El documento celebra el número 200 de la revista ARTEZ. Se describe el largo recorrido de la revista desde sus inicios en un pequeño local en Elorrio hasta su actual sede en Bilbao. Aunque la revista ha pasado por dificultades económicas, sigue comprometida con informar sobre las artes escénicas y generar nuevos proyectos como una editorial y un periódico digital. El autor expresa su agradecimiento a todas las personas que han contribuido a ARTEZ a lo largo de sus 200 números.

4. 14 octubre
Carlos Gil Zamora
Esta es nuestra más clara
demagogia: hemos llegado a
al número 200
La verdad es que asus-ta.
facturas de envíos. Como ven me sale mi parte más poética.
Porque ver en la hemeroteca los doscientos números, de los cuales
soy directamente responsable de ciento noventa y dos, aunque des-de
el primero apareciera mi firma informando u opinando sobre teatro,
provoca un cúmulo de sensaciones, las imágenes de aquellos primeros
meses, en Elorrio, en un lugar inverosímil para que existiera una redac-ción,
donde no podíamos, literalmente, ni ponernos de pie por su escasa
altura hasta nuestro actual local de Bilbao, en donde, por desgracia,
hoy en día, sobra espacio porque como todo ente vivo nació, creció, se
desarrolló, se peleó, dio un estirón, se estabilizó y empezó su adelgaza-miento
que parece haberse parado. Parece. Esto no es ciencia.
Desde los que la iniciaron con unas intenciones localistas hasta hoy,
muchas personas han dejado parte de su vida en ella. Podríamos ha-cer
hasta una cuenta de cuantos directores generales hemos sufrido.
ARTEZ es todavía una realidad, pero además de esta revista, todo lo
que se ha generado a su alrededor, desde su misma existencia, como
gran madraza de una editorial de textos dramáticos, de un periódico
digital sobre las Artes Escénicas, que nació como Portal y fue pionero,
hasta la Librería Yorick, sin olvidarnos de un premio Internacional de
Investigación que es una de nuestras actividades más queridas y, por
cierto, prestigiada internacionalmente porque hemos tenido la suerte
Número: 200 - año 18 · Octubre 2014 | Depósito Legal: SS-1154/97
Poder confeccionar
el número 200 de AR-TEZ
tiene su miga. Se
puede ver desde la parte eu-forizante,
la del deber cumpli-do,
también la de las ilusiones
convertidas en realidades,
pero en estos momento sim-plemente
me viene a la cabe-za
que son doscientas factu-ras
de imprenta. Doscientas
Edita: Artez Blai | Aretxaga 8 bajo, 48003 Bilbao | Tlf. 944795287 | email: artez@artezblai.com
de premiar y editar libros en
estas siete ediciones que con
el paso de los años se han he-cho
imprescindibles.
No nos vamos a quejar,
pero tampoco estamos para
muchas celebraciones. Lo he-cho,
hecho está. Lo que nos
queda por hacer depende tan-to
de las pocas ilusiones que
nos han dejado estos años de
trabajar bajo mínimos, como
de los impulsos externos y la conciencia y compromiso internos que
no nos dejan irnos del todo, como cualquier asesor financiero o sicó-logo
nos recomendaría. El cuerpo pide tregua, pero la coyuntura nos
dice que debemos aguantar hasta el último suspiro. Y el último suspiro
quizás no sea solamente otro frenazo económico, sino un nuevo gesto
despreciativo de alguna entidad, institución o asociación. De las per-sonas
esperamos lo que esperamos. Nada más.
No podemos malgastar doscientas editoriales, en cosas menores.
No vamos a estar pelando doscientos pagos de la seguridad social
más contra una situación estancada, empobrecida, en la que parece-mos
estorbar o que se nos consiente vivir como una especie a con-servar
en un zoológico. No, no será el ahogo económico el que nos
impida seguir, sino el cansancio, la falta de motivación, la sensación de
formar pare de un pasado que nunca volverá.
Lo hemos dicho varias veces, pero si mañana decidimos cerrar, al-gunos
lo celebrarán. Brindarán con su propia hiel, su envidia y su inca-pacidad
para aceptar que algunos intenten ser independientes, libres,
por encima de todo para poder ejercer mejor su función. Tenemos
enemigos propios, sobrevenidos y quienes se dan importancia inten-tando
ser nuestros enemigos. A esos los despreciamos olímpicamen-te.
Nos cuesta mucho alimentar a nuestros enemigos de cabecera, a

5. Editorial
índice 41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’)
Opinión
4 - 5 Editorial
6 Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias
7 Desde la Caverna – David Ladra
68 Luz Negra – Josu Montero
69 Vivir para contarlo – Virginia Imaz
70 - 71 Postales argentinas – Jorge Dubatti
72 Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán
73 El lado oscuro – Jaume Colomer
74 Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud
75 Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado
76 Las lejanías – Carlos Be
77 El método griego – María Chatziemmanoui
Estrenos
10 - 11 El principio de Arquímedes de Josep Maroa
Miró i Corominas por Maskarada
12 Arren ganbara eta Emeen sotoa de Luis
Riaza por Atx Teatroa
14 La calma mágica de Alfredo Sanzol por
Tanttaka Teatroa - CDN
Festivales
16 - 19 XVI BAD - Festival de Teatro y Danza
Contemporánea de Bilbao
20 - 21 XV Dantzaldia
22 - 23 XXXIX Festival Internacional de Teatro de
Vitoria-Gasteiz
24 - 25 XXXII Jornadas de Teatro de Getxo
26 - 27 XIV Danza Xixón
28 - 29 XXXIII Festival Internacional de Títeres de
Bilbao / Muestra Int. de Títeres de Bergara
30 XXII FIOT - Fest. Int. de Outono de Teatro de
Carballo
32 XXV Festival de Teatro de Santurtzi
34 II iber_ae
51 17a Fira Mediterrània de Manresa
52 XIV Fest. Iberoamericano de Teatro
Contemporáneo de Almagro / Les
Translatines
54 Miscelánea de festivales
Suplemento
35 - 50 Festival Iberoamericano de Cádiz
En gira
56 - 58 Teatro de Calle en las fiestas del Pilar de
Zaragoza
60 - 64 Resto de programaciones
Zona abierta
66 - 67 Mercartes
78 FeLiT - Salón del Libro Teatral
79 Escaparate
80 - 81 Crónicas de:
- Cena Contemporânea de Brasila
- FiraTàrrega
Esta revista ha recibido
una ayuda a la edición del
Ministerio de Educación,
Cultura y Deporte
octubre 14
los que merece enfrentarse, como para atender a los oportunistas.
Lo peor de todo no serán los amigos tibios que nos darán palma-das
en la espalda mientras lamentan en las redes la desaparición de
una revista de teatro, que harán sus manifiestos sentidos con rango
de obituario. Lo peor son los indiferentes, los que ni siquiera saben
que hemos realizado doscientas portadas, con información puntual,
con crónicas universales y opiniones solventes de intelectuales de las
artes escénicas del mundo entero. Esos, que probablemente susten-tarán
cargos o serán directoras famosas o actores premiados, son
los que hacen daño a toda la profesión. Los que viven solamente en
su mundo, infectados hasta la médula del “virus del égola”, siempre
manteniendo sus relaciones peligrosas y oportunistas con los pode-rosos
circunstanciales.
Asumimos sin tapujos nuestra realidad. Somos un milagro en este
contexto. Nos creemos útiles, sabemos que debemos mejorar. Bueno,
quizás con no empeorar más, ya valdría de momento. Y mientras ten-gamos
un poco de aliento, motivaciones y compromisos adquiridos,
seguiremos. Seguro que cambiaremos algo, debemos cambiar. Y a
fecha de hoy si esta maravillosa rutina de los doscientos números de
ARTEZ nos parece tan importante como terminal, la edición de libros
empieza a darnos satisfacciones y la del periódico digital www.artez-blai.
com, funciona con una repercusión suficientemente considerable
en toda la Comunidad Iberoamericana de las Artes Escénicas.
Las cifras son importantes, pero es necesario mantener cada día
abiertos todos lo canales de información, la redacción, maquetación,
administración, distribución y el mundo ha cambiado. Y mucho. Y no
siempre para mejor. Vemos que han nacido decenas de revistas digi-tales.
¿Es el futuro o ya el pasado? ARTEZ se puede consultar desde
el año 2011 en la web, pero si no apareciera en papel, ¿no sería la
renuncia final? No seamos agoreros.
Lo que más se ha deteriorado en estos años es el concepto de
periodismo, de información. Hoy copiamos y pegamos, reproducimos,
no elaboramos. Servimos de canal pero hay demasiados canales su-perpuestos.
No quedan nada claras la delimitaciones. Las redes so-ciales
en las que estamos, utilizamos y de las que nos nutrimos son
un cambio sustancial, pero puede que nos sea para mejor, sino para
mayor confusión.
Celebramos con todos cuantos han pasado por ARTEZ desde el nú-mero
uno hasta este doscientos y les agradecemos a todos su cola-boración,
desempeño de funciones, inspiración, apoyo y solidaridad.
Sin los que arrancaron el número uno, no hubiéramos llegado hasta
aquí. Sin aquellos que apostaron en los momentos más incipientes
tampoco. Ha cambiado mucho el panorama, pero aquí seguimos, in-tentando
encontrar la menor excusa para seguir pagando facturas de
imprenta, nóminas. Sin más aspiraciones que la de seguir sirviendo a
las artes escénicas. Con ellas hemos crecido. A algunos les habremos
ayudado en su caminar, a otros les habremos dado nuevas pistas.
No creemos que hayamos sido decisivos para que nadie abandone,
no hemos frecuentado lo negativo. La crítica sí. En ocasiones feroz
contras las instituciones y en ocasiones, las personas al frente de las
mismas. Esta es nuestra demagogia: 200 números.

6. 14 octubre María-José Ragué-Arias Rondas escénicas
Juan Mayorga.
Obras completas (hasta ayer)
6
n octubre de 1996 publiqué “El teatro de fin de milenio
en España (de 1975 hasta hoy)” libro en el que dedi-caba
el último capítulo a “La generación que nace en
torno al premio Marqués de Bradomín”. El 6º apartado de este
dialéc-ticas
capítulo se titulaba “Las imágenes Ma-yorga”
y las estatuas de ceniza de Juan . Su obra “Siete hombres buenos”
–sobre el exilio– había sido accésit al Pre-mio
Marqués de Bradomín de 1989; había
publicado y estrenado “Más ceniza” en
1990… Su gran obra “Jardín quemado”,
una de sus grandes obras, todavía hoy sin
estrenar, había sido programada para la
temporada 1996-1997 en el María Gue-rrero,
pero la programación se alteró tras
las elecciones de 1996.
Luego, un mes más tarde, en Alicante,
varios compañeros me dijeron con sor-presa
para mí, frases como “o sea que
tú apuestas por Mayorga”… Afortunadamente, el tiempo me ha
dado la razón y Juan Mayorga triunfa en nuestros escenarios y en
muchos escenarios del mundo y está traducido a muchísimos idio-mas.
Aunque nunca ha llegado a estrenarse “Jardín Quemado”.
Hablo de Mayorga porque lo más estimulante desde el punto de
vista del teatro que me ha sucedido este pasado mes de agosto,
ha sido mirar, admirar y releer algunos fragmentos y algunas obras
recientes que no conocía todavía, del volumen muy bien editado
el pasado mayo por Ediciones La uÑa RoTa en su colección Libros
Robados “Juan Mayorga. Teatro 1989-2014”, con ilustraciones de
Daniel Montero y un prólogo de Claire Spooner que vale la pena
leer. Nos recuerda, entre tantas cosas, que es licenciado en Mate-máticas
y doctor en Filosofía, la importancia que da a la imagina-ción
del espectador/lector, sus combates dialécticos escenificados,
sus mapas contra el olvido… Y un consejo encubierto firmado por
Mayorga en el que cuenta cómo su padre leía en voz alta, “lo que
puede impulsar la afición a la escritura y a la lectura”.
En una entrevista reciente afirmaba “Los textos que más apre-cio
son Camino del cielo (que acaba de estrenarse en Londres,
en el Royal Court), Hamelin y El jardín quemado” (que nunca ha
llegado a escena). De “El jardín quemado” Mayorga dice que nace
de una noticia que leyó en un periódico hace muchos años en
el que se decía que se encontraron fichas de un psiquiátrico en
una isla española pero que además esos archivos mostraban que
había habido un número sorprendentemente alto de ingresos en
la Guerra Civil y yo pensé: “para qué se ingresa a alguien durante
una guerra, ¿para salvarle de la cárcel o para castigarle con algo
peor que la muerte?” Para él, el teatro es siempre político pero no
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quiere que sus obras se conviertan en sermones, quiere formular
preguntas que el espectador pueda responder.
Mayorga cree que antes de entregar una palabra a la comuni-dad
teatral, un autor debería preguntarse si esa palabra no es
redundante. Si contribuye a la representa-ción
del mundo. Si sirve para que los hom-bres
amplíen su experiencia del mundo.
En este magnífico libro, de la obras que
no habían sido publicadas todavía, tene-mos
“Angelus Novus”, sobre la enferme-dad,
la infancia… Entre sus últimas obras
está “La lengua en pedazos”, Premio Na-cional
de Literatura Dramática 2013, fas-cinante
texto protagonizado por Teresa y
el Inquisidor… ¿Qué elementos aparecen
con constancia en Mayorga? Entre otros
diría yo que el mapa, los niños, las relacio-nes
entre arte y poder… Entre los temas
que más frecuenta hay un misticismo que
le lleva a la historia reciente de los países del Este, el exterminio
judío, los ghettos, la ideología y la religión que nos pueden domi-nar.
Entre sus constantes está el mapa, en “El cartógrafo” referida
a Varsovia donde “los cartógrafos pagaban sus errores con la vida
(…) No somos polacos no somos judíos, no somos alemanes…
¿Qué ciudad no tiene sus heridas, sus sombras?” (pag 613) dice
en “Los yugoslavos”, estrenada en Belgrado en 2013.
La última obra que aparece en este rico volumen es ”Reijavik”
inédita hoy. Es una partida de ajedrez entre Waterloo y el Mucha-cho.
Es una obra críptica y compleja pero muy teatral en la que el
ajedrez es imagen de la vida y de la guerra Las jugadas son la
metáfora que lucha entre dos mundos, desde Reijavik, a la misma
distancia de la URSS y de los EEUU.
Para Mayorga, el teatro, la filosofía y la política son mundos
superpuestos. “La filosofía y el arte tienen como misión decir la
verdad. Lo que no significa que posean la verdad y sepan expre-sarla,
sino que la verdad es su horizonte”. Como la filosofía, el
arte desvela la realidad, la hace visible. “Sófocles en Antígona
o Calderón en La vida es sueño fueron capaces de mostrar las
contradicciones de su tiempo gracias a la escena”.
“Antes de entregar una palabra a la comunidad teatral, un autor
debería preguntarse si esa palabra no es redundante. Si contribu-ye
a la representación del mundo. Si sirve para que los hombres
amplíen su experiencia del mundo. El teatro es, junto a las otras
artes, el gran archivo.(…). Un arca de Noé de la experiencia hu-mana.
Más allá de cualquier diferencia temática o formal, lo que
tiene en común el gran teatro de todos los tiempos es que, de él,
el espectador ha salido siempre más rico en experiencia.“
E

7. octubre 14
7
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Desde la caverna David Ladra
Sé de un lugar
i inicio de temporada teatral no ha podido ser más
estimulante. Convocado a primeros de septiembre por
la Cuarta Pared, tuve la grata oportunidad de asistir
a la reposición de Sé de un lugar, la pieza escrita y dirigida por Iván
Morales (Barcelona, 1979) que, tras un paseo triunfal por todos los
escenarios en los que viene dándose desde hace tres años, volvió
por tres semanas a la programación de dicha sala. Por de pronto
habrá que convenir que, aunque proceda de esa capital del teatro
español que es Barcelona, el montaje se adapta a las mil maravillas
a la entidad del marco en el que se presentó en Madrid en el pasado
mes de abril, como si fuera una muestra más –en este caso, deslum-brante–
de ese teatro de la ciudad que estamos acostumbrados a ver
en la sala de la calle Ercilla: dos humanos contemporáneos nuestros,
varón el uno y la otra mujer, se debaten en un mar de dudas y de sen-timientos
abortados buscando inútilmente un punto de encuentro que,
navegando al pairo de las vicisitudes de la época, no hace más que
cambiar de lugar. La vigencia de este tema eterno en el tiempo actual
viene oportunamente subrayada por la proximidad del argumento a
nuestras preocupaciones de hoy en día y el ingenio y la modernidad
de la puesta en escena de Morales. Y es que parte del público asis-tente,
delegado como en un coro griego por el que se acomoda en la
grada, comparte el escenario con los protagonistas y a veces –idea
estupendísima– toma parte en la acción como para darnos a enten-der
que, a su vez, los actores ejercen de portavoces suyos y no hacen
más que interpretar sus propios dilemas y temores.
Así, Bérénice y Simó se convierten en representantes acreditados
de esa joven audiencia que ha de llenar la sala tras la presentación.
Como le ocurre a un nutrido porcentaje de sus miembros, ambos
fueron pareja pero ya no lo son. Y no saben qué hacer con su futuro.
Béré podría seguir estudiando, trabajar en la tienda de su familia
o convertirse en pinchadiscos “punk”, pero prefiere dilapidar su
tiempo en encuentros y viajes de alta tensión erótica. Simó, a medio
camino entre el cómic y la filosofía, pretende hacerse cargo de toda
la miseria de este mundo y se encierra en su casa, penitente, co-nectado
tan solo con la calle por un hindú que le hace los recados.
Como no podría ser de otra manera –si no, no habría ni un apunte
de drama en la comedia para despertar nuestra empatía– no pue-den
vivir el uno sin el otro y la trama se va construyendo poco a
poco a partir del relato de las visitas que efectúa Béré de cuando en
cuando a la casa-refugio de Simó. Resumiendo, dos ovejas perdidas
que vagan sin rumbo por el mundo y tan solo se reconocen al con-juro
de una vieja canción, Sé de un lugar del grupo Triana, que puso
fondo musical a su primer encuentro. Con la aparición de la lírica, la
comedia se vuelve pelín sentimental –sobre todo, cuando la canción
suena a tope al final– pero el autor consigue mantener ese delicado
equilibrio que es necesario para no caer en la sensiblería y perder
ese contacto privilegiado con el público que, a pesar del calor que
hace en la sala, sigue la peripecia fascinado. A esa comunión de
las almas contribuye determinantemente el trabajo de los actores,
Anna Alarcón y Xavi Sáez, que se funden con sus personajes hasta
identificarse con ellos en una simbiosis total: Anna es Béré y Béré es
Anna; Simó es Xavi y Xavi es Simó. Así perdurarán en el recuerdo.
Tras pasar tan buen rato en el teatro, lo que, visto lo visto, ya es
muy de agradecer, viene aquello que tanto nos gusta señalar a los
críticos para rematar una reseña cuando no tenemos gran cosa que
decir, y que consiste en resaltar, con cierto tonillo trascendente, que
“el público abandona la sala pensando en lo que acaba de presen-ciar”.
Y sin embargo, en el caso de Sé de un lugar, daría la impresión
de que esta reflexión al salir no cuaja plenamente del todo. Aquí, el
tratamiento se aplica de inmediato en la sala y se pincha directamente
en vena. O por decirlo más brutalmente todavía, no habría nada que
pensar a posteriori porque, al igual que la vida alienada que vivimos,
todo se queda en puro síntoma y carece de contenido alguno del
que hablar. Una característica, o más bien epidemia que, según la
leyenda centralista, afectaría muy notablemente a la llamada “escuela
de Barcelona”, ese teatro “del hueco y del vacío” que inicia su arre-metida
inaugural con las primeras piezas de Sergi Belbel, se implanta
allí definitivamente con la obra completa de Lluïsa Cunillé y hoy se
propaga sin control con esa nueva generación de autores que incluye
nombres tan notables como los de Jordi Casanovas, Pau Miró, Pere
Riera, Albert Espinosa, Marc Rosich, Marta Buchaca, Helena Tornero y
tantos más… Recogiendo papeles, me encontré el otro día con unas
declaraciones de un autor tan ligado a la escena de la ciudad condal
como el argentino Javier Daulte que parecían avalar tal diagnóstico:
“Los contenidos rara vez me han importado. Me importan los géneros
y llegar al público, emocionarle, divertirle, sacudirle. En una palabra:
entretenerle”. Y proseguía: “Durante demasiado tiempo, la gente del
teatro no ha tenido en cuenta al público y se ha amparado en lo que
llamaban, pomposamente, teatro de ideas. Yo creo que el teatro no
debe transmitir ideas, sino inventarlas”.
De tomar dichas declaraciones al pie de la letra, el teatro se
convertiría en un “constructo” autoportante que no haría más que
entretener al público como un juego de malabares indiferente a la
realidad y a los pensamientos que nos inspira ésta. Pero despojadas
las palabras de Daulte de esa connotación un tanto de boutade o
de provocación que tienen, se habrían de leer, no como una vuelta a
la ya manida cuestión sobre la obsolescencia y falta de eficacia del
teatro “de tesis”, la obra expresamente “comprometida” o el drama
social en nuestros tiempos posmodernos arrasados por un capita-lismo
salvaje que todo lo adultera e invade, sino como la aparición
de una nueva tendencia del teatro actual que evita el comentario
explícito sobre la coyuntura, desconfía de “lo real” entendiendo que
se manipula de continuo y se retrotrae en sí mismo creando un uni-verso
propio mediante la imaginación y la elipsis. Una tendencia que
nace en la Gran Bretaña con Pinter y su sucesor Martin Crimp y se
continúa en el continente con autores como el alemán Falk Richter,
el sueco Lars Norén, el noruego Jon Fosse, nuestro Alfredo Sanzol o
los componentes de la Escuela de Barcelona de los que acabamos
de hablar. Pero que no por intentar encontrar un lugar al sol lejos
de las tinieblas que nos rodean es menos reivindicativa ni deja de
emanar de la propia experiencia de los autores en su lucha diaria
por la vida su compromiso con la realidad. Y es que, ¿si no hubiese
un barrio del Raval en Barcelona o de Lavapiés en Madrid, cómo
podrían existir Béré y Simó?
M

10. 14 octubre E10
Maskarada estrena ‘El principio de Arquímedes’
Hecho o rumor y su difusión
en las redes sociales
Esta obra de Josep Maria Miró i Coromina obtuvo el Premi Born
l Teatro Arriaga de Bilbao acoge el
estreno tanto en euskara (los días
29 y 30 de octubre) como en cas-tellano
(31 de octubre y 1 y 2 de
noviembre) de Arkimedesen printzipioa /
El principio de Arquímides obra del drama-turgo
y director catalán Josep Maria Miró i
Coromina que subirá a los escenarios bajo
la dirección de Carlos Panera en una pro-ducción
de Maskarada.
Galardonada con el Premi Born de Tea-tre
2011, premio convocado por el Cercle
Artistic de Ciutadella, Menorca, este certa-men
tiene como característica que además
del premio en metálico la obra ganadora
es publicada en las cuatro lenguas oficiales
del estado que en el caso de la traducción a
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euskara y de su publicación se ha encarga-do
la editorial Artezblai desde 2007 y de la
de castellano desde 2011. Esta producción
que se estrena en el teatro bilbaino, se ha
servido de ambas traducciones realizada al
castellano por Eva Vallines y a euskara por
Iñaki Ziarrusta ya que el original está escrito
en catalán y ya fue estrenado bajo la direc-ción
del propio Miró en una coproducción del
Festival Grec, la Sala Beckett y Verins Escè-nics
en julio de 2012 en la sala Beckett de
Barcelona en el marco del Festival Grec.
Hecho real, o no
“Josep Maria Miró construye en esta obra
dentro del ámbito clorado de una piscina
municipal –parábola perfecta de nuestra
sociedad aséptica hasta el exceso–, una
historia a partir de un hecho que no sabe-mos
si es real o no: una niña cuenta a sus
padres que ha visto cómo un entrenador
le daba un beso en la boca a uno de sus
compañeros. ¿Se trata de un beso inocente
en la mejilla, como no se cansa de repetir el
entrenador, o había realmente una intención
morbosa?”. Así presenta Laurent Gallardo,
encargado del prólogo de la edición de Ar-tezblai
esta obra que será interpretada en
castellano por Javier Pereira, Lola Baldrich,
Álvar Gordejuela y Gorka Minguez y en eus-kara
por Eneko Sagardoy, Tessa Andonegi,
Xabier Ortuzar y Aitor Fernandino. Y es que
en la producción que dirige Carlos Panera
de Teatre 2011

11. octubre 14
11
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el punto de partida de la obra “es un hecho
que no sabemos si es real o falso” lo que
es cierto es que a partir del hecho detalla-do
por Gallardo “las redes sociales hierven
y se convierten en el elemento ineludible
para la propagación de una noticia que se
torna en escándalo y que, por otro lado,
nadie puede constatar”.
En la obra de Miró, “los hechos son pre-sentados
bajo dos lecturas completamen-te
antinómicas entre sí, que permanecen
inmutables a lo largo de toda la obra, de
manera que es el espectador quien ha de
resolver en última instancia el difícil dilema
(...) una constante creativa de Josep Maria
Miró: el espectador es empujado a tomar
una posición, se le solicita que participe
en el debate social que plantea la obra”
apunta Gallardo.
A partir de esta posibilidad que expli-ca
Gallardo, la propuesta de Maskarada
“proporciona la oportunidad de percibir el
suceso desde la perspectiva y el ángulo
de cada personaje: su protagonista, la di-rectora
del centro, compañeros, padres…
¿Pero cuál es nuestra opinión? ¿Es cierto
el comentario o se está fraguando una au-téntica
calumnia? La psicosis social que
nos rodea nos conduce a dejar nuestra
elección al aire mostrando también cómo
el temor y la violencia pueden desatarse a
partir un simple rumor. En este sentido, el
papel actual de las redes sociales siempre
omnipresente y que vienen propiciando
un sinfín de situaciones problemáticas, es
abordado de forma crítica” señalan desde
Maskarada.
Gallardo va más allá si cabe y afirma que
“el problema planteado por la obra no es
tan sólo saber si el entrenador es culpable
o inocente, ya que no hay ningún indicio
textual objetivo (...); se trata también, y
sobre todo, de preguntarse qué modelo de
sociedad se está imponiendo en Occidente.
¿Preferimos vivir en un mundo donde to-davía
se permita un gesto de ternura hacia
un niño, aunque así quede margen para
los abusos, o preferimos una sociedad con
seguridad blindada que imponga el control
de los individuos para prevenir cualquier
riesgo? Éste es el verdadero dilema al que
se enfrentan las sociedades occidentales”,
para añadir que en El principio de Arquíme-des
“la opinión pública acaba condenando
al entrenado no por lo que ha hecho, sino
por lo que habría podido hacer”.
Tras el estreno en Bilbao, Maskarada
presentará la versión en euskara el 7 de
noviembre en Azpeitia y el 23 en Durango
mientras que la versión en castellano via-jará
hasta Sevilla, para subir al escenario
del Teatro Quintero los días 12, 13 y 14 de
diciembre.

12. 14 octubre L12
Atx Teatroa estrena ‘Arren ganbara eta Emeen sotoa’
La espiral del poder sin
esperanza ni fin
a compañía vasca Atx Teatroa es-trenará
el próximo 17 de octubre en
Errekalde Udal Aretoa de Bilbao el
que será su tercer trabajo tras ‘Ga-briel
Gabrielle’ y ‘Gnosia’ bajo el título Arren
coti-dianidad,
barroquismo del texto que hace muy difícil
su comprensión y precisamente por ello,
han optado por una adaptación severa,
buscando salvaguardar la esencia del texto
y haciendo que llegue directamente a las
tripas del espectador, prescindiendo de
todo elemento superfluo. Ziarrusta señala
que “el trabajo físico de los actores, y no
el barroquis-mo,
texto, será el que soporta ese trabajando en una línea de extra ganbara eta Emeen sotoa, adaptación en
euskera del texto ‘El desván de los machos
y el sótano de las hembras’ de Luis Riaza,
uno de los autores emblemáticos del nuevo
teatro español, y en especial del período de
fines del régimen franquista y la transición
democrática, vinculado con el movimiento
simbolista aunque nunca ha figurado entre
los iniciadores.
Iñaki Ziarrusta, uno de los fundadores
de la compañía y responsable de la adap-tación
y dirección de esta pieza, destaca el
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es decir, de expresividad forzada,
rozando lo grotesco”. Para la construcción
de los personajes hacen uso del símil del
dibujo animado, sus movimientos, sonidos,
elasticidad, formas de andar etcétera. Y en
consonancia con la idea de aligerar y facili-tar
su puesta en escena, han optado por un
planteamiento dramático fundamentalmen-te
visual.
tragicómico
La distopía, o lo que viene a significar
una sociedad ficticia indeseable en si mis-ma,
término antónimo de utopía o una
utopía negativa, es uno de los ejes o pun-tos
de partida del trabajo de Atx Teatroa.
Se apoyan en este término para crear un
mundo feo, asqueroso y cruel como a los
que han dando forma en las dos anteriores
propuestas al igual que en Arren ganbara
eta Emeen sotoa, aunque en palabras de
comi-cidad
Ziarrusta, “en este último montaje la de-cadencia
está ganando terreno a toda esa ” que bien podrían decir que están
dando forma a una propuesta tragicómica.
El elenco está compuesto por Iosu Flo-rentino,
Eñaut Gantxegi, Marina Aparicio y
Eneko Sagardoy, equipo artístico que da
vida a los machos que habitan el desván,
un mundo de machos creado por machos,
por otro lado la hembra, un error, concebi-do
en un desdichado día. Por tanto, Arriba
dueños y señores, abajo cadenas y revo-lución.
Ambas habitaciones se encuentran
incomunicadas. La temática entorno a la
que se va desarrollando esta historia de
extremos tiene que ver con lo mecanismos
que tiene el poder para mantenerse en el
poder. No se vislumbra ninguna esperan-za,
actúa como una fuerza mayor, un ser
supremo que todo lo controla y dirige. Ese
abuso de poder reflejado en la educación
machista recibida por generaciones pro-vocando
una fuerte discriminación entre
los géneros, como el que se percibe en la
historia que tiene de trasfondo este mon-taje
en el que el depravado hijo educado
con mentiras de macho y machismo ex-tremo,
ahogará de un modo fortuito cual-quier
esperanza de cambio. Todos caerán
en la trampa del teatro y el poder dejará
al descubierto cuales son sus mecanismos
para su propia perpetuación.

13. octubre 14

14. 14 octubre A14
Tanttaka Teatroa estrena ‘La calma mágica / Barealdi magikoa’
Búsqueda de la dignidad y del
sentido de la vida
lfredo Sanzol es el autor y director
de La calma mágica nuevo espec-táculo
de Tanttaka Teatroa que en
coproducción con el Centro Dra-mático
Nacional se estrena
el 23 de octubre en la Sala
Francisco Nieva del Teatro
Valle-Inclán de Madrid y es-tará
en cartel hasta el 9 de
noviembre. En la misma sala
y los días 1 y 2 de noviem-bre
tendrá lugar también
el estreno de la versión en
euskara, Barealdi magikoa
de cuya traducción se ha
encargado el reconocido
escritor Harkaitz Cano; am-bas
funciones se realizarán
en colaboración con el Ins-tituto
Vasco Etxepare y con
sobretítulos en castellano.
Oliver, un hombre que
quiere cambiar de vida es invitado –durante
una entrevista de trabajo– por su futura jefa
a unos hongos alucinógenos que le llevan a
ver que en el futuro un cliente le grabará con
el teléfono móvil dando cabezadas, dormido
delante de su ordenador y a pesar de que le
rogará que borre ese vídeo el cliente se nega-rá...
Así comienza La calma mágica / Barealdi
magikoa un espectáculo que en palabras de
su autor y director habla “de la búsqueda de
la dignidad y del sentido de la vida”.
La historia de este espectáculo es “un
viaje iniciático que nos va a llevar a África,
www. a r t e z b l a i . c o m
a los elefantes rosas, al amor, a la obse-sión,
a los allanamientos de morada, a las
escopetas de caza, al alcohol, a la traición,
a los sueños robados y a los manantiales
de los que surge el agua de la vida” ex-plica
Alfredo Sanzol para añadir que La
calma mágica “está dedicada a mi padre,
al deseo de poder volver a hablar con él,
y al rechazo de que las personas se vayan
para siempre. También al placer de recor-dar
historias como esta: Cuando mi padre
vivió en Tejas se hizo amigo de una pareja
de rancheros que habían perdido a un hijo
recientemente. El chico tenía más o menos
la misma edad de mi padre y se le pare-cía
muchísimo. Se le parecía tanto que los
rancheros le hicieron la siguiente oferta: Si
se quedaba a vivir con ellos, le dejarían el
rancho en herencia”.
Emociones y recuerdos se cruzan con la
imaginación y los sueños en esta nueva obra
del autor de espectáculos
como la trilogía formada
por ‘Risas y destrucción’,
‘Sí, pero no lo soy’, ‘Días
estupendos’ o ‘Delicadas’,
‘En la luna’ y ‘Aventura!’ So-bre
su último trabajo Sanzol
afirma además: “Creo que
a mis personajes les pasa
lo mismo que al personaje
de Mishima y “a medida que
transcurre el tiempo, los
sueños y la realidad llegan
a tener el mismo valor entre
los recuerdos. Todo lo que
ha sucedido en la realidad
se mezcla con lo que pudo
suceder. Y, como la realidad
deja rápidamente el espacio a los sueños, el
pasado se parece cada vez más al futuro”.
En lo que al equipo artístico se refie-re
Tanttaka Teatroa ha contado con Iñaki
Salvador –música–, Alejandro Andújar
–escenografía y atrezzo–, Xabier Lozano
–iluminación– y Ana Turrillas –vestuario–.
El elenco de intérpretes está formado por
Mireia Gabilondo, Aitziber Garmendia en
ambas versiones y Sandra Ferrús, Iñaki
Rikarte y Aitor Mazo en castellano e Itziar
Ituño, Jose Kruz Gurrutxaga y Martxelo Ru-bio
en euskara.

15. octubre 14

16. 14 octubre L16
BAD - Festival de Teatro y Danza Contemporánea de Bilbao
Protagonismo del teatro
documento y la creación vasca
a compañía Khea Ziater estrena en
el BAD su tercer trabajo Not never
on time, que al igual que los anterio-res,
‘La canción de Gloria’ y ‘Satis-faktion’
–galardonado con el premio para la
creación de teatro de pequeño formato de
Donostia Kultura en 2013–, esta obra que
dirige Alex Gerediaga se basa en la búsque-da
de códigos de relación entre el teatro y
el arte cinematográfico, tanto en el plano
estético como en el narrativo y comparten
a su vez una temática común, lo que las
personas piensan y sienten. “La base argu-mental
de esta nueva obra cavila entorno al
que según Albert Camus en su libro ‘El mito
de Sísifo’ sería el único problema filosófico
realmente serio: el suicidio” explica Gere-diaga.
A partir de esta premisa Khea Ziater
va tejiendo un trabajo que reflexiona sobre
esta cuestión tan existencial ¿La vida vale o
no vale la pena de ser vivida?, ¿Cuáles son
las razones por las que queremos vivir? el
diálogo del personaje que encarna la ac-triz
Arrate Etxebarria intenta buscar esas
razones que son el motor del proyecto. En
escena un dormitorio, un espacio para la
soledad y último rincón para la vida. Tras
su estreno, el espectáculo estará el 31 de
octubre en Durango, y los días 7 y 14 de
noviembre en Amorebieta-Etxano y Ger-nika-
Lumo respectivamente.
Salto es la nueva propuesta escénica de
Metrokoadroka creada junto con J.B. Pe-dradas,
www. a r t e z b l a i . c o m
con texto de Oier Guillan, dirigida
por Pako Revueltas, interpretada por Javi
Barandiaran y de cuya estética se ha en-cargado
Idoia Beratarbide. En un espacio
cerrado un personaje conversa con seis
cabezas de maniquíes y tiene una única ob-sesión:
saltar es lo único que me diferencia
de los muertos. Un monólogo poético lleno
de humor en el que se percibe a ratos al
actor que está tras el personaje pues entra
y sale continuamente del mismo para inte-raccionar
con el público. Humor absurdo,
un juego entre diversos códigos escénicos,
una extraña forma de impresionar, de emo-cionarse.
Una invitación a que el público
busque su propio salto.
Horman Poster presenta el espectáculo
de danza-performance Magia sinpatikoa,
un encuentro entre seres humanos, semi-humanos
y super-humanos en la historia.
La idea de esta creación escénica surgió de
las “conversaciones sobre la semejanza,
diferencia, la migración, el postcolonialismo
y todas las historias que nos han contado”
entre Mbaye Sene y los miembros de la com-pañía.
De ahí llegan a los escenarios una si-
Del 22 de octubre al 4 de noviembre se celebra una
nueva edición del BAD, Festival de Teatro y Danza Con-temporánea
de Bilbao que organiza el Área de Cul-tura
y Educación del Ayuntamiento de la ciudad con
una programación en la que destaca la nueva creación
vasca y una mayor presencia de compañías internacio-nales.
Este año, a los escenarios habituales del festival,
La Fundición, La Merced, Bilborock, BilbaoArte, la Sala
Rekalde, Muelle 3, el auditorio del Museo Guggenheim,
el Polideportivo de Deusto y el Teatro Arriaga se suma
la plaza del Arriaga, donde tendrá lugar la inauguración
con la pieza de calle de danza contemporánea Carnaval
de la Cia. Cielo Raso que dirige Igor Calonge. Una vein-tena
de espectáculos conforman la programación, siete
de ellos estrenos absolutos, algunos, coproducciones
del festival. Espectáculos de compañías internaciones
presentados por vez primera en Euskadi con la cola-boración
de Pablo Fidalgo, una master classs con Pippo
Delbono, el taller intensivo de Macarena Recuerda, una
mesa redonda organizada por ADDE, y la proyección
de video creaciones en colaboración con el festival ZI-NEBI
conforman la amplia y variada oferta de este año.
Not never on time de Khea Ziater

17. octubre 14
17
www. a r t e z b l a i . c o m
mio convertida en guerrilla girl,
un chaman que cruzó Melilla en
avión y un Pierrot en busca de
su sensibilidad romántica en la
pintura del s. XIX. “¿Descende-mos
del mono o ascendemos de
los ángeles? Pierrot, arquetipo
europeo de sensibilidad desme-surada
e ilusa ¿no fue su mano
la que prendió el fuego del gran
colonialismo europeo?”
Bi-hots es el título de la pieza
de danza que estrenan Naiara
Mendioroz y Javier Murugarren, un es-tudio
siglo, cada uno de nosotros se ha contado
a sí mismo su propia historia para enten-der
de traducción, una investigación de
danza y sonido a través de la txalaparta
(instrumento de madera y patrimonio vas-co)
y el hang (mecanismo de metal que se
utiliza como un instrumento solista definido
por sus creadores suizos como una revolu-ción
silenciosa). Esta obra es también “un
estudio que yuxtapone la tradición sonora
instru-mentos
de diferentes géneros y épocas en busca
de nuevas armonías y nuevos espacios de
creación; es una escucha al espacio que hay
entre un golpe y el siguiente, es un estudio
sobre la atención del cuerpo en la escucha
del vacío, es una sucesión de intervalos
sonoros, una orquesta afinando los antes de empezar, una opera, un
irrintzi, silencio, un sonido, un cuerpo, dos
sonidos, dos cuerpos”.
COPRODUCCIONES
Estrenos son también las coproduccio-nes
del festival con las coreógrafas y bai-larinas
Olatz de Andrés y Cláudia Dias.
La primera presenta con la colaboración de
El conde de Torrefiel El cielo ahora en la
que indaga en la poca importancia que la
Historia provoca y que conlleva que el pa-sado
importe anecdóticamente. “Según el
mejor y explicarse porqué está
donde está. Pero el Cielo, que nunca
desaparece y que nos sobrevive a
todos, observa sorprendido, desde
arriba, nuestra saturación de mo-delos
y referencias. Y, aún creyendo
elegir lo mejor, las mismas historias
se repiten una y otra vez. Ya sea
montados a caballo con una túnica
blanca, o con un chándal viajando
en un avión de RyanAir. Y el Cielo ríe,
porque, de alguna forma, esta es la
historia trágica de las personas”.
Estreno y coproducción es también Algo
valioso se agota espectáculo integrado en
el proyecto de formación/creación ‘En esta
parte esquinada de la península’ que ha con-sistido
en aprender a crear un objeto creán-dolo.
Cláudia Dias cuenta con la participación
de Sofía Asencio, Laida Azkona, Idurre Azkue,
Giulia Ferrato, Sandra Gómez, Loida Gómez,
Itsaso Iribarren, Ángela Millano, Matxalen de
Pedro, Idoia Zabaleta, Carolina Campos, Da-niel
Pizamiglio y Luciana Chieregati para esta
obra en la que se ha trabajado, a lo largo
del proceso creativo, con las fechas, el acto
de fechar o fechado y todo aquello que las
fechas transportan consigo: inscripción, evo-cación,
pasado, presente, futuro, números,
Salto de Metrokoadroka

18. 14 octubre historias individuales, acontecimientos
18
colectivos, memoria.
Y por vez primera en Bizkaia se po-drá
ver Cuarteto del Alba, obra escrita
por Carlos Gil que sube a los escenarios
a cargo de Laurentzi Producciones, en
coproducción con el BAD y bajo la di-rección
de Lander Iglesias. Cuatro en-tes
escénicos interpretados por Valery
Tellechea, Maiken Beitia, Ricardo Moya
y Gotzon Sanchez se convierten en una
voz coral que va describiendo una ge-neración
que se proyecta en el presente
como una plataforma hacia el futuro.
Otra coproducción del festival, Do-mestica
de Sleepwalk Collective es la
culminación de ‘Lost In The Funhouse’,
una trilogía de piezas escénicas acer-ca
de “el placer y el aburrimiento en
esta adolescente década del siglo 21”.
Esta tercera obra centra su atención
en dos conceptos, el “arte elevado” y
la “obra maestra”, acercándose a es-tas
formas con la misma irreverencia
desenfadada con la que han explora-do
los conceptos de cultura popular y
entretenimiento masivo – ‘El Entrete-nimiento’
(2012) y ‘Karaoke ‘(2013).
En palabras de sus creadores Sammy
Metcalfe y las intérpretes Iara Solano,
Malla Sofia Pessi y Gloria March esta
obra es en realidad “un proyecto
acerca de cómo podemos encontrar
un sentido de gracia e intimidad en un
mundo altamente tecnológico que es-capa
cada vez más rápido de nuestro
control, una pieza semi-autobiográfica
y semi-fantástica que trata de re-imaginar
el mundo como algo fresco y
nuevo y brillante y extraño”.
INTERNACIONAL
Dentro del programa internacional
del BAD se estrena El futuro empezó
ayer de del argentino Marco Canale
espectáculo de teatro autobiográfico
con el que se completan las copro-ducciones
del festival. Canale parte
del viaje que le ha llevado por moti-vos
familiares a su Buenos Aires na-tal
“donde tantas cosas volaron por
el aire y creo es también una obra
sobre el amor, algo en lo que casi no
había pensado”. En la carta titula-da
“Sin amor nada tiene sentido”, la
primera de una correspondencia que
ha mantenido junto a Gabino Rodrí-guez
(director del grupo mexicano
de teatro Lagartijas tiradas al sol),
sobre los procesos creativos que am-bos
presentarán en BAD, el creador
www. a r t e z b l a i . c o m
argentino habla de su relación con
su familia, sus vivencias en Guate-mala,
su activismo político y social...
y las consecuencias que han tenido
en su vida y afirma que “Hay que ir
más atrás, más hacia adentro. Es lo
que nos queda y no es poco. Es la
vida, a fin de cuentas. La vida frente
a nuestro ego, la dificultad de todo
lo que implica mirarnos sin el refugio
de las grandes palabras. La posibi-lidad
de encontrarnos sin certezas,
las preguntas que no se responden
en blanco y negro. La muerte que no
aparece como algo lejano sino como
algo que está ahí. El amor, que como
me dijo un día Fer, es un acto de des-nudez.
Y sin amor nada vale la pena.
No es que me haya hecho un hippie
que piense que el amor todo lo cam-bia.
Pero sin amor, nada tiene senti-do.
La destrucción y la construcción
no son lo mismo”.
Y es que el espectáculo que estre-na
Canale se enmarca dentro de una
programación internacional centrada
en el teatro documental y biográfico
seleccionado por la organización del
festival junto con Pablo Fidalgo. Es el
caso de Racconti di Giugno de Pippo
Delbono, una de las figuras más im-portantes
del teatro contemporáneo
italiano. Delbono –que también im-partirá
una master class–, una obra a
medio camino entre la confidencia y la
conferencia en la que repasa su vida
–personal y profesional– y comparte
con el público su búsqueda existencial
y teatral ofreciendo un testimonio ex-cepcional
sobre el arte de vivir. Una
obra apasionada e intensa contada en
primera persona.
Otra figura internacional, el co-reógrafo
y bailarín francés Jérôme
Bel, uno de los representantes más
destacados e influyentes de la reno-vación
de la danza contemporánea
presenta Cedric Andrieux un solo
para el bailarín que da nombre a la
obra. Andrieux hace un repaso a
su propia trayectoria; su formación
como bailarín en Brest y París, como
miembro de la compañía de danza de
Merce Cunningham en Nueva York y
en el ballet de la Ópera de Lyon.
Un cuarto unipersonal, la obra
que presenta la compañía mexicana
Lagartijas tiradas al sol, Montserrat,
creada e interpretada por Gabino Ro-dríguez.
“Este proyecto parte de la
inquietud de saber quién fue la mujer
que me dio la vida. Hoy, de ella, no
Gabino Rodríguez ©Natxo Ponce
Racconti di Giugno de Pippo Delbono

19. Monstruos /objeto de objeto de Playground ©Jordi Bover
tengo más que algunos destellos
que no logran formar un recuer-do
” explica Rodríguez y añade que
“Sé que se llamaba Maria Montse-rrat
Gerardina Lines Molina. Sé
que nació en Costa Rica, de padre
Catalán y madre costarricense. Sé
que tuvo una sola hermana: Nu-ria.
Sé que vino a vivir a México.
Sé que fue antropóloga. Sé que
tuvo un solo hijo. Sé que desapa-reció
hace más de 20 años. No sé
mucho más”.
Con la performance documen-tal
Tras las huellas de La mesa
verde: Una introducción de la co-reógrafa,
bailarina e investigado-ra
en danza Olga Soto, conside-rada
una de las precursoras de
un movimiento de investigación
y recuperación de la memoria de
la danza del siglo XX completa el
programa internacional.
RESTO DE PROGRAMACIÓN
El último espectáculo de Playground,
Monstruos /objeto de objeto es una crea-ción
de Xavier Bobés que también se en-carga
de su dirección e interpretación. La
maquinaria dramatúrgica de la obra parte
del hipnotismo y la magia, la rutina y el
adiestramiento, la voluntad y la ambición.
A partir de esta mezcla el poder se nutre
paso a paso en busca de la perfección, de la
belleza cruda del superhombre. Y
a medida que la misión transforma
el ser en monstruo, el eco de los
actos también cambia la mirada de
los que presencian el experimento,
creando una complicidad de la que
todos son partícipes, espectadores
y manipulador.
Dos espectáculos de aforo limi-tado,
Sergei de Ruemaniak, una
instalación coreográfica que sumer-ge
al público en un viaje, entendi-do
éste desde múltiples aspectos y
That´s the story of my life de Maca-rena
Recuerda Sheperd, una au-tobiografía
audiovisual narrada con
la técnica stop-motion de animación
de objetos. Recuerda impartirá
además un taller intensivo titulado
‘Cuéntame en imágenes’.
La pieza de danza Can´t de Igor
Urzelai, la performance Échale la
culpa I-II-III de Maria Villot y la per-formance
audiovisual Carmen Shakespeare:
Acto 1 de Olga Mesa y Francisco Ruiz de
Infante completan la programación de esta
edición junto con la proyección de video
creaciones en colaboración con el festival
ZINEBI.

20. 14 octubre E20
stamos en tiempo de la danza,
tiempo de Dantzaldia, el festival
que organiza anualmente La Fun-dición
y que permite trasladar a
otros espacios y posibilidades el bagaje
de la sala situada en el barrio de Deusto,
salpicando a la ciudad de Bilbao con esa
sensibilidad por la danza contemporánea.
No en vano, este año la Sala Rekalde, el
Palacio Euskalduna, el Atrio del Museo Gu-ggenheim
y Alhóndiga Bilbao componen,
junto a la propia Fundición, los puntos de
interés geográfico de esta cartografía de
“miradas singulares, miradas plurales”,
usando las mismas palabras con las que la
organización describe esta edición y que se
refieren a la multiplicidad de los puntos de
vista: las vueltas de tuerca (en el estilo), las
raíces (en la técnica), la investigación (en
www. a r t e z b l a i . c o m
el espacio), el clasicismo (en la forma), la
deconstrucción (en el vocabulario físico), la
ironía (en el lenguaje oral), la provocación
(en el tema)...
Inaugurada durante los últimos días de
septiembre con la representación de ‘Ho-oked’
a cargo de la formación vasca Lasala
que dirige Judith Argomaniz, Dantzaldia se
extenderá hasta finales de año, hasta el 19
de diciembre concretamente, y con una ma-yor
concentración de actividades en los me-ses
de noviembre y diciembre. De hecho,
octubre acogerá una única representación,
el día 5 en La Fundición, a cargo de AS-MED-
Balleto di Sardegna, compañía co-mandada
por el sardo –formado y afincado
en Londres– Moreno Solinas, a quien las
personas más aficionadas a la danza con-temporánea
conocerán por proyectos como
Bloom Dance Collective o Igor&Moreno,
compartido con el vasco Igor Urzelai con
quien ya estuvo presente en la sala bilbaína
con motivo del estreno de ‘diot-sincrasy’.
Su propuesta, Aragosta se inspira en la fi-gura
de Elsa Schiaparelli, pionera genial y
anticonformista de la moda de los años 30,
reflexionando de manera simbólica sobre
la forma original en que la diseñadora se
acercaba a las artes figurativas y a la vida
misma, siempre revolucionando esquemas.
Ya en noviembre, el 9, regresa también a
Bilbao y a un festival en el que ya ha parti-cipado
en anteriores ediciones, Rocío Mo-lina,
en esta ocasión cargada de Afectos y
en compañía de Rosario ‘La Tremendita’ al
cante y a la guitarra y Pablo Martín al con-trabajo
y loops. Del encuentro entre Rocío
Molina y La Tremendita nace una reflexión
XV Dantzaldia
Tiempo de la mejor danza
Carolyn Carlson, Tomàs Aragay, Idoia Zabaleta, Rocío Molina y
Daniel Abreu, ilustres invitados al 15 aniversario de Dantzaldia
ASMED-Balleto di Sardegna

21. octubre 14
21
www. a r t e z b l a i . c o m
basada en la lucha del
ser y en la capacidad de
hallar la sencillez, la na-turalidad
y la confianza
a través de la existencia.
La obra expone su propia
investigación para llegar
a conceptos como la im-perfección,
que de algún
modo puede llegar a ser
perfecta. Ahondar en la
dureza de la emoción, en
la fragilidad del dolor y
en el placer hallado.
De la unión nace tam-bién
la siguiente pro-puesta
que podrá verse
a los pocos días de la
anterior, el 13. Titulado
La naturaleza y su tem-blo
r, es un trabajo con-junto
entre la formación catalana Societat
Doctor Alonso y Moaré, en torno al cual
se reúnen nombres como Tomàs Aragay,
Sofia Asencio, Idoia Zabaleta y el artista
visual Chus Domínguez con el objetivo de
cuestionar y reflexionar sobre las veladu-ras
a través de las cuales se reproduce y
multiplica la visibilidad, la representación y
se consumen la información y la experiencia
hoy en día. El resultado es un site-specific,
un paseo por la ciudad que nos invita a
sentir que de alguna forma el temblor que
palpita debajo de las apariencias es aquel
que da sentido a nuestra existencia, la lle-na
de matices y permite que la vida no sea
solo un rasguño superficial.
El Animal de Daniel Abreu acude nue-vamente
a la llamada de La Fundición para
Animal de Daniel Abreu
presentar el día 20 esta obra creada al am-paro
del programa europeo Modul Dance.
‘Animal’ es un trabajo coreográfico para
cinco intérpretes, que se presenta en una
atmósfera onírica para hablar de la nece-sidad
y el deseo; un discurrir de cuadros
y escenas superpuestas de las respuestas
físicas emocionales, de las situaciones lími-tes
y el instinto en el lado más cotidiano de
los días. Danza en la que, una vez más en
la obra del coreógrafo tinerfeño, la palabra
tiene gran presencia, en esta ocasión en
los textos escritor por Marina Wainer.
Plato fuerte
Diciembre acogerá el plato fuerte de
esta edición de Dantzaldia con la pre-sencia
nada menos que de
Carolyn Carlson y reciente-mente
emancipada del CCN
de Roubaix Nord-Pas de Ca-lais,
al que ha estado ligada
durante casi una década.
En Bilbao se podrá ver una
triple propuesta compues-ta
por un dúo y dos solos,
tres historias cortas Short
Stories, impregnadas por
su idea de la danza y el
gesto poético. Se trata de
piezas en las que fluye la
inspiración de las filosofías
orientales, el Tao en “Li”, el
budismo zen en “Mandala”
y un elemento como el agua
en “Inmersión”, el solo en
el que podremos ver a la
propia coreógrafa como
una Dama del Agua ofreciendo al público
una fascinante visión de danza arrastrada
por la fuerza de este elemento de la na-turaleza.
Y así se llega al cierre de esta edición, un
final abierto al tratarse de la presentación
de una obra en la que se encuentra actual-mente
trabajando Iratxe Ansa, El sonido
que hacen los cuerpos en la quietud, una
investigación a partir de la máscara más
pequeña del mundo: la nariz roja. Se podrá
ver en La Fundición el día 19 de diciembre,
al día siguiente del taller que la propia Iratxe
Ansa ofrecerá como parte de las actividades
paralelas a esta edición de Dantzaldia y que
incluyen, también talleres de mediación con
nuevos públicos o un ciclo de cine sobre las
coreógrafas del siglo XX.

22. 14 octubre C22
XXXIX Festival Internacional de Teatro de Vitoria-Gasteiz
De todo el mundo para
todo el mundo
La nueva edición del Festival de Vitoria-Gasteiz comienza a andar
de la mano Wajdi Mouawad, Andrés Lima, Aurelia y Victoria Thierrée-
Chaplin, Marcel Gros y Marta Carrasco
on un ojo ya puesto en el año que
viene, cuando se cumplan cuarenta
ediciones, el Festival Internacional
de Teatro de Vitoria-Gasteiz que or-ganiza
el Ayuntamiento de la ciudad afronta
sus treinta y todos con veterana lozanía, de
esa que da tablas suficientes para conectar
con personas de diferentes edades, gustos
e intereses. Desde el 4 de octubre al 30 de
noviembre desplegará en la capital alavesa,
en su Teatro Principal y los auditorios de los
Centros Cívicos –Teatro Félix Petite, Federi-co
García Lorca e Jesús Ibáñez de Matau-co-
además de la Sala Baratza y espacios
no convencionales, toda una batería de ac-tividades
a partir del pistoletazo de salida;
sonoro, a buen seguro por su protagonista:
Wajdi Mouawad.
El reconocido autor de ‘Incendies’ –cuya
versión cinematográfica ganó un Oscar–,
‘Ciels’ y ‘Litoral’ será el encargado de
abrir el programa de representaciones con
Seuls, un trabajo que ha escrito, dirigido e
interpreta él mismo y que, en una pirueta
aún mayor, presta parte de su biografía al
personaje al que encarna en escena. Por-que
Herwan es también un hombre libanés
exiliado en Québec, que prepara una tesis
sobre esa figura tutelar llamada Robert Le-page
(a quien sin duda homenajea en su
teatro siempre) encerrado durante una no-che
en una de las salas del Museo del Her-mitage
de San Petersburgo. Pero además
de protagonizar el espectáculo inaugural,
la presencia de Mouawad se completará
con un encuentro en el que el dramaturgo
ofrecerá su particular visión del universo
escénico, una clase maestra para creado-res
y artistas que contará, asimismo, con
www. a r t e z b l a i . c o m
dos maestros de ceremonias de excepción:
el periodista y crítico Javier Vallejo y el tam-bién
autor y director Alfredo Sanzol, quien
en noviembre presenta dentro del festi-val
un trabajo coproducido por el Centro
Dramático Nacional y Tanttaka Teatroa,
bajo el título de La calma mágica (13 de
noviembre) o, en su versión en euskera,
Barealdi Magikoa (12 de noviembre).
Sin embargo, a lo largo de mes de
octubre que nos ocupa estas líneas, el
Festival Internacional de Vitoria-Gasteiz
tendrá otros platos fuertes, como sendas
versiones de un clásico entre los clásicos:
Macbeth de Shakespeare. La compañía La
casa de la Por tera (9 y 10 de octubre)
saldrá por vez primera del espacio don-de
ha hecho crecer MBIG –la madrileña
pensión de las Pulgas- para instalarse en
diversos ambientes del Teatro Principal,
Seuls de Ciels y Litoral ©Thibaut Baron
donde se mezclarán con el público para
integrarlo en esta propuesta que lleva
esta historia de ambición desmedida al
mundo empresarial. Otra visión particular
de Macbeth es la que ha reescrito Juan
Cavestany y que dirige Andrés Lima para
que Carmen Machi y Javier Gutiérrez se
metan en la piel de la despiadada pare-ja,
Los Mácbez (18 de octubre), ámbito
íntimo donde han puesto el acento de la
propuesta.
Teatro universal
Grandes títulos del teatro universal se
suman a esta fiesta, como Sonata de Otoño
(30 de octubre) de Ingmar Bergman, diri-gido
por el argentino Daniel Veronese, que
es ya un clásico en el festival al gustar su
estilo despojado de artificios más allá de un

23. octubre 14
23
www. a r t e z b l a i . c o m
buen texto y una gran interpretación. Tam-bién
se podrá ver El Eunuco de Terencio
(11 de octubre) en el montaje creado para
su representación en el Festival de Mérida
con Pepón Nieto como protagonista, o De
profundis, un trabajo en el que la compañía
gasteiztarra Or tzai lleva a escena la obra
de Oscar Wilde (15 de octubre). También
hay lugar para la autoría contemporánea.
Pankreas (15 de octubre) es un nue-vo
encuentro en las trayectorias de Patxo
Telleria, Mikel Martínez, Joseba Apaolaza
y Jokin Oregi en torno al teatro concebi-do
y, creado y representado en euskera,
hasta el punto que en esta ocasión se han
lanzado a la aventura de representarlo en
bertsos. Pero la obra es más que eso: es
una tragicomedia contemporánea sobre la
amistad, la muerte...
Y por si lo narrado hasta ahora fuera
poco, este primer mes coinciden en el pro-grama
creadoras como la dupla Victoria
y Aurelia Thierrée-Chaplin y Marta Ca-rrasco.
Las primeras regresan tras el buen
sabor de boca dejado por ‘El oratorio de
Murmures des murs
Aurelia’ y lo hacen con Murmures des murs
(24 de octubre) que refleja el huir de una
mujer por las calles una ciudad, llevado a
escena a modo de rompecabezas que poco
a poco se ensambla, gracias a la mezcla de
ilusión, manipulación, circo y danza. Marta
Carrasco, por su parte, se presenta en con
B. Flowers (23 de octubre) una personal
mirada a las flores, a su ciclo vital, que está
irremediablemente ligado al nuestro.
Otras propuestas que también se pue-den
ver en octubre son la “dramedia
romántica” Los miércoles no existen de
Producciones Off (17 de octubre), un
puzzle escénico que une cine y teatro y,
sobre las tablas, a un elenco de jóvenes
consagrados como Gorka Otxoa o Daniel
Muriel; y en el ámbito del teatro familiar
Pantin c’est l’heure del mimo y titiritero
Jean-Michel Debarbat (19 de octubre), la
propuesta, también de títeres, de Etcéte-ra
El sastrecillo valiente (26 de octubre)
y Minutos (12 de octubre), una obra del
clown y manipulador Marcel Gros y las
propuestas de Off Local.

24. 14 octubre L24
XXXI Jornadas de Teatro de Getxo
Para todos los públicos pero
en especial para el infantil
Las Jornadas de Teatro de Getxo presentan como novedad un
programa de teatro breve en el que participan diez montajes
a trigésima segunda edición de las
Jornadas de Teatro de Getxo se
celebra los días 11, 12 y 18 y 19
de octubre con un programa de es-pectáculos
“muy variado y especialmente
dirigido a despertar el interés de los más
pequeños” tal y como destacan desde el
ayuntamiento de la localidad, encargados
de su organización, ya que de los nueve
montajes programados cinco están dirigi-dos
al público infantil, dos al público familiar
o de todas las edades y dos más al público
adulto. Como novedad, este año las Jorna-das
acogen una programación de teatro
breve con 10 montajes de una duración
máxima de vente minutos que serán repre-sentados
los días 12 y 19 en los locales del
Aula de Cultura de Algorta.
Las Jornadas darán comienzo en la Pla-za
San Nicolás de Algorta, enclave de los
espectáculos de calle de esta edición, con
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Carneros de Organik. La compañía dirigida
por Natalia Monge se ha inspirado en el en-frentamiento
de los machos ovinos –una de
las modalidades del deporte rural vasco–,
para reflexionar en torno a la diversión que
genera la afición a este tipo de exhibiciones.
Helena Golab por su parte también ofrece
un espectáculo sin texto en el que se fusio-na
el teatro y la danza, Pa.Tí.N, en el que
se narra el encuentro en el skate park, tras
varios años sin verse, de unos amigos que
recordarán las palabras de los raps que
crearon en su adolescencia siempre pero
sin perder en ningún momento el sentido
del humor. Dirigidas al público infantil son
el resto de propuestas de calle, todas ellas
representadas en euskara.
Kiliklon presentan en Getxo la verbena Dj
Porru con la que los más pequeños podrán
participar en sus divertidas coreografías.
Tomaxen abenturak ofrecen esta vez una
Zoozoom de Markeliñe
excursión al monte, Mendizaleak, en la que
Tomax y Muxugorri contarán y cantarán his-torias
acompañados de los más pequeños.
La veterana compañía Markeliñe propone
con Zoozoom un recorrido “bestial” por
cuentos populares, referentes del cine y
fábulas del inconsciente colectivo. El sonido
de una concha marina despierta la magia y
los tubos se transforman en gusanos, las
planchas en cangrejos y las telas en elefan-tes.
Una historia onírica en la que x puede
comer al lobo y los caperucita alimentados
por carne humana... Las propuestas dirigi-das
al público familiar se completan con dos
espectáculos de sala que se representarán
en la Escuela de Música Andrés Isasi de Las
Arenas. Se trata de Sutondoan espectáculo
de A-Teatral que parte de la mitología vasca
para crear una obra de sombras, color, títe-res
y música protagonizada por Amalur, los
gentiles, las brujas, los duendes... Deabru

25. octubre 14
25
Cabaret Chihuahua de Pabellón nº6
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Beltzak por su parte han partido del cuento
de August Strindberg ‘Los secretos del se-cadero
de tabaco’ para crear Opera abes-laria
, un espectáculo que fusiona la música
y teatro y en la que Hannah va narrando la
gloria y el ocaso de una gran cantante de
ópera; una lúdica propuesta que acerca al
público familiar al mundo de la ópera y pro-pone
una reflexión sobre la vanidad.
Público adulto
La Escuela de Música Andrés Isasi será
también el espacio en el que se pondrán en
escena los dos espectáculos dirigidos al pú-blico
adulto de esta edición, ambos con el
humor como protagonista pero en diferentes
registros y uno en euskara y otro en cas-tellano.
Tras el éxito de ‘Bodologuak’ Mikel
Pagadi, Egoitz Lasa y Nagore Aranburu han
vuelto a unir sus fuerzas creativas para po-ner
en escena Potologuak que al igual que el
anterior se presenta en formato de monólo-go
en el que los tres intérpretes realizarán
un análisis de nuestra sociedad y nuestras
relaciones. La propuesta de Txintxeta inten-tará
dar respuesta a preguntas como ¿En
qué reunión del Parlamento se decidió que
la batucada era vasca? ¿Se encarga el tercer
hijo para reciclar la ropa de los dos anterio-res?
¿Qué sucede si no vas al médico con
la ropa interior limpia? ¿Qué premio Nobel
inventó la escobilla del wáter? ¿En lugar zom-bi
de
recibir algunos regalos, no es preferible re-cibir
una bofetada? ¿Por qué al cerrar todas
las tabernas ponen “Benitoren Erribera”?
o ¿Qué culpa tiene el pobre? Esto si, todas
ellas tendrán respuesta desde el humor.
El humor es también protagonista en
Cabaret Chihuahua “el musical vasco mexicano para tiempos de crisis” tal y
como lo presentan desde el Laboratorio
teatral Pabellón nº6, encargado de su
producción. Con texto y dirección de Felipe
Loza e interpretado por Enriqueta Vega,
Ylenia Baglietto/Itxaso Quintana, Iñaki Ma-ruri,
Quique Gago, Diego Pérez, Irene Bau,
Mitxel Santamarina y Ugaitz Alegria, esta
propuesta divertida y gamberra es “un
grito de alegría jalapeña; una enchilada
de risas, baile y canción a pecho partido;
un corrido de alegría de vivir que acaba
con el aullido feliz del entusiasmo. Es una
fiesta para el cerebro sombrío de los días
de crisis, y un alivio de rabias contra los
estafadores de la macroeconomía y sus
trampas tenebrosas. Celebremos que se-guimos
vivitos y coleando”.
La historia de este particular cabaret co-mienza
cuando un chico de Durango, pero
del Durango de este lado del Atlántico mue-re
en un accidente de coche y al llegar ala
vida de ultratumba se encuentra con que
ha sido destinado al Cabaret Chihuahua, un
local de esparcimiento del inframundo. Y
allí dará comienzo el proceso de “catriniza-ción”
o esqueletización, la música, el teatro
y la fiesta. Humor y diversión con ciertas
dosis de crítica de la realidad social... una
propuesta gamberra y seria con la que po-drá
disfrutar el público adulto que se acer-que
hasta Getxo.

26. 14 octubre C26
on el claro objetivo de fomen-tar
la creación, producción y
la difusión de la danza con-temporánea
y el espectáculo
gestual darán paso a la décimo cuar-ta
edición de Danza Xixón que tendrá
lugar entre el 17 y el 30 de octubre.
Al igual que en ediciones anteriores,
junto con la exhibición de propuestas,
se realizará un programa de semina-rios
y talleres dirigidos a profesionales
que se llevarán a cabo del 18 al 20
de octubre de manos de algunos de
los artistas participantes, tales como
Asunción Pérez ‘Choni’ que impartirá
los dos primeros seminarios ‘Flamenco
iniciación’ y ‘Flamenco avanzado’ así
como Cesc Gelabert con ‘El enigma del
movimiento. Acercamiento a la danza’.
Por último, Mike Ribalta, productor,
gestor de proyectos y jefe del área de
promoción internacional de FiraTàrre-ga,
impartirá un seminario sobre una
de las estrategias más conocidas de
presentación de proyectos y modelo de
ventas, una herramienta útil y un plus en la
formación de los profesionales.
Espacios de interior como alguno de ex-terior
repartidos por toda la ciudad de Gijón
serán los escenarios escogidos para aco-ger
las quince propuestas previstas en la
presente edición. Uno de los lugares en los
que mayor número de montajes se podrán
ver será el Centro Cultural Antiguo Instituto
donde está prevista la primera de las ac-tuaciones
de manos de Choni Cia. Flamenca
que dará a conocer Por la gloria de mi mare,
su segundo montaje después de ‘Tejidos al
Tiempo’, con el que ya mostró un estilo y
un universo muy particular, en esta ocasión
inspirado en la cultura del café-cantante y
el teatro de variedades, mezclando humor,
el cante y el baile flamenco más tradicional,
la copla, la ironía y grandes dosis de impro-visación,
compartiendo escenario con el ac-tor
Juanjo Macías, la cantaora Alicia Acuña y
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el guitarra Raúl Cantizano.
La esencia flamenca también la ofrece-rán
Marcos Vargas y Chloé Brûle a través
de dos de sus últimas piezas. Por casuali-dad,
obra creada para dos bailarines para
ser representada en lugares singulares,
se escenificará en el Paseo de Begoña y
Colección privada, montaje de interior, se
presenta como una invitación especial para
visitar la galería de baile de la compañía,
donde se podrán ver las piezas más precia-das
de su colección, desde la minimalista a
la costumbrista, de la clásica a la contem-poránea.
Danza Xixón conjuga un programa
ecléctico donde también tendrán cabida
propuestas de hip hop/break dance como
Divenire de Circle of trust y Logela, una
nueva coproducción escénica dirigida por
Jordi Vilaseca, con el corazón, centro de las
emociones, como punto de partida para el
desarrollo metafórico de obra.
El público infantil también podrá
disfrutar de montajes idóneos para
ellos. Estrellados de Fernando Hur-tado,
que además se podrá ver su
versión de calle y sala. La pieza mez-cla
la danza contemporánea con las
artes circenses, acrobacias y saltim-banquis.
En este espectáculo vivimos
el resurgir de sus cenizas de un circo
que desde la nostalgia y las nieblas
del pesimismo alumbra con vertigino-so
ritmo una aventura circense en la
que una caída abre la posibilidad de
una nueva pirueta.
Dirigido a niños y niñas también es
el montaje Wangari - La niña árbol de
Karlik Danza, montaje que permite al
público viajar al corazón de África y
que transmite el mensaje que dejó
Wangari Maathai, primera mujer afri-cana
que obtuvo el Premio Nobel de
la Paz en 2004 por su mensaje de
perseverancia y entrega al proteger
los árboles para garantizar el agua
y el alimento para su población. En defi-nitiva,
esta propuesta se convierte en un
dulce y mágico mensaje necesario para
la humanidad. Teatro, danza, educación,
medioambiente, cultura, sensibilización.
Todo en un solo espectáculo.
Por su parte la compañía valenciana Ma-duixa
Teatre llevará a escena la propuesta
para público familiar Dot, pieza que conjuga
la danza, el teatro, la música y las nuevas
tecnologías para ofrecer un rompecabezas
mágico tomando como punto de partida
el trabajo del norteamericano Sol Lewitt,
transformando una pared blanca en un es-pacio
lleno de color.
veteranos en la escena
Cesc Gelabert además de ofrecer un se-minario
visitará Gijón para presentar Cesc
Gelabert V.O. + 3 que incluye el estreno de
tres solos que cuentan con la música ori-
XIV Danza Xixón
La danza actual vista desde
muchas perspectivas
Cesc Gelabert V.O. + 3 de Cesc Gelabert

27. octubre 14
27
Silencio de Daniel Abreu
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ginal de Borja Ramos, vestuario diseñado
por Lidia Azzopardi y la interpretación de
piezas antiguas revisadas. Un vistazo al pa-sado
desde un presente que mira hacia el
futuro. Con esta propuesta Gelabert regre-sa
al núcleo de su creatividad, a la esencia
de su movimiento y su presencia
Otra compañía de danza contemporá-nea
es Thomas Noone que mostrará su
última creación Brutal Love Poems, que
se ofrece en un mismo programa junto al
duo Watch Me, también de Noone, y SIN
de Joan Clevillé. Las tres coreografías
comparten como hilo conductor el amor
y las relaciones personales, aunque cada
una desde una perspectiva distinta. Todo
el espectáculo se acompaña de la música
creada especialmente por Jim Pinchen.
Dentro de la línea más contemporánea
también se encuentra Mónica Cofiño que
tras su paso por Danza Xixón el año pasado
vuelve con una evolución de la misma pro-puesta
en el que se conjuga danza, música,
performance y vídeo, de la que incluso ha
CowS-how
variado el título presentándola como de la XaTa la rifa. La artista asturiana
lleva varios años trabajando en esta pieza
postmoder-na”
que califica como “una romería en la que reivindica lo rural con la vaca
como leitmotiv. En el proceso creativo ha
ido incorporando la colaboración de músi-cos
y artistas plásticos, adaptando la pieza
esta ocasión para ser representada en el
Museo del Ferrocarril de Gijón.
Por su parte Vortice Dance Company en
Your Majesties welcome to the anthropo-cene
propone despertar las conciencias y
mover nuestros cuerpos. Sitúan al público
ante una crisis de conciencia y ante la im-potencia
humana para borrar las marcas
indelebles de los excesos del pasado. To-man
como punto de partida el discurso de
Barak Obama en la ceremonia de entrega
del Premio Nobel de la Paz: “Nuestras ac-ciones
importan, y pueden redirigir la histo-ria
en la dirección de la justicia”.
Dentro de las piezas de danza contem-poránea
cabe destacar también la pre-sencia
de Daniel Abreu que escenificará
Silencio, uno de sus trabajos más maduros
y contundentes donde realiza un discurso
personal que bebe de sus creaciones ante-riores
para ir más allá, abriendo puertas a
universos secretos de intimidad y soledad.
Desde el otro lado del Atlántico, Uru-guay,
llega Ballet Nacional SODRE, agru-pación
instalada en la vertiente neoclásica
dirigida por Julio Bocca que escenificará El
mesías, creación de Mauricio Wainrot una
obra de largo aliento que se desenvuelve
a lo largo de 32 escenas. El coreógrafo ha
dotado de un gran dinamismo a su puesta
en escena, y lo ha hecho sin renunciar a lo
que la música sacra le inspira: momentos
de gran exaltación y elevación, junto con
momentos de reposo, recogimiento y liris-mo.
El enfoque plástico se corresponde
plenamente con la nitidez y la pureza que
la danza exige.
Y por último Proyecto Piloto mostrará
Danza para niños kinkis y Zig Zag Danza se
encargará de cerrar la programación con
Danza al desnudo. La primera, está com-puesta
por cuatro microhistorias coloristas
y surrealistas abordadas desde la música,
la danza y las artes visuales. La segunda in-tenta
descubrir al espectador qué es lo que
mueve la mente y el cuerpo de un bailarín,
cuáles son sus herramientas de trabajo,
qué resortes se accionan para construir
desde el cuerpo del personaje.

28. 14 octubre L28
XXXII Festival Internacional de Títeres de Bilbao
Llegan sus majestades
los títeres
a vigésima tercera edición
del Festival Internacional
de Títeres de Bilbao co-mienza
el 16 de octubre
con la exposición dedicada a las
Técnicas de las marionetas ‘Evo-lución
a través de los tiempos’
que se podrá ver hasta el 14 de
noviembre en la Casa de Cultura
de Barrainkua. Pero la inaugu-ración
oficial del festival tendrá
lugar el 17 de octubre con Llu-mero
, coproducción de Factoría
Norte y Gaupasa, una propuesta
de teatro de calle protagonizada
por seres llegados del fondo del
mar que se pondrá en escena en
el Muelle campa de los ingleses,
junto al museo Guggenheim.
El resto de los espectáculos
que conforman la programación
de esta edición son de sala y
dirigidos al público familiar y se
pondrán en escena en la Casa de
Cultura Barrainkua, Sala Carmen,
Pabellón nº6, Harrobia, Biblio-teca
Bidebarrieta y la sala del
Museo Marítimo. Es el caso de El
abrigo de Yorick de la compañía
Caleidoscopio, un espectáculo de clown,
máscaras, muñecos y objetos que narran
la historia de dos intrépidos personajes,
Yorick y Tubitos.
La compañía Títeres Cascanueces pon-drá
en escena Ikú y Elegguá una obra ba-sada
en una leyenda afrocubana sobre la
eterna controversia entre la vida (Elegguá)
y la muerte (Ikú), una parábola mitológica
y fuente inagotable de reflexión y esperan-za
y la sabiduría del otro lado del Atlántico
llega también de la mano de Zanguango
Teatro con Quetzalcoat y el origen del
Cacao espectáculo que combina las técni-cas
de cuenta-cuentos con los títeres de
sombra, las marionetas y la música al igual
que la obra Max, nor den aurkituko duen
herensugea.
Marimba marionetas se ha inspirado
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Mu-rren
El abrigo de Yorick de la compañía Caleidoscopio
mañana. Es el caso de los espectáculos en ‘El Quijote’ para crear Qui y Jote en la
isla de los piratas, un espectáculo lleno
de imaginación protagonizado por unos
pingüinos piratas con ansia de aventu-ras
y la compañía Baran Puppet presen-tan
Ropa Vieja una obra protagonizada
por títeres construidos con ropa vieja y
objetos reciclados. Los manipuladores
forman además parte del espectáculo
y construyen los títeres ante el público
convirtiendo un calcetín en director de
orquesta o un colador de cocina en una
exótica bailarina árabe.
Además de los espectáculos mencio-nados,
todos ellos abiertos al público, el
festival ha organizado una programación
dirigida exclusivamente para escolares cu-yas
funciones tendrán lugar en horario de
bidaia / El viaje de Mur
de Behibi´s, el espectáculo
eco-galáctico de luz negra
Green Planet de Teatre Bu-ffo,
Payaso mío, las peque-ñas
de la compañía argentina
Cuatro Vientos, y la versión
del cuento clásico Pinocho a
cargo de Ultramarinos de
Lucas.
Homenajes y más
Como es habitual todos los
años el festival homenajea a
personas relevantes rela-cionadas
bien con el propio
festival bien con el mundo
del teatro de títeres y obje-tos.
Este año el festival rinde
homenaje al actor bilbaino
Álex Angulo, recientemente
fallecido con la presentación
del cortometraje ‘El huevo
de Tristán Boj’ dirigido por
Paula Ortiz y producido por
el Centro de Documentación
de Títeres de Bilbao. El fes-tival
homenajeará también
a la titiritera cubana Xiomara Palacios a
la que otorga el Premio Internacional del
Foro Títeres en Femenino Mariona Mas-grau.
Palacios inició su trayectoria profe-sional
con el Teatro Nacional de Guiñol en
1963 compañía con la que estrenó más
de cien obras y ha actuado como artista
invitada en colectivos e instituciones como
Teatro Pál­pito,
Teatro de la Luna, Teatro
El Pú­bli­co,
El Espacio Teatral Aldaba y el
Centro Promotor del Humor.
Además en el marco del festival se van a
proyectar diversos documentales como ‘El
arraigo popular del arte titeril en México’,
‘Tras el retablo’ de Alina Morante y ‘El tite-llaire’
de Edu Borja. A su vez se ha orga-nizado
un curso de formación denominado
‘De la idea al escenario’ impartido por el
iraní Hossein Zeinali.

29. octubre 14
29
www. a r t e z b l a i . c o m
Del 23 al 26 de octubre tendrá lugar
la Muestra Internacional de Títeres de
Bergara una cita bienal que cumple su
duodécima edición con la participación
de nueve compañías venidas desde Italia,
Grecia, Catalunya, España y Euskal Herria
que propondrán montajes para sala y ca-lle
así como la instalación Zenbaki gabe
(sin número) que Taun Taun, agrupación
que se encarga de la organización de la
Muestra, llevará a cabo a lo largo de las
cuatro jornadas. En esa dirección sin nú-mero
van a crear un espacio, un mundo
de recuerdos, de sonidos e imágenes.
Una instalación para recordar y evocar
momentos, donde el sonido y la luz jue-gan
con el visitante que además accio-na,
modifica e interactúa con el espacio
creando momentos únicos.
A excepción del sábado 25 que Kon-takatilu
ofrecerá su propuesta Katiluka-da
al mediodía, el resto de los días las
actuaciones comenzarán al anochecer
a partir de las siete. La citada compa-ñía
vizcaína propone una divertida y
entrañable historia protagonizada por
un bertsolari frustrado que decide em-prender
su carrera como titiritero. En la
pieza utilizan cinco técnicas diferentes de
manipulación que relacionarán con cinco
historias distintas.
El día 23 MG Producciones presenta
Granujas a todo ritmo, orquesta callejera
que se mueve al ritmo de rhythm´n Blues
acompañada de dos títeres gigantes. La
jornada del 24 comenzará con Cubo libre
de los italianos Dromosofista, un delicado
caos alrededor de un neutro cubo negro
en el que cuatro curiosos personajes dan
vida a una espiral de transformismos su-rreales
y poéticos, acompañados por mú-sica
en vivo. La compañía griega Merlin
Puppet Theatre llevará a escena Clown´s
Houses, un edificio de cinco pisos con
seis personajes centrales. Todos ellos
son personajes grotescos comicotrági-cos
que arrastran la existencia de sus
vidas miserables, sin miedo a morir pero
con miedo a vivir. El público observa des-de
un entorno oscuro y claustrofóbico su
vida convencional cotidiana. Sus miedos
y obsesiones, su soledad. El grupo juega
con esas obsesiones para demonizarlas
y, finalmente, de la manera más violenta,
los castiga, pero también los redime.
Además de Kontakatilu el 25 actuarán
Borja Ytuquepintas y Zero en conducta.
Los primeros presentan Arte con arena
donde solo con las manos y arena en un
cristal el ilustrador Borja González realiza
sobre el escenario y proyectadas en una
gran pantalla, historias que provocarán
todo tipo de emociones en el espectador.
Pasará por diferentes atmósferas solo
con un movimiento de sus manos. Alle-gro
ma non troppo de Zero en conducta
es un montaje en el que se cobijan varias
historias de amor, la de una caricia, las
dos caras de un brazo, las peripecias de
un flexo para escribirle a su amor ilumi-nado
por su propia luz, las vivencias de
un misterioso ser que no se ve pero que
se deja sentir…
El día 26 contarán con un final de lujo
con Pez Limbo que mostrará su pieza
Lana, espectáculo de calle sin texto en el
que la acción, las imágenes y el espacio
sonoro crean la atmósfera que envuelve
al espectador en una experiencia que va
de la realidad a lo onírico, con una pues-ta
en escena que combina teatro físico y
elementos de danza, títeres y trabajo de
máscara. Por su parte, Guillem Albá vuel-ve
por segunda vez al festival con Trau
espectáculo de humor visual que viaja de
la comedia a la poética, pasando por el
absurdo y el teatro de títeres.
Títeres para
adultos en
Bergara
Clown´s Houses de Merlin Puppet Theatre

30. 14 octubre E30
XXII FIOT- Festival Internacional de Outono de Teatro en Carballo
Apuesta por la revisión de
clásicos y figuras universales
n esta su 23 edición el FIOT, Fes-tival
Internacional de Outono de
Teatro de la ciudad coruñesa de
Carballo, que tendrá lugar entre el
3 de octubre y el 2 de noviembre, parte
de la inspiración del teatro clásico y sus
revisiones como leitmotiv o argumento
central que da sentido a la programación.
Por tanto, se podrá disfrutar de la visión
particular, curiosa e innovadora de los
creadores actuales sobre obras de clási-cos
universales como Cervantes, Lope de
Vega o Shakespeare. En esta ocasión el
‘Premio Xograr de Outono’, que la orga-nización
otorga cada año a una persona
o entidad que destaque por su trayectoria
en la promoción del teatro en Galicia ha
sido concedido a Eduardo Rodríguez Cun-ha
‘Tatán’ fundador de la compañía Tanxa-rina
Títeres hace más de treinta años.
El programa se completará con la quin-ta
edición del Ciclo OTNI, Objeto Teatral
No Identificado, apartado que engloba
proyectos escénicos de un carácter más
experimental con Los brillantes empeños
de Grumelot, Harket (Protocolo) de Pani-cmap
y Greenwich art show de Macarena
recuerda Sheperd. La ‘Rúa do contos’,
programación nocturna e irreverente
que este año cumple su decimosexta edi-ción
y que tiene lugar en tascas, bares,
cafeterías, pubs así como en el Mercado
Municipal las noches del viernes, sábado
y domingo de las dos primeras semanas
de octubre, así como un sinfín de activida-des
tales como el ‘Teatro de rúa’ o ‘Café
con…’ espacio que permite el encuentro
entre compañías, actores, directores y pú-blico
completan la programación.
Este año se cumple el 450 Aniversario del
nacimiento de Shakespeare y el programa
recoge esta celebración contemplando va-rias
propuestas tales como A Tempestade
de la gallega Voadora, pieza que habla del
perdón, de la familia, del final del trabajo, del
final de la energía con una puesta en escena
muy plástica y fresca y con música y actua-ciones
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en directo. Las Grotesqués llevarán a
escena la adaptación de Mucho ruido y pocas
nueces, en la que tres intérpretes darán vida
a los más de veinte personajes de la obra
apoyándose en técnicas como el clown o la
manipulación de objetos, dando paso a diá-logos
de ritmo vertiginoso y mucho humor.
La compañía chilena Viajeinmóvil ofrecerá
su versión de Otelo, fusionando el trabajo
actoral con la manipulación de marionetas y
objetos, despojándose de tramas y persona-jes
secundarios y mostrando con crudeza y
realismo la violencia contra la mujer.
El estreno de Mofa y Befa Bodas & Ga-legas
(Mofa & Befa no século de ouro),
coproducción junto con el Festival de Tea-tro
Clásico, arrancará, el 10 de octubre,
las actuaciones de la programación oficial
que tendrán lugar todas ellas en el Audi-torio
del Pazo de Cultura. Quico Cadaval
dirige esta singular propuesta que realiza
una aproximación a obras de Calderón o
Lope desde el humor y la sátira.
Ron Lalá, compañía que obtuvo el Premio
del público en el FIOT de la pasada edición,
vuelve a Carballo con En un lugar del Quijo-te
, una versión libre y contemporánea de la
novela de Cervantes. coproducida junto con
la Compañía Nacional de Teatro Clásico en la
que realizan una mirada moderna, profunda
A Tempestade de Voadora
e iconoclasta de un mito siempre vivo. Asi-mismo,
la agrupación catalana Obkené dará
a conocer Fuenteovejuna, breve tratado so-bre
las ovejas domésticas, una adaptación
actualizada del clásico de Lope de Vega que
explica la historia del famoso pueblo del co-mendador
corrupto y violador, realizando
una profunda reflexión sobre el poder a tra-vés
de un espectáculo enérgico y trepidante
concebido para espacios no convencionales.
Rafael Álvarez ‘El Brujo’ en El asno de
oro, se presenta en la piel de un juglar
contemporáneo que conatruye una narra-ción
que resume muchas aventuras humo-rísticas
y una acción trepidante desde el
relato fantástico.
El programa incluye dos trabajos que no
responden estrictamente a revisiones de clá-sicos
pero si son revisiones de mitos, este-reotipos
o un clásico contemporáneo como
la mafia en The Gagfather de Yllana, un viaje
a los bajos fondos y a los más bajos instintos
con personajes disparatados y situaciones
delirantes retratados desde el humor pero
también desde la reflexión y el sarcasmo.
Setze Fetges Associats en 30/40 Livingstone,
con Sergi López y Jorge Picó, realizan una
particular revisión sobre el explorador en
permanente búsqueda, dando paso a un es-pectáculo
de humor, tenis y antropología.

31. octubre 14

32. 14 octubre D32
Puesta al día de uno de los
festivales más veteranos
Se podrá disfrutar de 16 propuestas teatrales que se llevarán a
el 24 de octubre al 29
de noviembre se hará
extensiva la progra-mación
del Festival de
Teatro de Santurtzi, una de las
citas anuales más veteranas del
panorama estatal, que este año
cumple su 35 edición, donde
participarán un total de 17 com-pañías
que tendrán lugar en el
Teatro Serantes.
Centrados en la programación
prevista para el mes de octubre,
el festival se inaugura con Juga-dores
de Producciones Tea-trales
Contemporáneas, que
XXV Festival de Teatro de Santurtzi
también pondrá en escena So-nata
de otoño, función que cerrará las ac-tuaciones
del mes. La primera obra realiza
una radiografía de las relaciones humanas,
de la parte oscura e inaccesible que escon-de
todo el mundo, salpicada de humor y de
un espíritu lúdico. La segunda se trata de
un drama desgarrador, donde las palabras
duelen y los silencios también. Sus protago-nistas
son Charlotte, una famosa pianista,
madre ausente de su hogar por su trabajo
y su frialdad y desapego que marca a sus
dos abandonadas hijas.
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Toni Acosta e Iñaki Miramón encarnan
a Sandra e Ignacio, protagonistas De mu-tuo
acuerdo. En común tienen doce años
de matrimonio que no funcionó y un hijo a
punto de cumplir nueve que no acepta la
nueva situación de sus padres. Ni a Sandra
le apetece aguantar a Ignacio ni Ignacio
está por la labor de fingir cordialidad ante
Sandra, pero ciertos episodios escolares
les obligan a verse más de lo deseado.
Cabaret Chihuahua coproducido por Pa-bellón
Nº 6 y Teatro Mutante con texto y
dirección de Felipe Loza traslada
al público a un local de noches
alegres, un tugurio con música
en directo, canciones y ambien-te
mexicano, en el que artistas
de varietés presentan números
clásicos de cultura pop, exce-lentes
imitadores todos de Liza
Minelly, Marilyn Monroe, Amy
Winehouse, Cantinflas o Sabino
Arana (afamado txouman bert-solarístico).
Noches de fiesta,
sexo y glamour.
Marcel Gros escenificará un
espectáculo para el público
familiar, creado, dirigido e in-terpretado
por él mismo. Se
trata de Minutos, donde en clave de clown
cada escena es tratada como un pequeño
cuento en el que los objetos recobran vida
y cada detalle adquiere la importancia que
debe darse a las pequeñas cosas. Y en
noviembre continúa el festival con más
teatro como las obras ‘Emilia’ de Claudio
Tolcachir, ‘Cuarteto del Alba’ de Carlos Gil,
‘Pankreas’ de ‘Patxo Telleria’, ‘Verano en
diciembre’ de Carolina África, ‘La venus de
las pieles’ de David Ives, ‘El eunuco’ de
Terencio... y más.
cabo entre octubre y noviembre
Jugadores de Producciones Teatrales Contemporáneas

33. octubre 14

34. 14 octubre C34
I iber_ae - Festival Iberoamericano de Artes Escénicas de Madrid
La escena contemporánea
iberoamericana en Madrid
on una programación
compuesta por espec-táculos
de vanguardia,
texto, títeres, visuales
y danza se presenta iber_ae,
la segunda edición del festival
iberoamericano de artes escé-nicas
de Madrid (anteriormente
FITMadrid) que se celebra del
23 al 26 de octubre en el Cen-tro
Cultural Conde Duque.
Seis compañías conforman
la programación de iber_ae.
Desde Argentina, Cía Teatro del
Perro ofrecerá Un Poyo Rojo,
espectáculo de teatro físico en
el que a partir del lenguaje cor-poral
se explora los límites del
lenguaje contemporáneo res-pecto
al movimiento y sus in-terpretaciones.
La danza, el de-porte
y la sexualidad se cruzan
y ofrecen una obra que se con-vierte
en una provocación mez-cla
de acrobacia y comicidad.
Los chilenos de la Cía. Nuestra
presentan Mª Teresa & Danilo,
obra ganadora del 1er Festival
Teatro Joven de Las Condes que
reflexiona sobre la problemática
que viven los docentes en este
país (malas condiciones labora-les
y salariales que repercuten en el desa-rrollo
del gremio) a través de la relación
de una profesora y un aspirante a profe-sor
que son además madre e hijo. Ambos
comparten la pasión por la pedagogía
pero tienen puntos de vista diferentes que
se van revelando a través de un diálogo
fresco, crudo y no exento de humor entre
un hijo con ganas de cambiar la realidad y
una madre desencantada.
Aunque residente en Madrid la com-pañía
Teatro en el Aire está formada por
actores y actrices de diversas nacionali-dades,
latinoamericanas en su mayoría,
www. a r t e z b l a i . c o m
Métanse en nos seus asuntos de Licenciada Sotelo e Compañía
bajo el impulso creador de Lidia Rodríguez
Correa y en iber_ae presentan Bailando
tus huesos una cena-musical de aforo li-mitado
donde el público-comensal podrá
degustar manjares en una peculiar canti-na
de sabor mexicano con unas anfitrionas
muy especiales las Catrinas Flaca, Pelona
y Llorona.
El festival se completa con las com-pañías
llegadas desde Aragón, Balea-res
y Galicia. Paria es un micro-teatro
de títeres que presenta el aragonés Cía.
Javier Aranda en la que se pone en es-cena
la marginación y la degradación del
ser humano mientras que Hamlet
Party, una adaptación libre del
la universal obra de Shakespea-re
se acerca desde Baleares en
una producción del Festival Jardí
Desolat, que con un lenguaje ágil
y música en directo se representa
la conocida tragedia pero a par-tir
de la realidad política y social
actual. Y desde Galicia, Licenciada
Sotelo e Compañía y el solo de
danza contemporánea Métanse en
nos seus asuntos, un trabajo que
se mueve entre la evocación de lu-gares
comunes y la exposición de
la privacidad planteado la implica-ción
o desentendimiento del que
mira o asiste a un acto público y
cuestionando la pasividad ante los
acontecimientos ajenos.
Pero además de las represen-taciones
iber_ae ha organizado
una serie de actividades paralelas
como el galardón Reconocimien-to
iber_ae a la trayectoria que el
año pasado fue para la bailarina
cubana Alicia Alonso y este año
para el bailarín Julio Bocca; la ex-posición
titulada ‘En el escenario
del tiempo’ del fotógrafo de esce-na
Gerardo Sanz, la presentación
del sistema de taquilla inversa
‘Pay after show’ y las denominadas ‘Se-sión
montajes’, actividades específicas
orientadas al público adolescente para
conocer sus demandas en el campo de
las artes escénicas.
Organizado por la empresa de gestión
cultural, distribución y producción de Ar-tes
Escénicas laClac arts management,
iber_ae “aspira a consolidarse como un
espacio imprescindible de exhibición, pro-yección
nacional, intercambio y negocio
para las Artes Escénicas Iberoamericanas
en Madrid, con especial interés en los
nuevos lenguajes escénicos.

37. 3
artez
04-05 | Presentación general
06 | Teatro de movimiento
07 | En la calle
08 | Chile y Uruguay
09 | Centroamérica
10 | Colombia y Bolivia
11 | EE.UU. y México
12-13 | Teatro español
14-15 | Encuentro y foro
Este suplemento acompaña a la revista
Artez 200 de Octubre 2014
Portada:
Fotografía de la obra ‘B.Flowers’
de la Compañía de Marta Carrasco
www.artezblai.com
Elegir y acertar
Este es el saludo de un forofo. Estamos en
la edición vigésima novena del Festival Ibe-roamericano
de Teatro de Cádiz. El famoso
FIT de Cádiz. Y llevo años señalando la im-portancia
de la cita, el esfuerzo que se reali-za
desde la organización para que pese a los
recortes presupuestarios, la programación
mantenga la dignidad necesaria para seguir
siendo un marco de referencia. El equilibrio
entre las propuestas, tanto en su formato o
de entidad escénica, como de descubrimien-to
de dramaturgias nuevas o la reafirmación
de las más consolidadas de ambos lados, en
igualdad de condiciones, le dotan de una sin-gularidad
inequívoca. Se ha abierto a la calle,
a otros lenguajes, a otras experiencias de co-municación
teatral.
Pueden sonar retóricas estas considera-ciones,
porque está claro que en su misma
existencia y nombre tiene condicionado su
contenido, pero hay muchas maneras de bai-lar
el tango o de cantar un blues. Y es en el
histórico de este FIT donde están las claves
para entender su discurso. No con los titula-res
y las poéticas de la mercadotecnia, sino
repasando sus programaciones, los grupos y
compañías que han traído por primera vez, o
que han insistido en su presencia hasta ha-cerlos
habituales y visibles para ese mundo
oscuro de los responsables de programación
de teatros, salas o festivales que no se quie-ren
enterar de la fertilidad creativa actual
iberoamericana.
Este es otro tema, pero, perdonen, es par-te
del tema. Me parece que por ignorancia,
negligencia, complejo o desconsideración se
pierden posibilidades programáticas de gran
significación e importancia. No digo más, por-que
esto es una Fiesta, y vamos a celebrarlo,
de verdad. Miren lo que se ofrece y elijan bien.
No quiero intervenir en sus gustos, pero hay
tanto y tan variado que seguro que aciertan.
Carlos Gil Zamora

38. 4
La cuadratura del círculo
programático
Del 17 al 25 de octubre se celebrará la vigésima
novena edición del Festival Iberoamericano de Tea-tro
de Cádiz, que una vez más reunirá tal y como
destaca su director artístico Pepe Bable “algunas
de las compañías más significativas del espectro
Iberoamericano actual” con agrupaciones venidas
desde once países distintos tales como Bolivia,
Brasil, Colombia, Costa Rica, Chile, El Salvador,
EE.UU, México, República Dominicana y diversos
puntos de las península Ibérica. Una vez más, El
Gran Teatro Falla, Teatro del Títere La Tía Norica, la
Central Lechera, ECCO Espacio de Creación Con-temporánea
artez
de Cádiz así como diversos espacios al
aire libre de la ciudad acogerán a las 23 compañías
participantes que ofrecerán un total de veinticuatro
propuestas y treintaisiete actuaciones.
Bable señala que “el FIT fiel a su carácter y siguien-do
su esquema habitual, la presente edición agluti-nará
manifestaciones heterogéneas y espectáculos
donde la dramaturgia actual y los nuevos lenguajes
son su eje principal, y temáticas y estéticas en co-
rrespondencia con las actuales artes escénicas iberoamericanas”. El
programa incluye propuestas de ballet clásico, danza flamenca y con-temporánea,
montajes de títeres, performances, trabajos de teatro
contemporáneo, teatro para público infantil, teatro musical, teatro-circo
y teatro de calle.
Asimismo, como uno de los ejes temáticos de la programación y con
motivo de la celebración del 450 aniversario del nacimiento de Wi-lliam
Shakespeare, se podrá disfrutar de adaptaciones, a través de
lenguajes contemporáneos, de varias de sus obras. Entre las que se
encuentran, Otelo de los chilenos Viajeinmóvil, Romeo y Julieta de
Aramburo de los bolivianos Kiknteatr, y dos del Macbeth, Mendoza
de los mexicanos Los Colochos o la versión de Juan Cavestany diri-gida
por Andrés Lima. El programa también acoge espectáculos que
adaptan otros textos universales como Miss Julia versión bilingüe de
J. Adaraiza sobre la original ‘La señorita Julia’ de Strimberg, Tebes-land
de Sergio Blanco, adaptación de Edipo o En un lugar del Quijote
versión de teatro musical de Yayo Cáceres a partir del texto de Cer-vantes
de manos de la compañía Ron Lalá.
Y por supuesto, también se da cabida a obras que cuentan con dra-maturgias
originalmente propias como la de la compañía chilena

39. 5
artez
Nuestra y su María Teresa y Danilo escrita por Ca-therinne
Bossans quien también dirige y actúa en
la obra, Al pie del Támesis de Mario Vargas Llosa
escenificado por la compañía estadounidense afin-cada
en Miami, Teatro Avante, Cuarteto del Alba
texto teatral original de Carlos Gil Zamora puesto
en escena por Laurentzi Producciones, Los más
solos de Egly Larreinaga y Luis Felpeto de manos
de Teatro del Azoro y Nidos de Ana Gallego y Ángel
Sánchez de la compañía vallisoletana Teloncillo.
Haciendo referencia a los nuevos lenguajes la
performance estará presente con la presencia de
agrupaciones como Teatro Abya Yala de Costa Rica
y su pieza El Patio o Pez Limbo que mostrará varios
trabajos, ¿Espinazo o callos? propuesta de micro-teatro
y Lana espectáculo de calle sin texto. Otros
montaje de calle vendrán de la mano de El Espejo
Negro que representará su mítico montaje La ca-bra
, Try Teatro Banda que mostrará Afrochileno, la
compañía brasileña Primeiro Acto que dará a co-nocer
Pequenos atos de rua así como Big dancers y El Carromato o
Compañía Teatrapo y Sfera.
La danza tendrá una amplia representación en esta edición del FIT
con la participación de la Compañía de Antonio Canales y su Mone-da
de dos caras un trabajo, la coreógrafa y bailarina catalana Marta
Carrasco y su b.flowers, la Compañía Nacional de Danza de la Re-pública
Dominicana y su Caribe deluxe y la coproducción A+A de el
violinista Ara Malikian y Ángel Corella.
Cada edición el FIT distingue la labor de proyectos o figura de crea-dores
o personalidades pertenecientes a las Artes Escénicas, y este
año rendirá un homenaje al citado coreógrafo y bailarín Ángel Co-rella,
figura destacada y con proyección internacional de la danza
clásica moderna.
Asimismo, este año se hará entrega del XV Premio FIT de Cádiz-
Atahualpa del Cioppo al Festival Iberoamericano de Teatro de Bo-gotá
(FITB), uno de los mas grandes y espectaculares festivales que
cada dos años convierte a la capital colombiana en un punto de refe-rencia
de las artes escénicas iberoamericanas y mundiales.

40. 6
Variedad de lenguajes del
movimiento
artez
fusiona la danza, el teatro, el canto con la violencia, el lirismo, el humor
y una relación directa con el espectador, dando vida a esta propuesta
que muestra que el Caribe es víctima de su belleza. La pobreza como
un arma letal hace de este paraíso un paraíso saqueado. Y a pesar de
esta situación la alegría, el afecto, el sentido común, el disfrute verda-dero
de la vida y la relación visceral con el cuerpo sobreviven en el filo
del paisaje.
A+A da nombre a la la pieza creada por el coreógrafo y bailarín Ángel
Corella y el célebre violinista Ara Malikian, para la que también cuentan
con los primeros bailarines de Barcelona Ballet, Dayron Vera, Carmen
Corella, Kazuko Omoi y Russell Ducker, y la participación de miembros
de la orquesta de cuerda La Orquesta del Tejado. El espectáculo consta
de dos partes, la primera está dedicada a Tchaikovsky; todos los artis-tas,
bailarines y músicos, desgranan a través de la pieza “Souvenir de
Florencia”, la belleza plástica del movimiento clásico en perfecta co-munión
con la música intemporal. Las piezas elegidas para la segunda
parte reúnen el atractivo de ser muy dispares entre si, pero todas ellas
pertenecen a compositores contemporáneos. Ambos tienen la base de
su existencia en un objetivo común; el de acercar y popularizar tanto el
ballet, como la música, y demostrar que tanto ésta como la danza, son
intemporales y pertenecen a la cultura universal.
El riesgo y la contemporaneidad siempre acompañan las piezas de
la coreógrafa catalana Marta Carrasco que en esta ocasión propo-ne
B.flowers, su décimo trabajo, en el que la propia Carrasco ade-más
de crear y dirigir interpreta junto a Anna Coll, Majo Cordonet.
Un montaje de danza-teatro que rebosa ironía, precisión y sarcasmo
que incide en la idea de la resistencia, siempre con el inconfundible
estética desbordante de la creadora catalana, uno de los exponente
renovadores de la danza actual.
Se podrá disfrutar de un mayor números de pro-puestas
de danza que en la pasada edición siendo
la variedad otro de las características a destacar.
El Gran Teatro de Falla acogerá casi todas ellas a
excepción de Pequenos atos de rua, coreografía de
Suely Machado, de los brasileños Grupo de Dança
Primeiro Ato que se inspira en los cuentos y en el
realidad de la magia de lo cotidiano. El trabajo de
los bailarines se centra en la creación de los actos
y en el desarrollo del trabajo, buscando acercar al
público la identificación y trascendencia de los mo-vimientos.
La compañía de Antonio Canales además de ser el
primero de los grupos de danza en actuar se en-cargará
de inaugurar el propio FIT, el día 17 de oc-tubre,
con su nuevo montaje Antonio Canales, una
moneda de dos caras, un espectáculo puramente
flamenco en sus conceptos y maneras, un des-carnado
y sincero autorretrato, donde se mezcla
su faceta más genuina como intérprete con la del
bailaor que siempre le acompaña. Se podría des-cribir
como un monólogo sobre los desencantos de
la vida, sobre el que se asienta esta arriesgada y
novedosa propuesta, donde el actor/bailaor se ex-playa
sobre los hermosos versos y canciones del
maestro Quiroga y León.
Desde la República Dominicana acudirá la Compa-ñía
Nacional de Danza para escenificar Caribe De-luxe
. Marianela Boan ha creado esta coreografía que
B.flowers
Antonio Canales, una moneda de dos caras
Pequenos atos de rua

41. La cabra ©Jorge López Vital Afrochileno
7
artez
La Plaza de la Catedral, la del Palillero, de Falla,
la Central, San Antonio o el Mercado Central serán
los escenarios exteriores elegidos para acoger las
propuestas de calles previstas dentro de la progra-mación.
Una de ellas será La Cabra de El espejo
negro todo un clásico de la compañía malagueña
en la que interpretan una troupe de marionetistas
gitanos que irrumpen en medio de la calle entre
palmas y música de raza, abocados al arte de la
calle buscándose la vida pidiendo con desparpajo a
la gente.Cantes flamencos, discotequeros, y autén-ticos
zapateados sobre cajas de cartón realizados
por ‘la cabra’ y la abuela de la familia, auténtica bai-laora
de goma-espuma, pegamento y fieltro, en un
sigular cuadro flamenco.
Por su parte los chilenos Try Teatro Banda presen-tan
Afrochileno.propuesta de carácter juglaresco
dirigida a toda la familia. Un montaje que conjuga
teatro, música en vivo, baile, dinamismo e investi-gación
histórica. Cinco actores músicos en escena
cuentan el relato de Bebelumba, un joven africano que es capturado
en Angola, su país de origen, y trasladado a América donde es vendi-do
y llevado como esclavo a una hacienda de la zona central de Chile.
Allí tendrá que luchar en la independencia de Chile para ganar su
libertad y luego trabajará en la ciudad para poder comprar la libertad
de su amada, una esclava africana.
Entre las propuestas de calles también se podrá disfrurtar de Big
dancers de la compañía gaditana El Carromato.performance itine-rante
con marionetas gigantes danzando e inundando las calles de
música en la que durante la noche destacan impactantes efectos de
iluminación que dan vida a las marionetas y por el día se visten de
colorido.
Por último, Teatrapo escenificará Sfera, un montaje multidisciplinar
con acrobacias aéreas, teatro visual, danza contemporánea, manipu-lación
de elementos acompañado de técnica visual y efectos especia-les.
El lenguaje poético aborda la relación insostenible de Hombres y
la Biosfera con un claro mensaje ecologista y naturalista y lanza un
mensaje contundente hacia el hombre víctima de su propia estupidez
mostrando la relación caótica y desequilibrada entre éstte y la Madre
Naturaleza.
Propuestas
abiertas
que dan
vida a las
calles
Big dancers Sfera

42. 8
Dos de las compañías chilenas más destacadas
de la actualidad acudirán a Cádiz para mostrar
sus últimos trabajos. Se trata de Viaje Inmóvil y
Nuestra. La primera, capitaneada por Jaime Lor-ca
quien fuera miembro de la veterana agrupación
La Tropa durante 18 años hasta crear esta nueva
compañía en el 2006 que funciona como colectivo
conformado por actores, músicos, escenógrafos,
diseñadores, productores y técnicos, viene a pre-sentar
artez
una versión de Otelo de Shakespeare. En
este su quinto montaje utilizan nuevas configura-ciones,
fusionando el trabajo actoral y la manipu-lación
de marionetas y objetos, combinan realidad
con fantasía, el humor y la tragedia, lo antiguo y lo
contemporáneo dando cuerpo a su propio lengua-je
escénico. Esta adaptación pone el acento en el
carácter ‘popular’ que caracterizó a la obra desde
sus primeras presentaciones en 1604 y que con el
paso del tiempo fue perdiendo. Para ello, utilizan
combinaciones y nuevas configuraciones: seres
humanos y marionetas, realidad con fantasía, el
humor y la tragedia, lo antiguo y lo contemporáneo
y elementos mínimos.
La compañía Nuestra, creada en 2008, presenta
su cuarto montaje María Teresa y Danilo basado
en el texto de Catherine Bossans donde pone de
manifiesto los problemas de la educación desde la
mirada de los profesores. Dirigida por Sofía Gar-cía
Oportot y protagonizada por Andrea Munizaga
Dos de Chile; una
de Uruguay
Ramírez, Etienne Jean Marc Vandoorne y la propia autora la obra
refleja la cruda realidad en la que se desenvuelven los profesores en
Chile, dejando en evidencia las paupérrimas condiciones laborales y
salariales a las que se ve sometido el gremio. Desde esta visión se
narra la historia de una maestra con un hijo que desea seguir sus
pasos. Con humor se va desvelando como los sueños de un joven se
con el desencanto de su madre tras ejercer la pedagogía durante
dos décadas. En resumidas cuentas María Teresa y Danilo es una
obra que busca reivindicar la necesaria y criticada labor de los pro-fesores,
demostrando la ironía entre lo que significa ser formador
de personas e hijos de un país, pero que no cuenta con la retribución
monetaria necesaria para poder financiar una adecuada educación
para su familia sin tener que endeudarse.
El parricidio en escena
Otra realidad incomprendida, en este caso el parricidio es el tema cen-tral
de Tebas Land obra escrita y dirigida por Sergio Blanco y llevada
a escena por la Compañía Complot de Uruguay. Escrita y creada espe-cialmente
para ser representada en el Teatro San Martín de Buenos
Aires, la obra de Blanco revisita algunos de los textos clásicos más
destacados que abordan el tema del parricidio como ‘Edipo Rey’ de
Sófocles, ‘Los hermanos Karamazov’ de Dostoievski y ‘ Un parricida’
de Maupassant y Dostoievski aunque no con el fin realizar un home-naje
literario sino con el objetivo de proponer un verdadero desafío
de “parricidio escénico”. Y para llevar a buen puerto toda esta idea,
Blanco parte de los encuentros que tienen lugar en una prisión entre
un joven parricida y un dramaturgo que busca escribir la historia de
ese parricidio aunque poco a poco, la obra irá tomando otro rumbo y
tomará protagonismo la representación escénica de los mencionados
encuentros lo que generará a su vez un cambio en la cuestión inicial
de la obra “¿cómo es posible matar a alguien?” para reemplazarla por
otra no menos difícil: “¿cómo es posible representar a alguien? De esta
manera Tebas Land se aleja de la dimensión ética del parricidio para
concentrarse en las posibilidades estéticas de su representación y po-der
finalmente ofrecer una tesis sobre el acontecer teatral.
Otelo
María Teresa y Danilo
Tebas Land

43. El patio Los más solos
9
artez
Víctimas del sistema desde la
realidad centroamericana
La propuesta escénica de los costarricenses Teatro
Abya Yala, El Patio es el resultado de una explora-ción
escénica sobre lo qué es ser hombre, sobre la
masculinidad aunque lejos de pretender contestar a
preguntas como ¿Cuán encerrados estamos dentro
del sistema patriarcal que nos ha criado para ser
proveedores, autoritarios, agresivos? ¿Cuántos pa-peles
distintos actuamos durante el transcurso de
un día, de una vida? ¿La masculinidad misma –o el
género del todo– existe o es un resultado de una
serie de actos repetidos que hemos asimilado des-de
la juventud? tiene como objeto colocarlas jun-tas
para que “desde la energía de su conjugación,
surjan otras inquietudes más frescas” detallan los
miembros de la compañía.
Con dramaturgia de Oscar González, David Korish
y Janko Navarro, dirigida por el propio Korish e in-terpretada
por González y Navarro, en El Patio los
miembros de la compañía afirman experimentar
“un proceso de flujo entre lo personal, lo teórico y lo
práctico (...) dónde a través de estrategias de impro-visación
se dejamos perder con la pregunta ¿qué es
ser hombre?. La forma que abrazamos es una es-pecie
de “espejismo caótico”, en el cual, algún as-pecto
de la relación entre dos hombres se refracta
en el espacio por una vida breve y luego desaparece. De esta manera
y sin afirmar ningún punto de vista como único, ni siquiera el género,
vamos agujereando eso que llamamos “hombre”.
La cárcel, reflejo de la sociedad
Egly Larreynaga y Luis Felpeto son los autores de Los más solos, una
especial propuesta escénica llegada desde El Salvador en la que se
utiliza la locura de cuatro condenados a prisión, enfermos mentales
y abandonados, como metáfora para hablar de una sociedad violenta
y desquiciada. El punto de partida de la obra que presenta Teatro del
Azoro está en un artículo publicado en el periódico digital El Faro con
el titular ‘La Caverna de Choreja’ y la posterior investigación de nueve
meses de duración en el interior del ala penitenciaria del hospital
psiquiátrico por parte del grupo de actrices de la compañía. La his-toria
de Víctor, Cerebro, Choreja y Levy, cuatro condenados enfermos
mentales, pertenecientes todos a la generación que sufrió en su ju-ventud
una guerra civil en El Salvador es el “pretexto” para hablar de
una realidad oculta.. El sistema que los empujó hasta esa situación es
quien olvida ese lugar siniestro donde hacinados comparten el día a
día que para algunos serán los próximos treinta años. Un espectáculo
que convierte al público en visitante de esta cárcel-manicomio, que
ofrece un viaje al horror de una realidad siempre oculta; una opor-tunidad
de conocer las terribles condiciones en las que viven estas
personas, sus miedos, ilusiones y sobre todo su soledad.

44. 10
Visión colombiana de Strindberg y
boliviana de Shakespeare
El dramaturgo y actor de la SITI Company J. Ed Arai-za
se ha encargado de la adaptación de Miss Julia
de August Strindberg junto al colombiano Jhon Alex
Toro, la Artista Internacional de Teatro Tina Mitchell,
la actriz colombiana Gina Jaimes, la violinista esta-dounidense
artez
Helen Yee y el director de escena Italiano
Lorenzo Montanini. Llevada a escena por los colom-bianos
Vueltas Bravas Producciones, esta adapta-ción
ubica la historia en la noche de San Juan en una
Colombia rural, una noche en la que Miss Julia y el
sirviente Juan tienen un encuentro que cambiará sus
vidas para siempre. Y es que a partir de ese encuen-tro
Juan tratará de levantarse de las profundidades
de su existencia servil mientras que Miss Julia in-tentará
escapar, por todos los medios que están a
su alcance, de las ataduras y constricciones de la
vida de la clase alta a la que pertenece y a la que no
encuentra ningún sentido. Todo este conglomerado
de luchas y sentimientos tienen como resultado una
obra de aproximadamente una hora de duración en
la que el amor, la lujuria y la lucha de clases se con-vierten
en protagonistas y llegado el momento la his-toria
se torna violenta hasta llegar el caso de parecer
que tanto sus personajes como la propia situación se
encuentran fuera de todo control.
El turno de Shakespeare
La compañía boliviana Kiknteatr ofrecerá su particular visión de
‘Romeo y Julieta’ quizá la obra de amor romántico más conocida
de todos los tiempos bajo el título Romeo & Julieta de Aramburo.
No es la primera ocasión que Diego Aramburo adapta una obra de
Shakespeare, ya lo hizo con un Hamlet boliviano-andino ubicado en
las áreas periféricas de las grandes ciudades.
Ahora este ‘Romeo y Julieta’ se sitúa en un área boliviana suma-mente
urbana, y aguarda una tercera obra que cierre el círculo. En
esta particular versión de la obra de Shakespeare Aramburo trabaja
la intimidad del conflicto de los jóvenes amantes, desde el relativis-mo
y hasta nihilismo de nuestros tiempos y se cuestiona preguntas
de la índole de “¿Cómo es el amor actualmente? ¿Cómo son los
adolescentes de nuestros días? ¿La “insalvable rivalidad” de esa
historia, o de cualquier otra, es el conflicto detrás de historias como
éste y otras, o es apenas una cortina de humo que no nos deja ver
el verdadero trasfondo detrás de tantas tragedias sobre todo de la
juventud?
Estas dudas planteadas por Aramburo son el eje central de su pro-puesta
escénica en la que el propio Aramburo junto a la actriz Camila
Rocha dan vida a los dos jóvenes enamorados que protagonizan esta
versión radical y extrema que va mucho más allá que “una “simple
ambientación de la obra a nuestro tiempo”, aclara Aramburo, quien
asume las labores de adaptador, director y actor en este montaje
Rolmeo & Julieta de Aramburo
Miss Julia

45. 11
artez
Obras de un premio nobel y del
gran autor universal
Mario Ernesto Sánchez dirige Al pié del Támesis
obra de Mario Vargas Llosa que ha llevado a escena
la compañía Teatro Avante de Miami. Julio Rodríguez
y Marilyn Romero dan vida a los personajes Chispas
Bellatín y Raquel Saavedra que sobre el escenario
serán los responsables de narrar los que en princi-pio
debían ser los temas centrales de la historia, la
amistad, la forja de una identidad como un acto vital
creativo y rebelde, los rituales y maleficios del sexo
en la secreta vida de las personas aunque al escri-birla
a su autor se le fue imponiendo un asunto que
le ha apasionado de manera recurrente, “la ficción
y la vida, el papel que aquella juega en ésta, la ma-nera
como una y otra se alimentan, confunden, re-chazan
y complementan en cada destino individual”
explica Vargas Llosa para añadir que “sin duda, el
escenario es el espacio privilegiado para represen-tar
aquella magia de que está hecha también la vida
de la gente: esa otra vida que inventamos porque no
podemos vivirla de verdad, solo soñarla, gracias a
las esplendorosas mentiras de la ficción”.
Macbeth “a la mexicana”
Desde México llega un Shakespeare, la adaptación
que de ‘Macbeth’ han realizado los dramaturgos Antonio Zúñiga y
Juan Carrillo, Mendoza y que llega a los escenarios de la mano de
Los Colochos Teatro bajo la dirección de Juan Carrillo de quien partió
la idea de esta adaptación.
Mendoza es un ‘Macbeth’ “a la mexicana”, es una obra que traslada
la acción de todos sus pasajes hasta la época de la Revolución Mexi-cana
colocando ante el público a Mendoza, un importante guerrillero
que se encuentra con una bruja tras una decisiva batalla y esta le vati-cina
que ascenderá a puestos de mando muhco más importantes.
Las predicciones de la bruja se cumplen más rápido de lo que Men-doza
pudiera imaginar lo que hace que desee el cargo de Gobernador,
ostentado por su amigo Montaño. Rosario, la esposa de Mendoza in-cita
de manera constante y persuade a su marido para que no ceje
en sus propósitos de logarra sus ascensos y tras asesinar a Montaño
comienza una serie de matanzas con el fin de librarse de todo el que
teme, puede estar en su contra.
Pero Mendoza vuelve a encontrar a la bruja de antaño que le asegura
que no debe temer a la muerte a no ser que se cumplan tres profe-cías
que parecen improbables... Mendoza seguro de su suerte decide
continuar con sus crímenes ejecutando incluso a toda la familia de
Esparza –un antiguo compañero de batalla– tras enterarse que éste
ha decidido darle la espalda. Tras este hecho, Esparza decide ven-garse
de jna manera brutal con lo que las circunstancias cambian
y las profecías que según la bruja difícilmente podían suceder... se
cumplen y llevan a Mendoza a la derrota más absoluta.
Los Colochos
Al pié del Támesis

46. En un lugar del Quijote Espinazo o callos
12
Juan Cabestany se ha encargado de la adaptación
de ‘Mácbeth’ de William Shakespeare que se pre-senta
bajo el título de Los Mácbez y que dirige An-drés
Lima para la coproducción de Siamesas, Ca-rallada
Show, Mama Floriana y Asuntos Culturales.
Esta versión libre del clásico de Shakespeare abor-da
al igual que el original temas como la codicia y
la ambición de poder pero ubica la historia en la
Galicia de hoy día. Carmen Machi y Javier Gutiérrez
dan vida al matrimonio protagonista de esta adap-tación
artez
que ha tratado de conservar la retórica de
Shakespeare, y los temas de la sangre, el tiempo,
la oscuridad o la animalización que se reflejan en el
original para intentar dar respuesta a una pregunta
como ¿hasta dónde es capaz de llegar un ser huma-no
para conseguir lo que ambiciona?
Otra adaptación de un clásico, en este caso de la obra más universal
escrita en español, ‘El Quijote’ de Cervantes sube a los escenarios
como En un lugar del Quijote, una coproducción de Ron Lalá y la
Compañía Nacional de Teatro Clásico. Yayo Cáceres dirige este es-pectáculo
en el que el teatro, la música interpretada en directo y el
humor son las principales herramientas para experimentar con “toda
la gracia, la magia la rebeldía, la tristeza y la hondura de esta obra
inmortal” y ofrecer “una visión profunda, iconoclasta y viva del Quijote
más cervantino y el Cervantes más quijotesco”. Y todo ello en una
biblioteca imaginaria en la que el hidalgo Alonso Quijano recrea sus
maravillosas hazañas como caballero andante mientras Miguel de
Cervantes escribe su obra maestra...
Laurentzi Producciones se presenta ante el público con una obra es-crita
por Carlos Gil, Cuarteto del alba, una propuesta escénica dirigi-da
por Lander Iglesias en la que Maiken Beitia, Ricardo Moya, Gotzon
Sánchez y Valery Tellechea dan vida a “cuatro entes escénicos como
Una amplia
mirada a
la escena
española
más actual y
contemporánea
Seis espectáulos de otras tantas compañías llegadas desde diversos puntos del Estado presentarán
sus últimas propuestas escénicas, dos de ellas adaptaciones de clásicos universales como ‘Los Ma-cbez’
y ‘ En un lugar del Quijote’, la obra teatral de Carlos Gil ‘Cuarteto del alba’, una escalofriante
historia, ‘Espinazo o callos’ y espectáculo dirigido al público infantil y familiar ‘Nidos’.
Nidos

47. 13
artez
denomina el autor de la obra a los actores que deben
ir incorporando una gran cantidad de personajes no
siempre definidos por sus rasgos psicológicos, sino
por su simbolismo o significado más allá de lo obvio,
se convierten en una voz coral que va describiendo
una generación que se proyecta en el presente como
una plataforma hacia el futuro”. Esta es una obra de
una textualidad de gran carga poética “que la colo-ca
en una órbita que escapa a estructuras conven-cionales,
pero que posee una innegable fuerza en
sus imágenes. El montaje propone con un lenguaje
escénico moderno, multidisciplinar, muy físico, un
paseo emocional por las cenizas de algunas de las
utopías vivenciales de una generación, expresado de
tal manera que tiende un puente en el tiempo para
declararse universalmente como discurso actual,
vivo, de futuro”.
Raúl Camino y Begoña Matín Treviño dan vida a
los personajes de Espinazo o callos de la tam-bién
compañía vasca Pez Limbo. Ante el público
una mujer en aprietos. Esta angustiada y decide
Los Mácbez
acudir a su carnicero de confianza para pedirle un favor poco co-rriente.
La situación se convierte más comprometida si cabe por la
presencia de otras personas que pasarán a convertirse en testigos
de lo que puede convertirse en una carnicería improvisada... una
historia de humor traidor, con mucha acidez pero también llena de
ternura y poesía.
Las propuestas de sala de compañías estatales se completan con
una obra dirigida a niños y niñas de hasta tres años, Nidos un
espectáculo-árbol cargado de objetos y magia de Telloncillo Teatro
compañia reconocida con el Premio Nacional de Artes Escénicas
para la Infancia y la Juventud 2013 Esta obra, galardonada con el
Premio al Mejor Espectáculo de primera infancia FETEN 2014. es un
espectáculo musical con poemas, canciones, sonidos, trinos y rui-dos
de alas; los sonidos del bosque invaden el espacio y envuelven
el ambiente para que este público tan especial pueda pasar un buen
rato bajo ese árbol en el que habitan seres y enseres igual de espe-ciales.
Olerán a tomillo, comerán frutos del bosque, viajarán con la
cigüeña, soñarán con el mirlo... una delicada y divertida propuesta
para jugar, volar y soñar entre telas y arañas, hebras y culebras...
imaginarias. Una obra creada e interpretada por Ana Gallego y Án-gel
Sánchez sobre poemas de Carlos Reviejo y Gloria Fuertes.
Cuerteto del alba

48. 14
Ese lugar donde se empodera el
análisis y la crítica
En paralelo al programa de exhibición, el FIT orga-niza
artez
todos los años actos complementarios, mu-chos
de ellos con años de andadura y un importante
hueco en el panorama de las artes escénicas ibe-roamericanas.
Es el caso del Encuentro de Muje-res
de Iberoamérica que se desarrollará del 17 al
19 de octubre y que este año cumple su mayoría de
edad, su décima octava edición y se presenta con
novedades ya que pasa a ser coordinado por Ma-riana
González Roberts y este año gira en torno al
tema denominado ‘La piel de la serpiente. Poéticas
de transformación’
Estos encuentros, surgidos a propuesta de la dra-maturga
Margarita Borja hace diecisiete años y que
en un principio acogían ponencias en las que las
creadoras invitadas compartían sus experiencias
de trabajo en diversos ámbitos y distintos países
fueron ampliándose con talleres, demostración de
trabajos, piezas de pequeño formato, exposicio-nes,
reconocimientos y la inclusión de creaciones
de mujeres dentro del programa del FIT además de
la publicación de las Actas, donde se recogen las
ponencias y demás contenidos e intervenciones
artísticas de cada Encuentro y que constituyen una
herramienta de divulgación, visibilidad y memoria.
Tras la inauguración oficial con la presencia de los
representantes de las entidades organizadoras de los Encuentros co-menzarán
con la inauguración de la exposición ‘Transformaciones’
por Daniela Mazorlo que dará paso al ‘Taller Cos Art - Pedagogía
transformadora en el artista-persona’ que impartirá durante los tres
días la pedagoga, creadora y performer Belle Alzamora. En este taller
se trabajarán desde el método Cos-Art, algunas dinámicas del Body
Wedher, se estudiarán a su vez algunas performances en espacios
urbanos y cada participante se preparará para sentir, a través del
trabajo de la escucha que brinda el cuerpo, ya que experimentando
la escucha hacia una misma, hacia los demás y hacia el espacio se
disminuye la resistencia y se da paso a crear, a construir, a expresar.
Serán muchas y variadas las conferencias que tendrán lugar, todas
ellas desde la experiencia o la investigación de mujeres tanto en el
proceso creativo insitu, como en la gestión de festivales o el estu-dio
de diversos eventos o experiencias. Verónica Moraga, Amaranta
Osorio y Diana Civila, Rocío Solís y Egly Larreynaga, Mariana Araoz y
Marcela Obregón, Lola Proaño, Lola García Espigares y May Serrano,
Suely Machado, Nieves Rosales y Camille Hanson, Vivian Martínez
Tabares, Ana Albadaleko e Inma Díaz Gavira serán las ponentes de
las diversas mesas programadas tres de ellas moderadas por Nerina
Carmona, Alejandra Prieto y Rocío Solís.
Se llevará a cabo también una demostración de ‘El Cuerpo Ausente.
Invisibilidad de las mujeres represaliadas durante el franquismo’ de
The Winged Cranes y el programa denominado ‘La cuarta pata del
taburete: Igualdad de Género y Artes Escénicas, coloquio sobre la
paridad cultural’ donde productoras, gestoras, directoras y directo-

49. 15
artez
res de Festivales y Encuentros e investigadoras del
hecho diferencial de la desigualdad entre hombres
y mujeres en la cultura en los distintos países,
analizan datos cuantitativos y realidades cualitati-vas
e intercambian experiencias de distintos luga-res.
Este año se desarrollarán dos ponencias, una
denominada ‘Temporadas de igualdad’, y otra con
el título ‘Análisis de género de la programación del
Centro Dramático Nacional’ con las que se clausu-rarán
los Encuentros de esta edición.
Otras actividades de singular
relevancia
También tendrá lugar el octavo Encuentro de In-vestigación
Teatral ‘Cruce de criterios’ y el Foro de
Creadores FIT 2014, con la participación de perso-nalidades
relevantes de la formación, la investiga-ción,
la crítica y la práctica de todo Iberoamérica.
Estos encuentros dirigidos y coordinados por el
profesor e investigador cubano Eberto B. García.
Abreu forman parte de la actividad más académi-ca
durante el festival así como la que provoca en
ocasiones los mayores debates. La octava edición
del Encuentro de Creadores se presenta con el leit-motiv
‘Plataforma Teatral de creadores Clásicos y
Contemporáneos: Escrituras, intervenciones, apropiaciones y reescri-turas
escénicas en Iberoamérica’, y “en consonancia con la riqueza
de las propuestas presentadas en el FIT, nuestros diálogos escénicos,
tendrán los siguientes ejes temáticos fundamentales: Clásicos y Con-temporáneos:
variantes y posibilidades de intervenciones, escrituras,
reescrituras y apropiaciones textuales y escénicas; Juegos y subver-siones
de las textualidades y las teatralidades en el encuentro de las
poéticas clásicas y contemporáneas. ¿Nuevos teatros? ¿Nuevos públi-cos?
¿Nuevos modos de producción? y Gestionar, producir y circular
las creaciones escénicas. Estrategias profesionales en la construc-ción
de múltiples variantes para los escenarios culturales y sociales
contemporáneos” tal y como explica el propio García Abreu. Los Foros
de Creadores contarán “con la presencia de los grupos programados
en la muestra del festival, para el análisis y desmontaje de sus pro-puestas,
así como para dialogar respecto a los procesos de creación
y a los proyectos culturales, los contextos y las contingencias sociales
que les sirven de referentes” puntualiza también García Abreu.
Tampoco faltarán las habituales presentaciones de publicaciones de
diversas editoriales y la presentación ante la audiencia iberoamerica-na
de los Encuentros TeVeo, en su décima sexta edición del reconocido
encuentro de teatro para niños y jóvenes a celebrarse este año del 20
al 25 de noviembre en el Teatro Calderón de Valladolid. Y como si todo
esto fuera poco, se podrá disfrutar de la intervención urbana en forma
de mural fotográfico ‘Foto, escoba y cola’ del fotógrafo de escena Ge-rardo
Sanz y del proyecto fotográfico ¡El festival día a día. Fotografian-do
lo efímero’ de la colombiana Sandra Zea.

51. octubre 14
51
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Manresa fiel a sus
tradiciones
La 17a Fira Mediterrània de Manresa
se presenta con diversas novedades
como el cambio de fechas, que de no-viembre
pasa a celebrarse del 9 al 12
de octubre, y una visión renovada, abierta
e inclusiva de la cultura popular y para ello
intentará dar respuesta a la pregunta ¿qué
es la cultura popular hoy día? “Videojuegos
y raíz; artes urbanas y circo; nuevos forma-tos
escénicos, calle y tradición festiva... Todo
esto es la cultura popular de nuestro tiem-po,
sin olvidar aquellos proyectos escénicos
comunitarios que muestran la alta capacidad
de transformación colectiva de la cultura, y
que la conectan con la inclusión social, la
salud o la pedagogía” apuntan desde la or-ganización.
107 compañías y treinta y cinco estrenos
conforman la programación de esta edición
que está dedicada a la memoria de Peret,
quien iba a encargarse de su inauguración y
que correrá a cargo de Revetlla Mediterrània
liderada per la Troba Kung-Fú y la partici-pación
de la banda valenciana Unió Musical
d’Alaquàs, concierto que incorporará una ac-ción
especial de recuerdo hacia el padre de la
rumba catalana. Un año más la Fira apuesta
por las músicas del Mediterráneo con una
gran programación de espectáculos musicales
imposible de abarcar desde estas páginas.
En las artes escénicas destacan espec-táculos
como Tauromàquina de Animal Reli-gion,
la fusión de videojuego y danza verti-cal
de los italianos Venti Verticali, el bailarín
tunecino Hafiz Dhaou (artísticamente Cha-tha)
convertido en un derviche contempo-ráneo
de calle, el funambulista francés Pie-rre
Déaux, el monólogo de fuerte trasfondo
social La noche justo antes de los bosques
que presenta Arsènic Creació además de
una importante muestra de las principales
expresiones de la cultura tradicional y de
raíz de Catalunya como la Banda Unió Musi-cal
de Tarragona, los castellers Minyons de
Terrassa y Tirallongues de Manresa y los
Falcons de Vilafranca.
La Feria incorpora una mirada a la capa-cidad
de transformación social de las artes
escénicas con la presentación de propues-tas
producidas por varios proyectos comu-nitarios
como la versión de La Caverna de
Platón a cargo de la compañía teatroDentro
formada por presos de la Cárcel Cuatro Ca-minos
entre otros. Un año más el Off de la
Fira complementa la oferta oficial musical
con las programaciones Humus Mediterra-ni
–propuestas de música y cultura de raíz
frescas de artistas emergentes– y el VII Con-curs
Sons de la Mediterrània –para grupos
amateurs de música tradicional catalana–.
Cabe destacar también el carácter de
mercado de la fira con las actividades
profesionales que este año incluyen unas
jornadas profesionales con la presencia de
más de 30 ponentes y que girarán en torno
a la premisa “¿Para quien trabajamos? Co-munidad,
participación y nuevos públicos”,
la presentación de 25 proyectos culturales
además del Plan de Acción Internacional
que desarrolla la Feria.

52. 14 octubre L52
Almagro iberoamericano y
contemporáneo
a Veleta y el Teatro
Municipal de Almagro
serán los escena-rios
del XIV Festival
Iberoamericano de Teatro
Contemporáneo de Almagro
que organizado por CELCIT
se celebra del 3 al 19 de
octubre. Esta edición, que
servirá de pórtico para las
celebraciones de los 40 años
del CELCIT que se cumplen en
2015, homenajeará al grupo
Cuatrotablas de Perú en su
40 aniversario que pondrá en
escena dos espectáculos, Los
ríos profundos y La nave de la memoria. La
primera es la versión teatral de la novela
homónima del escritor peruano José María
Arguedas, “el típico romance de iniciación
instaurado por Goethe, le sirve a José Ma-ría
Arguedas para contarnos la historia de
un niño peruano que tiene que pasar de su
adolescencia a la adultez, en un proceso de
mestizaje con ternura, infinita ternura. Es
quizás el más lindo trabajo realizado por
el grupo, a decir de muchos espectadores
peruanos...” explica su director Mario Del-gado
Vásques. Delgado es también el en-cargado
de la dramaturgia y la dirección de
La nave de la memoria de Ricardo Oré, una
síntesis de todas las obras realizadas por
Cuatrotablas en la última década.
También son dos los espectáculos que
presenta la chilena Tryo Teatro Banda, La
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araucana y La tirana, ambas son espec-táculos
de teatro-musical protagonizados
por juglares que narran la aventura de
Alonso de Ercilla y Zúñiga en Chile, du-rante
la Guerra de Arauco, en 1558 en
la primera y la Leyenda de La Tirana la
segunda, ambas escritas y dirigidas por
Francisco Sánchez.
Chilena es también Viajeinmóvil que pre-senta
una versión realizada por Teresita
Iacobelli, Jaime Lorca y Christian Ortega
del Otelo de Shakespeare en la que dos
actores, marionetas y objetos para ofrecer
una obra con el carácter “popular” –que la
caracterizó en sus primeras presentacio-nes
y que fue perdiendo a lo largo de los
siglos– a través de lenguajes escénicos
que propician una nueva mirada del uni-versal
texto. Desde El Salvador Teatro del
Azoro con Los más so-los
de Egly Larreynaga y
Luis Felpeto, una esce-nificación
de la realidad
de cuatro internos en
el pabellón psiquiátrico
del penal de Soyapango
de San Salvador creada
tras meses de investi-gación
que habla sobre
una sociedad enferma y
violenta. Una obra crea-da
en Navarra con ac-tores
vascos y chilenos
Delirios de papel, de La
llave inglesa Teatro, “un
Cuatrotablas
espectáculo sorprendente, un viaje escé-nico
gestual que salta las barreras del lo
racional, para estimular el imaginario y el
espíritu lúdico del espectador”.
Y de este lado del Atlántico son la com-pañía
Micomicón que presenta en Almagro
Santa Perpetua de Laila Ripoll y Cuarteto
del alba, obra escrita por Carlos Gil con
dirección de Lander Iglesias y producción
de Laurentzi. Además la compañía alma-greña
El Taular estrena A house is a home,
una versión libre de la obra ‘Agosto’ de
Tracy Letts; la programación dirigida al
público infantil incluye los espectáculos
Loca ciencia loca de Los Hermanos Flores
y El camarón encantado de Juglar Teatro
y al igual que en ediciones anteriores, el
festival bajará el telón por este año con la
Fiesta de los Juglares del Siglo XXI.
Versión transitoria de Les Translatines
El Festival de Teatro Les Translatines de Baiona y Biarritz tiene una periodicidad bienal por lo que en los años pares organiza una
versión reducida y recordatoria que esta año tendrá lugar los días 9, 10 y 11 de octubre en las dos localidades labortanas y en Anglet.
La cita comienza con el unipersonal Quela de la mexicana Odille Lauría que pone en escena las cartas que novelista mejicana Elena
Poniatowska imaginó escribió la pintora Angelina Beloff y envió desde París a su marido Diego Rivera Mi muñequita de la compañía
chilena La Mala Nueva es fruto del encuentro entre el director francés Adel Hakim, jóvenes actores chilenos y el autor más notable del
Uruguay actual, Gabriel Calderón; un sorprendente diálogo entre una niña y su muñeca que destapa los aspectos violentos e inmorales
de una aparente familia normal.
La programación de este año se completa con la propuesta de los alumnos de la escuela de teatro de Burdeos que realizarán una
lectura dramatizada de la obra Pedro Páramo del autor mexicano Juan Rulfo bajo la dirección de Catherine Marnas y Gérard Laurent y
Théâtre des Chimères que realizará un taller de lectura de la obra ‘Dos hermanas’ de Fabio Rubiano.

53. octubre 14

54. 14 octubre m i s c e l á n e a
54
Festival Temporada Alta
©Mats Bäcker
www. a r t e z b l a i . c o m
Del 3 de octubre al 8 de diciembre tendrá lugar en Girona y Salt la vigésima tercera edición
de Temporada Alta, Festival de Tardor de Catalunya, una edición que destaca por los estrenos
del país, la creación contemporánea y la programación extranjera más relevante. 90 espec-táculos,
con 26 estrenos absolutos y 27 coproducciones, se podrán ver en los 23 espacios de
exhibición de Salt, Girona y otras ciudades. Espectáculos de grandes creadores como Peter
Brook, Krystian Lupa, Alain Platel, Christoph Marthaler, Brett Bailey, Romeo Castellucci, Jan
Fabre o Christiane Jatahy junto a algunos nombres de artistas emergentes europeos e ibe-roamericanos
se intercalan con diversas actividades que convierten al festival en una cita
indispensable con las Artes Escénicas.
La bailarina y coreógrafa Sol Picó es la encargada de dar el pistoletazo de salida con el es-treno
de su nuevo espectáculo One-hit wonders y estreno es también El president de Thomas Bernhard con dirección
de Carme Portacelli y coproducido por el Teatre Nacional de Catalunya, ambos estrenos coproducidos por el festival. El
resto de estrenos tendrán lugar a lo largo del mes de noviembre y diciembre pero el 6 de octubre se celebrará el ‘IV
Torneo de dramaturgia catalana’ en el que se enfrenan algunas de las mejores voces de la escena catalana como Carles
Mallo, Àlex Mañas, Toni Gomila, Iván Morales, Daniela Feixas, Rodolf Sirera, Manel Dueso y Roger Peña. Y durante este
primer mes de festival se podrá disfrutar con los espectáculos de grandes de la escena internacional como I si elles
marxessin a Moscou? de Christiane Jatahy, a partir de ‘Las tres hermanas’ de Anton Chéjov, La carta el clown Paolo
Nani, el Macbeth en forma de ópera y con el conflicto del Congo de fondo de Brett Bailey, El vestit (The suit) de Peter
Brook, Tala (Wycinka) una revisión del texto de Thomas Bernhard por Krystian Lupa o El intérprete que protagoniza
Asier Etxeandia y La máquina de la soledad de Jomy Oligor y Shaday Larios. Els dies feliços de Sammuel Beckett
dirigida por Sergi Belbel, Tebasland de Sergio Blanco y el espectáculo de circo Teixint la pau de compañía sueca de
circo Cirkus Cirkör completa el primer mes del festival.
Festival de Pallassos
Por séptimo año Atalaya-
TNT organiza la Muestra
Internacional de Investi-gación
Teatral, MITIN que
tendrá lugar en el Centro
de Investigación Teatral de
Sevilla del 17 al 26 de oc-tubre.
El estreno absoluto
de La Espera de Teatro de
la Inclusión inaugura esta
edición en la que el teatro social también estará re-presentado
por la Escuela Municipal de Teatro de
Úbeda con una versión de El principito. Este año el
Odin Teatret cumple cincuenta años y Atalaya-TNT ho-menajea
a la actriz y fundadora de la compañía danesa
Else Marie Laukvik que pondrá en escena el emotivo
espectáculo Memoria. Madrecoraje, de Atalaya, las
dos obras de la legendaria Cuatrotablas de Perú, Los
ríos profundos y La nave de la memoria y la copro-ducción
chileno-balear La dulce Ingeborg completan
la programación que dará paso a la sexta edición de
CENIT-Certamen de Nuevos Investigadores Teatrales
que tendrá lugar del 30 de octubre al 2 de noviembre
con espectáculos como 30e tantos osos de Aporia
Teatro, Flores en la cuneta de Maite Tarazona y
Entre todos la mataron y ella sola se murió de Es-tigma
Teatro entre otros.
Tortell Poltrona, Leo Bas-si,
Peter Shub, Housch
Ma Housch y Licedei en-cabezan
la programación
del Festival Internacional de
Pallassos ‘Memorial Charlie
Rivel’, que organiza el Ajun-tament
de Cornellà y que
tendrá lugar entre el 13 y
el 19 de octubre en diversos
espacios del municipio. Este festival, dedicado exclusi-vamente
al género clown convertirá el día 19 el Parc de
Can Mercader en el Parc dels Pallassos con propuestas
de calle de humor durante todo el día y para todos los
públicos y un años más ofrece una programación infantil
y escolar con espectáculos escogidos con mucho mimo
y para cada una de las franjas de edad se elige el mejor
espacio para ofrecer las obras en las condiciones idó-neas
de visibilidad. Este año, el festival rinde homenaje
al recientemente desaparecido payaso Joan Montanyès
‘Monti’ a quien concederá a título póstumo el Premio
Nas d’Or (galardón que distingue aquellas personalida-des
que en su trabajo se han erigido como divulgadores
reconocidos del mundo del payaso), y se presentará el
espectáculo Rhum en el cual estaba trabajando cuando
murió en 2013, una reflexión sobre el oficio de hacer
reír que parte del payaso de principios del siglo XX.
M ITIN en Sevilla
Housch Ma Housch ©Igor Kulinski Atalaya

55. octubre 14

56. 14 octubre S56
e debe ir provisto de un buen or-ganizador
y guía para poder acudir
a todos los eventos, espectáculos,
performances artísticos, teatrales,
de danza, circo o variedades que se pue-den
encontrar por las calles, plazas y par-ques
de Zaragoza durante las fiestas de El
Pilar. Algunas están acotadas, incluso con
rango competitivo como es el Concurso de
Off de Calle que ya ha llegado a la déci-ma
primera edición, y que se trata de una
muestra de espectáculos seleccionados
tras una amplia convocatoria que concur-san
por ganarse un único premio que les
da vía libre para actuar en otros festivales,
fiestas o ferias de teatro de calle de dife-rentes
puntos del Estado español. Así, los
días 7, 8 y 9 de octubre se podrán ver en
la Plaza de San Bruno y el escenario del
Anfiteatro las actuaciones de La Calabaza
(Danza-Clown-Música); Capicúa (Circo);
Antonella D`Ascenzi; Professore Karoli
(Circo); Errabundo Pelele (Teatro títe-res);
Xa! Teatre (Circo-Teatro); Nostraxla-damus
(Teatro comedia); JAM (Clown);
Pea Green Boa (Títeres); La Clandestina
(Circo); Margarito (Clown-Circo) y Punt-moc
40´ (Clown-Circo).
Abiertas las actuaciones a todos los
públicos, un jurado decidirá la obra que
se llevará el premio consistente en la par-ticipación
en la Fira Mediterránia de Man-resa
2015 (Cataluña), la Umore Azoka,
Feria de Artistas Callejeros de Leioa 2015
(Euskadi), en las Fiestas de San Mateo de
www. a r t e z b l a i . c o m
Logroño 2015 (La Rioja) y la FiraTàrrega
2015 (Cataluña).
Teatro de Feria
Por quinto año consecutivo se celebrará
el Festival Internacional de Teatro de Fe-ria.
Parque de las Marionetas, que tendrá
lugar en el parque José Antonio Labordeta
del 9 (sólo tarde) al 13 de octubre. La in-auguración
será una Batukada a cargo de
Samba Da Braça (Aragón). Divido en di-versos
apartados y secciones, en la Zona
del Kiosko, en su Cúpula musical, Che y
Moche (Aragón) presentará su Orquesta
y espectáculo Liquidación por cierre con
mini conciertos de 15 minutos y la par-ticipación
de los solistas Olga Churchich
(Bulgaria); Tracalet Teatro (Galicia); Marta
Cortel (Aragón); Luis Zornoza (Andalucía)
junto a los artesanos Adriana Mazuryzyn
(Argentina); Títeres la Tiendita (Extre-madura):
Etcétera Marionetas (Castilla
León); Grupo Zaragozano de Papiroflexia
(talleres) (Aragón); Librería Antígona
(Aragón); Arbolé Editorial (Aragón).
En La Zona Barracas, el Salón de los
Sueños donde estará Jordi Bertrán (Cata-
Fiestas del Pilar 2014
Las Artes de Calle se hacen
imprescindibles en Zaragoza
Dentro del amplio programa de actividades que la So-ciedad
Municipal Zaragoza Cultural organiza con motivo
de las fiestas de El Pilar que este año 2014 se celebrarán
entre el 4 y el 13 de octubre, la presencia de diferentes
programaciones dedicadas a las artes escénicas realiza-das
en espacios abiertos o habilitados destaca de mane-ra
contundente por su importancia. Se podrá disfrutar
de la décima primera edición del Concurso de Teatro
Off de Calle que se realizará los días 7-8 y 9 de octubre
con actuaciones en la plaza de San Bruno y el Anfiteatro,
lugar donde también se ofrecerán otros espectáculos
de artes de calle a lo largo de todas las fiestas, al igual
que en la Plaza del Pilar-Delegación de Gobierno. El Fes-tival
de Teatro de Feria. Parque de Marionetas que se
realizará en el Parque José Antonio Labordeta, conoci-do
popularmente como Parque Grande, y por segundo
año se podrá disfrutar del proyecto titulado Colores de
Otoño en el Parque de las Delicias.
The best off de Leo Bassi

57. octubre 14
57
www. a r t e z b l a i . c o m
lunya) con No clinc clinc y El vuelo
del Moscardón, títeres corporales
y de objetos. La Carpa Bagdag,
acogerá a La Rous (Andalucía)
con La Casa del Abuelo, títeres.
En Melodías, Hop! (Comunidad Va-lenciana)
con Molinereta, títeres y
marionetas. En el Palacio de los
Prodigios estarán Los Títeres de
la Tía Elena (Aragón), con Millán
Zirkus, a base de marionetas de
hilo. En Cabeza Parlante, Títeres
sin Cabeza (Aragón) presentarán
Diminutivo. Estos espectáculos
con pases a diferentes horas son para ni-ños
y niñas de tres a cinco años.
La Zona Escenario Infantil la inaugura-rá
Teatro_Arbolé (Aragón) con El Poeta y
Platero el jueves 9 de octubre a las seis
de la tarde que se enmarca en los ac-tos
de conmemoración del centenario de
”Platero y yo” de Juan Ramón Jiménez.
Teatro Mutis de Segovia presentará El
Espantapájaros el viernes 10, mientras
que Producciones Viridiana (Aragón) con
Pienso Mesa y digo silla lo hará el día 11.
Los Titiriteros de Binéfar (Aragón) se
presentarán con su clásico Maricastaña,
el domingo 12 y Teatro Plus (Serbia. Bél-gica.
Gelajauziak de Kukai Dantza © Gari Garaialde
Asturias) con ¡Quiero ser Guapa! el
lunes 13 cerrarán las actuaciones en este
espacio.
En la Zona Teatro de Feria, se podrán
ver a El que mal queda de teatre y L’Avalot
Teatre de Cataluña con Los secretos de
Mr. Stromboli, con varias sesiones de vein-te
minutos. Periferia Teatro de Murcia con
Huellas, en sesiones de veinte minutos.
Civi Civiac (Aragón) con El Chistera, ma-gia
para todos los públicos en sesiones de
veinte minutos y Teatro Diadres de Castilla
y León con La Cabeza Parlante también en
sesiones de veinte minutos completan la
oferta en este espacio
En la Zona de Juegos la Cía. Le
Montreur de Francia con Le Mani-puloparc
- Parc de attractions pour
marionnettes. Juegos para todos
los públicos a partir de 3 años.
Y la Cie. L’Arbassonge de Francia
con La Galéjade ofrecerá un itine-rante
con varios pases a lo largo del
día. Espectáculo de calle para todos
los públicos que cuenta con el aña-dido
de apariciones sorpresa.
Parque de las
Delicias
El denominado ‘Colores de otoño’ vuel-ve
en su segundo año para completar su
oferta de diferentes espacios creativos y
de participación diseminados por el Par-que
de las Delicias,
Siguiendo la línea de la edición anterior se
propone la invención y producción de nuevas
actividades convenientemente remodeladas
y adaptadas a un nuevo marco conceptual,
rentabilizando al máximo elementos y mate-riales
propiedad de Zaragoza Cultural. Para
mantener y acrecentar el interés y la curio-sidad
del público asistente, en este proyecto
se actúa sobre tres ejes fundamentales:

58. 14 octubre Partiendo de la evidencia de que
58
la excepcionalidad de una fiesta in-vita
en primer lugar a la diversión y
el ocio, no está de más considerar
que esa misma excepcionalidad es la
ocasión para promover unas actitu-des
ciudadanas y unas experiencias
colectivas que apunten en la direc-ción
de una convivencia sensible a
las diferencias y al entorno y de una
actitud creativa y afable y sobre todo
concienciando sobre la necesidad
del reciclaje.
Para ello todas las actividades son
pensadas y realizadas para que los
participantes puedan interactuar,
observar y disfrutar de los elemen-tos
naturales del parque y que sean
sensibles también a la estación del
año, el otoño, con sus cambios cro-máticos
y atmosféricos. El espacio
del parque y el tiempo del otoño no
están ahí únicamente como marco y
decorado de la fiesta sino que ob-servarlos
y jugar con ellos puede
resultar un ejercicio lúdico paralelo a
una experiencia estética. No se trata
de ocupar el parque sino de vivirlo.
En este sentido es muy importante
que las actividades no queden aisladas
en los amplios espacios del parque
sino que, por medio de una decoración
especial, dan la sensación de continui-dad
al conjunto de la instalación.
Se pretende conseguir un espacio
unitario y global, condensando las
actividades e interconectadas, evi-tando
espacios vacíos entre ellas. Se
proponen actividades de muy diversa
índole, desde talleres artísticos a jue-gos
divertidos, desde actividades físi-cas
a pruebas de habilidad y espectáculos
para público infantil y familiar de todas las
edades.
Todas las actividades se proponen en
áreas de experiencia especialmente intere-santes
para la educación y el ocio infantil:
sensibilidad y creatividad, encuentro con la
naturaleza, coordinación corporal, concien-ciación
con la necesidad del reciclaje y de
sus múltiples usos colaboración en grupo.
Una programación de actuaciones de tea-tro,
danza, narración oral y otras manifes-taciones
escénicas en diversos partes del
parque, más los espacios habilitados para
las experiencia completan esta oferta lúdica.
Otros Espacios
Relevantes
Durante todos los días festivos diversas
actuaciones de artistas de primer orden
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Capicúa
en las artes callejeras se podrán disfru-tar
tanto en el Anfiteatro como en la Pla-za
del Pilar- Delegación del Gobierno. En
el Anfiteatro se podrá ver a la compañía
vasca de larga tradición en la calle y el
humor, muy conocida por los públicos de
Zaragoza, Trapu Zaharra, el domingo 5,
presentando su obra Vive Soñando que se
inscribe en su más puro estilo paradójico,
de un lenguaje sencillo para ser entendi-do
por todos los públicos, y el lunes 6 se
podrá ver a los vitorianos de Pez Limbo
con Lana, un trabajo de comedia con con-tenido
social.
Los días 7,8 y 9 en este espacio del
Anfiteatro tendrán lugar las actuaciones
señalas del Off de Calle y será el día 10
cuando se presente el espectáculo resu-men
del genial clown italiano, Leo Bassi
titulado The best off donde se puede ver la
capacidad de este payaso universal para
difundir un mensaje positivo frente a
las amenazas actuales en el mundo
y hacerlo con coherencia filosófica
y una inusitada facilidad de generar
discursos a través del humor.
Seguirá en este espacio el día 11
la actuación de otro gran payaso,
el catalán Marcel Gros, que encan-dilará
a pequeños y grandes con su
delicado y emocionante espectáculo
titulado Fenomenal.
Otro clown italiano Matteo Gal-buera
presentará The Loser, un es-pectáculo
denominado por el propio
artista como cómico, demencial y
surrealista, el día 12 y cerrará este
ciclo de actuaciones los franceses de
La boca abierta un dúo compuesto
por Anne Kaempf & Lior Shoov
con Une aventure un trabajo de una
gran sensibilidad, musical y lleno
de improvisaciones a cargo de dos
artistas clowns que crean un mundo
delicado y acogedor para todos los
públicos.
En paralelo, en la Plaza del Pilar-
Delegación de Gobierno un programa
popular también de alta calidad que
se abre con las actuaciones de la pa-reja
de payasos catalanes formada
por Toti Toronell y Pepa Plana con su
obra de fusión titulada Despistados
el día 5, un ejercicio en donde lo es-pacial
y lo íntimo se unen para crear
un espacio particular de actuación y
comunicación con los espectadores
de todas las edades.
Los andaluces de Vaivén Circo con
su celebrado dinámico y divertido
espectáculo de nuevo circo titulado
Do not disturb el día 9. Espectáculo
de gran formato, de alto contenido social,
la propuesta de los valencianos de Xarxa
Teatre, uno de los grupos más relevantes
del teatro de calle europeo, con su obra
Papers el día 10, al que seguirá al día si-guiente
el grupo de vasco Kukai Dantza
Taldea que ofrecería una representación
de su majestuoso espectáculo titulado
Gelajauziak, donde la fusión entre las téc-nicas
y lenguajes de la danza tradicional
vasca encuentra un punto de evolución y
síntesis universalista con las coreografías
de Cesc Gelabert.
Cerrarán las actuaciones en este espa-cio
los también valencianos de La Trocola,
con Potted, espectáculo de nuevo circo en
el que sus cuatro componentes se unen
con la intención de crear un espectáculo
único y original basado en la investigación
del espacio, los objetos, las estructuras y
el ritmo.
Despistados de Toti Toronell y Pepa Plana

59. octubre 14

60. 14 octubre A60
La temporada empieza con
fuerza en Bizkaia
demás del estreno de las versiones
en castellano y euskara de El prin-cipio
de Arquímedes de Josep Maria
Miró i Corominas a cargo de Maska-rada,
y del que se da cumplida información
en las páginas 10 y 11 de este número, y de
Cuarteto del alba obra escrita por Carlos Gil y
llevada a escena por Laurentzi Producciones
que se presenta en Bizkaia en el marco del
festival BAD, el Teatro Arriaga de Bilbao ha
programado un espectáculo de teatro más
para el mes de octubre, ÓperaAcción Arria-ga
a cargo de dos compañías bilbainas, Las
Txirenitas y Las Fellini, una obra en clave de
cabaret protagonizada por unas insólitas
“okupas” que han llegado para instalarse en
el escenario del propio Arriaga.
La ópera bufa llega al coliseo bilbaino en
una producción del propio Teatro Arriaga
con original del Rossini Opera Festival de Pe-saro,
L’equivoco stravagante de Gioacchino
Rossini y libreto de Gaetano Gasbarri. Emilio
Sagi, es el director de escena de esta pro-ducción
que se presenta ante el público con
la intervención de la Bilbao Orkestra Sin-fonikoa
BOS y el Coro Rossini dirigidos por
Speranza Scapucci. Y otro espectáculo con
el compositor de Pésaro como protagonista,
En tono’s Rossini, “una gala despampanan-te,
deslumbrante, espeluznante, descacha-rrante
y lírica” en la que el tenor Enrique
Viana descubrirá los secretos de las grandes
óperas de Rossini.
La música es también la protagonista prin-cipal
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de Allegro Vivace de Comediants, un
espectáculo de iniciación a la ópera dirigido
por Joan Font que se presenta en el Teatro
Arriaga en su versión en euskara. A través
de los fragmentos de grandes óperas como
Monteverdi, Purcell, Mozart, Rossini, Doni-zetti,
Berlioz, Verdi, Bizet y Puccini y unidas
por un hilo argumental con el humor como
protagonista, la obra cuenta la historia de
una joven apasionada de la música moderna
que termina descubriendo los tesoros de la
ópera de la mano de un singular personaje.
La Fundición
Junto a la programación dedicada a los
festivales Dantzaldia y BAD, La Fundición
ofrece dos espectáculos de dos compañías
señeras de la denominada escena alternativa
estatal Cambaleo Teatro y Teatro Ensalle. La
compañía que capitanea la sala La Nave de
Cambaleo en Aranjuez, Madrid presenta en
Bilbao una obra escrita y dirigida por Carlos
Sarrió, intérprete a su vez junto a Begoña
Crespo, Eva Blanco, Julio C. García y Antonio
Sarrió de Nunca debimos empezar por ahí.
“Siempre tienes la necesidad de hacer algo.
De que pase algo. De construir algo que sirva
para algo. Siempre tienes algo que resolver.
Algo que decir sobre algo. Construir. Alguna
cosa que perviva. Para siempre. Te levantas
cada día a ver que pasa. Reconstruyes cada
día el mito de Sísifo”. Así se presenta la obra
de Cambaleo Teatro, una obra sobre el pre-sente,
La sombra del Tenorio de Morfeo Teatro
con el golpe de estado financiero y
sus consecuencias en nuestra sociedad.
Teatro Ensalle, encargados a su vez de
gestionar la sala del mismo nombre en Vigo,
Pontevedra, presentan No deberíamos salir
de aquí escrita y dirigida por Pedro Fresne-da,
una obra interpretada por Raquel Her-nández,
Artús Rei, Jorge Rúa que “celebra
lo pequeño, a los héroes derrotados, las
leyendas no leídas, la historia olvidada, las
sucesivas capas de pelo piel carne sangre
y hueso, piedra sobre piedra, la empatía la
necesidad de aproximarnos unos a otros,
la necesidad de celebrarnos, la violencia, la
comida, la bebida, el teatro, la danza, la mú-sica,
el hombre salvaje, el hombre bruto, la
imaginación, la capacidad de invocar convo-car
conjurar, el animal, el ciclo de nacimiento
y muerte…”.
TEATRO BARAKALDO
Dos obras de reconocidos autores suben
al escenario del Teatro Barakaldo en sendas
producciones. Las amistades peligrosas de
Pierre Choderlos de Laclos en una puesta en
escena de Metatarso Producciones dirigida
por Dario Facal y en la que Carmen Cone-sa,
Cristóbal Suárez, Iria del Río, Lucía Díez,
Mariano Estudillo y Lola Manzano dan vida
a los personajes de la célebre historia. La
adaptación de la novela de Humberto Eco,
El nombre de la rosa realizada por Garbi
Losada, quien también se encarga de su

61. octubre 14
61
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Cambaleo Teatro
dirección para La Nave Teatro y Ados Teatroa, las peripecias de
Fray Guillermo de Baskerville y Adso de Melk entre los frailes de la
abadía benedictina del siglo XIV.
Tres obras más en este caso de dramaturgos contemporáneos,
Palabras, de Agurtzane Intxaurraga, una obra de Hika Teatroa
acerca violencia ejercida sobre las mujeres; tres mujeres y una sola
mujer. Tres voces de una sola vida; Continuidad en los parques
de Jaime Puyol dirigida por Sergio Peris-Mencheta; una obra que
disecciona la verdad a través de la veintena de personajes que se
encuentran en el banco de un parque. Y por último la propuesta
de Morfeo Teatro, La sombra del Tenorio de José Luis Alonso de
Santos en la que bajo la dirección de Francisco Negro se recrean
los mejores pasajes del Tenorio de Zorrilla, de la mano de un viejo
cómico moribundo.
El espectáculo de danza Babel en el que la compañía LaMov
ofrece un programa que agrupa tres de las coreografías más es-pectaculares
de su repertorio ‘Consecuencias’, ‘Futile’ y ‘The Gram-mar
of Silence’ y las dos obras dirigidas al público familiar, Enamo-rirse
en la que la payasa Hula y el payaso Piojo intentarán recrear la
trágica historia de amor de Píramo y Tisbe a partir de ‘El sueño de
una noche de verano’ de Shakespeare de PTV Clown y About Ram,
una obra de teatro experimental que se apoya en la animación,
imágenes proyectadas, danza, máscaras y marionetas de la com-pañía
india Kat-Katha puppets completa la programación.
KULTUR LEIOA
El público familiar podrá disfrutar con dos espectáculos en Kul-tur
Leioa, DOT nuevo espectáculo de Maduixa Teatre inspirado
en el artista norteamericano Sol Lewit y en el que la danza, la mú-sica
y las nuevas tecnologías se combinan para ofrecer un mundo
en el que todo es posible y Opera abeslaria de Deabru Beltzak
& Tin Pan Alley, una oportunidad de acercarse al mundo de la
ópera de manera lúdica. Una soprano, una actriz y una cantante
de ópera cuentan y cantan esta historia basada en el cuento ‘Los
secretos del secadero de tabaco’ de August Strindberg. Y dos
son también los espectáculos escénicos dirigidos al público adul-to,
uno de teatro, Feelgood y otro de danza, Cesc Gelabert V.O.+.
El primero, de Teatro Español, Producciones Off y enTRAMA-dos
es una obra escurridiza escrita por Alistair Beaton en la que
se apela a la realidad más cruda y más profunda del ser humano:
la relación del hombre y el poder. Gelaber t Azzopardi Compan-yia
de Dansa presenta tres solos y varias piezas antiguas del
prestigioso coreógrafo y bailarín catalán miembro fundador a su
vez de la compañía.

62. 14 octubre L62
Bocca, Lorca y Marivaux
a obra en euskara
Pankreas abre la tempo-rada
teatral de Donostia.
Escrita por Patxo Telleria
y dirigida por Jokin Oregi, esta
tragicomediacontemporánea en
verso que sube al escenario del
Teatro Principal está interpreta-da
por el propio Telleria junto a
Mikel Martinez y Joseba Apao-laza
y producida por Tar tean.
Otra propuesta en euskara en
este caso presentada en Imanol
Larzabal Aretoa, Salto de Me-trokoadroka
&. J. B. Pedra-das
pone sobre el escenario a
un personaje encerrado en una
sala en conversación con seis
cabezas de maniquies y una sola
frase convertida en obsesión:
“saltar es lo que me diferencia
de los muertos”; un espectáculo
de humor absurdo, un extraño
juego entre códigos escénicos
dirigido por Paco Revueltas.
En el mismo espacio Histrión
Teatro presenta una obra de tintes históri-cos,
Juana, la reina que no quiso reinar de
Jesús Carazo. Gema Matarranz da vida a
esta mujer que sobrevivió a todos los que
la repudiaron dejándola morir lentamente.
Sobre escena una mezcla explosiva de
amor y desamor, ternura, crudeza, dolor
El Mesías de Ballet de Sodre ©Santiago Barreiro
Continúa Dantza Zirkuitoa
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y pasión. También histórica es El lenguaje
de tus ojos o El príncipe travestido de Ma-rivaux
que pone en escena en el Victoria
Eugenia Teatro de la Danza bajo la direc-ción
de Amelia Ochandiano. Un espectáculo
contemporáneo basado en un texto clásico
situado en un hipotético reino de España
que habla sobre todo de la esencia
del ser humano; en palabras de su
directora “una crítica feroz y de-vertida
llena de comprensión hacia
nosotros mismos”. Y en la sala Club
del Victoria Eugenia El espantapá-jaros
de Tabutopía, presenta La
casa de Bernarda Alba, una orma
diferente de presentar a Bernar-da
y a sus hijas como marionetas
dentro de un cuadro de meninas
mezclando elementos de teatro de
máscara y clown pero fiel al texto
de García Lorca.
El uruguayo Ballet de Sodre que
dirige Julio Bocca llega al Teatro
Victoria Eugenia con El Mesías,
una nueva versión de la coreo-grafía
de Mauricio Wainrot basada
en la música de Georg Friedrich
Häendel para la que se han se-leccionado
32 temas del oratorio
y el célebre ‘Aleluya’. Dantzaz
Konpainia retoma esta temporada
sus actuaciones en la sala Club de
Victoria Eugenia y presenta Atalak
XXII mientras que en Gazteszena se ofre-ce
la posibilidad de disfrutar con la danza
contemporánea con En el aire de la Cia.
Cielo Raso. Igor Calonge ha creado esta
pieza basa de la metáfora de un árbol y
el fruto maduro que cuelga de una rama,
dispuesto ya a caer.
La X edición del Circuito de Danza Con-temporánea
impulsado por el Departa-mento
de Educación, Política Lingüística
y Cultura del Gobierno Vasco y coordina-do
por la red de teatros públicos Sarea
entra en su trimestre final y en octubre
son varias las funciones previstas. El
último espectáculo de la Cia. Marta Ca-rrasco,
B. Flowers llega a Vitora-Gasteiz
ciudad que también acogerá el espectá-culo
dirigido al público infantil y familiar
realizado con materiales reciclados Ba-sura
Space de Krego Martin Danza al
igual que Errenterioa y Alegría-Dulantzi.
La Cia. Daniel Abreu pondrá en escena
Silencio, un poema a la vida como una
sucesión de contrastes, en Lasarte -Oria
y la compañía capitaneada por Igor Ca-longe,
Cielo Raso hará lo propio con En el
aire en Donostia. NAN de Ertza dirigida e
interpretada por Asier Zabaleta acompa-ñado
por la música en directo interpreta-da
por Iñar Sastre llega a los escenarios
de Elorrio y Eibar mientras que el último
espectáculo de Aukeran Dantza Taldea,
Geltokia metáfora de la vida como si de
un viaje de tren se tratara estará en To-losa
y Gernika-Lumo.
NAN de Ertza ©Gorka Bravo

63. octubre 14

64. 14 octubre L64
Excelencias para todos
a programación
teatral del mes de
octubre del Teatro
Circo Murcia está
compuesta por espectáculos
como La estrella de Sevilla
de Teatro Clásico de Se-villa
con versión y dirección
de Alfonso Zurro. Versión
de otro clásico es también
Mendoza, en este caso del
‘Macbeth’ de Shakespeare
de Los Colochos Teatro
de México. Juan Carrillo
dirige esta obra con una
dramaturgia alterna inspirada en autores
como Juan Rulfo y Elena Garro que ubica la
trama en un contexto mexicano. Y otra ver-sión,
Amantes, obra teatral de del guión ci-nematográfico
del mismo nombre de Carlos
Pérez Merinero, Vicente Aranda y Álvaro del
Amo. Álvaro del Amo se ha encargado de la
dramaturgia y dirección de esta coproduc-ción
de Sandra Toral Producciones y el
CDN interpretada por Marta Belaustegui,
Marc Clotet y Natalia Sánchez.
Carolina África es la autora y directora
de Verano en diciembre una historia de las
mujeres de una familia, una reflexión sobre
la decrepitud y la toma de decisiones vitales
que llega a los escenarios en una puesta en
escena de La Belloch Teatro.
La compañía catalana T de Teatre vuel-ve
con una obra que habla del miedo y la
Pulgarcito de Teatro Paraíso ©Aitor Audicana
La danza en circuito
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valentía escrita y dirigida por Alfredo San-zol,
Aventura!, y Soeurs es una propuesta
dirigida también por su autor, pero en este
caso el creador es Wajdi Mouawad. La com-pañía
Au Carré de L´Hipoténuse presen-ta
por primera vez en el Estado esta obra
que junto con ‘Seuls’ forman el denominado
‘Ciclo doméstico’ con el que Mouawad in-daga
en sus figuras familiares. La lengua
materna, la identidad de cada uno, el dolor
y la humillación de no poder hablar con li-bertad,
son los puntos de partida de esta
obra interpretada por Annick Bergeron.
The Funamviolistas da nombre a la
compañía y al espectáculo teatro-musical
que ponen en escena sus tres intérpretes/
músicos/cantantes/bailarinas, Lila Horovitz,
contrabajista, Ana Maou, violinista y Mayte
Olmedilla, violista. Y la música es también
protagonista de La ópera
del Malandro de Chico Buar-te,
una propuesta de Teatro
Defondo dirigida por Vanes-sa
Martínez mientras que el
humor lo inunda todo en Los
Mejores Sketches de Mon-ty
Python, coproducción de
L´Om Imprebís e Yllana.
Dos espectáculos de danza,
En la memoria del cante: 1922
inspirada en el trabajo que Fe-derico
García Lorca desarrolla
sobre el Cante Jondo y el desa-rrollo
del flamenco en el siglo
XX a cargo del Ballet Flamenco de Andalu-cía
y Heritages de la compañía fundada por
Jean-Philippe Dury Elephant in the Black Box.
Tres piezas conforman el programa: ‘Cel
Black Days’ y ‘Mémoires Oubliées’ del propio
Dury y ‘Remansos’ de Nacho Duato.
La programación escénica se completa
con cuatro espectáculos dirigidos al público
infantil enmarcados en el ‘Ciclo al teatro en
familia’. 100% Burbujas, unipersonal del
maestro de las pompas Made in Jabón; La
aventura de Tarik y Salah, una obra escrita
por Juan Montoro Lara sobre la inmigración
de Nacho Vilar Producciones; la adap-tación
que Iñaki Rikarte ha realizado del
cuento Pulgarcito y en la que se aborda el
tema del abandono de Teatro Paraíso y el
espectáculo de circo Cabaret Elegance de
Elegants.
Tras el descanso veraniego, el Circuito
de danza ‘Danza a escena’ de La Red Es-pañola
de Teatros regresa con fuerza en
octubre con una docena de actuaciones
en otros tantos teatros asociados. Entre
los espectáculos que se pondrán en esce-na
se encuentran Heritages danza neoclá-sica
de Elephant in the black box company
en San Sebastián de los Reyes y Murcia;
la pieza de movimiento (remor) de Res de
Res & en Blanc en Villena.
De danza moderna y contemporánea
son las propuestas Babaol de Enámbar
Danza (en A Coruña, Casteldefels y Rubí),
Tatto de OtraDanza (en Villena y A Coruña)
y en Leioa se podrá disfrutar con el solo
Cesc Gelabert V. O. +, de Gelabert Azzo-pardi
companyia de dansa. Maduixa Teatre
pondrá en esccena en Leioa y Málaga Dot
montaje inspirado en el artista Sol Lewitt
y dirigido al público infantil y familiar y de
otro género, en este caso el flamenco es
En la memoria del cante: 1922 espectácu-lo
dirigido por Rafaela Carrasco del Ballet
Flamenco de Andalucía que llega a Vilano-va
i la Geltrú.
(remor) de Res de Res & en Blanc

65. octubre 14

66. 14 octubre M66
ercartes está convocada por
La Federación Estatal de
Asociaciones de Empresas
de Teatro y Danza (FAETE-DA),
por La Red Española de Teatros
Auditorios, Circuitos y festivales de
Titularidad Pública y la Asociación de
Autores de Teatro. Además de las en-tidades
convocantes, Mercartes 2014
que se celebrará los días 5, 6 y 7 de
noviembre cuenta con la colaboración
de la Feria de Valladolid, la Coordinado-ra
de Ferias de Artes Escénicas del Es-tado
Español (COFAE), la Asociación de Em-presas
de Distribución y Gestión de las Artes
Escénicas (ADGAE), La Federación Estatal de
Compañías y Empresas de Danza (FECED),
la Federación Estatal de Gestores Culturales,
la Junta de Castilla y León, el Ayuntamiento
de Valladolid y el Instituto Nacional de las
Artes Escénicas y de la Música (INAEM) del
Ministerio de Educación, Cultura y Deporte.
Como una de las partes convocantes de
este encuentro entre profesionales,
entrevistamos a Xosé Paulo Rodríguez,
Presidente de la Red.
El nuevo equipo directivo de la Red
dará continuidad a los proyectos que
han marcado la hoja de ruta de la Aso-ciación
en los últimos años. Una de ellas
es la cita bianual MERCARTES que este
año celebra su 5ª edición y se vislum-bran
diversas novedades empezando
por su nueva ubicación en Valladolid
tras haber sido su sede las cuatro
ediciones anteriores Sevilla. ¿A qué se
debe este cambio? ¿Qué ventajas pue-de
aportar?
-Debemos formular el cambio de
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ubicación de Mercartes en 2014 como una
oportunidad cargada de ventajas para la
mayoría de los participantes, por una parte,
nos hemos acercado al norte, lo cual facilita
los desplazamientos dada su proximidad a
Madrid. Hemos contado con el apoyo de la
Junta de Castilla y León y del Ayuntamiento
de Valladolid que han apostado por Mer-cartes
en su afán por promover las artes
escénicas. La iniciativa nace por el ofreci-miento
del Ayuntamiento de Valladolid,
a través de su institución ferial, de ce-lebrar
esta edición en sus instalaciones,
esto supone una serie de ventajas para
todo los participantes. La propuesta de
la nueva ubicación fue bien acogida por
el Comité Ejecutivo de Mercartes que
tomó la decisión de cerrar la etapa de
Mercartes en Sevilla y abrir una nue-va
en Valladolid con ventajas para los
expositores y visitantes que participan
en esta cita, entre otras las facilidades
logísticas así como la reducción de ta-rifas,
que calculamos en un 43% de media
más baja que en las últimas ediciones. En-tendemos
que esto podrá estimular una ma-yor
participación de todos los profesionales
de la cadena de valor de las artes escénicas
y ayudará a concluir Mercartes 2014 con un
buen resultado.
-¿Qué claves de presente y futuro aporta
un evento como Mercartes para los profe-sionales
de los diversos ámbitos de las Ar-tes
Escénicas? ¿A qué retos se enfrenta
Mercartes?
-Pienso que el objetivo matriz de
Mercartes es el mismo que en las edi-ciones
anteriores, dinamizar el mer-cado
de las artes escénicas. Estamos
hablando del mercado bienal del sector
e las artes escénicas de España, en el
participan buena parte de los agentes
de este sector: creadores, productores
y distribuidores, programadores y ges-tores
de espacios escénicos, festivales
y circuitos, empresas de equipamientos
y servicios técnicos, ticketing, logística
espectacular, comunicación y otros mu-chos
servicios auxiliares.
El encuentro presencial ofrece una
Mercartes - 2014
El sector de las artes escénicas
se reunirá en Valladolid
Entrevista a Xosé Paulo Rodríguez, actual Presidente de la Red de
Teatros, Auditorios, Ciircuitos y Festivales de titularidad pública

67. octubre 14
67
www. a r t e z b l a i . c o m
Xosé Paulo Rodríguez
relación más fluida e intensa y propicia nuevos contactos de los
cuales podrán salir proyectos de colaboración entre los dis-tintos
agentes tanto públicos como privados.
Es obvio que el gran reto es superar las circunstancias de crisis
que llevamos sufriendo los últimos años e impulsar el sector de las
artes escénicas en clave económica y social.
-Mercartes se presenta como un mercado de formato eficiente,
¿cómo propicia esta cita la actividad comercial?
-En Mercartes creamos un ecosistema natural para el encuentro
y para la canalización de sinergias que provoquen el nacimien-to
de nuevos proyectos creativos, es la plataforma perfecta para
establecer contactos, para exponer y hablar de proyectos, para
llegar a acuerdos comerciales y alianzas que marcarán el futuro de
las artes escénicas y crearán el contexto que queramos construir
entre todos los agentes del sector.
Cuando hablamos de mercado eficiente debemos hacer hincapié
en la estructuración del mismo, la coexistencia en un mismo espa-cio
de: Foro de los negocios, Itinerarios guiados, Encuentros con
autores, presentación de proyectos y la celebraciones de asam-bleas
generales de FAETEDA y La Red Española de Teatros,
imprimen el carácter de encuentro real que podrá servir para
impulsar las artes escénicas en el contexto económico y social
en el que actuamos.
-Una de las novedades a destacar es que se celebrará el primer
Foro de reflexión, háblanos de ello.
Se trata de una experiencia piloto, que tendrá lugar la mañana
del día 7 de noviembre. Este I Foro de Mercartes, bajo el título
Claves para el impulso de las Artes Escénicas en el nuevo con-texto
económico y social, ha de ser un espacio para la reflexión
y el debate sobre la realidad del momento y para formular entre
todos cuales deben ser las claves para el futuro de nuestro sector.
Debemos saber cuáles son las oportunidades de mercado, tanto
interno como externo, debemos conocer como se estructuran las
redes formales e informales, a veces ocasionales.
El objetivo básico será la identificación de las claves tec-nológicas,
logísticas, económicas e institucionales que permitan
impulsar el sector tanto a nivel cualitativo como cuantitativo. Co-nocer
la tendencias actuales de los mercados de las ar-tes
escénicas y las oportunidades con las que podemos contar
nos permitirá trazar las estrategia a medio y largo plazo. El foro
también servirá de marco para analizar proyectos que están en
marcha en la actualidad y que podemos considerar como modelos
de buenas prácticas. De este modo, el INAEM hará una valoración
del Programa Platea, y La Red Española de Teatros valorará el
programa Danza a Escena que se realiza con la financiación del
lNAEM, así mismo La Red presentará su Mapa de Programación
mostrando la evolución con datos comparativos desde 2012 hasta
el primer semestre de 2014.

68. 14 octubre Josu Montero Luz negra
... y doscientos. Confesiones
68
i se han fijado ustedes, aquí arriba, a su izquierda, hay
una pequeña foto de servidor; les confieso, en honor
a la verdad, que no me hace justicia… pero no iba a
eso. Cuando hace ya tantísimo, el director de esta revista, Carlos Gil,
me invitó a participar en ella, la fotito que empezó a aparecer aquí
arriba era otra bien distinta; años después fue sustituida por ésta,
y va siendo ya también hora de cambiar ésta por otra más actual.
Creo que fue Barthes quien escribió sobre cómo en el fondo las
fotografías nos hablan siempre del paso del tiempo, más aún cuan-do
esas fotos nos muestran a nosotros mismos, o a esos extraños
seres que éramos. El caso es que mes a mes, página a página, me
he ido haciendo más viejo; y también seguramente menos ingenuo
amar-gao
y entusiasta, más resabiao y hasta, confesémoslo, un poquito . Les reconozco que en este tiempo, en todos estos años, el
teatro –arte colectivo y solidario– me ha ido apasionando cada vez
menos, y que la literatura –arte individual, íntimo, solitario– me ha
ido atrapando cada vez más. Es terrible, también, comprobar cómo
me da cada vez más pereza ir al teatro. Cuando empecé con esta
página, sin ir más lejos, me lanzaba aquí o a acullá a ver obras, y
era capaz de tragarme la función más indigesta y de salir encanta-do
ponderando lo que de bueno había en ella; y siempre, siempre
había algo bueno. Ahora casi me arrastro resignado cuando final-mente
me decido –y puedo– a ir al teatro; y casi siempre durante
el espectáculo, me remuevo en mi butaca, refunfuño y resoplo para
padecimiento de quien me acompaña; así que prefiero ir solo para
no dar la brasa sino a mí mismo, aunque lo cierto es que yo también
me aguanto cada vez menos. Y además cuando luego dan premios
y parabienes a algunas de esas obras que he conseguido aguantar
a duras penas, entonces confirmo, con indefensa perplejidad, que
bien el mundo está loco, o bien que soy yo quien no entiende nada
de nada. A veces pienso últimamente que lo que sucede es que no
me gusta el teatro, que me ha dejado de gustar o que quizá no me
ha gustado realmente nunca.
Y me sucede también algo parecido con los textos teatrales:
que cada vez me cuesta más hallar uno ante el que rendirme sin
remisión. Si ustedes son tan inexplicablemente gentiles con ser-vidor,
con el trabajo de servidor, y leen aunque sea de cuando en
vez esta página, se habrán dado seguramente cuenta de que mi
tendencia natural es la de hacer críticas, digamos, positivas, pon-derar
la obra señalando sus virtudes para animar al lector, o sea
a usted, a su lectura. No soy nada amigo de elegir para reseñar
obras que no me gusten para meter el dedo en la llaga, cebar-me,
mostrar lo listo que soy colocándome por encima de la obra;
intento más bien –otra cosa es que lo consiga– colocarme al ras
del texto comentado; y casi siempre para ello he de ponerme de
puntillas o subirme a algún sitio. Siempre intento elegir obras que
me exijan; y también esas son las que me gustan sobre el escena-rio.
Y esas son las que cada vez me cuesta más encontrar, tanto
en un sitio como en el otro. Aunque les prometo que en lo que a mí
respecta al menos seguiré buscándolas y comentándoselas, como
si ustedes fueran unos viejos conocidos con los que me encuentro
de vez en cuando y a los que quisiera animar a leer eso que a mi
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me ha hecho vibrar o gozar o me ha dado vuelta a las tripas.
Ya puestos permítanme otra confesión: cada vez me cuesta más
escribir; entiéndanme, cada vez me resulta más fácil hacerlo –debe
de ser eso del oficio que dan los años–, pero cada vez me interesa
menos hacerlo, me da –otra vez– más pereza. Siempre he pensado
que cuando a uno le empieza a resultar fácil hacer algo, mala señal,
mejor dejarlo y buscar otra cosa donde no te sirva el piloto auto-mático.
O hacerlo de otra forma, buscar otra manera de hacerlo. El
caso es que cada vez disfruto menos escribiendo y más leyendo.
He reflexionado algo al respecto y no me parece absurdo asociar
escribir con hablar y leer con escuchar; es por eso que vinculo mi
desgana para escribir con ese proceso de misantropía general al
que tiendo. Por otra parte, la gente se divide claramente en dos: los
que hablan y los que escuchan. El arte teatral se basa de hecho en
esa dicotomía: el escenario y el patio de butacas –aunque crean los
optimistas bienpensantes que eso es un diálogo–. Es por eso que
en el teatro abundan tanto los que hablan, aunque sean escasos los
que saben hablar; y es por eso que es tan raro en el teatro eso de
escuchar, y más aún lo de saber escuchar, si bien lo cierto es que
esto último es raro entre el común de los mortales.
Otra cosa que, abusando de la ocasión ésta del aniversario y de
su paciencia, no quería dejar de contarles algo que tiene que ver
con el origen del título genérico de esta ya demasiado veterana
página de crítica de textos teatrales. Eso de “Luz negra”, claro,
no es mío; es de un poeta francés, uno de los padres de la poesía
moderna, Stèphane Mallarmè, y lo tomó de él un poeta y crítico
español, Andrés Sánchez Robayna. Esa “Luz negra” no es sino el
poder de iluminación y de conocimiento que propicia el proceso
creativo a través de la escritura, de las palabras: manchas negras
sobre el blanco papel. Y de ahí podríamos pasar a cómo el len-guaje
nos hace pensar, o cómo pensamos a través del lenguaje, o
como escribió Wittgenstein: “Los límites de nuestro lenguaje son
los límites de nuestro mundo”.
Y he dejado para el final mi profundo agradecimiento y mi reco-nocimiento
para todos aquellos que han hecho y los que siguen
haciendo posible esta revista de artes escénicas, de información y
de reflexión; toda una verdadera empresa, y no en el sentido eco-nómico
del término, claro, sino en su acepción más heroica, épica,
quijotesca (lo malo es que en este caso no son realmente molinos
sino gigantes, aunque eso sí, de enanos cerebros). Y agradecer
cómo no la confianza en mí depositada y la libertad más plena de
la que he disfrutado, que aunque se da por supuesta, uno ha com-probado
que casi siempre tiene sus límites; y al menos yo en Artez
no los he encontrado.
Les juro a ustedes que había comenzado a escribir con la inten-ción
de acercarme críticamente a un texto teatral, en este caso a dos
textos teatrales contenidos en un volumen; y que había elegido para
esta ocasión del número 200 de Artez porque son dos obras que
hablan del teatro, de la naturaleza del teatro y de los sinsabores y
miserias de esta profesión. Se trataba de la ya clásica “El veneno del
teatro” y de la recientísima “Trío”, ambas del dramaturgo valenciano
Rodolf Sirera. Pero eso será ya para el número 201.
S

69. octubre 14
69
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Vivir para contarlo Virginia Imaz
Cuenca se llena de cuentos
a Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Cuenca
recupera el festival D´Palabra, que se venía realizando
desde hace once años, en la desaparecida Feria Regio-nal
del Libro, la Lectura y las Industrias Culturales, y que en esta
ocasión se enmarca dentro de la programación de Otoño en las
Hoces. Es un motivo de celebración. En esta edición 2014, el festival
se desarrollará en el Teatro Auditorio, el Centro Cultural Aguirre y
un espacio aún por determinar para la sesión golfa, los días 2, 3 y
4 de octubre.
El Festival D’Palabra presenta el arte de la palabra dicha sin
artificios, sin arterías ni engaños. La palabra desnuda llega a la
persona que escucha como una intensa historia vivida desde el arte
más antiguo que se conoce. Ojalá sirva también para la difusión y
divulgación de este oficio de viento, que a tantas personas hace
estremecer, reír, detener, disfrutar.
El Festival tendrá lugar entre el 2 y el 4 de octubre en el Teatro
Auditorio de Cuenca y el Centro Cultural Aguirre. Los espectáculos
de narración oral se han diseñado teniendo en cuenta la edad de
los espectadores. Así, habrá uno para niños de uno a cuatro años
el día 4 a las 12 horas, dos dirigidos a menores de entre cuatro y
diez años los días 3 y 4 a las seis de la tarde, y tres para mayores
de 16 años los días 2, 3 y 4 a las ocho y media de la tarde. Todos
ellos tendrán lugar en la Sala 2 del Teatro Auditorio. Dentro del
Festival habrá además dos funciones de narración oral gratuitas
en el Centro Cultural Aguirre (días 2 y 3 a partir de las diez de la
mañana) dirigidas a estudiantes de Secundaria; y una sesión golfa,
para público adulto, que tendrá lugar el día 3.
Tres son los contadores de historias que participarán en esta
edición del Festival. Su solvencia es reconocida en el mundo de las
bibliotecas, la educación y los teatros: Félix Albo (Alicante), que ade-más
dirige este festival, abre y cierra el calendario; se hará cargo de
la charla informativa, de un espectáculo para Secundaria, uno para
público adulto y participará en la función colectiva. Sus propuestas
combinan de manera sorprendente el humor y la ternura. Sus histo-rias
son cercanas, cotidianas. Y su manera de mirar, el lugar desde
donde las narra, las hace únicas, excitantes e intensas.
Eugenia Manzanera (Toledo) es una “cuentista” que combina dis-tintas
artes escénicas para potenciar la narración. Su trabajo, siem-pre
con una cuidada puesta en escena, está lleno de peculiaridades
únicas. Hay momentos en los que habla a velocidades vertiginosas.
Si Félix Albo nos mece con su manera de contar, ella puede hacernos
bailar con giros humorísticos ahí donde menos lo esperas y ostenta
un asombroso dominio de la expresión gestual. Además de contar
en la función colectiva, actuará en un espectáculo familiar, otro para
bebés y otro para público adulto.
Por su parte, Pepe Maestro (Cádiz) embelesa tanto a las personas
adultas tanto como a las jóvenes y al público infantil con historias la
mar de cotidianas. Combina la narración tradicional, la gestualidad,
la emoción y ciertas trazas del mundo mágico, con el dinamismo y
el ritmo más contemporáneos. Le escucharemos en una narración
familiar, otra para Secundaria, una para público adulto y en la sesión
golfa, donde se unirán estos tres grandes cuentistas.
Habrá dos actividades de carácter especial destinadas al público
adulto. Por un lado, la posibilidad de, al concluir cada función, poder
conversar con los protagonistas e intercambiar opiniones, aportan-do
interlocuciones críticas y enriquecedoras. Del mismo modo, la se-gunda
de las actividades, bajo el nombre El cuento en casa, tratará
de explicar la importancia y trascendencia del cuento en la comuni-cación
y desarrollo de las capacidades individuales del ser humano,
especialmente en los más pequeños. El público destinatario serán
padres, madres y profesionales de la enseñanza y la intervención
social. 90 minutos que tratarán de integrar la palabra y la oralidad
en el imaginario individual y colectivo del ser humano.
Por otra parte, La Bienal Internacional de Teatro de Autor (BITA)
también sobrevive un año más y celebrará del 19 al 26 de octubre
una nueva edición en la capital conquense, la número nueve, apos-tando
por el otoño -tradicionalmente se venía celebrando a finales
de la primavera- y por el microteatro. Junto a los espectáculos de
teatro de sala, de calle y de improvisación, los espectáculos de na-rración
oral tendrán su lugar sobre los escenarios.
Por lo que se refiere al Teatro de calle, BITA prevé dos actuacio-nes
infantiles y dos leyendas en el Casco Antiguo y cuatro represen-taciones
de calle; mientras que bajo la sección Teatro de la escuela,
se programarán cinco sesiones de narración oral en la Sala Theo
Alcántara del Auditorio. El festival incluye, por otro lado, actividades
paralelas como cinco teatros radiofónicos, dos actuaciones de títe-res
y seis actuaciones nocturnas por parte de cuentistas llegados
desde diferentes puntos de la geografía española, que tendrán lu-gar
en la iglesia de San Miguel.
Según Ángel Suárez de la Asociación Amigos del Teatro de
Cuenca, promotora de esta Bienal, se trata de un programa de
gran calidad, pese a que los problemas económicos, por la falta
de colaboración, siguen ahí. “Pese a contar con casi 20 años de
trayectoria con BITA hemos dejado de estar en esa vía de ayudas
directas por cuestiones de no se sabe qué”. La supresión de las
ayudas de la Junta y la drástica reducción de Diputación obliga-ron
a la Asociación de Amigos del Teatro de Cuenca a buscar una
recaudación de 3000 euros entre la ciudadanía conquense. “Se
puede hacer un buen festival, pero para ello hay que sacar un
rendimiento máximo al dinero, que pone los límites. De dos fines
de semana pasamos a programar solo uno, y la semana empezará
el martes en vez del lunes. Cuadrar las cuentas dependerá mucho
de la taquilla, porque se nos ha ido un el dinero en hacer una
buena programación”, señala Ángel Suárez. Entre las noticias po-sitivas,
destaca la colaboración con el festival de la Organización
Internacional de Teatro Iberoamericano, que les ha dejado tres de
sus grandes grupos al 50% del cachet. También otros autores,
como la narradora profesional Paula Carbonell, donan a BITA una
de sus actuaciones.
Así que pese a los peses, habrá Bienal de Teatro y dentro de
este prestigioso marco habrá cuentos. Yo en octubre quiero vivir
en Cuenca.
L

70. 14 octubre Jorge Dubatti
Teatro de los ausentes,
teatro de los muertos
70
os nuevas creaciones del teatro argentino se vinculan con
la invocación de ausencias: Cartas de la ausente y Para
mí sos hermosa.
Tras su aclamada presentación en la Sala Orestes Caviglia del
au-sente
Teatro Nacional Cervantes, el valioso espectáculo Cartas de la , dramaturgia de Ariel Barchilón y dirección de Mónica Viñao,
está realizando una gira nacional por las provincias argentinas. Hay
que celebrar que el Teatro Nacional Cervantes diseñe estas giras,
verdadera concreción de una política teatral federal, ya que permi-ten
la proyección del teatro de Buenos Aires y forman parte de un
plan mayor de conexiones dentro de un país teatral de cartografía
multipolar tan rica.
En Cartas de la ausente, el texto de Barchilón despliega la si-tuación
del primer encuentro cara a cara, convivial, hacia 1930, de
doña Elvirita –una viuda ya entrada en años- y Rufino –quien ha
pasado su juventud encerrado en el Penal de Ushuaia, durante dos
décadas, cumpliendo su condena de asesino a sueldo-. El vínculo
entre ambos ha sido hasta entonces a través de cartas, forma de
comunicación que les ha permitido la multiplicación de identidades
imaginarias y la confluencia de, al menos, tres esquemas de re-laciones
triangulares (Elvirita-Luli-Rufino, Libertario-Luli-Rufino, Li-bertario-
Rufino-Elvirita), en los que se combinan subterráneamente
las referencias literarias al drama Cyrano de Bergerac de Edmond
Rostand, a la nouvelle Aura de Carlos Fuentes y al cuento Emma
Zunz de Jorge Luis Borges.
El principio estructurante de Cartas de la ausente es un largo
encuentro personal (retomando el término del crítico británico Eric
Bentley en La vida del drama) en la galería y el patio de una antigua
casa de barrio (sutilmente des-realizada por la escenografía de Gra-ciela
Galán y la iluminación de Jorge Pastorino). Por dicho encuentro
-que va construyendo la gradación de conflicto de la relación en casi
una única situación in crescendo, pero a través de diversos estados
y acciones internas-, Elvirita y Rufino acabarán transformados: en él
podrán confesarse ciertas verdades, que la escritura de las cartas
permitía ocultar y postergar. El final, parcialmente abierto, se com-plementa
y prolonga sugerentemente en la imagen del programa de
mano (diseñado por Verónica Duh y Ana Dulce Collados), que evoca
ambiguamente las antiguas fotos de casamiento. Hay en el universo
de Cartas de la ausente un deliberado trabajo con los matices de lo
“retro”, con el encanto “vintage”, una poesía de lo viejo que contrasta
deliberadamente con el vértigo y el estrépito del mundo actual.
En esta trama de aparente sencillez se encarnan diversas proble-máticas
de fuerte interés, cuya potencia la puesta de Mónica Viñao
multiplica. Con un trabajo actoral memorable, Daniel Fanego está
a cargo del personaje de Elvirita, y esto dispara la situación hacia
direcciones diversas. Fanego evita sutilmente el peligro de derrapar
en la caricatura o de producir una comicidad involuntaria, segura-mente
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lo guía internamente el homenaje a algún “modelo vivo” que
conoció en el pasado y hacia el que guarda entrañable respeto.
Por un lado, siguiendo la tradición ancestral del cross-acting y el
cross-dressing (como a l0as mujeres les estaba prohibido actuar,
los personajes femeninos eran asumidos por varones), obliga al
espectador a recordar todo el tiempo la convención teatral, talla
nuevos planos de representación dentro de la representación y
llama la atención sobre el trabajo del actor (insistimos, realmente
magnífico en el caso de Fanego), recuerda el rechazo que producía
en la iglesia y los sectores más conservadores la “feminización” del
hombre vestido de mujer (hoy tan frecuente, como en Muñeca y El
corazón del incauto, en cartel). Por otro, cruza tiempos históricos
y culturales para contrastarlos y así revelarlos en su diferencia: es-talla
el personaje de otra época (la mujer “decorosa” anterior a la
popularización del psicoanálisis y a la modernización sexual de los
sesenta) con la múltiple diversidad de género del presente (donde
en facebook se puede optar entre 53 alternativas de género). Hace,
literalmente, más “fea” a Elvirita (el dato es importante, porque esa
fealdad se opondrá al retrato idealizado de la Luli de las cartas en
la imaginación de Rufino y Libertario). Además, otorga al personaje
mayor complejidad, extrañamiento (por ejemplo, cuando lee los ver-sos
de Libertario, Elvirita lo hace con la voz plenamente masculina
de Fanego) y, a la par, universalidad.
El otro gran tema es el de la relación entre escritura y cuerpo.
En las cartas, la escritura es una tecnología que, más allá de la
dimensión aurática inscripta en el trazo de la grafía manuscrita, per-mite
sustraer el cuerpo material, ocultarlo en la sustitución de la
letra. En la escritura de las cartas, el cuerpo de Elvirita puede ser
el de Luli. En el encuentro territorial en la casa, cuerpo a cuerpo,
no. En las cartas la grafía manuscrita de Libertario puede ocultar
el analfabetismo de Rufino (personaje muy bien elaborado, aunque
de menor lucimiento, por Vando Villamil). En el convivio, cuando hay
que leer frente al otro, no. Si la experiencia tecnovivial de las cartas
le permite a Elvirita ocultar su cuerpo, en el convivio que narra la
obra el cuerpo material es el que habla, justamente el cuerpo que se
abraza al otro cuerpo en el baile final, como adelanto de otros roces
y contactos. El tecnovivio de la escritura favorece la idealización, el
soñar despierto, el “amor al amor”, como lo llama Barchilón en el
programa; el convivio cara a cara sólo admite un amor de cuerpos
presentes. Pura manifestación tanto de la realidad como de lo real.
La pieza celebra los cuerpos presentes, y vuelve así a referir al
teatro: justamente el convivio, la reunión de cuerpos presentes de
artistas, técnicos y espectadores, es el fundamento del teatro.
Una última inscripción: la de la ausencia que el título nombra.
¿Quién es “la ausente”? Sin duda, en un primer plano, es Luli, la
supuesta joven muerta. Pero también la ausente es, por necesidad,
cualquier figura lo suficientemente lejana como para favorecer la en-
D

71. octubre 14
71
Postales argentinas
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soñación y el idealismo del “amor al amor”. Pero volvemos, nueva-mente,
a la naturaleza del teatro, sobre el que parece hablar todo el
tiempo Cartas de la ausente: acontecimiento de presencia de los ac-tores
y ausencia de los personajes. ¿Qué mejor manera de expresar
la ausencia de Elvirita que poner en presencia el cuerpo de Fanego?
Lo dice el gran director mexicano Luis de Tavira de manera precisa:
“El escenario es el lugar donde todo lo que es, siempre es otra cosa.
El teatro es un mirador donde todo lo que es puede aparecer, pero
sólo se reconoce cuando desaparece”. La ausente es Elvirita, y por
extensión todo personaje, y en círculo aún más amplio la ficción,
que acontece no en la escena sino en nuestra imaginación. Por todo
esto, Cartas de la ausente es un espectáculo imperdible.
Vayamos a Para mí sos hermosa. En la Hungría de 1940, en un
acto de escapismo en una feria de variedades, desaparece el mago
Harry Vansky, estrella de la compañía. Nunca regresa de su acto
y nadie sabe si murió, se desvaneció en el aire, pasó a otra di-mensión
o si aprovechó el acto para escapar -literalmente- de sus
muchas mujeres. Son éstas las que asumirán, de diversas maneras,
su invocación: sus asistentes personales Trixie y Lizzi, hermanas
siamesas; Bess Vansky, su esposa y “viuda”; “Ether, la femme dul
air” (escrito así por la autora), artista de feria cuyo número consiste
en desaparecer y reaparecer; “La Magnética”, bailarina y mujer fatal
con poderes de imán humano; Erna Cochovsky, perfumista. Final-mente,
Gabriela Radicci, abogada mediadora y pariente de Harry
(cuya identidad, por razones dramáticas, ficcionales, preferimos no
develar, para que ojalá el lector de esta nota se entere directamente
viendo este espectáculo imperdible en Timbre 4, México 3554).
Para mí sos hermosa despliega una fascinante galería de perso-najes
femeninos, llenos de sugestión, inteligencia y comicidad, que
le permiten a la actriz y dramaturga Paula Ransenberg componer
uno de los mejores espectáculos unipersonales del teatro indepen-diente
actual, sin duda entre lo mejor de la cartelera hoy. Baste decir
que el espectador identificará en el trabajo de Ransenberg, teatrista
excepcional, la más auténtica tradición de Niní Marshall, también ac-triz
y dramaturga creadora de sus personajes, y podrá pensar Para
mí sos hermosa como una suerte de variación (acaso involuntaria)
de Y se nos fue redepente. Dirige Marcelo Nacci (quien también se
hace cargo de la voz grabada de Harry).
Terminado el trabajo en escena, a la salida de la sala, el especta-dor
recibe un hermoso programa de mano, diminuto y desplegable,
que prolonga el espectáculo como parte de la dramaturgia, peque-ño
objeto de arte (diseñado por Miguel Israilevich) en el que se
reproducen fotografías intervenidas de los personajes (fotografías
de Alejandro Ojeda) y un texto donde se revela su destino tras la
desaparición de Harry. El programa no es un detalle menor (no hay
que irse del teatro, de ninguna manera, sin el programa en mano),
sino parte fundamental de la obra, especie de epílogo dramático
que desambigua la trama cómicamente, recurso poco frecuente en
el teatro de Buenos Aires, resuelto aquí con suma originalidad.
Son múltiples los atractivos del mundo dramático de Para mí sos
hermosa. Uno de ellos es su relación con el “teatro de los muertos”,
tendencia simbólica que regresa y regresa en el teatro argentino
de Postdictadura, cuyos elementos constitutivos desarrollamos en
nuestro libro Filosofía del Teatro III. Se trata de la multiplicidad de
recursos teatrales para la representación de los muertos en la es-cena
nacional. El teatro argentino está lleno de muertos, o como
dice Arístides Vargas en Instrucciones para abrazar el aire, “el aire
está lleno de muertos”. En el caso de Para mí sos hermosa, el tó-pico
del teatro de los muertos asume durante las escenas de la
obra (excluida la final de la abogada Gabriela) una vuelta de tuerca
singularísima, impactantemente fecunda, por ejemplo, en la presen-cia
escénica del “baúl de magia” en el que fue sumergido Harry y
que sólo se puede abrir desde adentro. Un misterioso embalaje,
en términos de Tadeusz Kantor, del que no sabemos si está vacío
o contiene el cuerpo sin vida de Harry o es la puerta de pasaje a
otra dimensión, metafísica o existencial. También la sesión de “fotos
inmortales” en el gabinete de la “fotógrafa de espíritus”, que hay
que completar con la bella foto intervenida realizada por Ojeda en
el programa de mano. La sugestión se multiplica (antes del anticlí-max
final) cuando se oye la voz de Harry en off, ¿hablando desde
dónde? “Escapar –dice Harry- es poner la muerte en suspenso. La
fuga es una resurrección”, palabras que se cruzan luego con las
de Ether: “Desaparecer es ir a ninguna parte”, “Este lugar horrible
todo gris, agrisado”. Más allá de la anécdota que se desambigua al
final, todo el texto de Para mí sos hermosa trabaja con golpes a la
conciencia del espectador que reviven su memoria y su conexión
con las muertes argentinas, públicas y personales.
Otro atractivo radica en la construcción de Harry como ausencia y
en la producción de discursos femeninos sobre el hombre ausente,
sobre la promesa defraudada. Para mí sos hermosa no sólo evoca
la popularizada canción iddish (“Bei Mir Bistu Shein”), sino también
la palabra de Harry seductor: “Él me cantaba eso…”, recuerda
emocionada la siamesa Trixie. “Él le cantaba eso a todas”, la corrige
indignada la siamesa Lizzi. De esta manera la obra de Ransenberg
es una variación sobre el mito ancestral de Don Juan, que reafirma
que Don Juan es una invención femenina, y el hombre objeto de de-seo
probablemente un fantasma. “El olvido es la mejor condición del
ser humano”, dice en off Harry. La fascinación femenina por el varón
queda sutilmente expuesta en los componentes del perfume con que
Erna trata de evocar el “propio olor, único” del ausente: habano,
sudor, mar, ámbar gris de cachalote, chocolate, vainilla, secreciones
glandulares traseras de los conejos…
Finalmente destaquemos la vinculación entre magia y teatro, en-tre
magia y deseo, entre magia y muerte, con una mirada temática
y de artificios muy diferente a la de El centésimo mono de Osqui
Guzmán. Para mí sos hermosa cuenta con asesoramiento de magia
de Daniel Garber, y Ransenberg multiplica en escena con su talen-to
verdadera magia teatral (por ejemplo, en la composición de las
siamesas como actriz “demediada” o en los rápidos cambios de
vestuario), hace incluso algún truco de magia profesional y con su
parade de personajes femeninos materializa y desmaterializa la ma-gia
viril del seductor ausente y traidor. “Un tipo de mierda”, se dirá
en algún momento.
Hay que destacar muy especialmente la escenografía y el vestuario
de Alejandro Mateo, otro artista excepcional que sorprende una y otra
vez con la inteligencia de sus diseños. El dispositivo escenográfico es un
homenaje a los artistas de barraca a la vez que resulta absolutamente
funcional a las necesidades narrativas y espaciales del espectáculo. La
ropa y accesorios evocan los diseños de la moda pretérita y presente
en dos momentos de la historia, pero incluye además algunas marcas
de estilización desrealizante y colorida, el trazo de la magia encarnado
en los cuerpos de estas mujeres. En suma, junto a La máquina idiota
de Ricardo Bartís, Spam de Rafael Spregelburd, Terrenal de Mauricio
Kartun y otros más, Para mí sos hermosa puede figurar a juicio de este
crítico entre los espectáculos insoslayables del teatro porteño en esta
temporada que ya va tomando la recta final.

72. 14 octubre Javier Villán Cronicón de Villán... y corte
Acuerdo en el Español: no a la
privatización
72
e pronto se nos ha echado encima el otoño con una
cascada de estrenos y no como revuelo de hojas secas,
que es la metáfora y la poética del otoño. Septiembre
se muere se muere dulcemente con su luz amarilla y sus racimos
verdes, dice la canción… Y sigue aquella canción de una vieja
juventud: “yo esperaba septiembre para volver a verte”. Todos
esperamos ver teatro en septiembre, pero tanto desborda todas
las previsiones. Hay días de dos o tres estrenos; ello sin tener
en cuentas las salas alternativas y el teatro de barrio que es
destilación de aquellas. Madrid ¿capital mundial del teatro?. Me
parece excesivo, pero todo se andará.
Entre la marabunta de estrenos, reposiciones y lo muy lla-mativo
pero difícil de atender como son representaciones de
un día a la semana, lo primero es señalar la agitación que han
producido las declaraciones de Juan Carlos Pérez de la Fuente
a Esther Alvarado en el Mundo: “mientras yo esté aquí no se
hablará de privatización”. El aquí y el ahora es el teatro Español.
Esto tranquiliza, pero a la vez sugiere que los fantasmas de la
privatización no han desaparecido. Y si he ser sincero no creo
que un temperamento vigoroso y beligerante como el del nuevo
director del Español, se preste a ello.
En esto el nuevo y el cesante están básicamente de acuerdo.
Natalio Grueso envolvió su destitución o dimisión más bien, en
sombras de sospecha. Sugirió en su despedida que no querría
ver cómo el coliseo de la calle Príncipe podía rendir su larga
historia de 400 años en manos privadas. Ni él ni ninguno de
los teatros municipales; “me voy y los intentos de privatización
se han paralizado, dijo más o menos. Natalio Grueso maneja
bien los tiempos narrativos. Y cuando se daba por inminente,
al menos la privatización del Fernando Fernán Gómez, la pri-mera
ficha del dominó, afirmó rotundo: “No conmigo”. Y poco
después, algo así como “por encima de cadáver”. Al marcharse
se sospechó que su cadáver ya no era necesario. Por lo cual
se temió que su sucesor podría dar más facilidades a la ope-ración
Pero yo no me creo que eso vaya a ocurrir con Pérez
de la Fuente.
Por si acaso hubiera alguna duda éste ha declarado lo mismo
que su antecesor. No a la privatización del Español. Estando de
acuerdo en lo básico, no lo están sin embargo en las formas
con que se ha producido el traspaso de poderes; en realidad
no ha habido traspaso, sino ocupación de lugar vacío. De esa
falta de formas y de cortesía ambos se acusan recíprocamente.
Es de suponer que el cierre de programación hasta diciembre,
consumado por Grueso antes de irse, no ha agradado a Pérez
de la Fuente, aunque lo acepta y respeta. Todo ello ha desatado
una serie de reproches que no tienen más importancia que la
se les quiera dar.
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Vargas, la palabra y el teatro
En el estreno de El loco de los balcones, de Vargas Llosa, José
Sacristán y Gustavo Tambascio, espectáculo estrella, junto con
Ricardo III (Juan Diego) programado por Grueso, estaba todo
Madrid. Nunca supe exactamente qué significa ese todo englo-bador
que designa 500 personas como representación de una
comunidad de tres millones de habitantes. Supongo que es una
representación cualitativa de las excelencias políticas y culturales
de la urbe. Sin entrar en detalles aceptemos, pues, que estaba
todo Madrid y que el estreno de El loco de los balcones supuso la
presentación en sociedad de Juan Carlos Pérez de la Fuente como
nuevo director del Español sobre el soporte de un espectáculo
programado por su predecesor. Porque El loco de los balcones, a
nivel social, fue un éxito grande. Y si al éxito social se corresponde
de forma directamente proporcional el éxito artístico y cultural
este debe ser abrumador. Lo indiscutible es el triunfo personal de
José Sacristán. Lo demás, como todo lo referido al teatro de Mario
Vargas Llosa, admite diversas matizaciones.
El ciclo sobre Vargas a mí me parece un acierto cultural y una
jugada política de altura; pero creo también que, por el momen-to,
obedece más a su condición de novelista y de ensayista insig-ne
que a sus valores teatrales que habrá de reafirmar con una
nueva obra desligada de todo lo anterior. La primera vocación
de Vargas Llosa fue el teatro; eso es sabido. Y las vocaciones re-primidas
rebrotan con virulencia cuando se ha consolidado otra
vocación que se creía subsidiaria y, finalmente, resultó esencial
y primigenia. Gustavo Tambascio ha hecho un excelente montaje,
superando el peso literario, la grandeza literaria podría decirse,
de El loco de los balcones. Otra enseñanza de este estreno, ex-tensible
a todos los demás estrenos es que no debe leerse para
nada la literatura previa de los programas y en cierta medida
los reportajes, aunque cualquier productor prefiera éstos a una
crítica aunque sea una crítica elogiosa, y con gran despliegue
tipográfico.
En declaraciones previas tanto Sacristán como Vargas Llosa
se han empeñado en comparar a Brunelli, salvador de balcones
coloniales, con don Quijote: “los balcones son molinos y los moli-nos
balcones”. Cierto que la capacidad metafórica y simbólica de
un escritor y de un actor es necesaria y esencial para el desarro-llo
de su arte; pero en este aspecto parece un poco exagerada.
Los espectadores encuentran lo que hay: balcones. Y se hallan a
José Sacristán, Bruneli, no a don Quijote, aunque Sacristán tenga
una encomiable experiencia quijotesca y siga peleando por todas
las causas más o menos perdidas. Ileana, la hija del profesor
tampoco es Dulcinea; pero permite augurarle a Candela Serrat
un buen porvenir.
D

73. octubre 14
73
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El lado oscuro Jaume Colomer
Públicos prosumidores y
marketing colaborativo (I)
aría José Quero, prestigiosa investigadora de mer-cados
escénicos, publicó en el Observatorio Cul-tural
de Atalaya (nº 55, año 2013) la monografía
“El marketing colaborativo en las organizaciones culturales”.
Las tesis que expone me parecen un excelente punto de partida
para la reflexión que propongo. En la primera parte del artículo
haré un pequeño “digest” de su contenido y luego expondré
mi concepción de los públicos escénicos como comunidad de
intereses.
A partir de las aportaciones de Brandenburguer y Nalebuff
(1997) y Gummeson (2004) Quero presenta la propuesta del
marketing colaborativo como el último paradigma de la disciplina
del marketing aplicado a las organizaciones culturales. La disci-plina
del marketing, en su fase inicial, se centró en el producto
y luego fue evolucionando al concepto de servicio. Más adelante
desarrollo el modelo de marketing relacional centrado en los
clientes y recientemente ha apostado por el marketing colabo-rativo
centrado en la satisfacción equilibrada de los intereses de
las partes o stakeholders.
Considera que el marketing colaborativo es el más adecuado
para las organizaciones culturales porque les permite una ma-yor
rentabilidad económica o social.
El MC considera a los públicos como agentes de un sistema
promovido por una organización cultural. Ya no los considera
receptores pasivos de unos servicios (a los que hay que seg-mentar
y conocer para satisfacer su demanda) como en el mar-keting
tradicional. En el sistema operan diversos agentes como
la organización promotora, la competencia, los proveedores de
productos y de servicios, las instituciones colaboradoras y regu-ladoras,
y los públicos.
Del marketing “one to one” promovido por el marketing rela-cional
se pasa al “de muchos para muchos”, considerando que
todas las partes aportan valor y reciben un beneficio de los
intercambios generados. Unas partes aportan el producto es-cénico,
otras lo exhiben en condiciones óptimas, otras aportan
información y recursos económicos, otras servicios auxiliares
como comunicación, ticketing o financiación. El equilibrio de los
beneficios obtenidos por las partes asegura la continuidad y de-sarrollo
del sistema.
En el sistema siguen habiendo públicos que no tienen otro in-terés
que consumir un producto o experiencia escénica (llamados
consumidores en el argot económico), pero hay otros públicos que
están dispuestos a participar en el desarrollo del sistema y que,
si el marco organizativo lo permite, son llamados prosumidores.
Los prosumidores desarrollan con los promotores una relación
distinta a la tradicional de proveedores-clientes. Es una relación
colaborativa. Las partes del sistema escénico se transforman en
comunidad de intereses, y los programadores en “comunity ma-nager”
en sentido pleno. Ya no tienen que gestionar ni un uni-verso
anónimo de espectadores ni las relaciones personalizadas
con ellos, sino las relaciones entre las partes que, con las nuevas
tecnologías digitales, se multiplican y diversifican.
it-yourself”
Los espectadores prosumidores desarrollan el DIY o “do (“hágalo usted mismo”) con lo que el ajuste entre
intereses y propuesta de valor se produce de forma natural y
plena, evitando el desencuentro entre una programación y sus
públicos objetivo.
El espectador, desde la perspectiva del marketing colaborati-vo,
se convierte en un creador de valor y deja de ser un consu-midor
o destructor de valor. Tal vez nos preguntemos qué valor
aporta a una organización escénica un espectador proactivo o
prosumidor. Quero argumenta en su monografía los múltiplos
beneficios que aportan los prosumidores a una organización
cultural, tales como información y financiación, transformándose
en un recurso clave del sistema. Los espectadores colaborativos
o prosumidores son, además, los principales difusores y pres-criptores
de las propuestas escénicas de los promotores.
Además, un proceso colaborativo permite desarrollar el círcu-lo
virtuoso que describimos a continuación:
• La participación de los espectadores en una o varias
experiencias escénicas satisfactorias genera ganas de
repetir y confianza en el promotor o proveedor.
• La confianza garantiza la continuidad del consumo, a pe-sar
de los “tropiezos” que pueda haber ocasionalmente
debido a experiencias poco satisfactorias y desarrolla,
además, una actitud de implicación en el proyecto.
• La confianza y la implicación son los motores del incre-mento
y diversificación del consumo, teniendo en cuenta
que, como mostró Bourdieu, el mayor consumo cultural
no satura la necesidad cultural sinó que la alimenta.
Los argumentos aportados por Quero y demás autores que
recomiendan desarrollar un modelo colaborativo en la gestión
de públicos culturales son múltiples y no tienen efectos secun-darios
negativos. Esto es lógico cuando se intenta introducir un
nuevo paradigma, aunque nadie niega las dificultades que sur-gen
en la práctica cuando se quiere desarrollar. Además, los que
procedemos de disciplinas distintas a la del marketing, en mi
caso la pedagogía, no podemos dejar de mirar críticamente es-tos
argumentos. De hecho, lo que los especialista del marketing
platean como un nuevo paradigma no es más que la apropiación,
digestión y reelaboración de otros modelos de gestión surgidos
de las políticas sociales y culturales como la animación sociocul-tural
y el desarrollo comunitario.
M

74. 14 octubre Jaime Chabaud Piedra de sacrificio
Dinamitar los teatros para
sacar al espectador del sistema
D
74
e familia de teatre-ros,
David Gaitán es
un joven dramaturgo, director y
actor mexicano que este año es-cribió
y dirigió La ceguera no es
un trampolín (Blindheit ist kein
Sprungbrett) con la Ernst Busch
de Berlín, Alemania y hasta hace
unas semanas se encontraba
presentando en FiraTàrrega,
en Cataluña con La velocidad
del zoom del horizonte bajo la
dirección de escena de Martín
Acosta. Cuenta con cerca de una
veintena de textos de su autoría,
entre los que ha dirigido Ricardo
III, Beisbol, Escurrimiento y anti-coagulantes,
Simulacro de idilio
y, entre otros, Romeos. Algunos
de sus textos se pueden encon-trar
en la Librería Yorick bajo los
sellos editoriales de Libros de la
Capilla y Paso de Gato. En 2010
fue seleccionado como parte del
grupo internacional de dramatur-gos
de la Royal Court Theatre
de Londres y en 2012 por el
Lark Play Development Center
de Nueva York.
Jaime Chabaud: ¿Cuáles son los rasgos que definen a tu gene-ración
dentro del teatro mexicano?
David Gaitán: Gracias a las generaciones anteriores hay un cam-po
de exploración abierto a priori. En asuntos estéticos no hemos
tenido que tirar ninguna muralla, llegamos ya al paraíso del caos y
la permisibilidad escénica. Esto permite la experimentación como
primer gesto; de la mano viene el riesgo de la arbitrariedad.
Siempre es una tranquilidad saber a quién hay que lanzarle pie-dras;
nosotros no hemos tenido que montar en armas contra na-die,
hemos usado los fusiles para hacer malabares o matar algún
espectador. De entrada, la respuesta que hemos recibido siempre
ha sido “sí.”
J. Ch.: ¿Qué diferencias encuentras con tus compañeros de ge-neración?
D.G.: Buscando identidad escénica, casi todos quieren colocar-se,
cuanto antes, como defensores de un tipo de teatralidad (y
por lo tanto, enemigos de otro). Después de padecer mucho esa
obligatoriedad por abrazar una bandera (alguna), yo he optado
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por abordar, incluso simultánea-mente,
posibilidades que de en-trada
pintan hasta antagónicas.
Como creador, tanto como es-pectador,
puedo disfrutar de un
espectáculo fascinante en su per-formatividad
o una historia digna
del Aristóteles más terco. La fas-cinación
por estéticas “peleadas”
es una que comparto con muchos
actores, pero pocos dramaturgos
y directores de mi generación.
J. Ch.: ¿Como escritor para tea-tro
te sientes más un ensayista
que un dramaturgo?
D.G.: Aún cuando no ratificaría
dicha declaración... Encuentro en
el fenómeno de convivencia que el
teatro implica una oportunidad de
comunicación única, por su pecu-liaridad.
Si bien sé (y disfruto) de
una posibilidad “ligera” en cuanto
a la experiencia del espectador se
refiere, la tentación por decir algo
relevante, que detone reflexiones
trascendentales, hablar de filoso-fía,
muerte, sociedad, del mundo,
los planetas, el futuro, ética, arte,
comportamientos diseñados, del
alma, el suicidio, la identidad... es demasiada. ¿Por qué desapro-vecharla
habiendo tan pocas ventanas para expresar con belleza
temas interesantes?
J.Ch.: ¿Hacia dónde piensas que va la escena contemporánea?
D.G.: Se está buscando modificar la convención. La escena con-temporánea
está explorando formas de dinamitar los teatros para
sacar al espectador del sistema de comodidad que las salas han
impuesto como única vía para acceder a una experiencia estética
significativa en el marco de una representación teatral. Para esto,
el gesto más contundente es la inmersión (mezcla, conjugación,
sexo) de la realidad en la ficción y viceversa. Aquí se trastoca, por
ejemplo, la necesidad de un marco anecdótico. Si el público se
convence de que el teatro puede ser experimentado de un modo
distinto al que se dictaminó hace algunos siglos, si inundamos
el teatro de realidad, a la realidad de artificio, si borramos los
muros... entonces las posibilidades son infinitas. La persecución
de ese abstracto es uno de los rasgos más claros de la escena
contemporánea.

75. octubre 14
75
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Noticias desde los fiordos Víctor Criado
Frente a la derrota
l espectáculo, como ya os comenté hace un par de artícu-los,
ha sido un gran éxito. Crítica, público y sala llena prácti-camente
todos los días así lo atestiguan. No obstante...
Uno de los primeros días, después de la resaca de magníficas crí-ticas
y champgane llegó a la sala uno de los grupos de jóvenes que
habían reservado plaza. La función, ese día, resultó mas fría de lo
normal. Mirando a los ojos a esos adolescentes de hasta 18 años me
daba cuenta de que algo no había ido bien.. Demasiado frío y distan-cia.
No entienden nada, pensé con esa irritación que se alimenta de
la derrota, de la conquista fallida, del público esquivo. No es para ese
público, añadí convencido. El veredicto por otro lado, ha sido unánime,
el espectáculo es cojo... ellos se lo pierden, venga a desmaquillarme.
Y a otra cosa.
Días mas tarde, en unos encuentros organizados con el público,
lejos del entorno de representación, en una búsqueda de otro tipo de
contacto con el público joven, a través de algo que “denominan” en la
oficina “talleres creativos” nos tocó, a una de las actrices y a mí, reci-bir
un grupo de alumnos que habían apostado por ser “creativos”, o
por ver un poco qué es lo que pasa con los actores, o simplemente por
pasar de ir a clase. De todo hay. Al entrar el grupo de veinte alumnos
en el vestíbulo me di cuenta de que me sonaban, y el sonido no era
precisamente el de unos pájaros aleteando gráciles entre ramas. Era
otra cosa. Ese frío, esa distancia...
Sí, eran ellos. ahí estaban, con la misma fría pasividad adolescente
que irrita sobremanera, con esa autosuficiencia que tan bien recorda-ba
de mis años en el insti. Con frío y distancia hacia el teatro... Hola
(en sueco, claro), silencio y un hola (en sueco mejor pronunciado)
cansino es devuelto sin demasiado interés. ¿Habéis visto el espectá-culo?
(pregunta tan obligada como estúpida), sí (cansino otra vez).
¿Os ha gustado?
Un tímido giro a derecha e izquierda de la cabeza de algunos de
ellos, y un no a volumen susurrante lo dejan claro. No, pero con timi-dez.
Insisto un poco en preguntar y poco a poco el no se va reafirman-do.
La falta de enfado o disgusto por nuestra parte abona el terreno a
la verdad, al cabo de un rato nos damos perfecta cuenta de que no les
ha gustado, para nada. ¿Por qué están aquí?, pregunto. Todos miran
al profesor. Está claro, él es el culpable. Le pregunto ¿Por qué? Enco-ge
sus hombros agrietados y sonríe a medio pelo. “creo que les viene
bien”, pontifica. Aquí estamos, dos actores enfrentados a su propio
fracaso, y un grupo de alumnos que deciden cambiar la rutina escolar
por un a ver que pasa en el teatro ese que no nos gustó.
Poco a poco entramos en detalles, demasiados gritos para su gus-to,
demasiado volumen y sorpresas, nunca saber qué es lo que suce-de
exactamente, dónde están los actores, cuando termina realmente
la pieza. Bien, son opiniones, tan válidas como las nuestras, cuestión
de gustos. Es verdad que a Suzanne le gusta provocar a través de las
sensaciones, lejos de las convenciones, y con un pie al borde del pre-cipicio,
tratando de agarrar al público de la mano antes de amenazar
con saltar al vacío. Por otro lado estos chicos han elegido una línea de
estudios que les va a llevar directamente a un taller de carpintería o
mecánico. Las artes y el teatro en particular no entran dentro de sus
prioridades, ni siquiera como segunda opción, o tercera...
Lo que va sucediendo de manera gradual en nuestro encuentro
es que ya hay un par de ellos que confiesan cierta simpatía hacia
nuestra propuesta, eso ocurre ante la mirada incrédula de sus
compañeros. Vaya. Se abre una pequeña grieta en la unanimidad,
el grupo con su “idea predominante” se resquebraja. Es entonces
cuando aparece el cuestionamiento crítico, el mismo que Malin (la
actriz) y yo nos hemos hecho sobre nuestro propio trabajo; ¿Qui-zás
el espectáculo no es tan bueno? ¿Quizás no es tan malo?, co-mienzan
a preguntarse ellos. Si al resto de grupos de jóvenes les
ha gustado tanto (y eso es cierto, me juego un dedo de la mano)
¿por qué a nosotros no? parecen preguntarse. A lo mejor es que
no queríamos que nos gustase, parecen cuestionarse. Yo voy com-prendiendo
cómo funcionan las dinámicas en un grupo, algo que
he experimentado tanto como parte implicada como siendo testigo
indirecto. Lo que opina el grupo, o los “generadores de opinión
del grupo” va a misa. A no ser que sea cuestionado, puesto en
duda. Pero eso ha de hacerse con mucho mimo, cuidado, respeto
y mucha, sinceridad. Lo cual sucede en ese “taller creativo” (que
por un momento destila verdad).
Esto que sucede con este grupo de alumnos, que salen del teatro
un poco más confundidos de lo que entraron, pero también, quiero
creer, un poco más libres y críticos, se puede aplicar a todos nosotros.
Como público, en el cual muchas veces los gustos nos vienen dados, lo
mismo da si son comerciales, como los más refinados vanguardistas, y
como profesionales de las artes escénicas, donde no nos vendría mal
ser capaces de mirar cara a cara a un no me ha gustado nada, o a un
me he aburrido, en vez de defendernos (la mayoría de las veces de
modo patético) con un a ver si aprendéis un poco más, o un nadie es
capaz de comprender la grandeza de nuestra propuesta.
Cosa que a veces, tristemente sucede, ya que grandes trabajos son
ninguneados, aunque creo que aquí intervienen otros factores, más
complejos y difíciles de analizar.
Creo, para terminar, que es sano, aunque agotador (de eso doy
fe) ponerse delante del fracaso, mirarle a los ojos directamente, con
calma, y aprender de ese diálogo difícil de establecer. El fracaso, con
tanta mala fama, y sin embargo bastante más útil de lo que parece.
Para terminar, un pequeño comentario para el profesor de hombros
agrietados. Me pone, esta vez si, de muy mala leche, que lo que esa
persona es incapaz de hacer con su grupo de alumnos, que es ga-narse
su respeto y provocar su interés (lo cual se que es muy difícil)
lo deje en manos del teatro. A ver si estos actores les sirven como
estímulo, les provoca un poco, etc... parece querer pensar, y hasta lo
dice, “quería provocarles un shock”.
No, señor profesor de hombros agrietados, el teatro no tiene como
función sacudir las conciencias de sus alumnos a modo de terapia de
choque (en cuanto alumnos), para que la apatía deje de reinar en sus
clases. No es este nuestro cometido. Nosotros ofrecemos otra cosa,
queremos que se conmuevan, que asistan, si es posible, a una repre-sentación
teatral con la lógica mezcla de desconfianza y curiosidad,
del resto nos encargamos nosotros. Pero no tenemos la obligación de
despertarles de su letargo, eso es cosa de sus padres, o de usted.
¿O si tenemos esa obligación?
E

76. 14 octubre Carlos Be Las Lejanías
Quiero hablar de
The Zombie Company
76
esde The Zombie Company tenemos que estar agradecidos
por poder emprender esta nueva temporada 2014-2015
con cuatro obras en cartel y en vísperas de una quinta,
“Locuras cotidianas” de Petr Zelenka, la cual hemos comenzado a
ensayar el mismo día en que escribo este artículo.
“Locuras cotidianas” es la primera obra de The Zombie Company
cuya autoría no firma un servidor. Nunca existe una única razón para
nada y entre los múltiples motivos para embarcarnos con este texto
del autor vivo más importante de la República Checa, además de tra-tarse
de la comedia que algún día me hubiera gustado escribir a mí,
lo cual se traduce en mi más profunda admiración hacia su creador,
también se halla el no contar con más tiempo para escribir nuevas
obras. ¿Por qué? Porque estamos a full.
Entre las cuatro producciones en activo contamos en total con un
elenco de doce actores, a los que cabe sumar las nuevas incorpora-ciones
de “Locuras cotidianas”. Ellos son Esperanza Elipe, Pepa Rus y
José Ángel Trigo, quienes junto a Fran Arráez, David González, Carmen
Mayordomo y Alfonso Torregrosa, presentes también en otros monta-jes,
saldrán al escenario el martes 4 de noviembre para presentar por
primera vez ante el público español esta gran comedia checa.
Cuando Fran y yo presentamos en Madrid nuestro primer espectá-culo,
hace seis años ya, aún no sabíamos que un día nos instalaríamos
en la ciudad y llegaríamos a tener tantos proyectos entre manos, y
además no cualquier proyecto, sino nuestros propios proyectos, los
proyectos en los que nos gusta laborar a diario y sin horario, apos-tándolo
todo en los escenarios, dejándonos la piel y parte del alma y
el corazón y, por supuesto, ¿para qué si no?, siendo muy felices. Si se
me permite la licencia poética, es en el escenario donde prendemos
nuestros sueños.
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The Zombie Company nació hace más de diez años en Barcelona.
Llegamos a Madrid por primera vez con “Achicorias”, un jueves 13
de noviembre de 2008. Actuamos en el desaparecido Teatro de las
Aguas, regentado por Carmen Mayordomo, allí la conoceríamos, aún
recuerdo el momento, en la esquina de la calle de las Aguas con la ca-rrera
de San Francisco, a escasos metros de la Real Basílica del santo.
Desde entonces, la sucesión de teatreros y teatreras (qué gracia que
estas palabras tengan cariz despectivo en Latinoamérica, donde recu-rren
al término “teatrista” para referirse a lo que para nosotros es un
“teatrero”) no se ha detenido y ha ido creciendo así como, por encima
de todos nosotros, o mejor dicho en otro plano, casi intangibles para
el teatrero (o teatrista), los insoslayables ojos de los espectadores
que se abren cada noche y como un cielo estrellado guían el barco
de la representación por las aguas de sus conciencias. Hay teatreros
que navegan para hacer fortuna. Otros para admirar el cielo bajo el
que navegan. Fran y yo nos consideramos de estos últimos y nuestro
astrolabio es el soñar.
En mayo de este año presentamos el manifiesto de la compañía
en el Matadero de Madrid. Fue en el marco del festival Zink Shower y
allí nos plantamos con la intención de dar voz al esfuerzo de tantos
y tantos profesionales que nos han acompañado con una entrega sin
igual durante una docena de espectáculos hasta la fecha, ahí es nada,
sobre todo con los tiempos que corren.
Con la voz alentada por el esfuerzo y la vista clavada en el horizon-te,
confesamos que nos sentimos muy felices. Y satisfechos y orgu-llosos
por pertenecer a algo en lo que creemos y que consideramos
importante, y en lo que seguiremos invirtiendo todo lo que haga falta
aunque tengamos que subir a los escenarios con las manos sudadas,
y el corazón y el alma resollando. Viva el teatro.
D

77. octubre 14
77
El método griego María Chatziemmanouil
The greek play project: Una web
para la dramaturgia griega
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stoy segura de que es muy difícil que la gente del teatro
español entienda cómo en el país que fue la cuna del
teatro mundial, no hay actualmente una Escuela de Dra-maturgia
(ni pública, tampoco privada.) Que no hay en las Univer-sidades
o en las dos escuelas dramáticas públicas (la de Atenas y
la de Tesalónica) departamento donde uno pueda aprender a es-cribir
teatro. Que casi no se convocan premios para la dramaturgia
(una o dos excepciones sirven sólo para confirmar la norma). A
pesar de esa falta de motivación y de educación teatral, a pesar de
la indiferencia por parte de las instituciones públicas, hay todavía
en Grecia gente que escribe
teatro. Y a menudo, este tea-tro
es muy interesante.
Este teatro griego contem-poráneo
de autores vivos, a
partir de septiembre de 2014,
tiene su propia página web:
http://www.greek-theatre.gr/,
fruto del interés y de la pasión
de la teatróloga Irini Mundraki
y de su equipo de colaborado-res
especializados. Mundraki
estudió teatrología en Atenas y
en Milán, es crítica de teatro y
trabaja desde hace 15 años en
el departamento de relaciones
internacionales del Teatro Na-cional
de Grecia en Atenas. Es también traductora de obras de teatro
italiano. “Empecé a pensar en el proyecto hace muchos años”, dice
Mundraki, que a partir de los años 90 se puso a leer “por vicio” casi
todas las obras escritas por autores griegos contemporáneos. “Era
algo que quería hacer desde siempre, pero no tenía tiempo. Cuando
me quedé embarazada, tuve bastante tiempo libre para dedicarme
a eso y a partir de aquel momento, empecé a planteármelo seria-mente.
Durante todo el último año yo y mis colaboradores hemos
trabajado muy duro para poder lanzar el sitio web.”
El proyecto no cuenta con subvenciones de ningún tipo y está
totalmente basado en el trabajo voluntario y entusiasta de sus inte-grantes.
“No se trata de una agencia de autores” explica Mundraki.
“Nosotros llegamos hasta el punto de poner en contacto al autor
con la gente que quiere estrenar o estudiar su obra, sea en Grecia
o en el extranjero.”
En su primera fase, el proyecto incluye 275 obras de 42 autores,
algunos de los cuales ya gozan de reconocimiento internacional,
como es el caso de Yianis Mavritsakis, o son emergentes y han
escrito sólo una obra, como por ejemplo Artemis Mustaklidu. “Mi in-tención
fue que en esta primera fase participaran autores de ambos
sexos representativos de todas las tendencias y tipos de teatro,
incluyendo hasta el teatro infantil”, dice la fundadora. “La selección
no fue fácil. El criterio ha sido sobre todo personal, pero he tenido
también en cuenta unos parámetros objetivos, como es el recorrido
profesional del autor hasta ahora, su aporte renovador a la drama-turgia
griega contemporánea etc. Iremos añadiendo aproximada-mente
un dramaturgo cada dos meses.”
El sitio web ya está traducido al inglés. La obra de cada autor
se presenta por medio de un estudio breve escrito por un aca-démico
o un teatrólogo. Hay una sección especial para las obras
que están en cartel en Grecia o
en el extranjero, los CVs de los
dramaturgos y una ficha para
cada obra, de manera que el
interesado pueda ver rápido
cuantos personajes tiene cada
obra, su sexo, la posibilidad de
doblar alguno etc. Otra sec-ción
es dedicada a entrevistas
de personas importantes del
teatro griego, mientras que
contamos también con las
noticias teatrales más desta-cadas.
“Más adelante vamos a
incorporar las traducciones de
las obras que forman parte del
proyecto a otros idiomas, para
que uno pueda pedir y leer la obra en su lengua si está traducida.
Por ahora eso nos lo pueden pedir por mail.”
El proyecto tiene como objetivo contribuir a la difusión del teatro
griego moderno tanto en Grecia, como en el extranjero, en coopera-ción
con otros organismos, como por ejemplo la Fundación Onassis.
“Dramaturgos o artistas griegos de otras disciplinas son invitados a
Festivales internacionales y no pueden acudir porque no hay ninguna
institución que pueda hacerse cargo por lo menos de los gastos de su
viaje, mientras que en otros países los artistas se ven subvencionados
por medio de mecanismos establecidos por los Ministerios de Cultura
y de Relaciones exteriores y de mecenazgos privados”, dice Katia Ar-fará,
la gestora del departamento de teatro en la Fundación Onassis.
“Si eso no cambia, el teatro griego va a perder una única oportunidad
que se le brinda, visto que actualmente está viviendo uno de los mo-mentos
más prolíficos de su historia.”
Esperemos que “The greek play project” constituya un puente
susceptible de contribuir a la comunicación entre el teatro griego y
el teatro mundial y que ayude a la dramaturgia griega a salir de su
aislamiento y a encontrar su hueco en el panorama teatral contem-poráneo.
¡Más vale tarde que nunca!
E

78. 14 octubre C78
De la Feria del Libro Teatral
de México al Salón de Madrid
omo si se hubieran puesto
de acuerdo, las dos citas
más importantes en el cam-po
del libro teatral, la Feria
Internacional de México y el Salón
de Madrid, han decidido adelantar
sus fechas de celebración. Llega-mos
de México el pasado 9 de
setiembre, después de estar en
la edición de este año, adelantada
un mes exactamente para hacerla
coincidir con el primer Festival Ibe-roamericano
de Teatro Infantil.
El Salón de Madrid, aunque más
cercano en fechas a lo habitual,
también adelanta, y nos veremos todos en
la nueva sede de El Matadero madrileño del
31 de octubre al 3 de noviembre.
Dos ideas parecidas, nacidas de la misma
necesidad, dos situaciones diferentes debi-do
a las diversas intensidades con las que
se producen las implicaciones instituciona-les
en la organización y patrocinio, dos po-sibilidades
para profesionales, estudiosos,
alumnos e investigadores de encontrar no-vedades
editoriales recientes.
Conocemos las dos y no es cuestión de
hacer comparaciones. La de México ha
crecido en los últimos años de manera
visible a primera vista. El Salón de Madrid
ha sufrido el mal de la trashumancia invo-luntaria,
recorriendo sedes no apropiadas
por todo el Estado español. Por segundo
año consecutivo se celebra en El Mata-dero,
seguro que recuperará el pulso y
cumplirá sus objetivos principales, como
es poner en contacto a autores, editores,
lectores, productores. Algo digno de in-tentar
cuantas veces sea necesario.
www. a r t e z b l a i . c o m
Nuestra implicación con la de México es
bastante más profunda, versátil y fecunda,
ya que con el INBA, el CITRU, CONACULTA,
y Paso de Gato, patrocinamos un premio
internacional de ensayo teatral que cada
año se conoce al ganador en el acto final
de la FeLiT. Eso nos implica de manera di-recta
porque editamos el ensayo ganador
y dos accesits. El diseño es diferente, más
abierto, más de cara al público, con acti-vidades
constantes en el propio ámbito de
exhibición.
Lo cierto es que en los años que vamos
acudiendo hemos visto una evolución de las
actividades, pero sobre todo del volumen
de libros editados en el campo de las ar-tes
escénicas. Editoriales recién creadas,
otras vinculadas a salas o grupos, junto a
las institucionales y ya clásicas, con Esce-nología
a la cabeza de todas, la pionera,
la que un día se inventó Edgar Ceballos
que sigue al mando de la misma con ener-gías
renovadas, junto a otras con historia,
especialmente Paso de Gato, con los que
mantenemos una sociedad que
nos va a llevar a editar en breve
un libro conjuntamente y algunas
tan importantes por atender a los
autores contemporáneos, como El
Milagro o La Capilla.
A Madrid vamos con las misma
ilusiones. Sabemos que el Salón ha
invitado a Edgar Ceballos de lo cual
nos alegramos. El año pasado se
vio claramente que han irrumpido
en el panorama otras editoriales
que van creando su fondo y que
se dedican a la escritura dramática
contemporánea. Nosotros acudire-mos
con las novedades de nuestra editorial
Artezblai, y con todo lo nuevo que podamos
ofrecer del ya importante fondo de nuestra
Librería Yorick, cada día más aposentada,
cada días más implicada en numerosos
proyectos teatrales emergentes.
No hace falta ser un lince, en México te-nemos
colaboración, diálogo, ayuda, com-plicidad
con las autoridades nacionales en
la materia. Aquí, en Madrid, para resumir,
ni caso nos hacen. Ellos van a lo que van,
a lo suyo. Nosotros a lo nuestro. A veces
coincidimos. Convivencia pacífica. Y nos
referimos a las instituciones, no a los or-ganizadores
del Salón con los que man-tenemos
cordiales y fructíferas relaciones.
Sabemos de sus problemas y desvelos y
nos solidarizamos con ellos.
El teatro, el pensamiento teatral, las
obras se escriben, se editan y se pueden
leer. No es una amenaza es una realidad,
una posibilidad de disfrutar, de crecer, de
ampliar conocimientos. Hasta pronto Méxi-co.
Hasta ahora mismo Madrid.

79. octubre 14
79
públicas’ esconde en
sus páginas cuatro
monólogos escritos por
Franco Frías, Alejandro
y Hugo Salcedo. En
de la editorial mexicana
www. a r t e z b l a i . c o m
Con ‘El Michael Jackson de
la News Divine’ el mexicano
Alejandro Román homenajea
a todos los caídos en la tarde
del 20 de Junio de 2008,
cuando según afirma, “se
rompió algo más que la cor-dura”.
Una pieza de ficción
con muchos datos verdade-ros
acerca de los fatídicos
hechos ocurridos en el Antro
“La News Divine” editada
por Teatro de la Capilla.
Los mexicanos Ediciones Tea-troSinParedes
han publicado
los textos finalistas del Primer
Premio Independiente Joven
Dramaturgia 2012 impulsado
por la propia editorial. Se tra-ta
de tres obras de tres jóve-nes
dramaturgas mexicanas
‘Los invertebrados’ de Sara
Pinedo, ‘El último arrecife
en su tercera dimensión’ de
Mariana Gándara y ‘Crayolas
rosas’ de Laura Muñoz.
La editorial argentina
Gauderio Editor ha publicado,
recientemente ‘Arlequín,
servidor de dos patrones’
de Carlo Goldoni, un clásico
imprescindible del teatro
que basa su peripecia en la
ambigüedad, conducta tan
apreciada por el público de
todos los tiempos. Esta edi-ción
cuenta con la traducción
de Carlos Sampayo y prólogo
de Hernán Gené.
Estantería
Teoría Teatral
Texto Teatral
Teoría Teatral
Texto Teatral
Teoría Teatral
Texto Teatral
Teoría Teatral
El libro ‘Voces
impúdicas, vicios
políticos y confesiones
los dramaturgos, Efraín
Ostoa, José Ruiz Merca-do
esta nueva publicación
Texto Teatral
Escenología los cuatro monólogos son de personajes
femeninos quienes desde su interior transmiten sus
vivencias emocionales, conflictos y situaciones en
que se encuentran. No es la queja melodramática
por los aprietos de su destino, sino la maduración de
los antecedentes que las ha llevado a sus marcadas
circunstancias. Cuatro voces de mujeres, resonancia
de otras voces que no han podido, querido o atrevido
a revelar sus situaciones y enfrentarse, de cara a la
problemática. Cuatro protagonistas de nuestro tiempo,
de diversos ámbitos y distintos temperamentos pero
que no responden a estereotipos. Cuatro piezas con la
particularidad estilística de sus autores.
Publicado por Ediciones
Cumbres ‘El ballet una
devoción’ reúne un conjunto
de ensayos, artículos,
crónicas, entrevistas y otros
acercamientos al mundo de
la danza-escénica, en los que
historia, estética, crítica y
teoría se entrelazan con una
voluntad de exaltación al arte
de la danza y sus creadores
a través de un lenguaje sinté-tico,
sencillo y elegante.
Octaedro ha publicado ‘El
teatro joven de 13 a 16
años’ un volumen con el que
su autor, Alfredo Mantovani
concluye su trilogía peda-gógica
teatral y completa su
sistema de teatro evolutivo
por etapas. El libro se
presenta lleno de sugeren-cias,
estructuras y elementos
probados para llevar a cabo
prácticas artísticas con jóve-nes
e incluye dos obras.
Lorena Verzero es la autora
de ‘Teatro militante. Radica-lización
artística y política en
los años 70’ una publicación
de la editorial argentina
Biblos en la que su autora, y
partiendo de la concepción
del teatro militante como
manifestación de un com-portamiento
cultural, plantea
una serie de reflexiones en
torno a la construcción de las
identidades en este período.
La editorial mexicana
Paso de Gato ha
publicado dentro de su
colección Serie Teoría y
Técnica ‘Semiótica del
teatro, del texto a la
puesta en escena’ de
Fernando de Toro. Junto
a los estudios de Ubers-feld,
Pavis, De Marinis y
Helbo, los de Fernando
de Toro forman parte
de los cimientos del edificio epistemológico que en su
día se denominó semiología teatral. La particularidad de
este trabajo de De Toro es que fue escrito en español por
un latinoamericano, lo que sumó al campo dimensiones
sociales, políticas e históricas que hasta entonces esta-ban
ausentes en trabajos de corte más bien formalista.
Con este trabajo, reconocido ya como un clásico, su
autor busca distanciarse de los códigos encriptados
disponiendo unas síntesis teóricas y ejemplos concretos a
lo largo de cada capítulo. De toro habla profusamente del
paso de la modernidad a la posmodernidad y propone
categorías heurísticas y metodológicas para comprender
el texto teatral posmoderno.
Estantería

80. 14 octubre C80
XXV Festival Internacional de Teatro de Brasilia - Cena contemporânea
Las dificultades son anécdotas
cuando hay ideas y voluntad
reo que es la primera
vez que estoy en Cena
Contemporânea de Bra-silia
desde el día inaugu-ral
hasta el día justo antes de
terminar. Estoy autorizado, más
que nunca, para que mis opi-niones
se basen en mis propias
experiencias presenciales, entre
ellas, la de que se exhiba una
obra, Cuarteto del Alba, escrita
por mí y que presentó Laurentzi
Producciones. Esta circunstancia
provoca una cierta distorsión,
un añadido de tensión y una cla-ra
incomodidad, no tanto por el resultado
del montaje y su recibimiento por el público
o la crítica, asunto en el que uno no tiene
más posibilidades que ser un sujeto pasivo,
sino en la que es la primera vez que asisto
como invitado, ponente, cronista y además,
dramaturgo con obra programada.
Es más que cierto que con los años
se van creando corrientes de amistad,
de compañerismo que en ocasiones
se convierten hasta en corrientes de
opinión. En esta ocasión uno ha tenido
la oportunidad de retomar las conver-saciones
con un antiguo amigo, Carlos
Laredo ocupado de organizar en esta
edición varios encuentros y debates,
y resulta que este madrileño que fue
director de Teatralia, ha decidido poco
menos que exiliarse en Brasil debido
a los desafectos que ha sufrido en su
ciudad, Madrid, y en España en gene-ral.
Un tema a hablar en otro espacio.
Los festivales de este rango tie-nen
más o menos unos esquemas
organizativos similares, la diferencia
se encuentra en los matices. Quizás
la primera distinción venga de si se
trata de uno organizado por una en-tidad
privada con ayudas públicas o
por una institución pública con gestión
funcionarial. Ello influye en la manera
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Conselho de Classe de la Cía de Ators
que se tienen de afrontar no solamente los
grandes momentos, que existen, y muchos,
sino la dificultades. Está claro que los equi-pos
se parecen siempre a sus directores, y
cuanto más vinculados están estos al he-cho
teatral, a la práctica teatral, a la lucha
con los elementos del cada día teatral, más
confortables se sienten los ac-tuantes,
los invitados y me ima-gino
que eso se transmite de
manera directa a los públicos.
Cena Contemporânea de
2014 tuvo unos magníficos re-sultados
de ocupación de sa-las.
En una edición que sufrió
recortes inusitados de última
hora desde algunas institucio-nes
locales de primer nivel y
en donde la organización, de
índole privado, arriesgaba de
manera casi suicida, obtuvo
esa respuesta de los públicos
que, cuando menos, reconforta y les da la
razón, porque después de todos los even-tos
deportivos desquiciados, de todos
los gastos incontrolados, la cultura está
sufriendo hachazos, pero existen públicos
ávidos de asistir a las representaciones,
por lo que las autoridades deben darse
cuenta de esa realidad sino quieren
verse apartadas del devenir histórico
de las necesidades culturales y de-mocráticas
de sus ciudadanos.
Y otro dato, esta vez más subjeti-vo,
que creemos importante señalar.
Este festival tiene tres niveles de pro-gramación:
internacional, nacional y
local, y en esta ocasión hemos visto
espectáculos, propuestas de grupos
brasilienses que nos han sorprendido
muy gratamente ya que han elevado,
en su conjunto, su nivel de calidad. Y
eso que faltaban, por circunstancias
de producción, algunas de las compa-ñías
y creadores que más nos gustan
y que siempre hemos defendido. Las
nuevas y más emergentes, o las de
siempre, avanzan, arriesgan, aciertan,
y eso es meritorio y algo a señalar.
Porque, ¿para qué sirve un festival
si no es para conocer otras realida-des
escénicas y para ver cómo están
las propias? Sobre la utilidad de los
Ottelo ©Gianni Mesticheli

81. octubre 14
81
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festivales se debatió. Supimos cómo fun-cionan
los Centros Dramáticos franceses.
Y de todos aprendimos. Escuchamos un
mensaje importante, la necesidad de que
los profesionales del teatro se hagan cargo
de los medios de producción, teatros, sa-las,
presupuestos y no dejarlos en manos
de funcionarios o mercaderes. Un mensaje
que hay que ir recalcando para que no se
olvide. Eso y que cada vez hay que tender a
programaciones, gestiones, proyectos co-laborativos.
Unidos se logran más cosas.
Un repaso ligero. Conselho de Classe
por los cariocas de la Cía de Ators, una
divertida y controvertida mirada a la do-cencia
y sus problemas. Muy celebrada
por el público. Un reparto muy solvente de
actores dando vida a mujeres sin ninguna
afectación. La compañía brasiliense, Novos
candangos, con Perdoame por me Traíres,
un texto de Nelson Rodríguez tratado en su
primera parte con estética casi barroca y
acabando en melodrama. Falta claridad.
Nos encandiló, nos pareció de una cali-dad
suprema, de una capacidad de comuni-cación
fuera de serie, Suzana Nascimento,
con su Calango deu! Os causos de dona
Zaninha, donde actúa, cuenta, canta, baila,
se relaciona con los espectadores y produ-ce
un espléndido mundo propio, teatral, de
alta intensidad.
Otra compañía brasiliense, Dois tempos,
presentó un montaje en claves de moder-nidad
de la obra de Plinio Marcos, Munda-réu
. Buen escenario, buen reparto, música
en directo, con una interesante puesta en
escena. El Grupo Desvío de Brasilia pre-sentó
uno de los montajes más atrevidos
en cuanto a su riesgo formal y conceptual,
Misanthrofreak, con actuación, dirección,
luz y sonido de Rodrigo Fischer, con un uso
bastante operativo del vídeo y del espacio.
Bastante más que una performance.
Desde otro punto de vista, formalmen-te
más asumible, pero con una situación
y unos personajes que la dotan de una
singularidad que causa verdaderos con-mociones,
Noctiluzes, escrita por Santiago
Serrano y presentada por la compañía bra-siliense
Plagio de Teatro, con dirección
de Sergio Satório. Sorprende la frescura,
el mundo en el que todo parece verosímil
pese a ser un absurdo total.
Jérôme Bel y Pichet Klunchun, ofrecieron
una suerte de conversación bailada. Además
del mencionado Cuarteto del Alba, estuvie-ron
presentes los espectáculos españoles:
La chica de la agencia de viajes nos dijo que
había piscina en el apartamento de la compa-ñía
El Conde de Terrefiel, y Kamikaze Teatro
con su La función por hacer. La compañía
escocesa Vanishing Point Theatre Company,
presentó Tomorrow, un trabajo muy alicata-do,
muy frío, cerebral, oscuro sobre el paso
del tiempo. Y finalizando el apartado interna-cional
la deslumbrante versión del Ottelo de
Shakespeare de la mano de Gabriel Chame y
sus excelentes actores argentinos.
Larga vida a Cena Contemporânea de
Brasilia.
Carlos Gil Zamora
Calango deu! Os causos de dona Zaninha ©Sergio Santoain

82. 14 octubre D82
FiraTàrrega tiende su mirada
hacia el exterior
el 11 al 14 de septiembre
ha tenido lugar la 34 edi-ción
FiraTàrrega cita, que
en su ámbito más pro-fesional,
en los últimos años está
apostando por convertirse en una
de las plataformas de exhibición,
conexión y intercambio cara al ex-terior.
Actúa como avanzadilla en
buscar nuevos mercados, nuevas
conexiones, nuevas esperanzas,
todo ello se ve reflejado, de forma clara en
la programación, en la selección de propues-tas,
al igual que en la manera de plantear
nuevos apartados dentro de ella intentando
atender las necesidades de los profesionales
que acuden a ella, y en la Llotja, su espacio
de mercado, saber idiomas, más que un plus
se está convirtiendo en una necesidad.
Una acude a FiraTàrrega con diferentes
misiones y resulta prácticamente imposible
poder ver todos los espectáculos. Dentro
de la selección consciente y fortuita reali-zada
ha resultado que el computo ha sido
positivo y enriquecedor. En esta 34 edición
han contado con la presencia de compañías
venidas de países centroeuropeos como la
agrupación polaca Teatr KTO que ha esceni-ficado
The Blind adaptación del ‘Ensayo de
la ceguera’ de Saramago, dando vida a un
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montaje de gran formato de carácter multi-disciplinar,
donde prima su potencia visual,
con unos intérpretes entregados. Cabe des-tacar
la singularidad de los trabajos Fugit de
Kamchàtka y Chicken legz de Animal Religion.
En el primero el espectador se convierte en
un fugitivo más junto con los intérpretes, que
por su estética se deduce que pueden ser
parte de la resistencia en la Segunda Guerra
Mundial. Te dan la oportunidad de experi-mentar
esa huida, entrando y saliendo de
lonjas, casas, montarte en una camioneta...
una propuesta compleja en su realización,
con unas localizaciones excepcionales, una
experiencia inolvidable, al igual que la segun-da
creación de Animal religion que te hace
vibrar en este show animal-circense creado
para llevarse a cabo en una granja o picade-ro,
como en esta ocasión, donde Quim Girón
se rodea de intérpretes excepcionales.
En el espacio habilitado en la Plaza
de Les Comedians pudimos ver dos
propuestas de danza-teatro de gran
potencial. Col-lectiu Big Bouncers es-cenificó
Big Bounce montaje que se
centra en la palabra y el movimiento
que se adapta al lugar y momento al
que se interpreta y Yi-Ha, pieza loca,
divertida pero muy armónica de Los
Moñekos. De sala los montajes vistos
no cumplieron las expectativas, los mexica-nos
Teatro de la Arena en La velocidad del
zoom del horizonte realizan un arduo traba-jo
de interpretación pero la historia resulta
pesada, algo parecido ocurre con África del
argentino Luis Biasotto.
Destacable Andante de Markeliñe, de las
pocas propuestas itinerantes de la presente
edición, la fusión del concepto de contempo-raneidad
y tecnología de la pieza de danza
Travelling interpretada por Catalina Carrasco
y Gaspar Morey, el esfuerzo de La Trócola
por crear un montaje circense con una pues-ta
en escena más actual en Potted así como
la irreverencia y el humor tan necesarios de
Las XL con su concierto Abandónate mucho
en el Espai 23 Arts.
Irune Larruzea
Animal Religion ©Irune Larruzea