Bloque 3 técnicas de pintura

GOUACHE
Bloque 3: Técnicas de Pintura

DESCRIPCIÓN DE LA TÉCNICA, MODO DE
EMPLEO, UTILES Y SOPORTES
• Técnica polícroma húmeda magra
• El gouache fue probablemente descubierto por un
monje en el siglo XI añadiendo blanco de zinc a las
acuarelas con las que ilustraba manuscritos. Su
opacidad hacía que cuando se usaba para las
ilustraciones resaltase el pan de oro. Debido a que su
nombre procede de la palabra italiana guazzo, se
supone que su origen está en este país. A lo largo de su
historia ha permanecido en la sombra, considerándose
una variante más de las acuarelas. En España se le
llama témpera ( los ingleses llaman tempera al temple
al huevo).
• El aglutinante del Gouache es la goma arábiga
• Utiliza un color o pincelada más pastosa que la
acuarela, y, a diferencia de esta, tanto las luces como
las tonalidades claras se consiguen por medio del color
blanco.

MODO DE EMPLEO
Se presenta a la venta en
tubos o en botes,
contienen mas glicerina y
resultan mas solubles que
las acuarelas
• Una de las dificultades
que presenta el gouache
es la realización del
modelado de las formas,
es decir, la paulatina
transición de claro a
oscuro en el color de las
superficie representadas y
que es la causa de la visión
volumétrica de las
mismas.

Sin embargo pintando al
gouache, no cabe modelar
mediante la mayor o
menor disolución del color
porque aunque el gouache
tiene posibilidades de
transparencia parecidas a
las de la acuarela, su
calidad se encuentra en el
color opaco y cubriente.
Por otro lado, la rapidez de
secado del gouache, impide
que el artista pueda
trabajar los fundidos de
color a la manera del óleo.

Por otro lado, la rapidez de
secado del gouache, impide
que se pueda trabajar los
fundidos de color.
Trabajando con gouache, el
artista tiene que servirse
exclusivamente de las tintas
planas.
Su acabado final es totalmente
mate.
No admite repintes para realizar
cambios en el trabajo.
Una capa superior remueve la
inferior aunque este seca
Esto puede ser aprovechado para
crear efectos.
No admite capas gruesas porque
la pintura se cuartea

Es interesante trabajar con guache sobre
papeles de color

ÚTILES
pinceles pelo fino, paleta o recipiente para mezclas. Las pinturas deben
conservarse cerradas para evitar que se sequen. Pueden también
barnizarse, pero solo con el barniz especial para gouache, que es el
único que no las deteriora ya que son muy frágiles. .

SOPORTES
El soporte principal para pintar será el papel, pero
tiene que cumplir algunos requisitos como que la
superficie debe de estar encolada para que no
absorba toda la humedad, así como que debe de
ser un poco dura para que soporte las aguadas,
las insistencias y los restregados del pincel. No se
deberá de utilizar en ningún caso un papel
satinado, porque esto hará que el color pierda
intensidad una vez seco. Debe ser un papel sólido
a la luz y no amarillear con facilidad. Aunque
todas estas características serán comunes para
todo tipo de procedimientos acuosos.
El cartón será otros soporte muy utilizado para
este tipo de técnica, sobre todo para obras de
gran envergadura. Además presenta las ventajas
de ser moderadamente absorbente y no
alabearse demasiado con la humedad del color, ni
aún cuando se trabaja insistentemente. Además la
calidad mate y ligeramente aterciopelada de la
pintura al gouache, casa muy bien con la textura
característica de los cartones. Alberto Durero - (gouache on
paper)

ESTILO O PRÁCTICA ARTISTICA, ÉPOCA,
ARTISTAS DESTACADOS
• Renacimiento: en el siglo XV Alberto Durero en Alemania
• En segunda mitad del siglo XVIII: Boucher Francia Rococó.
En el Género de Paisajismo Inglés J.M. W. Turner
• En los carteles, el gouache ha encontrado un lugar natural
dentro del mundo de las artes: Toulouse- Lautrec o Pierre
Bonnard y Alfonse Mucha fines del XIX y principios del XX
• En el siglo XX cuando grandes artistas como el fauvista
Matisse, los cubistas: Picasso, Juan Gris, George Braque y
surrealistas como Joan Miró, hallan en esta técnica un
procedimiento que se adaptaba perfectamente a sus
intenciones coloristas y formales.

Alberto Durero - An Iris (w/c & gouache on paper)
Alberto Durero (en alemán
Albrecht Dürer) (Núremberg,
1471 - 1528) es el artista más
famoso del Renacimiento
alemán, conocido en todo el
mundo por sus pinturas,
dibujos, grabados y escritos
teóricos sobre arte, que
ejercieron una profunda
influencia en los artistas del
siglo XVI de su propio país y
de los Países Bajos.
Realizó las primeras acuarelas
y gouaches importantes en la
Historia del Arte Occidental

Alberto Durero - (gouache on
paper)
Entre los numerosos estudios
del natural que efectuó Alberto
Durero destacan las acuarelas
y otros dibujos que realizó
sobre diferentes animales,
entre ellos su célebre liebre, el
dibujo de un ala de carraca o el
del pequeño búho. Es
sorprendente la perfección con
la que el pintor realiza estas
obras, que se consideraban
carentes de valor por sí mismas
en su época. Eran herramientas
de trabajo, que le servían para
estudiar la naturaleza y
enriquecer sus grandes
cuadros o grandes
composiciones para grabados.

Alberto Durero - (gouache on paper)

François Boucher French, about 1743 Black chalk and
gouache
François Boucher (París,
1703 1770) fue un pintor
francés, que gustó del
estilo galante, propio de
la época rococó.
Fue famoso por sus
pinturas idílicas y
voluptuosas de temas
mitológicos, alegorías
sobre pastores y por
varios retratos de
Madame de Pompadour

Adoration, ca. 1760–70François Boucher (French, 1703–
1770)Gouache over black chalk on paper

El temerario remolcado a dique seco, (1839).
Joseph Mallord William Turner
(Londres, 1775, 1851), pintor inglés
especializado en paisajes. Fue
considerado una figura
controvertida en su tiempo, pero
hoy en día es visto como el artista
que elevó el arte de paisajes a la
altura de la pintura de historia.
Aunque es renombrado por sus
pinturas al óleo, Turner también es
uno de los grandes maestros de la
pintura paisajista británica en
acuarela y gouache.
Es considerado comúnmente como
"el pintor de la luz” y su trabajo es
considerado como un antecedente
romántico al impresionismo.

J. M.William Turner Lluvia, vapor y velocidad, (1844)..

Joseph Mallord William TurnerLe Havre: The Quayside close to the
Tour de François Ier circa 1832 Gouache and watercolour on paper
1856.

Joseph Mallord William TurnerThe Folies-Siffait, with Oudon beyond,
from the West circa 182 6-8Watercolour, gouache and pen and
watercolour on paper

Joseph Mallord William TurnerA Village with a Tower beside the
Loire, Possibly Béhuard, close to Angers circa 182 6-8 Watercolour,
gouache and pen and watercolour on paper Bequeathed by the artist
1856

Joseph Mallord William TurnerParis from the Barrière de Passy circa
1833Gouache and watercolour on paperBequeathed by the artist
1856

Joseph Mallord William TurnerMelun circa 1833Gouache and
watercolour on paperBequeathed by the artist 1856

T. Lautrec, Yvette Guilbert, 1894, gouache sobre
cartón, 48 x 28 cm, Albi, Musée Toulouse-Lautrec.
Henri Marie Raymond de
Toulouse-Lautrec-Montfa, conde
de Toulouse-Lautrec-Montfa ,
conocido simplemente como
Toulouse Lautrec o Lautrec
(1864 -1901) fue un pintor y
cartelista francés que destacó
por su representación de la vida
nocturna parisiense de finales
del siglo XIX.
Se le enmarca en la generación
del postimpresionismo.

T. Lautrec, Mujer poniéndose las medias, 1894,
Gouache sobre cartón, 64´5 x 44´5 cm, Albi, Musée
Toulouse-Lautrec.

Henri de Toulouse-Lautrec Jane Avril bailando,
1893.Estudio para cartel, "Jardin de Paris".Gouache
sobre cartón, 99 x 71 cms.París. Colección Stavros
Niarchos.

Portrait of the Artist by Himself 1930 Pierre Bonnard
(1867-1947/French) Gouache
Pierre Bonnard (1867-
1947) fue un pintor,
ilustrador y litógrafo
francés que dedicó su
talento a la publicidad y a
la producción artística. Se
le suele considerar líder del
movimiento de los Nabis.
Todos fueron influidos por
Paul Gauguin y el
japonismo.
La producción tardía de
Bonnard se considera
precursora de la pintura
abstracta.

Artist: Pierre Bonnard.1943
Style: Post-Impressionism gouache paper
Dimensions: 64 x 48 cm

Alphonse Mucha, Mars, 1899, pencil and white gouache
on paper
Alfons Maria Mucha
(1860 -1939) fue un
pintor y artista
decorativo checo,
ampliamente
reconocido por ser
uno de los máximos
exponentes del Art
Nouveau.

Georges Braque
Fruit Dish.1913. Oil, gouache, and charcoal on canvas.
81 x 60 cm. Museo Nacional de Arte Moderno. Centre
Georges Pompidou. París. Francia..
Georges Braque
(1882 -1963), pintor y
escultor francés. Con
Pablo Picasso y Juan
Gris fue uno de los
tres creadores
básicos del cubismo.

Georges Braque
Still Life on a Table 'Gillette.' 1914. Charcoal, pasted
paper, and gouache.

Georges Braque 1913 Synthetic Cubism
Technique: charcoal, collage, gouache Material: paper
Dimensions: 73 x 100 cm Gallery: Musée Picasso, Paris, France

JUAN GRIS
THE GUITAR, 1914, PAPIER COLLE, GOUACHE, FUSAIN,
José Victoriano
González-Pérez
(Madrid, 1887 - 1927),
conocido artísticamente
como Juan Gris, fue un
pintor español que
desarrolló su actividad
principalmente en París
como uno de los
maestros del cubismo.

Henri Émile Benoît Matisse
(1869 -1954) fue un pintor
francés conocido por su uso del
color y por su uso original y
fluido del dibujo. Como
dibujante, grabador, escultor,
pero principalmente como
pintor, Matisse es reconocido
ampliamente como uno de los
grandes artistas del siglo XX. Al
inicio de su carrera se le
identificó con el fauvismo y para
los años 20s ya se había
destacado por su maestría en el
lenguaje expresivo del color y
del dibujo, la cual desplegó en
una inmensa producción que se
extendió por más de medio
siglo, y que consagró su
reputación como una de las
figuras centrales del arte
moderno.

Snow Flowers, 1951Henri Matisse (French, 1869–
1954)Watercolor and gouache on cut and pasted papers

Henri Matisse (French, 1869–1954) La Tristesse du roi
(Sorrows of the King), 1952

Joan Miró, Gouache
Joan Miró i Ferrà (* Barcelona, 1893 —
1983) pintor, escultor, grabador y
ceramista español, considerado uno de
los máximos representantes del
surrealismo. En su obra reflejó su
interés en el subconsciente, en lo
"infantil" y en su país. En un principio
mostró fuertes influencias fauves,
cubistas y expresionistas. A partir de
su estancia en París, su obra se vuelve
más onírica, coincidiendo con los
puntos del surrealismo e
incorporándose a este movimiento. En
numerosas entrevistas y escritos que
datan de la década de 1930, Miró
manifestó su deseo de abandonar los
métodos convencionales de pintura, en
sus propias palabras de "matarlos,
asesinarlos o violarlos", para poder
favorecer una forma de expresión que
fuese contemporánea, y no querer
doblegarse a sus exigencias y a su
estética ni siquiera con sus
compromisos hacia los surrealistas.

Joan Miró, Pastel y gouache sobre papel1944

Joan Miró, La estrella matinal, 1940. Gouache, óleo y pastel
sobre papel. Fundació Joan Miró, Barcelona. © Successió Miró,
Palma de Mallorca.

Remedios Varo. Creación de las aves,
1957.
María de los Remedios
Alicia Rodriga Varo y
Uranga (1908 -1963 )
más conocida como
Remedios Varo, fue una
pintora surrealista
hispano-mexicana.
Estudió en El instituto San
Isidro de Madrid entre los
años 1921-1926

• Técnica polícroma húmeda magra
• Acuarela, etimológicamente, deriva del latín
"aqua" y el diccionario nos lo define como
"pintura realizada con colores diluidos en agua y
que, emplea como blanco, el color del papel" o
"colores con los que se realiza la pintura".
• Se compone de pigmentos aglutinados con goma
arábiga glicerina o miel. En sus procedimientos se
emplea la pintura por capas transparentes.

MODO DE EMPLEO
Toda acuarela palidece si se expone al sol, los colores permanecen cuanto
más calidad tienen los pigmentos. Podemos encontrar los colores en tubos o
pastillas.
La técnica "transparente" de la acuarela implica la superposición de lavados
finos y se basa en la blancura del papel para obtener sus efectos y los toques
de luz. A medida que se superponen más lavados el color se hace más
profundo. El color de la acuarela se puede modificar añadiendo o quitando
agua, usando pinceles, esponjas o trapos.

La acuarela da muchas posibilidades: la técnica del lavado nos permite crear
degradados o lavados uniformes, incluso superposición de colores. Con la técnica
húmedo sobre húmedo pintamos con la acuarela sobre el soporte ya humedecido,
que nos da un efecto diferente. También podemos realizar lavados del pigmento
una vez seco, dependiendo del papel, del pigmento y la temperatura del agua. La
limpieza con esponja u otro elemento absorbente, el raspado, son algunos
ejemplos de las amplias posibilidades que ofrece la acuarela.
Fabricación casera de unas acuarelas
http://sagopo.blogspot.com/2011/01/acuarelas_23.html

ÚTILES
acuarela en tubo o pastillas, pinceles, recipiente o paleta
para mezclas, goma arábiga para extraer color,
Esponja, goma de enmascarar, bisturí cintas de papel
adhesivo, trapos

SOPORTES
El soporte más corriente para esta técnica es
el papel y hay gran variedad de texturas,
pesos y colores, y su elección depende del
estilo del artista. Existen tres tipos estándar:
Papel prensado en caliente (hp), tiene una
superficie dura y lisa, muchos artistas
consideran una superficie demasiado
resbalosa y lisa para la acuarela.
Papel prensado en frío (no), es texturado,
semiáspero, adecuado para lavados amplios y
lisos.
Papel áspero, una superficie granulada,
cuando se aplica un lavado se obtiene un
efecto moteado por las cavidades del papel.
El peso del papel es la segunda consideración
para su elección, ya que un papel más pesado
tiene menos tendencia a ondularse. Para
evitar que el papel se ondule hay que tensarlo.

ARTISTAS DESTACADOS
• ESTILO O PRÁCTICA ARTÍSTICA, ÉPOCA ARTISTAS DESTACADOS:
• La pintura a la acuarela empezó con la invención del papel en China poco después de
100 a. C. En el siglo XII los árabes introdujeron la fabricación del papel en España y la
tecnología se extendió a Italia décadas más tarde. Algunos de los más antiguos
fabricantes de papel incluyen a Fabriano (en Italia), abierto en 1276, y Arches (en
Francia), abierto en 1492.
• En Alemania, Alberto Durero (1471-1528) pintó acuarelas en el siglo XV.
• Otros famosos artistas usaron la acuarela para completar su obra al óleo, incluyendo a
van Dyck (1599-1641), Thomas Gainsborough (1727-1788), y John Constable (1776-
1837).
• En la Gran Bretaña del siglo XVIII, Paul Sandby (1725–1809) fue llamado padre de la
acuarela británica.
• Uno de los acuarelistas más famosos es Joseph Mallord William Turner (1775-1850),
que fue precursor de las técnicas que posteriormente desarrollarían las vanguardias.
Sus cuadros reflejan magníficamente la luz y el movimiento.
• Utilizan la acuarela los impresionistas como Monet y neoimpresionistas como Cezanne
• Expresionistas como Emil Nolde, Wasily Kandinsky, Paul Klee
• En la Actualidad: Barceló

Alexander Cozens (San Petersburgo,
1717 - Londres, 1786) fue un
dibujante y acuarelista, y un teórico
del arte, inglés de origen ruso. En
1746 realizó un viaje a Italia, donde
trabajó en el taller de Horace Vernet.
Posteriormente se estableció en
Londres, donde trabajó como
profesor de dibujo. En 1785 publicó
un tratado sobre pintura de paisaje
que recogía las nuevas aportaciones
realizadas en el terreno de la estética
por los filósofos empiristas, en
especial en relación con la categoría
de lo pintoresco. Cozens introdujo la
idea de la “invención” de la
naturaleza: en vez de imitarla, el
artista recrea una noción ideal de la
naturaleza, que es el medio expresivo
de la emotividad del artista. Influido
por la pintura china, elaboró obras
donde, a partir de unas manchas de
tinta sobre el lienzo, elaboraba un
paisaje de naturaleza fantástica

Pintor británico. De 1740 a
1748 residió en Londres,
donde se formó con el
grabador francés H. F.
Gravelot, y en 1752 se
estableció en Ipswich
como retratista..Sus
paisajes (cuadros y
numerosos dibujos)
parecen realistas, porque
están inspirados en
lugares concretos, pero
constituyen en realidad
una transformación
poética del dato real; entre
los más conocidos se
encuentran El abrevadero
y Carreta para el mercado.
Su vena creativa se
manifestó también en las
denominadas fancy
pictures, de tema
campesino idealizado, al
igual que los paisajes.

(Nottingham, 1725-
Londres, 1809)
Acuarelista británico.
Trabajó como
topógrafo del Estado
y pintó acuarelas
entre las que
destacan Vista del
castillo de Bothwell y
El bosque de
Windsor. Está
considerado el
creador de la
acuarela inglesa.

Füssli nace en Zúrich
en 1741, hijo de un
pintor retratista, Johann
Caspar Füssli. Sus
inicios fueron en el
terreno de la literatura,
tan sólo a partir de
1764, en Inglaterra, se
dedicará de lleno a la
pintura. En su juventud
en Zürich se vinculó al
Sturm und Drang,
movimiento
prerromántico que, en
contraposición a la
Ilustración, vuelve a la
emoción y la fantasía, a
la expresión de los
sentimientos, los
instintos y las pasiones
del hombre.

William Blake (1757 –1827) fue
un poeta, pintor, grabador y
místico inglés. Aunque
permaneció en gran parte
desconocido durante el
transcurso de su vida,
actualmente el trabajo de Blake
cuenta con una alta
consideración. Por la relación
que en su obra tienen la poesía
y sus grabados respectivos
suele ponerse a Blake como
ejemplo del «artista total».
Según el periódico The
Guardian, «William Blake es
con gran margen el mayor
artista que Gran Bretaña ha
producido»

Joseph Mallord William
Turner (1775 - Chelsea,
1851), pintor inglés
especializado en paisajes.
Fue considerado una figura
controvertida en su tiempo,
pero hoy en día es visto
como el artista que elevó el
arte de paisajes a la altura
de la pintura de historia.2
Aunque es renombrado por
sus pinturas al óleo, Turner
también es uno de los
grandes maestros de la
pintura paisajista británica
en acuarela. Es considerado
comúnmente como "el pintor
de la luz” y su trabajo es
considerado como un
prefacio romántico al
impresionismo

Constable fue uno de los primeros
en pintar paisajes al aire libre. En
1810 pintó el primero. En 1819
viajó a Venecia y Roma, ciudades
en las que conoce los paisajes
clasicistas de Claudio de Lorena y
de Nicolas Poussin. Frecuentaba
también Hampstead, donde, entre
1821 y 1822, hizo una serie de
estudios de nubes anotando la hora
y la fecha exacta de la realización,
incluso a veces el tiempo que
hacía.Incomparable maestro de los
verdes y de los reflejos de la lluvia
sobre los árboles, Constable se
muestra al mismo tiempo realista
minucioso y romántico exaltado, y
cuando estas tendencias se
equilibran nacen sus obras
maestras. Nadie ha sabido captar
como él el aspecto húmedo de la
campiña inglesa y su cielo plomizo.

Claude Monet
Claude Orayan Monet (1840 1926) fue un pintor francés a quien a partir de la mitad de su
carrera artística se incluye en el estilo impresionista. A partir del final de la década de 1860
comenzó a pintar obras impresionistas. Un ejemplo de este período creativo es la vista del
puerto de El Havre titulada Impresión, sol naciente, que le dio nombre al movimiento. Esta
desviación del gusto de la época, que era marcado por las academias de arte, empeoró su
situación económica. En la década de 1870 tomó parte en exposiciones de arte impresionista
en las cuales también participaron Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. En esta época,
Monet desarrolló el concepto de la «serie» en las que un motivo es pintado con distintos
grados de iluminación. Al mismo tiempo comenzó a plantar su famoso jardín en Giverny que
luego utilizó como motivo para sus pinturas.

Paul Cézanne, 1.904. Santa Victoria. Acuarela
Paul Cézanne (19 de enero de 1839 – 22 de octubre de 1906) fue un pintor francés
postimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna, cuyas obras establecieron las
bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del
siglo XX, nuevo y radicalmente diferente. Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor
ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos
amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional. Fue un «pintor de pintores»,1 que la
crítica y el público ignoraban, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, al final de su
vida, por la nueva generación.

Paul Cézanne, 1.882. Paisaje en Médan. Acuarela,
33x49. Kunsthaus, Zürich.

Paul Cézanne. Botella, garrafa, jarro y limones, 1902-
1906. Lápiz y acuarela sobre papel, 44 x 58cm. Museo
Thyssen-Bornemisza, Madrid.

Wassily Vasílievich
Kandinsky (ruso:)
(Moscú, 1866 -
1944) fue un pintor
ruso, precursor de
la abstracción en
pintura y teórico
del arte, con él se
considera que
comienza la
abstracción lírica.

Miquel Barceló Artigues (Felanitx, Mallorca, 1957) es un pintor español. Entre
las características de su obra hay que destacar la inspiración en la naturaleza,
consiguiendo relieve a través del uso de unos empastes densos y
generalmente oscuros. El Mediterráneo y África han sido dos de sus más
importantes referentes. El descubrimiento de África en un viaje a Mali ha
hecho que sus gentes y la vida del desierto sea uno de los temas más
desarrollados en su obra en los últimos años, siempre reflejando una gran
preocupación por la naturaleza, el paso del tiempo y los orígenes.

Técnica polícroma, húmeda, grasa.
El aglutinante que da nombre a la técnica es el aceite: se usa fundamentalmente de
linaza, aunque también se utiliza el aceite de nuez y el de adormideras.
Para acelerar su secado este aceite de linaza es cocido y aclarado al sol.
El uso del óleo se conoce desde la antigüedad y estaba ya extendido entre los artistas de
la Edad Media sobre todo combinándolo con la pintura al temple o al fresco. Con esta
mezcla retocaban las obras realizadas en yeso y conseguían así un secado más rápido.
Muchos siguieron los consejos y experiencias escritos en el Tratado del monje Teófilo
que ya se conoce y se menciona en el año 1100.
Esta pintura obtenida con la mezcla de óleos ofrecía muchas ventajas al pintor, entre
otras, el poder realizar su obra lentamente y sin prisas de acabado (lo contrario de lo que
ocurría en la pintura al temple, o al fresco), el poder retocar la obra día a día, variar la
composición, los colores, etc.
La tradición sostiene que fueron los hermanos Van Eyck los que inventaron la pintura al
óleo. Esta afirmación, falsa, se basa en que, efectivamente fueron ellos, sobre todo Jan,
los que explotaron las innumerables posibilidades de esta técnica, infrautilizada hasta
entonces.

CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ÓLEO : SECADO

CARÁCTERÍSTICAS GENERALES DEL ÓLEO:
PERMANENCIA

TÉCNICA: COLOCACIÓN DE LOS COLORES DE LA PALETA
Colores: es importante que la colocación de los colores en la paleta favorezca
que se mezclen con facilidad y que no se ensucien unos con otros.
Los colores se pueden mezclar en la paleta y en el propio cuadro:

BLANCO DE
ZINC
VERDE
ESMERALDA
AZUL
COBALTO
AZUL
ULTRAMAR
VIOLETA
COBALTO
NEGRO
MARFIL
PARDO VAN
DYCK
AMARILLO
DE CADMIO
AMARILLO
DE NÁPOLES
ROJO DE
CADMIO
CARMÍN DE
GRANZA
ROJO
MARTE
OCRE
AMARILLO
MI PALETA
DISPOSICIÓN DE LOS COLORES
PARA EVITAR QUE SE ENSUCIEN
DISOLVENTE
SECATIVO
DE COBALTO
LOS PINTORES Y SUS PALETAS
LA FORMA http://www.ucm.es/BUCM/bba/48048.php
LOS COLORES http://enkaustikos.blogspot.com/2010/06/la-paleta-del-pintor-huella-digital-del.htm

TÉCNICA: ELEGIR LOS COLORES PARA LA PALETA
PREPARAR TUS
PROPIOS ÓLEOS
http://www.educathyssen.org/tcnicas_artsticas_leo_i

EL FONDO: COLOR DE LA PREPARACIÓN
Preparación del soporte: Es necesario imprimar el soporte sea madera o tela se pueden utilizar distintos aparejos: las
modernas: al gesso, las antiguas: a la creta, a la media creta, el aparejo español a la gacha.
Se puede introducir color en la preparación como lo hacían los pintores que utilizaban la técnica del claroscuro:

EL FONDO: COLOR DE LA PREPARACIÓN

TÉCNICA: MEZCLAR COLORES SOBRE LA PALETA

LA TÉCNICA: FUNDIR COLORES SOBRE EL LIENZO

TÉCNICA: FUNDIR COLORES SOBRE EL LIENZO

TÉCNICA: SUPERPONER COLORES: VELADURAS, ESFUMADO, COLORES
ADYACENTES

Veladura: consiste en superponer una capa de color transparente sobre una base
de otro color, utilizado disolventes y barnices para aumentar las transparencia del
color. Muy utilizada por los pintores desde el renacimiento podemos destacar a
Rubens

TÉCNICA: IMPASTO La palabra "empaste" es el italiano significa "masa" o "mezcla", el
verbo "impastare" se traduce también como "amasar", o "pegar"
El empaste se utiliza cuando la pintura se coloca en un área del soporte (o el lienzo) muy gruesa,
son visibles los trazos de pincel o espátula,. La pintura también puede mezclarse directamente en
el lienzo. Una vez seco, empaste proporciona textura, la pintura parece estar saliendo de la tela. Ej
Goya, Rembrant, Auerbach, Saura

TÉCNICA: MÉZCLA ÓPTICA
Mezcla óptica, puntillismo: los colores se utilizan puros y el efecto de
mezcla se produce al alejarse del cuadro y percibir los colores juntos,
técnica iniciada en el impresionismo, destaca Seurat.

TÉCNICA: PINTAR ALLA PRIMA
Pintar en una sesión sin repintes directamente del natural, con
pincelada suelta y expresiva, es muy utilizada por pintores de
paisaje ejemplo Sargent, Sorolla

Esfumado: El esfumato (del italiano sfumato) es un efecto vaporoso que se obtiene por la superposición
de varias capas de pintura extremadamente delicadas, proporcionando a la composición unos contornos
imprecisos, así como un aspecto de vaguedad y lejanía. Se utiliza para dar una impresión de profundidad en los
cuadros del renacimiento. Este efecto hace que los tonos se difuminen hasta valores más oscuros como en la
Mona Lisa y en el San Juan Bautista. La invención de esta técnica, así como su nombre sfumato, se deben a
Leonardo da Vinci.

ÚTILES
1.La paleta: En general, las paletas utilizadas para la pintura al óleo
son de nogal o manzano. Los acuarelistas utilizan paletas de porcelana
o metal; los pintores de miniaturas, paletas de marfil; algunos pintores
flamencos tenían paletas de cristal. En la actualidad son muy comunes
las de material sintético blancas y de aluminio lacadas en blanco mate.
2. Pinceles: Generalmente, los pinceles redondos se usan para
perfiles, fundidos y aplicaciones de color en pequeñas extensiones; los
de pelo corto sirven para las capas gruesas y firmes, mientras que los
de pelo largo sirven para extender el color. Los pinceles planos , muy
utilizados, tienen una práctica más general, sirviendo, puestos de lado,
para realizar perfiles. Y los pinceles cuadrados son muy apreciados
para manipular pinturas muy cremosas.
3.La espátula Es un instrumento de metal a modo de pequeña pala
aplanada, semi-rígida o flexible, y de mango con distintos fines:
-para manipular los colores en la paleta, como rasqueta (para quitar las
impurezas de la tela o descargarla de color), para alisar la capa
pictórica o para pintar. Muchos pintores desde el siglo XIX han
preferido la espátula al pincel para distribuir y trabajar el color sobre la
tela.
4. Otros instrumentos: Las manos, los tubos de pintura que vierten
directamente el color, trozos de tela para el "frottage" …. Aunque
también se utilizan para pintar la pistola y los aerosoles, su uso más
generalizado es para barnizar.
5. Caballete; de estudio o portátil “de campo” permite mantener el
cuadro en posición vertical a la altura que desee el pintor.
6. Aceiteras: recipientes para mantener sujetos a la paleta el
disolvente: esencia de trementina o aguarrás , el barniz y el secativo.
7 La grasera para recoger el aceite sucio y filtrarlo

SOPORTES
Los soportes o los materiales sobre los que se
aplica la pintura al óleo pueden ser diversos.
Las maderas más empleadas como soporte
son la tabla maciza (pino, caoba...),
contrachapado de madera, el aglomerado
(DM) de madera...
Las telas o lienzos son tejidos de hilos
cruzados perpendicularmente, formando la
trama y la urdimbre. Las más usadas en la
pintura son las telas de lino, algodón,
cáñamo y yute, en especial las dos primeras.
La tela puede adquirirse ya preparada y
montada sobre bastidor, pero también
puede comprarse por metros y después ser
montada.
Cornelius Gijsbrecht, Reverso de una pintura enmarcada (1670-1672)

ARTISTAS DESTACADOS
Antes se creía que la pintura al óleo había sido inventada por el pintor flamenco Jan van Eyck a principios del siglo XV,
pero hoy se sabe que ya existía con anterioridad.
1-Van Eyck investigó esta técnica dentro de los convencionalismos lineales del temple, haciendo un dibujo detallado en
una tabla cubierta de yeso y aplicando sucesivas capas de veladuras de óleo transparentes.
2-En Italia, el pintor siciliano Antonello da Messina popularizó esta técnica, de la que se aprovecharon los pintores del
renacimiento. Rafael, Leonardo
3-Los venecianos dieron el siguiente paso de pintar sobre lienzo, con el que se conseguía una superficie mucho más
grande y permitía además enrollarlo para facilitar el transporte. Desarrollaron un estilo más libre basado en una
pintura subyacente, monocroma y tosca, realizada al temple y añadiendo veladuras oleosas. Tiziano, Tintoreto,
Veronés
4-Los pintores holandeses como Rembrandt y Frans Hals y el pintor español Diego Velázquez hicieron ensayos con la
aplicación de empastes.
5-Toda la obra se llevaba a cabo en el taller. Los avances de la química proporcionaron nuevos y brillantes pigmentos en
el siglo XIX. Ingres, Goya
6-La invención de los tubos plegables, que venían a sustituir a las bolsitas de tripa de carnero donde se guardaban los
pigmentos hasta entonces, permitió a los pintores trabajar al aire libre copiando directamente de la naturaleza.
Los aditivos químicos, que mantenían la pintura fresca, hicieron posible que se hiciera un mayor uso de los
empastes.
Sorolla, Sargent
7-Los impresionistas franceses aplicaban, directamente sobre el lienzo, una gran cantidad de pequeñas pinceladas de
colores brillantes. Seurat, Monet
8-Con el desarrollo de la pintura no figurativa en el siglo XX, los pintores han experimentado con nuevas técnicas,
aumentando las texturas con arena, ceniza o escayola, manchando los lienzos y trabajando con pinturas
comerciales y con aerosoles; también han combinado la pintura con fotografías y material impreso para formar
collages. La versatilidad de la pintura al óleo ha hecho de ella el mejor medio de expresión para el artista del siglo
XX: Saura, Dubuffet, Pollock, Rothko, Raughchemberg

1-Van Eyck investigó el óleo dentro de los convencionalismos lineales del temple,
haciendo un dibujo detallado en una tabla cubierta de yeso y aplicando sucesivas capas
de veladuras de óleo transparentes.
Giovanni Arnolfini y su esposa o
El matrimonio Arnolfini
Jan van Eyck, 1434
Óleo sobre tabla • Gótico
82 cm × 60 cm
National Gallery de Londres,
Londres, Reino Unido

En Italia, el pintor siciliano Antonello da Messina popularizó esta técnica, de la
que se aprovecharon los pintores del renacimiento. Rafael, Leonardo
San Jerónimo en su Estudio
Antonello da Messina
Fecha:1456 Museo:National
Gallery de Londres
Características:46 x 36,5 cm
Material:Oleo sobre tabla

Rafael Sanzio, Retrato de Cardenal

Los venecianos dieron el siguiente paso de pintar sobre lienzo, con el que se
conseguía una superficie mucho más grande y permitía además enrollarlo para
facilitar el transporte. Desarrollaron un estilo más libre basado en una pintura
subyacente, monocroma y tosca, realizada al temple y añadiendo veladuras
oleosas. Tiziano, Tintoreto, Veronés
Autorretrato de Tiziano, pintado hacia 1567
(Museo del Prado).
Nombre completo Tiziano Vecellio


Técnica polícroma húmeda magra
La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en
la que los pigmentos están contenidos en una emulsión de un
polímero acrílico (cola vinílica, generalmente). Aunque son
solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma.
Características técnicas:
-Se destaca especialmente por la rapidez del secado.
-Asimismo, al secar se modifica ligeramente el tono, más que en
el óleo.
-Permite agregar más pintura a la superficie ya trabajada,
utilizando incluso una técnica diferente.
-El acrílico es estable, resistente a la oxidación, eso explica por
qué las pinturas con acrílico poseen una mayor vida útil.
-A diferencia del óleo, el acrílico permite empastes de mejor
resistencia, el primero, con el paso de los años tiende a
cuartearse;
-Puede trabajarse sobre cualquier superficie que sea
absorbente de forma directa o como imprimación.
La pintura acrílica data de la primera mitad del siglo XX, y fue
desarrollada paralelamente en Alemania y Estados Unidos.

Origen: La necesidad de llevar a cabo
grandes pinturas murales

Los grandes muralistas mexicanos: Orozco, Siqueiros se
dieron cuenta de que utilizar óleos no sería posible debido a
su corta expectativa de vida y por eso trataron con el fresco,
pero tampoco resultó. Se necesitaba un tipo de pintura que
secase de forma rápida y no se viera alterada por los
cambios climáticos; el material que ellos estaban buscando
existía ya desde hace tiempo pero se utilizaba únicamente
en el plano industrial, nos referimos a las resinas plásticas.
Así fue como tuvo origen la pintura con acrílico, se comenzó
a buscar colores de aplicación artística; los pigmentos eran
los mismos que los pintores utilizaban solo que ahora se
agregaban los polimerizados para poder aglutinarlos. El
término polímero alude a la unión de moléculas pequeñas e
idénticas para formar una más grande, lo que hace que
posea como propiedad fundamental una gran resistencia.
Se desarrollaron entonces dos resinas sintéticas adaptadas
para ser utilizadas en la rama del arte: el acetato de polivinilo
y la resina acrílica. Estas últimas se logra a partir de ácidos
acrílicos y metacrilatos; la gran importancia de las pinturas
con acrílico es que éstas una vez finalizadas se secan
instantáneamente y una vez que esto ocurre se le permite al
artistas añadir más pintura a la superficie.
Mexico City. Palacio de Bellas Artes: Mural "El Hombre
en la encrucijada" ( 1934 ) by Diego Rivera.

MODO DE EMPLEO
La emulsión de polímero acrílico es soluble al
agua cuando esta húmeda una vez seca
proporciona una película flexible resistente al
agua, que no amarillea.
Hay diversos mediums en el mercado para
producir impasto y veladuras que se mezclan
muy bien con la pintura: medio mate, medio
tipo gel, agentes humectante, retardadores de
secado, pastas para añadir textura (piedra
pómez, marmolina, arena)

BLANCO
DE ZINC
VERDE
ESMERALDA
AZUL
COBALTO
AZUL
ULTRAMAR
VIOLETA
COBALTO
NEGRO
MARFIL
PARDO VAN
DYCK
AMARILL
O DE
CADMIO
AMARILLO
DE NÁPOLES
ROJO DE
CADMIO
CARMÍN
DE
GRANZA
ROJO
MARTE
OCRE
AMARILLO
MI PALETA
DISPOSICIÓN DE LOS COLORES
PARA EVITAR QUE SE ENSUCIEN
AGUA

La versatilidad del acrílico permite emplearlo con
las técnicas que hemos estudiado:
1.Transparente y aguado como la acuarela.
2.Empastes, espátula, veladura, esfumato, a la
prima, mezcla óptica como el óleo.
3.Opaco sobre fondos de colores como Guache.
4.Grandes brochazos opacos o transparentes
sobre el muro como se hace en el fresco.
Además permite el empleo de otras técnicas
que favorecen esta plasticidad:
5.Dripping o chorreados.
6.Aerógrafo.
7.Uso de plantillas o máscaras.
8.Raspados.
9.Estarcidos. estampados,

1. Transparente y aguado como la acuarela.

2-Empastes, espátula, veladura, esfumato, a la prima, mezcla óptica como
el óleo

3. Opaco sobre fondos de colores como Guache.

4. Grandes brochazos opacos o transparentes sobre el muro como se hace
en el fresco

9. Estarcidos
Roy Lichtenstein
Hopeless
Acrilico

ÚTILES
Acrílico en tubo o botes, pinceles, recipiente para el agua y los mediums,
paleta para mezclar colores caballete y trapos

SOPORTES:
Se puede trabajar sobre cualquier soporte, papel, madera, tela, muro.
En algunos casos es necesario preparar el soporte
IMPRIMACIÓN ACRILICA DE GESSO
Contiene polímero acrílico y blanco de titanio se puede extender con brocha, imprimador,
espátula, o raspador limpia cristales

ARTISTAS DESTACADOS
• El desarrollo de la pintura con acrílico como un medio artístico tuvo lugar en los años 20’ del
Siglo XX, para ese entonces un grupo de pintores mexicanos, en especial José Clemente
Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Sequeiros deseaban pintar grandes murales para
edificios públicos, muchos de estos muros estaban al aire libre.
• En los años 50’ fue cuando las pinturas con acrílicos alcanzaron su gran auge en el mercado,
particularmente en los Estados Unidos; también surgieron nuevas técnicas artísticas
originadas por Noland, Pollock, Rothko y Motherwell pertenecientes al Expresionismo
Abstracto Americano. Estos pintores aplicaban sus colores de diferentes maneras; Pollock,
por ejemplo, utilizaba una gran cantidad de veladuras e impasto, Nolan construía áreas
uniformes de color con contornos definidos; Rothko, por su parte, manchaba enormes
tableros con lavados delgados y transparentes.
• Los Artistas Pop americanos y británicos también utilizaron los acrílicos un medio que se
acercaba a los presupuestos artísticos de arte popular y de masas como David Hockney
contribuyeron muchisimo a la enorme popularidad de que gozo este tipo de pintura en el
mundo del arte plastico. Otro de los artistas de esta epoca que utilizo la pintura acrílica fue
Roy Lichtenstein ,un pintor americano del arte>>pop>>.En 1960 comenzó a basar sus obras
en las tiras de los tebeos. El imitaba la prensa ,colocando una pantalla metálica que tenia
agujeros a espacios equidistantes sobre el lienzo y pasaba la pintura sobre ella con un cepillo
de pasta de dientes.

Dominique Ingres
El muralismo es un movimiento artístico
mexicano de principios del siglo XX que se
distingue por tener un fin educativo, el cual
se consideró esencial para poder lograr
unificar a México después de la revolución.
Gran parte de estos artistas, debido al
contexto que se vivía en la post-revolución,
tuvieron una gran influencia de las ideas
marxistas por eso, a través de los murales se
proyectó, la situación social y política del
México .Ello fue pensado con fines
educativos y era empleado en lugares
públicos a los que todo tipo de gente sin
importar raza y clase social pudiera acceder.
Algunos de los temas eran la conquista, la
Revolución Mexicana, la industrialización,
los personajes principales de la cultura
popular,
Por ejemplo, se puede decir que los
muralistas vivieron tres etapas primordiales:
los 20's, los 30's, y la etapa desde los 40's
hasta 1955. En cada etapa, tanto los temas
como las técnicas van a variar y en este
modo el muralismo trataría de encontrar
una definición más clara como movimiento.
José Clemente Orozco
Muralismo Mexicano

Diego Rivera
Mural Presencia de América Latina, ubicado la Casa del Arte de la Universidad
de Concepción, en Chile.

Kenneth Noland
En los años 50’ fue cuando las pinturas con acrílicos alcanzaron su gran
auge en el mercado, particularmente en los Estados Unidos; también
surgieron nuevas técnicas artísticas originadas por Noland, Pollock,
Rothko y Motherwell pertenecientes al Expresionismo Abstracto
Americano
Entre 1946 y 1948, Noland asistió a clases
del Black Mountain College. Se identifica
como un expresionista abstracto.
Amigo de Morris Louis, ambos adoptaron
la técnica de Helen Frankenthaler que
dejaba que la pintura acrílica chorrease
sobre la tela.
Trabaja con pintura acrílica aplicada
directamente sobre el lienzo, con lo que
crea obras en las que los brillantes colores
yuxtapuestos producen un sentido de
vibración óptica. Sus principales temas son
círculos concéntricos, galones, rombos y
largas listas paralelas, dejando a menudo
grandes espacios de lienzo en blanco
como parte integrante de la composición.
Se interesa por la adaptación de las zonas
de color a los límites del marco del cuadro.
En cuanto a los formatos de sus obras,
destacan los diagonales y los enormes
lienzos rectangulares a base de franjas de
color superpuestas.

Kenneth Noland. "Este-Oeste" (1963)

(Morris Louis, ”claustral", 1961)
Ésta se caracteriza por sus
entramados de lavados de color,
que tiñen el lienzo virgen,
haciendo que fondo y color sean
una misma cosa, uno dentro del
otro, generando una fusión
innovadora. Las bandas de color
se superponen, invaden a otras,
juegan entre sí, penetran la
superficie. El color no es una
mancha en la tela, es parte de.
Se pueden ver estas obras como
una composición de la
descomposición de la luz al pasar
por un prisma. Colores nítidos
pero suaves, sutiles.

(Morris Louis, "Crown" (1958))

(Morris Louis, "Untitled", 1959-1960)

Autor: Jackson Pollock (Cody, Wyoming,1912 – Long Island, 1956) Tipo de obra: Pintura
al Óleo y pintura acrílica sobre tela. 2,69 x 5,30 m. Estilo: Espresionismo abstracto
Cronología: 1950 Localización geográfica: Museo de Arte moderno de Nueva York

Tom Wesselmann
Su primera muestra
individual, en la Tanager
Gallery de Nueva York, tuvo
lugar en 1961. Ese mismo
año inició su extenso ciclo de
Great American Nudes
(Grandes desnudos
americanos). Los primeros
eran collages de formato
reducido, pero los
posteriores los realizó al óleo
y con colores acrílicos en
grandes formatos. En
algunos de ellos incorporó
objetos reales.

Tom Wesselmann
Life #121962 acrylic and collage of fabric, photogravure, metal, etc. on fiberboard

James Rosenquist
Su especialidad es coger imágenes
fragmentarias, extrañamente
desproporcionadas y combinarlas,
superponerlas, y yuxtaponiéndolas
en lienzos para crear historias
visuales.
Escoge objetos simples que se
identifican con facilidad y que no
portan ningún significado simbólico.
Y los trata en grandes formatos
(cuadros, environments) con un
lenguaje propio de la publicidad.
A veces una figuración realista,
amplificada como en los grandes
carteles publicitarios, acaba siendo,
si se mira muy de cerca, una forma
abstracta. Eso hace Rosenquist:
tomas fragmentos de la realidad y
representarlos a gran tamaño.

Roy Lichtenstein
A partir de 1961 se dedicó por
completo a producir arte mediante
imágenes comerciales de
producción masiva.Escultura en el
Centro de Arte Reina Sofia en
Madrid, EspañaSus historietas de
cómics, como Good Morning,
Darling (1964, Galería Leo Castelli,
Nueva York), son ampliaciones de
los personajes de los dibujos
animados, reproducidas a mano,
con la misma técnica de puntos y
los mismos colores primarios y
brillantes que se utilizan para
imprimirlos.Sus últimas obras, entre
las que están las reproducciones de
personajes muy populares de la
novela rosa, paisajes estilizados y
copias de postales de templos
clásicos, muestran la influencia de
Henri Matisse y Pablo Picasso.

Roy Lichtenstein
¡Olvídalo! ¡Olvídame! Roy Lichtenstein (1962) Óleo y acrílico sobre
lienzo. 203,2 x 172,7. Rose Art Museum, Waltham, Massachusetts

Roy Lichtenstein
Mujer en el baño.

David Hockney
(Bradford, Reino Unido, 1937)
Pintor y grabador británico. Es el
exponente más destacado de la
segunda generación del pop art
inglés.
Con una mezcla de formas
figurativas y abstractas
plasmadas mediante pinceladas
gestuales, signos infantiles y
graffiti, a los que añadía su
particular toque humorístico.
En cuanto a la temática de sus
obras, destacan sus series de
Piscinas, tratadas a partir de
superficies frías y colores lisos;
el figurativismo sirve en estas
obras para explorar el terreno de
la abstracción. En Matrimonios
de estilo, otro de sus trabajos
más conocidos, extrae imágenes
de revistas populares con
distintas parejas posando en su
entorno doméstico.


En la pintura al temple el disolvente es el agua y el aglutinante algún tipo de grasa animal u otras materias
orgánicas.Consiste en disolver el pigmento en agua y templarlo o engrosarlo con huevo, caseína, goma o
una solución de glicerina. Históricamente, la pintura al temple es característica de la Edad Media europea.
Puede considerarse característico de los estilos románico y gótico en el occidente europeo, y de los iconos
bizantinos y ortodoxos, en Europa Oriental.
Temple de huevo: La forma más común de la pintura clásica al temple es el temple de huevo. En esta
técnica solo se suele utilizar el contenido de la yema del huevo. (Hay también temples de clara de huevo y
de huevo completo)
Temple a la Caseína: conocido desde la Antigüedad y ha resultado tener un comportamiento más estable
que el resto de las emulsiones. El temple de caseína es muy resistente al agua, muy estable y de gran poder
adhesivo. El fondo que mejor se comporta es el de caseína. Otra característica importante de la caseína es
su gran claridad e intensidad luminosa.
Temple a la Cola: Tiene como aglutinante cola de animal, la pintura tiene un acabado mate, empleada por
Andrea Mantegna


Pigmentos: Algunos de los pigmentos usados por pintores medievales, como el bermellón (hecho de cinabrio, un mineral de
mercurio), son altamente tóxicos. La mayoría de artistas modernos usan pigmentos sintéticos, que son menos tóxicos pero
tienen propiedades de color similares a los pigmentos antiguos. Aun así, muchos (sino casi todos) los pigmentos modernos son
peligrosos si no se toman las precauciones adecuadas, lo que incluye guardarlos húmedos para evitar respirar su polvo
Aplicación del temple:
La pintura al temple se seca rápido. Normalmente se aplica en capas finas, semi-opacas o transparentes. Permite gran
precisión cuando se usa con técnicas tradicionales que requieren la aplicación de pequeñas y numerosas pinceladas aplicadas
en técnica de hachura o regatino (dibujo a líneas o puntos). Una vez seco, produce un acabado fino y mate.
Como no puede ser aplicada en capas gruesas como el óleo, la témpera rara vez tiene la profundidad de color y la saturación a
la que el óleo puede llegar.
En este respecto, los colores de una témpera sin barnizar se asemejan al pastel, aunque el color depende de si se aplica un
barniz.
Por otro lado, los colores de la pintura al temple no cambian a lo largo del tiempo, mientras que el óleo se oscurece, amarillea y
se transparenta con la edad.

MODO DE EMPLEO
Preparación del temple al huevo

ÚTILES
Pigmentos en polvo, huevo, caseína, cola de conejo, barniz dammar,
pinceles, espátula , mortero para moler la mezcla, huevera para mezclar cada
color con el aglutinante
Como fabricar los colores http://www.youtube.com/watch?v=LHtJNeiksU8

SOPORTES
La témpera se adhiere mejor a un soporte absorbente que tenga menor
contenido en aceite que el aglutinante usado para la mezcla (la regla
tradicional es "graso sobre magro", y nunca al revés)
EL fondo usado tradicionalmente es gesso italiano y el soporte suele ser más
bien rígido. Históricamente se usaron soportes de paneles de madera y más
recientemente se están usando tablex y compuestos modernos. También se
suele usar papel grueso.

ARTISTAS DESTACADOS
• La pintura al temple ha sido usada desde la decoración de sarcófagos del antiguo Egipto.
Muchos de los retratos de las momias de El Fayum están realizados al temple, a veces en
combinación con pintura encáustica.
• La técnica ya era conocida por el mundo clásico, donde parece que se desarrollo desde la
pintura encáustica y fue el principal medio usado en pintura de tabla e iluminación de
manuscritos en el mundo bizantino y en el medievo y Renacimiento europeos.
• Pintores florentinos de los siglos XIII y XIV, como Duccio, Giotto, Cimabue y sus
contemporáneos, solían utilizar esta técnica sobre una preparación de yeso blanco.
• Los Grandes pintores del siglo XV Piero de la Franchesca, Mantegna y Sandro Botticelli, Fray
Angélico usaron el Temple. Todas las pinturas de tabla conservadas de Michelangelo son de
temple al huevo.
• El óleo reemplazó a la pintura al temple como principal medio artístico durante el siglo XV en
la pintura Holandesa del norte de Europa. Al rededor del año 1500, reemplazó a la témpera
en Italia.
• En los siglos XIX y XX ha habido revivals intermitentes de la pintura al temple en el arte
occidental, entre los pre-rafaelitas (Marianne Stokes), realistas sociales y otros. La pintura al
temple se sigue usando en Rusia y Grecia donde es el medio requerido para los iconos
ortodoxos.

Algunos de los retratos de las momias de El Fayum están realizados al temple

Guido da Siena, Iglesia de San Regolo, Siena, Témpera y oro en panel, 1285-1295

Artist Duccio di Buoninsegna
Year c. 1300
Type Tempera

Year c. 1300
Type Tempera
Dimensions 27.9 cm × 21 cm (11.0 in × 8.3 in)
Location Metropolitan Museum of Art, New York

Última Cena
Year c. 1300
Type Tempera

Calvario
Year c. 1300
Type Tempera

Primavera, tempera on wood by Sandro Botticelli, c.
1477–82; in the Uffizi Gallery, Florence..

Miguel Ángel Buonarotti Santo Entierro, en la National Gallery de
Londres (1500-1501).

Miguel Ángel Buonarotti Tondo Doni, en los Uffizi de Florencia (1504-
1505)..

Marianne Stokes, Melisande (Stokes), Témpera en lienzo,
1895-1898

Marianne Stokes, Isabel de Hungría Témpera en lienzo,

Marianne Stokes, pinturas al gesso y temples,

Técnica húmeda grasa
La encáustica, que deriva del griego enkaustikos ('grabar a fuego'), es una técnica de pintura que
se caracteriza por el uso de la cera como aglutinante de los pigmentos. La mezcla tiene efectos
muy cubrientes y es densa y cremosa. La pintura se aplica con un pincel o con una espátula
caliente. El acabado es un pulido que se hace con trapos de lino sobre una capa de cera caliente
previamente extendida (que en este caso ya no actúa como aglutinante sino como protección)

MODO DE EMPLEO
La mezcla de cera para encáustica utilizada por muchos artistas de encáustica en la actualidad se
compone de cera de abejas refinada, del tipo utilizado en cosmética, y resina de damar.
La técnica de encáustica solo con cera debe trabajarse en caliente puesto que la cera rápidamente se
endurece al enfriarse.
Esta mezcla permite pintar con más tiempo, pues la pintura tarda en secarse y tiene la facilidad del óleo.
Procedimiento: La resina de Dammar se mete en un bote de cristal con aguarrás (hasta que esté toda
mojada solo) y se calienta al baño maría (se pone el bote dentro de una cazuela con agua y esta al
fuego).La cera se prepara troceándola primero, se mete en un cacharro apretándola y se cubre con
aguarrás. Se calienta al baño maría también puesto que el aguarrás es muy inflamable y debe hacerse con
un control del calor. Una vez están disueltos cera y dammar, se meten en un mismo bote y se remueven.
Si queda muy espeso como una cola para zapatos es que falta resina. Si queda como un caramelo es que
falta cera. Debe quedar como la miel.
http://www.youtube.com/watch?v=_7Yph7eCzeM

La técnica de la encaustica
De capas múltiples

La técnica de la encaustica
Raspado, esgrafiado

ÚTILES
Cera de abejas
Pinceles
Brocha de cerdas duras
Pigmentos de colores
Secador de mano
Esencia de trementina
Recipientes
Espátula
Infernillo eléctrico
Trapos de lino para pulir y sacar brillo
Cartulina gruesa, tabla o lienzo para pintar.

SOPORTES:
Se utiliza como soporte la tabla de
madera, la tela y las paredes de
albañilería.
Se puede pintar directamente
sobre madera imprimada o sin
imprimar (pero preparada con un
fijador). Y por supuesto, en lienzos
preparados con creta.

ARTISTAS DESTACADOS
• Es una técnica conocida y utilizada desde la Antigüedad.
• Los romanos la usaban sobre todo en tablas. Plinio el Viejo, enciclopedista romano del siglo I
describe el uso de la encáustica sobre el marfil, técnica a la que ya entonces se consideraba
antigua. Da cuenta de que el inicio de la técnica derivaría de la pintura de los barcos con cera para
impermeabilizarlos, a los que se agregó color en épocas de guerra. La cera conseguía
impermeabilizar la madera consiguiendo con esto que fuese resistente a la sal y a los rigores del
tiempo.
• En la región de El-Fayum, al norte de Egipto se descubrieron unos retratos de gran fuerza
expresiva, en sarcófagos de madera, realizados en encáustica. Son de los siglos I y II.
• Los murales de Pompeya luego de mucho tiempo de especulaciones se ha llegado a la conclusión
de que no fueron pintados a la encáustica.
• Su uso es común hasta los siglos VI y VII, y son ejemplos de esta etapa los iconos bizantinos del
Monasterio de Santa Catalina del Monte Sinaí.
• Durante los siglos siguientes y a partir del VIII y el IX esta técnica cae en desuso hasta que
reaparece a los comienzos de la Edad Media. Un buen ejemplo de icono pintado a la encáustica es
el de la Virgen con niño entronizados del monasterio de Santa Catalina del monte Sinaí, en Egipto.
• Vuelve a ser amplia su utilización en el siglo XVIII y XIX, especialmente en Inglaterra y Francia. El
pintor francés Eugène Delacroix (1798–1863), utiliza en muchas de sus obras unos colores
previamente desleídos con cera.
• En el siglo XX el pintor, escultor y artista gráfico estadounidense Jasper Johns realiza encáusticas
sobre tela en obras que anuncian ya el Pop Art

Encausto da Solunto - siglo. I a.C.
Pintura mural al encausto

Virgin and Child with angels and Sts. George and
Theodore.
encaustic icon on panel
Fecha c.600
Saint Catherine's Monastery
Autor Anonymous.

Retrato de momia de mujer. Encaústica sobre
madera. Hawara, Periodo Romano de Egipto, c. 55-
70. British Museum.

Retrato de momia. Encaústica sobre madera.
Hawara, Periodo Romano de Egipto, c. 55-70. British
Museum.

George Stubbs. Dama y caballero en un carruaje. Encáustica de
cera, aceite secante y colofonia. 1787. 82x101 cm. National
Gallery, Londres. En realidad, un óleo con adición de ceras y
resinas.

Eugène Delacroix. Pinturas murales en el
techo de la Biblioteca, Assemblée National,
París 1847. Para sus obra mural, Delacroix
hizo pruebas en su taller con fresco y
encáustica. Finalmente utilizó colores al óleo
con adición de cera disuelta en esencia de
trementina, una fórmula que conoció por
Reynolds y que algunos autores han
considerado como encáustica.

París 1847

París 1847.

Jasper Johns. Flag. 1955. 106x152. Ceras pigmentadas
aplicadas en estado de fusión aplicadas sobre recortes de
periódico en lienzo. A pesar de las dificultades de empleo de la
encáustica de ceras derretidas, han sido muchos los pintores
contemporáneos que han trabajado con este procedimiento,
atraídos por las cualidades ópticas de la cera y por el misterio de
la técnica.

White Flag, 1955Jasper Johns (American, born
1930)Encaustic, oil, newsprint, and charcoal on canvas

Jasper Johns, Three flags, 1958, encaustic on canvas

Jasper Johns Encaustic, oil on canvas


Para tratar de explicar con claridad como se pinta al fresco creo que es
importante hacerlo desde el principio, desde el momento en que el pintor se
enfrenta al muro desnudo
EL SOPORTE de la pintura mural, como es evidente, es un muro. La pared
que tradicionalmente era de piedra o de ladrillo, no es un a
superficie apropiada para pintar y necesita ser preparada. Esta preparación se
compone de varias capas de enlucidos (realizados con argamasas en las que
se mezcla cal, arena y agua)
El primer enlucido que se aplica sobre el muro tiene la finalidad de regularizar la
superficie, se extiende sobre el muro húmedo para que este no absorba el
agua de la masa y, por norma general, no lo aplica el pintor, sino un ayudante.
A esta capa se la denomina enfoscado.
El grosor del enfoscado o arriccio es mayor que el de las siguientes capas que
se le superpondrán y en su composición predominará la arena sobre la cal (en
relación 3:1 suele decirse). El proceso de endurecimiento de esta superficie se
produce en un primer momento por evaporación del agua y de una forma más
lenta por el proceso químico de carbonatación de la cal.
Sobre el enfoscado es necesario aplicar una nueva capa de enlucido: se
denomina revoco o intonaco.
El revoco es más delgado que el enfoscado y la proporción de cal aumenta
respecto a la de arena (además la arena suele ser de un grano más fino). Esta
es la superficie sobre la que el artista pintará, por eso su acabado y textura es
muy importante.

MODO DE EMPLEO
•En la pintura al fresco se debe de pintar sobre el revoco aún húmedo (de ahí el nombre de la técnica), los pigmentos se
mezclan tan solo con agua y una vez depositados sobre el revoco serán fijados o aglutinados por la cal de este al
carbonatar.
•La diferencia básica del fresco con otras técnicas como el temple o el óleo es que en estas se aplican los pigmentos ya
aglutinados (con huevo, cola o aceite) mientras que aquí se aplica primero el aglutinante (cal) y luego el pigmento.
•
•La cal tras el proceso de carbonatación aglutina los colores y estos pasan a formar parte del muro, que presenta una
superficie lisa y cristalina que envuelve los pigmentos.
•La cal al carbonatar se convierte en carbonato cálcico (de idéntica composición que la piedra caliza) lo que hace que los
colores al fresco sean insolubles y que presenten un aspecto, color y textura únicos. El inconveniente del fresco, y lo que ha
hecho que se les resistiera a muchos pintores es que no permite rectificar, salvo que se elimine el enlucido y se vuelva a
pintar o que se retoque con otra técnica.
•Como el revoco debe de estar húmedo al aplicar el color tan solo se enluce la superficie que se va a pintar ese mismo día,
por eso a esta zona se la denomina jornada o giornata, su tamaño variará en función de la dificultad de lo que haya que
pintar: las jornadas serán pequeñas en los rostros y muy grandes en los fondos. Por eso lo más sencillo para saber si un
mural está pintado al fresco será intentar encontrar los bordes de las jornadas.

-Antes de empezar el traslado del calco, esperar que el revoque
sea bastante seco para resistir a la presión de un dedo.
-- Para trazar las líneas que sirven para encuadrar el dibujo y a
determinar su exacta posición sobre el muro, se puede utilizar una
cuerda empapada en el color que se tira como un elástico entre
dos puntos de referencia dejando una huella de color sobre el
revoque.
-- La técnica de traslado del dibujo sobre el soporte es el calco
perforado. Con un mango de pincel se trazan las líneas del dibujo
a través el papel comprimiendo ligeramente, sin ir demasiado en
profundidad para dejar un ligero surco en el revoque fresco. O
también con carbón en polvo.
-La puesta en obra del fresco solicita una buena organización:
hacer de modo que los colores y los pinceles estén todos al
alcance sobre una mesa o sobre un plan de trabajo estable;
- Disponer varios recipientes de agua limpia para lavar los
pinceles, preparar con antelación los diferentes tintes y sus
aclaradores en recipientes etiquetados,
- Iniciar con el trabajo en alto para evitar rebabas.Cuando se pinta
hace falta tener en mente que el fondo tenderá a destacarse con
los colores claros y que el revoque, cuando está húmedo aparece
gris, será blanco una vez seco y por lo tanto aclarará los tonos.
Hacer pruebas sobre papel para tener una idea de los colores
secos.

ÚTILES
Arena , cal, polvo de mármol, gaveta,
llana, paleta, espátulas, agua, pigmentos,
brochas de cerdas, botes para los
distintos colores, andamios, pala, pico…
Papel para preparar el boceto, muñequilla
con carboncillo en polvo para transferir el
dibujo al muro

SOPORTE
Proceso
De
carbonatación

PINTURA MURAL EL SECO
Los mayores inconvenientes para la pintura mural en
exteriores son la humedad, el polvo, la contaminación
El SISTEMA DE PINTURAS MINERALES
PERMANENTES KEIM 1877.
-Aplicación de pigmentos minerales resistentes a los
alcalis desleidos en agua destilada sobre una pared con
revoco de sílice.
-Pulverizando posteriormente un fijativo a base de
silicato de potasio

ARTISTAS DESTACADOS
• La pintura al fresco era conocida por los antiguos egipcios, cretenses y griegos. También la practicaban los
romanos, según demuestran los extraordinarios ejemplos encontrados en Herculano y Pompeya.
• Entre las culturas prehispánicas de Mesoamérica, los mayas y los teotihuacanos, por ejemplo, usaron tanto la
técnica de pintura al temple, como la del fresco, en sus dos versiones. Ejemplos de frescos son los murales de
Tetitla, Tepantitla y Atetelco, en México.
• Al principio de la era cristiana (siglo II) se decoraban con pinturas al fresco los muros de las catacumbas o de las
cámaras mortuorias subterráneas. En la iglesia de San Isidoro de León (siglo XI) se encuentra el mejor conjunto de
pinturas murales del románico español.
• El arte del fresco resurgió con fuerza en Italia durante los siglos XIII y XIV de la mano de los pintores florentinos
Cimabue y Giotto, quienes han dejado bellos ejemplos en las iglesias de Asís, Florencia y Pisa. En el siglo XV, el
resurgimiento de esta técnica se produjo en Florencia, especialmente con las obras de Masaccio, Benozzo Gozzoli
y Ghirlandaio.
• La pintura al fresco alcanzó su culminación en el siglo XVI con el soberbio trabajo de Rafael en el Vaticano y con El
juicio final de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina. La influencia italiana tuvo un papel decisivo en el resurgimiento de
la pintura mural en España.
• Los frescos de la iglesia de San Antonio de la Florida, en Madrid, obra del pintor Francisco de Goya, constituyeron
la obra cumbre de la pintura española en este género.
• En el siglo XVIII, la práctica de la pintura al fresco estaba muy extendida en Europa y en América, sustituyendo la
nobleza de estilo por la elegancia y los efectos ilusionistas. Uno de los principales exponentes de esta técnica
durante ese periodo fue Giovanni Battista Tiepolo, en Italia.
• En el siglo XIX, se produjo un resurgimiento de este arte, destinado sobre todo al embellecimiento de edificios
públicos. El núcleo más importante de pintura al fresco, en el siglo XX, ha sido México, donde Diego Rivera, José
Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, entre otros muralistas, han creado notables frescos monumentales en
edificios gubernamentales y privados

Detalle pintura al fresco de la tumba de Nakht, donde vemos a un
grupo de mujeres con joyas, s.XV a.C.

Se encuentra en el palacio de Cnosos. No se sabe quién es, pero se
cree que pudiera ser el rey Minos. Es un rey-sacerdote. Tiene cuerpo
joven y atlético con una cintura muy fina, por lo que a estas figuras de
las denomina "figuras de cintura de avispa". Lleva la mano derecha
sobre el pecho, probablemente como símbolo de poder, y con la
izquierda arrastra algo, probablemente un grifo. Va caminando entre
un campo de lises y hay una mariposa revoloteando. Lleva collar y una
tiara con plumas y adornado con formas helicoidales. Tiene zonas en
relieve.

Mujer sentada tocando una cítara. Pintura al fresco de la Sala de la
Villa de P. Fannius Synistor en Boscoreale, alrededor de los años 40-
30 a.C. finales época República

Pintura al fresco de la villa de P. Fannio Sinistore in Boscoreale, de
Pompeya, actualmente en el The Metropolitan Museum of Art, NY.

Detalle pintura al fresco romana, de Oplontis donde vemos un cesto
lleno de higos, año 79 d.C.

Detalle de la pintura mural del tlalocan en el palacio de Tepantitla
Teotihuacan.

Cristo Pantocrátor de San Clemente de Taüll (Lleida) Pintura
mural al fresco: Arte románico,1123. S. XII..

Anunciación del ángel, Cripta de San Isidoro, León

Pinturas de San Baudelio de Berlanga, Museo del Prado

Pinturas del Giotto en Asis, muestran el inicio de la Pintura
renacentista

Pintural Giotto en Asis, muestran el inicio de la Pintura renacentista

Miguel Angel Buonarotti Capilla Sixtina

Giovanni Battista Tiepolo: Fresco from the Royal Palace of Madrid, 1762-66

Giambattista and Domenico Tiepolo, Apollo and the Continents, 1750-1753, Fresco
(Residenz Palace, Würzburg, Germany)

Giambattista Tiepolo
Título Jacob's Dream
Fechaentre 1726 y 1729
Palacio de Udine (italia)

Goya, Frescos de la ermita de San Antonio de la Florida, Madrid

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