El documento critica la gestión de los teatros públicos que se centra más en aspectos contables que en promover la creatividad y cultura. Argumenta que los teatros necesitan directores que aporten talento e iniciativas artísticas, no solo gestores, y que se debería apoyar más a creadores que a producciones empresariales. También pide a los políticos que se tomen en serio la función cultural de los teatros.

4. Carlos Gil Zamora
Elogio y refutación del
mito y la leyenda sobre
la gestión teatral
A veces parece más una indi-gestión
artistas con los públicos receptores.
Nada es tan necesario como una
personalidad influyente en el ámbito de
la creación, al frente de las instituciones
Solo2 de Brodas Bros
y aparatos o edificios que conforman la
representación de las acciones de gobierno de cada lugar y época.
Se confunde, por ignorancia o mediocridad crónica, la gestión con la
dirección. Viene de la nefasta situación política general en donde a
falta de gobernantes con criterios y liderazgo político que intenten
cambiar todas la situaciones, se busca un lugar común, impropio, que
es el de la “buena gestión”. ¿Por qué no se presentan los contables
a las elecciones? ¿Por qué no eligen a contables o economistas para
los teatros públicos?
Para ejercer la gobernanza se necesitan objetivos políticos y
personas que los interpreten y los hagan ejecutar a los gestores.
Por ello se deben elegir para los teatros de producción de espec-táculos,
personas que aporten creatividad, talento, capacidad de
transformación. Y que respondan de estas cuestiones, porque para
decirnos el porcentaje de ocupación o el porcentaje del presupues-to
destinado a una cosa u otra, ya existen aplicaciones al alcance
de cualquiera que lo pueden hacer. Las administraciones tienen le-giones
de contables, administrativos, programas informáticas que
pueden hacer esta labor a las mil maravillas. Además existen los ins-pectores,
los abogados y servicios jurídicos que ejercen el control o
constriñen la acción, pero la figura que
marque el rumbo debe ser un creador.
Yo diría más, deberían ser pensadores
de nuevas situaciones, que aportaran
prestigio y proyección a los teatros y
lideren, de alguna manera, las iniciati-vas
generales. No lo contrario, perso-nas
que ejercen sus funciones a medio
camino de nada, que se hacen su cu-rrículum
a costa de imponer sus crite-rios
básicos, de baja intensidad, para
que nada sobresalga por encima de
los nombrados por el poco recomen-dable
“código de buenas prácticas”,
una de las mentiras más escandalosas
de los últimos tiempos.
Si esto debería ser incuestiona-ble
para los grandes espacios, para las unidades de producción de
“bandera”, algo parecido debería suceder en los cientos de teatros
de todas las redes. Con jerarquías, sin establecer un régimen único
para todos, pero intentando buscar cada vez más lo apropiado para
poder establecer con estos instrumentos una acción cultural real, no
subsidiaria, para que desde la dirección se busquen sinergias, compli-cidades,
se establezcan discursos activos que rompan con la nefasta
tendencia actual a ser recipientes donde depositar los productores
de la oligarquía sus negocios, sus productos de consumo. O al me-nos,
que no fueran estos los únicos con derecho a utilizar esas salas
construidas con dineros públicos y que funcionan, en lo básico, con los
presupuestos generales de sus lugares. Obviamente, sin producción
propia, varía el prototipo de dirección, pero debe tener sensibilidad
cultural, arrojo y voluntad, no sumisión y contabilidad pegadiza.
Llegan en breve elecciones municipales, y la titularidad de la in-mensa
mayoría de los espacios escénicos es de los ayuntamientos,
es decir, es el momento para que las formaciones y plataformas po-líticas
que vayan a presentarse se interesen por estos asuntos de
manera seria, porque, además, seguimos en el limbo reglamentario,
Número: 199 - año 18 · Septiembre 2014 | Depósito Legal: SS-1154/97
14 septiembre
que un razonamiento
sobre la necesidad de gestionar
lo ingestionable, o de convertir
la responsabilidad de una dirección de
un espacio público dedicado a la exhi-bición
de cultura y artes en vivo en un
asunto contable que se soluciona en el
ámbito de las tablas de Excel y no en
el conocimiento, indagación, riesgo y
sensibilidad que acompañe a la aven-tura
creativa poniendo en relación a los
Edita: Artez Blai | CIF: G48884431 | Aretxaga 8 bajo, 48003 Bilbao | Tlf. 944795287 | email: artez@artezblai.com
Portada | ‘Measure for Measure’ de William Shakespeare Producción de Cheek by Jowl y Teatro Pushkin de Moscú ©Sergei Yasir’

5. Editorial
índice 41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’)
Esta revista ha recibido
una ayuda a la edición del
Ministerio de Educación,
Cultura y Deporte
septiembre 14
Opinión
4 - 5 Editorial
6 Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias
7 Desde la Caverna – David Ladra
62 Luz Negra – Josu Montero
63 Vivir para contarlo – Virginia Imaz
64 - 65 Postales argentinas – Jorge Dubatti
66 Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán
67 El lado oscuro – Jaume Colomer
68 Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud
69 El método griego – María Chatziemmanoui
70 Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado
71 Las lejanías – Carlos Ber
Festivales
10 - 17 34 FiraTàrrega
18 - 20 28 Feria Internacional de Teatro y Danza de
Huesca
22 - 23 I Fira Illescena
24 - 25 III Festival Mirada de Santos - Brasil
26 - 27 XXV Mostra Internacional de Mim de Sueca
28 - 29 Festival EnClave de Calle de Burgos
30 TNT - Terrassa Nuevas Tendencias
32 El Rioja y los 5 Sentidos
33 Miscelánea de Festivales
Suplemento
35 - 50 mercAdo de las aRTes EscénicaS de
Zaragoza 2014
Estrenos
52 El elefante ha ocupado la catedral de Juan
Mayorga
53 Largo viaje del día hacia la noche de Eugene
O´Neill
54 - 56 Misceláneas de estrenos
En gira
58 Programaciones de Bizkaia
59 Programación de Donostia
60 Misceláneas de en gira
Zona abierta
72 Mercartes en Valladolid
73 Feria del Libro Teatral de México
74-75 Escaparate
76-81 Crónicas de: Foro sobre comicidad
femenina, Odin 50 años, Umore Azoka, TAC
de Valladolid, FITEI...
el teatro, los teatros, sus contenidos, son competencias impropias de
los ayuntamientos. Y se necesita voluntad para dotarlos de vida, de
proyección, de utilidad práctica cultural democrática.
O sea, menos gestores, más compromiso con la cultura y la crea-ción.
Menos producciones empresariales y más obras de teatro con
ambición cultural. Menos trabas y más soluciones prácticas para que
las artes escénicas se estudien, se creen, se exhiban y se disfruten
por el mayor número posible de públicos. Lo demás son posturas y
gestos vacíos, declaraciones de púlpito. Necesitamos hechos. Actos.
La lamentaciones y los gritos en el más allá. Todos a una.
Resulta ser que este ejemplar está marcado con el número 199;
que en la colección de libros de Textos Teatrales estamos por el 97,
que en la colección de Teoría y Práctica vamos por el número 20, que
en lo que primero fue portal y ahora es periódico digital nos acer-camos
a los cuatro mil quinientos días de emisión. Cifras que se van
redondeando, que nos producen una suerte de vértigo, de saber que
hemos cumplido una misión, no lo tenemos claro, cuál exactamente,
pero que eso significa una entrega, una lucha contra la desidia gene-ral,
un desgaste acumulado que ante estas redondeces dan ganas,
profundas y meditadas ganas, de plantarse. Sí de cerrar ahora que
todavía parece que existimos. Un cierre voluntario antes de la plaga
que puede llegar y convertirnos en zombies.
Pero a pesar de los años transcurridos, de estar, como casi siempre
en los últimos tiempos, sufriendo demasiado cada final de mes para
pagar nóminas, impuestos, proveedores y seguridad social, cuando
hemos reducido casi hasta lo risible nuestra estructura humana, lo
que nos conduce a una mayor vulnerabilidad, a más posibilidades
de errores, hemos decidido seguir con todo lo que podamos asumir
porque la vida teatral, de las artes escénicas iberoamericanas sigue
con mucha vitalidad y nos ha contagiado y además consideramos que
estamos cumpliendo una modestísima función de puesta en conoci-miento
entre unos y otros, y si no hacemos más grande el agujero
económico como lo estamos intentando, si podemos asegurar los
mínimos imprescindibles con la solidaridad de tantos colaboradores,
anunciantes y amigos, vamos a continuar con ARTEZ, con la edito-rial,
con el periódico digital, probablemente ajustando todavía más
la frecuencia, quizás con abandonos circunstanciales de algunos de
nosotros por un tiempo.
Incluso podríamos anunciar algunos proyectos a los que nos va-yamos
incorporando en el campo de los medios de comunicación en
breve. Esto es, por lo tanto, una reflexión circunstancial inspirada
en la falta de coherencia de muchas instituciones, en la manera de
malgastar recursos que advertimos en tantos lugares, por el estan-camiento
en una situación que se enquista y que contagia a todos.
Más que nunca es necesario un cambio. Revisar, reformar, revolucio-nar
todo el sistema por el que se regula o se controla todo lo que se
refiere en las artes escénicas. Nuestra postura es obvia: apostamos
por la excepcionalidad cultural, creemos que se deben reforzar los
valores de la cultura y de las artes escénicas en nuestra sociedad sin
ambages. Con mayor decisión. Y presupuesto.

6. 14 septiembre María-José Ragué-Arias Rondas escénicas
Dos perlas del Grec
6
n el Grec, Ramón Simó se esmeró en conseguir mucho
ruido… y algunas nueces… entre éstas, dos grandes
hits: el espectáculo de Toneelhead y el de Cheek by Jowl:
“Fountainhead” y “Ubu, roi”.
¡”Ubu roi” reconvertido en la alucinación de un grupo de bur-gueses!
Declan Donnellan dio la vuelta a ese precursor del absurdo. Fue
el hijo de Papá Ubu y Mamá Ubu quien contemplará atónito el en-redo
familiar, el potencial de violencia y depravación que surgirá de
esa cena de matrimonios, será él el
narrador de esta extraña historia que
Jarry estrenó en 1896 consagrán-dola
como el primer paso del teatro
del absurdo… suyo será el punto de
vista… Jarry hace una caricatura del
poder y Declan Donnellan lo revierte
haciendo que sea el hijo quien nos
ofrezca la caricatura. En diciembre de
1896, el público que se sentaba en el
Théâtre de l´Oeuvre de Paris oyó la
palabra “Merdre”,… es el inicio de
una fábula sobre la ambición de po-der,
secuela de Macbeth en clave de
teatro del absurdo. Declan Donnellan
ha ambientado Ubu en una elegante
cena burguesa por debajo de la cual
corren instintos primitivos, ambición
de poder, complejo de Edipo… e in-cluso
una gran batidora que parece
destinada a una lobotomía… Ubu
quiere ser la parte más siniestra de
nuestro interior humano, son los ins-tintos
primitivos que la civilización no puede tapar… claro está…
Ubu sigue siendo una sátira sobre el poder. Pero para que nos sub-yugue
tiene que tener esa perfección capaz de ofrecernos Declan
Donnellan con sus actores de habla francesa… Han pasado años
desde que en 1896, la palabra “Merdre”, provocación de Alfred
Jarry (1873 – 1907), revolucionara la platea del teatro. Ahora, Do-nellan
sitúa la acción en esa espera de una familia burguesa a sus
invitados de la cena del sábado noche. Y mientras la familia espe-ra,
a los personajes les coge a menudo un frenesí que descontrola
sus cuerpos… los fragmentos del Ubu roi de Jarry se presentan
sincopadamente. Y todos los utensilios de la cocina burguesa se
transforman en herramientas… Es un sin fin de guiños del absurdo
con precisión absoluta para llevarnos hasta un final que si bien se
prolonga demasiado, culmina totalmente el espectáculo.
Fountain-head”
¿Era este espectáculo la vedette del Grec 2014 o era “?
Mi apuesta era por el Toneelgroep de Amsterdam, dirigido por
Ivo van Hove, por “Fountainhead” (1943) especáculo basado en
la novela de Ayn Rand (1905-1982) que con enorme compleji-dad
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e inteligencia nos plantea una arquitectura humana, lejos del
vedetismo de los arquitectos, con una filosofía de la autora que
defiende la razón y el compromiso social. En su día, la obra fue
leída por las elites del poder económico,… Ivo van Hove se in-teresó
por el texto, por sus ideas… Y en su espectáculo, parece
apostar por el dilema y la contradicción. Sobre el escenario vemos
un cuento faústico, con arrogancia, delirio, masoquismo, patetis-mo,
incoherencia, psicopatologías, sociopatías… La dirección del
espectáculo lo lleva a la transversalidad de las artes… Todo es
de una belleza pura y deslumbran-te,
todo es arte total. Una especie
de gran loft acoge una tras otra las
escenas que unen talleres de arqui-tectos,
áticos de rascacielos, escenas
de cama, y todo interactúa para unir
fragmentos, danza, dibujos, bocetos,
material fílmico… que muestran la
arquitectura de Wright, Kahn, la del
Partenon…, todo es como un gran
workshop teatral, una obra de arte
total, videoarte, enorme pantalla con
proyecciones pero también artículos
de periódico que nos conectan con
realidades contemporáneas al espec-táculo
de obras capitales de la arqui-tectura
de las últimas décadas,… Y
la música, en un ambiente sonoro
de órgano, percusión, instrumentos
electrónicos, minimalismo musical
nos lleva a la vanguardia de los años
20… a grandes explosiones, al sexo
violento… Lo básico del tema o del
argumento: dos arquitecturas enfrentadas, un arquitecto íntegro
, otro pactista, más el contrapunto del magnate de la prensa, y
todos asediando a un mujer bella e histérica, fría y sadomasoquista
que pasa del uno al otro. Dos arquitecturas se enfrentan, Roark es
genial, idealista y egoista, un artista íntegro. Para Keating el mundo
se divide entre genios y parásitos, creadores y subordinados, elite
y chusma… Roark afirma cosas como “las formas de la tierra no
me gustan, quiero cambiarlas” o anuncia “viene una nueva era”…
Mientras, Keating está dispuesto a pactar, a obedecer, a convivir.
Es la división de los humanos que nos muestra la novela de Rand;
en el mundo hay genios y parásitos, creadores y subordinados. Y
éstos no dejan progresar a los primeros, un discurso plenamente
actual… Keating vende su integridad, Dominique vende su cuerpo,
Roark es un renacentista a quien no le importa el dinero… capri-choso
y ególatra, es uno de esos aquitectos “estrella” en el polo
opuesto de las arquitecturas subvensivas o marginales que de un
modo brillante y barroco, el espectáculo defiende. Y si esto es lo
que se nos ofrece durante casi cuatro horas de espectáculo…
¿qué más podemos querer?
E

7. septiembre 14
7
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Desde la caverna David Ladra
El arte del teatro
a temporada del Teatro Real se cerró este año con las
representaciones de la ópera Los cuentos de Hoffmann
de Jacques Offenbach, puesta en escena por Christoph
Marthaler y con Anna Viebrock, su colaboradora habitual, como es-cenógrafa
y figurinista. Ésta tuvo la genial idea de situar la obra en
un espacio que figuraba la cafetería del Círculo de Bellas Artes de
Madrid, aglutinando en él otros elementos decorativos de la misma
entidad como lo son su mobiliario modernista, el estrado en el que
posan las modelos durante las clases de dibujo o esa estatua ya-cente
de una mujer desnuda que descansa, tumbada en una roca,
a los pies de los consumidores del bar. Contemplar cómo Hoffmann,
paradigma del poeta romántico, nos narra sus frustrados y apasio-nados
amores con las tres mujeres con que sueña –la mecánica
Olympia, la Antonia que sacrifica su vida por el arte y la casquivana
Giulietta– en un ambiente tan frío y tan modern style como el plas-mado
aquí por la Viebrock no solo aporta su granito de arena a
la tarea de deconstrucción de la ópera que se propone el director
suizo sino que brinda al público una experiencia estética que se
puede calificar de fascinante. Así, el final del primer acto que sirve de
prólogo a la obra se convierte en una exhibición del por qué se dice
de este arte que es el compendio de todas las demás: mientras la
Musa y Hoffmann (Anne Sofie von Otter y Eric Cutler) cantan y actúan
ensimismados, un cuerpo de ballet danza sincopadamente como si
lo inspirase Béjart, los performers y los figurantes se mueven a la
misma cadencia y se van alternando las modelos, sin ropa, sobre
la plataforma de posar. Todo ello al ritmo de la música pergeñada
por Offenbach y soberbiamente dirigida e interpretada por Sylvain
Cambreling y la Orquesta y Coros del Real. Se crea así, en definitiva,
uno de esos momentos que el espectador no olvidará jamás: las
esferas celestes movidas por Marthaler parecen girar todas a la vez
generando una melodía que nos lleva a acceder a lo que de bello y
de sublime tiene el Arte.
Viene lo anterior a colación sobre todo por dos razones. La prime-ra
es rendir homenaje a un creativo visionario, Gérard Mortier, que
durante los escasos años que, hasta su muerte y pese a muchos,
permaneció en la dirección artística del Real acordó a la parte escé-nica
de la ópera igual de atención que a la musical. Con él, hemos te-nido
la ocasión de ver a los mejores directores de la escena mundial
de este momento, desde el montaje del ya fallecido Klaus Michael
Grüber con el que hizo su presentación a este Marthaler póstumo
del que acabamos de hablar, pasando por Dmitri Tcherniakov, Peter
Sellars, Ivo van Hove, Krzysztof Warlikowski, Michael Haneke o Ro-bert
Wilson. Y la segunda razón es recordarnos, en el momento de
confusión actual en que todo se hace mercancía, que además de un
producto cultural el teatro también puede ser arte.
Hora es ya pues de abandonar los encumbrados coliseos en los
que, a golpe de sabrosos subsidios del Estado y aportaciones de
empresas y mecenas, se le brinda la ópera a la clase pudiente para
sumergirnos de una vez en esa enrevesada urdimbre de grandes
escenarios, pequeñas salas y mugrientos chiscones en los que se
produce actualmente el teatro de la ciudad. Malqueridos o repu-diados
por la Administración los centros dramáticos oficiales; clau-surados,
mal arrendados o a punto de ser enajenados los de los
municipios (cuando no elegidos arteramente sus directores por el
método de las ternas franquistas como ha ocurrido en el de Ma-drid);
y abandonado todo el resto a su suerte, no queda más que
un solo camino que tomar al desaparecer la subvención: privatizar y
abrirse al mercado. Pero el mercado no es la aldea apacible que nos
anunciaba Adam Smith sino un nido de víboras en el que es obligado
competir si se quiere sacar provecho. Claro que ahí está esa mano
invisible que, en siendo productivo, todo lo regula y normaliza hasta
convertirlo en algo igual, indistinto, homologado para consumir y
ser objeto de comercio.
En ésas está el llamado teatro alternativo: a la venta, enseñando
las partes y contoneándose sobre la tarima de subastas por ver si
un público insensato lo quiere comprar. Verdad es que no lo tiene
fácil: el modelo que le ponen enfrente no es otro que el del teatro
comercial, un entramado viejo que lleva años hundiéndose y no da
para más. Como fue en sus inicios, hay que buscar una tercera vía
que le permita subsistir entre los restos del naufragio. Pero hay que
comer todos los días y aunque uno reviente de talento amoldarse
a los gustos de la audiencia que va a la sala a entretenerse, echar
unas risas o moquear un poco, y pasárselo bien. ¿Y qué hay de malo
en ello? Así es el oficio. Y no es oficio lo que falta a nuestra gente de
teatro, que lo desperdicia a manos llenas: dramaturgos que escri-ben
sainetes costumbristas llenos de mala baba y segunda intención
para que el respetable se tronche a carcajadas; autores que se
entregan al drama realista o al libelo social removiendo conciencias
y haciéndonos, por no prender un cóctel molotov, echarnos a llorar;
comediógrafos finos que adoptan posturas más irónicas y nos invi-tan
a la reflexión; e incluso algún osado que investiga y expone sus
hallazgos en forma de teatro experimental.
Pero, ¿de qué sirve esfuerzo tan titánico si todo lo anterior es
triturado, hervido y machacado en esa olla a presión que es el mer-cado?
Total, ¿para sacar dos duros –si es que se han de sacar– y
dejarse la vida corriendo los caminos de un bolo a otro? ¿O para
convertirte en un intermitente que hace de secundario en el cine,
rueda una serie en televisión, locuta un anuncio en la radio o, ¡el
no va más!, se cuela en un reparto del CDN? Habrá que decir aquí
que por qué no, que ésa ha sido la carrera de mucha gente y que
algunos incluso han llegado a triunfar y vivir una vida decente y
regalada. Algunos, no los más.
¡Y llevarán razón! Al arte que le den por… si no hay condiciones
para llevarlo a cabo ni, como sucede en otros países, una estructura
institucional que lo sostenga, una red de teatros estables donde
actuar, unas escuelas que no sean conservatorios, oportunidades
para empezar a trabajar sin tener que poner dinero y, lo más im-portante,
compañías, grupos que se mantengan en el tiempo y se
vayan consolidando con él. Para corregir la situación y darle una
oportunidad a la ambición artística hacen falta tres cosas, señor
Wert: ganas, conocimientos y un poco de dinero. Si no, mejor seguir
desmantelando como ahora.
L

10. 14 septiembre www. a r t e z b l a i . c o m
10
Escaparate urbano
multidisciplinar
La ira de los peces
Del 11 al 14 de septiembre la localidad catalana de Tàrrega experimenta una gran
metamorfosis, convirtiéndose en uno de los mayores escaparates de la creación
escénica que atrae un espectro de espectadores muy amplio, tal y como señala su
director artístico, Jordi Durán.
”
Esta 34 edición se presenta como una plataforma donde se
entienden las artes de calle como un espacio multidisciplinar,
mostrándolo como un catálogo de experiencias para todos
aquellos que quieran dejarse sorprender.
“
80 compañíasm conforman esta edición de las que 51 son parte de la progra-mación
ofi cial en la que se incluye la subsección ‘Plataforma’, así como los nuevos
apartados ‘Urban Nation’ y ‘Ondara park’. Las 29 restantes corresponden al progra-ma
empresa que se desarrolla en los espacios gestionados por ADGAE, 23 Arts y La
maleta dels espectacles, sin contar con todo lo previsto dentro de las actividades
paralelas. Treinta y siete agrupaciones son catalanas, 22 del resto del Estado espa-ñol
y 12 del ámbito internacional llegas de Eslovaquia, República Checa, Hungría y
Polonia además de los miembros de ‘ Focus Visegrad’.
Por primera vez, en sus 34 años, FiraTàrrega se inaugura con una producción
propia, dirigida por el chileno Ignacio Achurra, director artístico de la compañía La
Patriótico Interesante y uno de los creadores latinos con mayor proyección inter-nacional.
La ira de los peces, espectáculo con música en vivo, se plantea como un
canto a la diversidad cultural y a la resistencia de los pueblos, naciones y culturas

11. septiembre 14
11
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del mundo amenazadas que luchan
por sobrevivir.
FiraTàrrega lleva años contribuyen-do
a las artes escénicas como esca-parate
y como coproductor gracias
al programa ‘Apoyo a la creación’,
iniciativa que busca incitar la exce-lencia
en el ámbito de la creación en
el espacio público posibilitando que
en la presente edición se muestren
un total de once coproducciones fruto
de la colaboración del equipo de la
Fira con artistas con trabajos marcada-mente
personales y comprometidos,
espectáculos que se podrán conocer
en la sección ‘Plataforma’.
Somos da nombre a la experiencia
escénica interdisciplinar de Amantis
con la entidad local Associació Alba
de Tàrrega, que trabaja para mejorar la
calidad de vida de las personas con dis-capacidad
psíquica, física y mental. El
movimiento, la acción y la imagen son
los hilos conductores que acompañan
la historia que se genera in situ. Por su
parte, Animal religion, quien marcó un
precedente con su propuesta anterior,,
‘Indomador’ que obtuvo muy buena
acogida en la pasada edición de la Fira,
dará a conocer Chicken Legz, una ex-periencia
única de circo y movimiento
que tiene lugar en una granja, veremos
a los animales vibrar, volar y bailar en
combinación con la música electrónica.
Los también catalanes Foradelugar
presentarán El Rey Gaspar inspirado
en el libro homónimo de Gabriel Janer
Manila, un espectáculo que explica la
historia de un luchador que aspira a
una vida mejor para él y su familia.
Cuatro poderosos extravagantes y sin
escrúpulos que se reúnen en secreto
en una mansión para controlar el mun-do
son los protagonistas de la alocada
propuesta C.O.C.A. de la Compañía
Chicken Legz de Animal religion
La Pulpe. Constructivo de Fundación
Collado-Van Hoestenberghe y Piero
Steiner es un manifi esto en el que dos
paletas ilustrados invitan al público a
repensar algunas cuestiones universa-les
mientras buscan respuestas al vacío
ético que nos rodea, con la ayuda de
su humor delirante y una humanidad
desbordante. Kamchàtka plantea su
trabajo Fugit como una precuela que se
ubica en el inicio de la trilogía inte-grada
por Kamchàtka y Habitaculum;
una aventura donde la geografía de la
ciudad se convierte en un laberinto de
experiencias.
La supervivencia de las luciérnagas
de LAminimAL con dramaturgia de Da-niela
De Vecchi a partir del texto breve
‘Legión’ de Juan Mayorga se inspirada
en los últimos escritos de Pasolini, un
ejercicio que invita a conocer diferen-tes
perspectivas de una misma historia.
La propuesta multidisciplinar de la
compañía catalana Obskené y la mexi-cana
Teatro Ojo, Gran rifa d´un fabulós
viatge a Mèxic propone una refl exión
sobre el exilio que, partiendo de un via-je
imaginario, permite a los participan-tes
entrar en el sorteo de un viaje para
una persona a México que recreará la
ruta de los exiliados de la Guerra Civil,
de Veracruz a México DF.
Otra agrupación mexicana, la Compa-ñía
de Teatro de Calle Monterrey, ofre-cerá
una coproducción internacional
con el sello artístico de Los Galindos
que presenta Ti-Tlan (lugar entre) un
espectáculo itinerante y multidisci-plinar
que trata sobre la imposición y
la violencia. Por último, los húngaros
Stereo Akt con el site specifi c Close
encounters of the Different kind, que
trata sobre la distancia, la seguridad
y la familiaridad y que involucra a un
colectivo de inmigrantes locales.

12. 14 septiembre www. a r t e z b l a i . c o m
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URBAN NATION.- Danza urbana, para las noches de la
Plaça de les Nacions con tres horas intensas de la mejor
danza hip hop del momento. La agrupación Brodas Bros
presenta varias propuestas, por un aldo Solo2 de la mano
de los hermanos Pol y Lluc Fruitós, un
trabajo coreográfico mixto que utiliza
las técnicas diversas como el
popping, el locking, el break
y la danza contemporánea.
Asimismo, pondrán en
escena Raindú con-tando
en directo
con el músico
Jean Philippe Barrios y las
hermanas Berta y Clara Pons.
Los aragoneses Circle of Trust
también particiaparán en esta sección
con Motus, pieza de breakdance y circo
para seis bailarines dirigida por Jordi
Vilaseca, una propuesta que reflexiona sobre
el esfuerzo, la superación y la colaboración
para conseguir sueños. La programación especial
de Urban Nation se completa con dos propuestas
más, por un lado con la intervención del DJ Save
the Cheerleader, proyecto integrado por dos jóvenes
artistas de Barcelona, Will Fly (Willy Barleycom) y Su-pernails
(Nil Fruitós), y por otro Sinestesia del joven grupo
extremeño Iron Skulls co, pieza que transporta al público,
desde la emociones y los sentidos, a un mundo postapo-calíptico
donde sus habitantes se expresan a través de las
acrobacias y la danza.
ONDARA PARK.- Agrupa los espectáculos de carácter
más lúdico y festivo y se .desarrollará en tres espacios es-pecíficos:
la Fassina, el carrer Migdia y el Parc del Reguer.
Entre los principales protagonistas se encuentran La Troba
Kungu-fú, agrupación liderada por Joan Garriga que nace
de tres reivindicaciones esenciales: la trova como actitud
para componer canciones a la manera de los antiguos
trovadores, buscando la inspiración de la vida cotidiana,
el kung-fú como disciplina para llegar a la perfección y la
rumba catalana. Guillem Albà & The All In Orchestra pre-sentarán
Marabunta, espectáculo de clown enérgico con
música en directo con canciones propias, gags absurdos y
cabaret. Otra propuesta clown será la que propondrá JAM
en El Mêtre, dirigida a todos los públicos. Volviendo con
la música, Sidral Brass Band que presentan la propuesta
itinerante Red red wine o la pieza que conjuga música y
danza Patinem-nos el món!!! de Dr Batonga! (Colectivo
Cautivo dj set), proyecto que recupera el concepto de
las míticas roller-disco de los años
setenta. Efimer por su parte dará a
conocer su más reciente crea-ción,
Traps, donde tres dragones
gigantes de más de 4 metros
de longitud, confeccionados con
miles de recortes de tela, ocupan las
calles mientras interactúan
con los paseantes. Wet
Picnic, compañía que se
inspira en la vida cotidiana
y se deleita en el absurdo
y en la excentricidad para
crear espectáculos, también
estará presente con The Lift al igual que Laïtrum con la
instalación Micro-shakespeare, trabajo que cuenta con la
producción del Royal National Theatre de Londres en el
que condensan en 5 piezas de seis minutos cada una la
obra de Shakespeare.
Motus de Circle of Trust

13. septiembre 14
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y transnacional”.
“ ”
sección oficial Jordi Durán: “es una apuesta
por la creación de autor, com-prometida
SALA.-La programación de FiraTàrrega 2014 se fundamenta sobre dos líneas de
acción, artes de calle, la disciplina mayoritaria y artes de movimiento y creación
contemporánea en la programación de sala. En este último apartado se incluyen
algo más de una decena de propuestas que se llevarán a cabo en los diversos
espacios habilitados en el Polideportivo Municipal, el Teatre Ateneu así como en
el Museu Comarcal de l´ Urgell y el Espai Saint Josep. Se podrán ver, Una casa de
Asia de Agrupación Señor Serrano, un retrato pop de carácter multidisciplinar de la
década que siguió al 11-S y dejó paso al siglo XXI. Arsènic Creació presenta La nit
just abans dels boscos, un montaje intimista en el que su protagonista habla de su
universo, un suburbio donde todo está oscuro. La obra se escenifi cará en el foyer
del Teatre Ateneu. Los eslovacos Jaro Vinarsky llevarán a escena Animalinside
espectáculo de danza para dos bailarines planteado como una serie de imágenes
poéticas, partiendo de la animalidad inherente al ser humano. La adpatación de
los solos de Claire Ducreux ‘La sonrisa del naúfrago’ y ‘Barco de Arena’ que se
Potted de La Trócola
recoge en este trabajo denominado Réfugiée poéthique; África del coreógrafo,
bailarín, actor y director argentino Luis Biasotto, un montaje entre la performance,
el teatro y la danza que gira entorno a 5 cuestiones organizadas en una estructura
circular con saltos temporales; Me va gustando de Marco Vargas & Chloé Brûlé,
donde los artistas se mueven en busca de los límites del flamenco a través de la
palabra, la música y el baile. Dos compañías de la República Checa, Vertedance
& Jirí Havelka & Clarinet Factory con Correction sobre la libertad y la falta de ella
y Sergean Tejnorová & The Commando con Edge producción multidisciplinar que
afronta temas relacionados con el envejecimiento, los cambios en la sexualidad
o la percepción de la propia vida. Además, La velocidad del zoom del horizonte
de los mexicanos Compañía Teatro de Arena, un espectáculo de ciencia-fi cción
construido desde la simplicidad escénica, repleto de diálogos que conducen a con-clusiones
paradójicas sobre el conocimiento y la condición humana. Titzina Teatre
con Distancia siete minutos, con la que hablan de personas que buscan resolver
confl ictos con otras personas y la compañía madrileña Darft.inn con Los nadadores
nocturnos, montaje que retrata un mundo enfermo y fragmentado que no deja
espacio a la inocencia completan las propuestas de interior.

15. septiembre 14
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15
EN LA CALLE.- Los espacios en el exterior acogerán las
propuestas circenses de La Trócola, que presentará Potted,
proyecto que conjuga diversas disciplinas circenses, partien-do
de la premisa de la innovación artística, cargada de gran
impacto visual y creando una comunicación directa con el
espectador. Un trabajo basado en la investigación del espacio,
de los objetos, las estructuras y el ritmo.
El colectivo compuesto por cuatro jóvenes artistas de diversas
nacionalidades afi ncados en Bélgica, 15feet6, especializados
en acrobacias con la barra rusa, el mástil chino, la báscula co-reana
y los saltos aéreos, proponen en Dynamite & Poetry una
performance de calle explosiva donde la técnica y el riesgo se
mezclan con el humor y la poesía.
La tercera propuesta de circo viene de la mano de Manolo
Alcántara y su último trabajo, Rudo, un homenaje al mundo
arriesgado, rudo y efímero del circo clásico. Dentro de un
espacio circular acotado a un aforo limitado, se da paso a un
espectáculo íntimo y próximo, aliñado con un acompañamien-to
musical y donde el público experimenta el riesgo de sentir
el límite de los movimientos.
La compañía polaca Teatr KTO escenifi cará The Blind
espectáculo multidisciplinar de gran intensidad física que
constituye una parábola sobre la decadencia de la civilización,
adaptación de calle en gran formato de la novela ‘Ensayo
sobre la ceguera’ de José Saramago.
Les Filles Föllen amb Barbara Wysonczanska pondrá en
escena la pieza de danza Thank you for dancing. Con un
trasfondo muy lúdico, sus intérpretes buscan la participación
del público y como un videojuego en vivo, los espectadores
dirigen una secuencia narrativa de los acontecimientos prota-gonizados
por cuatro bailarines y un músico.
Continuando con las propuestas de danza cabe destacar
Traveling de Catalina Carrasco

16. 16
las piezas que presentan dos compañías baleares, Catalina
Carrasco con la performance Travelling en la que se unen
la danza y la tecnología interactiva. La bailarina/performer
lleva incorporado un acelerómetro 3D inalámbrico y las
señales registradas son procesadas a tiempo real para ge-nerar,
modular y lanzar los sonidos que conforman la banda
sonora. La Companya Maria Antònia Oliver llevará a escena
Malmenats donde cuatro bailarines exploran el movimiento
rudo, sucio e impreciso de este ir y venir, intentando mostrar
este movimiento de forma limpia, desprovista de cualquier
aditamento superfl uo y con cierta crudeza. Col lectiu Big
Bouncer por su parte mostrará una pieza que comparte el
mismo nombre que la compañía, de carácter contemporánea,
planteada como una performance centrada en el movimien-to
y la palabra, establecie un diálogo lúdico con el público a
partir de la improvisación.
Navegando entre el teatro y la danza se encuentra Yi-Ha de
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Los Moñekos, donde sus integrantes abren un camino polvo-riento
hacia el lejano y salvaje Oeste, al tiempo que Sit Back
de los británicos Moxie Brawl, es una propuesta inspirada en
el papel de la fuerza de trabajo y en la camaradería femeni-na
en la década de los 40, y en especial durante la Segunda
Gerra Mundial. Monòlit de Nats Nus Dansa está dirigida al pú-blico
adulto; un solo dirigido e interpretado por Toni Mira que
pretende compartir con el público un momento de poesía,
magia, juego, ironía, imaginación y ritmo.
La programación ofi cial se completa con varias propuestas
teatrales tales como Fuenteovejuna. Breve tratado sobre
las ovejas domésticas de Companya Obskené, adaptación
contemporánea y de calle del clásico de Lope de Vega; La
guillotina de Bohemia´s una propuesta a caballo entre la
metáfora, la instalación y la performance, ideada por el
credor y escenógrafo Pericot, así como Los Rodríguez: una
familia en crisis de los madrileños La Rueda Teatro Social,
donde desarrollan un montaje de teatro participativo que
ofrece a los espectadores la posibilidad de intervenir en el
transcurso de la historia para modifi car su desenlace. Sin
olvidarnos de Despistats que ofrecerán Toti Toronell y Pepa
Plana, donde un payaso y una payasa explican, cada uno a
su manera, lo que serán dos visiones complementarias de la
vida, dos caras de la misma moneda.
EUSKAL TEATROA.- En la sección ofi cial de FiraTàrrega
se podrá disfrutar de dos propuestas de compañías vascas.
Kukai se acercará para presentar su último montaje, Gela-jauziak
, obra que se conforma dentro de las colaboraciones
que la compañía viene realizando desde hace años con
diversos artistas. Para este nuevo trabajo han contado con
el coreógrafo catalán Cesc Gelabert uniendo por primera
vez sus fuerzas para ofrecer una nueva mirada de la danza
tradicional. Markeliñe, por su parte, en Andante... propone
un espectáculo de calle itinerante en el que a partir de una
colección de zapatos, desgrana las pequeñas grandes histo-rias
de distintos personajes, sus motivaciones, sus confl ic-tos.
Una narración poética que habla sobre los desplaza-dos,
sobre los que por uno u otro motivo se ven obligados a
abandonar su hogar.
Yi-Ha de Los Moñekos
14 septiembre

17. 17
programa
empresa
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La programación de FiraTàrrega 2014 se complementa con
la presencia compañías que actuarán en tres espacios deno-minados
‘Programa empresa’ que son gestionados, cada uno
de ellos, por entidades independientes a la organización
de la Fira que además de ofrecer una programación propia
tienen en común que incluyen una área de ocio dentro del
recinto destinado a la restauración, para que el público ten-gan
la opción de tomarse algo o incluso comer y cenar.
El espacio ADGAE, ubicado en las instalaciones del
Instituto de Enseñanza Secundaria Manuel de Pedrolo,
contará con una programación que se completa con una
selección de sus mejores propuestas infantiles de artes
de calle y animación entre los que se encuentra Cas-canueces
de Teatro del Temple, un montaje visual para
público familiar de teatro, danza y títeres en el que su
puesta en escena de respuesta al mundo de cuento que
sugiere el texto. Propiamente como propuestas para pú-blico
infantil también están previstas los secretos de Mr
Stomboli de EQM Serveis Culturals, La aventura de Tarik
y Sarah de Nacho Vilar Producciones o Petits Princeps de
MiniMusic, propeustas que invitan a volar la imaginación.
Outsizers llevarán a escena la pieza de danza Emotion, Ci-vic
Civiac el montaje de clown y magia Magic casting y El
Gran Zampanó y Xa! Teatre la circense Cacos. El programa
se completa con Desconcierto de Melomans espectáculo
fusión de teatro, humor gestual y humor, y el Taller am-bulante
de inventos al instante de Click Clowns.
En el parking de la Estación de Renfe de Tàrrega se
ubica el conocido como Espai 23 Arts, gestionada por
la agencia veterana especializada en artes de calle que
este año contará con nueve propuestas de diversa índole
desde clown, circo, humor musical, fanfarria o una inter-vención
mural de manos del fotógrafo especializado en
artes escénicas Gerardo Sanz denominado Escoba y cola,
una acción callejera, participativa y festiva en la que el
público es el encargado de diseñar y realizar el montaje
de una exposición fotográfica en un espacio público.
Por último en el espacio de La maleta dels especta-cles,
que un año más se situará en la Escuela de Artes
de Ondara, se espera la participación de diez compañías
tales como Elegants, Antonella D´Ascenzi, La Manofac-toria,
Ne Me titere Pas, Dudu & Cia., Camilo Clown, Loco
Brusca, Produccions Essencials, Las Polis o Les Dessous
de Barbara.
Cascanueces del Teatro del Temple
septiembre 14

18. 14 septiembre V18
XXVIII Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca
Encuentro y exhibición de
otras propuestas escénicas
Huesca es la mejor plataforma para descubrir otras propuestas
contemporánras y fronterizas entre teatro/danza/circo
uelve una nueva edición de la Fe-ria
Internacional de Teatro y Dan-za
de Huesca, este año la número
28 que se celebrará del 29 de
septiembre al 2 de octubre con una cui-dada
programación de aproximadamente
30 espectáculos aunque al cierre de esta
edición la comisión organizadora se en-cuentra
en pleno proceso de selección y
solamente se han confirmado la mitad de
las propuestas a exhibir.
Conocida en el sector como “la feria
de Huesca”, esta cita anual con las ar-tes
escénicas “no es un festival de nue-vos
lenguajes, o de nuevas tendencias,
si ambas cosas existieran y si (alguien)
fuera capaz de encerrarlas en la cajita de
las definiciones” señala su director, Jesús
Arbués, “Huesca es una plataforma, un
lugar donde (intentar) demostrar y mos-trar
al programador medio, a los respon-sables
de las redes de este país, que
existen “otras propuestas”, más allá de
los caminos trillados, más allá de los nom-bres
famosos, hay otro teatro y (siempre
en la cola) otra danza contemporánea,
propuestas contemporáneas y fronteri-zas
(teatro/circo/danza) propuestas que
(a pesar de todo) si se les da visibilidad
consiguen emocionar al público”, aclara
Arbués y añade que “necesitamos al pú-blico,
público de una ciudad media, públi-co
como el de su casa, necesitamos que
muestre que la cosa funciona, que en los
teatros de este país con tiempo (y una
caña) puede establecerse un repertorio,
para la gente que va al teatro a algo más
que a hacer hora antes de la cena”.
Por todo esto la feria presenta una pro-gramación
“escogida con cuidado, con
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mimo” indica Arbués para añadir que “te-nemos
buenas infraestructuras, podemos
asumir el medio, el gran formato pero tam-bién
lo mínimo, lo pequeño. Eso es Hues-ca,
un muestrario, pequeño pero cuidado,
un sitio donde ver danza cómodamente en
escenarios donde se puede bailar. Inten-tamos
traer las novedades, los estrenos,
las cosas que inician su vuelo, las cosas
que no se han visto todavía”.
Lo que Es y no es
Para comprender más si cabe el idea-rio
de esta feria Arbués lo explica de
forma muy clara: “Huesca no es la Fe-ria
más grande, tiene un tamaño donde
todo puede verse; Huesca no es la Feria
con más espacios de exhibición pero sus
espacios son óptimos técnicamente para
ver y para hacer; Huesca no es la Fe-ria
con más programadores pero es la
única que comienza su programación por
la tarde dejando el día para la actividad
profesional. Huesca es la feria donde los
espacios de exhibición están más cer-ca,
donde más se apuesta por la danza
contemporánea, Huesca no es una Feria
local aunque no olvida a la industria de
la comunidad, Huesca plantea siempre
que la mitad más uno de sus propuestas
sean nacionales (de fuera de la comu-nidad).
Huesca busca su espacio siendo
diferente”.
De las propuestas confirmadas al cierre
de esta edición destacan los espectáculos

19. septiembre 14
19
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de danza tales como Hooked de Lasa-la,
una pieza en la que su directora,
coreógrafa e intérprete Judith Argomaniz
junto a Jaiotz Osa reflejan la necesidad
constante del ser humano en tener una
vinculación afectiva con otro ser humano
y los efectos que conlleva. Todo ello a
través de un lenguaje coreográfico que
investiga sobre el apego y la dependen-cia
emocional al que estamos expuestos
en las relaciones afectivas reflejado en
tres escenas claramente diferenciadas
por factores como la música, el tipo
de movimiento y los diferentes estados
de ánimo. Desde Euskadi llega también
Victoria P. Miranda con la danza contem-poránea
como lenguaje en su pieza And
that´s why I´m here today. El “contact”
es la piedra angular de la Compañía Sha-ron
Fridman, “es una filosofía existencial
que implica una consciente relación no
sólo con el otro sino con la materia y los
elementos” explican desde la compañía y
así se manifiesta en su última creación,
Caída Libre en la que explora la supervi-vencia,
rasgo esencial de la naturaleza
humana, y más concretamente la cues-tión
vertical pues levantarse tras caer
constituye un ciclo infinito que se repro-duce
cada día. Además es necesaria la
unión para sobrevivir.
En otro registro de danza, la propuesta
de la Compañía Miguel Ángel Berna, Me-diterráneo
, con coreografía y dirección
del propio Berna en la que seis bailari-nes
ofrecen un espectáculo impregnado
de aires del mar Mediterráneo, creado a
partir de un trabajo de investigación so-bre
los orígenes de algunas tradiciones
desarrolladas en esta zona y profundi-zando
en el origen y evolución del baile
de la jota. Chevy Muraday es el coreógrafo
y director de Losdedae compañía creada
en 1997 que presenta En el desierto, un
propuesta de danza y teatro con textos
de Guillem Clúa y Pablo Messiez que pone
sobre el escenario a un elenco formado
por bailarines y actores para interpretar
a siete personajes que escapan hacia un
lugar incierto; huyen porque han sido
expulsados de su lugar de origen; la sen-sación
de exterminio y persecución les
acecha constantemente, necesitan resis-tir,
crear, aguantar, no transigir, descubrir
que sosteniéndose los unos a los otros
evitarán desaparecer.
Visiones de Shakespeare
Una particular versión de El sueño de
una noche de verano de William Shakes-peare
desde la visión de Víctor Jiménez,
director de LaMov cía de Danza o Much
ado about nothing (Mucho ruido y pocas
nueces) de David Espinosa en la que su
creador, director e intérprete se pregun-ta
cuestiones como “¿por qué se siguen
montando los clásicos?, ¿para arrancar
Otelo de la Compañía Viajeinmóvil ©Rafael Arenas

20. 14 septiembre con garantías de éxito?, ¿por
20
qué preferimos recordar el pa-sado
en vez de analizar el pre-sente
o mirar hacia el futuro?,
¿por qué no me interesan a mí
esos textos?, ¿una pose snob?,
¿qué haría yo si me enfrentara
a uno de esos autores?, ¿y al
más grande de todos?” Éstas
son algunas a las que intentará
dar respuesta con este trabajo.
Otro Shakespeare, Otelo en
versión de Teresita Iacobelli,
Christián Ortega y Jaime Lorca
de la chilena Compañía Viajein-móvil
con el feminicidio como
tema principal. Para los miem-bros
de la compañía esta univer-sal
obra no habla de los celos,
“el asesinato de Desdémona no
se puede suavizar elevando el
crimen a una dimensión román-tica:
la misma disculpa se puede
apreciar en la mayoría de los
diarios sensacionalistas de nuestra época,
pero la verdad es que cuando un hombre
mata a una mujer, es para ejercer poder so-bre
ella”. A partir de esta idea ofrecen una
mirada al clásico a través de un montaje
que mezcla seres humanos y marionetas,
realidad con fantasía, el humor, lo antiguo y
lo contemporáneo.
Un personaje shakesperiano, un bufón,
es el protagonista de la obra de Calei-doscopio
Teatro, El abrigo de Yorick... y
la Musa de Fuego espectáculo de mario-netas
para público familiar creado por
Roberto Barra y dirigido por Azucena
Gimeno. Los objetos también toman vida
en Lover, un espectáculo de teatro de
objetos de Marta Marco y Andrés Be-ladiez
dirigido al público adulto con un
tema universal, el amor y su otra cara,
el desamor, porque ¿quién no ha desea-do
con todas su fuerzas dejar de amar?,
¿qué sucede en nuestras cabezas mien-tras
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Constelaciones de Kendosan Producciones
tanto?, ¿y en el corazón?
Confesiones a Alá es un monólogo in-terpretado
por María Hervás que narra,
en primera persona la historia de Jbara
una joven marroquí. Esta obra de Nada
en la Nevera es un testimonio sobre
la opresión de las mujeres, una fábula
construida a par tir de la desesperación
y la miseria que le ha tocado vivir a una
mujer, a muchas mujeres, es la confe-sión
de una joven a un único confidente,
Alá. Fran Calvo e Inma Cuevas por su
par te ponen sobre las tablas la historia
de Marianne y Roland los protagonis-tas
de Constelaciones una obra sobre
la amistad y mucho más que presenta
Kendosan Producciones.
Tranvía Teatro, compañía titular y re-sidente
de Teatro de la Estación de Za-ragoza
se acerca a Huesca con un texto
de Enzo Cormann dirigido por Cristina
Yáñez e interpretado por Mariano Anós
y Miguel Pardo, Sigue la tormen-ta
, un espectáculo metateatral que
habla de las grandes preguntas de
la sociedad de hoy planteadas bajo
dramáticos hechos históricos de la
II Guerra Mundial. Y dos son tam-bién
los personajes de Cuplés, dos
anfitrionas que acompañadas por
un pianista proponen un viaje por
los cuplés de los años 20 y 30, son
Las Sicalípticas que a través de las
canciones de la época harán can-tar,
bailar y corear al público.
Son varias las propuestas que
tienen el circo y sus diversas y va-riadas
posibilidades como lenguaje
principal. Es el caso de Atempo
Circ que tras una investigación
circo-musical ha creado Invisibles,
un espectáculo que combina circo,
teatro físico y música en directo
para hablar sobre la relación entre
dos personajes en un espacio que
ha cambiado y que puede volver a
cambiar. El mástil chino es el compañero
de viaje de Amanda Righetti que en Els
ofrece como ella misma expresa “ins-tantes
de fragilidad sobre una técnica
acrobática demasiado rígida”.
Las propuestas circenses se comple-tan
con Attached y Cubo de la sueca
Magmanus Company y la italiana Betti
Combo respectivamente. Ambas compa-ñías
actuarán en la feria en colabora-ción
con ‘Autopistas: Circus Dissemina-tion’,
proyecto internacional que tiene
como objetivo establecer y consolidar
las redes de circulación de espectáculos
de circo en Europa y América del Nor te
y potenciar el trabajo de colaboración
y cooperación entre los programado-res.
Este proyecto está coordinado por
La Grainerie y los socios son Subtopia
(Estocolmo), La Tohu (Montreal) y el
Instituto Ramon Llull (Cataluña) con la
colaboración de la APCC.
La Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca sigue apostando por su zona de mercado con los stands y workpoints que
un año más serán el lugar de encuentro de todos las partes del sector de las artes escénicas. Además será el lugar para la reunión
de trabajo de todos los socios de ‘Pirineos de Circo/Pyrénées de cirque’ en la que evaluarán las diferentes acciones y valorarán las
perspectivas de esta colaboración para futuros proyectos. También se llevarán a cabo las denominadas ‘Vidas paralelas / Vies para-llèles’,
un espacio de información y reflexión para profesionales de uno y otro lado de la frontera, un espacio que tiene como objetivo
potenciar la vocación transfronteriza de una Feria que hace años se vuelca con el Sur de Francia como mercado. Para llevarlo a la
práctica se llevarán a cabo presentaciones de programaciones singulares o interesantes, de festivales que arriesgando se han ido
afianzando y de entidades privadas (compañías o agentes) que expliquen su manera particular de trabajar. Las presentaciones que
se llevaron a cabo el pasado año fueron grabadas y pueden ser consultadas en el denominado ‘Canal Feria’. Este año se volverá a
repetir la experiencia a la que se suma ‘Radio Feria’ un canal para descarga de podcasts donde intentaremos recoger iniciativas que
retroalimenten el sistema de las artes escénicas.

21. septiembre 14

22. 14 septiembre T22
res espacios públicos, el Teatro Xesc
Forteza, el Teatro Mar y Terra y el
Teatro Principal, así cómo el espacio
privado, el Teatro Sans, además de
algunos espacios en la calle acogerán los
14 espectáculos previstos durante las cua-tro
jornadas de Fira Illescena.
La voluntad de esta cita es crear un
evento cultural en el que participe toda la
ciudad, por lo que además de la progra-mación
de los espectáculos, se programa-rán
actividades paralelas a la Feria con la
intención de darle un carácter festivo y de
evento cultural que implique a otros secto-res
y agentes culturales, así como a toda la
ciudadanía. Incidiendo en la idea de la par-ticipación
están trabajando en un programa
de inclusión en las artes escénicas al que
se destinarán gratuitamente un 10% de las
butacas de cada espectáculo a colectivos
que no tengan acceso a la cultura.
Como espectáculo inaugural contarán
con el estreno de la obra ¡Y lo que no nos
cuentan, chica’ de Las diabéticas acelera-das,
compañía que combina los códigos
expresivos del teatro popular con huidas
hacia otras fórmulas que incluyen desde
el cabaret hasta la interacción como forma
de comunicación viva y espontánea con el
público, buscando una lectura, desde el
humor y un cierto punto de locura, de la
sociedad que nos forma y conforma. Un
segundo estreno vendrá de la mano de
La Formal, con El guste es nostre trabajo
hecho para escenificarse en espacios no
convencionales dirigido por Joan Gomila,
donde se reflexiona de forma profunda y
divertida sobre la cultura balear, y donde
la improvisación será la gran protagonista
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de la velada. En esta ocasión contará con
la interpretación musical a cargo de Cesc
Montané y Kiko Barrengoa.
Al aire libre
La mayor parte de los espectáculos se
llevarán a cabo en sala a excepción de tres.
Entre ellos se encuentra Circ Trashumant
de Circ Bover, montaje de circo moderno
que cuenta la historia de una troupe de sal-timbanquis
que viajan por todo el mundo
mientras muestran sus aventuras y gracias
al cual en la pasada edición de la Feria In-ternacional
de Teatro de Castilla y León fue-ron
premiados como el Mejor Espectáculo
de Calle. Remor coproducción entre Res de
Res & Antigues, es un espectáculo de danza
visual y físico creado por Marta Barcelo y
Joan Miquel Antigues, que cuenta con una
duración de once minutos, y que se lleva a
cabo dentro de un cubo de madera y hierro
concebido como una instalación artística
que potencia la relación entre el público y
los dos intérpretes. El tercer espectáculo
de calle también es una pieza de danza o
mejor dicho de microdanza, se trata de Vi-vir
soñando de Tshock Teatre, interpretado
por Paquita Ferragut, una joven de 34 años
con parálisis cerebral que pese a su alto
grado de inmovilidad en las extremidades,
lleva una vida muy activa.
Continuando con las piezas de danza
la Compañía Mariantònia Oliver presen-tará
la versión de sala de Malmenats,
trabajo de creación colectiva donde cua-tro
bailarines exploran en el movimiento
rudo, sucio e impreciso de este ir y venir,
intentando mostrar este movimiento de
forma limpia, desprovista de cualquier
Fira Illescena 2014
Primer escaparate de las
compañías de la escena balear
Del 25 al 28 de septiembre se llevará a cabo por pri-mera
vez Fira Illescena, iniciativa impulsada por la Aso-ciación
de Empresas de Artes Escénicas de Illes Balears
con el objetivo que este evento sea un instrumento
para poder situar con más eficacia en todo el Estado y
en el ámbito internacional los espectáculos que generan
las agrupaciones profesionales, al tiempo que los pro-gramadores
de la tierra y del resto del Estado puedan
ver lo que se hace en las Islas Baleares con voluntad de
generar negocio.
Malmenats de la Compañía Mariantònia Oliver

23. septiembre 14
23
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Remor de Res de Res & Antigues
artificio y con cierta crudeza.
El resto de propuestas serán de teatro y entre ellas hay dos
de títeres dirigidas al público infantil, en concreto La verdade-ra
historia de Juan Sinmiedo de Disset Teatre y Goldilocks de
Elastic Nou Produccions. La primera bucea en la tradición de la
rondalla mallorquina dando paso a un relato lleno de misterios,
magia y sorpresas. Elastic Nou Produccions lleva a cabo teatro
educativo interpretado en inglés y en esta ocasión presentará
Goldiloscks conocido cuento de Ricitos de oro para la que hacen
uso de marionetas.
Varias compañías de sala ofrecerán sus propuestas en ca-talán
y castellano. Una de las que ha optado por esta línea es
la veterana agrupación Estudi Zero que presentan una reno-vada
versión del irónico vodevil de Eugène Ionesco, La cantan-te
calva, inspirada en las comedias inglesas de salón y en el
método de idiomas Assimil, desplegando toda una crítica a la
vida cotidiana. Además de en el idioma Z i l´ habitació 113 co-producción
entre La Impaciència e Iguana Teatre, coincide con
la anterior propuesta en su formato de vodevil aunque en esta
ocasión en clave de comedia excéntrica que tiene lugar en una
habitación de un hotel muy especial, donde la incertidumbre
acompaña a un cliente solitario que puede dar por concluido
un régimen totalitario. El cliente se llama Z, como la última letra
del abecedeario o como la última oportunidad del cambio. Por
su parte AMC Producciones, que nace con el objetivo de apor-tar
profesionalidad al teatro de la isla de Ibiza, escenificará,
solamente en castellano, Por amor a Lorca, un montaje que
incluye escenas de algunas de las obras más importantes de
García Lorca como ‘Bodas de sangre’, ‘Yerma’ y ‘La Casa de
Bernarda Alba’.
La programación se completa con tres propuestas teatrales
de sala más, dos de ellas se escenificarán en catalán, Xuetes de
Mallorca So, montaje dirigido por Rafael Brunet sobre los judíos
mallorquines y la adaptación de Woyzeck, uno de los clásicos de
la literatura alemana, tragedia atemporal sobre la explotación
de los débiles, el amor, la compasión la celos y el fracaso copro-ducida
entre Iguana Teatre y Produccions del Mar. Por último,
Teatrix y Pometes Teatre escenificarán Frashka!!! espectáculo
sin palabras donde sus dos protagonistas viven situaciones muy
absurdas en las que se desenvuelven de una manera divertida
y surrealista: El sueño del rodaje de un western, un jardín con
flores, ecétera...

24. 14 septiembre C24
II Mirada - Festival Iberoamericano de Artes Escénicas de Santos
La escena iberoamericana
se cita en Santos
Chile será el país homenajeado en esta tercera edición contando
con la participación de siete compañías dentro de la programación
ada dos años se lleva a cabo Mira-da-
Festival Iberoamericano de Artes
Escénicas de Santos que este año
celebra su tercera edición del 4 al
13 de septiembre, insistiendo nuevamente
en reforzar e intensificar, a través del arte,
el diálogo de Brasil con otros países que
componen Iberoamérica, ya que como se-ñala
su director, Danilo Santos, “este festival
viene provocando una agenda de encuen-tros
para compartir experiencias y saberes,
debatir ideas y procesos creativos, al tiem-po
que estrechar lazos de convivencia y
estimular y romper barreras territoriales,
lingüísticas y de otra naturaleza”.
Además de en una amplia programación
de actividades paralelas conformada por
residencias, debates y mesas redondas, la
atención de Mirada se centra en la extensa
programación que contará con un total de
cuarenta espectáculos de sala en su gran
mayoría pero también de calle, 25 de los
cuales serán escenificados por compañías
brasileñas y 15 por agrupaciones interna-cionales,
venidas desde Argentina, Bolivia,
Colombia, Costa Rica, España, México, Pa-raguay,
Perú, Portugal y Chile, siendo este
último el país homenajeado en la presente
edición contando en el programa con siete
compañías. Entre ellas se encuentran Teatro
la Memoria con Castigo, montaje que expone
conflictos humanos que trascienden la bio-grafía
del autor de la obra y permitiendo al
espectador mirarse en la escena y verse re-flejado
como en un recuerdo de infancia. Por
su parte la Compañía Gran Reyneta mostrará
El hombre venido de ninguna parte poética
e innovadora propuesta sobre un personaje
que ha conseguido ser un viajero a través
del tiempo, Teatro en el blanco escenificará
www. a r t e z b l a i . c o m
La reunión donde tratan temas como las rei-vindicaciones
de los pueblos originarios, el
poder de la iglesia y la oligarquía y la lucha
de clases, y Teatro Camino y la Compañía
Viaje in móvil que llevarán a escena sendos
clásicos, el primero la adaptación de El jar-dín
de cerezos de Anton Chejov y el segundo
Otelo de Shakespeare.
Momentos históricos
Dentro de la pluralidad de lenguajes abar-cados
en esta edición hay una conexión te-máticas
en determinadas producciones, con
espectáculos que revisitan momentos histó-ricos,
sobre todo vividos durante regímenes
militares y sus consecuencias actuales. Entre
ellos están dos de las compañías chilenas, se
trata del Colectivo La Pato Gallina, El húsar
de la muerte basado en la película homóni-ma
filmada en 1925 por el actor, director y
Fausto de la Compañía de Variedades St. George ©Cacâ Bernardes
periodista Pedro Sienna donde se narran las
hazañas de Manuel Rodríguez en su lucha
por la independencia chilena así como Teatro
La Resistencia y La imaginación del futuro,
una ficción libre, desfachatada e insolente
basada en hechos que han marcado la iden-tidad
política de Chile.
Sobre esta perspectiva giran también
otros cinco montajes. Walmor y Cacilda 64
- Robogolpe de los brasileños Teat(r)o o
Oficina Uzyna es una propuesta que reve-la
una relación de 50 años con la imaginería
de la dictadura militar y sus efectos sobre el
arte en Brasil y Puzzle A con escenificación
de Felipe Hirsch de la compañía Ultralíri-cos
reflexiona sobre dilemas nacionales de
carácter político y social.
El vientre de la ballena de los colombia-nos
Teatro Petra da paso a un culebrón o
thriller policial que investiga desapariciones
de niños y un “reality show” televisivo que

25. septiembre 14
25
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La imaginación del futuro de Teatro La Resistencia ©La Re-sentida
juzga a una empresa que concentra varios negocios: alquiler de
vientres, prostitución, tráfico de bebés y de órganos, apariciones
de la virgen y contrabandos diversos; en el juicio comparecen tam-bién
sus cómplices, víctimas y el investigador del caso. Los cuba-nos
El ciervo encantado elige como tema de Rapsodia para el mulo
el asunto de la carga. La vida y la fe, la supervivencia de uno y el
país entendidos como carga. Se enmarcan dentro de esta temática
también los paraguayos En Borrador... teatro en construcción con
Entre A y B al tiempo que los bolivianos Textos que migran llevarán
a cabo el montaje Los B. Apolíticas Consdieraciones Sobre el Na-cionalismo
Vol.I, donde narran la historia social reciente de Bolivia
encarnada en una familia en decadencia.
La representación españolase compone con la participación de
cuatro compañías. Albanta escenificará Cádiz en mi corazón: Pos-tales
de un viaje imposible, una pieza que el dramaturgo cubano
Abel González Melo ha escrito expresamente para el grupo, una
obra más cercana a la comedia que las anteriores del grupo, acos-tumbrado
a una línea teatral más dramática. Por su parte, Insec-totròpics,
compañía creada en 2011 a raíz de la unión de artistas
de diferentes ámbitos y lenguajes con ganas de experimentar en
la creación colectiva, presentará su ópera prima La caputxeta ga-làctica
, un espectáculo de arte multimedia que versiona el cuento
clásico de ‘Caperucita roja’. La tristura llevará a escena Materia
prima, un trabajo que es el resultado de un largo estudio sobre la
herencia, la educación y el futuro que empezó en 2004 y. culmina
con este espectáculo, dando fin a la llamada Trilogía de la Educa-ción
Sentimental. A estos tres montajes se une Utopía de María
Pagés, una pieza sobre la solidaridad, el compromiso, el exilio, la
fugacidad de la vida y sobre la necesidad de la imaginación y el
idealismo como motores necesarios para el cambio.
La programación se completará con propuestas de compa-ñías
venidas de Perú, Argentina, Costa Rica y Portugal aunque
el grueso de la programación lo protagonizarán las compañías
brasileñas, entre las cuales hay estrenos destacables como
Fausto de la Compañía de Variedades St. George dirigido por
Claudia Schapira y GeorgetteFaddel, pieza que conmemora los
15 años de la compañía y también intenta comprender las for-mas
y las relaciones forjadas por las fuerzas propulsoras en
el mundo contemporáneo. A esta primera se suman, Nossa
Senhora dans nuvens del Grupo de Teatro Clowns de Shakes-peare,
última parte de la trilogía del exilio, donde investigan
las relaciones de la memoria e identidad sumando también las
experiencias provocadas por el golpe militar brasileño de 1964
y Stereo Franz de [pH2]: Estado do Teatro montaje que es el
resultado de las investigaciones de la compañía sobre la obra
‘Woyzeck’ del alemán George Büchner.

26. 14 septiembre B26
XXV Mostra Internacional de Mim de Sueca
Bombones escénicos para
celebrar un cuarto de siglo
La programación se compone de algunos de los mejores
espectáculos que han pasado por el Mim durante sus veinticinco años
ajo el lema “25 años de MIMs,
25 años de grandes recuerdos”
la Mostra Internacional de Mim a
Sueca celebrará su veinticinco ani-versario
del 17 al 21 de septiembre motivo
por el que se presenta con una programa-ción
muy especial.
“Es una edición conmemorativa y festiva
que pretende ser un homenaje al público y
a lo mejor del teatro del gesto. El público
podrá revivir la emoción que en su día le
produjo el descubrimiento de determina-das
propuestas artísticas” apunta Abel
Guarinos, director del MIM para añadir que
“de igual manera que podemos escuchar
varias veces un mismo CD que nos gusta,
podemos, ver, a lo largo de nuestra vida,
diversas veces el mismo espectáculo que
nos haya emocionado o divertido de una
manera especial, sobre todo si se tratara
www. a r t e z b l a i . c o m
de espectáculos tan contrastados en todo
el mundo como la mayoría de los que ten-dremos
este año en el MIM”.
Y es que esta nueva edición organizada
por la concejalía de cultura del Ayuntamien-to
de Sueca volverá a acoger espectáculos
que se han estrenado o programado en
este cuarto de siglo del festival y que to-davía
están en cartel o se han repuesto o
ampliado para la ocasión.
Pese a la imposibilidad de reunir en cinco
días todos los espectáculos imprescindibles
que forman parte de la historia del festi-val,
Guarinos afirma que “sí que son todos
los que están”. Es el caso de Desafiando la
gravedad del mítico clown Avner Eisen-berg
“The eccentric” que vuelve a Sueca
con el espectáculo que estrenó hace treinta
años en Broadway y tras haber cosechado
éxitos por todo el mundo. Vuelve también
Ras! de Maduixa Teatre © Jordi Pla
el 666 de Yllana, estrenado en su novena
edición y que la compañía pondrá en esce-na
además de su último trabajo, The Gagfa-ther
, un homenaje al mundo de los bajos
fondos desde la perspectiva del humor que
les caracteriza.
Repite en el MIM Ras! espectáculo multi-disciplinar
para público familiar que conjuga
teatro, danza y artes plásticas con el fin de
poner las nuevas tecnologías al servicio de
un juego escénico estimulante y mágico de
la compañía suecana Maduixa Teatre. Vuelve
también la propuesta de la catalana Cor de
Teatre, Operetta, una divertida manera de
adentrarse en el género operístico a través
del humor y la música a cappella y cuyo ger-men
se presentó en la 17 edición con el títu-lo
de ‘Hop!’ aunque ahora vuelve con alguna
que otra diferencia, entre otras: entonces
eran 7 actores-cantantes, ahora son 22.

27. septiembre 14
27
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Otra de las obras que repite
en sueca es Els Tornejats de
Sueca de Los Bailes de es-colta
de la Mare de Déu, un
espectáculo de danzas guerre-ras
medievales teatralizadas
que desde su presentación en
el MIM de 2004, Sueca recupe-ró
como parte de su tradición.
Comediants por su parte
presentarán 25 años de MIM,
ven a soplar el pastel, una
adaptación para la efeméride
del espectáculo teatral y par-ticipativo
‘Pastís d’aniversari’
‘que fue estrenado en 2002
con motivo del 50 aniversario del Festival
Internacional de Cine de San Sebastián.
Otro espectáculo de calle, en este caso
de la joven compañía valenciana La Fam,
La guillotina de Marat/Sade, Capocómico
del italiano Marco Carolei y tres propues-tas
de la francesa Claire, Barco de arena,
La sonrisa del náufrago y De paseo. Tam-bién
se podrá disfrutar con La Bella Tour
y su espectáculo del mismo nombre, dos
piezas de danza, Te odiero y Je te Haime de
la compañía HURyCAN o la reposición de
Rico, rico, rico un espectáculo gamberro y
Rico, rico, rico de Teatro Salitre
“guarriclown’ de Teatro Salitre que vuelve
al MIM veinte años después.
Esta nueva edición del MIM continúa
también con el objetivo de servir de pla-taforma
de promoción a las compañías va-lencianas
por lo que un año más, algunas
de ellas estrenarán sus nuevos espectá-culos
en Sueca. Es el caso de Habitación
801 de Lucas Locus, evolución de la pieza
corta sobre la locura que la compañía es-trenó
hace tres años en el festival con el
título de ‘La mente de Vicente’ o La mòmia,
último montaje del Circo Gran Fele, Premio
Nacional de Circo de 2008.
La programación de esta
edición especial se completa
con la exposición ‘25 años e
MIMs, de caricias y recuer-dos’
que durante el festival
convertirá a la Sala Municipal
de Exposiciones Els Porxets
de Sueca en el lugar donde
encontrar recuerdos, dese-chos
y algunos pequeños de-talles
que han acompañado la
historia del festival. Trípticos,
catálogos y carteles del festi-val
se exponen acompañados
de cosas algo más curiosas
como un MIMcolgante, xocoMims y todos
aquellos objetos que a los espectadores
les traiga recuerdos del MIM y quiera
colgar o ubicar en esta emotiva exposi-ción.
Una atractiva programación “llena
de bombones escénicos” para celebrar
el primer cuarto de siglo de una cita que,
en su especialidad, está considerada
como uno de los tres festivales de tea-tro
gestual y corporal más importantes
de Europa junto con el festival MIMOs
de Periguéux, Francia y el London Mime
Festival.

28. 14 septiembre E28
XV Festival de las Artes Enclave de Calle de Burgos
Tres lustros de teatro en
las calles de Burgos
Organizado por el Ayuntamiendo de la ciudad, esta edición
spectáculos de los géneros más va-riados,
teatro, danza, circo, teatro
de objetos, magia, tiovivos y curio-sidades
conforman la programa-ción
de la decimoquinta edición del Festival
de las Artes Enclave de Calle de Burgos
que los días 19, 20 y 21 de septiembre
convertirá la ciudad en una fiesta para los
sentidos.
El Parque del Parral volverá a convertir-se
en sede oficial del festival y lugar en el
que este año se instalará la carpa de Cie.
Rasposo que harán las delicias de todos
los públicos con Morsure, un espectáculo
de circo contemporáneo en el que el equi-librio
en el cable y en la barra rusa y las
acrobacias, acompañadas con música en
directo capturan fragmentos de vida. En
este espectáculo, la compañía francesa,
con más de veinticinco años “en la carrete-ra”,
presenta a seis actores y tres músicos
que agitan con delicadeza la ferocidad de
las relaciones humanas en una carpa con-vertida
en un espacio íntimo con guiños al
cine asiático de Wong Kar Waï y a Fellini.
También desde Francia llega Zampanos
con una delicada propuesta, Le petit circle
boiteaux de mon imaginaire, un homenaje
al circo de Calder en el que el circo y el tea-tro
de objetos se entrecruzan para ofrecer
una velada llena de poesía y ternura en una
pista de tan solo metro y medio. También
en un espacio cerrado, en este caso una
caravana, se presenta Clap de los también
franceses Cie Le bruit sfumato, un es-pectáculo
de cine sensorial a la vez que un
concierto homenaje a los antiguos circos.
Completa las propuestas ubicadas en el Pa-seo
de Marceliano Santa María, todas ellas
de aforo limitado, el Teatro de Autómatas
en la que en el interior de una antigua car-pa
www. a r t e z b l a i . c o m
portátil 35 autómatas tallados en ma-dera
policromada ofrecen espectáculos de
feria de principios del siglo XX.
Los espectáculos realizados en un espa-cio
de aforo limitado, en este caso ubicado
en el Monasterio de San Juan, se completan
con Rudo de Manolo Alcántara un home-naje
al esfuerzo físico a través de equilibrios
imposibles que se presentan acompañados
de música en directo creando una atmós-fera
íntima que atrapa al público, que es
invitado a compartir los peligros y anhelos
de la vida.
Un año más el festival convierte a la Plaza
de la Libertad en ‘La Plaza de los Ingenios’
donde se instalarán varias compañías como
Theatre de la Toupine con La Cabane de
jardin, un tiovivo-teatro ecológico fabricado
con cuero, alambre, madera y piedras en el
que los más pequeños podrán realizar un
viaje a través de un jardín imaginario cui-dado
por una actriz-jardinera. La Cie. des
fourmis dans la lanterne presenta con
Clic un gran CinéMarionnettoGraphe de las
hormigas, el teatro itinerante más pequeño
del mundo, un pequeño e íntimo homena-je
a los grandes del cine mudo. Diversos
pases diarios realizará también Miguelillo
de La Señorita Lupierre una obra breve en
la que a través de la historia más bella y
trágica jamás contada el público viajará a
otro tiempo, donde la cercanía y el miste-rio
están presentes en todo momento, al
igual que Tombs Creatius que a través
de un teatro de feria el público podrá co-nocer
El extraño viaje del Sr. Tonet, en el
que a través de objetos, utensilios y ma-teriales
diversos reconstruirán algunas de
sus historias. Encuentros y desencuentros
con Errático Swing es un espectáculo de
títeres de Errabundo Pelele compañía
de Títeres Errantes, una obra que tiene
ofrecerá más de cien representaciones escénicas
Rudo de Manolo Alcántara

29. septiembre 14
29
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Morsure de Cie. Rasposo ©Florence Delahaye
como protagonistas a una vieja maleta, algunas notas de swing
y sentimientos atrapados en una época, la nuestra en la que lo
virtual ha tomado tal vez demasiada relevancia.
Estrenos y compañías burgalesas
Un año más el festival acoge varias producciones locales, al-gunas
de ellas estrenos, de compañías que han ido creciendo
junto al festival y se han convertido en una parte importante de
la cita burgalesa. Destaca entre ellas el estreno de una produc-ción
del propio festival El BUS de la magia, en la que los magos
de cerca Óscar Escalante, Martilda y Héctor Sansegundo harán
desaparecer cartas, volar monedas, y muchas otras cosas en
los autobuses de la línea 1 que unen el centro de la ciudad con
Gamonal. También estrenan espectáculo Teatro Entre Escom-bros,
Camila y Costas, 600 motivos, un cuento sobre la vida,
la amistad y sobre estar en el lugar apropiado en el momento
oportuno. Dos personajes, Costas y Camila y un coche, un Seat
600. Y un estreno más, el de la compañía Debla Danza cuya
participación en el festival se remonta al año 2007 y se ha con-vertido
en una cita ineludible; esta edición la compañía presen-tan
la pieza de danza contemporánea Rewind en el Arco de Santa
María. La presencia de compañías burgalesas se completa con
otra habitual del festival, Cal y Canto que presentan Abyssal en
la Plaza del Rey San Fernando. Inspirada en el cuadro ‘Muchacha
en la ventana’ de Salvador Dalí, esta obra recrea las imágenes
que esta enigmática mujer pudo ver en el horizonte azulado del
lienzo que, se va modificado en tiempo real.
Dos espectáculos más conforman la programación de esta
decimoquinta edición. La Cia. La Tal pondrá ante el público asis-tente
el espectáculo más grande del mundo convertido, por el
paso de los años, en el espectáculo más estrafalario, ridículo,
absurdo y extravagante de todos los tiempos. Humor a raudales
con The Increíble Box. El arte del mimo y el clown llegan de la
mano de Murmuyo que montado en una pequeña bicicleta se
presenta acompañado de música, una tarta y champán en Cita a
ciegas, elementos con los que el protagonista está dispuesto a
jugar con el público ¡Prepárense!

30. 14 septiembre T30
TNT-Terrassa Nuevas Tendencias
El teatro de objetos toma
protagonismo en Terrassa
NT-Terrassa Nuevas Ten-dencias
adelanta sus fechas
habituales con una intensa
programación del 25 al 28 de
septiembre, cuatro jornadas en las
que está prevista la participación de
un total de 23 compañías; una edición
que será inaugurada con el estreno en
el estado español de la última creación
de James Thiérrée Tabac Rouge,
donde traslada al público a un mundo
apocalíptico y delirante.
El teatro de objetos tendrá un prota-gonismo
especial en la presente edición
gracias a propuestas de compañías tales
como Señor Serrano y su pieza A House
in Asia western escénico donde la realidad
y sus copias se mezclan, la colaboración
entre Playground y Xabi Bobés Mons-truos/
Objetos de objetos, una búsqueda de
la perfección, de la belleza cruda del su-perhombre.
David Espinosa y Much Ado
About Nothing (mucho ruido y pocas nue-ces)
donde cuestiona el teatro y los textos
www. a r t e z b l a i . c o m
de Shakespeare con su peculiar propuesta,
así como el estreno de la nueva obra de
Oligor, La máquina de la soledad. Quien se
diera a conocer con la propuesta ‘Las tri-bulaciones
de Virginia’, ha creado su nue-va
obra en colaboración con la compañía
mexicana Microscopía con la que homena-jea
al objeto-carta y al correo postal.
Otras coproducciones que se podrán ver
en la presente edición serán Bailarina de
Sònia Gómez, la pieza-peli-ensayo mul-tigénero
Agitador Vórtex de Cris Blanco,
Thank you for dancing un videojuego
analógico en vivo que tendrá lugar
en las calles de la ciudad y que pro-ponen
Les Filles Föllen, Domestica
de Sleepwalk Collective o Crossfire
una crime movie en que tres almas
perdidas bailarán en la gasolinera de
un desierto.
Entre otros montajes la programa-ción
contempla tres site specifics, las
coproducciones La noche se agita de
Constanza Brncic un proyecto con
colectivos de gente mayor de Terrassa,
N.E.V.E.R.B.E.N.E.U.T.R.A.L. propuesta de
la Cooperativa General Humana sobre
la lucha obrera que propone una práctica
artística a diferentes colectivos de la ciudad
para expresar sus reivindicaciones sociales
y La Naturaleza y su temblor de Societat
Doctor Alonso, un paseo por Terrassa con
paradas en diferentes espacios de la ciu-dad
en los que los espectadores irán guia-dos
por las instrucciones que oirán a través
de unos auriculares.
Tabac Rouge de James Thiérrée ©Richard Haughton

31. septiembre 14

32. 14 septiembre U32
Rioja propone un festín
artístico para los sentidos
n año más y coinci-diendo
con el mes
de la vendimia, del
4 al día 19 se desa-rrollará
el programa especial
El Rioja y los Cinco Sentidos,
organizado por la Consejería
de Agricultura, Ganadería y
Medio Ambiente del Gobierno
de La Rioja festival que tiene
como objetivo la divulgación
de la cultura del vino. Activida-des
de carácter cultural como
conciertos, espectáculos tea-trales,
de danza y musicales,
El Rioja y los Cinco Sentidos
exposiciones y proyecciones
de películas se intercalan con
cursos de cata, catas teatralizadas, de-gustación
de alimentos así como iniciati-vas
para disfrutar en familia.
Sin poder abarcarlo todo y centrándo-nos
en el programa escénico propiamente
dicho se llevarán a cabo tres conciertos
únicos en el Estado. Los días 5 y 6 de
septiembre tendrán lugar las actuaciones
del cantautor Ismael Serrano y la banda
de pop-rock Dover, respectivamente, am-bos
en Radioforum, mientras que el día
13 la banda sueca The Hives inaugurará
el Palacio de los Deportes de La Rioja
como escenario internacional para esta
programación.
El Rioja y los 5 Sentidos ofrece los días
6, 7, 13 y 14 una serie de espectáculos
www. a r t e z b l a i . c o m
Vino, madera y cuerda de Funamviolinistas
íntimos ambientados en el marco único
e íntimo que son las diversas bodegas y
viñedos de La Rioja, asimismo, cada una
de las jornadas citadas se llevará a cabo
una cata temática. En orden cronológico
el día 6 tendrá lugar la cata ‘El vino en
el siglo de oro’ así como el espectáculo
Sombras chinas de Valeria Giugletti. El día
7 se podrá disfrutar con Tubos del mun-do
de Bufa & Sons formación que cuen-ta
con Xabier Lozano, Guillem Aguilar y
Marc Vila, conocidos por su habilidad en
la creación de instrumentos musicales a
partir de cualquier tipo de objeto y la cata
temática ‘Crimen entre barricas’ donde los
participantes deberán descubrir al asesi-no
durante un intrigante recorrido por las
instalaciones de la bodega,
o la propuesta flamenca Me
va gustando interpretada
por los bailaores Marcos
Vargas, Chloé Brulé, el ac-tor
Fernando Mansilla y el
cantaor Juan José Amador.
El día 13 las Funamvio-listas
llevarán a cabo Vino,
madera y cuerda, donde tres
actrices emocionan a través
de la combinación de un
gran abanico de disciplinas
artísticas, todo ello sirvién-dose
de sus instrumentos de
cuerda, creando una fusión
acrobática. En esta jornada
la cata temática cuenta con la agrupación
Volpinex y el espectáculo ¡Bang! propio de
los clásicos western, con la proyección de
los denominados ‘Celuloides rancios’ de
Jardiel Poncela.
Los títeres y la magia serán protagonis-tas
de la jornada del 14. Michèlle Nguyen
escenificará La vida de una marioneta
espectáculo que ofrece un viaje sencillo
y hermoso que los espectadores vivirán
como propio recordando sus sueños, sus
miedos y sus anhelos. Las pompas de ja-bón,
los colores y la cata se convertirán
en magia con David Vega y su Made in ja-bón
un estético ejercicio de pureza crea-tiva
que acercará al espectador al mundo
de los sueños y la fantasía.

33. septiembre 14
33
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m i s c e l á n e a
dantzaldia Dantza Hirian
Donostia, Irun, Hondarribia, Pasaia, Errenteria, Hen-daia,
Azkaine, Biarritz, Donibane Lohitzune, Bidart y
Baiona acogerán, del 11 al 28 de septiembre, la quinta
edición de Dantza Hirian. El festival se lleva a cabo ín-tegramente
en la calle relacionando la danza contem-poránea
con la arquitectura y explorando y acercando
al ciudadano este arte en sus tendencias más diversas.
Junto con las actuaciones también se llevarán a cabo
varias masterclass, talleres, un certamen de break-dance,
un concurso fotográfico así como un programa
de participación ciudadana. Entre las actuaciones ha-brá
Laues-ku
dos estrenos, Azala de Jordi Vilaseca y de Lasala, ambos proyectos seleccionados dentro
del programa artistas en residencia ‘Aterpean’ creado
por el propio festival hace 8 años. Entre los artistas
participantes estarán las compañías Cielo Raso con
Carnaval, Ertza con 4x4, Dantzaz con Chamaleon y
Revolution, compañías todas ellas enmarcadas dentro
del programa ‘Ibili’, creado también por el Festival para
dar visibilidad a compañías y coreógrafos de Aquitania
y Euskadi. Además, se podrá disfrutar con Hooked de
Lasala, Retrato de Oscar Wilde de Proyecto Titoyaya y
¿Hasta Dónde? de Sharon Fridman entre otras, todas
ellas seleccionadas por la red ‘Circuito Acieloabierto’.
El grueso de la programación de la decimoquinta edi-ción
del Dantzaldia se desarrollará entre los meses de
octubre, noviembre y diciembre pero su inauguración
Ho-oked
tendrá lugar el 25 de septiembre con la propuesta de la compañía vasca de danza contemporánea
Lasala dirigida por judith Argomaniz y compuesta por
artistas del ámbito de la danza y la fotografía. Esta pie-za
es un extracto de ‘Hooked (still)’, propuesta que ha
obtenido sendos galardones en España y Francia. En
ellas se refleja la necesidad constante del ser humano
en tener una vinculación afectiva con otro ser humano
y los efectos que conlleva dicha condición. El lenguaje
coreográfico investiga sobre el apego y la dependencia
emocional al que estamos expuestos en las relaciones
afectivas. A través de esta propuesta intentan apro-vechar
y explotar la minuciosidad y la fuerza del mo-vimiento,
además de los diferentes estados de ánimo
por los que pasan las diversas fases de las que constan
tales conductas. Hooked se centra en el mecanismo
de reproducción y representación de un concepto. Se
estructura en tres escenas muy diferenciadas una de
otra por varios factores, tales como la música, el tipo
de movimiento, los diversos estados de ánimo y la ac-titud
e interpretación.
©Diego Hernandez Azala de Jordi Vilaseca

36. 13
PROGRAMACIÓN
14
15
11:30h Titiriteros de Binéfar Canciones de Titiriteros (60´) . . . . . . . . . . . . Teatro Arbolé
13:00h Ana Continente Retrato Revelado (60´) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro de las Esquinas
16:00h La Chaminera Esto me suena (60´) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro Arbolé
17:30h Tarde o Temprano Danza La tiranía de la belleza (50´) . . . . . . . . . Teatro de la Estación
19:00h Sinsensatas Mejor Sin (70´) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Centro Cívico La Almozara
20:00h Crisálida . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Centro Cívico Delicias
20:30h Microteatro Zaragoza Adictos (60´) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro del Mercado
20:45h La Casa Escénica Marx en el Soho (80´) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro de las Esquinas
21:00h Insolenzia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Centro Cívico Delicias
21:30h Dr. Cuti & The Mogambos . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Sala López
21:30h Mabuse y los Compayos . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Sala López
22:00h Despierta McFly . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . La Ley Seca
22:00h Maryone Fly . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Sala Creedence
22:00h Hotel . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Sala Z
23:00h The Shimm . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Sala Pub Eccos
23:00h Nacho Estévez . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . La Campana de los Perdidos
23.00h Javier Aranda Parias (60´) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . El Sótano Mágico
09:30h Teatro Arbolé Babel de cuentos (50´) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro Arbolé
11:00h Esencia Producciones Chef Mostachó (60´) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Centro Cívico La Almozara
12:30h La Mov Cía. de Danza El sueño de una noche de verano (75´) . . . . Teatro de la Estación
16:00h Cirteani Nautraxtos (70´) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro de las Esquinas (Exterior)
17:30h Teatro Los Navegantes Peer Gynt el aventurero (60´). . . . . . . . . . . Teatro Arbolé
19:00h Pepe Lirrojo y Pepín Banzo In-Extremis (70´). . . . . . . . . . . . . . . . . . El Sótano Mágico
20:00h El Mantel de Noa . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Centro Cívico La Almozara
20:30h Microteato Zaragoza Adictos (60´) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro del Mercado
20:45h Producciones Viridiana Ligeros de equipaje (90´) . . . . . . . . . . . . . . C. C. Teodoro Sánchez Punter
21:00h Olga y los Ministriles . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Centro Cívico La Almozara
21:00h 14KM . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Centro Cívico Las Delicias
22:00h Das Laundromat. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . La Lata de Bombillas
23:00h Huesca Big Band . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . La Bóveda del Albergue
23:00h Tinglao Fusion Band . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Sala Roxy
23:00h Esparatrapo . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . La Casa del Loco
23:00h Oui People. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . El Zorro
23.00h Teatro del Temple Arte de las putas (75´) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro de las Esquinas
23.00h Rubén Jiménez y Juan Dual . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . La Campana de los Perdidos
09:45h Civi Civiac Magic Casting (75´) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro Arbolé
11:30h Alodeyá Son recuerdos (25´) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro de la Estación
12:30h Seis de Trébol El caso Perry (80´). . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . C. C.Teodoro Sánchez Punter
16:00h D´Click L´avant Premiére (45´). . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro de las Esquinas
17:30h Caleidoscopio Teatro El abrigo de Yorick (50´) . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro Arbolé
19:00h Teatro de La Estación y Actuando sin Red Animalicos (70´) . . . . . . Teatro de la Estación
19:00h y 21:30h Microteatro Zaragoza Adictos (60´). . . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro del Mercado
20:45h Belladona Teatro Mundo Rotundo (90´). . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . El Sótano Mágico
23.00h Clausura con Santiago Auserón . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro de las Esquinas
teatro danza música

37. 3
artez
04 | Titiriteros de Binéfar
Ana Continente
La Chaminera
Tarde o Temprano Danza
05 | Sinsensatas
04 | Entrevista con Marian
06 | Estrenos:
La Casa Escénica
Microteatro de Zaragoza
Crisálida
Da. Te Danza, Teloncillo, Tí-teres
06 | Insolenzia
de María Parrato, Ron
Dr. Cuti & The Mogambos
Mabuse y los Compayos
Depierta McFly
Lalá, Gorakada, Producciones
Nun Tris y El Espejo Negro
07 | Maryone Fly
12 | Espectáculos de 0 a 3 años
14 | Espectáculos
18 | Títeres
20 | Circo y otros
22 | Danza
24 | Espectáculos Internacionales
28 | Actividades paralelas
30 | Premios
31 | ACT
El Ayuntamiento de Zaragoza, a través de la Sociedad Munici-pal
Zaragoza Cultural, celebra los días 13, 14 y 15 de noviembre
de este año la segunda edición del MERCADO DE LAS ARTES
ESCÉNICAS, en el que participan grupos aragoneses de músi-ca,
teatro y danza que hayan desarrollado o vayan a desarrollar
producciones nuevas durante los años 2013 y 2014.
A través de esta cita, el Ayuntamiento de Zaragoza pretende
ayudar al sector cultural a hacer frente a la desfavorable co-yuntura
que padece el sector: aumento del IVA cultural, des-censo
del consumo y de ventas, recorte de ayudas públicas,
difi cultades en la captación de créditos... Dentro de este com-promiso
con el sector cultural de la ciudad y para paliar el hue-co
dejado tras la desaparición de ferias que impulsaban otras
administraciones, Zaragoza Cultural impulsó en noviembre de
2013 el primer Mercado de las Artes Escénicas. Más de 120
artista, promotores, distribuidores, programadores y directo-res
de festivales de toda España acudieron a conocer la oferta
cultural local.
El Mercado se desarrolla en distintos espacios de la ciudad
tanto privados como públicos de gestión privada: Teatro de
las Esquinas, Teatro de la Estación, Teatro Arbolé, Teatro del
Mercado, El Sótano Mágico, Centros Cívicos Teodoro Sánchez
Punter, Almozara y Delicias. Igualmente como en la edición
pasada, existirá la colaboración con las Salas de Música en
Vivo de la ciudad.
Los objetivos del Mercado son la difusión de los grupos ara-goneses
de teatro, música y danza, dando a conocer fuera de
la ciudad sus nuevas creaciones. También la puesta en valor
de los teatros de la ciudad que ejercen con gran esfuerzo su
trabajo desde la iniciativa privada y público-privada, dándolos
a conocer en el exterior y sirviendo de escaparate para com-pañías,
grupos, y distribuidores de otras ciudades españolas y
extranjeras.
Del mismo modo el Mercado de las Artes Escénicas pretende
ser un lugar de encuentro e intercambio durante tres días de
artistas, promotores, distribuidores, programadores y direc-tores
de festivales de música, teatro y danza tanto españoles
como extranjeros y que puedan generar sinergias de trabajo.
Hotel
The Shimm
Nacho Estévez
08 | Javier Aranda
Teatro Arbolé
Esencia Producciones
La Mov Cía. de Danza
09 | Cirteani
Los Navegantes
Producciones Teatrales
Pepe Lirrojo y Pepín Banzo
Producciones Viridiana
10 | Teatro del Temple
El Mantel de Noa
Olga y los Ministriles
14KM
11 | Das Laundromat
Rubén Jiménez y Juan Dual
Tinglao Fusion Band
Huesca Big Band
12 | Oui People
Esparatrapo
Civi Civiac
Alodeyá
13 | Seis de Trébol
D´Click
Caleidoscopio Teatro
Teatro de La Estación
y Actuando sin Red
14 | Belladona Teatro
Santiago Auserón
Direcciones de las Salas
15 | Otras compañías y grupos
Este suplemento acompaña a la revista
Artez 199 de Septiembre 2014
Sociedad Municipal
Zaragoza Cultural

38. 4
artez
NOVIEMBRE 13 14 15
TITIRITEROS
DE BINÉFAR
CANCIONES
DE TITIRITEROS
Teatro Arbolé / 11:30h
LA CHAMINERA
CONCIERTO TEATRAL
DE MÚSICA Y CIENCIA
Teatro Arbolé
16:00h
ANA
CONTINENTE
RETRATO
REVELADO
Teatro de las
Esquinas / 13:00h
TARDE O TEMPRANO
DANZA
LA TIRANÍA DE
LA BELLEZA
Teatro de la Estación
17:30h
Se trata de un concierto de las canciones que vienen
usando Los Titiriteros de Binéfar y que han tenido éxito
entre sus seguidores: La Despelona, Un elefante se co-lumpiaba
, Una, dola…, Antón pirulero, Todo el mundo en
esta fiesta. Se incluyen también otras canciones menos
habituales cuya propuesta consideran adecuada para el
público sentado como son: Periquituli, San Antonio y los
pajaritos, o La portera de mi casa.
Para la puesta en escena de las melodías usan títeres y
otros elementos. En resumen: Una fiesta a lo grande pero
esta vez dentro de un teatro.
www.titiriteros.com
¿Qué tiene que ver la flauta de Bartolo con el arco iris?
Pitágoras ¿fue antes músico, matemático o astrónomo?
¿Por qué la zambomba es un resumen del cosmos? ¿Es el
theremín un instrumento que se toca sin tocarlo? ¿son las
flautas de hueso de hace 40.000 años como las actuales?
¿Cómo escuchaba Beethoven la música de su piano des-pués
de quedarse sordo? Este concierto dará respuesta a
estas y otras muchas preguntas de forma divertida, con
un montón de ejemplos musicales en directo interpreta-dos
con instrumentos convencionales, populares e insó-litos.
La música, incluso la más sencilla y popular, está
asociada a procesos que nos remiten a múltiples facetas
de la Ciencia: física, matemática, lingüística, sociología,
psicología, antropología... Como en la danza, todo consis-te
en dejarse llevar.
www.chaminera.com
Un espectáculo de Danza Teatro que se inspira en el tiem-po
y la memoria, en cómo vivimos el presente con la mi-rada
puesta en el pasado para reconocernos y en el futuro
para alimentar nuestra necesidad de evolucionar sin nos-talgia
ni pesar. El tránsito del tiempo como una experien-cia
que viaja desde la nostalgia, melancolía, casi el dolor,
para convertirlo en una fiesta y en una celebración. Para
dar forma a esta parábola Ana Continente cuenta con tres
intérpretes de la tierra que han pasado por su escuela.
Los actores-bailarines Macarena Buera y Manuel López,
que representan el pasado, la frescura, la juventud; y la
bailarina Ana Martín que representa el placer de lo ines-perado
que nos saca de los recuerdos y nos lanza al futu-ro.
“Un retrato y un cumpleaños pueden desvelar nuestra
identidad pasada, presente y futura”.
www.anacontinentedanza.com
La compañía Tarde o Temprano Danza reflexiona sobre el
canon de belleza en la sociedad actual. El culto al cuerpo
se ha convertido en una obsesión. El cuerpo humano ha
perdido su auténtica naturalidad. En la era de la imagen,
la eterna juventud se ha impuesto en la estética como el
ejemplo a seguir. Las arrugas, las curvas, las grasas, los
pelos y la imperfección son el enemigo a batir, ser físi-camente
perfecto parece ser el único sinónimo válido de
éxito, felicidad o salud.
“La irregularidad, es decir, lo inesperado, la sorpresa o el
estupor son elementos esenciales y característicos de la
belleza.” Charles Baudelaire.
Proyecto de residencia artística en colaboración con el
Teatro de la Estación.
tardeotempranodanza.wix.com/tardeotempranodanza

39. 5
artez
NOVIEMBRE 13 14 15
SINSENSATAS
¿MEJOR SIN?
REFLEXIONES
DE UNA MADRE
ARREPENTIDA… A
RATOS
Centro Cívico La Almozara
19:00h
¿Puede la cigüeña acabar en el paro? ¿Es posible arre-pentirse
abiertamente de haber tenido hijos? Tres actri-ces
zaragozanas Marissa Nolla, Nuria Herreros y Rosa
Lasierra vuelven a presentar una mirada divertida y áci-da
sobre un tema de actualidad: LOS HIJOS. ¿SON UNA
TRAMPA?
Para padres, para madres, para hijos, para los que tienen,
para los que no pueden, para los que no quieren, para los
que tendrán… Un guiño a la crisis… de la maternidad. Así
que: ¡Cuidado con la cigüeña!... los cañonazos de las SIN-SENSATAS
podrían dejar sin plumas a la zancuda.
MICROTEATRO
ADICTOS
ZARAGOZA
Teatro del Mercado 13-14 (20:30h)
15 (19:00h/21:30h)
Una visión ácida y crítica desde el humor borde de ciertas
sesiones de terapia,dominadas por absurdos y extravagantes
gurús.
El público puede participar como uno más de los asistentes a
la terapia o disfrutarlo desde la comodidad de la distancia del
patio de butacas.
Aromas, músicas relajantes, ejercicios...Todo un espectáculo!
Otro... ¡Todo un espectáculo!
LA CASA ESCÉNICA
MARX EN EL SOHO
Teatro de las Esquinas
20:45h
©Francho
A Karl Marx se le permite volver a la tierra durante una
hora aproximadamente. Por un error burocrático aparece
en nuestra ciudad, en lugar del Soho de Londres, don-de
había vivido con su familia. A partir de allí la obra lo
muestra luchando para aclarar conceptos y contándonos
una parte significativa de su vida personal, además de re-flexionando
sobre nuestra sociedad actual, -un Karl Marx
desconocido, con latidos de humor chispeante y agudo,
erudito y original.-La Casa Escénica es un nuevo proyec-to
de producción teatral que nace con el deseo de apor-tar
cauce a propuestas artísticas sencillas y coherentes,
haciendo hincapié tanto en el fondo como en la forma, y
buscando siempre el rigor artístico. Hacemos bandera
del discurso consecuente y de la especial búsqueda de
sentido social en cada una de las propuestas.
www.lacasaescenica.wordpress.com
CRISÁLIDA Centro Cívico Delicias
20:00h
La formación de rock CRISÁLIDA presenta nuevo disco,
que lleva por título La Revolución de Terciopelo. El EP ha
sido grabado y producido íntegramente por el grupo, y
como ingeniero de sonido y mezcla han contado con Gui-llermo
Marín, brillante productor y técnico aragonés que
ha mezclado y masterizado el proyecto entre Zaragoza
y Berklee. El diseño gráfico ha sido realizado por XCAR
Malavida, y las fotografías han sido tomadas por V. Mo-nahan.
El videoclip de nuestro single El Tren del Ayer, ha
sido dirigido y producido por Luis Franganillo y su equipo.
Gracias a este trabajo han obtenido el galardón al mejor
EP en los XIV Premios de la Música Aragonesa (2013).
www.crisalidarock.bandcamp.com

40. 6
artez
NOVIEMBRE 13 14 15
INSOLENZIA
CON EL MUNDO
ENTRE LAS PIERNAS
Centro Cívico Delicias
21:00h
INSOLENZIA lleva desde el año 2000 defendiendo su rock
de cuidadas letras, enérgicas guitarras, y la acertada
combinación de una excelente voz femenina con una voz
masculina rasgada y cruda. Tienen publicados cinco tra-bajos:
Alea iacta est (El Lokal, 2002), Lluvia y sol (Carcaja-da
Records, 2007), La boca del volcán (Carcajada Records,
2010), Me quema el sabor de tus ojos (Carcajada Records,
2011) y el último, Con el mundo entre las piernas (Carca-jada
Records, 2013). Con estos tres últimos es cuando in-ventan
el concepto de disco-novela, incluyendo una nove-la
que complementa el disco y en la que cada canción se
corresponde con un capítulo del libro; así se han metido
en un ambicioso proyecto rockero-literario que les está
llevando a tocar por todo el país.
www.insolenzia.es
DR. CUTI &
THE MOGAMBOS
Sala López / 21:30h
Juan Ramón Vericad, Cuti, se ha sacado de la chistera
un proyecto de música de New Orleans. Incluso el nom-bre
de la banda –Doctor Cuti and The Mogambos– reve-la
esa intención de reivindicar el legado sonoro de tipos
como Dr. John, Professor Longhair, Fats Domino o Neville
Brothers. Y, para darle un punto de colorido visual a la
cosa, Cuti aparece maquillado de espectro del carnaval
del Mardi Gras y con el teclado adornado con calaveras,
mientras sus sempiternos compinches Guillermo Mata
(bajo) y Fletes (percusiones) van ataviados de explorado-res
con salacot.
DESPIERTA McFLY La Ley Seca / 22:00h
Despierta McFly es la denominación de la banda liderada
por los músicos Jorge Martínez y Joaquín González. Un
grupo con bagaje militante en el Rock and Roll ibérico.
Una gran frescura en sus composiciones, calidad literaria
y gran energía en las tablas, avalan a esta formación que
tiene su gran baza en un directo que no pasa desapercibi-do
allí donde lo llevan.
Se fue Distrito 14, despierta McFly. ¡Estamos a salvo! Al
este del Moncayo puede seguir oyéndose rock carnoso de
siempre. Burning, Mermelada, los Stones de los prime-ros
setenta, Lou Reed, Faces, la Allman... se traslucen en
este cuarto álbum de los turiasonenses en unas cancio-nes
tan vitales como transparentes.
www.despiertamcfly.com
MABUSE Y LOS
COMPAYOS
Sala López
21:30h
Mabuse & Los Compayos acaban de finalizar la graba-ción
de su primer disco Cantes de ida y revuelta es la
culminación de un proyecto que se inició hace tres años
con los encuentros musicales entre Paul den Holder y
Rodrigo J. García a los que posteriormente se unió José
Luis ‘Fletes’.
Propusieron participar a Daniel Rabanaque, y dijo que sí.
Imaginaron un cuerpo rumbero que les jalease hasta los
cielos formado por Konstan Pradas, Javier López y Eva
Lago. Y lentamente, como se hacen las cosas que desti-lan
cariño, el sonido cada vez fue más compayo. Se trata
de un álbum abierto a los ritmos gitanos, las negruras
musicales, la poesía y algunos cantares. Rumba, samba,
blues, tangos, funky, bulerías... palos diversos, hermana-dos
con respeto y devoción a lo poético.
www.es-es.facebook.com/RodrigoMabuseYtheCompayos

41. 7
artez
NOVIEMBRE 13 14 15
HOTEL
TIEMPO DE LUZ
Sala Z
22:00h
Tiempo de luz es el primer
larga duración de HOTEL, pero
apenas son necesarias un par
de canciones para darse cuenta de que no estamos ante
un grupo neófito que expresa sus primeros balbuceos en
busca de un sonido y de una identidad; se trata de un só-lido
trabajo que muestra la evolución y maduración de la
banda zaragozana, tras la experiencia acumulada en los
dos EP’s que grabaron entre 2008 y 2011, La suite de Marc
Star y Mujer satélite, este último producido por Yosu R.
García (La Tercera República, Tequila, Loquillo).
En su música podemos hallar las huellas de Chris Robin-son
y los Black Crowes, de Neil Young y otros adalides del
rock de sabor genuinamente americano, de los Faces de
Rod Stewart…
www.hotel-musica.com
MARYONE FLY
Sala Credence / 22:00h
La loca de los hits y las pelucas.
Residente en la Sala Boite Hits en Florida 135 (Fraga-
Huesca) MARYONE FLY nació en el año 1988, cinco años
más tarde de que abriera las puertas el Malaka Disco-pub.
Este bar situado en La Almunia de Doña Godina ha
sido y es el culpable de la adicción que Maryone arrastra
por la Música. Aparte de sus pelucas, en su maleta nunca
faltan los éxitos más fuertes de las mejores décadas.
THE SHIMM Sala Pub Eccos
The Shimm es un grupo aragonés-neozelandés de pop-rock
melódico (les gusta llamarlo “pop luminoso”) con influencias
que van desde Weezer, Beatles, Ash, These Animal Men o The
Smiths hasta Teenage Fanclub, Pink Floyd y Radiohead entre
otros. Se formó en Auckland (Nueva Zelanda) en el año 2005.
A finales de 2008, “Eyeball” (su cantante y compositor) se tras-ladó
a Zaragoza con su familia y comenzó a buscar nuevos
músicos con los que crear un nuevo The Shimm. Se incor-poran
Esperanza Faci al bajo, Richi Pérez a la guitarra solista
y Miguel Sanjuán a la batería. Tras granar el II Concurso de
Aragón Musical Radio en el 2011, grabaron su segundo traba-jo,
Overlap. Ese mismo año quedan en la tercera posición del
concurso Ambar Z Music 2011. Actualmente, es una forma-ción
estable, preparada para afrontar nuevos proyectos.
www.myspace.com/bandshimm
23:00h
NACHO ESTÉVEZ
CUANDO TOCO BIEN
LA BOCA ME SABE A
SANGRE
La Campana de los
Perdidos / 23:00h
Una cita de la cantaora Tía Anica la Piriñaca cuando canto
bien, la boca me sabe a sangre da título al debut disco-gráfico
de Nacho Estévez, guitarrista flamenco zaragoza-no
que se estrena en solitario. Durante años, Nacho ha
formado parte del Alejandro Monserrat Grupo, formación
flamenca con tres discos publicados, pero también ha
colaborado con grupos de folk como Biella Nuei, de rock
(Malamente, Los Cármenes), de música electrónica (DAB)
o con Bunbury o Navajita Plateá.
En La boca me sabe a sangre plasma las experiencias acu-muladas
a lo largo de los últimos años a través de siete com-posiciones
de honda raíz flamenca: guajira, soleá, bulerías,
taranta, farruca, tangos y rumba. Sin perder de vista las esen-cias,
pero mostrando un estilo personal. Habla a través de su
guitarra y su música tiene el sabor de la sangre flamenca.
producciones.siamm.es/nachoestevez.html

42. 8
artez
NOVIEMBRE 13 14 15
TEATRO ARBOLÉ
BABEL DE CUENTOS
Teatro Arbolé
09:30h
A través de versos sonoros y cantarines que permanecen
en el recuerdo de nuestros niños durante toda su vida,
Babel de Cuentos se adentra en el mundo de la diversi-dad
lingüística. La niña que riega la albahaca y El príncipe
preguntón de Federico García Lorca, la fábula de Histo-ria
de burros de Juan Ramón Jiménez o el curioso caso
del Culete rebelde de Omar Pompeyo son algunos de los
cuentos que recoge la representación. Nuestro objetivo
con Babel de Cuentos es que el niño comprenda no solo
la utilidad de aprender otros idiomas, sino el placer y la
diversión que supone comunicarse en lenguas distintas,
compartiendo otros conocimientos y formas de mirar el
mundo. El niño gana confianza en sí mismo y su autoesti-ma
se ve reforzada cuando es capaz de entender y comu-nicarse
con otras personas y en otros idiomas.
www.teatroarbole.es
ESENCIA
PRODUCCIONES
CHEF MOSTACHÓ
Centro Cívico La Almozara
11:00h
Chef Mostachó y su ayudante Pintxo están de visita en tu
localidad: el Chef Mostachó viene dispuesto a mostrar las
delicias de la gran cocina internacional. Pero los niños,
ayudados por Pintxo, le demostrarán que lo mejor son las
recetas sencillas hechas por uno mismo y con productos
locales.
Sin embargo, el Chef no se cree del todo que los chavales
puedan llegar a ser cocineros y para demostrarle que es-tán
preparados deberán superar diversos retos y prepa-rar
el plato que el Chef les propone… ¿Serán capaces?
Con El Chef Mostachó, los niños y no tan niños participan
se divierten jugando juntos, cantando y cocinando. De la
mano de nuestros estrafalarios personajes preparar una
sabrosa merienda que se convierte en una gran aventura.
www.esenciaproducciones.com
LA MOV CÍA DE DANZA
EL SUEÑO DE UNA
NOCHE DE VERANO
Teatro de la Estación
12:30h
Sueño y realidad, amor y mucha magia. Son los cuatro
pilares sobre los que se asienta El sueño de una noche de
verano, que con motivo del 450 aniversario del nacimien-to
de William Shakespeare, LaMov traduce al mundo del
ballet. A través del movimiento narra la historia de amor
de varias parejas, con sus sufrimientos, sus deseos y sus
miedos, con sus argucias de enamorados. Todos se bus-can,
se entrelazan y se aman enzarzándose. Y todo ocurre
en el bosque, el espacio para la fantasía y exaltación de
los sentidos, donde se desbocan los deseos, el lugar má-gico
en el que el amor suelta sus amarras, en el que todo
puede ocurrir. El sueño y la realidad se funden, la trage-dia
y la comedia amorosa se confunden… Locura, amor y
poesía que dura toda una noche que culmina cuando que-dan
resueltos los pesares y sufrimientos del amor.
www.lamov.es
13
JAVIER ARANDA
PARIAS
El Sótano Mágico
23:00h
Un espectáculo de títeres para adultos donde la relación
entre el muñeco y el titiritero llega a un grado de intimidad
que estremece. En Parias los títeres son el símbolo brillante
de la degradación y la marginación del ser humano; Hamlet,
El tiranicida, Los miserables y La cantante calva cuatro
microhistorias que conmueven y obligan a la reflexión.
Parias retoma temas y vías del teatro clásico, devolviendo
al escenario su función social. Muñecos hechos de cartón y
tela que se funden con el actor, que hablan con él, danzan
con él, se apoderan de él… Y nos arrancan la sonrisa, nos
contagian sus emociones, nos hacen cómplices de sus
historias y sus mundos.

43. 9
artez
NOVIEMBRE 13 14 15
COMPAÑÍA CIRTEANI
NAUTRAXTOS
Teatro de las Esquinas
(exterior)
16:00h
Tras una dura selección entre cientos de aspirantes,
cuatro son los elegidos para realizar las pruebas espe-cíficas
para los entrenamientos que dan paso a la misión
espacial.
Ejercicios gravitacionales, pruebas de flotación sin flota-dores,
ecuaciones matemáticas trigonométricas, planos
y antiplanos, la materia y el vacío. Todo hasta ser nom-brados
Nautraxtos. Ya están preparados para su primer
viaje. Por fin harán su primera salida espacial. Los cinco
componentes, cuatro nuevos Nautraxtos y su instructor
se disponen a viajar por otros planetas, su objetivo princi-pal
es buscar un nuevo lugar donde colocar su bandera.
Sin darse cuenta y debido a un error de órbita aterrizan de
nuevo en la tierra pero para ellos cada rincón es igual de
desconocido que cualquier otro planeta.
www.ciacirteani.com
LOS NAVEGANTES
PRODUCCIONES
TEATRALES
PEER GYNT,
EL AVENTURERO
Teatro Arbolé
17:30h
Peer Gynt, el aventurero tiene un único y claro objetivo:
mostrar un mar de emociones y sensaciones en un es-cenario
casi desnudo. Sobre una escenografía que más
que definir sugiere, el amor, la mentira, la crueldad, el
humor e incluso la muerte van cobrando vida en cada una
de las situaciones que marcarán el devenir de nuestro
protagonista: Peer. En una sociedad cada vez más deshu-manizada
y en la que para muchos jóvenes lo virtual tiene
más protagonismo que lo real, sentimos la necesidad de
mostrarles que el teatro todavía puede emocionarnos,
emocionarles, y que sólo a través del teatro podemos vivir
o revivir experiencias únicas, más próximas a lo real que a
lo virtual. Nosotros nos hemos emocionado creando esta
obra. Ahora esperamos que vosotros también os emocio-néis
junto a nosotros.
www.teatrolosnavegantes.com
PRODUCCIONES
VIRIDIANA
LIGEROS DE
EQUIPAQUE
C. C. Teodoro Sánchez
Punter / 20:30h
Ligeros de equipaje son los trozos rotos de la memoria de
alguien que recuerda sin querer recordar, de alguien que
cuenta sin querer contar, que relata su vida sin saber si
miente, porque todo es demasiado absurdo para ser creí-do…
En aquel éxodo del 1939 en el que casi medio millón
de personas cruzaron, a través de los Pirineos, la frontera
francesa. Había restos del ejército republicano, pero tam-bién
población civil, muchas mujeres y niños. Ligeros de
equipaje pretende, con una historia de ficción creada con
multitud de crónicas y testimonios, recuperar la verda-dera
historia de cientos de miles de personas. Una his-toria
casi olvidada, perdida en el tiempo. Una crónica del
hombre común, aquel que no aparece en los libros, aquel
que sufrió el cruel exilio. Una historia de ficción basada en
cientos de historias reales.
www.viridiana.es
PEPE LIRROJO &
PEPÍN BANZO
IN - EXTREMIS
El Sótano Mágico
19:00h
Pepe y Pepín… Pepín y Pepe… Llevan al extremo todas
y cada una de las ramas del ilusionismo… cartomagia,
mentalismo, escapismo, faquirismo, espiritismo… viven
sus versiones más estrambóticas de la mano de este dúo
sin par. Cena Extrema... nuestra particular última cena….
milagros, multiplicaciones, desapariciones…. de panes,
de peces… Cartomagia Extrema: Cartomagia sin sentido
y sin sentidos. Mentalismo Extremo: lo que viene hacien-do
un mentalista al uso…. pero llevándolo al más alocado
extremo. Escapismo Extremo: Dos personas, animales o
cosas…. totalmente inmovilizadas por los espectadores.
Faquirismo Extremo: cuchillos, agujas, cuchillas de afei-tar
puercoespines, penetran en nuestro organismo para
el deleite de los asistentes.
www.pepinbanzo.com / www.pepelirrojo.com

44. 10
artez
NOVIEMBRE 13 14 15
OLGA Y LOS
MINISTRILES
Centro Cívico La Almozara / 21:00h
El grupo Olga y los Ministriles se presenta ante el públi-co
en el Festival Internacional del Castillo de Aínsa 2009,
cosechando una excelente crítica. Nace con la intención
de mostrar una visión más personal de la música popu-lar
aragonesa, donde se mezclan los instrumentos más
autóctonos y ancestrales que se tocan en los dances pi-renaicos,
con la magnífica voz de Olga Orús, una de las
mejores voces del panorama de la música folk española.
Sus temas, de composición propia y del folklore aragonés,
reflejan el compromiso, que desde hace tantos años, tie-nen
algunos de sus componentes con la difusión de nues-tra
música tradicional.
www.olgaylosministriles.es
©Ignacio Galarraga
14 KM Centro Cívico Delicias / 21:00h
Proyecto de cooperación de los festivales Pirineos Sur
(ESPAÑA) y Festival L`Boulevard (MARRUECOS). 14 KM
está formado por tres músicos de España (Momo, Mon-cher,
y Gordo del Funk) y tres marroquíes (Khalid Mouk-dar,
Anas Chlih y Hassan Krifa). Destaca la versatilidad
instrumental de esta formación, que combina el trabajo
de productor y la bases electrónicas de Gordo del Funk,
con elementos acústicos como el trombón y guitarra, y
con instrumentos tradicionales marroquíes como el laud,
gembri y la percusión. Los líderes vocales son Momo y
Khalid, dos voces versátiles que fusionan el rap con el
rock, el reggae y el punk. Fusión musical de dos estilos
muy diferentes, y unos textos con un alto contenido social.
Un constante viaje musical de uno y otro lado del estre-cho,
pero con proyecto común.
www.pirineos-sur.es/artistas/?artista=435
DAS LAUNDROMAT
La Lata de Bombillas / 22:00h
Das Laundromat es un grupo de indie-rock creado en
Zaragoza en los fríos días de enero de 2012. Pasan las
armonías de los 60s (Beatles, Byrds, Love) por el filtro
del indie de los 80s y los 90s (Dinosaur Jr., Sebadoh,
Teenage Fanclub) para conseguir un sonido que a todo
el mundo emociona. Graban su primer disco durante
la última mitad de 2013 y comienzan a presentarlo en
los primeros meses de 2014 en sitios míticos como La
Lata de Bombillas con acogida muy positiva por parte
de Capitán Demo de Radio 3 y Comunidad Sonora de
Aragón Radio.
Bandcamp
www.facebook.com/DasLaundromatmusik
TEATRO DEL TEMPLE
ARTE DE LAS PUTAS
Teatro de las Esquinas
23:00h
Arte de las putas, el opúsculo-ensayo-conferencia de Ni-colás
Fernández de Moratín, ha sido para Teatro del Tem-ple
una semilla fecunda, que les permite compartir con
el público una historia de amor poblada de una multitud
de gente, voces, músicas, humor, ironía, sátira, ternura
y arrebato. Risa, sí. Regocijo, también. Emoción, irrenun-ciable.
Teatro, siempre.
El machismo, la consideración de la mujer como objeto
sexual, su subordinación a los deseos del hombre.... es-tán
implícitos en todos los textos de este tipo que el Siglo
de las Luces alumbró. Por eso cuentan esta historia des-de
otro punto de vista. El de celebrar a las mujeres.
Toman el texto de don Nicolás y con la ayuda de Tomás de
Iriarte, Félix de Samaniego y Leandro Fernández de Mo-ratín,
cuentan la historia de un personaje que no aparece
en ningún texto: Elías Cañabate, un chulo enamorado que
viene a cantar las galas de la difunta.
www.teatrodeltemple.com

45. 11
artez
NOVIEMBRE 13 14 15
EL MANTEL
DE NOA
INSTRUMENTALIA
Centro Cívico La Almozara
23:00h
Disfruta de un viaje musical por diferentes épocas y
países. Déjate llevar por el embrujo de la música tradi-cional
sefardí... Suecia, Armenia, Rumanía, Irlanda, son
sólo algunos de los destinos que se puede sentir de la
mano de Pilar Gonzalvo y Miguel Ángel Fraile... Imagina
países lejanos a través de sus melodías. Un espectáculo
único y emocionante donde instrumentos tan lejanos y
peculiares como el duduk, el arpa, la zanfona, la gaita
irlandesa o el acordeón diatónico entre otros, se unen
llenos de delicadeza en una vivencia íntima, de la que el
espectador saldrá “encantado”.
www.soundcloud.com/el-mantel-de-noa
RUBÉN JIMÉNEZ Y
JUAN DUAL
La Campana de
los Perdidos
23:00h
©Marta Marco
Concierto de Juan Dual, cantaor y Rubén Jiménez Gimé-nez,
ambos ganadores de la I Edición Concurso de Fla-menco
para Aficionados de Zaragoza, en sus variantes de
cante y toque de guitarra.
En este concierto, interpretarán, entre otros algunos de
los palos con los que se alzaron vencedores de dicho cer-tamen,
como la soleá a la voz, y los toques de granaína o
malagueña a la guitarra.
Dos jóvenes músicos que ponen de manifiesto que el fla-menco
mantiene su fuerza y poderío.
HUESCA BIG BAND
La Bóveda del Albergue
22:00h
La andadura de la Huesca Big Band empezó en enero de
2013 en el marco del laboratorio ArtLab del Ayuntamiento
de Huesca. Este proyecto fue avanzando por los diferentes
escenarios que la ciudad de Huesca ofrece para repre-sentar
este tipo de espectáculos que nos transporta al es-tilo
de los años 50 y 60 de las grandes formaciones de jazz
y música latina. Las Big Bands en Estados Unidos.
El repertorio, trabajado por su director, Gerardo López y
los más de veinte integrantes (saxos, trombones, trompe-tas
y sección rítmica compuesta por piano, guitarra, bajo,
batería y percusión auxiliar y voz femenina y masculina),
todos ellos músicos de la ciudad y cercanías, la Huesca
Big Band nos lleva a temas estándar de jazz adaptados a
esta formación, también a temas pertenecientes a la cul-tura
española.
www.huescabigband.es
TINGLAO FUSION
BAND
Sala Roxy / 22:00h
TINGLAO fusion band, es una formación hispano-cubana
con residencia en Zaragoza, que intenta aunar las inquie-tudes
artísticas dentro de una depurada musicalidad. Es
en 2011 cuando se completa la formación acuñando un
sonido mucho más fresco, maduro y depurado. Con te-mas
que van desde el jazz-fusion al latin-jazz, pasando
por el jazz-rock, plasman en cada espectáculo una au-téntica
amalgama sonora de influencias, consiguiendo
obtener muy buenas críticas nacionales e internaciona-les
de sus recientes composiciones y adaptaciones en su
corto periodo de andadura. En julio de 2013 publicaron
su primer trabajo discográfico, Por encontrar más luz
(Delicias Discográficas / La Tapisca Producciones), en
conjunción con la obra plástica del artista gráfico Yen-dris
Patterson Ricardo.
www.tinglaofusionband.com/es

46. 12
artez
NOVIEMBRE 13 14 15
CIVI CIVIAC
MAGIC CASTING
Teatro Arbolé
09:45h
ALODEYÁ CIA
SON RECUERDOS
Teatro de la Estación
11:30h
Un atípico casting con público en directo.
Una comedia en clave de magia, donde el teatro y el humor
se dan la mano, para contar la historia de cinco personajes,
que buscan un futuro mejor: Ganar Magic Casting y abrir
las puertas de la fama televisiva. Los cinco ilusionistas,
venidos de diferentes países, son expertos especialistas
en magia y compiten al más alto nivel, utilizando sus más
variadas artes y disciplinas mágicas, para sorprender al
público en vivo y en directo: desde Francia, llega la magia
clásica y la manipulación de Monsieur Chapoo; desde Es-paña,
la magia cómica del Mago Yaso; desde Finlandia, las
indomables lenguas de fuego del Faquir Steel Amorphis;
la hipnosis más cómica y sorprendente con el Ruso Dimitri
Vladimir Ivanov y la frescura, simpatía y poesía mágica vi-sual,
con la maga americana Miss Marlyn.
www.civi-civiac.com
Alodeyá Cia. surge de la inquietud de sus componentes de
buscar nuevos caminos por expresión a través de la siner-gia
entre distintas formas artísticas. Mediante la poesía, la
música, la danza y el circo desarrollan un lenguaje íntimo
y de gran elocuencia para contar historias de encuentros
y desencuentros, de amor y desamor, de juego. Historias
de gran potencia visual y de contenidos. Un baúl con fo-tografías
sumerge a los dos enamorados en un sueño en
el que se reencuentran y pueden volver a compartir sus
momentos de felicidad hasta que el peso de la realidad
que los separa se hace patente. Una propuesta hacia los
sentimientos desde la melancolía y desde el amor. Son
recuerdos… pone en escena una propuesta coreografiada
de danza, teatro y malabares que se mezclan a ritmo de
música en directo. Edu y Paula se acompañan de Sofía al
piano, en una bonita historia de amor, una bien trazada
interactuación de música y movimiento.
www.alodeya.com
14
15
ESPARATRAPO
SIN TRAMPA
NI CARTÓN
La Casa del Loco
23:00h
Marian y Roy Emperador son ESPARATRAPO, uno de los
grupos revelación de Aragón. Sus conciertos son diná-micos
y muy divertidos. Tras dos años recorriendo los
escenarios de diversas poblaciones, salas y eventos pri-vados,
publican su primer disco Sin trampa ni cartón,
donde se incluyen las versiones que dan a conocer en
sus conciertos y algún tema propio. Sus conciertos están
dedicados a todo tipo de público. En sus directos pode-mos
escuchar versiones de Sabina, Serrat, Luz Casal,
María Dolores Pradera, Albert Hamond, Kiko Veneno,
Peteco Carvajal, Amaral… entre otros, además de sus
temas propios. Un recorrido por lo mejor y más impor-tante
de la música hispano latina de todos los tiempos
revisitados de una manera íntima y personal que no deja
indiferente a nadie.
www.esparatrapomanager.wix.com/esparatrapo
OUI PEOPLE El Zorro / 23:00h
OUI PEOPLE comienza a gestarse en 2010 a partir de
las composiciones del cantante y guitarrista Guillermo
Fernández, si bien su debut en vivo no se produce has-ta
diciembre de 2013. Guillermo, que durante los últimos
años ha vivido en el sur de Francia, se ha rodeado en este
proyecto de destacados músicos de la escena zaragoza-na,
procedentes de bandas como El Hombre Lento o Los
Brodies. En sus canciones se mezclan múltiples ingre-dientes
sonoros: funk, soul, rap, rock, chanson francesa,
blues, toques psicodélicos; melodías pop, guitarras roc-keras,
bases rítmicas de raíz negra, cuidadas armonías
vocales y detallistas arreglos. Letras en francés e inglés
que pueden ser tiernas o violentas, oscuras o llenas de
luz, infantiles o pornográficas. Música rica en contrastes
y sugerencias, cosmopolita, sin prejuicios y abierta a muy
diversos influjos.

47. 13
artez
NOVIEMBRE 13 14 15
CALEIDOSCOPIO
TEATRO
EL ABRIGO DE YORICK
Teatro Arbolé
17:30h
SEIS DE TRÉBOL
EL CASO PERRY
C. C. Teodoro
Sánchez Punter / 12:30h
TEATRO DE LA
ESTACIÓN Y
ACTUANDO SIN RED
ANIMALICOS
Teatro de la Estación
19:00h
D´CLIK
L´AVANT-PREMIÈRE
Teatro de las Esquinas
16:00h
La Musa del fuego danza y convoca a la imaginación. Llega
Yorick, con su abrigo, un objeto muy especial que cobija y con-forta.
De sus bolsillos brotan las musas que traen variados
artilugios con los que cultivar el arte de contar historias.
Comienzan las peripecias de Yorick y Tubitos, dos intré-pidos
personajes… Historias de papel que dan vida a un
hermoso cisne… El sol y el viento desatan sus furias…
Tubitos es muy curioso y siempre desencadena nuevas
trapisondas… la maleta misteriosa, la extraña barbería...
que culminan con Yorick y la nariz aventurera.
Todo esto y mucho más trae consigo este abrigo… repleto
de historias hechas con amor y risas, con palabras y ges-tos...
poesía visual.
Os invitamos a un viaje por el Mundo del otro Teatro, el
que tiene que ver con los clowns de teatro, los fabulado-res,
las máscaras, los bufones, los objetos imposibles o
sorprendentes, el juego, la música y la pantomima.
www.caleidoscopioteatro.com
El Caso Perry es una comedia negra de humor absurdo
para público juvenil y adulto.
Todos los ingredientes del género, pasando por detecti-ves,
asesinos, víctimas o mujeres fatales, se encuentran
presentes en esta obra, en la que el ritmo transcurre de
forma trepidante hacia un sorprendente final.
A través de una trama fragmentada y no lineal, la puesta
en escena opta por recursos cinematográficos como son
los saltos temporales, la voz en off o la iluminación, y des-de
el humor absurdo conduce al público hacia la resolu-ción
del caso.
Una obra de humor, con música en directo y tintes de có-mic,
que evoca recursos de películas desde El Inspector
Clousseau, pasando por Espía como puedas, hasta Pulp
Fiction.
www.facebook.com/SeisDeTrebol
Ah!, la vida en el campo. La buena comida, el aire puro, el
canto de los pájaros, las noches estrelladas. La libertad.
Todo lo que no disfrutan los ‘animalicos’ de nuestra his-toria.
Rafael, un animal de costumbres que ha desapare-cido
de repente; las gallinas y los pollos, indefensos ante
cualquier ataque; Manuela, una palomita indefensa; los
conejos y las liebres, que saltan cuando menos te lo es-peras;
Santiago, que es muy perro, y que le da cosica que
las arañas le rocen el cogote; el Terry, perrillo cazador,
testigo incómodo de cuanto ocurre.
Y Encarna, claro, que es muy zorra, y que no está dispues-ta
a que las cosas cambien. Porque los animales son así,
necesitan la seguridad de su hábitat. Y son capaces de lo
increíble para adaptarse al cambio, y que nada cambie.
Una comedia negra a la luz de la lumbre, en la que nos
reiremos reconociéndonos a nosotros mismos en estos
personajes tan desquiciados. Al fin y al cabo, estos ‘ani-malicos’
son de nuestra misma especie
www.teatrodelaestacion.com
El espectáculo, que brinca entre realidad y ficción, crea
un universo poético y entrañable a través de una escritura
de teatro físico con códigos de danza y circo.
El encuentro entre dos personajes, Pingo, acomodador de
una sala de cine que procura que todo el mundo tenga un si-tio
adecuado y Olvido que acude cada día a esta misma sala.
¿Será actriz, directora de cine o una fiel espectadora?
Un espectáculo que hace un guiño al mundo soñador, fas-cinante
y fabulador del cine. Ese maravilloso lugar en el
que nos abandonamos y poco nos importa si la sala está
vacía o llena, porque logramos recrear nuestros anhelos y
eso nos basta para combatir la imperfección de la vida.
D’Click entiende las artes circenses como un lenguaje
educativo y transformador que permite expresar otras
maneras de entenderse y relacionarse, y que nos ayuda a
valorar y comprender el mundo con humor y con respeto.
www.dclickweb.net

48. TEATRO ARBOLÉ
Paseo del Botánico, 4
(Parque del Agua Luis
Buñuel)
50018 ZARAGOZA
Tel. 976 73 44 66
arbole@teatroarbole.es
TEATRO DE LA ESTACIÓN
C/ Domingo Figueras
Jariod, 8-10
50004 ZARAGOZA
Tel. 976 46 94 94
info@teatrodelaestacion.com
TEATRO DE LAS ESQUINAS
Vía Universitas, 30
50017 ZARAGOZA
Tel. 976 33 30 55
info@teatrodelasesquinas.com
TEATRO DEL MERCADO
Plaza Santo Domingo s/n
50003 ZARAGOZA
Tel. 976 43 76 62
EL SÓTANO MÁGICO
C/ San Pablo, 43
50003 ZARAGOZA
Tels. 646 436 571
687 885 409
info@elsotanomagico.com
14
artez
BELLADONA TEATRO
MUNDO ROTUNDO
El Sótano Mágico
20:45h
CENTRO CÍVICO TEODORO
SÁNCHEZ PUNTER
Plaza Mayor, 2
50008 ZARAGOZA
Tel. 976 72 60 60
civicopunter1@zaragoza.es
CENTRO CÍVICO
LA ALMOZARA
Avda. Puerta Sancho, 30,
50003 ZARAGOZA
Tel. 976 72 60 98
civicoalmozara1@zaragoza.es
CENTRO CÍVICO DELICIAS
Avda. Navarra, 54
50010 ZARAGOZA
Tel. 976 726 169
civicodelicias1@zaragoza.es
EL ZORRO
Centro Comercial Indepen-dencia
Paseo de la Independencia 24,
50004 Zaragoza
Tel 976 21 80 97
pubelzorro@gmail.com
LA LEY SECA
C/ Sevilla, 2
50006 ZARAGOZA
Tel. 652 63 55 07
Info@laleyseca.com
SALA Z
Calle Félix Latassa, 14.
50009 Zaragoza
Tel 976567889
tocarenelz@gmail.com
LA LATA DE BOMBILLAS
C/ María Moliner, 7
50007 ZARAGOZA
Tel. 656 23 05 97
lalatadebombillas@gmail.com
SALA CREEDENCE
Plz. San Lamberto, 3
50004 ZARAGOZA
Tel. 696 94 67 07
raul@creedence.es
LA CAMPANA DE LOS
PERDIDOS
Calle Prudencio, 7
50003 ZARAGOZA
Tel. 976 39 80 85
rodo@campanadelosperdidos.com
SALA ROXY
Calle Temple, 7
50003 ZARAGOZA
Tel. 672 78 23 58
marcostnt666@hotmail.com
roxy@salaroxy.com
SALA LÓPEZ
Calle Sixto Celorrio, 2
50015 ZARAGOZA
Tel. 976 44 66 66
info@salalopez.com
booking@salalopez.com
LA CASA DEL LOCO
Calle Mayor, 10
50001 ZARAGOZA
Tel. 976396771- 976293850
lacasadellocozgz@gmail.com
info@lacasadelloco.es
LA BÓVEDA DEL
ALBERGUE
C/Predicadores, 70
50003 ZARAGOZA
Tel. 976 282 043
laboveda@alberguezaragoza.com
SALA PUB ECCOS
Calle Sevilla, 24
50006 Zaragoza
Tel. 628 29 88 54
ricardoeccos@gmail.com
DIRECCIONES DE LAS SALAS
SANTIAGO AUSERÓN
‘JUAN PERRO’
Teatro de las Esquinas
23:00h
Mundo rotundo es un espectáculo de teatro de sala que
intenta desmenuzar, a través de seis historias, de seis es-cenas,
un universo pegajoso y desquiciado de servidum-bres
tecnológicas y emociones customizadas. Suicidios
digitales, realities carniceros, indigentes mediáticos, an-droides
electrodomésticos, velatorios de humo, un mundo
de desmesura fermentado a través de un humor afilado y
poco condescendiente.
Los espectáculos de Belladona Teatro reúnen una serie de
características que a veces suponen una simple tenden-cia
y otras un rasgo estructural: inmediatez, organicidad,
ausencia de cuarta pared, el surrealismo como tránsito
más que como punto de partida, el uso de cualquier téc-nica
escénica que favorezca el desarrollo de la historia, la
perplejidad y la histeria como puntos de vista.
Haciendo gala de la historia musical que tan bien conoce,
Juan Perro lleva las composiciones desde Cuba a Nueva
Orleans y viceversa, como un sonero antiguo y como un
bluesman de raza, acercando orillas y amasando sincre-tismos
en un esplendoroso tratado de negritud que no
oculta los aromas (roqueros, trovadorescos, mediterrá-neos,
etcétera) que algunas de las canciones adquirieron
en origen.
En escena está acompañado por el guitarrista Joan Vin-yals,
barcelonés a quien Auserón llama cariñosamente
“el dimoni del barri de Gràcia”.
Juan Perro no escatima tiempo ni canciones: 22 piezas
que lanza sin prisa, ofreciendo un espectáculo doble: por
un lado, la vitalidad de la música; por otro, la gracia, la
ironía y la invención de unas inteligentes e hilarantes pre-sentaciones
que son en sí mismas todo un show.

49. 15
artez
OTRAS COMPAÑÍAS Y GRUPOS
TEATRO
El gabinete de los sueños extraviados
Teatro Binomio
C/Lobez Pueyo, 19
50007 Zaragoza
Tel. 976 256 217
www.binomioteatro.com
La revelación
Romperlanzas Compañía Teatral
C/Comandante Repollés, 21
50001 Zaragoza
Tel.: 655 552 486
www.gromelo.com
Cuentos del mar allá
Teatro la Cosa
C/ Las Cambras, 15 2 drch
22700, Jaca (Huesca)
Tels.:974 361 600 / 660 678 321
www.teatrolacosa.es.tl/TEATRO-LA-COSA.htm
Barça – Madrid
Los Mancusos
C/ Fita, 13, 3.izda.
50005, Zaragoza
Tel. 669 017 789
www.losmancusos.com
Todoterapia
The Feas Company
Tels. 609 213 920 / 655 646 914
www.thefeascompany2013.wix.com/thefeas
DANZA
Entre cajas
Carlota Benedí
C/Lopez Allué, 9-11
50005, Zaragoza
Tel. 666 940 030
www.carlotabenedi.es
MÚSICA
Amankay
C/ José Oto 5, bajo (Zaragoza)
Tel. 976 189 455
www.amankay.org
Ana Midón & Miles Away
C/ Unceta, 6 dpdo 1º a
50010, Zaragoza
Tel. 976 346 738
www.es-es.facebook.com/pa-ges/
Ana-Mid%C3%B3n-Miles-
Away/251239174930425
Angelitos Negros
Tel. 670 231 534
www.facebook.com/Ang3litosN3gros
Ars Liricae
Canciones de una vida
Tel. 622 068 544
ars.liricae@gmail.com
Bvocal
C/ Juan Blas de Ubide, 26
50015, Zaragoza
Tels. 976 516 006 / 654 232 380
www.bvocal.org
Beatriz Bernad
Plz. las Eras, esc. A, 1ºC
50002, Zaragoza
Tel. 976 203 526
www.es-la.facebook.com/beatriz.bernadesteban
Bel Canto Ensamble
anaisabelsoprano@yahoo.es
Biella Nuei
Tel. 607 625 774
www.biellanuei.com/inicio.html
Roberto Ciria
Avda. Menendez Pidal, 19
22004, Huesca
Tels. 974 232 043 / 974 230 797
www.espiritudelsur.com/artistas/la-jota-del-
siglo-xxi
Carlos Sobreviela
Tel. 636 227 929
http://carlossobreviela.com/web/
Chema Bello
www.myspace.com/chemabello
Estampa Baturra
C/ Batalla de Arapiles, 18-20
50003, Zaragoza
Tel. 976 446 740
www.estampabaturra.com/
El factor humano
C/ Unceta, 6 dpdo 1º A
50010, Zaragoza
Tel. 976 346 738
www.es-es.facebook.com/el.f.humano
Ensemble Al Inte
Cine mudo con música en directo
Tel. 609 951 157
www.ensemblealinte.com/Ensemble_Al_
Inte/inicio.html
Evoéh
Tel. 659 673 256
www.evoeh.es/
Franco deterioro
http://es-es.facebook.com/pages/
Franco-Deterioro-y-Qui%C3%A9n-
Son/108111772551137
Gaby Morgan y Los Titanes del Rock
www.es-es.facebook.com/GabyMorgan-
YLosTitanes
Galimatías Band
Tel. 607 801 359
www.galimatias.co
Gancho Drom
www.ganchodrom.bandcamp.com/album/
de-rodriguez
Gustavo Giménez
gustgim@hotmail.com
Joaquín Carbonell y Eduardo Paz
C/ San Miguel 26, 3ºB
50001, Zaragoza
Tel. 976 223 121
www.gesmanagement.com
Los Brodies
Tels. 976 291 475
www.losbrodies.com
Los Expresos
www.es-es.facebook.com/
events/326820160696094
María Confussión
Tels. 910 019 991 / 668 876 091
www.mariaconfussion.es
Matías Mingote Germán
Tel. 976 216 808
www.matiasmingotegerman.net
Mosicaires
Tel. 649 402 620
www.mosicaires.wordpress.com
O`Carolan
C/ Cosme Blasco 5, 4º B
50006, Zaragoza
Tel. 615 076 712
www.ocarolanfolk.com
Reflexive
Tel. 676 473 729
jrsmos@hotmail.com
Seven
chemitogon@gmail.com
Tempo Giusto
Avda. María de Zambrano, 10
50018, Zaragoza
Tel. 650 927 462
www.amtempogiusto.com/index.htm
The Patinnettes
C/ Unceta, 6 dpdo 1º A
50010, Zaragoza
Tel. 976 346 738
www.es-es.facebook.com/thepatinettes
Ticket
www.facebook.com/TICKET.poprock/info
Tritón Jiménez
www.eses.facebook.com/pages/Trit%C3%B
3nJim%C3%A9nez/557233810997691

52. 14 septiembre C52
Zeena estrena El Elefante ha Ocupado la Catedral
La utopía es posible en el
mundo de la imaginación
omo “una asociación de profe-sionales
del teatro dedicados a
la producción de espectáculos y
a enriquecer el actual entramado
cultural” se presenta Zeena Producciones
Teatrales cuyo primer proyecto, El elefante
ha ocupado la catedral de Juan Mayorga
se estrena el 13 de septiembre en el Tea-tro
Paco Rabal de Madrid.
Dirigido por Juanfra Rodríguez, este
montaje, el primero de Mayorga para pú-blico
familiar, quiere desmarcarse de la
“tendencia moralista y educativa propia
del teatro infantil” apuntan desde la com-pañía,
apostando para ello por un enfoque
distinto al habitual y una puesta en escena
que mezcla lenguajes escénicos como el
teatro, la música y el audiovisual.
La historia de El elefante ha ocupado
la catedral viene de hace un par de años,
cuando Mayorga escribió la obra para que
fuera interpretada por niños y niñas de una
comunidad de vecinos de un amigo del dra-maturgo
y desde entonces la obra se ha
representado en algunos colegios, siempre
con niños y niñas como actores. Después
vino otra transformación; el texto teatral,
www. a r t e z b l a i . c o m
acompañado de las ilustraciones de Daniel
Montero Galán se convirtió en un bello libro
publicado por la editorial 27 Letritas.
Tras este viaje llega ahora el momento
de la propuesta teatral profesional en la
que Juanfra Rodríguez tiene la misión de
aunar todas las disciplinas –el texto de
Mayorga, la música de su amigo Pedro
Sarmientos y las ilustraciones de Monte-ro–
sobre el escenario.
Para la puesta en escena de esta histo-ria,
“una utopía, si se quiere hacer un símil
con el mundo real, pero algo factible en el
mundo de la imaginación” tal y como señala
Mayorga, Rodríguez cuenta con Esther Ace-vedo
como ayudante de dirección, Mónica
Florensa para el diseño escenográfico y de
vestuario y los intérpretes Cristina Gallego,
Víctor Antona, Quique Fernández Villar, Ma-ría
Moral y Miguel Ángel Jiménez que darán
vida a una serie de variopintos personajes
dispuestos a solucionar un grave proble-ma:
un elefante ha llegado a la ciudad y...
¡ha ocupado la catedral! pero además... ¡la
víspera de la llegada de los turistas norue-gos!
Es un desastre. La imagen de la ciudad
está en riesgo y deben tomar medidas. Allí
aparecerá la alcaldesa que se pone manos
a la obra y llama a un fontanero a punto
de jubilarse para que junto a su ayudante,
una joven aprendiz consigan sacar al ele-fante.
Entre todo el embrollo también está
el cura, el organista, un sargento... todos
ellos emprenderán un fantástico viaje que
desde la trompa, les llevará por el interior
del gran mamífero hasta dar con la clave
del misterio.
El objetivo de este espectáculo, para
cuyo montaje Zeena Producciones Tea-trales
ha recurrido al micromecenazgo a
través de internet, es ofrecer un “juguete”
escénico para los más pequeños y un rato
de entretenimiento y humor para los adul-tos
y es que tal y como apunta Rodríguez
“lo que me apetece aportar es una forma
de hacer teatro infantil que a mí me atra-pa.
Se trata de considerar la obra como si
fuese un juguete. Esta metáfora me gustó
mucho cuando la leí de un dramaturgo ca-nadiense.
Ellos están más avanzados que
nosotros en la escena infantil. No se tra-ta
de educar, sino de divertir y pasárselo
bien y que los niños vuelvan a querer que
les cuenten una historia en el teatro”.

53. septiembre 14
53
Estreno de El Largo Viaje del Día Hacia la Noche
Un clásico universal sobre los
demonios de la familia
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El 4 de septiembre se estrena en el
Teatro Marquina de Madrid El lar-go
viaje del día hacia la noche de
Eugene O´Neill en versión de Borja
Ortiz de Gondra y bajo la dirección de Juan
José Afonso con dos grandes de la escena
en los papeles protagonistas, Mario Gas y
Vicky Peña, acompañados por jóvenes ve-teranos
con larga experiencia como Juan
Díaz, Alberto Iglesias y Mamen Camacho.
Los cinco intérpretes pondrán ante
el público la historia de la familia Tyrone
“que es un trasunto apenas velado de la
propia familia de O´Neill, parece ser un
caso especialmente agudo de padres e
hijos incapaces de encontrar la manera de
vivir juntos, pero igualmente imposibilita-dos
para abandonarse” explica Ortiz de
Gondra, encargado de esta versión “ab-solutamente
fiel a la trama y con las míni-mas
libertades que exige un espectáculo
hoy” tal y como afirma el director de la
propuesta, Juan José Afonso.
Y es que el equipo artístico se enfrenta
a este clásico “tratando de ser fieles al
espíritu del autor, a la esencia de su obra”
apunta Afonso, quien recuerda una frase
del dramaturgo norteamericano “la mira-da
piadosa, comprensiva y salvadora so-bre
cada uno de los personajes, tratando
de no tomar partido y de defenderlos con
la mirada atormentada y bañada de anti-guo
dolor, lágrimas y sangre”, frase con la
que definió O´Neill su estado de ánimo al
escribir la obra. “Deseamos potenciar esa
palabra tan cuidada por O’Neill gracias a
un trabajo esencial con los actores; todo
el montaje girará en torno a un trabajo
con ellos para que, desde la sencillez y la
humildad, con su trabajo desnudo, cons-truyan
el mundo de esa familia que son
todas las familias. Deseamos contar esta
historia porque creemos que nadie como
O’Neill ha sabido relatarnos a partir de su
mundo más íntimo y personal los grandes
enigmas del ser humano y su relación con
el mundo. Partiendo de un reencuentro
familiar y en el transcurso de un anodino
día de verano hasta la caída de la noche,
O’Neill nos termina enfrentando a grandes
retos de nuestra existencia. Y eso es lo
que hace de esta obra un clásico univer-sal
” aclara Afonso.
Según va avanzando la obra, “el espec-tador
comprende, entre la fascinación y el
horror, que los seres humanos que palpi-tan
enfrente de él se parecen demasiado
a nuestros propios hogares. ¿Quién no
reconocerá en una réplica, en un gesto, en
un silencio de los Tyrone algo vivido en su
propia carne, en algún momento de su vida
familiar? Porque esa es la grandeza que
hace de este texto un clásico: nos tiende
un espejo para decirnos que nadie está a
salvo, que bajo cualquier apariencia de ar-monía
familiar siempre laten demonios que
terminan por salir” aclara Ortiz de Gondra.
El microcosmos que emana esta obra
queda en manos de los intérpretes de la
misma, Mario Gas y Vicky Peña como el
señor y la señora Tyrone, Alberto Iglesias
y Juan Díaz como los hijos de ambos y
Mamen Camacho en el papel de la cria-da.
Reunidos todos ellos en la casa que
junto al mar tiene el matrimonio en una
plácida jornada de verano de 1912, a lo
largo del día y mientras cae la noche se
irá desarrollando un combate descarna-do
en el que saldrán a la luz todos los
demonios de la familia.

54. 14 septiembre m i s c e l á n e a
54
cuerpos límites-GR10 Carne de Gallina
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Javier Maqua y Maxi Rodríguez han re-escrito el guión
cinematográfico de Carne de Gallina y lo han conver-tido
en una obra teatral que llega a los escenarios en
una coproducción entre Arteatro, La Estampa Teatro
y Teatro del Cuervo. Dirigida por el propio Rodríguez,
el estreno de este espectáculo tendrá lugar el 21 de
septiembre en el Teatro Filarmónica de Oviedo para co-menzar
una gira que le llevará durante los próximos
meses por una treintena de escenarios. La obra narra la
historia de la familia de Luisón Quirós, un minero jubi-lado
que el mismo día de casar a su hija mayor aparece
muerto en un prostíbulo y... comienzan los problemas
pues de la pensión del minero dependen nada más y
nada menos que una hermana, su tres hijos, varios
nieto y una nuera y por si fuera poco, están pendientes
de un crédito que evite el desahucio de la casa fami-liar.
Ante esta situación la familia decide dilatar la cer-tificación
del fallecimiento ocultando el cadáver pero
las cosas no son tan fáciles, todo se va complicando y
la familia tendrá que evitar, con la colaboración de lo
vecinos del pueblo un proceso judicial resolviendo el
“entuerto” con sentido común. “Carne de Gallina es una
reflexión en clave de humor negro, sobre la situación
de las cuencas mineras de Asturias, de su falta de futu-ro
y de la dependencia de las pensiones de los jubilados
para la subsistencia de familias completas” explican sus
autores para añadir que cuando crearon el guión cine-matográfico,
hace más de una década “se podía enten-der
como localista, pero ahora es de rotunda actuali-dad
”. Porque esta versión teatral quiere “extrapolar el
conflicto global. Todo pasa en Asturias pero... ¿por qué
no podría pasar en otros muchos lugares de España e
incluso del resto del mundo?” se preguntan los autores.
“La crítica ya destacó la conciencia social del texto en
su versión cinematográfica, y ese valor es el que se
ha conservado en este trabajo teatral para transmitir a
los espectadores” afirman, para añadir que la obra se
presenta “bajo un planteamiento estético más cercano
a las atmósferas de Valle-Inclán o Kusturika eliminando
así el barniz localista de la trama”.
Entre el 22 y el 25 de septiembre la Cia Paisaia rea-lizará
una residencia de creación en La Fundición de
Bilbao del espectáculo cuerpos límites-GR10, una
pieza de las bailarinas y coreógrafas Arantza Iglesias y
Sofie Dubs cuya muestra en forma de work in progress
tendrá lugar los días 26 y 27 en la sala bilbaina. Esta
producción de Cia Paisaia y Maite Telleria es un trabajo
de investigación sobre “el cuerpo/limite, consideramos
el cuerpo como un todo que incluye tanto la materia fí-sica,
como los pensamientos, las emociones, el presen-te,
el pasado, la memoria, las expectativas, ...” afirman
sus creadoras para señalar que “planteamos un proce-so
creativo anclado en la experiencia vivencial, la con-vivencia
con pautas que nos llevan a nuestros límites
personales”. “Buscamos entornos variados” aclaran,
“tales como la naturaleza, la ciudad o zonas industria-les
para estimular nuestros cuerpos-mentes-espíritus
en un rango de colores lo más amplio posible”. Para la
creación del diseño de luces Cia Paisaia ha contado con
Itziar Bote y Ander Fernández. Esta nueva residencia
de creación se enmarca en el apartado de acción de la
sala bilbaina que además de una sala de exhibición, se
ofrece como Centro de Recursos ofreciendo un espacio
para los procesos de investigación, creación y produc-ción
así como el equipamiento técnico necesario para
su desarrollo. Además La Fundición, como espacio in-teresado
en desarrollar la conexión con los públicos y
otros profesionales plantea estas residencias como una
herramienta de acercamiento entre los procesos creati-vos,
los artistas invitados y los locales junto con todas
aquellas personas interesadas en conocer, más de cer-ca
todo el entramado que conlleva la puesta en marcha
(el proceso creativo), y la puesta en escena de una
nueva creación. En el primer semestre de 2014 han
realizado su residencia artística o parte de ella compa-ñías
y creadores como Compañía Dinamo con ‘Flecha
rota’, Natxo Montero_Danza con ‘Barbecho’, Amparo
Badiola con las obras ‘Amalaba’ y ‘Palabras invisibles’,
Ziomara Hormaetxe con ‘Symbiosis’ y Olatz de Andrés
con ‘El cielo ahora’.

55. septiembre 14

56. 14 septiembre m i s c e l á n e a
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L´Esbudellor
El Teatre del Raval acogerá del 17 de septiembre al 30 de noviembre el estreno en catalán
de la propuesta musical de pequeño formato L´Esbudellador de Whitechap (El destripa-dor
de Whitechap), producción del propio teatro, drigido por Marga Parrilla y Oriol Estefanell,
con música de Josep Ollé y la dirección musical de Esteve Costa. La idea de crear esta obra se
debe, en gran medida, al deseo de querer contar la historia sobre Jack el Destripador y re-solver
el misterio del asesino más mediático del XIX, que a día de hoy todavía sigue siendo es
un personaje que permanece en la memoria colectiva. El espectáculo esta representado por
sólo cinco actores que hacen las funciones de personajes principales, personajes secundarios
y corazón, pasando con facilidad de un estado a otro. Un tono que tan pronto es cómico,
como cabaretero o trágico. Uno de los puntos fuertes del espectáculo es que así como sólo
hay cinco actores, también hay cinco músicos que permiten disfrutar de la riqueza y los matices que el compositor pro-pone.
Jack el Destripador es el nombre que se le dio a lo que se cree que fue el responsable de una serie de asesinatos
que horrorizaron el barrio de Whitechapel entre agosto y noviembre de 1888. Los cuerpos de cinco prostitutas fueron
encontrados durante estos meses en las calles del barrio, total o parcialmente destripadas. Este caso llevó de cabeza a
la policía de Londres y puso de manifiesto su ineficiencia: el mundo no estaba preparado para lo que ahora mismo se
considera el primer asesino en serie de la era moderna, lo que sentó las bases no sólo de la análisis de conducta actual
de los asesinos y su clasificación, sino también la del proceso de investigación policial que todavía se utiliza hoy en día
a la hora de abordar un crimen.
El hijo de la novia Jugadores
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Durante todo el mes de
septiembre y hasta el 5 de
octubre se podrá disfru-tar
en la Sala Verde de Los
Teatros del Canal de Madrid
del estreno de Jugadores.
Miguel Rellán, Ginés García
Millán, Luis Bermejo y Jesús
Castejón protagonizan esta
comedia negra, escrita y di-rigida
por Pau Miró, que ya se estrenó con distintos
elencos en el Teatro Salt de Girona, El Teatre Lliure de
Barcelona y el Piccolo Teatro di Milano. Sus protago-nistas
son un profesor de matemáticas, un enterrador,
un actor y un barbero, cuatro hombres que se sienten
desplazados en un mundo que ha cambiado y que ya
no entienden. Reunidos en la cocina de un viejo piso,
juegan una partida de cartas. La mesa de juego es un
refugio en el que se aceptan y permiten todos los fra-casos.
Porque para este cuarteto el fracaso es la regla,
no la excepción. El dinero ha desaparecido, también
cualquier posibilidad de éxito personal. A punto de to-car
fondo, los cuatro personajes deciden arriesgarse.
En este momento el juego se vuelve peligroso.
Ados Teatroa en coproduc-ción
con Pentación estrena
la adaptación teatral de la
película de Fernando Cas-tets
y Juan J. Campanella,
bajo la dirección de Garbi
Losada, El hijo de la novia
en el Teatro Campos Elíseos
de Bilbao manteniéndolo en
cartel del 10 al 14 de septiembre, y después del 17 de
septiembre al 2 de noviembre en el Teatro de Bellas
Artes de Madrid. El elenco compuesto por Juanjo Alte-rio,
Tina Sainz, Álvaro de Luna, Mikel Laskurain y Sara
Cozar, dan vida a esta tragicomedia que se sostiene
sobre dos líneas argumentales, la boda de los padres y
la obligada venta del ruinoso restaurante familiar a una
cadena internacional. Los personajes y situaciones lle-varán
al espectador de la carcajada al llanto, y es que
como señala la propia Losada “gran parte de su acierto
se basa en que, en casi todas sus escenas, en medio de
unos diálogos dramáticos, se despliega el sentido del
humor”. En definitiva la obra refleja fragmentos de la
vida misma llevadas a la escena.

57. septiembre 14

58. 14 septiembre m i s c e l á n e a
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Teatro Arriaga
La Fundición Teatro Barakaldo
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El Teatro Arriaga de Bilbao arranca su programación de septiembre con fuerza
con las últimas funciones del cabaret The Hole que darán paso a algunas de
las producciones teatrales estelares del segundo semestre del año tales como
El Eunuco de Terencio que estará en cartel del 17 al 21 de septiembre, una
versión divertida y trepidante, de Jordi Sánchez y Pep Gómez, que transita sin
rubor por el teatro clásico grecolatino y el musical, la comedia de situación y
el vaudeville, donde veremos a nueve personajes enloquecidos por el amor,
el dinero, la pasión, el orgullo, lo celos y los equívocos. Otro de los montajes
destacables será la producción del Centro Dramático Nacional, Los Mácbez,
adaptación de Juan Cabestany del Macbetth de Shakespeare, obra que versa
sobre la corrupción y la ambición, ambientada en la Galicia de la actualidad y
sus costumbre, que se llevará a cabo del 25 al 27 de septiembre. Andrés Lima
dirige este montaje en el que se puede ver con claridad cómo el deseo de poder y la superstición siguen siendo moto-res
en el ser humano, cómo la codicia, la violencia y la falta de escrúpulos es universal, cómo hombres y mujeres se
corrompen por conseguir el poder y una vez en sus manos siguen corrompiéndose para tener la seguridad de conservar
ese poder, y de cómo una vez corruptos del todo sólo quedan la locura y el miedo. Carmen Machi y Javier Gutiérrez
encabezan el reparto, como el matrimonio Mácbez. Una pareja que como detalla Lima “no son altivos y misteriosos sino
un señor y una señora muy normales, que tienen las mismas ambiciones que el común de los mortales, lo que pasa es
que el deseo hace que se desate en ellos una serie de mecanismos que le llevan hasta el crimen”. Ederlezi pastorala
completará la programación del mes con su única función el día 28, en ella se cuenta la historia de una madre y sus
siete hijas gitanas entre los siglos XVII y XXI en Euskal Herria.
Miguel del Arco dirige La violación de Lucrecia adap-tación
del poema dramático de Shakespeare producida
por Juanjo Seoane prevista el 27 de septiembre en el
Teatro Barakaldo. Nuria Espert protaoniza este poema
dramático en forma de monólogo basado en la leyenda
del origen de Roma, las luchas por el poder y el papel
de la mujer en la época. La veterana actriz va mutando
para dar vida a cada uno de los protagonistas, desde
Tarquino, el violador, Lucrecia, la violada hasta pasar
por el marido de ésta, dando forma a esta desgarrado-ra
obra, en la magnífica traducción de José Luis Rivas
Vélez, que contiene todo el germen y esplendor de las
obras posteriores del autor inglés. Un espectáculo de
poderosa belleza, a pesar de su escalofriante violencia.
Todo un mosaico de sentimientos, pasiones, arrebatos
y delitos, en el que se recrea la extraordinaria y emo-cionante
narración del hecho criminal que terminó con
el reinado de los reyes en Roma y que propiciaron, por
tanto la instauración de la república romana.
La pieza de danza K-OTICA in progress de Ziomara
Hormaetxe iniciará la programación de septiembre
en la Sala La Fundición de Bilbao los días 18 y 19.
Esta pieza está inspirada en la teoría del caos, desa-rrollada
a partir del principio que defendía que todo,
está interrelacionado en un sistema de reacciones. La
obra aborda el tema de la tensión entre aleatoriedad
y fatalidad; entre la imposibilidad de determinar el fu-turo
y el hecho de que sólo uno de los futuros posibles
tendrá lugar. A esta primera le seguirá la propuesta La
máquina de dueño de PlataformaTirante los día
20 y 21, obra que denuncia que denuncia las limitacio-nes
que viven las mujeres como consecuencia del rol
tradicional y del sistema patriarcal en el que vivimos.
El día 25 de septiembre se llevará a cabo la represen-tación
de Hoocked de Lasala, enmarcada dentro del
Dantzaldia, y por último la pieza de danza Cuerpos
límites-GR 10 de la Compañía Pasaia cerrará el
programa los días 26 y 27.

59. septiembre 14
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La comedia en sus diversas
manifestaciones en Donostia
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Del 4 al 7 Victoria Eugenia Antzokia
acogerá Al final de la carretera,
divertida y amarga comedia de
Willy Russell, autor de obras acla-madas
y representadas en todo el mundo
como ‘Educando a Rita’ o ‘Shirley Valenti-ne’,
maestro en mostrar miserias del ser
humano sin apenas darte cuenta, adaptada
por Juan Carlos Rubio. La obra habla de las
crisis que se padece o más bien la que se
siente al darnos cuenta que la vida no es, ni
por asomo, como lo habíamos soñado.
A lo largo de una intensa y caótica no-che
los cuatro personajes, encarnados por
Manu Baqueiro, Melanie Olivares, Marina
San José y Raúl Peña, irán poniendo las
cartas sobre la mesa hasta asumir, no sin
resignación, que aunque no tengas la vida
que habías soñado quizás la que te ha to-cado
vivir no sea tan mala como creías.
En el Antzoki Zaharra/Teatro Principal se
han previsto dos comedias más. La prime-ra,
del 4 y 7 de septiembre, Un balcón con
vistas producido por Manderlight, basado en
el texto de Laura Molpeceres quien también
se ha encargado de dirigirla, una comedia
delirante sobre mujeres al borde de un ata-que
de nervios en busca del amor. Maggie
Civantos, Rubén Martínez, Cristina Soria y
David Tortosa protagonizan esta historia de
mentiras, engaños, manipulaciones, enredos
y verdades a medias. Una obra sobre las
relaciones de pareja y las difusas fronteras
entre el amor y el desamor.
La segunda comedia prevista en el
Antzoki Zaharra, entre el 11 y el 14 de
septiembre, será Hiru, la versión en eus-kara
de la obra Tres de Juan Carlos Rubio,
producida por Txalo. Loli Astoreka, Miren
Gojenola y Ana Elordi se adentran en la
piel de Adela, Nekane y Maite, tres ami-gas
desde la etapa del colegio que no se
han visto en tres décadas. Todas rondan
los 50 y la oportunidad de tener descen-dencia
se acaba. La idea de ser madres
poco a poco va surgiendo en la conver-sación
ya que ninguna ha visto cumplido
su sueño. Se plantean encontrar en hom-bre
ideal y es en ese momento cuando
entra en escena Zuhaitz Gurrutxaga, ex
futbolista actualmente dedicado a la in-terpretación,
que será quien tendrá que
contrarrestar los deseos de estas tres
mujeres.

60. 14 septiembre m i s c e l á n e a
60
Centro Dramático Nacional
©Sergio Carreón Ireta
Teatro Circo de Murcia Teatro de la Abadía
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La nueva temporada comienza en el Centro Dramático Nacional con una nueva
edición del ciclo ‘Una mirada al mundo’ que este año acercará hasta los Teatros
María Guerrero y Valle Inclán cinco propuestas de compañías internacionales
dos de ellas el mes de septiembre. Inaugura el mencionado ciclo una producción
de la Compañía Nacional de Teatro de México (del 11 al 14 de septiembre)
en colaboración con el Centro Dramático Nacional, La sangre de Antígona de
José Bergamín en versión de Fernando Bergamín Arniches y dirigida por Ignacio
García. La obra llevará al público a la ciudad de Tebas. Allí dos hermanos, cau-dillos
y enemigos murieron matándose uno en manos del otro. Ahora la ciudad
rinde homenaje a uno de ellos y repudia y castiga al otro mientras la sangre de
ambos se hace llanto en el corazón de la tierna Ismena y se levanta como una
llama ardiente en el alma luminosa de Antígona. La seguna obra del ciclo es un
Shakespeare, Medida por medida que sube también al escenario del Teatro María Guerrero (del 18 al 21 de septiem-bre),
en este caso bajo la dirección de Declan Donnellan de la prestigiosa compañía Cheek by Jowl y Teatro Pushkin
de Moscú. “Es una de las más grandes obras de Shakespeare. Como muchos grandes thrillers, no es pura comedia ni
pura tragedia, sus cambios dramáticos de tono nos mantienen en vilo. Un gobierno corrupto, una novicia sumida en
un dilema espantoso… Una ciudad asfixiante e imprevisible, policía, conventos, cárceles y burdeles. La justicia, Dios, el
sexo, la muerte son los temas que se combinan en una mezcla sorprendente hasta llegar a un final extraordinario. Pero,
como en los grandes thrillers, la obra plantea cuestiones profundas e inquietantes sobre nuestra forma de vida. E incluye
escenas que figuran sin duda entre las mejores que Shakespeare haya escrito” explica Donnellan. La programación del
mes de septiembre se completa con un segundo ciclo, ‘Titerescena’, que incluye las obras de títeres para público familiar
Ulises de Bambalina (20 y 21), Hay un gallo en mi tejado de Titiriguiri (26, 27 y 28) y Lágrimas junto al río de
Krystall Puppets de Kenia (4 y 5 de octubre).
David Espinosa iniciará la programación de septiem-bre,
del 16 al día 21, con su propuesta Mi gran obra,
un montaje en el que se plantea construir un espec-táculo
de gran formato, sin escatimar en gastos, pero
con un ligero matiz: a escala, pensando en grande y
haciendo en pequeño Asimismo, se cuestiona sobre los
límites de lo teatral y ahonda en el interés de ante-riores
proyectos sobre la idea de representación. En
definitiva, el resultado es un juego formal del que sur-gen
diferentes narrativas no lineal que son el retrato
de la sociedad en la que vivimos. La cartelera del mes
lo completará Bambalina Teatre Practicable, del 17
al 28 de septiembre, con Petit Pierre, adaptación de
la obra de la dramaturga canadiense Suzanne Lebeau,
con una puesta en escena intimista y un cuidado dispo-sitivo
escenográfico, dando vida a este bello relato de
supervivencia, de arte, de voluntad y de vida.
En septiembre hay previstas dos únicas obras en el
Teatro Circo de Murcia aunque el disfrute del público
adulto e infantil estará garantizado. El 26 y 27 Facto-ría
Madre Constriktor ofrecerá dos funciones de El
intérprete, donde una vez más el polifacético actor
bilbaíno Asier Etxeandia desplegará todo poder inter-pretativo
y musical acompañado de sus fieles músicos
en esta propuesta con tintes autobiográficos en el que
se reivindica lo diferente. El 28, por otro lado, Teatro
de Malta representará la propuesta vitalista y rebo-sante
de optimismo dirigida a niños y niñas Alegría,
palabra de Gloria Fuertes, donde dos actores/clowns
Doña Pitu Piturra y Señor Antropelli, trabajadores del
antiguo Circo Cocodrilo, juegan con las palabras que
escribió la poeta madrileña acercando a sus emociones
y sus sentimientos, con canciones, el mar, un circo des-aparecido,
un bruja con sus hechizos...

61. septiembre 14

62. 14 septiembre J osu Montero Luz negra
Insectos atrapados en ambar
62
i hay una institución en cuyo seno anidan los monstruos
más terribles, esa es, sin duda, la intocable familia, sea
ésta del tipo que sea, de la más patriarcal a la más hete-rodoxa.
Desde esas familias catastróficas, sangrientas y freudianas de
los trágicos griegos hasta por ejemplo las familias desestructuradas
y disfuncionales de Claudio Tolcachir -pasando por: Shakespeare (“El
Rey Lear” o “Hamlet”), Ibsen (“Casa de muñecas”), Strindberg (“El
pelícano”), Chejov (“La gaviota” o “Tres hermanas”), Miller (“Todos
eran mis hijos” o “Muerte de un viajante”), T. Williams (“El zoo de
cristal” o “La gata sobre el tejado de zinc”), O´Neill (“Largo viaje hacia
la noche”), Bernhardt (“Ritte, Dene, Vos” o “Almuer-zo
en casa de los Wittgenstein”), Lorca (“La casa de
Bernarda Alba”), Buero (“El tragaluz” o “Historia de
una escalera”), Ionesco (”La cantante calva”), Berkoff
(“Como los griegos”), Vinaver (Disidente, claro”), Be-lbel
(“Caricias”), Pinter (El regreso a casa”), Sanzol
(“Delicadas” o “Días estupendos”)… –la familia apa-rece
sobre el escenario como el ámbito terrible de las
pulsiones y las relaciones más turbias y turbulentas.
El curtido dramaturgo y director mexicano Flavio
González Mello (México, 1967) nos ofrece por tanto
aquí el enésimo avatar de la encarnizada lucha entre
individuo/s y familia; y lo hace con un magnífico pulso
dramático para crear situaciones y personajes, y una
estructura que nos atrapa desde el arranque de la
obra y no nos suelta hasta el telón final. Como el título
de la obra declara, aquí el pródigo no es el hijo sino el
padre, Hernán, un profesor de Literatura prófugo de todo que salió
a comprar tabaco hace veinte años, y un buen día regresa sin más,
eso sí, acompañado además por una atractiva y silenciosa jovencita,
Analí. En el hogar quedaron la esposa, Cecilia, y los dos hijos, Ceci y
Nan, que ahora tienen 28 y 24 años; cuando el padre se esfumó eran
unos críos. Como le recuerda Ceci a su padre, veinte son los años que
estuvo Ulises fuera de Ítaca, diez en la guerra de Troya y otros diez
vagando por el Mediterráneo, sorteando peligros y retozando con
amorosas ninfas. Aprovechando la profesión del padre, y que Ceci,
la hija mayor, de alguna forma ha heredado ya que anda haciendo el
doctorado en Filología –¡sobre las mujeres en la obra de Borges, ade-más!–
la función abunda en referencias literarias que le dan a la trama
un cierto espesor mítico y que también por momentos funcionan como
herramienta de humor. Y es que hay que decir de una vez que nos
hallamos ante una comedia, y ya sabemos que es éste un género más
que apropiado para contar las cosas más terribles.
Como todos sabemos, Penélope teje y desteje desesperando a
sus pretendientes y ganando tiempo para ver si su amado marido
se digna regresar; cuando Ulises vuelve, con la ayuda de su mujer
y de su hijo Telémaco, perpetra la sangrienta escabechina de los
pretendientes. Pero otro de los referentes clásicos que aparece
en la función es el de “La Orestiada”, de Esquilo, el modelo para-lelo
y opuesto a Ulises. Aquí, cuando Agamenón regresa a Argos
desde Troya, harta ya de él, Clitemnestra, su mujer, con la cola-boración
de su pretendiente Egisto, le da matarile. Y es que aquí
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hay también un pretendiente, Camargo, un matemático que trabaja
con modelos de predicción y cuyo carácter, apocado y bonachón,
es absolutamente la antípoda del de Hernán; “El lenguaje de las
matemáticas es absolutamente lógico, complicado lo otro, la vida
diaria”, afirma. Tan cortés y humilde es en apariencia Camargo
que raya lo pusilánime. Aunque es la actual pareja de Cecilia, ni
él ni ella han pretendido sustituir al esposo huido; ella ha conser-vado
incluso vacío su lugar en la mesa, poniéndole plato y todo,
para que al menos simbólicamente siguiera presente. La desigual
batalla entre ambos está servida.
Y luego están los hijos, ambos airados y enfadados
con el mundo pero de forma bien distinta. Muy mayor
para sus 28 años, Ceci quiere entender por qué se fue
su padre, pero aún más por qué diablos ha vuelto a es-tas
alturas, cuál es la causa del retorno. Un crío para sus
24 años, Nan está en constante actitud de cabreo monu-mental
con todo y con todos, es incapaz de pronunciar
cuatro palabras sin soltar tres exabruptos y otros tantos
insultos, lo que proporciona momentos regocijantes.
Y por fin también cumplen una función esencial los
novios; el de ella es Jaime, la aguanta y obedece en su
rigidez y su mal humor constante, y, aparentemente,
es lo que llamaríamos un calzonazos. El de él, Laurita,
tres cuartos de lo mismo, sobrelleva sumisa todos, o
casi todos, los constantes desplantes de Nan; además
de ser una apasionada lectora, estudia restauración
y aprovecha cualquier momento libre para cocinarles
amorosamente sus platos. A su bien diferente manera, los dos hijos
son por tanto despóticos tiranos con sus respectivos novios. Pero
siempre hay aquí gato encerrado.
Y por fin, ella, la madre de la familia, Cecilia, que se muestra en
todo momento sorprendentemente comprensiva y contemporizado-ra,
amén de absolutamente impertérrita ante semejante situación.
Única pacificadora en esta batalla ya subterránea ya campal de casi
todos contra casi todos. Pero eso es, de nuevo, la superficie de las
cosas. Es evidente que a pesar de la larga separación, los padres
pertenecen a un mundo absolutamente distinto a éste de los hijos;
el de aquellos más libre, hedonista y utópico; el de éstos más regla-do
y gris. Como siempre, de algún extraño modo, los hijos purgan
los pecados de los padres.
En el sutil desenlace –más desolador aún por el tono de come-dia
de la obra– cumplen también su papel simbólico obras como “En
busca del tiempo perdido”, “Una habitación propia” o “El doble”, de
Dostoievski; y sobre todo un viejo regalo: un colgante con un insecto
atrapado en un pedazo de ámbar. Las apariencias, decíamos, casi
siempre engañan, y en un inesperado giro –o no, más bien no es un
giro, sino el sorprendente desarrollo de la lógica de los hechos– sur-ge
una pequeña heroína y una gran y malvada bruja. La familia como
un organismo enfermo que nos traga y nos paraliza, como el ámbar
al insecto. Siempre hay en cada una de ellas una Medusa, una terrible
Gorgona. Antes de que baje el telón, reunidos todos en torno a la
mesa, dos sillas, dos platos, vacíos.
S
EL PADRE PRÓDIGIO
FLAVIO GONZÁLEZ MELLO
Artezblai Editorial

63. septiembre 14
63
Vivir para contarlo Virginia Imaz
La formación profesional en
la narración oral
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ste verano en Ezkaray (Rioja) ha tenido lugar la primera
edición de la Escuela de Verano sobre oralidad organi-zada
por AEDA (Asociación de Profesionales de la Na-rración
Oral en España) y ha sido todo un lujo, un placer
y una fiesta. Desde los inicios de AEDA se había venido trabajando
sobre tres objetivos prioritarios: hacer visible el oficio, defender la
profesionalización y potenciar las acciones formativas. La propuesta
de una Escuela abierta tanto a personas asociadas como a las que
no, da cuerpo y voz a nuestros intereses en materia de formación.
El proyecto despegó con todas las plazas cubiertas y comenzó así
una nueva experiencia para las gentes de este oficio, cinco días para
descubrir, aprender y compartir. Alrededor de treinta horas reales
de formación, sesiones dialogadas y algunas otras actividades com-pusieron
el programa de la 1ª Escuela de Verano bajo el título de
“El cuento a escena”.
El programa se configuró a partir del análisis de varios de los grupos
de trabajo de Aeda que, entre otras cosas, elaboraron un primer docu-mento
invitando a la reflexión sobre las diversas líneas de formación que
se estimaban recomendables para ser narrador o narradora oral:
• CON LO QUE CONTAMOS: La importancia de adquirir nociones
sobre la expresión corporal, la voz y la presencia escénica.
• LA PROPIA VOZ: Toda formación y exploración para consolidar
la propia voz será siempre muy útil. En esta búsqueda, convie-ne
alimentar la originalidad, buscar la diferencia, consolidar el
estilo propio, elaborar un repertorio personal… todo ello da
color al desarrollo de la actividad y honestidad al trabajo.
• LO QUE CONTAMOS (1): Es aconsejable tener conocimientos
de textos de tradición oral, pues la lectura habitual de estos
textos, así como la preparación e incorporación de los mismos
al propio repertorio, permiten internalizar estructuras y estra-tegias
“naturalmente” orales, imprescindibles para el habitual
desarrollo de nuestro oficio.
• LO QUE CONTAMOS (2): Es importante toda formación relativa
a la ordenación, elaboración, tono, ritmo… de los espectácu-los
de narración oral. En este sentido siempre resulta bueno
tener nociones sobre la duración, organización del repertorio,
el uso de libros y objetos, etc., en los espectáculos de cuentos.
Igualmente merece la pena reflexionar acerca de la diferencia
entre sesión de cuentos (más abierta) y espectáculo de narra-ción
oral (con una estructura más fijada).
• A QUIÉN CONTAMOS: Resulta esencial saber cómo es y qué
interesa al público al que contamos, por lo que tener conoci-mientos
de los centros de interés de los públicos diversos y de
las peculiaridades y rasgos propios de cada edad es determi-nante.
Conocer lo común y comprender lo diverso.
• DÓNDE CONTAMOS: También resulta positivo tener conocimiento
de los diversos espacios escénicos en los que se puede contar
(teatro, café, biblioteca, escuela, plaza…) y las peculiares exi-gencias
técnicas, recursos necesarios… de cada uno de ellos.
Es importante asumir la necesidad de la formación continua, ya sea
mediante la recepción de cursos especializados, talleres creativos, la-boratorios...
ya sea mediante la reflexión crítica sobre el propio trabajo
o el de otros compañeros.
Y por último, desde AEDA creemos que es necesario ser conscientes
de todas las cuestiones legales relacionadas con el oficio (obligacio-nes
tributarias e impositivas, figuras legales, etc.). Igualmente pensa-mos
que es fundamental reflexionar sobre la actitud ética y crítica en
la profesión (legalidad, cachés, repertorio, etc.).
Yo, por mi parte, siempre he creído en la formación. Hago lo que
hago y como lo hago en gran medida gracias a las distintas formacio-nes
que he recibido a lo largo de mi vida. Contar historias también.
Por supuesto que entiendo la formación en sentido amplio. Una len-gua
por ejemplo, se puede aprender en una academia, de manera for-mal.
O también de manera informal, viendo películas en ese idioma ori-ginal.
Y sobre todo, de manera no formal, por inmersión más o menos
prolongada en ese entorno lingüístico. Cuando pregunto a alguien que
narra profesionalmente cómo llegó a contar, todo el mundo responde
que por una de estas tres vías o una combinación de ellas. Algunas
personas nos criamos en oralidad. No había tele en nuestra infancia y
teníamos personas en nuestra familia que eran charlatanas. Contar lo
que fuera era una manera de pertenecer, de tener nuestro lugar en la
tribu. Una forma de vivir. En otras familias a lo mejor había tele, pero
los oficios que garantizaban la supervivencia estaban particularmente
vinculados a la palabra como en el caso de comerciantes, las maestras
o los publicitarios. Buscarse la vida dependía de tener una historia
interesante que contar y de contarla con la mayor elocuencia posible.
En otros casos la inmersión en la oralidad llegó más tarde, por amor
a los cuentos, desde la literatura, el teatro, la etnografía, la sicología,
etc… Cada quien llegaba al hecho de contar de viva voz por su propio
camino pero todo el mundo hacía alusión a un momento particular de
“deslumbramiento”. Esta revelación llegaba a menudo escuchando
contar a alguien. En ocasiones, una sola experiencia de escucha, si la
pasión de contar ya estaba dentro, había puesto todo en marcha.
Por otro lado está el abordaje formal. Mediante cursos, talleres,
lecturas sobre el arte y el oficio de contar y otros temas relacionados.
En el caso de la oralidad no existe a nivel de Estado, unos estudios
“reglados”, una titulación que te acredite como cuentera o como na-rrador
oral. Tampoco sé si sería lo deseable. Yo de hecho, estoy más
interesada en la fórmula del tú a tú, donde la persona con más oficio y
experiencia comparte lo que sabe con quién desea iniciarse o habién-dose
ya iniciado, desea probar otros caminos y desafiarse con otras
maneras de contar.
Porque a contar se aprende escuchando, leyendo, contando, ha-ciendo
cursos… y como la mayor parte de los aprendizajes significa-tivos,
se prolongan o pueden prolongarse a lo largo de toda la vida.
Por eso, una escuela como la organizada por AEDA es una ocasión
única para compartir búsquedas creativas propias y ajenas en este
bucear incesante en lo profundo del imaginario colectivo.
E

64. 14 septiembre Jorge Dubatti
Abel y Caín según
Mauricio Kartun
64
ialogamos con Mauricio Kartun sobre su nueva obra: Te-rrenal
, que además dirige (Teatro del Pueblo). En conti-nuidad
con su pieza anterior, Salomé de chacra, regresa
al intertexto de la Biblia, en esta ocasión al Génesis: los personajes
de Terrenal son Abel, Caín y Dios. Nuevamente, teatro político. Lue-go
del “tríptico patronal” –integrado por El Niño Argentino, Ala de
criados, Salomé de chacra–, Kartun asegura que Terrenal “es tal
vez la más ‘patronal’ de todas”.
De acuerdo con los “momentos” del proceso creador sobre
los que reflexionaste en tu seminario de desmontaje de Ala
de criados, ¿de qué universo surge Terrenal y cuáles fueron
las imágenes generadoras?
Del universo de la Biblia, al que vengo trajinando desde hace tiem-po,
y una vez más el del varieté, los folcloristas, los recreos con
tablado… Todo de la familia, bah. Hace muchos años, mis hijos eran
chicos, andábamos un domingo de excursión por unos andurriales,
unas lagunitas en Benavídez (Provincia de Buenos Aires) a las que
solía ir a pescar. En un caminito de tierra, separados por un largo
trecho, había dos tipos vendiendo carnada. Los carteles estaban
escritos con la misma letra y pintura sobre sendas chapas viejas.
Uno decía “Isoca” y el otro “Lumbrí”. Por su parecido físico imaginé
que eran hermanos. Tal vez porque mis hijos vivían en esa época
en disputa continua, los imaginé enfrentados. Y apareció el espacio:
un terreno que habían heredado al que habían subdividido en dos
mitades en la que uno criaba lombrices y el otro isoca, la larva del
escarabajo, que es muy apreciada como carnada. Me los hacía como
protohacendados en guerra. Una historia de rivalidades ganaderas
pero en un lotecito choto con una casilla de chapa, me imaginé.
Me pareció en ese momento que era una buena situación conden-sadora
y que esa miseria disputada como propiedad contenía una
parodia sustanciosa sobre algunas cosas del capitalismo que me
agitan a veces. Quedó como tantos otros materiales generadores
empollando en un archivo. Hace un par de años, releyendo el libro
de mitos hebreos de [Robert] Graves, me reencontré con el de Caín
y Abel con todas sus connotaciones sobre la propiedad en lucha
contra el impulso nómade. Con Caín como el inventor de los pesos
y las medidas, según sus exégetas, y condenado a los temblores, a
las ciudades amuralladas y al trabajo inútil. Como suele suceder se
sobreimprimieron las dos cosas, aquella imagen sin relato y estas
ideas, y calzaban justo. Como siempre: a la herida que produce la
imagen sólo la cauteriza la metáfora. La cierra, la sana. Y así toda
obra es cicatriz. Terrenal es el costurón resultado de aquel tajo y
esta sutura.
¿Cómo fueron en este caso el trabajo de campo y el acopio?
Mucho Google al principio, como hacemos todos, buscando orienta-ción,
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bibliografía, referencias y mucha imagen. Lo extraordinario de
los buscadores de internet es esa apertura interminable en la que
cada término lleva a un autor y ese autor a otros términos, y esos
términos traducidos a otros idiomas y nuevamente buscados vuel-ven
a abrir y abrir. Es nuestra biblioteca de Babel contemporánea,
no hay caso. Luego ya con ese marco, la búsqueda y acopio desde
esos libros. Fue fundamental en este caso, además, un aporte que
desde su biblioteca personal me hizo Eduardo Graham. Leí mucho y
de todo. Y todo el despelote se empezó a ordenar, como de costum-bre,
durante la escritura. Le cuesta a veces a quien no lo practica,
entender esta cosa de que la escritura es una forma analógica del
pensamiento, que quienes lo hacemos no tenemos otra forma de
encontrarnos con las ideas que plasmar un universo en palabras,
recorrerlo y descubrirlas a su través. Parece raro y sin embargo es
tan obvio. Hay una actividad menos conocida sobre la Biblia, la de
los eiségetas. A diferencia de la exégesis, que extrae el significado
de un texto dado de acuerdo a la necesidad de la iglesia, la eiségesis
inserta en un texto dado las interpretaciones personales. Eso hice
con este mito, mi propio -spinozista y marxista- laburo de eiségeta.
¿Qué esquema dinámico diseñaste y qué características fue-ron
surgiendo en los personajes?
Busqué situación analógica, pero seguí obediente en este caso cada
uno de los pasos mencionados en la Biblia, con sus textos originales
incluso. Esa fue aquí la clásica secuencia equilibrio-desequilibrio-equilibrio
con que solemos ordenarnos los relatos. Los personajes
se fueron armando. Andando el carro se acomodan los melones,
como siempre: Abel el escéptico indolente, el nómade, que en rea-lidad
vive en su interior angustiado por el abandono. Y que cuando
regresa Tatita oscila entre la rabia, el amor, la necesidad de afecto y
el fastidio por la chantada de aquel ser amado. Caín el Pastor Capi-talista,
culpador y plañidero. Victimizado siempre. En busca siempre
del par que le da sentido, su victimario designado. Y Tatita, el payaso
blanco, el inimputable. Sé que puede sonar a joda, pero laburé ese
personaje con imágenes de Horacio Guaraní en una entrevista que
le hizo en televisión Beto Casella. Le tomé de ahí incluso algún bo-cadillo
notable. Durante el proceso de escritura si me preguntaban
quién era Dios en mi obra sólo podía explicarlo así: Dios es Horacio
Guaraní. Una vez más en mis obras la dialéctica del payaso blanco
y el tony, que acá es Caín, claro; con el agregado en este caso del
tercero posible en la serie: el pierrot, el arquetipo cómico del eterno
enamorado, el intelectual sufriente, el poeta.
Una vez plantada la materia a trabajar, cómo fueron los pasos más
relevantes de escritura-reescritura que puedas destacar.
Mucho acopio de fragmentos de diálogo buscando con empeño ese
lenguaje. Cómo hablarían estos tipos solitarios, resultado del len-guaje
bíblico original y el territorio conurbano de los ´50 o los ´60
D

65. septiembre 14
65
Postales argentinas
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donde imaginaba ubicarlos, algo así. Conseguido eso, fluyó. Se armó
rápido un borrador. La reescritura la produjo el encontrar un día de
sorpresa en ese borrador la punta del tópico del Theatrum Mundi,
que antes no había percibido, y a su versión más cachuza: el varieté
mundi. Desde ahí reescribí todo con ese nuevo contexto.
Por qué definís tu laburo de eiségeta como “spinozista y mar-xista”?
¿Qué tiene de Spinoza y qué de Marx?
A ver… Qué difícil es hablar de teatro y ponerse serio, donde
te descuidás terminás personaje de [Diego] Capusotto… De
Spinoza, a ver… Yo creo en Dios. Como relato, pero creo. Y en
los hombres como espectadores comunes conmovidos por ese
relato en un espacio común. Si creo en la validez de los grandes
mitos, y vivo de un oficio que los ha desarrollado, cómo no iba
a creer en ese supremo, el de Dios. Creo en el Dios Mito. En
su metáfora perfecta. Y lo respeto como tal. Con toda la ambi-valencia
del verbo creer, creo en su relato perfecto, bello, útil,
ansiolítico y ordenador. Qué sería de nosotros sin esos relatos
que nos permiten pensarnos, explicarnos, ordenarnos a través
de sus metáforas, de su poesía universal: ¿vivir esperando a Go-dot…?
Lo único que nos concierta como humanidad son nues-tros
relatos en común. Acepto su cosmogonía, su metafísica,
sus metáforas, que hablan sobre todo de nosotros, no de él, del
hombre, su público, retorciéndolo, tironeándolo durante siglos
para que diga siempre otra cosa. Para que sostenga un poder
económico o tremendas matanzas. O para que pueda detenerlas
y hacernos llorar a todos en éxtasis comunal. O para que te lleve
a la meditación y te encuentres adentro tuyo gracias a él. Pero
si voy a elegirlo como relato, busco el que me da, el que me
construye, si la metáfora es multívoca escucho de ella la voz que
me construye, ¡si ese es el valor del relato! Entonces digo como
Einstein, raro ateo: “Creo en el Dios de Spinoza”. No me jodan
con el represivo. Los mitos, metáforas ampliadas, tienen tantas
eiségesis como eiségetas y yo elijo aquella que lo aleja de toda
oscuridad, de todo carácter vengador. Ese habla del mundo con
el que sueño. Me gusta esa idea spinoziana de un Dios que se
burla de la imagen que el hombre culposo ha construido de él.
Ese Dios al que Spinoza le hace decir: dejá de ir a esos templos
lúgubres que construiste y que decís que son mi casa, mi casa
está en la naturaleza, ahí es donde vivo y en donde expreso mi
amor por vos. Un Dios anti represivo, libertario. Tatita en esta
obra sostiene eso: te puse acá a que disfrutes. No me busques
afuera, no me encontrarás, le hace decir Spinoza a Dios, bus-came
dentro, ahí estoy, latiendo en vos… Esta no es una obra
atea aunque pudiese parecerlo. Aunque irreverente con el relato
institucional y algo desesperanzada, es una parábola –medio
chota, pero parábola– sobre el sentido del mundo desde su
creación, su origen. Y no hay manera mejor de representar y
entender esa creación que a través de ese Dios Mito, al menos
para mí. Esta no es una obra que se burle de Él, al contrario,
como autor lo celebro pero me permito construirlo, como han
hecho otros hombres, a mi imagen y semejanza, mirá si me la
iba a perder. A semejanza de mis ideas. Y mi imagen entonces,
claro, no se parece tanto a la del prototipo judeocristiano. El mío
es un Dios zurdo. Spinoziano, justamente.
Me preguntabas además sobre el carácter marxista del enfoque,
bueno eso está más expreso, ¿no? El sentido de propiedad y la
dialéctica entre esas dos grandes visiones distintas del mundo: la
de quienes quiere habitarlo y disfrutarlo, y la de quienes quieren
poseerlo.
Venimos del “tríptico patronal” (El Niño Argentino, Ala de
criados, Salomé de chacra) en el ciclo de textos que estre-naste
en los últimos años, ¿cómo enlaza Terrenal con ese
ciclo o es un giro en otra dirección, ya adelantado por el
tema bíblico de Salomé?
Es tal vez la más “patronal” de todas. Y la que abreva más allá, más
atrás, que cualquiera de las otras. El non plus ultra patronal vendría
a ser ésta. Su mito de origen.
¿Cómo fue aquella intervención de Horacio Guaraní que te llevó a
relacionarlo con Dios? ¿Cómo es un Dios-Horacio Guaraní?
Mientras armaba el acopio me venía aquella entrevista que me ha-bía
divertido mucho. Un inimputable querible, Guaraní, una mezcla
guasa de ideología, ingenuidad, ironía y vanidad. No sé, calzaba, lo
probé y anduvo. Creo en aquello de la “forma formante”: dada una
forma, ésta crea –como en un fractal– su propia condición compleja
y después completa. Y con eso, luego claro, su sentido. Se fue ar-mando
esa idea del dios músico. Del universo como concierto. Partí
azarosamente de aquella imagen de Guaraní, de quien tengo ade-más
otras imágenes medio jacarandosas, y la imagen en su hacer
fue creando su sentido y su personaje, un dios irónico, libertario,
fané y medio atorrante.
¿Por qué “pequeño misterio ácrata” como subtítulo?
Siempre estoy escudriñando viejos géneros en busca de sus
convenciones. Aprendo mucho observando convenciones. Esos
acuerdos dinámicos entre artistas y espectadores que permiten
construir mucho con poco, simbolizar. Cada género tiene las suyas
y están en continuo cambio. Con esas convenciones, esos pac-tos,
cada género construye a sus espectadores a su imagen y
semejanza y es construido a la vez por ellos. Trabajé un tiempo
para un proyecto que tengo en capilla sobre una vieja compañía
de cómicos, la de Angulo el malo, que Cervantes menciona en el
Quijote y en El coloquio de los perros. Aprendí sobre sus formas
de representación, esos autos sacramentales toscos, con argu-mentos
armados a hachazos y chistes tan groseros que los expul-saban
de las iglesias y después de las plazas. Me entusiasmaba
la idea de trabajar los códigos de esos dramas religiosos que
ponían en escena pasajes de las Sagradas Escrituras. Leí algu-nos
misterios medievales –antecedente de esos autos– durante
el acopio, y vi videos de otros, ancestrales, que se siguen repre-sentando.
Mi obra hace eso mismo, monta un pasaje del Antiguo
Testamento así que lo es, es un misterio, un auto. Adopté de ahí
varias cosas: esa zona grosera, esas convenciones ingenuas de la
ilustración escénica, la estructura a los bifes, de retablo titiritero,
las transiciones a cuchilla. Pero claro mi representación no tiene
los mismos objetivos didácticos que los de la iglesia, el mío no es
un misterio religioso. Ya se sabe: en un género, distintas especies.
Lo de ácrata viene, entonces, por la mía. Género Misterio. Especie
Ácrata. Lo de pequeño es por el formato. Es la pieza más conden-sada
que he escrito en mucho tiempo. Pensaba incluso trabajarla
en un espacio diminuto al que los personajes aludieran como “el
universo”. Esa paradoja. Me imagino una puesta de movimientos
mínimos, puesta en friso y con actores quietos como en el varieté,
algo muy pequeño.

66. 14 septiembre Javier Villán Cronicón de Villán... y corte
Operación Talía:
Una sociedad sin teatro
66
iempre se dijo que una sociedad sin teatro estaba con-denada
a perecer. Y pereció. Al no tener conciencia de sí
misma, carecía de identidad y, al no tener identidad, era
una abstracción en manos de cuatro mercaderes del pensamiento.
Nadie creyó que eso pudiera ocurrir. Y, sin embargo, ocurrió. No fue
de golpe, sino que fueron apareciendo signos y profecías que nadie
quiso interpretar o lo hizo correctamente. De pronto un dia las salas
de la Metrópoli aparecieron cerradas, las taquillas precintadas y las
pocas colas de despistados que no habían percibido la anomalía,
desbaratadas a palos por la policía. Los ciudadanos se refugiaron en
los bares próximos y acabaron todos borrachos, incluidos los policías
que tomaron al asalto barra y despensa. La gente más joven pensó
que la salvación estaba en las salas alternativas, mas cuando a ellas
llegó las encontró convertidas en cenizas. Los teatreros prefirieron
quemarlas y, en algunos casos, perecer entre las llamas. Ese mismo
dia se reunió el Consejo de Ministros y se dio por concluida la Opera-ción
Talia que había empezado muchos años antes.
Cuando llegó la democracia, los habitantes de Iberia creyeron, sin
demasiados fundamentos para su raciocinio, que había llegado el
tiempo de la libertad. Era tan desconocida, tras una larga Dictadura,
que sólo nombrarla creaba un estado de euforia y, a la vez, de des-concierto.
Se dieron a la molicie y se produjo un estado de ánimo que
un intelectual de rara condición dio en llamar “desarme ideológico”.
Se llenaron, transitoriamente, las salas de teatro, creció la producción
de poesía sin ton ni son y, puesto que la gente se reía a carcajadas
en los patios de butacas, muchos dieron por alcanzado ese estado en
que el hombre empieza a ser semejante a los dioses sin necesidades
ni deseos. Lo de la risa y el teatro estaba bien; ya Aristóteles había en-salzado
su valor terapéutico y otros, en sintonía, elevado a los altares
la comedia como forma de convivencia. La risa, sin duda, es el primer
síntoma de la inteligencia humana, aquello por lo que el hombre se
distingue, con suprema jerarquía, de los demás mortales.
Y Bertolt Brecht destacó en su Pequeño Organon, canon y teoría
de todas las virtudes de un teatro liberador, que la primera función de
farándula es divertir. Iberia, pues, era una fiesta. Quienes más belico-sos
habían sido contra la Dictadura, divirtiéndose sin duda aunque
no exentos de peligro, quienes más habían contribuido a cuartear los
muros de la caverna, se tumbaron a la bartola, fiados en su ingenio
y su sabiduría. Puesto que ha llegado la democracia, dejemos que la
democracia solucione todos los problemas, que solo su nombre es
garantía de libertad. Sobraba un teatro resistente, un teatro agitador
que sacudiese las mentes; no había enemigo y apuntaba una Edad de
Oro en el horizonte.
Las cosas estaban claras: el Teatro Público e Institucional estaría
al servicio de todas las ideologías tolerables por el sistema, repar-tiría
dádivas y prebendas con una sola condición: talento y libertad
creadora. Y el Teatro Privado, el de libre competitividad y comercio,
se regiría por el patrón oro de la oferta y la demanda. Mas empezó a
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descubrirse algo que casi todos habían olvidado; que el Estado es un
instrumento de clase y que, como tal, repartía prebendas conforme
a simpatías y afinidades. El Teatro Público, por otra parte, se sentía
postergado y maldecía la taquilla, suprema ley del liberalismo más exi-gente,
como fuente de todos sus males. Venía a pedir, en consecuen-cia,
quedarse con las ganancias si las hubiere y que el Estado, en sus
distintas administraciones, asumiera los riesgos y las pérdidas. Pronto
se confundieron los dos planos, el público y el privado, el institucional
y el empresarial, y empezó a montarse el cirio.
Lo que no había conseguido la dictadura, matar el pensamiento
crítico, aunque lo había amordazado silenciando todo brote regene-rador,
lo consiguió la democracia por medios más refinados como la
economía: libre pensamiento y libérrima libertad de creación, pero sin
medios para ponerlos en práctica. Los gobiernos, daba igual el signo
del que fueran, consideraron la cultura como despilfarro innecesario,
restringieron apoyos y aumentaron impuestos; pero como siempre
quedaban algunos privilegiados frente a la inmensa mayoría de los
desfavorecidos, no pasaba nada A lo sumo, algunas algaradas de
café; pero nada de aquel viejo teatro militante que obligaba a actuar
a los guardias, nada de la subversión que desequilibraba y consumía
las gastadas neuronas de los censores. La censura había sido abolida;
pero autor o director de intenciones sesgadas o a otro partido, era
abolido también. Fuera subvenciones, al enemigo ni agua.
Se acentuaba el peligro de privatización del sector público teatral,
como el de la sanidad o la educación. Pero pronto los más lerdos
acabaron dándose cuenta de que no era tanto cuestión ideológica
restrictiva como miedo a la cultura y, singularmente al teatro, como
vivero de hombres libres. El teatro, fuente de agitación, como lejana
amenaza de subversión. El golpe de gracia fue una brutal subida de
impuestos, sin parangón en toda Europa, y aun en el mundo, que dejó
a la farándula enfrentada al suicidio o al paro, o a ambas cosas a la
vez. Se alzaron algunas voces discordantes, pero, en el fondo, todos
admitieron que la democracia y la libertad tienen inconvenientes. Y los
gobernantes siguieron alardeando de su naturaleza escrupulosamen-te
democrática.
Los más conspicuos o los más inocentes confiaban en una reacción
del pueblo ante el cercenamiento solapado de sus derechos; pero no
ocurrió. Los más avanzados empezaron a refugiarse en las pequeñas
salas alternativas, en el teatro de barrio, más económico y más próxi-mo.
Pero esta solución es una solución restringida que no alarma a
los poderes, por virulento que sea el mensaje de algunas obras. A la
postre, pongamos veinte salas; cuatro días a la semana y unos treinta
espectadores por sesión, no llega a los quinientos semanales. La onda
expansiva es mínima y los periódicos ni caso. Además, tanto los gran-des
empresarios públicos como los jerifaltes oficiales consideran este
teatro como una destrucción del tejido comercial debilitado ya por
ellos y un enemigo en potencia. A partir de ahora les va a dar igual:
todos al mismo saco. La operación Talia se ha consumado.
S

67. septiembre 14
67
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El lado oscuro Jaume Colomer
Una programación para la
libertad de los públicos
eorge André Malraux, nacido el 1901 en París, autodi-dacta
y escritor vanguardista y comprometido, que ha-bía
militado durante unos años en el partido comunista,
publicó en 1951 Las voces del silencio para defender
la libertad del artista contra los determinismos de ciertos sistemas
políticos. En el año 1959 Charles de Gaulle creó el primer Ministerio
de Cultura de Francia para “favorecer el acceso a las obras capita-les
de la humanidad, y primeramente de Francia, a un número de
franceses lo más grande posible; de asegurar la audiencia máxima
del patrimonio cultural, y de favorecer la creación de obras de artes
y del espíritu que la enriquecen” y le encargó la dirección a Malraux,
quién definió y aplicó la primera política cultural: democratización;
ldifusión y creación.
La política cultural francesa, desde Malraux hasta nuestros días,
se ha basado en la defensa del principio de que la cultura y las
artes no deben ser reguladas por las leyes del mercado, sino más
bien defendidas y estimuladas por los estados soberanos1 pero ha
sido permanentemente contestada por movimientos de artistas y
filósofos que consideran que es la estética burguesa institucional la
que aleja a las nuevas generaciones de públicos. Hay dos posiciones
enfrentadas: una que rechaza el poder de la institucionalidad en la
relación entre la obra y el público, otra que proclama la necesidad
de una “intermediación” de sensibilización y acercamiento de los
públicos a las obras.
Nuestras programaciones escénicas aplican el modelo surgido
del paradigma de la democratización cultural desarrollado por las
políticas culturales francesas, considerando que los poderes públi-cos
deben “intermediar” para fomentar el acceso de los públicos al
patrimonio escénico histórico y contemporáneo para conseguir la
culturalización escénica de los ciudadanos. Este modelo plantea dos
interrogantes: ¿quién selecciona el contenido de la programación y
con qué criterios de valor? ¿Cómo garantizamos y fomentamos la
libertad de elección de los públicos?
Hay que distinguir entre el valor intrínseco o técnico de una pro-gramación
(su excelencia) y el valor relativo (la percepción de los
públicos de que les aportará un beneficio buscado). La programa-ción
basada en las políticas de democratización cultural busca el
acceso de los ciudadanos a contenidos con valor intrínseco que,
a veces, carecen de valor relativo para muchos ciudadanos y, en
consecuencia, no participan. En contraposición, las programaciones
comerciales se basan exclusivamente en el valor relativo sin preocu-parse
por el valor intrínseco de los contenidos.
¿Cómo se pueden articular ambos valores para incrementar los
públicos y ofrecerles la oportunidad de que participen en propuestas
con valor intrínseco? El simple incremento de públicos no debe ser
nunca un objetivo de las políticas públicas, debe ir siempre asociado a
la calidad escénica de las experiencias programadas.
Hay que buscar la solución en la participación de los espectado-res
en el proceso de programación, algo que incomoda a muchos
programadores que consideran que los públicos no deben partici-par
en la elección de contenidos debido a la falta de conocimiento
del patrimonio escénico y de competencias para valorar su calidad.
Las metodologías basadas en la participación no menosprecian el
papel de los programadores como especialistas en contenidos sino
que desarrollan un proceso de implicación de los espectadores en
la elección de contenidos desde su condición de públicos. Si los
públicos manifiestan sus intereses y necesidades los programado-res
podrán buscar contenidos con valor intrínseco que respondan
a ellos, y si los espectadores validan la propuesta de programación
que argumentan los programadores percibirán que es una progra-mación
con valor relativo y participarán en ella. Para que una pro-gramación
articule el valor relativo con el intrínseco debe basarse
en el diálogo con los públicos.
Es evidente que desarrollar la participación de los espectadores
en el proceso de programación es relativamente fácil con los públicos
regulares. El problema está en los ocasionales o los interesados que
no asisten nunca. En este caso hay que aplicar la metodología que
propone Eugene Carr2 basada en una relación permanente e interac-tiva
con los espectadores.
La democratización cultural institucionalizada tiene el riesgo de ser
una forma velada de dirigismo cultural porque la elección de conte-nidos
la realizan los poderes públicos como titulares de los equipa-mientos.
Por otro lado, es cierto que la elección crítica y autónoma
de contenidos requiere conocimiento y capacidad de análisis de las
propuestas del mercado, condición que no se da en la mayoría de es-pectadores
reactivos que van a ver un espectáculo si previamente ha
sido prescrito por su entorno social, por los medios de comunicación
o por la publicidad integrada en el paisaje urbano.
¿Cómo se puede incrementar la capacidad de elección autónoma de
los públicos? Parece lógico que el acceso a los contenidos escénicos
de una programación debe ir acompañada del acceso a propuestas de
formación como espectadores. Hay varias experiencias de escuelas de
espectadores o talleres de formación de públicos que nos muestran
cómo son instrumentos de gran valor para sacar más provecho a las
experiencias escénicas e incrementar la capacidad de elección crítica
de contenidos. Considero que este es el camino que puede garantizar
la libertad de los públicos en la elección de contenidos y facilitar que
pasen de reactivos a proactivos.
G
1.- Karin Elmore, El artista, el público, los mediadores y la ciudad. El impacto de la democratización y de la descentralización cultural en la re-gión
Languedoc-Roussillon. Tesina del Master en Gestión Cultural del ICCMU, febrero 2008, dirigida por el profesor Emmanuel Négrier.
2.- Eugène Carr y Michelle Paul (2012). Rompiendo la quinta pared. Marketing para las artes en la era digital. Fundación Autor, Madrid.

68. 14 septiembre Jaime Chabaud Piedra de sacrificio
Proyecto Ruelas
68
l año pasado escribía, motivado por los discursos oficiales
tanto de la Presidencia de México así como de Conaculta
(nuestra instancia cultural rectora), que para verdadera-mente
emplear la cultura en la tan cacareada urgencia de
la reconstrucción del tejido social en el contexto de guerra que vivimos
existían experiencias formidables. Pedía yo que no empezaran de cero
y que los funcionarios bajaran de sus torres de marfil para acercarse
a quienes ya trabajaban en las zonas de conflicto. Existen muchos pro-cesos
creativos que artistas de diversas disciplinas han emprendido
en comunidades urbanas y rurales. Las más son iniciativas personales
y las menos de gobiernos que las apoyaron mientras el funcionario
interesado estuvo en el cargo.
De las institucionales tenemos ejemplos en el arte escénico como
el teatro que se hacía con las Misiones Culturales durante el car-denismo
en los años 30, el teatro del Centro Regional para la Edu-cación
Fundamental de América Latina (CREFAL, dependiente de la
UNESCO) en los años 50 y 60, El Teatro CONASUPO (dependiente
de la Compañía Nacional de Subsistencias Populares) en los años
70 del siglo pasado. También el Laboratorio de Teatro Campesi-no
e Indígena primero en Tabasco y luego en Yucatán, encabezado
por la directora María Alicia Martínez Medrano. El trabajo de teatro
social emprendido por creadores ha tenido muchas ramificaciones
como pueden ser el penitenciario que arrancara hace décadas Jorge
Correa y muchos otros teatristas, el que se hace con niños de la
calle o mujeres de las maquiladoras, con poblaciones vulnerables
(discapacitados, adultos mayores, etc.) y con vecinos de barrio. Sus
alcances son extraordinarios y verdaderamente le modifican la vida
a los ciudadanos que viven el teatro desde la piel. Lo incorporan a
sus vidas con intensidad y modifica su horizonte. Pero en un país
como México las experiencias son pequeñísimas al lado de las nece-sidades
espirituales (ya no digamos las materiales).
El Festival Internacional Cervantino junto con el programa Cultura
de la Armonía de la Secretaría de Gobernación, el DIF y gobierno
de Guanajuato y otras instancias, echaron a andar para este año
el Proyecto Ruelas. Se harán 4 adaptaciones de Shakespeare en 3
comunidades en pobreza extrema y 1 en un barrio depauperado de
la capital del estado. Es un “proyecto piloto” cuyo proceso, que he
podido atestiguar, se vuelve brutalmente conmovedor y nos habla
del enorme poder sanador y constructor de sentido de pertenencia
y comunidad que genera el teatro.
San Juan de Abajo es una comunidad con cerca de 900 habitantes,
considerada una de los más violentas y empobrecidas del municipio
de León, en Guanajuato. No hay agua potable y los vecinos de vez en
vez logran juntar dinero para contratar un camión con agua que los
abastezca para lo más elemental. El baño diario no está incluido en
sus expectativas y, en la visita que me tocó a esa comunidad, unos
niños jugueteaban en un charco lodoso y con larvas de mosquito.
Y es una jauja porque es temporada de lluvias. Es ahí donde Javier
Sánchez Urbina, director de teatro con una larga trayectoria hacien-do
teatro profesional y comunitario, está montando un Shakespeare
arrancando a las amas de casa de su telenovela diaria y a los niños
de sus caricaturas para que ensayen. Javier es un viejo lobo de
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mar en el manejo de actores no profesionales en sus proyectos de
teatro social y se arma de paciencia para seducir con el teatro a sus
cómplices de la comunidad donde la pobreza, los malos olores y las
enfermedades son un marco, un caldo de cultivo perfecto para la
frustración y la violencia.
El Proyecto Ruelas ha convocado a tres directores escénicos gua-najuatenses:
Luis Martín Solís (con enorme trayectoria nacional e
internacional), Sara Pinedo (una de las jóvenes directoras y drama-turgas
más prometedoras de su entidad) y el propio Javier. La cuar-teta
la cierra la yucateca Raquel Araujo, también con una trayectoria
nacional e internacional reconocidísima. Durante cuatro meses es-tos
directores realizarán una residencia en un barrio marginal de
la ciudad de Guanajuato (Solís); en las comunidades de Puerto de
Valle, Valtierrilla, en el municipio de Salamanca (Pinedo); La Escon-dida
y Pozo Blanco del Capulín, en el municipio de San José Iturbide
(Araujo); y en el ya citado San Juan de Abajo (Sánchez Urbina).
Mientras para Javier el trabajo de seducción ha sido complicado,
por ejemplo Sara cayó en blandito en la nopalerísima Valtierrilla pues
un grupo de mujeres había ya –por iniciativa propia– arrancado con
montajes teatrales sobre las fiestas patrias y con una pastorela el
año pasado. Ningún hombre quiso participar en su incipiente grupo
teatral en donde ellas hacen todo, desde los vestuarios hasta los
personajes masculinos. La participación de los hombres suele ser
baja, les da pena hacer teatro.
Sueño de una noche de verano de Shakespeare resuena en voces
niñas en un escenario de pasto y tierra que tiene por ciclorama un
par de árboles de capulín muy bonitos y una cortina de cactus de
los que conocemos como órganos. Son 23 niños y niñas de entre 6
y 13 años, 7 jóvenes entre 17 y 25 años, y dos ancianos, una mujer
y un hombre. Ese es el elenco que la directora Raquel Araujo ha
reunido para el montaje que en el poblado de Pozo Blanco del Ca-pulín,
en el municipio de San José Iturbide. “También hay 2 señoras
que nos ayudan con el vestuario, un grupo de músicos ciegos de 6
personas… En fin… No hay hombres adultos en el grupo porque
o han migrado o no se atreven a hacer teatro”, nos comenta Raquel
Araujo en breve charla.
El trabajo con esta obra se desarrolla en la comunidad ya citada
y en La Escondida, donde ha sido muy difícil reclutar actores por las
distancias y los problemas que encarna la pobreza extrema de las
familias que suelen ser conformadas por entre 8 y 15 hijos. La plani-ficación
familiar es un concepto que no se conoce y casi todos los ni-ños
ayudan a sus papás en la ladrillera de la localidad, trabajo brutal
para los niños a los que se les ha robado la infancia porque buena
parte no estudia ni tienen un desarrollo como lo exige la Convención
sobre los Derechos de los Niños que adoptó la Asamblea General
de las Naciones Unidas en 1989 y que ratificó México en 1990. Hay
problemas de alcoholismo, violencia intrafamiliar y un alto índice de
migración. Eso tanto en La Escondida y Pozo Blanco. No obstante,
en esta última el trabajo infantil es en la milpa y se respira de otra
manera. Ambas son poblaciones sin agua ni servicios.
El Proyecto Ruelas, por lo pronto un programa piloto, quiere de-mostrar
lo ya demostrado: el teatro construye tejido social.
E

69. septiembre 14
69
El método griego María Chatziemmanouil
Lorca: una fuente inagotable
de inspiración
www. a r t e z b l a i . c o m
a sala “Vault” es un espacio de arte que se fundó en
Atenas hace 2 años, justo cuando Grecia atravesaba por
la etapa más dura de la crisis económica. Está situada en
el barrio de Keramikós (nombrado por el homónimo antiguo cemen-terio
que está ahí) y tiene como objetivo principal acoger por un lado
a compañías de teatro compuestas por artistas jóvenes que no tienen
residencia artística, y por otro lado actividades culturales de otra ín-dole:
exposiciones de fotos y de pintura, conciertos musicales etc.
Ocupa el espacio de un edificio de tres
plantas y dispone de dos escenarios,
de 60 y 45 butacas respectivamente.
Desde el primer momento de su
fundación, “Vault” ha sido una colme-na
de creación artística y sus espacios
están siempre llenos de público. (Se
podría decir que “Vault” es, guardan-do
las distancias el equivalente ate-niense
de “La casa de la portera”).
En ese resultado contribuye mucho
la gestión del espacio por sus dos
propietarios: el autor, director y actor
Dimitris Karatziás, y el músico Manos
Antoniadis. La cuidadosa selección de
las producciones que se estrenan, la
polifonía, la experimentación y la originalidad, en combinación con el
ambiente acogedor del espacio, son los ingredientes que componen
la receta del éxito.
La temporada pasada, entre las 24 producciones que se estrena-ron
en “Vault”, destacó el homenaje a F. G. Lorca, con 3 obras: una
original del autor granadino (Yerma), otra adaptada (Asfixia) y otra
más, escrita en 2013 por Dimitris Karatziás (Basta ya con Adela), cuya
trama es la continuación de la historia de La casa de Bernarda Alba.
Lorca es, con diferencia, el autor extranjero más representado en
Grecia. Cada año se estrenan en Atenas al menos 5 montajes de obras
suyas, para mencionar sólo las de compañías profesionales.
El homenaje a la obra lorquiana en “Vault” empezó el 24 de no-viembre
de 2013 con Yerma, dirigida por Lily Melemé, una de las di-rectoras
más destacadas de la nueva generación. Melemé dirigió un
grupo de licenciados de la escuela dramática Arjí, quienes fueron sus
alumnos durante los tres años de sus estudios. El montaje, alabado
por la crítica por su estética, por la mirada de la directora sobre la
obra y por su dinamismo, prorrogó sus funciones varias veces y se-guirá
en cartelera de cara a la temporada que viene, después de una
gira estival por varias ciudades y festivales.
Cinco días más tarde, el 29 de noviembre, se estrenó Asfixia,
una obra inspirada en La casa de Bernarda Alba, adaptada y di-rigida
por Dimitris Karatziás (quien escribió tres nuevas escenas)
en otro contexto cultural, cronológico y geográfico. La acción no
transcurre en Andalucía en 1936 sino en una provincia de Turquía
oriental en 2013, y las heroínas no se llaman Bernarda, Adela,
Poncia, etc., sino Jadisé, Nasma, Ulvillé, etc. Como declara Ka-ratziás,
su inspiración fue por una parte “el valor de esta obra
maestra” y por otra el hecho de que casi 80 años después, la
opresión sexual, el dominio de la religión, los prejuicios y la ex-clusión
social de las mujeres siguen en pie, en países que buscan
mostrar una cara más progresista en
temas políticos, como es el caso de
Turquía. “Los datos impactantes que
aparecen en el programa de mano
se han extraído de los registros ofi-ciales
de las Naciones Unidas y de la
Unión Europea” sentencia Karatziás.
La crítica acogió con entusiasmo la
producción y el público llenaba la
sala hasta el 15 de junio, fecha en
la que se produjo la última función
(en un principio, estaba previsto que
durara hasta finales de enero).
La tercera obra del homenaje fue
también escrita por Dimitris Kara-tziás
y se estrenó en “Vault” el 24
de marzo de 2014, con dirección de Lily Melemé y música origi-nal
de Manos Antoniadis (quien compuso también la espléndida
música para las dos funciones anteriormente mencionadas). Se
titula “Basta ya con Adela” y se trata de una continuación de La
casa de Bernarda Alba (es obvio que se trata de la obra lorquiana
preferida de Karatziás). Treinta años después del acontecimiento
trágico que marcó el fin de la obra original, Bernarda está ago-nizando
y Martirio, “la única descendiente de la “maldita” familia,
guarda insomne de un secreto oscuro e instigadora de un suicidio
fraterno, está condenada a vivir hundida en un mar de luto, donde
el eco de las voces sigue sonando y la culpabilidad no permite a
los párpados que cierren y al alma que se tranquilice. La “inva-sión”
inesperada de una joven en la oscura casa de Bernarda,
es el motivo para abrir la caja de Pandora sellada: por medio de
un viaje doloroso a la memoria, que revela con violencia secretos
y mentiras, instintos reprimidos y pasiones prohibidas, Martirio
vuelve al lugar y al momento del crimen, representa paso a paso
los hechos y busca la catarsis. La obra está escrita respetando
profundamente la obra original y transmitiendo absolutamente el
espíritu lorquiano, omnipresente en las tres funciones del home-naje.
Un homenaje que fue un importante cruce de poéticas, de
inspiraciones y de teatro de calidad.
L
Asfixia

70. 14 septiembre Víctor Criado Noticias desde los fiordos
Parálisis permanente
70
n viaje a través de Europa para visitar familia y antiguos
fantasmas. Uno más doméstico para, dentro de Euskal He-rria,
ver la representación que un amigo ha dirigido. El lugar
es un pueblo “tipo”, industrializado en un principio, desindustrializado
más tarde, lleno de bloques de apartamentos. La representación tiene
lugar en la calle, un montón de niños en primera fila, expectantes. Una
segunda fila compuesta por madres, padres, abuelos, y demás, acom-pañados
de móviles y comentarios sobre todo lo habido y por haber. El
espectáculo transcurre con problemas de sonido e indiferencia adulta.
Los niños curiosos a veces, desconectados otras, expectantes al final
por poder tocar y entrar en el espacio escénico. Al finalizar se recogen
sillas e ilusiones más o menos cumplidas.
Me acerco a los actores para saludar y me doy cuenta de que co-nozco
al programador. Sigue siendo el mismo que 25 años. La com-pañía
también tiene más o menos la misma edad.
A ver si logro explicar bien la reflexión que esto me produjo. Inevi-tablemente
aparece la comparación, en este caso Suecia es el espejo,
con lo observado. Dejando a un lado las primeras impresiones de que
en el Norte todo es mejor, o está mejor pensado (lo cual no es del
todo cierto) si surge una conclusión inmediata: parálisis.
Ese programador es un hombre, por lo que sé e intuyo, íntegro,
que ama su trabajo y el teatro como forma de expresión artística. Me
ha explicado los problemas, reducciones de presupuesto y demás pe-nurias.
Totalmente de acuerdo. Sin embargo pienso que después de
25 años ejerciendo una labor hay que… ¿variar?, ¿moverse?, ¿dejar
sitio a otras personas con otras ideas y energía? Si salto la línea y me
coloco en el lugar de la compañía, ¿no sucede lo mismo?
Es evidente que hay muchos tipos de compañías, con edades
y trayectorias diferentes, como también es verdad que muchas
de las consolidadas llevan ya un largo camino recorrido, respeta-ble
y hasta admirable. Pero considero que hay consecuencias en
esta “permanencia”, un anquilosamiento de ideas y formas. No
de personas, ya que en eso somos cada uno de nuestra madre
y nuestro padre, pero si de estructuras, tanto en la parte de la
oferta (las compañías) como, sobretodo, en la de la demanda (los
programadores). Ese anquilosamiento puede además dar lugar a
clientelismos y “tics programáticos”, entre otros. No sé hasta que
punto esto influye en la “forma” de los espectáculos producidos,
para esto habría que hacer un estudio meticuloso de los porqués
a la hora de decidir qué producir, pero si sé que una estructura
influye muy mucho en el “resultado teatral”.
En anteriores artículos he explicado un poco, muy poco y por en-cima,
la forma de organización de las artes escénicas en Suecia. La
figura del programador tal y como está entendida allí es inexistente
aquí. Hay teatros públicos diseminados por todo el país que producen
y exhiben sus espectáculos, con elencos estables (o casi), al frente
de los cuales está un “director artístico” que, en contadas ocasiones
(dado el limitado presupuesto empleado para ello) decide qué espec-táculo
puede ser contratado. Director artístico he dicho, no progra-mador,
o técnico de cultura o funcionario público al que se le encarga
programar. Y estos directores artísticos tienen una duración limitada,
no se eternizan en su puesto, son relevados con mas o menos asi-duidad.
Asimismo los grupos de teatro independientes suelen también
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elegir nuevos directores artísticos cada cierto tiempo (sus consejos
de dirección son los encargados de ello). El caso de Suzanne Osten,
que es a quien conozco más de cerca, es especial, nadie en Suecia
ha estado al frente de un centro de producción tanto tiempo, algo
atípico, pero también es verdad que la capacidad de transformarse,
evolucionar y ser curiosa es muy peculiar en su caso.
Volvamos al programador, de teatro, festival, evento… A veces me
parece que es una prolongación del funcionario de turno del estado
franquista; ordena y manda, decide y ejerce el poder de un modo
soberano, casi omnímodo; le llaman, le vuelven a llamar, le envían
dossiers, le doran la píldora, cena incluida, a veces hasta se lleva
en el bolsillo un pequeño porcentaje del bolo (confío que no muy a
menudo)… Enfín.
Se que hay admirables personas, que pelean por mantener
programaciones y compañías. Es la estructura la que, desde mi
subjetivo punto de vista, está errada, la que hace que se perpe-túen
nombres y proyectos, algo que aquí sucede en mucha menor
medida (ya he dicho que aquí también hay problemas). Somos
humanos, vanidosos y sobornables en mayor o menor medida,
sobre todo cuando de sobrevivir se trata. Los nobles y valientes
escasean. Ya que esto es así pongamos los medios, las estructu-ras,
para evitar males mayores, no lo contrario, abonar el terreno
para que personajes ávidos de control y poder tomen las riendas,
que es lo que creo ha sucedido, o sucede.
Todo esto se me pasó, como un fogonazo, por la cabeza al hablar
con aquel honesto y cansado (eso me pareció) programador de un
pueblo medio de Euskal Herria.
Ahora que se habla de la refundación del estado, de darle la vuelta
al vestido de la transición, que no fue más que una farsa necesaria
para contentar a todos los presentes (de los ausentes, solo silencio y
olvido), no estaría de más romper la baraja y comenzar de nuevo. Cla-ro
que quien tiene la sartén por el mango no va ser fácil de convencer,
pero algo habrá que hacer para salir de esta Paralisis Permmanente.
Grupo de rock transgresor de culto con su autor, Eduardo Benaven-te
al frente. Pocos años, muchas creatividad y luego… A la tumba,
accidente de tráfico. Menos funcionarios y mas directores artísticos,
de verdad, no de título a la puerta del despacho.
PD1: El director artístico también tiene su tendencia a “ejercer po-der”,
la “debilidad” antes descrita, pero hay dos factores que deli-mitan
esa “debilidad”; su amor por el teatro (motivo por el cual ha
elegido esta profesión), y la presencia, a sus espaldas, del consejo de
dirección, que analiza, con frecuencia, su labor, y da el visto bueno a
sus proyectos (sin tener ninguna implicación directa en los mismos).
PD2: Hace unos años un fotógrafo teatral comentó, como quien no
quiere la cosa, que bajo administración socialista había sido testigo de
mas corrupción que bajo administración conservadora (el era, creo
yo, progresista). No es una cuestión de ideas o principios sino de
cómo estas se llevan a la práctica, y como se controlan.
PD3: Un día pude ver con mis propios ojos la carta de una pro-ductora
que amablemente ofrecía al programador un % del bolo a
contratar. Patético.
Otra “empresaria teatral” pedía ser programada por la labor que
“su padre” había realizado en el teatro español. Sin comentarios.
U

71. septiembre 14
71
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Las Lejanías Carlos Be
La sacristana
rimer borrador en torno al correspondiente personaje de
“Její pastorkyňa” (“Su hijastra”), obra teatral de Gabriela
Preisserová escrita en 1890 y en la cual Leoš Janáček se
basó para escribir el libreto y la música de “Jenůfa”, ópera
estrenada en Brno en 1904:
Con la irrupción de la primavera, la nieve se deshace alrededor
de los troncos de los árboles y las faldas de las mujeres.
Una marisma de colores se despliega en el cielo
como un ala de mariposa
abierta. Nunca me he sentido cómoda lejos del invierno.
Soy una anciana sin nombre y nada se equipara más a la lucidez que
el resplandor de la nieve en enero.
Permanezco con los puños hundidos en la nieve
para mantener el invierno prendido a la tierra.
Retengo el frío con las manos clavadas en garra. Un cuerpo yace
muerto con su tiempo congelado bajo la mortaja de mis lágrimas
congeladas.
Incluso la nieve más blanca es impura como el hombre que siempre
confunde la pureza con la verdad.
La pureza no existe. La pureza no es más que una nana para criaturas
sin bautizo.
La nieve siempre oculta un crimen
como el hombre siempre confunde la pureza con la verdad.
Esta noche he soñado que ayudaba a mi madre a hacer la cama.
Las sábanas blancas en volandas y los rayos de sol bajos
entraban por la ventana casi a ras de suelo
entre los botines negros. El embozo se alisa a lado y lado
bajo nuestras palmas blancas. Mi madre se sonríe y la luz se apaga.
He vuelto a despertar antes del alba.
A mi hija no la odio.
Cuántas veces habré soñado con afilar de nuevo el cuchillo
y marcarle la otra mejilla por poca mujer, por mancilla. Quedarse pre-ñada
de un borracho que no la casa. Parir el hijo en secreto
y ser rechazada por su enamorado que se desenamora y le corta
con cuchillo la mejilla.
Cuántas veces habré soñado con saberte estéril como yo, aferrada a
la tierra sin nada que plantar, sólo en los puños la muerte.
La nieve canta que no es mi hija
ni él nieto mío. No es mi hija, me canta,
y no es amor mío sino desvarío.
La nieve lúcida que reclama lo que le pertenece.
Llegaste un once de noviembre a lomos del caballo blanco de San
Martín y antes de la primavera el jinete te reclama de vuelta.
Tu padre se entretenía jugando a las cartas y en el momento del parto
cuatro doses en su baza. Cuatro doses abren las puertas del infierno.
Cuántas abuelas con el chal cargado a sus espaldas habrá conduci-do
con sus juegos perversos hasta donde se acaba la noche, hasta
el pecho de la nieve de enero. Me siento multiplicada por su semen
réprobo y agrio. Debiera ser su cuello el que apresara ahora entre
mis manos y no el tuyo, su engendro, pero el horizonte donde tiene tu
madre la vista puesta
tras la ventana parte en dos mis pies
y tu cuello.
¡Calla, niño, calla ya bajo la nieve!
En casa a tu madre prepara las faldas y en los labios un rescoldo en-cendido:
al filo de medianoche San Martín se apareció en la ventana
y sacó de su alforja izquierda un pequeño barco de madera.
El pequeño barco de madera atracó bajo el ortigal del muro
más apartado del cementerio. Yo bendije tu pequeño ataúd
con mi saliva. La fiebre se pudre dentro como una mentira.
El fuego siempre necesita de un hogar.
El frío reina afuera.
Nunca pintaras nubes en el vaho de la ventana.
Nunca te jalearé y tú te reirás y brincarás de alegría.
Nunca aprenderás a nadar en el lago ni a bucear con las carpas.
Nunca soñarás con las alas de las libélulas ni te detendrás ante la
noria del molino.
Salvo morir. Morir sí morirás. Mueres en tu tiempo congelado.
Y yo te bendigo.
La llave del cementerio repiquetea en mi cinto. Soy la sacristana y du-rante
el oficio permanezco a pie de altar inerte como una sombra. Soy
la mujer más sola del mundo y no le deseo lo mismo a ninguna otra
mujer. Nunca he hablado en voz alta hacia afuera. Siempre he hablado
en voz baja hacia afuera si me lo han solicitado. Con cara de llorar.
Con cara de despedirse. No me han permitido respetar mi propia vida.
No lo hago por mí. Lo hago por ella. Nunca otra mujer debe sentirse
más sola en el mundo que yo. El invierno lo mantengo yo y sólo yo y
en su cementerio no hay nadie más que dios. Yo le danzo sobre la
losa las noches de luna llena y el amanecer me sorprende abrazada
al sepulcro vacío.
El capellán observa con lascivia la hostia aplastada en la lengua
húmeda de los niños y de las niñas y al cerrar la iglesia le suplico
que no me toque, que no me toque, que no me toque y él asiente
con la baba deslizándose por su estola cruzada sobre el pecho y
dice que sólo quiere oír cómo su envite rasga mi ajadura de vieja
decrépita, sólo ese crujido tan parecido al primer mordisco de los
niños en el cuerpo de dios. Y se posa sobre mi vientre vuelto con
su grajo negro de miserable tamaño sin importarte si es el saco
de arpillera de una prostituta, el ano embreado de un militar o mi
cuenco lustrado por el hielo.
Se retira
y de sus nalgas cae una flatulencia viscosa casi líquida y yo le maldigo
en silencio. Usted y los suyos mataron a dios. No les basta. También
quieren a las mujeres y a los hombres. En silencio grito el tiempo en
que vuestro altar se quiebre por la mitad.
Se arregla la sotana y me pide que sea honesta cuando me pre-gunta
sin importarle si me ha gustado. No me hable de honesti-dad.
La honestidad no existe. Nadie puede decir la verdad. Y le
respondo que no.
Dios murió en 1627.
P

72. 14 septiembre L72
www. a r t e z b l a i . c o m
Mercartes
2014 en
Valladolid
a cita bienal del sector de las Artes Escénicas Mercar tes
que se lleva realizando desde 2004 y que tiene como
objetivo promover acuerdos comerciales entre distintos
agentes públicos y privados (creadores, productores,
distribuidores, programadores y gestores de espacios escéni-cos
y festivales, empresas de servicios y equipamiento técnico
e instituciones públicas) celebrará su próxima edición del 5 al 7
de noviembre y contará como una de las novedades más des-tacables
su nueva ubicación, el recinto ferial de Valladolid, tras
haber contado como única ubicación hasta 2012 con el Centro
de Congresos y Convenciones de Sevilla.
En esta nueva edición Mercartes ofrece un servicio perso-nalizado
de asesoramiento dirigido a profesionales y empre-sas.
Apuestan por un formato de mercado eficiente, intentando
ofrecer un incremento de la actividad comercial a través de los
diferentes conceptos que conforman el evento: el pabellón de
expositores, el foro de los negocios, itinerarios guiados, encuen-tros
con autores y las presentaciones de proyectos. Los intere-sados
en conocer las posibilidades que ofrece esta cita tienen
la oportunidad de realizar ya la prescripción online, además los
costes de participación se han visto reducidos una media del
42% respecto a la última edición, y los socios de las entidades
convocantes y organizadores tendrán una bonificación del 25%
sobre las tarifas oficiales.
La tercera jornada de Mercartes estará dedicada a la celebra-ción
del primer Foro Mercartes, un espacio de reflexión y debate
sobre las tendencias y oportunidades de los mercados internos
y externos con un objetivo claro: identificar las claves tecnoló-gicas,
logísticas, económicas e institucionales que permitirán al
sector dar un paso adelante a nivel cualitativo y cuantitativo.

73. septiembre 14
73
www. a r t e z b l a i . c o m
México, cita
con el libro
teatral
La séptima edición de la Feria del Libro Teatral de México
se adelanta un mes con respecto a años anteriores y se
celebrará del 2 al 7 de septiembre en su sede habitual, el
Centro Cultural del Bosque de México D.F.
El Instituto Nacional de Bellas Artes a través de la Coordina-ción
Nacional de Teatro con el apoyo de la Dirección General de
Publicaciones de CONACULTA, el Centro Nacional de Investigación
Teatral Rodolfo Usigli, El Centro Cultural del Bosque, la Universi-dad
Autónoma Metropolitana y PasodeGato Revista Mexicana de
Teatro. En sus años de andadura la FeLiT se ha convertido en
una cita para el mundo teatral mexicano y gran parte del sector
editorial iberoamericano. Las carpas montadas expresamente
para esta cita son el centro neurálgico en el que se ubican los
aproximadamente cuarenta stands de otras tantas editoriales en
las que mostrarán todas las novedades y fondo editorial. Pero
bajo las dos carpas se ubican también los escenarios sobre los
que se desarrollarán diversas actividades que enriquecen el
evento y congregan, año tras año a un mayor número de públi-co.
Presentaciones con los autores de las novedades editoriales
expuestas, conferencias, encuentros y mesas redondas sobre
el hecho teatral entorno a los que se generan debates y una
notable participación de los presentes. Además en los teatros
que conforman el Centro Cultural del Bosque se celebrarán talle-res
formativos y otras actividades que se han convertido ya en
tradición como el ‘Rally Teatral’ que organiza El Punto Teatro,
o el ‘Jam de dramaturgia’ entre otros. Y como guinda a este
encuentro con el teatro “escrito”, se dará a conocer el trabajo
ganador del ‘Premio Internacional de Ensayo Teatral 2013’ que
convoca el INBA, PasodeGato, CITRU y la revista de las artes
escénicas ARTEZ.

74. 14 septiembre El dramaturgo, director
74
Estantería
Texto Teatral Texto Teatral Texto Teatral Texto Teatral
Texto Teatral Texto Teatral Texto Teatral Texto Teatral
www. a r t e z b l a i . c o m
y profesor de arte
dramático Alfonso Zurro
es el autor de ‘Cien
viajes en ascensor’,
piezas de teatro breve
o minipiezas que tienen
en común “todos estos
encuentros fortuitos,
que constituyen los
fragmentos de un
puzzle, estructura coral
que no se atiene a una mera relación sin objetivo, puesto
que conforma una unidad muy bien urdida” tal y como
apunta en el prólogo de esta edición María Jesús Orozco
Vera, autora del mismo. Orozco aclara además que “las
primeras minipiezas evocan más bien un clímax más
distendido, iniciando la serie con uno de los tópico que
más se asocian al ascensor, “hablar del tiempo”, conti-nuando
en su desarrollo con un repaso de las principales
lacras del siglo XXI, y las últimas muestran un perfil más
desolador -la decadencia, el castigo, la purgación de las
faltas cometidas- que concluirá con el apocalipsis, la des-trucción
de ese “no lugar” y el extermino del ser humano.
Así se revela en la última minipieza, “Espalda”.
Ediciones Antígona ha publi-cado
la versión que Miguel
del Arco ha realizado sobre
El Misántropo de Molière bajo
el título ‘Misántropo’. Esta
versión libre y contempo-ránea
de la universal obra
fue estrenada por Kamikaze
Producciones el pasado mes
de octubre en Oviedo bajo la
dirección del propio autor y
ha recibido elogios de crítica
y público.
Juan Diego Botto es el autor
de ‘Invisibles, Voces de un
trozo invisible de este mun-do’,
obra galardonada con
varios Premios Max este año.
Publicada por Espasa Calpe,
la obra narra la historia de
diversos personajes unidos
por la emigración: un policía
xenófobo, una mujer africana
llegada a Europa en patera,
un exiliado argentino tortura-do
en la dictadura...
‘Larrea Toujours’ de Daniel
Sarasola es una aventura
literaria en cuatro jornadas,
convertidas en cuatro piezas
distintas con solución de
continuidad, sobre la vida del
poeta y escritor Juan Larrea
anterior a su primer exilio
en México tras la Guerra
Civil española. Editada por
Abada Editores, la obra está
marcada por el París de las
últimas vanguardias.
Bajo el título ‘Juan
Mayorga. Teatro 1989-
2014’, la editorial La
Uña Rota ha reunido en
un mismo volumen casi
la obra completa del
reconocido dramatur-go.
La selección de
obras recogidas ha
sido realizada por el
propio Mayorga, un
total de veinte textos
que recorren las distintas líneas temáticas en las que
se ha centrado el autor, ofreciendo, a su vez, las claves
de su escritura dramática. Por un lado se encuentran
las obras basadas en hechos o personajes reales como
por ejemplo ‘Últimas palabras de Copito de Nieve’; por
otros textos de carácter histórico como ‘El traductor de
Blummemberg’ o ‘Himmelweg’. Textos políticos como
‘La paz perpetua’ o ‘Hamelin’ y de temática social como
‘Animales nocturnos’ o ‘El chico de la última fila’. Ade-más
también se pueden encontrar otros textos en los
que prima la ensoñación y la poesía como ‘Más ceniza’
o ‘El Gordo y el Flaco’ y textos de su primera época así
como tres obras inéditas, algunas aún sin estrenar.
‘No deberíamos salir de aquí’
de Pedro Fresneda es el
último número de la colección
Pliegos de Teatro y Danza
publicado recientemente
por Aflera. Esta obra, fue
estrenada en marzo pasado
en el Teatro Ensalle de Vigo
con la interpretación de los
actores Artús Rei y Jorge Rúa
y la actriz Raquel Hernández
bajo la dirección del propio
Fresneda.
Fundamentos ha publicado
en un mismo volumen dos
obras de Antonio César
Morón, ‘Elipses’ y ‘El espejo
más frío’. La primera obra es
de ciencia ficción y el autor
escribe haciendo uso de la
narración especulativa. La
segunda es un monólogo in-terior
protagonizado por una
voz femenina; de una mujer
joven que decide suicidarse
en el cumpleaños de su hija.
La editorial Teatro del
Astillero ha publicado bajo
el título ‘Teatro noruego
contemporáneo’ las obras ‘Yo
soy el viento’ de Jon Fosse
y ‘La casa de hielo’ de Marit
Tusvik. Fosse se acerca en
esta obra a temas como la
inestabilidad emocional, la
despersonalización, el miedo
al abismo y el dolor extremo
y Tusvik realiza un viaje al
pasado de una familia.
Estantería

75. septiembre 14
75
artícu-
www. a r t e z b l a i . c o m
Estantería
Texto Teatral Texto Teatral Texto Teatral
Kiosko
Zirkolika Estreno ADE
El número 41 de la Revista
de las Artes Circenses ‘Zirko-lika’
tiene como tema de
portada la vuelta, cinco años
después de su desaparición
del Festival Internacional de
Payasas que ha impulsado el
Circ Cric y El Almazen y cuya
crónica abre esta edición a
la que le siguen otras como
las de Trapezi o el Festival
Circada o una entrevista con
Eduardo Cardenal.
La revista norteamericana
‘Estreno’ incluye en su último
número correspondiente a
primavera de 2014 los textos
ganadores de Crono-Teatro
de autores como Agustina
Rimondi, Alba Pérez o
Carlos Be entre otros. Cabe
destacar también el artículo
“Los muertos vivientes de la
memoria histórica en el teatro
español contemporáneo” de
Alison Guzmán.
La Primera Guerra Mundial
en el Teatro es el tema cen-tral
del número 151 de ‘ADE
Teatro’ que incluye además
dos textos teatrales: ‘La so-nata
de Belcebú’ de Stanislaw
Ignacy Witkiewicz, en el 75
aniversario de la muerte del
autor y ‘El pasillo’ de Manuel
Sacristán, que se acompaña
de los artículos que sobre el
autor han escrito Salvador
López y J. A. Hormigón.
El número 78 de la ‘Re-vista
Galega de Teatro’
publica en su interior el
texto dramático ‘Morte
súbita” de Ricardo
Cabaça. En lo que a las
entrevistas se refiere,
este número hace
hincapié en el décimo
aniversario del Teatro
Ensalle de Vigo motivo
por el que se incluye
Teoría Teatral
RGT
una entrevista con dos de sus fundadores, Raquel
Hernández y Pedro Fresneda. Entre las secciones habi-tuales
de la publicación gallega destaca Escena Aberta
con artículos de actualidad como la crónica de los XVIII
Premios María Casares a cargo de Afonso Becerra, el
Manifesto do Teatro Galego firmado por Camilo Franco y
otras crónicas sobre el festival ALT, FETEN o Primavera
en Danza en Carballo. En la sección Temas por su parte,
encargada de abrir la revista, se puede encontrar los
artículos ‘Notas sobre escenografía’ de Marta Pazos y
‘Días sen gloria e noites sen durmir’ de Baltasar Patiño.
Este número se completa con las secciones Espectácu-los
y Ficheiro.
La editorial Fondo de Cultura
Económica ha publicado
‘Estudios avanzados de per-formance’,
una compilación
de textos de 17 autores
realizada por Diana Taylor y
Marcela Fuentes en la que se
trazan varias trayectorias en
el estudio de la performance,
no sólo en cuanto a prácticas
artísticas sino a otros
ámbitos como la política, el
deporte, la religión, etc.
El escenógrafo portugués
José Manuel Castanheira es el
autor de ‘Desenhar Nuvens’
un volumen publicado por
Edição Caleidoscopio en
el que se recogen algunas
reflexiones, historias, dudas
e inquietudes resultado de
la experiencia profesional
del autor y que se presentan
como pequeñas contribucio-nes
para una reflexión sobre
la creación escenográfica.
En ‘La Escuela Bolera Sevilla-na.
Familia Pericet’ su autora,
Marta Carrasco Benítez
realiza en la primera parte
del libro, una reconstrucción
de la Escuela Bolera y de la
familia Pericet mientras que
en la segunda, y de forma
más documental, ofrece
un listado de bailes de la
Escuela Bolera del siglo XVIII
y los Cuadernillos de los tres
cursos Pericet.
Dentro de la colección
Cana Negra Ensayo,
Amargord Ediciones
acaba de publicar ‘Tea-tro
de Calle actual’ de
Pasqual Mas, hombre
de amplia carrera en
el mundo de la escena
y director de la revista
Fiestacultura. Este libro
es fruto de la reelabora-ción
de diversos artícu-los,
conferencias y comunicaciones relacionadas con las
Artes de Calle; algunos apartados del libro forman parte
del currículum del curso sobre teatro de calle impartido
por el propio autor dentro del Master de Gestión Cultural
de la Universitat de València y la Universitat Politècnica
de València. Todo el material recogido en el presente vo-lumen
ofrece un repaso por la visión de Mas sobre cómo
se ha ido imponiendo esta expresión escénica que en las
últimas décadas ha recuperado el espacio urbano para
el disfrute y aprendizaje del ciudadano y es que Mas, ha
recorrido decenas de festivales y eventos callejeros de
todo el mundo de los que ha informado, puntualmente,
en la revista Fiestacultura.

76. 14 septiembre A 76
Foros sobre comicidad femenina
finales de mayo y comienzos de ju-nio,
en menos de dos semanas, tuve
el honor y el placer de tomar parte
en tres foros de la comicidad femeni-na
muy diferentes. Esta es la crónica de unas
vivencias profundamente enriquecedoras
tanto a nivel personal como profesional, con
el único objetivo de visibilizar que estos
hechos ocurrieron y que las payasas
como dicen de las brujas, “no existen”
pero haberlas haylas. Y es que en las
programaciones oficiales, en los carte-les
de Ferias y Festivales, la presencia
de las payasas y de las actrices cómicas
sigue brillando por su ausencia. Fenó-meno
curioso éste de una especie que
sin acabar de haber aparecido, se diría
a veces en vías de extinción.
En orden cronológico la primera cita
fue en Sevilla, en las Jornadas Interna-cionales
“Stupro: mitos antiguos y vio-lencia
moderna. Homenaje a Franca Rame.”
Organizadas por el grupo de investigación
Escritoras y Escrituras, y coincidiendo con el
primer aniversario de la muerte de la actriz
y dramaturga Franca Rame, el objetivo de
estas jornadas era analizar textos relaciona-dos
con la violencia que se ejerce contra las
mujeres, ahondando en las raíces culturales
de este problema social de primera magni-tud.
“Lo que me gustaría seguir diciendo a
las mujeres, también después de mi muer-te,
es que no pierdan nunca el respeto de
sí mismas, tener dignidad. Siempre”. Con
estas palabras Franca Rame había hablado
a las personas reunidas en la celebración del
8 de marzo del 2013. “Estupro” es el título
del monólogo que la autora había escrito en
1975, cuando aún nadie ni en Italia ni en el
resto de Europa hablaba de violencia sexual.
En él contaba el episodio de su violación por
un grupo de neofascistas, que quiso darle
un castigo ejemplar por ser militante de iz-quierdas.
Los responsables nunca acabaron
en la cárcel, a pesar de que años más tarde
se descubrieron sus nombres. Franca Rame
nunca aceptó el silencio, y decidió a través
del teatro contrastar la violencia con la pa-labra.
En estas jornadas alrededor de una
treintena de personas estudiaron la vida y la
obra de Franca Rama. Se leyeron, se repre-sentaron,
se analizaron con vídeos, un buen
número de sus espectáculos. Ella fue una de
www. a r t e z b l a i . c o m
las pioneras. En nuestra genealogía de mu-jeres
cómicas, que utilizaran el humor como
estrategia para denunciar los estereotipos y
los falsos mitos sexistas, Franca Rama tiene
en mi opinión un lugar de honor. Me fui de
Sevilla profundamente conectada con todas
las mujeres creadoras de humor y creado-ras
de arte que nos han precedido y que
fueron abriendo camino y con reflexiones en
torno a la urgencia de conectar mucho más
la escena y la Universidad. Particularmente
las mujeres creadoras precisamos de toda
la ayuda que nos pueda proporcionar la in-vestigación
universitaria en cuanto al rescate
de las dramaturgas olvidadas o silenciadas y
a la reflexión desde la literatura, la filología,
la antropología, la sicología, la sociología,
etc… de la violencia simbólica incesante que
supone haber sido educada como mujer.
La segunda cita fue en el Montseny, en Ca-taluña,
donde las carpas del CIRC CRIC acogie-ron
un Festival Internacional de Payasas que
nacía con toda la intención de dar continuidad
a aquel Festival internacional de Payasas que
bajo la dirección artística de Pepa Plana se ce-lebró
en Andorra entre los años 2001 y 2009.
Como el ave Fénix este encuentro pudo rena-cer
de sus cenizas, gracias al impulso y la co-laboración
entre Tortell Poltrona y Montserrat
Trias del CIRC CRIC y Mar Ortega y Macarena
Gonzalez de la Sala Almazen (El Raval - Bar-celona),
responsables entre otras magníficas
iniciativas de la programación Very Important
Women destinada a visibilidad el trabajo de las
mujeres creadoras. Y por supuesto gracias a
las sesenta payasas, algunas consagradas y
de gran prestigio internacional, de trece na-cionalidades
diferentes, que aceptamos par-ticipar
en el Festival para visibilizar nuestro
trabajo como creadoras y reivindicar el humor
en femenino.
El pistoletazo de salida tuvo lugar con una
conferencia de la brasileña Alice Viveiros so-bre
los orígenes históricos de la profesión. A lo
largo del Festival locas excéntricas hicieron las
delicias de diferentes públicos: Merche Ochoa,
deliró con una antivedette de cabaret, la ve-terana
Nola Rae, maestra de maestras, pre-sentó
un número de poseía visual de técnica
depurada y de conmovedora profundidad. La
australiana Amelia Cadwallader, creó una
gran complicidad con el público en un
número de aros rebosante de comicidad.
La inmensa Cristi Garbo mostró cómo el
chocolate puede convertirse en la mejor
amiga de una mujer, mientras que Lluna
Albert seducía a un espectador en un de-lirante
cortejo de escucha magistral. La
brasileña Aline Moreno se puso de parto
y la magnífica austriaca Anna de Lirium
(Tanjia Simma) nos deleitó con un deli-rante
número cómico musical. Ana Serzo,
Tona y Xicana acompañaron con extraor-dinaria
sensibilidad el número de magia
del mago Macmon y Marta de Marte trajo su
personal mirada sobre lo cómico. También
tomaron parte entre otras Nuria Urioz (Va-lencia)
y la italiana Francesca Martello. Esther
Carrizo y Blanca Inés d´Uhartean y Cirquet
Confetti animaron el espacio exterior como
Las Polis (Marta Sitjà y Fanny Giraud) que hi-cieron
las delicias fuera de la carpa de todo
tipo de públicos en una parodia genial sobre
la incompetencia de la autoridad competente.
Mar y Maracarena de Almazen presentaron
el Open clown y ¡Qué placer volver a disfrutar
de Las Gallegas! (Lola y Coral), incombusti-bles,
ácidas y cada vez más maduras en el
desarrollo de su excentricidad. Hubo también
propuestas mixtas como la desarrollada por
el primer espectáculo conjunto de Pepa Plana
y Toti Toronell. También el trío de Las Bellotas
presentó un delicioso número coral de diálo-gos
ingeniosos y trepidantes.
La parte reflexiva se completó con la ex-posición
de Caroline Dream, autora del libro
‘El payaso que hay en tí’. Y por supuesto la
increíble Marceline Khan, de los Excéntricos,
que intervino con una gran sensibilidad y pa-labras
muy acertadas sobre el oficio desde
una perspectiva de género. Las Folklóricas
Anónimas animaron el festival con un des-parpajo
inagotable y las maquilladoras de
la compañía Passerell pintaron los rostros a
gente grande y menuda. Intervino Miss Dolly
de Francia y Benjamien Eugene. La gala del
Virginia Imaz

77. septiembre 14
77
www. a r t e z b l a i . c o m
sábado a la noche fue presentada por la mul-titalentosa
Alba Serraute y contó con la par-ticipación
de Marta Carbayo, Fanny Giraud o
una servidora, entre otras y fue una vivencia
increíble. Incluso Tortell Poltrona se travistió
de Mary Sempere e intervino en una deliciosa
parodia. El sábado a la noche Karol Green de
Sudafrica nos puso a vibrar a todas con su
particular universo sonoro. Todo un trance. Y
el domingo por la mañana tuvimos una gala
magnífica para todas las edades presentada
por las talentosas payasas de Decopivolta y
tuvimos ocasión de disfrutar entre otras a la
Cía Passerell o las Imperfectes clowns.
La tercera cita fue en Valencia en el III
Encuentro solidario de Payasas con la A.
La Trobada solidaria de dones pallases,
organizada por la Casa de la Dona, es ya
una cita ineludible para el pensamiento y la
acción crítica feminista en clave de humor;
en la que las actuaciones de las payasas
proponen “cuestionar roles y estereotipos
y afirmar un espacio de denuncia de la vio-lencia
que se ejerce contra las mujeres y el
retroceso de sus derechos”. Payasas con
la A es una apuesta real por la creación
de un humor feminista y transgresor para
reivindicar los derechos de las mujeres y
denunciar las violencias patriarcales que se
agudizan en estos tiempos y que son de-nunciadas
por el movimiento feminista.
La tercera Trobada Solidaria, comenzó
con el espectáculo de teatro de calle Una
poción fantabulosa, de Las Clownrurales.
La gran gala solidaria del encuentro estatal
empezó una hora después con una decena
de microespectáculos que tuve el placer de
presentar con mi hermana de sangre y de
narices, Rakel Imaz. Un honor y un placer. En
la muestra participaron con un derroche de
talento, Decopivolta Teatre, Sandralia Clown-maleónica,
Batamantis clown, el master class
de flamenco de Esférica, Las Enclownadas,
Kankaneo Teatro, Les Ovulines, Cía Mada-mdarina
y Las Kapritxosas. Al día siguiente,
se celebró una manifestación pasacalles que
partió de la Casa de la Dona y disfrutamos
también de una sesión golfa a cargo de Las
XL, tan cómicas como transgresoras.
Desde una perspectiva general puedo
apreciar que no sólo cada vez hay más
payasas. También creo que las que resisti-mos
vamos salvando obstáculos internos y
externos propios de nuestra construcción
como mujeres. Nuestras voces son cada
vez más propias. Nuestras búsquedas más
genuinas. Ya no todas las payasas jugamos
que buscamos al príncipe azul. Y cuando lo
hacemos salimos cada vez más de los es-tereotipos.
No hay límites para los temas ni
para los tratamientos creativos, desde el
cambio climático hasta la violencia en el par-to,
desde la muerte al culto al cuerpo, desde
la orientación sexual hasta la denuncia de los
estereotipos sexistas en los medios de co-municación…
Estamos dispuestas a reírnos
de nosotras mismas en cualquier ámbito y a
través de habilidades y talentos muy diferen-tes.
Ver y gozar de todas estas búsquedas
me llena de emoción. Mil gracias hermanas.
Mil gracias compañeras… Hasta ahora,
hasta siempre. Que se oiga en todas partes:
las payasas hemos llegado a los diferentes
espacios públicos de lo estético y hemos ve-nido
para quedarnos.
Esther Carrizo se ocupó de recoger du-rante
dos días las opiniones de varias pa-yasas
asistentes al Festival Internacional y
de redactar un manifiesto que suscribo con
toda mi alma:
Yo soy mujer y manifiesto que hay una
payasa que me habita. Lo manifiesto
para hacerlo evidente, para que se vea
y se perciba con claridad.
Yo deseo que la payasa que me
habita se exprese. Mi deseo conlleva
responsabilidad.
Así pues asumo la responsabilidad
de ser visible. De crear espacios que
permitan esa visibilidad. Espacios
mentales, emocionales y físicos que me
permitan desarrollarme y crecer.
Este Festival Internacional de Payasas
es una opción hecha realidad. Pone luz
y nos permite brillar.
En este camino estoy acompañada.
Somos multitud. Así pues asumimos
la responsabilidad de crear redes
para el encuentro, la inspiración, la
renovación, la confianza, el debate…
Nos expresamos desde lo que somos
y visualizamos lo que queremos
conseguir con lo que estamos haciendo.
Si el humor es referencial, nosotras
queremos ser referente. Caminamos
para seguir dignificando este bello
oficio que transforma todo lo que toca.
Amamos reír en femenino, gozamos del
placer que nos mueve.
Tenemos muchas herramientas para
asumir estos retos: la paciencia, la
capacidad de supervivencia, el cuidado,
el coraje, la belleza, la capacidad de
reírnos de nosotras mismas…
Y sobre todo hay algo para lo que
la naturaleza nos ha dotado y es la
capacidad de dar a luz. Vamos pues a
parir a las payasas que queremos ver
en el mundo. Vamos pues a parir a las
payasas que queremos sean visibles en
el mundo.

78. 14 septiembre C78
entenares de invitados, amigos, es-tudiosos,
colaboradores, editores,
periodistas, gestores, eso que en la
mitología teatral se llama “el pueblo
secreto del Odin”, nos concentramos en
Holstebro durante cuarenta y ocho intensas
horas para celebrar los primeros cincuenta
años de vida de esta compañía que en me-dio
siglo de existencia ha creado tanto pen-samiento
sobre el propio hecho teatral, la
interpretación, la concepción del teatro, su
relación con la sociedad, que por ese motivo
ya tiene un lugar preeminente en la Historia
de la Cultura Teatral Universal.
Y lo importante es que esa investigación y
trasvase de la misma a la escena, su difusión
y diseminación, se ha basado en el análisis
de la propia praxis, por lo que sus documen-tos,
libros, tratados, manuales, diccionarios
surgidos de Eugenio Barba o sus compañe-ros
de vida teatral, son útiles, asimilables,
ayudan a formar un modelo de organización
de los materiales esenciales desde el que
cada cual pueda emprender su camino hacia
la creación.
Muchos creen que el Odin Teatret es un
modelo estético, una fórmula para hacer tea-tro,
que se basa en el entrenamiento y en la
reiteración de conceptos, y algunos estamos
convencidos de que lo que han hecho en es-tos
cincuenta años, es difundir unas dudas,
compartir unos logros, buscar un poco más
www. a r t e z b l a i . c o m
allá de lo obvio para comprender de manera
integral qué es el teatro. Qué es el actor, el
arte de actuar, los porqués de esa necesidad
que anida en numerosos individuos por con-vertir
su cuerpo en transmisor de voces, sig-nos,
discursos o sensaciones que intenten
explicar la misma esencialidad de la vida, de
la existencia, de lo que las artes escénicas
tienen de elemento antropológico no uní-voco,
no perteneciente a ninguna corriente
predominante, sino que abarca, a casi todas
las culturas, a toda la humanidad. Otra cosa
es lo que se ha hecho con todo ello, su codi-ficación,
su comercialización, convirtiendo el
rito en un comercio.
Uno viajó a Holstebro días después de
tener el privilegio de hacer un acto de co-municación
en el TAC de Valladolid donde se
les homenajeaba por este cincuentenario,
y en un foro de recién creación estuve de
acompañante necesario de Eugenio Barba
para hablar de su visión del teatro, de su
idea del Odin Teatret. Por ello ver todo lo que
se formó en la localidad danesa, como colo-fón
al Festuche, una actividad que realiza el
Odin, una fiesta cultural básica, se convirtió
en una confirmación de la importancia de
estas gentes, de estos fundadores unos y
continuadores otros, de un proyecto de vida,
cultural, teatral, que indudablemente ahora
mismo transciende a cualquier anecdotario,
a cualquier acto estadístico, por haber entra-do
en los anales de la historia de la cultura,
siendo, probablemente el núcleo de creación
teatral que más documentos, más trabajo de
investigación, más profundo y más abierto
haya legado a todos cuantos se interesen
por este concepto de teatro laboratorio, de
teatro más allá del sistema productivo al uso,
que busca en la verdad de la actuación su
vinculación, casi ancestral, con los otros, con
los públicos, con la sociedad. Un compro-miso
ético, que deviene en una estética no
dogmática, y que nos deja ver unas políticas,
unos discursos que se retroalimentan con
las realidades que viven y su posicionamien-to
ante ellas.
Quizás no venga a cuento tanto discurso,
que lo importante hubiera sido hacer un re-lato
de los acontecimientos, de los pasaca-lles,
de las actuaciones de varias orquestas
de jóvenes músicos de varias culturas, de los
espectáculos al aire libre en un parque de la
ciudad, en uno de esos días mágicos del nor-te
de Europa en donde el sol parece querer
convertirse en un acompañamiento de esa
fiesta, de esa celebración compartida por los
invitados, pero sobre todo, por los conciuda-danos
de Holstebro. Comprobar cómo uno
de los grupos más viajeros, que más días al
año están por todo el mundo mostrando sus
investigaciones, sus metodologías prácticas,
sus ideas, sus espectáculos, se metaboliza
y es admirado en su lugar de residencia,
50 Años de Odin Teatret
El día que un pueblo asistió al
entierro de su propia historia

79. septiembre 14
79
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adonde acudieron por el empecina-miento
de un alcalde que comprendió
del valor de la cultura para un pueblo
agrícola e industrioso. Hace cincuenta
años fue un acontecimiento local, con
sus polémicas, incomprensiones y de-tractores.
Cincuenta años después es
un acontecimiento mundial, universal
que refuerza la idea de asentamiento,
de lugar de irradiación de una energía
transformadora. Desde un punto geo-gráfico,
un punto de apoyo alcanzar el
infinito.
Pero decía que fue un reencuentro
de algunos de los trashumantes miembros
del pueblo secreto del Odin. Llegaron de
todas las partes, venían con sus mochilas
cargadas de vivencias, de recuerdos de
hace décadas o con los ojos todavía llenos
de imágenes de hace unos meses o aca-so
semanas. Un encuentro en una fase de
conciencia de formar parte de algo más. Re-conocimientos,
vínculos entre unos y otros,
descubrimientos. Unas horas intensas para
algunos corazones que ya acumulan muchas
emociones, que se contraponían a una savia
nueva, a unos nuevos integrantes de ese
pueblo secreto, refulgentes, energizantes,
capaces de organizar movimientos de cien-tos
de artistas, o de capturar la voluntad de
los cientos de invitados para despedirse en
una cena campestre, inenarrable, musical,
creativa, rompedora, que fue la culmina-ción
de un proceso, de un gran montaje, de
un paseo por el amor y el recuerdo, por la
muerte, por la memoria activa y activada.
Todo cambia, todo se mueve, todo se
transforma. Vimos un espectáculo recopila-ción
en el jardín de la sede, mientras en un
nuevo escenario, una familia india hacía sus
ceremonias, sus trabajos iniciáticos para la
danza, la mística de la representación, de
la música, del movimiento. Eso quedó como
figura de fondo, como música incidental,
mientras se hacían escenas de obras,
se transformaban los elementos, y de
repente apareció un enorme hueco en
el suelo de donde había salido la tierra
que sirvió de escenario a esas accio-nes,
y de repente, como enloquecidos
los miembros del Odin con sus colabo-radores,
empezaron a tirar dentro del
agujero, la gran tumba, el sarcófago sa-grado
partes de escenografías, atrez-zo,
vestuario de obras. Los asistentes
no sabíamos dónde mirar, nos entris-tecimos
algunos, se soltaron lágrimas.
Y en ese rito los obreros empezaron
a remover la tierra y se empezó a enterrar
esa historia, parte de esos cincuenta años
de gloria, de trabajo, de sudores, de espe-ranzas
de objetivos cumplidos. Y la rabia,
las lágrimas se empezaron a convertir en
pensamiento positivo, en complicidad con
el acto. Allí, de la tierra, puede resurgir algo
más, puede llegar una nueva epifanía. Y el
futuro no debe ser solamente una recreación
del pasado. Una lección más del Odin. Y se
colocaron unos columpios y a los minutos
dos niños se columpiaban. No se podía pedir
mejor metáfora. Larga Vida al Odin Teatret.
Carlos Gil Zamora

80. 14 septiembre L 80
Recuerdo en diferido del paso
por importantes citas teatrales
as circunstancias obligan. La
precariedad en la que nos
movemos crea disfunciones
que van acumulando olvidos.
Nosotros acudimos a ferias, festi-vales
y posteriormente hacemos
crónicas de los eventos. No damos
abasto, no tenemos espacio, debe-mos
primar la información. Recupe-ramos
algunas notas.
La Fira de Titelles de Lleida cum-plió
veinticinco años. Han consegui-do
superar el duelo y mantienen un
nivel espléndido en sus ofertas. La
ciudad les sigue, los profesionales
se encuentran y reconocen, el ambiente es
productivo y amable.
Estuvimos en el Festival Internacional de
Teatro de Palco e Rua de Belo Horizonte,
con nuevo equipo directivo que demostró
las ganas de restaurar el valor de este
encuentro, de su conexión con la realidad
teatral local ya que es de titularidad mu-nicipal.
Asistimos a dos inauguraciones de
salas reformadas. Hubo un componente de
debate y creación de un circuito, porque
existe una necesidad en todos los lugares
de saber qué se hace y por qué se hace.
Vimos espectáculos en barrios y nos im-presionó
www. a r t e z b l a i . c o m
la respuesta del público popular.
Salimos con una grata impresión.
En Leioa, nuestra querida Umore Azoka,
la Feria de artes de calle que se ha conso-lidado
de manera angular en el sistema de
producción vasco, estatal y en gran parte del
internacional. De sus programaciones salen
muchos de los espectáculos que cubrirán las
necesidades de festivales, fiestas patronales
y programaciones ocasionales de los próxi-mos
meses. Este año el clima respetó el or-ganigrama.
Los espacios donde se ofrecen
los trabajos van consolidándose. La distribu-ción
mejora. Los estrenos se suceden. Nos
quedamos siempre con dos o tres des-tellos,
algunos premiados, otros simple-mente
celebrados por los profesionales
o el público. Rudo de Manuel Alcántara,
lo último de Kukai, el boceto de Marcos
Vargas y Chloe Brulé. No se tome como
acta notarial, sino como recuerdos ex-presados
con el tamiz del tiempo.
En Valladolid, además del ya men-cionada
encuentro con Eugenio Bar-ba,
de presenciar después de muchos
años la creación de Roberta Carreri en
Salt, nos queda muy grabado en nues-tro
álbum de momentos importantes
del coraje teatral, la actuación de Tea-tro
del Silencio de Mauricio Celedón, que
cayendo una auténtica tormenta, tuvieron
la gallardía profesional, de no suspender,
simplemente eliminar alguna de las escenas
circenses de máximo peligro, pero ofrecer
la grandiosa mirada sobre Meyerhold de
Doctor Dapertutto. Resaltar de la estruc-tura
del festival, la innovación de un Foro,
una parte académica, que le dota de mayor
enjundia, ya que lo que está claro es que el
festival, sus espectáculos reciben el calor
de la ciudadanía de manera masiva.
De Valladolid al FITEI de Oporto, en la
primera edición después de su crisis interna

81. septiembre 14
81
www. a r t e z b l a i . c o m
con la dimisión del presidente y director artístico, y la necesidad
de ejecución de este año, de transición, con todos los problemas
económicos que sufre este imprescindible festival, en su edición
ordinaria número treinta y siete que solamente por respeto histó-rico
debería ser protegido por las instituciones locales, regionales
y estatales portuguesas. Se mantiene el espíritu, y participamos
en una mesa-debate sobre el futuro de este festival. Se habló con
cierta claridad. Los problemas internos se agudizan con la igno-rancia
externa. Deben refundarse y reinventarse.
De nuevo en Almada, un festival internacional que parece justo
lo contrario: la cohesión interna y el espíritu fundacional de Joaquim
Benite está presente, aumentado. Saben buscar los resortes para
hacer una programación colaborativa, y se puede considerar uno
de los grandes festivales generalistas del verano europeo. Vimos
el espectáculo inaugural, Orquídeas de Pipo Delbono. Mantiene su
parte de debate, con un homenaje a Luis Miguel Cintra. Todo cuan-to
sucede está bien armado, parten de una idea que se defiende
con una buenísima programación.
Nuestro periplo acaba en Miami, en su XXIX edición del Festival
Internacional de Teatro Hispano. Un lugar de referencia. Y de nuevo
comprobamos como la fidelidad a la idea motora, que en ocasiones
se puede parecer a una tozudez, hace que se solventen todos los
problemas económicos estructurales o sobrevenidos. Tienen un
esquema claro: un país invitado, en esta ocasión Argentina, y todo
pivota sobre sus autores, directores, creaciones. El homenajeado
era Eduardo Pavlovski, que debido a su delicada salud no pudo
viajar, y fue Jorge Dubatti quien nos trajo un vídeo grabado con un
mensaje del maestro.
Festival con su componente educativo, cuya conferencia prin-cipal
fue de Dubatti y nos explicó su actitud ante el hecho teatral
desde la perspectiva de la investigación y la crítica. Una maravillosa
y bien estructurada comunicación.
Nos fuimos directamente de la sala a tomar el avión de vuel-ta
con las imágenes de El loco y la camisa, escrita y dirigida por
Nelson Valente, fantástico trabajo, de un pulso escénico gradual,
denso, unas interpretaciones que van progresando hasta lo subli-me,
en ese naturalismo reformulado que tantas veces vemos en las
propuestas argentinas. Una curiosidad fue un bello texto del dra-maturgo
argentino Santiago Serrano, en portugués, Dinossauros,
a cargo de los brasilienses de Grupo Cena, un delicado ejercicio
actoral, sutilmente dirigido por Guilherme Reis. Y a Albanta Teatro,
con Cádiz en mi corazón, una historia que se explica en su subtítu-lo,
‘Postales de un viaje imposible’, del cubano Abel González Melo,
dirigida por Pepe Bable, en un dispositivo emocional y espacial que
requiere mucha carne interpretativa del equipo actoral.
Abrió el festival una versión musical de Calígula, firmada por
Pepe Cibrián Campoy, también director y Ángel Mahler, obra es-trenada
durante la última etapa de la dictadura militar argentina
y que inauguró una manera propia de producir este género tea-tral.
Barroca puesta en escena, con una indudable impronta de
energía en todo el elenco que destaca por su capacidad para el
musical. Nos encontramos de nuevo con Arizona de Juan Carlos
Rubio a cargo de los mexicanos de Teatro de Babel con direc-ción
de Ignacio García. Pudimos ver tres lecturas dramatizadas
a cargo de los alumnos de Teatro Prometeo, La conducta de la
vida de María Irene Fornés, Volvió una noche de Eduardo Rovner
y Querido san Antonio de Patricia Suárez. Asistimos a un ensayo
de Años difíciles de Roberto Cossa, la obra del grupo anfitrión,
Teatro Avante dirigida por Mario Ernesto Sánchez. Nos cundió el
tiempo. Muchas gracias.
Carlos Gil