Escultores

ESCULTORES DE LOS 40 PRINCIPALESMª CRISTINA SANTANA FORQUE

ÍNDICEEL RENACIMIENTOITALIALORENZO GHIBERTIDONATELLOMIGUEL ANGELBENVENUTO CELLINIBARROCO ITALIALORENZO BERNINISIGLO XIXNEOCLASICISMOAntonio CanovaCUBISMOPablo PicassoFUTURISMOUmbertoBoccioniCONSTRUCTIVISMONaumGaboDADAISTA Y SURREALISTAMarcel DuchampAlberto GiacomettiJoan Miró

LORENZO GHIBERTI Uno de los escultores más importantes de la Florencia de comienzos del renacimiento, nació en Florencia (Italia) y fue aprendiz de orfebre. Sus esculturas traslucen una elegancia lírica acompañada de perfección técnica así como el interés que tenía por la sencillez clásica de peso y volumen. En 1403, en competencia con FilippoBrunelleschi y JacopodellaQuercia, Ghiberti obtuvo su primer encargo importante, la realización de la segunda puerta de bronce del baptisterio de la Catedral de Florencia (las primeras puertas habían sido realizadas a comienzos del siglo XIV por Andrea Pisano). Trabajó en ellas durante más de veinte años, ayudado por sus discípulos, entre los que se encontraban Donatello y Paolo Uccello. Cada puerta contiene catorce escenas de marco cuadrifolio sobre la vida de Cristo, los evangelistas y los padres de la iglesia. Aunque los relieves eran principalmente de estilo gótico, los realizados al final muestran un interés creciente por la antigüedad y por la profundidad del espacio pictórico, y la ejecución de las figuras cobra mayor importancia que la de los ropajes. Sus relieves para la catedral de Siena (1417-1427) y su obra más importante, la tercera puerta de bronce para el baptisterio de Florencia (que acabó en 1452), muestran la evolución hacia una representación naturalista del movimiento, el volumen y la perspectiva, así como una idealización mayor del tema. A esta tercera puerta, en cada una de cuyas hojas se representan cinco pasajes del Antiguo Testamento, Miguel Ángel la llamó la Puerta del Paraíso. Ghiberti fue un propagador activo de las ideas humanistas. Su manuscrito inacabado Comentarios (1447-1448), consta de su autobiografía y sus opiniones artísticas. Murió el 1 de diciembre de 1455 en Florencia.

Puerta del ParaísoMaterial: BronceDimensiones: 457 x 251 cm.Actualmente: Baptisterio. Florencia.

Puertas del paraísoMaterial: Bronce.Dimensiones: 505 x 287 cm.Actualmente: Baptisterio. Florencia.

San Juan BautistaSan Juan Bautista, 1416.Material: Bronce, Dimensiones: 256 cmActualmente: Orsanmichele, Florencia

DONATELLO Donatello (Donato di Niccolò di Betto Bardi) (Florencia, Italia, 1386 – ibídem, 13 de diciembre de 1466) fue un famoso artista y escultor italiano de principios del Renacimiento, fue uno de los padres del renacimiento. Donatello destacó en una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de stiacciato, es decir «relieve aplanado o aplastado». El David de mármol para la catedral de Santa Maria del Fiore en Florencia, fue su primera obra documentada en 1408, en los años sucesivos realizó numerosas obras en mármol, terracota, bronce y madera para diversos mecenas y ciudades. Regresó a Florencia en el año 1459 con el encargo de modelar unas placas en bronce para la Basílica de San Lorenzo y durante su elaboración falleció en diciembre de 1466.

David Autor: Donatello, 1440Material: BronceDimensiones: 158 cm Localización: Museo Nazionale del Bargello, Florencia, Italia

El David es una escultura de bronce de 158 cm de altura, obra del escultor italiano Donatello. La obra fue realizada en torno a 1440, por encargo de Cosme de Médici, que quería situarla en los jardines de su palacio de Florencia. Actualmente se encuentra en el Museo del Bargello. Es una obra representativa del quattrocento italiano y tiene un aire inequívocamente clásico debido a su desnudez y a su composición claramente praxiteliana. Por eso, aunque se trata de un tema bíblico, en este adolescente frágil y audaz se reconoce inmediatamente a un héroe de la Antigüedad clásica.

Judith y Holofernes Obra: Judith y Holofernes,1453 y 1457 Material: bronce dimensiones: 236 cm (sin pedestal) Actualmente: Sala de los Lirios del Palazzo Vecchio en Florencia 1]

La estructura de la obra es piramidal, con el vértice en el hierático rostro de Judith y la hoja de la espada, desde el brazo derecho de la heroína, está doblado a noventa grados, otro punto central del grupo es la cabeza de Holofernes en la que convergen las diagonales del grupo. El texto bíblico indica que la heroína necesitó dos golpes para cortar la cabeza del enemigo y el momento exacto de la acción es inmortalizada entre ese espacio de los dos cortes, como demuestra la herida en el cuello de Holofernes. Las dos figuras son tratadas por el escultor completamente opuestas, Holofernes está desnudo y modelado de acuerdo con las normas de la anatomía, mientras Judith está enteramente cubierta por la ropa, que detalla su frágil físico. La cabeza cubierta con un velo de Judith, no le sobresale ni siquiera un pelo, mientras que la cabellera de Holofernes es larga y salvaje. Su identificación con el «vicio» se ve confirmada por una serie de atributos, entre los que destaca el medallón que resbala por la espalda, donde se retrata un caballo irritado. Incluso las escenas de bacanales en la base con forma de prisma triangular, hace recordar la embriaguez y el desenfreno del tirano, tal como se describe en la Biblia. El cuerpo de Holofernes cae ya sin fuerzas y se sostiene sólo por la mano de Judith. El pie derecho de la heroína lo puso de manera elocuente en los genitales, mientras que el otro pie lo tiene en la muñeca y la rodilla cubre la mitad del medallón alegórico. La figura de Judith triunfante se levanta con su espada. Su vestido está hecho de un tejido con pliegues, con rica decoración, que contrasta, con el modelando liso del rostro. La expresión de la juventud presenta toda una gama de emociones profundas psicológicas, perfectamente legibles: concentración, decisión, fuerza, además de los conflictos internos de los que buscan el apoyo de su Dios, porque para salvar a su pueblo se ve obligada a asumir el pecado del asesinato. A pesar del triunfo de ella, este hecho es contrario al mandamiento de «no matarás», y esto lo representa la figura de la trágica heroína. El rostro de Holofernes es áspero y desfigurado. Se asienta sobre una almohada que se gira en relación con la base para que sus esquinas no coincidan, creando un efecto de movimiento. Esta base de la escultura en forma de cojín, es un elemento naturalista utilizado por primera vez por Donatello en su escultura de San Marcos en Orsanmichele.

Púlpito exterior de la catedral de PratoObra: El púlpito exterior de la Catedral de PratoAutor: Donatello y Michelozzo, datado de 1428 al 1438.Material: mármol, bronce y mosaicoActualmente: en la parte sureste de la catedral de Prato (los relieves originales se encuentran en el Museo dell'Opera del Duomo (Prato)). Dimensiones: 210 cm de altura hasta el tejado.

El púlpito, diseñado exclusivamente para la exposición del Sagrado Cíngulo, se colocó en el ángulo, para proporcionar el vínculo entre el lado románico y la fachada gótica tardía de la iglesia, y entre las dos plazas, donde los peregrinos se reunían. El borde de la iglesia constituye el basamento del púlpito, que descansa sobre un capitel de bronce, muy rico en adornos decorativos, que recuerda a elementos clásicos, y se concluyó con un original ángel, en el centro, que sostiene las primeras cornisas de mármol, en bandas concéntricas progresivamente protuberantes y ricamente ornamentadas. Tiene quince ménsulas con volutas que sujetan la planta, acentuando con su posición radial, el efecto de rotación centrífugo. El parapeto es de mármol blanco y sugiere la forma de un templo circular apoyado en pilares que lo separa en siete grupos (73,5 x79 cm cada uno); entre cada una de estas separaciones se encuentran escenas de un grupo de putti alados en danza (inspirado en el putti de tumbas romanas), cuya alegría por la exposición del Cíngulo se manifiesta en la libertad del fuerte ritmo, pictóricamente representados a través del "stiacciato", que permite vistas para sugerir perspectivas complejas, y para que brille la parte del fondo realizado con mosaico, cuyos reflejos de luz acentúa el efecto de movimiento. La elección del tema de la danza putti era inusual. Algunos autores le dan una relación con los Salmos 148-150, donde se invita a loar a Dios con cantos y bailes de niños; otros lo vinculan a los cantantes y ángeles danzantes del fin del siglo XIII, que se asociaban a los temas de la Asunción de la Virgen o de su Coronación.

MIGUEL ANGELMichelangelodi LodovicoBuonarrotiSimoni(Caprese, 6 de marzo de 1475 – Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos.

Piedad del VaticanoObra: La Piedad del Vaticano Autor: Miguel Ángel, 1498 y 1499Material: mármol Dimensiones: 174 por 195 cm. Actualmente: Basílica de San Pedro del Vaticano.

Esta maravillosa obra es de bulto redondo, lo que significa que se puede ver en todos los ángulos, pero el punto de vista preferente es el frontal. Una Virgen joven, bella y piadosa cuyas vestiduras se expanden con numerosos pliegues, sostiene al Hijo muerto y que, intencionadamente, aparenta mayor edad que la Madre, en una composición triangular sosegada y llena de ternura. La juventud de la Virgen es muestra del idealismo renacentista: se trata de representar el ideal de belleza y juventud, una Virgen eternamente joven y bella. La obra fue encargada por el cardenal de san Dionisio Jean Bilhères de Lagraulas o de Villiers, benedictino embajador del monarca francés ante la Santa Sede, al que el autor conoció en Roma.

BacusObra: BacusAutor: Miguel Angel, 1496, 1497Material: MármolDimensiones: 203 cm Actualmente: Museo Nazionale del Bargello en Florencia.

Esta obra es claramente la primera gran obra maestra de Miguel Ángel, donde se muestra la característica constante de la sexualidad en su escultura, simboliza el espíritu del hedonismo clásico que Savonarola y sus seguidores estaban dispuestos a suprimir de Florencia. Muestra también esta escultura la característica constante en la obra del artista, de evocar la sexualidad, de forma andrógina, como la misma naturaleza del dios en la antigüedad que era ambigua y misteriosa, muestra el sátiro como referencia a Sileno, sátiro que había sido maestro de Bacus y la piel desollada y llena de uvas simboliza la vida sobre la muerte. La escultura fue un encargo del cardenal Riario, rechazada por éste, fue comprada y se conservó en los jardines del banquero JacopoGalli, donde fue dibujada por Martín Heemskerck hacia 1532 dónde se aprecia la falta de su mano derecha. Más tarde fue adquirida por Francisco I de Médicien 1572 hasta su paso al Bargello en 1873.

Madonna de BrujasObra: Madonna de BrujasAutor: Miguel Ángel, 1501- 1504Material: mármolDimensiones: 123 cm. Actualmente: Iglesia de Nuestra Señora en Brujas.

Realizada inmediatamente después que la Piedad del Vaticano, por encargo de unos mercaderes flamencos, los Mouscrom, esta Virgen con Niño, presenta parecido movimiento en las vestiduras con la anterior Piedad, pero aquí adquiere una solemnidad plástica, debido a su verticalidad, parecida a una arquitectura. El rostro es ovalado de gran belleza clásica, enmarcado por las ondulaciones del velo, sobre el cabello. Se encuentra como si estuviera en un momento de pensamiento profundo, mostrándose con una gran serenidad, mientras el Niño, de pie, está recostado entre las piernas de su madre y junta su mano con la de ella, dando con la energía de este gesto, la sensación dinámica que es él, quien la está sosteniendo. Por una carta dirigida a Miguel Ángel de Giovanni Balducci con fecha 14 de agosto de 1506, se le informa del trasldo de la escultura a Brujas por Giovanni y AlessandroMoscheroni, fue colocada en una capilla de la catedral, donde la vio Durero en 1521. En la época de Napoleón fue llevada a Francia y devuelta a Brujas en 1815.

BenvenutoCelliniBenvenutoCellini, (Florencia, 1500-id., 1571). Escultor y orfebre italiano. Su personalidad de es una de las mejor conocidas del Renacimiento italiano gracias a su autobiografía que gozó de gran fama en los siglos XVII-XVIII, hasta el extremo de encumbrar al artista por encima de sus merecimientos. La obra muestra a un Cellini orgulloso de sí mismo y narra una vida llena de aventuras y de anécdotas que dan origen a páginas de gran interés, reveladoras del ambiente cultural y social de su época. De 1519 a 1540 residió fundamentalmente en Roma, donde se sabe que recibió encargos del Papa y de otros comitentes destacados, pese a lo cual sólo se conservan de aquel período algunos sellos, monedas y medallas. En 1540 se trasladó a Francia para trabajar al servicio de Francisco I en Fontainebleau. Por entonces realizó el celebérrimo Salero de oro con esmaltes, que constituye la mejor creación de la orfebrería renacentista gracias a su plasmación en pequeño tamaño y con multitud de detalles de un grupo escultórico digno de haber sido realizado en gran escala. La Ninfa de Fontainebleau es la primera escultura que se conoce de su mano, fechada poco antes de su regreso a Florencia motivado por problemas con la corte, en 1545. En esta ciudad trabajó al servicio de Cosme I de Médicis, para quien realizó bustos y esculturas de en metal, entre las cuales se cuenta el famoso Perseo en bronce de la LoggiadeiLanzi, que se considera su obra maestra.

Perseo Autor: BenvenutoCellini, 1554.Material: bronceDimensiones: 320 cm.Actualmente: LoggiadeiLanzi

Salero Autor: BenvenutoCelliniMaterial: bronceDimensiones: 26 x 33,5 cm.Actualmente: Vienna

Descripción de la escultura Neptuno: Un hombre llevando a un tridente es la representación de Zeus, que simboliza el mar. Es el dispensador de sal, que salía por uno de sus brazos. Piernas: Sus piernas se entrelazan, siendo la representación de la unión entre Tierra y Mar, con un detalle un tanto sensual. Tierra: Una mujer representa la tierra. Es el dispensador de pimienta, que salía por uno de sus pechos. Crepúsculo y Día: En la base hay ocho huecos en los que se representa, entre otros, esto: La Aurora, el Día, el Crepúsculo y la Noche. Cellini se insipiró en la tumba de los Medicis de Miguel Ángel para hacerlas. Pierna: Según parece, una pierna extendida de ella representa la montaña, mientras que la otra extendida era la llanura. Cuerno: En su mano recoge el cuerno de la abundancia. Templo jónico: Para recoger la pimienta representa un templo jónico, ricamente decorado y con una escultura en su cúspide. Caballos: Caballitos de mar para acompañar a Neptuno y representar la sal Nave: Los representa como en una nave, con gran minuciosidad, detalle y riqueza. Cellini hizo que la orfebrería se convirtiera en escultura, con su grandiosidad y belleza.

Diana de FontainebleauAutor: BenvenutoCelliniMaterial: bronce Dimensiones: 205 x 409 cm. Actualmente: museo de Louvre. Paris

Lorenzo BerniniBernininació en Nápoles,en el año 1598, ciudad en la que su padre Pietro, toscano, trabajaba como escultor. Al poco tiempo se trasladó a Calabria junto con su mujer, la napolitana Angelica Galante. En 1605 se instalan en Roma y Pietro obtiene la protección del cardenal ScipioneCaffarelli-Borghese y la ocasión de mostrar el precoz talento de su hijo. La Roma de inicios del siglo XVII era una ciudad de un fervor artístico excepcional, novedoso y revolucionario, que acogía artistas de toda Europa, en una continua confrontación de ideas y experiencias artísticas. En este ambiente surgen maestros como Caravaggio, AnnibaleCarracci o Pedro Pablo Rubens, que abrieron la senda del Barroco.

Apolo y DafneObra: Apolo y Dafne Autor: Gian Lorenzo Bernini 1621- 1624 Material: MármolDimensiones: 243 cm de altura. Actualmente: Roma

Apolo y Daphe, representa el mito de Dafne, nombre que en griego significa laurel. Era una ninfa hija del dios-río Peneo que transcurre por la región de Tesalia. El dios Apolo, afectado por una de las flechas de Eros, la amaba, pero ella no le correspondía y le esquivaba. En una ocasión Apolo la persiguió, y ella huyó hacia las montañas para evitarlo; entonces ella se encomendó al dios del río Peneo, que la transformó en un laurel. De sus pies fueron saliendo raíces y sus extremidades se convirtieron en frondosas ramas del árbol que desde ese momento fue el consagrado al dios Apolo y pasó a representarlo. La transformación la relata Ovidio en sus Metamorfosis. Este mito ilustra el origen de uno de los símbolos típicos del dios, la corona de laurel.Berninicaptura la transformación de Dafne con intensa emoción, retratando las diferentes etapas de sus cambios. También en el periodo helenístico existía esta percepción de Apolo como un muchacho andrógino, joven y delgado, con un peinado casi femenino, aspectos representados también en esta estatua. Aunque Apolo predicaba la virtud griega de la sophrosyne, la moderación y la sobriedad, esta estatua le muestra persiguiendo desesperadamente a su amor, en vano. Esta escultura se inspiró en el Apolo Belvedere de Leocares. La composición se realiza en plano-relieve, encontrándose llena de dinamismo y difuminación. El grito de horror de Dafne y el rostro perplejo de Apolo nos muestran un contraste de actitudes y aspectos que reflejan el interés por la representación de las esculturas

David de Bernini Obra: El David Autor: Gian Lorenzo Bernini ,1623 y 1624. Material: mármol. Actualmente: GalleriaBorghese.

Representa al futuro rey David, uno de los personajes del Antiguo Testamento, en la escena en que derrota al gigante Goliat lanzando una piedra con una honda. A pesar de la temática cristiana, esta estatua, entre otras de temas similares, sirve para rescatar el tema clásico de los jóvenes atletas griegos, los kuroí. Al contrario que en obras más tempranas del artista, esta obra no presenta el mismo énfasis vertical. El cuerpo de la figura se muestra en el instante en que se dispone a tirar la piedra, los dos pies apoyados, el cuerpo medio girado. La figura está en tensión, el movimiento y la potencia están implícitos. La cara muestra concentración, con el ceño fruncido e incluso mordiéndose el labio inferior. Este David no es el guerrero perfecto e idealizado, sino uno muy humano esforzándose para lograr sus metas. Tras la figura, yacen varias armas descartadas, recordándonos que esta no es una batalla ganada a través de un armamento superior, sino de un esfuerzo físico. A sus pies, un arpa hermosamente tallada, que indica que David se convertirá en un poeta. Tampoco es típico de las esculturas anteriores de Bernini el representar un hombre, en otras obras como Apolo y Dafne elige modelos mucho más jóvenes y delicados.

Éxtasis de Santa TeresaObra: Éxtasis de Santa Teresa Autor: Gian Lorenzo Bernini, 1647 y 1651 Material: mármol y bronce Actualmente: Capilla Cornaro.

Representa a Santa Teresa de Jesús, escritora mística y reformadora de la sociedad religiosa, que fue beatificada en el año 1614 por Paulo V. La capilla es una explosión de mármol de color, metal y detalles. Filtros de luz a través de una ventana por encima de santa teresa, subrayados por rayos dorados. La cúpula tiene frescos con un cielo de trampantojo, lleno de querubines, con la luz descendente del Espíritu Santo representado en forma de paloma. En las paredes laterales, hay relieves a tamaño real de la familia Cornaro. Las dos figuras principales que centran la atención derivan de un episodio descrito por santa Teresa de Ávila en uno de sus escritos, en el que la santa cuenta cómo un ángel le atraviesa el corazón con un dardo de oro. La escena recoge el momento en el que el ángel saca la flecha, y la expresión del rostro muestra los sentimientos de Santa Teresa, mezcla de dolor y placer Las figuras están realizadas en mármol blanco principalmente, y los rayos del sol de bronce. Tiene una altura de 3,5 metros. La fuerte expresividad de la obra, el desorden de las figuras y en especial del pliegue del manto de la santa, denotan que es de claro estilo barroco. Bernini además pintó la capilla donde fue colocado el conjunto, para darle mayor realismo y sensación de misticismo.

Antonio Canova Antonio Canova, escultor italiano. A causa de sus modestos orígenes familiares, no pudo realizar estudios artísticos y comenzó practicando otros oficios. En 1768, a raíz de su traslado a Venecia, empezó a dedicarse a la escultura y rápidamente alcanzó una fama y un prestigio que mantuvo durante toda su vida. Sus primeras obras venecianas, como Orfeo y Eurídice o Dédalo e Ícaro, están impregnadas todavía del espíritu barroco que reinaba en la ciudad de la laguna. Cuando era ya un artista consagrado, se estableció en Roma (1781), donde definió el estilo que lo caracteriza, inspirado en la Antigüedad clásica y poderosamente influido por los principios teóricos de Winckelman, Milizia y otros autores cuyas doctrinas se hallan en la base del nacimiento del estilo neoclásico. Sus primeras obras del período romano, como Teseo y el Minotauro, manifiestan ya la maestría técnica y la perfección en el acabado que le eran habituales. De hecho, todas sus obras fueron fruto de una larga elaboración, de una ejecución realizada con un detallismo casi artesanal. No fue Canova un escultor nato y de cincel fácil, sino que se forjó a través del estudio y el trabajo; mediante la práctica diaria del dibujo, por ejemplo, perfeccionó su plasmación del desnudo y superó las deficiencias de sus primeros estudios anatómicos. En su estudio romano desplegó una enorme actividad para poder atender todos los encargos que recibía de las más destacadas personalidades del momento, desde Napoleón hasta Catalina la Grande de Rusia. Era ya por entonces el principal escultor del estilo neoclásico, condición con la que se ha perpetuado su figura en la historia del arte.

Según el propio Canova, esta obra representa el momento en que Eros (el amor) acude a despertar a Psique (el alma), del profundo e infernal sueño en el que había quedado sumida tras haber abierto el jarrón que le había entregado Proserpina, la diosa del Infierno, mujer de Plutón. Una representación basada en la obra del latino Apuleyo en su obra, El Asno de Oro. La obra representa de una forma muy efectista todo el amor, la pasión y el deseo que surge repentinamente entre los dos amantes. En el abrazo mutuo, ambas cabezas quedan enmarcadas entre los brazos, creando un centro de atención principal. Las líneas convergentes de las alas y las piernas del dios forman un aspa (una x) que concentra aún mas la visión en ese centro. El cuerpo de la joven es una prolongación de esta estuctura, los brazos y las piernas, forman parte de una diagonal prolongada. Al mismo tiempo toda la composición tiene una forma espiral que acentua la unión de las dos figuras y el sentimiento de liberación del sueño, en el gesto de Psiquis de abrazar hacia lo alto, a quien viene a despertarla. Las figuras están dispuestas en una posición de tal dificultad que nos producen al mismo tiempo, una complejidad psicológica, y una carga fuertemente erótica. A pesar de ello toda la escena desprende una gran sensación de ternura. La escultura está formada por una estructura muy articulada que origina una composición centrípeta, con un gran contraste entre el material y el vacio, entre la luz y la sombra. Se convierte al mármol en el material ideal para representar el calor de los cuerpos, la vitalidad y el sentimiento, algo que parece alejado de un material en apariencia frio y alejado de la naturaleza viva. Canova se recrea en el conocimiento de los clásicos, vuelve sin complejos su vista hacia las composiciones griegas y romanas, hacia sus técnicas nunca superadas y hacia sus motivos, sus fuentes y sus misterios mitológicos. Es el retorno hacia la perfección de formas, el gusto por el desnudo y la recuperación de la delicadeza en el cincelado de las superficies.

Estas figuras encarnan y representan el desnudo femenino de una manera perfecta que pone de manifiesto la destreza artística de Canova. Además la representación de Las tres Gracias va más allá porque el Según la mitología griega, las Gracias eran las diosas de la belleza y la fertilidad. Tres son las que están más consideradas en el mundo mitológico y cuyos nombres son: Aglaya, Eufrósine y Talía. Según los expertos, Las Gracias también estaban asociadas con el inframundo y los misterios eleusinos. Antonio Canova realizará Las tres Gracias en mármol, material al cual se le asociará e identificará a lo largo de su carrera como escultor. Las tres Gracias es una escultura de mármol de acabado y pulido perfectos. Con este material Canova conseguirá encarnar la belleza ideal de las Gracias de forma sencilla pero muy cuidada y que sigue el gusto artístico de la época. Las tres Gracias se representan apoyadas sobre un solo pie y agarrándose entre ellas se forma suave. El color del mármol es exquisito y hace que la composición escultórica arroje una luz, ligereza y elegancia característica de Canova. En esta línea se inscriben otras dos creaciones ampliamente extendidas: el retrato de la hermana de Napoleón, Paulina Borghese, esculpida como una Venus, sobre un diván y el conjunto Teseo y el minotauro.

Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 25 de octubre de 1881 - Mougins, Francia, 8 de abril de 1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista. Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras supervivientes en museos de toda Europa y el mundo. Fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte,el 8 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie (Mougins, Francia) a los 91 años. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues (Bouches-du-Rhone).Pablo Picasso

Obra: Cabeza de mujer Autor: Pablo Picasso, 1931Dimensiones: 128 x54 x62 cm.Material: bronceActualmente: Boisgeloup, Cabeza de mujer

Tremblay-sur-MauldreObra: Tremblay-sur-Mauldre, Autor: Pablo Picasso, 1935 Materiales: Cazos, garfios, madera, bramante y clavosDimensiones: 112 x61 x29 cm.

Obra: Mujer con sombrero Autor: Pablo PicassoDimensiones: 40 x23 x26 cm. Material: bronceActualmente: París, Mujer con sombrero

UmbertoBoccioniUmbertoBoccioni, fue un pintor y escultor italiano, teórico y principal exponente del movimiento futurista. En sus obras, Boccioni supo expresar magistralmente el movimiento de las formas y la concreción de la materia. Aunque influenciado por el cubismo, al que reprochaba su estatismo excesivo, Boccioni evitó siempre en sus cuadros la línea recta y utilizó los colores complementarios para crear un efecto de vibración. En cuadros como Dinamismo de un ciclista (Dinamismo di un ciclista,1913), o Dinamismo de un jugador de fútbol (Dinamismo di un giocatore di calcio,1911), las representaciones de un mismo tema en estadios temporales sucesivos sugieren eficazmente la idea del movimiento en el espacio. Un intento similar domina también su escultura, en la cual despreció a menudo los materiales nobles, como el mármol o el bronce, prefiriendo la madera, el hierro o el cristal. Lo que le interesaba era mostrar la interacción de un objeto en movimiento con el espacio circundante.

Formas Únicas de Continuidad en el EspacioObra: Formas Únicas de Continuidad en el Espacio Autor: UmbertoBoccioni, 1913Material: bronceActualmente: Italia

NaumGaboNaumGabo(5 de agosto, 1890 - †23 de agosto, 1977) era un escultor prominente en el movimiento Constructivismo (arte) y un pionero de Arte Cinético. Él nació con el nombre NaumNeemiaPevsner pero lo cambió para evitar la confusión con su hermano más viejo, AntoinePevsner. La influencia duradera principal de Gabo ha estado en Gran Bretaña dónde él vivió en los años treinta y presentó el Constructivismo a una generación de artistas incluso Hepworth, Nicholson, VictorPasmore y Peter Lanyon que vinieron a dominar las artes visuales postguerras.Gabocreció en una familia judía de seis hermanos en el pueblo ruso provinciano de Briansk, dónde su padre tuvo unos trabajos en la industria del metal. Gabo era un escritor y portavoz fluente en idioma alemán, francés, e inglés además de su ruso nativo. El hablar con fluidez varios idiomas contribuyó grandemente a realizar frecuentes viajes durante su carrera. Después de la escuela en Kursk Gabo entró en la Universidad de Munich en 1910, estudiando medicina primero, y luego inició una carrera en las ciencias naturales. También asistió a cursos de historia del arte disertados por HeinrichWölfflin. Gabo se trasladó en 1912 a una escuela de ingeniería en Munich dónde él descubrió el arte abstracto y se encontró con Wassily Kandinsky y en 1913-14 su hermano Antoine se le unió (quién ya se estableció como un pintor) en París. Gabo pensaba que el entrenamiento era importante para el desarrollo de su trabajo escultural y a menudo usó elementos mecánicos.

Construcción lineal Head of a Woman

Marcel Duchamp Artista dadaísta francés, cuya obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del arte de vanguardia del siglo XX. Nació el 28 de julio de 1887 en Blainville, y era hermano del artista Raymond Duchamp-Villon y del pintor Jacques Villon. Duchamp comenzó a pintar en 1908. Después de realizar varias obras en la línea del fauvismo, se dedicó a la experimentación y al arte de vanguardia e hizo su obra más famosa, Desnudo bajando una escalera (1912, Museo de Arte de Filadelfia), en la que expresa el movimiento continuo a través de una cadena de figuras cubistas superpuestas. La pintura causó furor en el Armory Show que tuvo lugar en Nueva York en 1913. Después de 1915 pintó muy pocas obras, aunque continuó trabajando hasta 1923 en su obra maestra, Los novios desnudando a la novia (1923, Museo de Arte de Filadelfia), una obra abstracta, conocida también como El gran espejo. Realizada en óleo y alambre sobre espejo, fue recibida con entusiasmo por parte de los surrealistas. En el campo de la escultura fue pionero en dos de las principales innovaciones del siglo XX, el arte cinético y el arte ready-made. Este último consistía simplemente en la combinación o disposición arbitraria de objetos de uso cotidiano, tales como un urinario o un portabotellas, que podían convertirse en arte por deseo del artista. Su Rueda de bicicleta (el original de 1913 se ha perdido, tercera versión de 1951, Museo de Arte Moderno, Nueva York), uno de los primeros ejemplos de arte cinético, estaba montada sobre una banqueta de cocina. Su periodo creativo fue corto y después dejó que fueran otros los que desarrollaran los temas que él había ideado, aunque no fue muy prolífico, su influencia fue crucial para el desarrollo del surrealismo, el dadá y el Pop Art. En 1955 Duchamp se nacionalizó estadounidense

Los ready-mades fueron pensados para no entrar en ninguna de las categorías del mundo del arte. Según el propio autor, ninguno de los treinta o treinta y cinco ready-mades tenían ninguna idea en común, salvo que estaban hechos a mano. Así, eran obras inconexas pero que podían serlo al no tener clasificación alguna, salvo la de readymade que quedaba como un “cajón desastre”.Duchampdefinió los ready-mades como “objeto de la vida cotidiana promovido a la dignidad de la obra de arte por la simple elección del artista”. Y, para más aclaración, también definiría lo que consideraría como un ready-made a la inversa: “servirse de un Rembrandt como tabla de planchar”.Todos los ready-mades eran objetos prefabricados y podían utilizarse nuevos, adquiriéndolos en una tienda, o usados, reaprovechando así el material de desecho de la sociedad comunista. De lo que se trataba era de la construcción de una obra de arte a partir de un objeto banal para luego colocarlo en un museo o una galería y así definirlos como obra de arte.

Se trata de una obra compleja e imposible de entender en toda su dimensión de un simple vistazo lo que, por otro lado, deja abierta de par en par la puerta a la imaginación del espectador posibilitando infinidad de lecturas. Ya el mismo título no deja de causar perplejidad: Gran Vidrio: La novia puesta al desnudo por su solteros, incluso, y a la que su autor subtitulaba como Retraso en vidrio o Tal vez un cuadro de bisagra. Clara muestra de la fascinación que Duchamp sentía por utilizar juegos lingüísticos en los títulos de sus obras, y en su forma de entender el arte. En toda su obra, y en el Gran Vidrio eso se percibe con claridad, la complejidad, suma de los muchos intereses que el autor tuvo a lo largo de su vida, y llegó a publicar, en 1934, un manual, a la manera de un libro de instrucciones de esos que vienen con cualquier aparato, que había que leer al mismo tiempo que se contemplaba la obra. En 1926, durante un traslado de la obra el vidrio sufrió desperfectos y en ese momento Duchamp la declaró concluida.El gran vidrio

Alberto Giacometti Escultor y pintor suizo. Nació en un ambiente artístico, ya que su padre, Giovanni, era un pintor impresionista. Se inició en el dibujo y la plástica en la Escuela de Artes y Oficios de Ginebra, antes de trasladarse a París para seguir los cursos de escultura de E. A. Bourdelle en la Academia de Grand Chaumière. En la capital francesa entró en contacto con el ambiente cubista, y más tarde con el grupo surrealista, del que formó parte de 1930 a 1935. En las obras de este período, muy personales, se reconoce la idea surrealista del simbolismo de los objetos. El abandono del surrealismo y la vuelta al arte figurativo constituyen el preludio de la llegada de Giacometti a su estilo más singular y característico, el que desarrolló a partir de comienzos de la década de 1940. Aparecen entonces sus figuras humanas alargadas y de apariencia nerviosa, muy delgadas y de superficie áspera, a menudo de tamaño natural, que pueden estar representadas solas o en grupo. Son estas obras las que han hecho de Giacometti uno de los artistas más originales del siglo XX, también en pintura, donde sus obras se caracterizan por figuras rígidas y frontales, simbólicamente aisladas en el espacio. En estas creaciones que representan la soledad y el aislamiento del hombre se ha querido ver un trasunto de la filosofía existencialista, y de hecho J.-P. Sartre, el máximo representante de la tendencia, reconoció en la obra de Giacometti algunas de sus ideas y escribió sobre ella. La familia y los amigos del artista fueron sus modelos preferidos, en particular su hermano Diego, al que reprodujo en numerosas esculturas, pinturas y dibujos.

Hombre caminandoObra: Hombre caminando Autor: Alberto Giacometti, 1960. Material: bronce Dimensiones: 1.90m de altura. La obra representa a un hombre caminando; deformado, estirado y extremadamente fino y delgado. Las esculturas de Giacometti adoptan la misma estética de Hombre caminando, con formas irregulares y cuerpos finos. Con esto, sus obras adquieren gran expresividad y transmiten fragilidad y debilidad, como si sus personajes sientiesen una amenaza de destrucción por el medio que les envuelve.

Joan Miró Joan Miró i Ferrà( Barcelona, 20 de abril de 1893 — Palma de Mallorca, 25 de diciembre de 1983) pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La Masía del año 1920. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento.En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas. Uno de sus grandes proyectos fue la creación en 1975, de la Fundación Joan Miró, ubicada en Barcelona, centro cultural y artístico para difundir las nuevas tendencia del arte contemporáneo, constituyéndose con un gran fondo de obras donadas por el autor; otros lugares con importantes fondos de sus obras son la Fundación Pilar i Joan Miró de Palma de Mallorca, el MNAM de París y el MOMA de Nueva York.

La caricia de un pájaro Obra: La caricia de un pájaro Autor: Joan Miró,1967material: Bronce pintado Dimensiones: 311 x 111 x 38 cmEntrado el año 1967, Miró introduce el color en la escultura. En las esculturas de bronce pintadas, el metal queda disimulado bajo una capa de color intenso.A pesar del volumen, las obras tridimensionales de Miró dejan entrever la mirada del pintor: el color marca una diferencia entre cada componente y el punto de vista frontal se impone a los otros.Cualquier objeto, como parte integrante de una escultura, cambia de significado gracias a su forma específica y a su disposición en la obra.

Mujer y Pájaro Mujer y Pájaro,fuela última obra de grandes proporciones del polifacético Joan Miró. La obra fue inaugurada en 1983 sin la presencia de su autor debido a los graves problemas de salud que padecía, muriendo meses después de la inauguración a la edad de 90 años. Mujer y Pájaro fue una de las primeras expresiones de arte público de la ciudad condal de la era democrática. Situada en el parque de Joan Miró (antiguo del Escorxador) de Barcelona, al pie de un gran lago artificial, la escultura fue realizada en hormigón y con 22 metros de altura, representa una forma femenina con sombrero y sobre éste la imagen de un pájaro. La silueta de mujer se soluciona con una forma de hoja alargada y ahuecada. Por todo su exterior se encuentra recubierta con cerámica de colores rojos, amarillos, verdes y azules (los más comunes del artista) tratados como trencadís y realizados por el ceramista Joan Gardy Artigas.

Pájaro Lunar Pájaro Solar

La luna y el sol, el principio femenino y el principio masculino, la noche y el día, fuerzas al mismo tiempo opuestas y complementarias, son referencias constantes en la obra de Miró. El Pájaro lunar presenta, como también el Pájaro solar, un modelado austero y un pulimentado superficial, y el aspecto general evoca ciertas figuras arcaicas. El Pájaro solar guarda más la apariencia de un pájaro, mientras que el Pájaro lunar parece que está más cerca de los personajes mironianos atados en el mundo terrestre. El primero es más horizontal, más estático; el segundo, más vertical y dinámico.

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