo destruido.
- El objetivo estético es plasmar la belleza ideal, aunque es un arte naturalista se
tiende a la idealización, partiendo de la realidad se crean arquetipos. El
verdadero protagonista es el cuerpo masculino desnudo, consiguiéndose en su
realización un dominio total de la anatomía. Los temas mas representados
pertenecen al mundo mítico de los dioses y héroes, que son tratados con gran
seriedad. Se pierde definitivamente el hieratismo, lográndose la movilidad de
las figuras y captando gestos y actitudes. También se abandona la frontalidad,
las esculturas tienen varios puntos de vista.
- Durante los primeros 50 años del s. V a.C. encontramos una etapa de
transición hacia esos objetivos, aún con restos de arcaísmo, el “Estilo Severo”.
Vemos pasos hacia la perfección anatómica, mayor dinamismo, y las soluciones
para adaptar la escultura a los tímpanos de los frontones.
+ Ejemplos de este período son: Los Frontones del Templo de Afaia en Egina
y los Frontones del Templo de Zeus en Olimpia (ya mencionados más
arriba); los Relieves del Trono Ludovisi (Nacimiento de Afrodita); bronces
como Poseidón, los Guerreros de Riace o el Auriga de Delfos.

TRONO LUDOVISI. NACIMIENTO DE AFRODITA
Autor Anónimo Museo de las Termas de Roma
Caracteristicas: Mármol 102 x 144 cm
El trono Ludovisi es una de las obras cumbres de la escultura arcaica, aunque ya del periodo severo, ya que aún teniendo rasgos arcaicos ya
anuncia otros clásicos. Es un bloque de mármol originariamente policromado con bajorrelieves es tres de sus caras y abierto en la parte anterior
para formar una especie de trono. En lo que constituye el respaldo está representado el nacimiento de Afrodita en el acto de surgir de las olas
ayudada por dos ninfas ( Las Horas). Los pliegues de la ropa se adaptan al cuerpo que surge de las aguas como si aún estuvieran húmedos.
A ambos lados de la escena principal se encuentras dos figuras femeninas representación del amor sacro y del amor profano: en uno, la
sacerdotisa, la esposa, cubierta con un velo, cuida celosamente de mantener la lámpara encendida; en el otro aparece una flautista tocando su
instrumento , con las piernas cruzadas y desnuda, como si se tratase de una cortesana. Es uno de los primeros desnudos femeninos de la
escultura griega.
En el nacimiento de venus el relieve es muy bajo y se desarrolla casi en un único plano. La combinación de torso frontal y cabeza de perfil en la
figura de Afrodita evoca una fórmula preclásica. , Destacan sobre todo los “paños mojados” (los “paños mojados”, que posteriormente tendrán
gran influencia en Fidias y sus seguidores. Esto conlleva una controversia, puesto que el desnudo de la mujer se ve obstaculizado a la hora de
ser figurado: los “paños mojados” permiten al artista aproximarse al conocimiento anatómico femenino sólo de este modo, mientras que el
estudio del masculino estaba muy generalizado). Aparecen aquí pegados al cuerpo de la diosa, y dejan entrever su anatomía femenina.

Poseidón era el dios griego del mar y los terremotos. Poseidón era
representado como un hombre barbudo y de pelo largo, que portaba
Estatua de bronce representando al dios un tridente y estaba acompañado de delfines y peces. Tenía la
Griego Poseidón. "Poseidón Soter en reputación de tener muy mal genio. El símbolo del poder de Poseidón
Artemisium" (c. 575 A.C.). La estatua fue era la lanza con tres pinchos conocida como el tridente.
Las tormentas y terremotos eran una reflexión de su furia rabiosa.
encontrada en el Mar Egeo en 1926. Cuando se enojaba, rompía las montañas y las tiraba al mar para
formar las islas. Poseidón era el hermano de Zeus y Hades. Se casó
con Anfitrite que era una de sus asistentes, las Nereidas. El dios
griego Poseidón era conocido por los romanos con el nombre de
Neptuno.

GUERREROS DE RIACE

Las estatuas son dos esculturas exentas, conocidas popularmente como el guerrero viejo y el
joven, encontradas en el Mar Jónico, en las costas de Riace, muy cerca de Reggio Calabria.
Seguramente el barco que las transportaba sufrió un naufragio, y toda su carga, ha
permanecido en el fondo del mar hasta 1972, año en el que fueron rescatadas.

EL AURIGA DE DELFOS
Se realizó en el año 474 a. C.
para conmemorar la victoria de
un conductor de carros (auriga)
en los Juegos Píticos. La figura
formaba parte de un grupo más
amplio en el que estaría incluido
el carro y cuatro o seis caballos.
De tamaño natural, la figura de
bronce tiene una altura de 1,80
metros

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Critios: destaca de esta etapa este escultor, autor de los Tiranicidas y el
Efebo Atleta, que supone el inicio de la época preclásica, gracias a lo
novedoso de su postura, precedente del “contraposto”: dobla una rodilla
para apoyar todo el peso del cuerpo en una sola pierna, su anatomía es
más realista, aunque el pelo sigue en la misma línea, corto; y la cabeza no
está totalmente recta, sino un poco girada y ligeramente inclinada hacia
abajo.

Estudiar

A partir de mediados del siglo V a.C. se inicia la “Etapa Clásica”
propiamente dicha:
+ Mirón: Broncista, aunque las obras que se conservan son copias
romanas en mármol, como en la mayoría de los casos que vamos a ver.
Su obra más famosa es el Discóbolo, en el que Mirón demuestra ser el
maestro del movimiento, no estamos ante la tradicional postura erguida,
sino que la que realiza es muy atrevida, capta un instante, el momento
previo a lanzar el disco, el momento de esfuerzo máximo, por ello todo el
cuerpo está en tensión, pero la cabeza no se acaba de corresponder con el
cuerpo, ya que está demasiado tranquilo, concentrado, pero sereno.
También suyo es el grupo de Atenea y Marsyas, en el que Atenea está
andando y con la cabeza mira el suelo al mismo punto donde está
mirando Marsyas, formando una uve, Atenea está serena y viste el
peplos, Marsyas es una figura desnuda en tensión, lo que permite
mostrar una potente musculatura.

CRITIOS. EFEBO CRITIOS. TIRANICIDAS

Estudiar por la lámina

MIRÓN. DISCÓBOLO

1. Clasificación: Escultura exenta.
2. Material: Mármol. Originariamente era de bronce.
Esta es una copia romana en mármol que en sus
tiempos estaba policromada.
3. Tema: El Discóbolo
4. Argumento: El atleta está en movimiento,
representado en el instante en que va a soltar el disco.
Es el momento más noble de competición atlética.
5. Características: Es una representación ideal de un atleta.
Capta la naturaleza movimiento como si se tratara de una
instantánea fotográfica. La perfecta descripción de la
musculatura revela un conocimiento exhaustivo de la
anatomía masculina. El rostro es inexpresivo e ideal y no
revela el esfuerzo del lanzamiento.
6. Autor: Mirón, escultor griego nacido en Eleutera. Trabajó
principalmente el bronce.
COMENTARIO DEL DISCÓBOLO
7. Cronología: 490-430 a.C.
8. Periodo-estilo: Periodo clásico del arte griego.
9. Contexto: Vivió en la época de máximo esplendor de
Atenas, en que la ciudad encabezada la alianza militar de
Liga de Delos para poner freno a la amenaza oriental de los
Persas. Trabajo en la decoración de la Acrópolis. El Estado
ateniense gastaba mucho dinero en obras de arte que daban
prestigio a la ciudad. Estas esculturas se hacían en
homenaje al vencedor de unos juegos atléticos, pero no
guardaba parecido con la persona, pues los artistas griegos
de este periodo trataban de plasmar en sus obras la belleza
ideal, el hombre perfecto. Durante el siglo V estaba en boga
la teoría de Platón de que el mundo terrenal era reflejo
imperfecto de un mundo ideal supraterrenal.

Estudiar

Policleto: También broncista. Publica el "Kanon", obra en la que realiza
un estudio de las medidas y proporciones del cuerpo humano, la belleza
estaría en estas proporciones (la altura total del cuerpo es siete veces la
cabeza) y en la simetría. En el Doríforo, portador de lanza, plasma todas
sus teorías: cabeza esférica, proporciones y simetría, postura clásica o
“contraposto”, erguido, con cierta curvatura en el torso y la cadera al
descansar todo el peso sobre una pierna. El Diadúmeno posee unas
características muy parecidas al anterior, aparece atándose una cinta a las
sienes. Otra obra suya es una Amazona herida, premiada en un concurso
para la decoración del Santuario de Éfeso, en el que compitió con Fidias y
Crésilas hacia mediados del siglo V a.C.

Estudiar por la lámina

Doríforo. Policleto el Viejo.
(450-440 a. C.)
Original en bronce. 2,12 m.
Museo Arqueológico
Nacional de Nápoles.

Contraposto

curvatura en el torso y la cadera al descansar todo el peso sobre una pierna

Kanon Policleto

La proporción del
hombre es que la
medida total del
cuerpo será de 7
medidas de la
cabeza


Representa a un atleta griego ciñendo en su cabeza la cinta
de la victoria, de donde procede el nombre διαδούµενος /
diadoumenos, «el que ciñe y desciñe», que deriva del
término griego διαδέω / diadeo, «ceñidor o bien ceñido». Aún
está desnudo después de la competición y eleva los brazos
para atarse la diadema, una banda en forma de cinta que
identifica al ganador y que en la obra original de alrededor
del año 420 a. C. estaría representada por una cinta labrada

DIADUMENO. POLICLETO

Estudiar
Fidias: Unido a Pericles por la reconstrucción y ordenación monumental
del Acrópolis de Atenas, es el escultor de los dioses, el que mejor capta la
esencia de la divinidad, autor de dos gigantescas esculturas
crisoelefantinas (núcleo de madera con placas de oro y marfil): la Atenea
Parthenos, de la que se conserva una pequeña copia romana en mármol,
la Atenea Farnesio, de unos 12 metros de altura y se encontraba en el
interior del Partenón, lleva la coraza sobre el pecho, una túnica hasta los
pies, el casco sobre la cabeza y una victoria de tamaño natural en la
mano, su escudo mostraba la amazonomaquia en relieve en la parte
delantera y la gigantomaquia pintada por la parte de atrás; y el Zeus de
Olimpia, hoy perdido, que estaba sentado con una victoria en la mano
derecha y un cetro en la izquierda, de 15 metros, sedente, obra que
aseguró su inmortalidad.

Estudiar

Otras obras suyas: la Atenea Prómachos, en bronce, sólo conoccida por
monedas, es la salvadora y guardiana de la ciudad, representada como
guerrera tenía unos 15 metros de altura, estaba situada en la mitad de la
Acrópolis; la Atenea Lemnia, su mejor obra, cuya cabeza se ha
denominado como “la belleza” porque corresponde con el canon de
belleza perfecta del siglo V a.C.; la Amazona herida del concurso de Éfeso.

Estudiar
FIDIAS EN EL PARTENÓN

También se atribuye a Fidias toda la decoración escultórica del Partenón,
que influirá en los escultores del “Estilo Partenón” del “Estilo Bello”, de
finales del siglo V a.C.: las Metopas del Friso del Dórico (composiciones
claras, de dos o tres figuras, en altorrelieve); el Friso de las Panateneas
(representación en bajorrelieve de la procesión de las Panateneas, en el
friso alrededor de la cella del Partenón; no es una representación
esquemática, las figuras son vivas e individualizadas, representadas
mediante un naturalismo idealizado); las esculturas de los Frontones del
Partenón (excelentes composiciones, en las que las figuras se ajustan
perfectamente al frontón; en el frontón oriental se representa el
Nacimiento de Atenea y en el occidental la Lucha de Atenea y Poseidón por el
Ática; estudia la anatomía en los desnudos y de los vestidos en las figuras
femeninas, aunque mediante la “técnica de paños mojados” también en
este caso se adivina la anatomía).

PROCESIÓN DE LAS PANATENEAS. FRISO DEL PARTENÓN.
MÁRMOL DEL PENTÉLICO. 160 METROS.

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Krésilas destaca entre los escultores adscritos a este periodo: Realizó un
Busto de Pericles, situado en el Acrópolis de Atenas, con casco corintio y
muy idealizado. También conservamos su Amazona Herida del concurso
de Éfeso.

PERICLES. KRÉSILAS.

Estudiar
Kallimachos: Sus obras continúan en la línea de la técnica de los paños mojados
inaugurada por Fidias en el Partenón, la Afrodita de Frejus y el relieve de la Victoria
atándose la sandalia del Templo de Atenea Nike.

EL SIGLO IV A.C.

Se producen cambios respecto al siglo anterior: Dioses y atletas siguen siendo los protagonistas,
pero ahora se representan los dioses más próximos al hombre y no los grandes del Olimpo y los
atletas en actitudes menos heroicas, más cotidianas; las figuras se hacen más libres, menos
majestuosas; el canon estético se estiliza; se acentúa el naturalismo en gestos y actitudes, los rostros
comienzan a reflejar el “pathos” (su expresión emocional y estado anímico); inicia su aparición el
desnudo femenino.

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Praxiteles: Es el escultor de la delicadeza, la elegancia y la belleza, de las superficies suaves.
Acentúa la tradicional postura clásica inclinando aún más la cadera, “curva praxiteliana”, aunque
continúa el quietismo de la composición. Obras suyas son el Hermes de Olimpia (uno de los pocos
casos en que conservamos el original, representa a Hermes, el mensajero de los dioses, llevando a
Dionisos niño durante un descanso en el camino), el Apolo Sauróctono (marca aún más la curva
praxiteliana y el cuerpo es más joven), la Afrodita de Cnido (con la que se inic ia el desnudo

Curva praxiteliana

HERMES CON DIONISOS NIÑO.
PRAXITELES. Mármol. 2,12 mts. Museo de Olimpia

HERMES CON DIONISOS 343 a. de C. Praxiteles
ANÁLISIS
Tipo de escultura: Se trata de un grupo escultórico, exento, de bulto redondo formado por dos figuras, un joven en pie, desnudo, apoyado en un tronco y un niño también
desnudo, sujeto en su brazo izquierdo. Ambos están apoyados en un tronco del árbol del que pende un manto con drapeados que casi ocultan el tronco. El brazo derecho de la
figura está incompleto y la parte inferior de las piernas ha sido reconstruido en yeso. Es una escultura original griega. Su medida es de 2,12 metros. De altura.
Tema: mitológico. Se ha interpretado como una conmemoración de la alianza entre Arcadia y Elida, cuyos patronos eran Hermes y Dionisos.
Material la obra está trabajada en mármol, mostrando una gran calidad técnica, está claro, entre otros instrumentos el uso del trépano. (técnica escultórica)
Composición: esta se concibe mediante una serie de líneas ascendentes, con el fin de que la atención se concentre en el rostro del joven, que aparece ensimismado en sus
pensamientos. La figura principal presenta un contrapposto o esquema en S, mediante una postura lánguida y natural: el brazo derecho está en tensión con el hombro algo
desplazado mientras que el izquierdo se apoya en un soporte; la pierna izquierda libre de peso, toca el suelo con la punta del pie, la derecha sujeta el cuerpo, resaltando así la
línea de la cadera, la llamada "curva praxiteliana" . La ligera inclinación de la cabeza viene a completar el esquema.
La luz es un elemento importante. Resbala con suavidad sobre las superficies y crea ricas modulaciones y matices sutiles., también aparece el claroscuro sobre el cabello y los
drapeados del manto.
La policromía es en la actualidad inexistente, pero si existiría originalmente, con los cabellos dorados, había sido policromada por Nicias.
La forma de expresión es figurativa y naturalista, hay un gran interés por la belleza formal, especialmente en la figura principal, su anatomía es proporcionada, armónica,
perfecta y sensual. El Hermes es indolente, en el reside un cierto espíritu femenino y una dulcificación de la musculatura La expresión de su rostro es distanciada e inaccesible,
su cara presenta dos novedades: el trazado anchuroso de la nariz que sustituye la forma alargada, hasta entonces en boga y la manera de dibujar los ojos casi borrando el
párpado inferior, lo cual produce una impresión de nebulosa “el esfumado”, el pelo está tallado a trépano. No hay ninguna relación afectiva entre Hermes y el niño el cual se
considera que peor conseguido, se considera de peor calidad.
COMENTARIO
La obra es fruto de un estilo cuyo centro de interés es la figura humana. El dominio técnico hace pensar en una etapa de madurez, su expresividad, aquí identificada con la
melancolía nos hace pensar en una escultura griega del período posclásico que se extiende durante el S.IV a.C.

Cronología es del S. IV, esta obra se realizó en tomo al 343 a. de C. El autor es Praxiteles, gran escultor ateniense del S. IV a. de C escultor Cefisodoto
En concreto es el Hermes y Dionisos de Praxiteles. Es un tema mitológico, el joven Hermes lleva a su hermanastro para que lo cuiden las ninfas, parece ser que ha hecho
un alto en el camino y que ofrecía con la mano derecha un racimo de uvas que Dionisos se esfuerza por alcanzar. A pesar de tratarse de dioses, el tema es anecdótico y está
representado de forma afectuosa. Es típico del postclasicimo, y concretamente de Praxíteles la representación de un momento fugaz.
Función religiosa pues se trataba de un exvoto entregado al templo de Olimpia, según el testimonio de Pausanias. Fue hallado "in situ"" durante las excavaciones realizadas
en dicho emplazamiento en 1877. Los testimonios de historiadores griegos daban testimonio de cómo en este Santuario había más de 3000 estatuas.
Relaciones estilísticas esta obra está relacionada con otras del mismo autor como El Apolo Sauróctono, Afrodita de Cnido, y la Afrodita de Arles.
Contexto histórico La obra se realiza en el S. IV, en el que se ha producido en Grecia la guerra del Peloponeso (401-403a. de C.) Atenas, a pesar de la derrota frente a
Esparta se recuperó y restauró su democracia, pero nunca recuperó el poder, en la cuna de la democracia se instauró una oligarquía.
Politicamente y militarmente se vio sometida al equilibrio de fuerzas de las tres potencias, Atenas, Esparta y Tebas. Sin embargo una potencia exterior estaba a punto de tomar
las riendas de la situación, Macedonia país bárbaro del norte de Grecia, donde reinaba Fi1ipo II, que intervendrá en la política exterior .Macedonia logrará aumentar sus
dominios e intervendrá en los asuntos internos de los griegos y aunque se creará una liga en contra de los Macedonios, finalmente Atenas será conquistada por Filipo en 337,
proclamando una paz general. Estamos en la antesala de un nuevo período, el Helenismo.

Curva praxiteliana

El Apolo Sauróctono
era una estatua de
bronce y de tamaño
natural realizada por
Praxíteles en el siglo IV
a. C. Es mencionada
por Plinio y
representaba a Apolo
en su adolescencia a
punto de herir a un
pequeño lagarto que
APOLO SAUROCTONO. trepaba por el tronco
PRAXITELES. Mármol. Museo del de un árbol.
Louvre.

La desnudez en la Afrodita Cnidia es un
buscado y logrado elemento de erotismo:
la seducción ha sido acentuada merced a
la tersura que se ha obtenido en el fino
labrado del mármol que constituye a la
estatua. Tersura realzada por las
curvilíneas y suaves (mórbidas) formas,
grácilmente femeninas del cuerpo. Formas
que se "mueven" con un perfil sinuoso (en
"S"). La representación toma, en efecto, a
Afrodita cuando presta al baño, deja caer
casi lánguidamente sus vestiduras sobre
una hydria (gran ánfora para agua) que
está a su costado. La vestidura y el ánfora,
pese a la impresión opuesta sugerida,
cumplen la función de fuerte soporte
estructural, de manera que así el cuerpo
Curva praxiteliana puede "rotar" ligera y levemente hacia
adelante y hacia la izquierda, casi en un
gesto de, instintivo aunque
despreocupado, pudor. Como si la diosa
hubiese sido sorprendida en tal pose por
un extraño. Por ello, "lleva" su mano
AFRODITA DE CNIDO diestra delicadamente a cubrir
incompletamente el pubis.

Estudiar

Scopas: Escultor del "pathos", de la pasión, reflejándose en las figuras el estado del alma (angustia
agitada). Atraído por temas trágicos o patéticos, lo que se aprecia en obras como su Bacante o
Ménade Herida (con el cuerpo agitado por movimientos convulsivos, con el torso retorcido, girando
el cuello hacia atrás, la cabellera desordenada y revuelta). También realizó los relieves orientales
del Mausoleo de Halicarnaso y la estatua de Mausolo.

Aparece representada cuando, poseída por el furor
dionisíaco, danza frenéticamente en pleno éxtasis,
semidesnuda, por lo que aparece en una violenta contorsión,
dibujando su cuerpo una curva pronunciada, ya que está
inclinada hacia atrás, abriendo provocativamente el vestido
por uno solo de sus lados por efecto del violento movimiento,
con la cabeza elevada, torcida, mirando hacia arriba, los ojos
hundidos y el pelo rizado cayendo por la espalda. Se ha roto
la serenidad y el equilibrio fidíaco mediante la plasmación del
frenesí de la ninfa, ya que toda ella se mueve. De nuevo para
los escultores griegos, el alma se representa a través de todo
el cuerpo. Es destacable el trabajo muy profundo de los
paños que provoca violentos contrastes de luz y sombra,
realizados con la técnica de “paños mojados”, adheridos al
cuerpo, transparentándolo.

MÉNADE HERIDA .
SCOPAS

Estudiar
Lisipo: Escultor arcaizante, admirador de Policleto, pero en él el naturalismo está más acentuado.
Nuevo canon de belleza, más esbelto, ahora el cuerpo como ocho cabezas, disminuyendo el tamaño
de ésta, por lo que el cuerpo resulta más alto en proporción a la anchura.

DORIFORO
POLICLETO APOXIOMENO. LISIPO

El Apoxiomeno es una estatua de mármol de
época romana que se encuentra en los
museos Vaticanos. La mayoría de los
historiadores de arte sostienen que se trata de
una copia de otra estatua de bronce perdida de
la antigua Grecia realizada por Lisipo hacia los
años 340-330 a. C. Pero algunos autores han
cuestionado que esta copia sea similar a la
estatua realizada por Lisipo.
Mide 2,05 metros de altura. Una de las manos
es restauración moderna.
Se trata de un atleta desnudo que se limpia de
aceite con el estrígil. El conjunto produce un
efecto de movimiento momentáneo. Se apoya en
una pierna mientras la otra está desplazada
hacia un lado, recibiendo parte del peso. La
cabeza es pequeña y está girada de forma
parecida a la del Doríforo de Policleto, obra que
debió de tener influencia en la realización de
esta estatua.

APOXIOMENO. LISIPO

HÉRCULES FARNESIO.
Mármol imitación del bronce de
Lisipo. 3,40 mts.
El héroe está figurado en reposo y
pensativo, apoyado sobre la clava y
la piel de león; la pequeña cabeza
del musculoso héroe se presta para
adaptarse al nuevo canon lisípeo.
Una estatua gigantesca de Hércules
descansando, apoyado en la clava,
fue ejecutada en bronce por Lisipo
para Tarento, y de allí trasladada a
Roma.

Estudiar, solo autor y obra

OTROS AUTORES.TIMOTEO

LEDA Y EL CISNE

Estudiar, solo autor y obra
OTROS AUTORES. LEÓCARES.
APOLO BELVEDERE. Museos Vaticanos.
2,45mts. Mármol.
La escultura representa al dios griego Apolo que
acaba de vencer a la serpiente Pitón, un monstruo
que recientemente había causado estragos en la
costa de Delfos. La flecha acaba de salir de su
arco, y aún perdura el esfuerzo impreso en su
musculatura. Su cabello, ligeramente rizado, flota
en tirabuzones sobre su cuello y se alza
graciosamente en lo alto de su cabeza, que está
rodeado con el strophium, una banda simbólica de
reyes y dioses. Su aljaba cuelga del hombro
izquierdo. La ropa (clámide) está sujeta sobre el
hombro derecho, vuelta sólo sobre su brazo
izquierdo y echada hacia atrás.

Estudiar

ESCULTURA HELENÍSTICA (SIGLO III a. C.-SIGLO I)

El Helenismo es la etapa de la crisis de la polis, al englobarse la constelación de
ciudades-estado en una unidad política bajo el dominio macedónico.
- En este nuevo mundo político, organizado por el genio de estadista de Alejandro Magno,
no tienen sitio los ideales de armonía y medida de la Grecia clásica y son sustituidos por
nuevos valores, la cultura griega se universaliza, admitiendo las aportaciones de los
pueblos orientales con los que funde, surgiendo así una cultura mixta, en la que se
mezclan la tradición clásica, el orientalismo (colosalismo y decorativismo) y una nueva
concepción de la vida, no basada ya en elevados ideales sino en la búsqueda del goce de
la misma.
- Artísticamente partirá de las conquistas del siglo IV a.C., pero la escultura es más
naturalista, incluso llegando al realismo más crudo en ocasiones, se acentúan la
expresividad de los rostros y las actitudes, se prefiere el desequilibrio de los cuerpos
retorcidos a las serenas posturas fidíacas, el dramatismo de las expresiones a los rostros
tranquilos, la fealdad de monstruos o seres amenazadores a la belleza clásica, así mismo
se enriquecen los puntos de vista, aumenta la monumentalidad y la variedad temática, en
definitiva, se tiende a la barroquización de la escultura.

Estudiar del realismo, HELENISMO van a reproducir los
Triunfo el retrato: Se
rasgos individuales, el realismo avanza en los retratos,
descarnados, sinceros y de gran penetración psicológica.

¿Eurípides?

Homero

Estudiar HELENISMO
El desnudo femenino: Ahora momento de esplendor del tema.
Destacan la Afrodita de Milo(mutilada, lo que ha hecho de ella una de las
más bellas y famosas) y la Afrodita agachada(tema de éxito en el
helenismo).

AFRODITA
AGACHADA

VENUS DE MILO

La Afrodita de Milos (griego: "Αφροδίτη
της Μήλου"), más conocida como Venus
de Milo es una de las estatuas más
representativas del periodo helenístico de
la escultura griega, y una de las más
famosas esculturas de la antigua Grecia.
Fue creada en algún momento entre los
años 130 y 100 a. C., y se cree que
representa a Afrodita (denominada Venus
en la mitología romana), diosa del amor y
la belleza. Esculpida en mármol en un
tamaño ligeramente superior al natural, a
la estatua le faltan los brazos, que se han
perdido. El autor es anónimo, aunque
tradicionalmente se ha atribuido a
Praxíteles. Otra opción, según una
inscripción en su pedestal, es que pudiera
ser obra de alejandro de Antioquía.
Actualmente se encuentra en el Louvre de
París.

Los temas de género: Se van a desarrollar mucho durante el helenismo. Como
ejemplos El niño de la oca, los Luchadores(escena de gimnasio que capta el
momento de tensión máxima), la Vieja ebria(en la que no encontramos ya ni rastro
de la belleza ideal), el Espinario(niño quitándose una espina después de una prueba
deportiva, el tema de los niños tuvo mucho éxito en este período) o el Hermafrodita
tumbado.

Estudiar

Estatua
de “Vieja
ebria”
De
original
helenístic
o
Mármol.

- La Escuela de Alejandría, las alegorías: Gusto por las alegorías, como la de El Nilo (se
representa al río como figura humana, rodeado de otros elementos que lo identifican).

Estudiar

Alegoría del Nilo

Alegoría del Nilo. Detalle.

- La Escuela de Pérgamo, las grandes composiciones: Son famosas sus grandes composiciones,
heroicas, de fuerza patética y gran intensidad emotiva, como el Monumento de Atalo I (para
conmemorar la victoria frente a los galos, del que se conservan algunas figuras exentas de gran
realismo, hasta el extremo de identificarse claramente sus rasgos raciales) o los Relieves del Altar
de Zeus en Pérgamo (la obra cumbre de este tipo por los efectos de dolor y esfuerzo, perfectamente
logrados al tallar la anatomía, el tema es La Gigantomaquia o lucha entre los dioses y los gigantes).
Gálata
moribundo.
Monumento
Estudiar de Atalo I

Gálata. Detalles.

- La Escuela de Rodas, colosalismo y movimiento: Gusto por lo colosal y gigantesco, por el
movimiento contorsionado y por la expresividad, sobre todo los gestos de dolor de los rostros.
Ejemplos el Coloso de Rodas(gigantesca escultura a la entrada del puerto de Rodas, bajo la
cual pasaban los barcos, una de las Siete Maravillas del mundo antiguo), el Fauno Barberini(de
un realismo extremo) la Victoria de Samotracia(con las alas desplegadas y el cuerpo hacia
adelante, desafiando al viento, mostrando una gran maestría en el estudio de los ropajes, que
se hacen transparentes al pegarse al cuerpo por efecto del viento), el Conjunto de Laoconte(de
Agesandros, Polidoros y Atenodoros, famoso por su expresividad y la representación del dolor
mediante la anatomía en tensión por el esfuerzo físico, resumen del barroquismo helenístico,
representa el castigo que se le dio a este sacerdote troyano por dudar del caballo de Troya,
matando tanto a él como a sus hijos con serpientes marinas) o el conjunto escultórico del Toro
Farnesio(realizado por Apolonios y Tauriscos, representa el momento en el que los hijos de
Antíope deciden castigar a Dirce, que había tratado cruelmente a su madre, arrastrándola con
un toro hasta morir).

Coloso de Rodas

Estudiar Fauno
Barberini El Laoconte
Toro Farnesio

Reconstrucción del Coloso de
Rodas

Fauno Barberini.
Gliptoteca de Munich.
2,15 mts.

Victoria de Samotracia. s.
II a. C. 2,45 mts. Museo
del Louvre.

Estudiar a través de láminamitologíaelgriega Laocoonte (o
En la
Laoconte era sacerdote de Apolo
Timbreo en Troya, casado con Antiopa
y padre de dos hijos. Según el relato de
Virgilio en la Eneida, después de que
los sitiadores aqueos hubieran
simulado una retirada, los troyanos
encontraron un caballo construido de
madera en las puertas de Ilión.
Lacoonte pronuncia la famosa frase
(Desconfío de los dánaos (griegos)
incluso cuando traen regalos),alertando
a los troyanos de que podría ser una
trampa, que dentro del caballo podía
haber tropas aqueas y sugirió
quemarlo, pero los troyanos no le
hicieron caso. En su osadía lanzó palos
en llamas para tratar de quemar el
caballo de madera, en ese momento
dos grandes serpientes emergen de las
aguas y devoran a sus hijos;
angustiado, se lanza a luchar contra las
Laooconte, Antifantes y Timbreo.
serpientes y también resulta devorado.
Copia de la obra. Museos Vaticanos. Curiosidades sobre el Laooconte
2,43 cms.

Laooconte
La estatua originaria era de bronce, trabajada con la técnica de la fundición. A nosotros nos ha
llegado una copia realizado por los romanos en talla en mármol.
Pertenece a la escuela de Rodas, en la que estaban Agesandros, Polidoros y Atenodoros, los
autores de esta obra. Otras de las obras más importante de esta escuela, es el Coloso de Rodas.
Se trata de Laocoonte, una escultura de bulto redondo de musculatura exenta. Se trata de la
representación de un sacerdote sufriendo, junto a sus dos hijos, por el ataque de dos serpientes
marinas, la cual es enviada por Poseidón para que no delatara a los griegos y su famoso caballo de
Troya frente a los troyanos.
Las extremidades inferiores del hijo derecho están de perfil, al igual que el tronco. La cabeza está
girada mirando a su padre con un rostro totalmente expresivo reflejando su dolor. El brazo derecho
está alzado por la presión de la serpiente, mientras que el brazo izquierdo está flexionado tirando
de la serpiente. El hijo izquierdo tiene las piernas de frente, con la pierna derecha apoyada en el
suelo y la izquierda flexionada para liberarse de la serpiente, con lo que deja todo el peso del
cuerpo en la pierna derecha y el pódium. El tronco está visto de frente y está inclinado hacia
delante. Su rostro es de perfil, clavando la mirada en su padre y en su rostro se refleja la necesidad
de auxilio. Laocoonte, que se sitúa en el centro, tiene la pierna derecha flexionada por la fuerza
que ejerce sobre él la serpiente, mientras que la izquierda está casi estirada. Las dos piernas están
soportando el peso del cuerpo, ayudado por un pódium. El torso se ve de frente, mostrando un
perfecto ejemplo de cuerpo idealizado y retorcido. El brazo derecho flexionado hacia arriba y el
izquierdo casi en tensión sujetando a la serpiente. La cabeza está de frente, con un rostro de dolor
totalmente expresivo.
Con este conjunto escultórico, la escuela de Rodas representa casi todas las características de
la escultura griega helenística: expresividad en el rostro, cuerpos retorcidos, musculatura
idealizada… que son muy utilizadas en las esculturas de esta época.

Este colosal
grupo escultórico
de mármol
representa el
mito de Dirce.
Anfión y Zeto,
hijos de Antíope,
la ataron a un
toro salvaje,
pues querían
castigarla por el
mal trato infligido
a su madre, la
primera esposa
de Lico, rey de
Tebas.

Toro Farnesio

Arte griego

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