Dibujo natural

Dibujo al Natural
Bloque Básico
Compilador:
L. D. G. Margarita Saloma Ramírez
Licenciatura en Diseño Gráfico
CONOCERSE ACEPTARSE AMARSE CUIDARSE SUPERARSE TRANSMITIR TRANSFORMAR
Índice

Índice 1
Dibujo al Natural
Índice 1
Introducción 4
Objetivo General 5
Tema 1. El dibujo 6
Objetivo de aprendizaje 6
Introducción 6
1.1 Concepto 6
1.2 Tipos de dibujo 7
1.2.1 Técnico 7
1.2.2 Artístico 8
1.3 Características generales de los tipos de dibujo. Similitudes y
Diferencias 8
1.4 Utilización del dibujo técnico y artístico en el diseño 9
Resumen 11
Conclusión 12
Bibliografía 13
Fuentes complementarias 13
Tema 2. Materiales y herramientas de dibujo 14
Introducción 14
2.1 Grafito: lápiz y barra 15
2.2 Carboncillo: natural, lápiz y barra 17
2.3 Plumón: grueso y delgado 18
2.4 Tinta china: radiógrafos y pincel 18
2.5 Sustratos: papeles y cartulinas 20
Resumen 23
Conclusión 24
Bibliografía 25
Tema 3. El trazo de la línea con instrumentos
de precisión 26
Introducción 26
3.1 La intensidad, constante y variable 28
3.2 La separación, constante y variable 29
3.3 Dirección de la línea 33

Índice 2
Dibujo al Natural
Bibliografía 34
Tema 4. El trazo de la línea a mano alzada 35
Introducción 35
4.1 La intensidad, constante y variable 35
4.2 La separación, constante y variable 37
4.3 Dirección de la línea 39
Resumen 42
Conclusión 43
Bibliografía 44
Tema 5. Origen geométrico de los objetos 45
Introducción 45
5.1 El cubo 47
5.2 La esfera 47
5.3 El cilindro 48
5.4 El cono 48
Conclusión 50
Bibliografía 51
Tema 6. Nociones básicas de dibujo en perspectiva 52
Introducción 52
6.1 Concepto de dibujo en perspectiva 52
6.2 Perspectiva como fenómeno visual 56
6.3 Percepción visual del objeto 57
6.4 Perspectiva con un punto de fuga 60
6.5 Perspectiva con dos puntos de fuga 61
Resumen 64
Conclusión 65
Bibliografía 66
Tema 7. Elementos básicos del dibujo en perspectiva 67

Índice 3
Dibujo al Natural
Introducción 67
7.1 Luces y sombras 67
7.2 Alto contraste 69
7.3 Ashurados 71
7.4 Degradados 72
Resumen 74
Conclusión 75
Bibliografía 76

Introducción 4
Dibujo al Natural
Introducción
Esta asignatura plantea el estudio de las formas y el espacio para la
representación de figuras mediante el dibujo a mano alzada y lineal, desarrollando
a su vez la capacidad de observación del alumno.
La presencia de esta asignatura tiene como respuesta la necesidad de
comunicación con nuestros semejantes a través de un lenguaje universal que
permita transmitir ideas, descripciones y sentimientos.
El valor formativo de la materia reside en el desarrollo de la capacidad para
comprender las formas del entorno y su expresión mediante este lenguaje.
Al desarrollo y potenciación de la capacidad observadora se unirá el paulatino
dominio de los recursos con procedimientos, instrumentos y técnicas que permitan
la expresión del pensamiento de forma visual (gráfico-plástica).
Para ello se transmiten normas y conceptos propios del dibujo artístico (la
proporción, el contraste, el volumen). La práctica se realiza con distintas técnicas
(grafito, carboncillo, plumón, tinta china) haciendo ejercicios reales e imaginarios.
Con estos planteamientos en la materia se pretende la adquisición de
conocimientos, vocabulario y destrezas que permitan al individuo, tanto
expresarse correctamente usando los medios gráfico-plásticos, como desarrollar
su personalidad artística.
La adquisición de los conocimientos se producirá de forma progresiva y continua
para que vaya unida a unos resultados prácticos que motiven al alumno e inviten a
invertir un tiempo indispensable para su formación, en un estudio y análisis
objetivo y riguroso de las formas, que le permitirá, a continuación, una vez
afianzados los conocimientos, enfrentarse a otros contenidos de una manera más
creativa y personal.

Objetivo general 5
Dibujo al Natural
Objetivo general
Al término del curso el estudiante trazará dibujos con volumen en el plano
bidimensional, con instrumentos de precisión y a mano alzada.
Al término del tema el estudiante dominará las habilidades técnicas requeridas
para representar gráficamente a mano alzada y con herramientas de precisión, las
estructuras de las formas en general, ya sean reales o imaginarias.
Al término del tema el estudiante aplicará las habilidades adquiridas durante el
cuatrimestre a futuros trabajos, integrándose a las demás asignaturas.

Tema 1. El dibujo 6
Dibujo al Natural
Tema 1. El dibujo
Subtemas
1.1 Concepto
1.2 Tipos de dibujo
1.2.1 Técnico
1.2.2 Artístico
1.3 Características generales de los tipos de dibujo. Similitudes y diferencias
1.4 Utilización del dibujo técnico y artístico en el diseño
Objetivo de Aprendizaje
Al término del tema el estudiante obtendrá los conocimientos teóricos necesarios
sobre los principios básicos del dibujo, que le servirán para la resolución gráfica de
todos los trabajos prácticos que se le planteen con posteridad.
Introducción
Desde sus orígenes, el hombre ha tratado de comunicarse mediante grafismos o
dibujos. Las primeras representaciones que conocemos son las pinturas rupestres,
en ellas no solo se intentaba representar la realidad que le rodeaba, animales,
astros, al propio ser humano, etc., sino también sensaciones, como la alegría de
las danzas o la tensión de las cacerías.
La evolución del dibujo en la historia es como muchos de los cambios que ha
sufrido nuestra actualidad y es, por la concepción de lo que es; de ser la expresión
comunicativa quizás más elocuente, ya que siempre nos va a dar a entender algo
que por la diversidad ideológica para cada persona nunca va a ser lo mismo.
Dibujar es representar gráficamente, mediante el uso de un solo color, en dos
dimensiones (las del soporte de trabajo) aquello que el ojo ve en tres dimensiones
es decir, los aspectos que presenta toda imagen: la forma y el volumen. El dibujo
es la técnica básica de todas las artes plásticas. Detrás de toda pintura, escultura,
diseño, etc. se vislumbra la ejecución de un dibujo previo, ya sea real o mental.
1.1 Concepto de dibujo
La palabra "dibujo" deriva de un vocablo latino, "designare", que significa designar,
señalar. El dibujo consigue mostrar una forma que suele corresponder con un

Tema 1. El dibujo 7
Dibujo al Natural
concepto u objeto real y está sometido a la más estricta bidimensionalidad; suele
ser monocrático o de muy pocos colores en diferentes gradaciones.
Según la Real Academia de la Lengua “dibujo es el arte que enseña a dibujar.
Proporción que debe tener en sus partes y medidas la figura del objeto que se
dibuja. Delineación figura o imagen ejecutada en claro y oscuro, que toma nombre
del material con que se hace. Dibujo de carbón, de lápiz”
La descripción de la G.E. Larousse completa este significado: “Representación
gráfica en que la imagen se traza, del modo más o menos complejo, sobre una
superficie que constituye el fondo. Motivo natural o artificial que presenta ciertos
objetos”.
1.2 Tipos de dibujo
El dibujo es la forma más antigua y sencilla del arte. Niños y adultos de todas las
edades crean imágenes dibujadas para expresar sus sentimientos, comunicar
ideas a otros, o simplemente por el placer y la alegría que proporciona el arte.
El dibujo se practica empleando diferentes métodos y materiales y con formas
diversas en cada sociedad y cultura del mundo. Sean cuales fueren las
herramientas, sean ésta el lápiz, el carboncillo, la tinta o el pastel, todos los
dibujos se ejecutan con línea o con tono.
Los dibujos a línea consisten exclusivamente en líneas mientras que el tono
implica sombreado y grados de luz y oscuridad.
El dibujo es el lenguaje del que proyecta, con él se hace entender universalmente,
ya con representaciones puramente geométricas destinadas a personas
competentes, ya con perspectivas para los profanos. También se puede decir en
otras palabras que es una representación gráfica de un objeto real de una idea o
diseño propuesto para un fin posterior.
En la clasificación general existe el dibujo Artístico y Técnico.
1.2.1 El dibujo artístico
El Dibujo Artístico utiliza dibujos para expresar ideas estéticas, filosóficas o
abstractas. El dibujo de los objetos visibles consiste esencialmente en el registro
de las impresiones recibidas a través de la vista.
Sin embargo, dado que no es posible presentar en una sola imagen todos los
aspectos visibles de un objeto, el arte del dibujo o dibujo artístico se sustenta de la

Tema 1. El dibujo 8
Dibujo al Natural
sugerencia, estimulando la imaginación del espectador para aportar lo que falta en
la representación.
1.2.2 El dibujo técnico
El Dibujo Técnico es el procedimiento utilizado para representar topografía,
trabajo de ingeniería, edificios y piezas de maquinaria, que consiste en un dibujo
sometido a una serie de normas que unifican los criterios de la representación.
Se trata de un dibujo cuyo propósito fundamental es transmitir la forma y
dimensión exactas de un objeto valiéndose de dos o más proyecciones para
representarlo lo más exacto posible. Estas proyecciones son diferentes vistas del
objeto desde varios puntos que, si bien no son completas por separado, entre
todas representan cada dimensión y detalle del objeto.
La utilización del dibujo técnico es importante en todas las ramas de la ingeniería,
arquitectura, geología y en la industria también.
1.3 Características generales de los tipos de dibujo. Similitudes y
diferencias
Desde la prehistoria los primeros hombres utilizaron el dibujo como una forma de
comunicación, por medio de figuras de tamaño reducido, ubicados en (abrigos)
rocosos, covachas y el interior de cuevas.
Desde estos tiempos, muy remotos se ha usado un lenguaje universal, un
lenguaje gráfico, que permitió a los más antiguos hombres comunicar sus ideas y
pensamientos entre sí. Estos dibujos constituyen las formas más primitivas de
escritura, que luego se convirtió en símbolos usados en la escritura actual.
El hombre desarrolló la representación gráfica en dos direcciones distintas,
atendiendo a su propósito: La Artística y Técnico.
Desde el comienzo de los tiempos, los artistas utilizaron dibujos para expresar
ideas estética, filosóficas o abstractas grafía. En los tiempos antiguos
prácticamente todo el mundo era iletrado. No existía la imprenta, y por tanto, no
había periódicos ni libros que se escribían como los hay ahora en asequibles al
público en general.
La gente aprendía escuchando a sus mayores a diferencia de nuestros días. Los
libros se escribían a mano, en papiro o en pergamino y se retroalimentaban
culturalmente mirando esculturas, cuadros o dibujos en los lugares públicos.

Tema 1. El dibujo 9
Dibujo al Natural
Todos podían atender a observar cuadros y éstos eran la fuente principal de
información.
El artista no era simplemente un artista en este sentido, era un maestro o un
filósofo, un medio de expresión y de comunicación.
La otra directiva que guió al dibujo en su desarrollo fue la historia, la técnica.
Desde los comienzos de la historia registrada, el hombre se valió de dibujos para
representar su diseño de los objetos por fabricar o construir. No queda rastro
alguno de estos primeros dibujos, pero se sabe en forma definitiva que el hombre
usó dibujos, porque no podría haber diseñado y construido lo que hizo sin usar
dibujos relativamente precisos.
1.4 Utilización del dibujo técnico y artístico en el diseño
Hoy en día, se está produciendo una confluencia entre los objetivos del dibujo
artístico y técnico. Esto es consecuencia de la utilización de las computadoras en
el dibujo técnico, con ellos se obtienen recreaciones virtuales en 3D, que si bien
representan los objetos en verdadera magnitud y forma, también conllevan una
fuerte carga de sugerencia para el espectador.
Las representaciones realizadas en 3D por las computadoras obtienen dibujos de
objetos con dimensiones y formas exactas, pero que a su vez por las perspectivas
adoptadas y los efectos de iluminación y ambientales mezclan en la frontera; lo
real y lo imaginario, lo técnico y lo artístico.
Imagen generada con 3DStudio 4 BLL

Tema 1. El dibujo 10
Dibujo al Natural
El dibujo es en sí mismo un arte, siendo practicado con profusión por artistas de
todas las épocas a lo largo de la historia, no sólo como estudio previo a la obra
acabada sino como manifestación artística descriptiva o expresiva. En este sentido
cuenta con el concurso de una serie de normas y el análisis de conceptos como la
composición, la entonación y la perspectiva que son básicos para el desarrollo de
un diseño exitoso.
Muchos diseñadores contemporáneos opinan que las habilidades para el dibujo
realista no son importantes, y aunque es cierto que el arte contemporáneo no
necesita una gran habilidad para el dibujo y que muchos artistas han producido un
buen arte sin saber dibujar, no es menos cierto que la habilidad para el dibujo
realista jamás ha bloqueado las fuentes de la creatividad, que se cultivan por otros
caminos diferentes.

Dibujo al Natural
Resumen
A lo largo de la historia, este ansia de comunicarse mediante dibujos, ha
evolucionado, dando lugar por un lado al dibujo artístico y por otro al dibujo
técnico. Mientras el primero intenta comunicar ideas y sensaciones, basándose en
la sugerencia y estimulando la imaginación del espectador, el dibujo técnico, tiene
como fin, la representación de los objetos lo más exactamente posible, en forma y
dimensiones.
En el campo arquitectónico o generacional de lo que se denomina técnico el dibujo
tiene diversas formas de proyectar objetos reales y situaciones en las que se
envuelve el hombre para la satisfacción plena de la necesidad de espacios que
este tiene para el desenvolvimiento cotidiano de su vida.
Considerando el dibujo como un medio de comunicación con el que el investigador
o el diseñador gráfico trasmiten ideas, debe también contemplarse desde el punto
de vista de la lectura y comprensión de las ideas. La rápida y correcta
interpretación de ciertas informaciones, como planos o datos de carácter gráfico,
es absolutamente necesaria para la adquisición de conocimientos básicos para
desarrollar la madurez suficiente que se necesita para resolver los problemas
gráficos a los que el diseñador gráfico se enfrenta todos los días.

Dibujo al Natural
Conclusión
El dibujo es un medio de expresión y comunicación indispensable, tanto en el
desarrollo de procesos de investigación científica, como en la solución gráfica a
posibles necesidades, es por eso que el conocimiento de los conceptos y
características del dibujo no sólo ayudan en la concreción visual, sino que también
contribuyen a comunicar las ideas en cualquier momento de su desarrollo, lo que
resulta uno de los aspectos más relevantes de la comunicación.
El dibujo, en fase de boceto es un instrumento ideal para desarrollar, mediante la
comunicación y confrontación de opiniones, trabajos de investigación o propuestas
de diseño.
Dicha función de comunicación, favorece no sólo las fases de creación, sino la
posterior difusión e información sobre el proyecto, lo que hace de él un
instrumento insustituible para el desarrollo de la actividad científica, tecnológica y
artística.

Dibujo al Natural
Bibliografía
- Bowyer, Jason. Introducción al dibujo. Barcelona: Editorial Blume, 1992.
- Facundo Moisi, Alberto. El dibujo: Enseñanza – Aprendizaje. México: Editorial
Alfaomega, 1998.
Fuentes complementarias
- http://www.dibujotecnico.com/fotocopiadora/apuntes/apuntes01.asp#003
- http://www.dibujotecnico.com/saladeestudios/teoria/historia/historiaintro.asp
- http://www.lafacu.com/apuntes/arquitectura/Dibujo/default.htm
- http://www.talleronline.com/dib.html
- http://www.arrakis.es/aepdapes/otrosb.html
- http://www.dip-badajoz.es/organismos/acovarsi/dibujo1.htm
- http://www.azc.uam.mx/cyad/procesos/website/grupos/tde/NewFiles/dibujo.ht
ml
- http://www.dqto.unexpo.edu.ve/basico/dibujo1.htm
- http://www.mec.es/gabipren/documentos/realdecreto/bac_dibujoart.pdf

Dibujo al Natural
Tema 2. Materiales y herramientas de dibujo
Subtemas
2.1 Grafito: lápiz y barra
2.2 Carboncillo: natural, lápiz y barra
2.3 Plumón: grueso y delgado
2.4 Tinta china: Radiógrafos y pincel
2.5 Sustratos: papeles y cartulinas
Al término del tema el estudiante conocerá los materiales necesarios para lograr
un buen desempeño del dibujo, reconocerá la importancia de saber manipular las
herramientas para lograr un excelente desarrollo y se familiarizará con los
sustratos que existen para este fin.
Introducción
Es de gran importancia para el dibujante desarrollar el dibujo, pues las ideas y
diseños iniciales son hechos a mano antes de que se hagan dibujos precisos con
instrumentos o a mano alzada.
El dibujo ha venido considerándose tradicionalmente como instrumento de
perfeccionamiento del trabajo de pintores y escultores. Al dibujar, primero se leen
las formas y luego se describen.
Este ejercicio expresivo, que puede llegar a dominarse tras un período de
aprendizaje y práctica, educa la inteligencia hasta el punto de que el artista que ha
disciplinado su personalidad dibujando a mano alzada y con instrumentos de
precisión, afronta con esa misma disciplina y orden actividades en apariencia tan
distantes como la expresión abstracta.
Para lograr avance en el dibujo es necesario tener ciertos conocimientos básicos
en cuanto a los materiales y los principales instrumentos en el dibujo, como son el
uso y tipos de grafito (blandos o duros, grasos o pulverizantes), tipos de
carboncillos, aplicación del plumón de acuerdo a su grosor, sustancias necesarias;
como lo es la tinta china, para instrumentos que la utilizan, así como los papeles
que mejor se adecuan a cada una de estas herramientas de dibujo.

Dibujo al Natural
2.1 Grafito: Lápiz y barra
El lápiz de grafito es uno de los medios para dibujar más versátiles, aunque su
descubrimiento es relativamente reciente. El grafito no se conoció hasta el siglo
XVI, y no fue que hasta el siglo XVII que se utilizó en forma de lápiz.
Con el lápiz pueden ejecutarse los garabatos más elementales, pero también las
reproducciones realistas más refinadas; es un recurso indispensable para el dibujo
por ser rápido y sin complicaciones.
Una versión temprana del moderno lápiz de dureza media fue la punta de plata,
utilizada por Leonardo da Vinci y Botticelli, entre otros. Esta delgada varilla,
compuesta por plomo y estaño, era capaz de producir trazos muy finos y una
amplia gama de tonos.
Las barritas de grafito, los lápices Conté y las barritas de carboncillo son
instrumentos para dibujar muy importantes, porque cada uno de ellos posee sus
trazos y tonos característicos en la superficie de los diferentes tipos de papel. El
débil brillo del lápiz sobre un papel liso está muy lejos de la mancha que deja el
carboncillo después que el artista ha limpiado las correcciones. El negro constituye
un modo vigoroso de relacionar imágenes y de crear una atmósfera rica y
atractiva.
El hecho de que tal gama de medios esté a nuestro alcance hace posible que las
diferentes partes que componen un dibujo puedan ser expresadas con distintos
tratamientos. Para determinadas obras, los punteados son esenciales, por lo que
se deberá usar uno de los lápices; en cambio, conviene realizar los bocetos que
recogen temas con movimiento con carboncillo, lápiz Conté, ceras o pasteles, ya
que estos materiales exigen un tratamiento vigoroso. Se deben explotar las
variaciones que presentan los colores del negro.
Los lápices se fabrican con diferentes grados de dureza, desde el 10B (muy
blando) hasta el 10H (muy duro). El lápiz es el medio ideal para elaborar detalles
y para trabajos muy acabados
Los lápices de grafito se fabrican con diferentes grados de dureza, desde el 10B
(muy blando) hasta el 10H (muy duro); la gama de dureza media se identifica con
las letras HB y es el medio ideal para elaborar detalles y para trabajos muy
acabados.
- Los lápices graduados con números son de calidad corriente.
- Los lápices graduados con letras son de calidad superior

Dibujo al Natural
Todos los lápices llamados de mina de plomo están constituidos por madera de
cedro y una mina compuesta de grafito y arcilla. El grafito, una sustancia de
aspecto metálico, grasienta al tacto, es lo que pinta, y la arcilla la materia que sirve
de aglutinante. A mayor cantidad de grafito más blando resulta el lápiz y,
viceversa, a mayor cantidad de arcilla más dureza.
BLANDO NORMAL DURO ESTRA DURO
No. 1 No. 2 No.3 No. 4
La diferencia entre un lápiz blando y un lápiz duro es realmente notable. Con un
lápiz blando es posible obtener los gruesos que el artista necesita, dúctil en los
degradados y voluntarioso en los tonos suaves.
Un lápiz duro como el No. 4, es menos cómodo. Es un lápiz egoísta que no da
más allá de un gris oscuro por mucho que uno frote la mina. Una mina cortante,
de una dureza que molesta, que no se desgasta tan fácilmente y que no da, por lo
mismo ese trazo ancho tan necesario al artista. Esa misma característica que
puede resultar un defecto para los dibujantes, resulta una estimable cualidad para
el hombre que dibuja planos y máquinas. De ahí que los lápices duros sean los
apropiados para el dibujo lineal y técnico.
Tratándose de dibujo artístico y en plan económico, lo mejor es que se use un
lápiz blando. Es del todo aceptable para apuntes y hasta para dibujos definitivos
cuando no se pretenden grandes efectos.
Principales marcas de lápices de calidad superior
PAIS DE ORÍGEN NOMBRE DE LA FABRICA MARCAS
República Checa L&C. Hardtmuth KOH-I-NOOR
Alemania A.W. Faber CASTELL
Alemania J.S. Steadtler MARS
Alemania Swan STABILO
Alemania Eberhard Faber VAN DIKE
Suiza Caran d’Ache CARAN D’ACHE
Francia Conté ALASKA

Dibujo al Natural
Lápices de la marca “TURQUOISE”
GRADACION
BLANDA PARA
FINES ARTÍSTICOS
GRADUACIÓN
MEDIA DE USO
CORRIENTE
GRADUACIÓN DURA
PARA DIBUJO
TÉCNICO
GRADUACIÓN
EXTRA-DURA PARA
FINES TÉCNICOS
ESPECIALES
7B 2B ( =1 ) H ( =3 ) 6H
6B B 2H 7H
5B HB ( =2 ) 3H ( =4) 8H
4B F 4H 9H
3B 5H
Esta tabla contiene las equivalencias entre lápices graduados con letras (clase superior) y lápices
graduados con números (clase corriente).
2.2 Carboncillo: natural, lápiz y barra
El uso del carboncillo se remonta hasta tiempos prehistóricos, es el material de
dibujo más antiguo, y sus orígenes se remontan probablemente a los tiempos en
que el primer habitante de las cavernas cogió del fuego un trozo de madera
chamuscado y comenzó a hacer trazos con él. Para el dibujo se le usa en forma
de palillos o lápices. Al igual que en el caso del lápiz, su dureza puede variar. El
carboncillo se emplea a menudo para crear dibujos sombreados debido a la
facilidad con que es capaz de cubrir áreas grandes. En la actualidad se fabrica
principalmente con maderas de vid y de sauce, y se encuentra disponible en una
amplia gama de grosores y longitudes
Se consiguen tres tipos de carboncillo:
- Lápiz. Hay una amplia gama de largos y grosores. A veces se venden
sueltos pero normalmente se encuentran en cajas. Los más delgados se
emplean en dibujo a línea; los más gruesos son muy adecuados para áreas
sombreadas, pero también pueden emplearse para hacer una variedad de
líneas.
- Barra. Se vende en barras cortas, y tiene un tono más oscuro que el de los
lápices. Es difícil trazar una línea delgada con un trozo de carbón
comprimido, a no ser que esté afilado; no obstante es muy útil cuando se
trata de conseguir un tono profundo y oscuro para aumentar el contraste en
un dibujo hecho con carboncillo.

Dibujo al Natural
- Natural. Están clasificados en extra blandos, blandos, medianos y duros. Se
les emplea para dibujos a línea y funcionan muy bien para dibujos rápidos en
el cuaderno de apuntes. Son muy útiles cuando se necesita una línea para
definir la forma en un dibujo sombreado.
2.3 Plumón: Grueso y delgado
El mercado ofrece plumones con puntas de fieltro finas, medias y anchas que
hacen posible desde la ejecución rápida de un dibujo a rayas hasta el cubrimiento
de una superficie. El inconveniente es que estos colores no son sólidos y
palidecen cuando se les expone a la luz del sol.
Las agencias publicitarias los utilizan como recursos para layouts y presentaciones
ante clientes porque la gama de tonos de color es muy amplia y realista.
2.4 Tinta china: Estilógrafos y pincel
La pintura es un medio de introducir color en los dibujos. Se puede utilizar para
hacer un dibujo base, para superponer una aguada a un dibujo hecho a lápiz o con
tinta, o para dar toques delicados de color local. Por definición, la pintura es un
pigmento (un polvo de color) que se mezcla con un agente aglutinante para
obtener un líquido o una pasta. A veces se le añaden agentes para espesar o para
diluir.
Las tintas son el medio ideal para producir trazos claros, bien definidos, y para
elaborar detalles muy intrincados (como los que suelen contener los dibujos
técnicos o arquitectónicos). Asimismo, este medio también permite obtener efectos
sorprendentemente delicados y sutiles. Las tintas se pueden usar puras o diluidas
con agua destilada o agua del grifo limpia para modificar el tono y el color.
Para obtener un color de fondo unificador se suelen aplicar aguadas de tinta muy
diluida a determinadas zonas del dibujo o bien a toda la superficie del soporte.
Los diferentes tipos de tinta son:
- Tinta china
- Tinta china de colores
- Pinturas acrílicas
- Acuarelas
- Pinturas al óleo
- Blanco de china

Dibujo al Natural
En la antigua China, las primeras tintas estaban hechas de hollín de vela y agua
de goma; eran sólidas y se mezclaban con agua. Los chinos las empleaban para
escribir y dibujar. Las tintas modernas para dibujo, tales como la tinta china, se
hacen con anilina en un adhesivo acuoso y se les agrega goma laca para hacerlas
impermeables. La tinta china es excelente para dibujar, porque es fácil de
conseguir y de manipular, ya sea con plumas, pinceles o estilógrafos.
Los pinceles se hacen con un manojo de cerdas o pelos cuidadosamente
seleccionados que se fijan en el extremo de un mango de madera con una funda
de metal llamada contera o virola. Los pinceles de buena calidad tienen una
contera que sujeta con firmeza tanto el mango como las cerdas. Sin embargo, éste
no es el caso de los pinceles baratos, que a menudo sueltan pelos que se pegan
al papel.
Los pinceles para acuarela se fabrican con pelos blandos y maleables porque
deben ser muy flexibles. El pelo de mayor calidad es el de marta, que se obtiene
del pelo de la cola del visón asiático. Los pinceles de marta son caros, pero si se
cuidan bien pueden durar muchos años. Otro tipo de pinceles se hacen con pelos
de buey o de cola de ardilla. Desde hace algunos años, también se utilizan pelos
artificiales, a menudo mezclados con pelos de animal. Como regla general,
conviene adquirir pinceles de la mejor calidad posible.
Las plumas se usan como medio para el dibujo desde hace muchos siglos, y
existe una gama muy extensa de tipos de estilógrafos a la venta. Las
estilográficas con plumillas de acero y los estilógrafos para abocetar se
acompañan de un gran número de plumillas intercambiables, con formas y
tamaños variables.
Los estilógrafos para abocetar son bastante más caros que la mayoría de las
plumas, pero producen un flujo de tinta muy regular que hace su manejo muy
agradable. Los estilógrafos técnicos –que normalmente se usan para dibujar
proyectos y planos arquitectónicos- producen trazos de grosor uniforme, sin
embargo no se puede dibujar con rapidez porque la tinta fluye con relativa lentitud
y porque la punta es muy delicada.
Estos estilógrafos están constituidos con un cargador en la punta en forma de
tubito, cuyo espesor oscila entre 0,13 y 2,00 mm. Se emplean en dibujo técnico y
arquitectónico, dibujos con regla y aquellos cuyas anchuras de línea tienen una
determinada significación. Se puede utilizar en el dibujo a pulso, pero el espesor
de la línea permanece constante.
El estilógrafo es especialmente adecuado para punteados realizados a mano o
para tramados de puntos. Su extremo en forma de tubo diminuto forma
automáticamente un punto casi redondo.

Dibujo al Natural
Los tipos de pinceles y plumas son:
- Pinceles redondos
- Pinceles planos
- Pinceles chinos
- Pluma de bambú
- Plumas y plumillas
- Cepillo dental
2.5 Sustratos: Papeles y cartulinas
La superficie utilizada por el artista para crear una imagen recibe el nombre de
sustrato. El sustrato más habitual para dibujar es el papel. Inventado por los
chinos, el papel fabricado con harapos fue introducido en Europa por los árabes,
que aprendieron los secretos de su elaboración gracias a prisioneros de guerra
chinos. La mayoría de los papeles que se fabrican en la actualidad provienen de la
madera, reducida a una pulpa fibrosa que se prensa y se deja secar sobre
pantallas de alambre. Después se prepara la superficie del papel, cuya textura
variará en función de la utilidad a que se destine. Cualquiera que sea su peso, su
textura y su dureza, todos los papeles pueden resultar útiles para el artista, y una
parte importante del proceso de dibujar es, precisamente, la que se refiere a la
elección del papel adecuado para el trabajo que se pretende realizar. Para un
boceto a lápiz, un papel con textura gruesa puede ser el más adecuado; en
cambio, una obra muy detallada y minuciosa exige el uso de un papel de
superficie relativamente lisa.
El papel se mide según su peso por resma (equivalente a unas 500 hojas). El peso
también se refiere al grosor. Un papel de 370 g/m2
es grueso mientras que un
papel de 130 g/m2
es mucho más delgado. La mayoría de los papeles se encolan
para sellar la superficie, y esto provoca una reducción de su capacidad de
absorbencia. El papel sin encolar o sin impresión se conoce bajo el nombre de
papel de agua, y es muy parecido al papel secante.
Unos papeles son más adecuados que otros para trabajar con ciertos medios.
Para dibujo en blancos y negros ejecutados con lápiz, Conté, carboncillo y tiza, se
recomienda un papel para abocetar ni muy rugoso ni muy liso, que retendrá bien
los trazos del medio para dibujar. Si se trabaja con pluma, pinceles y aguadas, lo
mejor será utilizar un papel para acuarela.
La mayoría de los papeles para acuarela son de fabricación mecánica, y se
presentan en tres tipos Standard. El papel prensado en caliente es,
probablemente, el uso más frecuente para acuarelas y dibujos con aguadas. Es

Dibujo al Natural
bastante suave y agarra muy bien los trazos de pluma, carboncillo y lápices de
diferentes durezas. El papel prensado en frío posee una textura de superficie con
grano, aunque no muy pronunciado: muy útil cuando se trabaja con aguadas, este
tipo de superficie permite tanto el trabajo de trazos amplios como el dibujo de
detalles muy delicados.
Los papeles hechos a mano suelen fabricarse con trapos. Se elaboran hoja con
hoja y sus bordes son delgados e irregulares. Este tipo de papel tiene una cara
buena y una mala, cada una de las cuales se puede identificar con facilidad si se
mira la filigrana.
Cuando el papel ofrece una superficie más o menos áspera, se trabaja con mayor
soltura, el trazo resulta menos concreto, no tan agudo y los difuminados cobran
más contraste y sobriedad.
Los tres grandes grupos de papeles, para dibujo, internacionalmente hablando se
pueden dividir en: Papel Marca Mayor, Cartulina Bristol y Papel tipo Canson, sin
embargo, se puede encontrar mayor diversidad de papeles.
- Marca Mayor. Se parece un poco al que se usa con los documentos
oficiales, sólo que más grueso y de mejor calidad, encolado y prensado a
mano o con procedimientos mecánicos que aseguran un acabado de
artesanía. Las hay de distintos gruesos y con ligeras diferencias de tono: de
un blanco puro y de un blanco azulado, sin embargo puede ser usado por sus
dos caras ya que no tiene derecho ni revés.
Su superficie es casi lisa del todo, por lo que le permite al lápiz un trazo más
concreto y franco. Las líneas son más precisas, agudas y continuadas; por lo
que se pueden conseguir líneas más justas, precisas y expresivas. El trazo
resulta más intenso proporcionando una escala más amplia de tonalidades;
por lo que se llega fácilmente al negro intenso, se consiguen calidades de
extrema finura y graduación.
- Cartulina Bristol. Es de un blanco puro o ligeramente ahuesado y puede
usarse por las dos caras, ofrece una superficie enteramente satinada y lisa.
Al igual que todos los papeles de superficie sumamente alisada, ofrece un
serio inconveniente al empleo de la goma de borrar.
- Papel tipo Canson. Se puede subdividir en dos:
a) papel de superficie ligeramente rugosa, de gran calidad
b) papel de superficie ligeramente rugosa, de calidad corriente

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Los dos grupos tienen algo en común: la textura de su superficie; es decir,
esa apariencia graneada, rugosa al tacto y a la vista
Materiales soporte técnica seca
NOMBRE TAMAÑO TEXTURA DENSIDAD COLOR
Guarro Varios Normal Fino Blanco
Torreón 100 X 70 GRANO FINO 90 GR.
blanco, gris,
crema, marrón
Torreón 100 x 70 Grano grueso 120 gr.
blanco, gris,
crema, marrón
Ingres 100 x 70 Grano Normal blanco
Canson tintes 65 x50 Normal 160 gr. 45 colores
Canson ingres 65 x 50 Grano fino 100 gr. 21 colores
Fabriano D5 y 100 x 70 50% algodón blanco
Ingres fabriano 100 x 70 Grano grueso 250 gr. blanco
Es recomendable usar de la siguiente manera los sustratos:
- Los papeles con grano son aconsejables por ejemplo, para materiales
gráficos como carboncillos, lápices compuestos, sanguinas, barras grasas,
etc…
- Los papeles satinados pueden ser válidos para rotuladores, barras grasas,
ceras, cuando lo que se pretende dibujar sea con puntos, líneas o manchas.
- Los papeles ingres, torreón y todos los que tengan grano, son adecuados
para el trabajo del claroscuro con difuminos.
- Las cartulinas y cartones serán adecuadas para la construcción de
composiciones por planos, para ejercicios de creatividad o interpretaciones
subjetivas entre otros.

Dibujo al Natural
Resumen
El lápiz es un medio muy popular debido a su amplia gama de aplicaciones tanto
en el dibujo a línea como en el trabajo tonal y es también, probablemente, la
herramienta que la gente más rápidamente asocia con el dibujo.
Se establece una clasificación según su grado de dureza, donde los lápices duros
trazan líneas finas y bien marcadas y los blandos una línea obscura, que puede
ser definida o difuminada considerándose por tanto más versátiles en su uso.
El carboncillo se emplea a menudo para crear dibujos sombreados debido a la
facilidad con que es capaz de cubrir áreas grandes.
La tinta china es excelente para dibujar, porque es fácil de conseguir y de
manipular por medio de pinceles o estilógrafos, donde los primeros crean trazos
más suaves y los segundos trazos más rígidos.
De tal manera, el sustrato lo encontramos actualmente en una amplia gama de
tamaños y superficies, hecho a partir de diversas combinaciones de fibra de
madera, lino, cáñamo y algodón. La superficie puede variar; el papel hecho a
mano puede tener una superficie con textura o un acabado liso y un papel de
producción industrial tendrá seguramente un acabado liso. Los papeles hechos
con cierto porcentaje de tela, representan, con mucho, la superficie más estable
para el dibujo, pero su precio puede resultar prohibitivo.

Dibujo al Natural
Conclusión
Con el pasar de la historia, el hombre se ha dado a entender por medio de un
lenguaje visual que ha perfeccionado, utilizando diferentes tipos de materiales
para comunicar sus ideas.
Desde la creación del papel, hasta la aparición de las nuevas herramientas de
dibujo, ha direccionado el uso de cada una de ellas a la par de los sustratos para
que combinen y logre expresarse con mejores resultados.
En realidad, lo importante es experimentar y conocer el tipo de trazo que va mejor
con cada sustrato y elegir la mejor opción tomando en cuenta sus necesidades.

Dibujo al Natural
Bibliografía
- Facundo Moisi, Alberto. El dibujo: Enseñanza – Aprendizaje. México: Editorial
Alfaomega, 1998.
- Smith, Stan. Curso practico de Dibujo. Nueva York: Editorial Blume, 1995
- Parragón Vilasaló, José María. Primeros pasos en dibujo artístico. Barcelona:
Parramón Ediciones. 18ª Edición. 1990
- Günter, Hugo Magnus. Manual para dibujantes e ilustradores: una guía para
el trabajo práctico. Barcelona: Editorial Gustavo Gili S.A., 1980
Fuentes Complementarias
- http://www.serrablo.org/museodibujo/deldibujo.html

Tema 3. El trazo de la línea con instrumentos de precisión 26
Dibujo al Natural
Tema 3. El trazo de la línea con instrumentos de precisión
Subtemas
3.1 La intensidad, constante y variable
3.2 La separación, constante y variable
3.3 Dirección de la línea
Al término del tema el estudiante completará el conocimiento de la relación entre
las formas y se cultivará el correcto uso de los instrumentos de precisión para
trazar líneas y crear diferentes formas e imágenes.
Introducción
Para poder comenzar a trazar líneas es necesario primero tener en cuanta los
instrumentos de precisión necesarios para tal objetivo, además de comprender
que el buen uso de ellos repercutirá también en el resultado final.
La lista que a continuación se entrega son los instrumentos mínimos, básicos y
necesarios para poder trazar líneas o formas de una manera correcta y limpia.
Aunque algunos de los elementos aquí mencionados parezcan obvios es
recomendable no olvidar ninguno.
Los principales instrumentos en el dibujo son: Mesa - Tablero, Regla T, Escuadras
de 30, 45, y 60, Papel de dibujo, Compás, Escalímetro, Goma de borrar.
- Mesa – Tablero.
Es donde se realiza la representación gráfica, tiene que ser de una superficie
completamente lisa, puede ser de madera o de lamina, plástico o algún otro
material liso. La mesa tiene unos sostenes que permiten la inclinación de la
misma para mayor comodidad. Es importante la iluminación pues debe
quedar de derecha a izquierda y del frente hacia atrás para no producir
sombras. También puede ser un tablero de trabajo independiente y el borde
de trabajo debe ser recto y se puede comprobar con una regla de acero.
- Regla T.
Es una regla con una cabeza en uno de los extremos. Cuando se utiliza debe
mantenerse la cabeza del instrumento en forma firme contra el canto del

Dibujo al Natural
tablero para asegurarse de que las líneas que se dibujen sean paralelas,
asimismo sirve de apoyo a las, escuadras para trazar ángulo. De ser de
madera hay que asegurarse de que su hoja quede perfectamente recta.
- Escuadras
Las más comunes que se usan son de 60, 30 y la de 45, estas se usan junto
con la regla T o regla paralela cuando se dibujan líneas verticales o
inclinadas. También son llamados cartabones y se hacen de celuloide
transparente o de otros materiales plásticos.
- Escalímetro
Las escalas están referidas normalmente al metro, siendo la más usadas:
Esc. 1:100, Esc. 1:75, Esc. 1:50, Esc. 1: 20. Las escalas se usan para medir,
es muy importante que los dibujantes sean precisos con la escala. Los
escalímetros son reglas métricas graduadas en centímetros y milímetros.
Tiene forma piramidal y cuenta con dos escalas diferentes.
- Compás
Este instrumento sirve para dibujar circunferencias y arcos. Consta de dos
brazos, en uno se encuentra la punta y en el otro una puntilla o mina que gira
teniendo como centro el brazo con la punta. El compás provisto de muelle
con tornillo de ajuste central se usa cada vez más; por la rigidez con que
mantiene su abertura.
Para los arcos y circunferencias grandes los dibujantes utilizan el compás de
barra. En algunos de ellos la parte inferior de un brazo es desprendible y sé
proporciona dos accesorios: Uno para la mina y otro para dibujar a tinta.
- Lápices de dibujo
Es el instrumento básico para la representación.
- Plantillas
Se usan para dibujar formas estándares cuadrados, hexagonales,
triangulares y elípticos. Estas se usan para ahorrar tiempo y para mayor
exactitud en el dibujo.
- Plantillas para borrar
Estas son piezas metálicas delgadas que tienen varias aberturas que
permiten borrar detalles pequeños sin tocar lo que ha de quedar en el dibujo.
Para borrar se utilizan gomas, las más recomendables son los llamados
goma lápiz.

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- Curvas regulares
Los contornos de estas se basan en varias combinaciones de elipse,
espirales y otras curvas matemáticas. Estas se utilizan para dibujar líneas
curvas en la que su radio de curvatura no es constante, estas son llamadas
también pistola de curva o curvígrafo.
- Goma de borrar
La goma de borrar blanda o de artista, que llaman de leche, es útil para
limpiar el papel o la tela de los marcos y suciedades dejados por los dedos
que perjudican el aspecto del dibujo terminado. También existe la borra
pulverizada que es para ulteriores desmanes con el sudor el grafito dejado
sin intención.
Parece obvia la consideración del uso de instrumentos de precisión cuando se
trata de dibujos relacionados con planos constructivos o aquellos gráficos que
impliquen compromiso dimensional o de escala.
El trazo de líneas de diferentes direcciones, con distinto grosor, la superposición
sucesiva de tramas, líneas cortas o muy alargadas, curvas o rectas separadas
entre sí o muy cercanas unas de otras, permitirá la exploración de distintos efectos
así como la multiplicación de posibilidades de tratamientos aplicables a los
diferentes elementos que intervienen en la escena.
En los casos anteriores es recomendable el uso de regla y escuadras para el
dibujo de tramas verticales y de diversas inclinaciones superpuestas que acentúen
los efectos de sombra o los reflejos, según el caso, combinando con trabajo a
mano libre para lograr efectos de mayor naturalidad en ciertas texturas,
esfumados y degradados.
Es importante hacer notar que cada diseñador puede captar de distinta forma las
peculiaridades de cada material y dar una respuesta gráfica diferente a la aquí
presentada, sin embargo la enorme riqueza que tiene el dibujo en blanco y negro
estriba en el hecho de que cada ilustrador podrá imprimir al dibujo su versión
particular de los hechos.
En este dibujo, se han trazado líneas con distinta separación y mayor calidad
hacia ambos puntos de fuga (con lo que se obtiene una retícula en el piso),
achurando posteriormente en un solo sentido y con línea vibrada de menor calidad
en toda la superficie. Los distintos tonos de gris se obtienen haciendo un achurado
en sentido contrario y únicamente en algunos sectores del entramado.

Dibujo al Natural
Si bien el dibujo en perspectiva de una edificación cuando se presenta únicamente
con un simple trazo geométrico, puede resultar frío a los ojos del observador, esta
condición se atenúa indudablemente con un atinado trabajo de representación en
los materiales que serán usados en la realidad, de esta manera tanto el concreto
aparente como la piedra al natural o el cristal (solo por citar algunos de ellos),
darán realce a la escena haciéndola mucho más agradable y cálida.
Como complemento a los factores antes señalados, en esta perspectiva se pone
de manifiesto el incalculable valor de los elementos naturales como son árboles,
arbustos o pasto, los que además de provocar un interés adicional por el dibujo,
acentúan el efecto de profundidad y equilibran el resultado gráfico del cuadro.
Sin excepción, el instrumento será tan eficiente como la persona que lo utilice. El
producto final depende del instrumento, de la superficie, y de la habilidad de quien
los maneja.

Dibujo al Natural
Obtenemos una línea al extender el punto gráfico. Entonces tenemos, que si el
punto de origen es pequeño o grande, derivará en una línea delgada o ancha. En
consecuencia, en la gráfica es válido que las líneas puedan tener diversos anchos,
siempre y cuando el largo sea lo más relevante. Por tanto, la línea gráfica tiene
una sola dimensión, el largo.
Independientemente de su anchura, una línea gráfica representa una trayectoria.
Esto es, indica la dirección hacia donde se dirige y lo largo de dicha trayectoria.
Por otra parte, una línea colocada en una superficie tiene situación y posición en
relación a ese campo gráfico. De esta manera una línea puede localizarse en
algún lugar del campo gráfico, en medio, arriba, abajo etc., y por su posición
denominarse vertical, horizontal u oblicua.
Las cualidades visuales de la línea gráfica, al igual que las del punto, son forma,
tamaño y color.
La forma de la línea gráfica depende de la dirección que siga al extenderse (recta
o curva). Así podemos imaginarnos las fuerzas que impulsan o presionan a la
línea y la enrollan, quiebran, ondulan, jalan, etcétera
Respecto al tamaño, clasificamos las líneas como pequeñas si caben integras en
el campo gráfico; en fragmentadas, si las suponemos partes de una sola línea, y
grandes si tocan los lados del campo gráfico, puesto que imaginamos que lo
sobrepasan.
El color en la línea gráfica, atrae la atención del espectador y lo influye
afectivamente. Si la línea gráfica es ancha el color entrará en combinación con el
del campo gráfico.
La línea durante su trayectoria puede ser modificada mediante la alternancia, el
desfase, el énfasis o la bifurcación.
Para ejemplificar estos modos trazamos a lápiz líneas delgadas y largas que
posteriormente transformamos en líneas anchas e intervalos En el siguiente paso
cortamos las líneas en tenores mediante el dibujo de una o varias figuras muy
sencillas
La alternancia de las líneas anchas se efectúa, cambiando la línea a intervalo y
viceversa, cada vez que se interrumpa por el dibujo de la figura. Se rectifica para
que no queden juntos dos intervalos, o dos líneas anchas y para que todas las
líneas estén unidas únicamente por los ángulos y los mismos los intervalos

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El desfase de las líneas indica que se ha salido, de la trayectoria fijada. El desfase
muestra parte de la línea detenida (por la mitad, un cuarto o tres cuartos), para
volver a subir y desfasarse cada vez que la interrumpa el dibujo. La línea
desfasada y el intervalo tienen trayectorias independientes. En el énfasis la línea
se adelgaza y se hace más ancha a partir de la marca del dibujo, los cambios
pueden ser bruscos o paulatinos.
La bifurcación, o efecto zebra en la línea, se logra mediante la división en ramales,
se realiza libremente o sigue al dibujo previamente determinado. (dibujo y com
graf….)
Para alcanzar categoría de forma las líneas se ordenan en conjuntos, estructuras
o redes.
Estructura y redes
Las líneas tienen forma de estructura, cuando están conectadas en un sistema
cerrado, para cumplir un fin práctico o estético. La estructura es como una
armazón de líneas articuladas que se apoyan entre sí, para equilibrarse
visualmente.
Las redes son formas con líneas que se cruzan y dividen el espacio del campo
gráfico. En esta unidad veremos las redes únicamente en su calidad lineal sin
considerar el espacio que limitan Las redes pueden construirse libremente, sin
ningún orden o tener un estricto rigor geométrico: armarse como un tejido al cruzar
líneas o unir varios planos y ajustarlos para que coincidan los lados. Las redes se
utilizan para dividir el espacio del campo gráfico en las composiciones, o modular-
lo con alguna intención expresiva.
Las redes básicas son tres la de cuadrados, la de triángulos equiláteros y la do
hexágonos, que se extienden de manera continua En general, cualquier tipo de

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triángulo, cuadrilátero o hexágono (con tres pares de lados paralelos iguales), es
apto para organizar redes similares a las básicas.
Las redes semirregulares se ordenan combinando cuadrados y triángulos
equiláteros (de lados iguales); con estas redes se logra una enorme variedad de
formas al aplicar las simetrías.
Composición
Tenemos dos procedimientos para realizar una composición, la formal y la
informal. La composición formal consiste en aplicar las simetrías para la
distribución de las líneas sobre el espacio del campo gráfico.
La composición informal consiste en distribuir las líneas en el espacio del campo
gráfico, procurando equilibrarlas al tomar en cuenta su peso visual Es
relativamente fácil, al dibujar las líneas, controlar el balance y "sentir" como un
lado pesa más o menos que el otro y añadir o hacer más ancha alguna línea para
encontrar el momento de equilibrio en la composición.
La línea cuenta con muchos recursos para la composición diferencia de anchos,
cambios de dirección, forma curva o recta, modalidades, y en particular, la
posición es una posibilidad expresiva con diversas aplicaciones.
La línea horizontal transmite tranquilidad o pasividad, está "acostada" y cada uno
do sus puntos descansa y apoya en el plano. La línea vertical parece en tensión
para no caerse a un lado u otro y sujeta a la ley de gravedad; se para en un punto
y se eleva. La línea oblicua es la que transmite mayor dinamismo y atrae la
atención, si se inclina hacia la derecha nos parece que asciende y hacia la
izquierda, que baja.

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La línea puede formarse mediante esos vectores creados por varios puntos que
estructuran direcciones de lectura dentro de la obra. Es decir, dirigen la mirada del
espectador hacia aquellos puntos que el artista considera como fundamentales.
Además, la línea separa planos y por tanto, ayuda a configurar el espacio
permitiendo la plasmación del volumen, como demuestran los numerosos
ejemplos de artistas que, mediante dibujos exclusivamente de línea, han sido
capaces de captar todas las cualidades del espacio tridimensional; así, Picasso,
Holbein o Hockney, han sido maestros en la utilización de la línea de contorno y su
mayor mérito reside en la economía formal que tal procedimiento supone.

Dibujo al Natural
Bibliografía
- De Sausmarez, Maureice . Diseño básico: Dinamica de la forma visual en las
artes plásticas. Barcelona: Editorial Gustavo Gili, 1995
- Hanks, Kart; Larry Belliston. El dibujo: la imagen como medio de
comunicación. México: Editorial Trillas, 1995
- Puente J., Rosa. Dibujo y Comunicación Gráfica. México: Editorial Gustavo
Gili, 1998

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Tema 4. El trazo de la línea a mano alzada
Subtemas
Al término del tema el estudiante practicará el uso de líneas y formas a mano
alzada para crear diferentes formas e imágenes, con efectos diversos.
Introducción
Se considera que el trazo es la base del dibujo. Sin embargo, en la naturaleza o
en el mundo visible no existe ninguna línea definida. El mundo exterior se nos
presenta como una yuxtaposición de superficies de colores y densidades
diferentes. Los límites exteriores de los objetos son los únicos que parecen formar
una línea precisa, que no existe en la realidad, pero que percibimos como tal.
Nuestra visión sintética, que proviene de nuestra facultad de abstracción visual,
nos permite definir un objeto (por ejemplo, la silueta de una flor o el perfil de un
rostro) con una línea continua o una combinación de líneas; nos faculta para
representar por medio de líneas trazadas en la superficie plana del papel el tema
en sus dimensiones espaciales.
Al principio, quizás la mejor técnica de dibujo que se deba desarrollar sea el trazo
de la línea pura. En la infancia, se comienza a dibujar con líneas y posteriormente
escribimos con líneas, con el tiempo, logramos la transición a dibujos mas
avanzados con el uso de la línea, Para muchas personas, el dibujo lineal es el
método mas natural. Es cómodo y parece fácil de aprender.
Razones para el uso de la línea:
• La línea es una manera rápida de visualizar ideas con un mínimo consumo
de tiempo y recursos.
• La línea es la forma natural de dibujar, los niños comienzan con ella y los
adultos continúan con ella al garabatear de por vida.

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• La línea enfatiza la estructura básica y la composición de un dibujo, lo cual
proporciona mayor seguridad de éxito y de un bosquejo más adecuado.
• La línea proporciona un marco sobre el que se pueden desarrollar otras
técnicas de dibujo, tales como el matiz y el color.
La línea se puede percibir con diferente intensidad debido al tipo de línea que sea.
- La línea recta
Suele expresar el sentido de la solidez, la rigidez y la fuerza podemos
observarlo en todos los objetos a los que se asocia la impresión de fuerza, se
componen generalmente por líneas rectas. La sensación de robustez que nos
producen los edificios Románicos se deben en gran manera a sus formas
rectas y cuadradas generalmente asociadas de forma psicológica a lo
masculino.
- La línea horizontal
Asociada a la idea de tranquilidad y calma, el reposo que queda "imaginado"
favorece la meditación, son paisajes idílicos de la línea del horizonte del mar
o las líneas de dunas tanto de playa como de desiertos.
- La línea vertical
La representación ideal para expresar fuerza o robustez al mismo tiempo que
el sentido del equilibrio y la estabilidad, unido al intento de interpretación del
sentido de la exaltación, son las líneas que utilizamos en los dibujos de las
catedrales góticas, los árboles como pueden ser el Eucalipto o los cipreses
proporcionan la misma sensación de estabilidad y espiritualidad.
- La línea inclinada
Produce sensaciones de actividad, de movimiento y según la dotemos de
más o menos inclinación, le conferimos el carácter de intensidad.
- La línea curva
El contrapunto de todo lo que puede representar la línea recta, símbolo
primordialmente de movimiento, de actividad y de vida, se asocian
psicológicamente a todo lo femenino o todo aquello que deseamos aparentar
de naturaleza delicada.
Usando libremente puntos, en grupos o difusos, se crea una variedad de energías
y tensiones que activan la totalidad del área en la que se encuentran. Todas
estas sensaciones se incrementan si nos permitimos introducir diferencias de
tamaños entre los puntos. Se puede entender una línea como una cadena de
puntos unidos. Indica posición y dirección y posee en sí misma una cierta energía:
la energía parece avanzar a lo largo de su longitud e intensificarse en sus

Dibujo al Natural
extremos, posee una velocidad implícita y el espacio próximo se ve activado por la
dirección de la línea.
De un modo limitado, la línea es capaz de expresar emociones: una línea gruesa,
por ejemplo se asocia con la audacia, una línea recta con la fuerza y la estabilidad,
una línea en zigzag con la excitación, aunque todo esto son simples
generalizaciones. Líneas rectas de la misma longitud y grosor en agrupaciones
paralelas pueden introducir factores de relación proporcional e intervalos rítmicos;
cambiando las longitudes y los grosores de las líneas, se experimentan ritmos más
complejos y provocan un impacto visual mayor.
La línea describe un contorno. En la terminología de las artes visuales se dice que
la línea articula la complejidad del contorno.
Hay tres contornos básicos; el cuadrado, el círculo y el triángulo equilátero.
Cada uno de ellos (Fig. 3.13) tiene su carácter específico y rasgos únicos, y a
cada uno se atribuye gran cantidad de significados, unas veces mediante la
asociación, otras mediante una adscripción arbitraria y otras, en fin, a través de
nuestras propias percepciones psicológicas y fisiológicas.
Al cuadrado se asocian significados de torpeza, honestidad, rectitud y esmero; al
triángulo, la acción, el conflicto y la tensión; al círculo, la infinitud, la calidez y la
protección.
Todos los contornos básicos son fundamentales, figuras planas y simples que
pueden describirse y construirse fácilmente, ya sea por procedimientos visuales o
verbales.

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Un cuadrado es una figura de cuatro lados con ángulos rectos exactamente
iguales en sus esquinas y lados que tienen exactamente la misma longitud
(Fig. 3.14).
Un círculo es una figura continuamente curvada cuyo perímetro equidista en todos
sus puntos del centro.
(Fig. 3.15).
Un triángulo equilátero es una figura de tres lados cuyos ángulos y lados son
todos iguales.
(Fig. 3.16).
A partir de estos contornos básicos derivamos mediante combinaciones y
variaciones inacabables todas las formas físicas de la naturaleza y de la
imaginación del hombre (fig. 3.17).

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Cuando los puntos están tan próximos entre sí que no pueden reconocerse
individualmente aumenta la sensación de direccionalidad y la cadena de puntos se
convierte en otro elemento visual distintivo: la línea.
La línea puede definirse también como un punto en movimiento o como la historia
del movimiento de un punto, pues cuando hacemos una marca continua o una
línea, lo conseguimos colocando un marcador puntual sobre una superficie y
moviéndolo a lo largo de una determinada trayectoria, de manera que la marca
quede registrada.

Dibujo al Natural
En las artes visuales, la línea, a causa de su naturaleza, tiene una enorme
energía. Nunca es estática; es infatigable y el elemento visual por excelencia del
boceto. Siempre que se emplea, la línea es el instrumento esencial de la
previsualización, el medio de presentar en forma palpable aquello que todavía
existe solamente en la imaginación. Por ello es enormemente útil para el proceso
visual.
Su fluida cualidad lineal contribuye a la libertad de la experimentación. Pero, a
pesar de su gran flexibilidad y libertad, la línea no es vaga: al contrario, es precisa;
tiene una dirección y un propósito, va a algún sitio, cumple algo definido.
Por eso la línea puede ser rigurosa y técnica, y servir como elemento primordial de
los diagramas de la construcción mecánica y la arquitectura, así como de muchas
otras representaciones visuales a escala o con alta precisión métrica. Tanto si se
usa flexible y experimentalmente como si se emplea con rigor y mediciones, la
línea es el medio indispensable para visualizar lo que no puede verse, lo que no
existe salvo en la imaginación.
La línea es también un instrumento para los sistemas de notación, por ejemplo,

Dibujo al Natural
para la escritura. La escritura, el dibujo de mapas, los símbolos eléctricos y la
música son otros tantos ejemplos de sistemas simbólicos en los que la línea es el
elemento más importante. Pero en el arte, la línea es el elemento esencial del
dibujo, que es un sistema de notación que no representa otra cosa
simbólicamente, sino que encierra la información visual reduciéndola a un estado
en el que se ha prescindido de toda la información superflua y sólo queda lo
esencial. Esta sobriedad tiene un efecto muy espectacular en los dibujos, las
xilografías, los aguafuertes y las litografías.

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Resumen
La línea puede adoptar formas muy distintas para expresar talantes muy
diferentes. Puede ser muy inflexible e indisciplinada, como en los bocetos, para
aprovechar su espontaneidad expresiva. Puede ser muy delicada, ondulada o
audaz y burda, incluso en manos del mismo artista. Puede ser vacilante, indecisa,
interrogante, cuando es simplemente una prueba visual en busca de un diseño.
Puede ser también tan personal como un manuscrito adoptando la forma de
curvas nerviosas, reflejo de la actividad inconsciente bajo la presión del
pensamiento o como simple pasatiempo en momentos de hastío.
Incluso en el formato frío y mecánico de los mapas, los planos de casas o de
máquinas, la línea expresa la intención del diseñador o el artista y además sus
sentimientos y emociones más personales y, lo que es más importante, su visión.

Dibujo al Natural
Conclusión
La unidad más simple, el punto, no sólo indica una posición sino que posee en si
mismo energías potenciales de expansión y contracción que activan el área de su
entorno. Cuando tenemos dos puntos, hay un planteamiento de medida y una
dirección implícita y sus energías “internas” crean una tensión específica entre
ellas que afecta directamente al espacio intermedio. (Diseño básico…)
La línea raramente existe en la naturaleza, pero aparece en el entorno: una grieta
en la acera, los alambres del teléfono recortándose contra el cielo, las ramas
desnudas en invierno, un puente colgante. El elemento visual de la línea se usa
mucho para expresar la yuxtaposición de dos tonos. La línea se emplea muy a
menudo para describir esa yuxtaposición y cuando así se hace es un
procedimiento artificial.

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Bibliografía
- http://www.imageandart.com/tutoriales/teoria/elementos_comunicacion/inde
x2.htm
- http://www.palmexo.com/taller/lineas.html

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Tema 5. Origen geométrico de los objetos
Subtemas
5.1 El cubo
5.2 La esfera
5.3 El cilindro
5.4 El cono
Al término del tema el estudiante comprenderá la importancia de la geometría en
los objetos que nos rodean y aprenderá a analizar la estructura transparente del
elemento o del espacio antes de dibujar la superficie exterior.
Introducción
Se llama dibujo geométrico al que se realiza con regla, escuadra y compás. Este
tipo de dibujo sirve para trazar los esquemas de casi todos los motivos
decorativos. Se recurre a él, cuando se debe encontrar la perspectiva de un objeto
cualquiera. Se requiere la máxima precisión y limpieza.
Con una regla se trazan las líneas principales, después se repasan y se termina el
dibujo detenidamente de forma tal que el resultado sea nítido.
Los objetos esféricos o redondos también pueden esquematizarse en un cubo. Así
como la esfera se inscribe en un cubo, todas las formas se pueden esquematizar
dentro de este último: el cilindro, la pirámide y el cono.
Cualquier tema a dibujar se puede descomponer en formas geométricas sencillas.
Ya que con eso se construye el esquema interno de los objetos.
Todos los objetos de la naturaleza se pueden representar a partir de formas
geométricas simples o elementales como la circunferencia, el triángulo o cualquier
paralelepípedo. El uso de las figuras básicas permite dibujar de manera rápida y
exacta. La tarea es más sencilla al descomponer figuras complejas en formas
geométricas simples.
El dibujo a base de figuras geométricas requiere de la adquisición de dos
habilidades. La primera es saber proporcionar a las figuras básicas un sentido de
dimensión y es decir, darles apariencia tridimensional.

Dibujo al Natural
La segunda habilidad, es poder visualizar un número completo de figuras simples,
relacionadas de tal manera que dan origen a una más elaborada.
La ilusión de dimensión profundidad se adquiere fundamentalmente con la
colaboración del matizado, sombras, líneas de contorno y perspectiva. En el caso
de esta figura, el matizado transforma al círculo en una esfera. La figura es
exactamente la misma, el círculo, sin embargo, una de ellas da una apariencia
plana y tridimensional, mientras la otra refleja volumen.
Al aprender a observar un objeto complejo como resultado de la combinación de
figuras básicas, se estará en el camino correcto para dibujar con exactitud y
destreza. Una vez que se realizó la forma, es sumamente sencillo agregar el
detalle.
La mayoría de la gente no advierte que los dibujos evolucionan. Se piensa, en
general, que un artista sólo toma asiento y crea una obra determinada. De hecho,
las obras de un artista evolucionan desde una primera etapa hasta otras de mayor
grado de complejidad hasta terminarlas.
Las figuras básicas son estructuras del dibujo. Su propósito es similar al que
ejerce el esqueleto para sostener al cuerpo en la postura correcta. De la misma
manera que el andamiaje en la construcción de un rascacielos, la ausencia de
figuras básicas en el dibujo provocaría que las ilustraciones carecieran de forma,
de perspectiva, que parecieran distorsionadas y erróneas.
Es fundamental el uso del esqueleto de figuras básicas para un dibujo a mano
libre y preciso.

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5.1 Cubo
El cubo es la figura básica más utilizada. En las páginas siguientes, se apreciará el
uso del cubo como base fundamental en la mayoría de los dibujos.
- Edificio
- Cochera
- Camión
- Camioneta
- Caja de juguetes
- Caja de zapatos
- Escritorio
- Mesa auxiliar
5.2 Esfera
La esfera y las figuras circulares son la base para más objetos de los que se
pueda imaginar. Por ejemplo, se utiliza esta forma básica para dibujar las
articulaciones del cuerpo humano.
- Pelota de básquetbol
- Calabaza
- Piedra
- Casco de fútbol americano
- Cabeza
- Foco eléctrico
- Perilla de puerta
- Globo terráqueo

Dibujo al Natural
5.3 Cilindro
El cilindro cuenta con infinitas aplicaciones en el plano mecánico y arquitectónico.
Gran cantidad de objetos creados por el hombre son cilíndricos. Asimismo, las
plantas y los árboles emplean la figura cilíndrica.
- Papel higiénico
- Tarro de confituras
- Tubo
- Pantalla de lámpara
- Poste telefónico
- Llantas
- Pierna
- Sombrero
5.4 Cono
El cono es, por lo general, menos reconocido en su forma pura. Sin embargo, se
utiliza con enorme frecuencia en el trazo de brazos, piernas, etcétera.

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- Teepee (tienda típica, de los indios pieles rojas)
- Barquillo
- Algunas flores
- Megáfono
- Coroza ("sombrero de burro")
- Carrete de cuerda
- Ruedas cromadas
- Tornillo
- Engranaje helicoidal
Por ejemplo, en el cuerpo humano se utilizan primordialmente figuras esféricas y
cónicas para darle. La cabeza y articulaciones han sido trazadas con base en
esferas, mientras que los miembros son conos alargados.

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Conclusión
Se puede dibujar cualquier cosa siguiendo los lineamientos de las cuatro figuras
básicas, para fundamentar y simplificar el dibujo. Mire a su alrededor y advierta las
figuras básicas. Aunque algunas son verdaderamente evidentes, la mayoría de los
objetos cotidianos son una combinación de dichas figuras o sus derivados, por lo
que nos resultan menos evidentes.

Dibujo al Natural
Bibliografía
- Manera, Domingo. Curso de dibujo y pintura. Editorial de Vecchi. Barcelona:
2001
- Fundamentos del dibujo Artístico. Barcelona: Parramón Ediciones, 2001

Tema 6. Nociones básicas del dibujo en perspectiva 52
Dibujo al Natural
Tema 6. Nociones básicas del dibujo en perspectiva
Subtemas
6.1 Concepto de dibujo en perspectiva
6.2 Perspectiva como fenómeno visual
6.3 Percepción visual del objeto
6.4 Perspectiva con un punto de fuga
6.5 Perspectiva con dos puntos de fuga
Al término del tema el estudiante reflexionará sobre el uso de la perspectiva como
elemento básico para la realización de un trabajo proporcionado de manera real y
pondrá en práctica los elementos que la percepción visual define para la correcta
estructuración de un dibujo.
Introducción
Aprender a dibujar en perspectiva requiere la misma habilidad que se ha tenido
hasta el momento: ver las cosas tal como son en el mundo exterior. En ambos
casos debemos dejar a un lado los prejuicios, nuestros estereotipos almacenados
y memorizados, nuestros hábitos de pensamiento, y superar las falsas
interpretaciones, que suelen basarse en lo que creemos que debe haber en el
mundo exterior, aunque tal vez nunca hayamos «mirado» realmente lo que
tenemos delante de los ojos.
Uno de los primeros pasos para resolver un problema es analizar los aspectos
relevantes y poner las cosas «en perspectiva» y «en proporción». Para ello se
necesita tener la capacidad de ver las diversas partes del problema y qué
relaciones existen entre ellas en realidad.
6.1 Concepto de dibujo en perspectiva
La palabra «perspectiva» se deriva del latín prospectus, que significa «mirar hacia
delante». El sistema más conocido para nosotros, la «perspectiva lineal», fue
perfeccionado por los pintores europeos del Renacimiento, permitiéndoles
reproducir los cambios visuales de líneas y formas según se muestran en el
espacio tridimensional.

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Varias culturas han desarrollado diversos sistemas o convenciones de
perspectiva. Los artistas egipcios y orientales, por ejemplo, crearon una especie
de perspectiva escalonada o gradual, basada en situar los objetos dentro del plano
del margen inferior al superior para indicar su posición en el espacio. En este
sistema las formas que aparecen en la parte superior de la página, sea cual sea
su tamaño, se consideran las mas alejadas. En épocas recientes, los pintores se
rebelaron contra las rígidas convenciones de la perspectiva e inventaron nuevos
sistemas, empleando características espaciales abstractas con colones, texturas,
líneas y formas.
Pero pese a todo, no cabe la menor duda de que la perspectiva tradicional del
Renacimiento es la que permite reproducir con más fidelidad la manera en que
nuestra cultura occidental percibe los objetos en el espacio: las líneas paralelas
convergen en los puntos de fuga del horizonte (la línea que se halla al nivel de los
ojos del espectador), y las formas se ven más pequeñas cuanto mayor es la
distancia que las separa del espectador.

Dibujo al Natural
La perspectiva se utiliza constantemente en la ejecución de dibujos. Su
comprensión es fundamental para un dibujante, ya que le permite
comprender mejor el comportamiento del modelo que trata de
representar e incluso dibujar sin modelo reflejando la necesaria
sensación de profundidad.
Para poder entender sus fundamentos, podemos imaginar que entre e
dibujante y el modelo existe un plano de proyección (plano del cuadro)
donde se reflejan las imágenes que hay detrás. Observaremos que los
objetos van disminuyendo de tamaño a medida que se alejan del plano
de proyección. Las medidas reales de los objetos se ven alteradas por
la distancia y las líneas paralelas parecen oblicuas y con tendencia a
converger en un punto.
Vamos a definir varios términos técnicos que deben conocerse
perfectamente.
Línea de horizonte
Es la línea imaginaria que marca la altura de los ojos del
espectador. Según queramos dibujar un objeto más arriba o más
abajo, deberemos variar su altura.

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Punto de vista (P.V.)
Representa la situación del espectador a derecha o izquierda
respecto al modelo.
Punto principal (P.P.)
Es la proyección perpendicular del punto de vista (P.V.) sobre el
horizonte. La distancia del punto de vista a la línea de horizonte se
llama distancia visual.
Puntos de fuga
Son los puntos situados en la línea de horizonte donde convergen
todas las líneas horizontales paralelas entre sí que existen en el
modelo.
Si nos colocamos en medio de las vías del tren observaremos que los
rieles parecen juntarse y converger en un punto de fuga situado en el
horizonte.
Si miramos un edificio de costado pero sin perder la vista de la fachada,
veremos que las líneas horizontales de la pared lateral parecen
aproximarse gradualmente entre sí a medida que se alejan de nuestra
vista. Si las prolongamos sobre el dibujo veremos que todas se juntan
en el horizonte en un punto de fuga.

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La línea de horizonte siempre queda a la altura de nuestros ojos. Si
estamos de pie y nos sentamos o seguimos descendiendo, veremos
que la línea de horizonte se desplaza con nosotros en igual medida.
Lo mismo sucede en la situación contraria: si subimos una montaña o a
lo alto de una escalera, la línea de horizonte se eleva
6.2 Perspectiva como fenómeno visual
El problema del dibujo en escorzo o perspectiva es que nuestros ajustes mentales
de la imagen visual se entrometen en cierto modo en el dibujo, y acabamos
dibujando lo que sabemos en lugar de lo que vemos. Para evitar esto, Durero se
obligó a dibujar la forma exactamente como la veía, con todas sus proporciones

Dibujo al Natural
«equivocadas». Sólo así, aunque resulte paradójico, consiguió realizar un dibujo
«lo suficientemente correcto» para que quien lo contemplara se preguntase cómo
se las había arreglado para que pareciera «tan real».
En ese sentido lo que consiguió la perspectiva del Renacimiento, fue codificar y
sistematizar un método para eludir el conocimiento que tenía e! artista acerca de
las formas, y proporcionar un sistema mediante el cual se pudieron dibujar los
objetos tal y como se mostraban ante los ojos del espectador, incluidas las
distorsiones creadas ópticamente por la posición que ocuparan en el espacio en
relación con el punto de vista del que los observaba,
El sistema funcionó de maravilla y solucionó el problema de corno crear la ilusión
de profundidad sobre el plano, es decir, de cómo recrear el mundo visible. El
sencillo aparatito de Durero se transformó en un complicado sistema matemático
que permitió a los pintores, a partir del Renacimiento, superar su resistencia
mental a las distorsiones ópticas de las formas verdaderas de las cosas y poder
dibujarlas con realismo.
6.3 Percepción visual del objeto
Antes de acometer el estudio de los principios fundamentales del diseño hay que
buscar la comprensión del proceso que implica la percepción de las cosas; cómo
se forman en nuestro cerebro las ideas de los objetos y la influencia que existe en
ello de aspectos físicos y psicológicos.
El acto de ver supone una respuesta a la luz mediante la cual el hombre reconoce
e identifica el entorno, la línea, el color, el contorno y la textura de las cosas.
Conociendo la forma en que este proceso se lleva a cabo, el artista puede
manipular las formas y dar énfasis a aquellos elementos que le resulten más
interesantes aumentando, así, el significado del conjunto de la obra.
La percepción de los objetos
La estimulación que recibimos constantemente llega a nuestra conciencia en
forma de figuras y estructuras; no percibimos las cosas como manchas de color,
sino que cada objeto se adecua en este proceso al conocimiento previo que
tenemos de él.
La percepción depende, por tanto, del aprendizaje. No resulta igual de fácil la
distinción en un dibujo de un objeto conocido, que de algo cuya forma no
conocemos con precisión.

Dibujo al Natural
Necesitamos señalar ciertas reglas que sigue nuestra percepción visual de las
cosas para poder utilizarlas en la creación de imágenes más eficaces y
significativas.
Podemos ordenar los factores que influyen en la creación de una imagen percibida
en varios apartados:
Agrupación. Es una tendencia a organizar y percibir diferentes estímulos
agrupados en una estructura determinada que tenga algún significado para el que
percibe. Existen varias clases de agrupación:
• Proximidad. Los elementos cercanos tienden a agruparse.
• Semejanza. Se agrupan elementos si son semejantes entre sí.
• Continuidad. Los puntos cercanos se perciben como pertenecientes a una
estructura continua (por ejemplo, fotografía, televisión, la pantalla de una
computadora, etc.). Cuando visualizamos una imagen en una pantalla,
aparece como perfectamente definida, sin embargo, aumentáramos mediante
un zoom una parte de ella, podríamos apreciar los puntos que la forman.
• Simetría o buena figura. Tendemos a agrupar los elementos formando
figuras conocidas.
- Percepción figura – fondo. Los objetos que completan nuestras
percepciones cotidianas se destacan como separados del fondo general.
La figura – fondo puede ser una relación reversible (puede percibirse el fondo
como figura y la figura como fondo. Por ejemplo una cara frente a otra,
forman una copa, si atendemos al fondo como figura).
- Contorno. Podemos distinguir las figuras del fondo porque percibimos los
contornos. Estos se forman donde existe un cambio marcado en el brillo o el
color.
- Pregnancia. Nuestra percepción de los objetos es mucho más completa que
la estimulación sensorial que recibimos de ellos. La experiencia previa que
tenemos de estas cosas tiende a rellenar las lagunas. Hay una tendencia a
completar lo que físicamente constituye una estructura incompleta.
La percepción de la profundidad
Cuando percibimos un objeto próximo o lejano, la retina recibe distintos tipos de
estimulación; aunque los objetos sean los mismos hay diferencias en el
sombreado, en la claridad y el tamaño; de esta manera es posible apreciar su
dimensión. La percepción de la profundidad no es sólo un producto de la
maduración, sino también del aprendizaje.

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Las claves para la percepción de este factor son de dos tipos: unioculares y
binoculares.
- Unioculares. Actúan cuando se carece de la visión de un ojo. Estos
principios son conocidos desde la antigüedad y han sido utilizados por los
pintores, desde la antigua Grecia a nuestros días, para crear la ilusión de
profundidad y relieve.
• Perspectiva lineal. Los objetos más pequeños están más alejados.
• Claridad. Cuanto más claramente distinguimos un objeto, mas cerca
parece.
• Sombreado. La zona más alejada de un objeto será la más oscura.
• Superposición. Un objeto estará más cerca del observador que otro al
que oculta.
- Bínoculares. Hay algunos factores de la percepción que dependen de que
tengamos dos ojos y no uno.
• Disparidad retiniana. Cada ojo tiene una visión algo distinta del objeto
por el hecho de que están separados unos centímetros. Las diferencias
serán mayores cuanto más cerca se encuentre el objeto. Debido a este
fenómeno podemos percibir la profundidad.
Aplicaciones de la percepción visual
Los diseñadores se nutren de los estudios de los psicólogos en el campo de la
percepción para realizar sus composiciones con la máxima eficacia, utilizan
también los significados adscritos a determinados símbolos, de manera consciente
o no, para la emisión de mensajes.
Es interesante señalar la existencia de ciertos factores psicológicos que influyen
en la percepción e interpretación de una imagen y que pueden utilizarse para
enfatizar determinados efectos o significados.
1. El equilibrio. Es quizás la influencia psicológica más importante sobre la
percepción humana. La necesidad de equilibrio actúa de forma automática e
inconsciente en el observador haciéndole buscar los ejes en los que se
sustenta. Es en las zonas donde se sitúan estos ejes donde el sujeto va a
centrar prioritariamente su interés, de manera que la información situada aquí
tendrá carácter predominante sobre el resto.
Una composición desequilibrada o inestable causa en el espectador efectos
provocadores e inquietantes y resulta muy adecuada para evocar

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circunstancias en que se requiera la acción del sujeto, pero no para la
representación de algo que quiera emitir un mensaje de serenidad o
tranquilidad.
2. La referencia horizontal. Motivada por el mismo principio que nos obliga a
buscar los ejes de equilibrio de las figuras; se busca una plataforma de apoyo
de los objetos para ayudar a su estabilidad. De aquí se deduce que se verá
mejor una información situada en la mitad inferior, ya que es aquí donde
situaremos la base.
3. Preferencia por el ángulo inferior izquierdo. Es conocido que se presta
mayor atención a los objetos situados en la zona inferior izquierda. Este es
un impulso de rango inferior a los anteriores. No se conoce su causa exacta y
se supone que está motivado por los hábitos de lectura occidentales.
4. Relajamiento – tensión. En cualquier composición se puede buscar, según
nuestro interés, uno de estos dos efectos. Provocarán en el observador una
sensación de armonía y estabilidad las composiciones simétricas,
equilibradas, simples, predecibles y neutras; mientras que generarán
tensiones aquellas en las que el ojo deba esforzarse para analizar el estado
de equilibrio de sus componentes.
6.4 Perspectiva con un punto de fuga
La perspectiva de un solo punto se aplica a aquellas cosas cuya posición es
paralela al plano de representación. En lo referente a este sistema, conviene
recordar que los modelos parecen disminuir de tamaño a medida que se alejan.
La perspectiva desde un punto se vale de tres tipos de líneas: horizontal, vertical y
perspectiva.
Cuando se ven los objetos como si los mirara directamente (justo enfrente),
parecen decrecer en tamaño hacia las orillas más lejanas de su vista. Este tamaño
disminuido crea la ilusión de que el objeto se va haciendo más pequeño hasta
desvanecerse en el horizonte.
Todas las líneas, excepto las verticales y horizontales, se dirigen hacia un punto
de fuga. Las líneas verticales y horizontales permanecen paralelas siempre. Una
vez asimilado el concepto, el dibujo en perspectiva es una tarea relativamente
fácil. El dibujo en perspectiva desde un punto, es el más sencillo.

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Perspectiva con un punto de
fuga. (Paralela o Frontal)
Se utiliza un único punto de fuga
que coincide con el punto principal
6.5 Perspectiva con dos puntos de fuga
Raras veces vemos las cosas exactamente de frente: en el mundo real, las cosas
suelen estar situadas formando diferentes ángulos respecto de nosotros. Cuando
podemos ver dos lados de un mismo modelo, tenemos que representarlos con la
ayuda de la perspectiva de dos puntos.
Cada uno de los lados está situado en un ángulo diferente respecto de usted y
tiene su propio punto de fuga. Las líneas paralelas que convergen en los puntos
de fuga se inclinarán en ángulos diferentes en cada lado. Si para cada lado
fijamos un punto de fuga y alargamos todas las líneas paralelas hasta hacerlas
converger en esos puntos, el ángulo de inclinación de todas las líneas será
correcto.
La perspectiva desde dos puntos se vale de dos puntos de líneas: vertical y
perspectiva.
Los objetos vistos desde un ángulo parecen disminuir de tamaño hacia dos
direcciones. Toda figura disminuye de tamaño en dos direcciones a medida que
los lados de los objetos se alejan.
Lo anterior se logra tomando dos puntos de fuga, cada uno ubicado a un lado y
otro del papel, ambos puntos se localizan en la misma línea del horizonte; a mayor

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distancia de los puntos de fuga, menor será el grado de convergencia de los
flancos de las cajas.
Todas las líneas verticales permanecen paralelas tal y como en la perspectiva
desde un punto, pero no existen líneas horizontales.
A fin de adquirir destreza en el manejo de la perspectiva, se deben observar los
objetos desde diversos puntos de vista. Mirándolos desde todos ángulos: arriba,
abajo, a los lados.
Cada punto de vista proporciona al observador una comprensión nueva del objeto.
Por lo tanto, en perspectiva debe tomar los aspectos planos del objeto y
reconstruirlo en el espacio como una figura tridimensional.
Perspectiva con dos puntos de
fuga (oblicua)
Utiliza dos puntos de fuga
localizados en el horizonte en un
ángulo de 90º con el vértice
localizado en el punto de vista.
Por medio de la perspectiva, puede crear un objeto tridimensional de una
superficie bidimensional.
Las perspectivas más complicadas, que suponen ya múltiples puntos de fuga (que
se desvanecen) y que muchas veces se extienden más allá de los márgenes del
papel, requieren para dibujar una enorme mesa de dibujo, reglas en T, reglas de
borde recto, etc.

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Perspectiva aérea
Cuando el horizonte está muy
alto o muy bajo, las líneas
verticales se alteran por la
perspectiva y necesitamos un
tercer punto de fuga localizado
en una línea de horizonte vertical
accesoria.

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Resumen
El mundo existe en tres dimensiones: la dificultad de conseguir que un dibujo o
una pintura parezcan reales estriba en que se producen sobre superficies
bidimensionales, como una hoja de papel o una tela. Durante el Renacimiento, los
artistas utilizaron un sistema basado en la perspectiva para crear efectos de
tridimensionalidad en sus dibujos.
En la visión del mundo natural, los objetos a la distancia parecen reducirse más y
más hasta desaparecer. A este aspecto de un mundo que disminuye se llama
"perspectiva", se recrea en los dibujos por medio de puntos de fuga y líneas de
horizonte.
Al colocar objetos de igual tamaño en líneas paralelas frente a nosotros, a lo lejos,
es sencillo observar cómo, aparentemente, su tamaño disminuye y se pierden en
la distancia. Este es un claro ejemplo de dicha perspectiva.
Para crear la perspectiva en el dibujo, se requiere de puntos de fuga. Éstos
funcionan sobre el principio de que las líneas paralelas se van uniendo y la
distancia entre ellas se va reduciendo gradualmente hasta desvanecerse en un
punto en el horizonte. Al mirar algo, el ojo determina la localización del punto que
se desvanece en el horizonte, al recrear una imagen, se determina, por lo tanto, el
lugar donde el punto desvanecido toca el horizonte.
Existen tres cuestiones fundamentales que siempre debemos tener presentes. La
primera es que los modelos parecen más pequeños a medida que nos alejamos
de ellos; algunas veces se tiene la sensación de que se hacen tan pequeños que
desaparecen completamente de nuestra vista.
La segunda cuestión es que dos líneas paralelas parecen acercarse la una a la
otra a medida que nos alejamos de ellas. En ocasiones, cuando alcanzan el punto
donde los modelos desaparecen de nuestro campo visual (el «punto de fuga»),
parece que las líneas paralelas convergen.
Y, por último, recuerde que la forma y los ángulos de un modelo cambian en
función de nuestra posición respecto a éste.

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Conclusión
El realismo permite traducir las relaciones espacio-temporales mediante relaciones
de orden visual gracias a un artificio aprendido en los albores del Renacimiento: la
perspectiva. Gracias a este procedimiento las imágenes creadas pudieron
plasmarse del modo que lo hacían aquellas que recibíamos en nuestra retina y se
dio inicio a ese amplio período histórico que finalizaría con la aceptación de la
fotografía en el siglo XIX como medio fundamental para la transmisión de
información.
Las teorías en las que se basa la perspectiva son extremadamente complejas. Sin
embargo, será suficiente con conocer y aplicar de un modo aproximado algunas
reglas básicas.
Como siempre, que se trata del dibujo lo más importante, es que sepamos
observar con detenimiento el tema que vamos a dibujar. Si queremos ser capaces
de sugerir tres dimensiones, tendremos que olvidar aquello que sabemos que es
cierto. Por el contrario, se deben utilizar los ojos y recordar los tres puntos
mencionados cuando se esté observando un tema.
Conviene, claro está, ser conscientes de las dificultades que entraña el tema y que
la necesidad de tener un conocimiento básico de los conceptos que entran en
juego; lo más importante, sin embargo, es que utilice su percepción visual.

Dibujo al Natural
Bibliografía
- Smith, Stan. Curso practico de Dibujo. Nueva York: Editorial Blume, 1995
- Parragón Vilasaló, José María. Primeros pasos en dibujo artístico. Barcelona:
Parramón Ediciones. 18ª Edición. 1990
- Vazquez, Ignacio; Vega, Eugenio. Fundamentos del diseño gráfico. Madrid:
Editorial Anaya, 1990
- Edwards, Betty. Nuevo aprender a dibujar con el lado derecho del cerebro.
México: Editorial Urano, 1999
- http://www.talleronline.com/dib_pers.htm

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Dibujo al Natural
Tema 7. Elementos básicos del dibujo en perspectiva
Subtemas
7.1 Luces y sombras
7.2 Alto contraste
7.3 Ashurados
7.4 Degradados
Al término del tema el estudiante realizará trabajos que integren las diferentes
técnicas que dan volumen, proporción y realismo a su dibujo.
Introducción
Cuando se requiere que un dibujo posea otras características más que
únicamente un dibujo lineal, se recurre a diferentes técnicas que dan vida al dibujo
dependiendo del fin que busque. Principalmente ésta técnicas son usadas para
dar volumen, altura, dirección y contraste a los objetos.
Los matices y sombras en dibujos, generalmente, se ignoran olvidando su
importancia. Sin embargo, si se cuenta con suficiente iluminación para observar un
objeto, se notará la presencia del matiz y la sombra.
El matiz es el grado variable de luz a sombra que se crea sobre un objeto, es la
luz que choca contra los planos angulosos y curvos del mismo. Todos los objetos
tienen grados de valor variables en las partes matizadas.
Las variaciones sutiles en la iluminación pueden crear en un solo objeto múltiples
grados de matiz (degradados). El concepto de matiz se puede simplificar
mentalmente si se piensa que sólo cuenta con cuatro valores: blanco, gris claro,
gris oscuro y negro. Estas cuatro variaciones son suficientes para crear dicho
efecto en la mayoría de los dibujos.
7.1 Luces y sombras
La característica primordial que dota a un dibujo de vida es la inclusión adecuada
de las luces y de las sombras. La línea detalla y expresa sólo los contornos, la
forma, el volumen, el espacio o la idea de la tercera dimensión, de igual manera

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en la realidad y en sus representaciones gráficas en una obra artística, tiene su
fundamento en la luz y en la sombra y con cuyo empleo se puede dotar a un
sencillo dibujo o pintura la representación espacial, sólida y con visos de realidad.
Las sombras son la consecuencia de la luz y tanto las sombras que del propio
objeto en si (sombras propias) como la sombra directa que el objeto produce
(sombras arrojadas) como las sombras próximas o lejanas proyectadas por otros
objetos y los reflejos de luz que al mismo tiempo producen esos objetos afectan de
forma directa a la concepción espacial de nuestro trabajo.
Luz y sombra: el volumen El volumen es, junto con la forma, uno de los
aspectos que distingue a los objetos que nos
rodean. Depende de la luz y, por
consiguiente, de las sombras que ésta
produce. La definición correcta del volumen
de un objeto consiste en valorar
exactamente las intensidades de sus
sombras.
Podemos establecer dos clases de sombras:
las propias y las proyectadas.
Sombras propias son las que se origina el
objeto a sí mismo, y las proyectadas son las
que produce en las superficies vecinas.
También hay que tener en cuenta los reflejos
producidos por la luz que proyectan las
superficies u objetos vecinos, ya que aclaran
la sombra propia.
Entre la luz y la sombra, hay una zona de
transición o de medias tintas, y que puede
variar en extensión dependiendo de la
intensidad de la luz.

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La sombra en resumen no es otra cosa que la porción del cuerpo que siendo
iluminado no recibe de forma directa la luz, por encontrarse esa parte del cuerpo
en oposición al foco luminoso.
El claroscuro estudia la degradación y difusión de la luz con las sombras y
corresponde a las áreas intermedias entre la zona iluminada y las zonas mas
oscuras, son las zonas que denominamos zonas de penumbra y sus valores de
medios tonos o medias tintas y cuyos valores nunca deben alcanzar la intensidad
de la luz ni la intensidad de la sombra.
Al margen de dibujar o pintar las zonas de luz y de sombra de un objeto se debe
considerar el brillo que ese objeto emite ante la incidencia de un foco de luz. Ese
brillo se puede representar de forma grafica considerando que la luz es reflejada
por el objeto rebotando la luz que desprende en un ángulo igual al que ha incido
contra él. La luz reflejada es la procedente de otro cuerpo u objeto próximo y que
produce una nueva fuente de luz de menor intensidad, pero que a su vez produce
nuevos reflejos y nuevas sombras sobre el objeto que se dibuja o pinta, esa luz
reflejada nunca puede ser tan clara como la fuente de luz original.
Se consideran adecuados en los dibujos y en las pinturas unas inclinaciones de
entre los 30º y los 60º dependiendo de la posición del sol pero es de uso común
aceptar como adecuada una sombra en 45º para la representación gráfica sobre
una hoja de papel de un objeto de características más o menos geométricas.
La mayor dificultad en un dibujo o en una pintura la podemos encontrar cuando
queremos representar a las personas o a los objetos estando estos situados con el
Sol detrás, pero pese a ser la resolución más complicada, al hacer converger
todos los puntos de luz y sombra sobre un sólo punto es la que produce un mayor
dramatismo plástico sobre todo en la representación de pinturas surrealistas en
donde el juego de luces y sombras deben poder transmitir un mensaje.
7.2 Alto contraste
La imagen de alto contraste es compuesta por valores de negro absoluto y blanco
puro, sin ninguna gradación intermedia.
Su nivel de lectura es:
• De fácil comprensión visual
• Sin alteraciones del "borde de definición"
• Limpia de puntos y ralladuras
• De una gran fuerza gráfica y de contenido

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El motivo para el alto contraste deberá ser especialmente:
• Nítido y detallado
• Sin sombras proyectadas que distorsionen
• De gran fuerza expresiva.
Círculo negro sobre cuadrado
negro
Alto contraste Contraste suave
Los diferentes pasos entre oscuro y claro se llaman tonos. Si ponemos un círculo
negro sobre un cuadrado negro, no podemos distinguir el círculo.
En cambio, si el cuadro y el círculo son de tonos distintos podemos diferenciar los
dos elementos. En otras palabras, vemos lo oscuro porque está al lado de lo claro
y viceversa. Cuando algo oscuro está al lado de algo claro, se dice que están
contrastando el uno con el otro.
El contraste es la diferencia de intensidades de iluminación en la gama de blancos
y negros o en la de colores de una imagen. Le llamamos alto contraste cuando
trabajamos con el tono más oscuro y con el más claro sin pasos intermedios.
Si utilizamos diferentes combinaciones de tonos, nuestro círculo se ve distinto.

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El fenómeno de alternancia entre figura y fondo se explica habitualmente en los
estudios relacionados con la psicología y la percepción.
En ellos se experimenta una ambigüedad espacial, fluctuaciones de empatías
entre la figura y el fondo; en un momento la figura negra emerge del fondo blanco,
en otro la figura blanca emerge del fondo negro.
Nos vemos obligados a reconocer el hecho que en el campo de la visión nada es
negativo; el espacio alrededor y dentro de la imagen es tan positivo como la propia
imagen.
Los pintores chinos y japoneses tienen un conocimiento excelente de este hecho y
lo utilizan al máximo; sus tradiciones caligráficas refuerzan esta preocupación por
los espacios en blanco entre las pinceladas.
Si nuestras propias tradiciones en escritura hubieran seguido con los trazos
gruesos y finos de la pluma de caña, probablemente seríamos más sensibles a la
estructura de las imágenes de letras y a las formas en alto contraste.
7.3 Ashurados
Son rayados de líneas paralelas trazadas con regla o a pulso; con ellas se
representan los tonos grises. Cuanto más próximas se encuentren las líneas, tanto
más intenso será el tono del gris, hasta que, en el límite aparece como negro
integral o si se utiliza otro color, como tono pleno.
Los oscuros se logran por consiguiente con la aproximación recíproca de las
líneas, pero también cruzándolas (lo que se llama un rayado cruzado) o
aumentando su espesor. Lo último resulta más difícil de lograr en el curso del
dibujo; más consecuente es el rayado cruzado con líneas de igual grosor. En los
grabados al aguafuerte y en acero, los rayados cruzados constituyen un elemento
expresivo necesario.

Dibujo al Natural
La mano realiza movimientos ligeros con un ángulo de 45°, ángulo que
corresponde también al movimiento de la escritura. Durante su ejecución la mano
puede apoyarse sobre el papel, y las líneas no deben ser más largas de lo que
permite la mano sin alzarse. Esto da una longitud de raya de 2 a 3 cm. Si se
trazan líneas más largas con la mano apoyada, lógicamente resultarán
ligeramente curvadas.
La primera pasada del rayado debe ser muy ligera, de tal modo que no se originen
contrastes intensos entre las zonas claras y las oscuras. Acto seguido se procede
a un nuevo rayado de las partes más oscuras del modelo, bien aumentando la
presión del lápiz o bien estrechando la distancia entre las líneas. Así pues, las
partes más oscuras surgen sólo al final, como resultado de la superposición de
casi todas las líneas de rayado.
Durante el rayado no debe modificarse el ángulo de los trazos dentro del dibujo;
un mismo ángulo para todas las líneas da por resultado una cierta armonía en el
estilo.
En modo alguno es necesario cambiar el grado de dureza de los lapiceros durante
el dibujado. El procedimiento ofrece la posibilidad de reproducir en un tiempo
relativamente corto una fotografía con completa plasticidad y la gama de tonos
deseados. Según el grado de la ejecución, el dibujo puede emplearse como primer
bosquejo o como dibujo original acabado.
7.4 Degradados
Con ayuda del llamado degradado es posible conseguir resultados del máximo
realismo plástico con lápices de colores y carbones. De lo que se trata es de que
las transiciones del sombreado sean fluidas y que no se produzcan brusquedades.
Los degradados se pueden realizar con lápices o tintas.
Cuando se utiliza el lápiz, éste experimenta una fricción mayor que cuando se
dibuja con él. Al efectuar la fricción únicamente resulta coloreado en un primer
momento el plano más superficial del papel (o cartón), las profundidades y los
poros permanecen claros.
Mediante una aplicación repetida y un aumento de la presión en el lápiz el color
alcanza también las profundidades medias, y la máxima saturación de color se
logra mediante una fuerte presión o penetrando perpendicularmente en los poros.

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Cuanto menos estructurado esté el papel, tanto más intensiva resultará la
aplicación del color, si bien debe procurarse trabajar con un papel bien encolado
para que la superficie no resulte rasgada por los lápices ni se produzca la
situación de que no admita más color. En los trabajos a lápiz o a lápices de color
se recomienda siempre realizar una prueba con el papel previsto para ello.
Si las transiciones en los tonos han de ser aún mas firmes, el dibujo puede
tratarse adicionalmente con difuminos de papel.
Al utilizar tintas o aguadas los ennegrecimientos más intensivos son el resultado
de múltiples pasadas. Con este procedimiento deben aplicarse en primer lugar con
exquisito cuidado los tonos claros básicos, hacerlos más oscuros lentamente y
sólo al final poner los colores más intensos; las partes más claras se dejan
simplemente libres.

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Resumen
En la vida real, las sombras y el matiz son partes importantes de los objetos
visuales como los objetos mismos. Estas áreas de valores de luz y sombra pueden
formar, por si mismas, figuras e imágenes.
Estas figuras e imágenes pueden poseer otras características en su forma si se
complementan con técnicas como: el ashurado que les da volumen a las figuras,
el degradado que permite mayor gama de tonalidades que pueden atribuirle al
dibujo armonía de figura, el alto contraste que es el resultado del uso del blanco y
negro mismos que confieren dramatismo y contundencia al dibujo y finalmente el
uso de luz y sombras que crean un dibujo matizado por una amplísima gama de
tonalidades intermedias con las que se puede crear la atmósfera que convenga a
las características ambientales del proyecto a representar.

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Conclusión
Un poco de paciencia y la audacia, otorgarán dividendos que sorprenderán
gratamente al diseñador, quien descubrirá día a día que basta papel, lápiz o tinta y
una buena dosis de ingenio para lograr un resultado altamente gratificante que lo
impulsará irremediablemente a perfeccionar la técnica del dibujo.
A partir de ahora la creación de diseños en base a todo lo visto será bien
comprendido y aplicado debido al conocimiento de: las sombras que se consiguen
a partir del contraste entre claros y oscuros, cuya diferencia de tonos representa el
volumen sobre una superficie bidimensional del papel y cuyo trazo es fundamental
puesto que indica la forma del objeto. Los degradados que se obtienen por la
diferencia de tonos de un color que pasa desde los brillos máximos hasta los
oscuros más intensos; dando un efecto de suavidad por la transición entre sus
tonos. La luz y sombra que le dan forma a un objeto proporcionándole volumen y
realismo a un objeto y el alto contraste donde una figura blanca emerge del fondo
negro y segundos más tarde una figura negra emerge del fondo blanco
obligándonos a reconocer el hecho de que en el campo de la visión nada es
negativo; el espacio alrededor y dentro de la imagen es tan positivo como la propia
imagen.

Dibujo al Natural
Bibliografía
- Manera, Domingo. Curso de dibujo y pintura. Editorial de Vecchi. Barcelona:
2001
- Puente J., Rosa. Dibujo y Comunicación Gráfica. México: Editorial Gustavo
Gili, 1998
- Wong, Wicius. Fundamentos Del Diseño. Barcelona: Editorial Gustavo Gili,
1995
- Fundamentos del dibujo Artístico. Barcelona: Parramón Ediciones, 2001
- http://www.azc.uam.mx/cyad/procesos/website/grupos/tde/NewFiles/dibujo.ht
ml
- http://www.personal.us.es/galba/TEMAS/TECNICAS_4/texto.htm
- http://palmexo.org/taller/lucessombras.html
- http://www.talleronline.com/dib_luz.html

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