El documento analiza la evolución del cine moderno en Europa, especialmente en Francia, durante la época del realismo poético, la influencia de la Segunda Guerra Mundial y el surgimiento de innovaciones narrativas y estéticas con directores como Orson Welles y William Wyler. Se destaca la importancia de cineastas como René Clair, Jean Renoir y Marcel Carné, quienes reflejaron la condición humana y el pesimismo a través de narrativas cinematográficas. La obra también menciona la transición hacia una nueva forma de hacer cine, marcando el inicio de la modernidad cinematográfica.

1. HISTORIA DEL CINE MODERNO
CICLO MARZO-JULIO 2015
UNIVERSIDAD DE CUENCA
ECUADOR
CARRERA DE CINE Y AUDIOVISUALES
Galo Alfredo Torres

2. LA CUMBRE DEL CLASICISMO EUROPEO
EL REALISMO POÉTICO FRANCÉS

3. RENÉ CLAIR JEAN RENOIR

4. REALISMO POÉTICO FRANCÉS: 30-45
• Entre 1930 y 1940, el cine francés vive su ÉPOCA DE
ORO, la cima de su clasicismo.
• Decae el Impresionismo de Gance y Delluc.
• A esta etapa se la llama REALISMO POÉTICO FRANCÉS.
• O también NATURALISMO POÉTICO FRANCÉS.
• Se trata de una generación de realizadores tan
importante e influyente como la de Sternberg, Ford,
Capra y Hawks.
• Esta generación va a ser testigo directo de los horrores
de la Segunda Guerra Mundial y tienen atrás la Primera
Guerra Mundial.
• La Ocupación de Francia por los nazis comenzó en
1940.

5. ¿Qué entendemos por realismo o
naturalismo poético?
• A lo largo de 15 años, tres realizadores van a llevar la
herencia de los Lumiére y Méliés a cumbres
insospechadas.
• Hay temas que son comunes a Clair, Carné y Renoir.
• El REALISMO «NEGRO» parte de un pesimismo básico:
la existencia humana es un infierno.
• Sus PERSONAJES son sacados de la capas más bajas,
populares y lúmpen-proletario: pobres, gente de barrio,
legionarios, chulos, mujerzuelas, maleantes, suicidas.
• Es naturalista por los AMBIENTES: suburbios, muelles,
tabernas, hoteluchos, callejuelas, zonas de tolerancia.

6. REALISMO NEGRO PERO POÉTICO
• Es POÉTICO por el toque estético/bello y romántico con
que se cinematografían esas historias trágicas:
• De un fatalismo que nos dice que la felicidad humana
es solo un espejismo.
• Es el camino que llevará al desesperado nihilismo
existencialista de la posguerra (sartriano).
• Sordidez, aherrojamiento, agonía, descomposición,
desgarramiento humano:
• DE aquí sale el PINTORESQUISMO poético y romántico,
perturbado siempre por una mujer-demonio.
• Que recuerda al «naturalismo» pesimista de
Dostoievsky, Zolá y Maupassant.

7. RENÉ CLAIR, la picaresca musical
• De origen burgués y comerciante, pronto se enrola
con los dadaístas y surrealistas de los 20’.
• Vive la resaca de la Primera Guerra Mundial.
• Toda su obra se desarrolla en el seno de la industria
francesa dominada por el capital alemán (Ejem:
TOBIS).
Debuta con Paris qui dort (1923) y Entr’acte (1923),
joyas del cine de vanguardia y experimental.
 Delatan su humanismo, poesía, realismo,
MEZCLADOS CON cierta dosis de fantasía y absurdo.
 Le cupo el honor de realizar la primera película
sonora francesa: Bajo los techos de París (1930).

8. Y El millón fue la primera gran comedia musical
francesa.
 En todos sus filmes exhibe una particular marca del
realismo en el personaje del pícaro: PICARESCA.
 Pero teñido por el esprit francés y su amor por lo
popular, la canción, el bistrot.
• La película silente El sombrero de paja de Italia retrata y
refleja ese populismo, pícaro y francés.
• Espíritu que también está marcado por un FUERTE
NACIONALISMO.
• Pero a la vez, y muy importante, combinado con lo
biográfico, por eso se lo considera antecedente de la
POLÍTICA DE AUTOR.
• Trabajó siempre con su director de arte Lazare Meerson
y el fotógrafo George Perinal.

9. LOS PADRES DE PESIMISMO
NATURALISTA EN LA
NOVELA
FIÓDOR DOSTOYEVSKI (1821-
1881)
ÉMILE ZOLA (184O-1902)
GUY DE MAUPASSANT
NATURALISMO: Bajos fondos, bajos instintos, el
lado oscuro del corazón; la naturaleza básica del
hombre; la bestia humana.

10. JEAN RENOIR: clásico y moderno
• Considerado el par francés de Orson Wells por la
INNOVACIONES en el lenguaje cinematográfico.
• Se inscribió de lleno en el PESISMISMO NATURALISTA,
heredado de los franceses Zolá y Maupassant.
• Hijo del pintor impresionista Augusto Renoir, no tuvo
éxito en los estudios y fue soldado en la Primera Guerra
Mundial.
• Confesó haber visto todas la películas Erick Von
Stroheim y haberlas estudiado detenidamente.
• El neorrealismo italiano y la Nouvelle Vague serán sus
herederos.
• Uno de los pocos cineastas en ejercer un control
completo sobre sus películas.
• Sus escenarios son un homenaje al teatro y el vodevil.

11. • Con Naná (1926) y La golfa (1931) se centra en los
problemas sociales e individuales (prostitución)
• Critica y denuncia la falsa moral burguesa, como lo hace
paralelamente Sternberg con El ángel azul.
• Se diría que ama y respeta a sus personajes obscuros por
eso los trata con sutileza.
• Boudú salvado de las aguas (1934), Madame Bovary (1934)
y Los bajos fondos (1936) dan cuenta de su pertenencia a
una tradición temática: el mal como naturaleza del hombre.
• Clásico y moderno a la vez, con frecuencia rompe la
CUARTA PARED. Usa el PLANO SECUENCIA y la
PROFUNDIDAD DE CAMPO.
• La gran ilusión (1937), La bestia humana (1038) y Las reglas
del juego (1939) son obras maestras y resumen toda su
obra y mantiene la tendencia a la MASA COLECTIVA.
• El testamento del Dr. Cordelier (1959), adaptación de Dr.
Jekil and Mr. Hyde el quizá el filme que más lo caracteriza,
como retrato de la perfecta bestia humana.

12. ARLETY
JEAN GABIN
EL STAR SYSTEM DE
FRANCIA

13. MARCEL CARNÉ: poesía de lo real
• Otro de los grandes tándems del cine mundial fue el
conformado por el realizador Marcel Carné y el poeta-
guionista Jaques Prévert.
• Es el último de los llegados al Naturalismo poético, y el
aporte de Prévert le dio más poesía a su cine.
• En todos los filmes, ambientados en los bajos fondos,
hay siempre MAGIA Y POESÍA, y hasta comedia: El
puerto en brumas (1938) y Hotel Norte (1938)
• Se diría que roza incluso lo MARAVILLOSO: como ocurre
en el relato mágico Los visitantes de la noche.
• Dialoguistas incomparables, la poesía no está solo en
las imágenes, sino en las líneas del diálogo, llenas de
agudezas, sentencias, metáforas e ironías.

14. EL FRENTE POPULAR y los objetos
• En 1940 los nazis invaden Francia y el país se divide entre El
Gobierno de Vichy, colaboracionista,
• Y la Resistencia; uno de los brazos más activos fue El Frente
Popular, de orientación marxista e incluía a los artistas.
• El dúo Carné-Prévert militó en el Frente Popular, porque su
cine es de orientación popular, pero lleno de pesimismo.
• El amor no puede contra la muerte ni contra el mal.
• Usa muchos OBJETOS SIMBÓLICOS como el agua, la noche, la
música, el bosque, el sombrero, los cubiertos.
• Los visitantes de la noche es justamente un film
MARAVILLOSO (mezcla de natural y sobrenatural), y
SIMBÓLICO: por la cantidad de objetos que significan algo
más que el significado habitual.
• Para muchos historiadores, Los niños del paraíso está entre
las diez mejores de la historia: homenaje al arte y los artistas.

15. LA REVOLUCIÓN MODERNA
• La palabra MODERNO es muy equívoca, y puede
significar muchas cosas: actualización, puesta al día.
• En el campo del arte LO MODERNO se usa más
asociado a las ideas de RUPTURA Y RENOVACIÓN.
• Así como LA EDAD MODERNA surge en el siglo XV como
reacción, oposición, distanciamiento de la EDAD MEDIA
religiosa (es lo que se llama Renacimiento)
• Porque renace todo el clasicismo greco latino y su
vocación pagana y laica,
• También en el cine, hacia los años de la preguerra,
comienzan a ocurrir ciertos síntomas de cansancio del
cine clásico y sus dramas, héroes, malos y buenos, etc.
• Renoir, Clair, Hawks, Ozu, Dreyer, ya comienzan a forzar
el guion de hierro y su sistema de producción.

16. LA REVOLUCION DE LA FORMA
• RUPTURA Y RENOVACIÓN implica búsquedas y
hallazgos tanto en contenidos como en la forma.
• Ya la vanguardia rusa inició lo que se llama LA
EXPERIMENTACIÓN: prueba, ensayo, riesgo.
• Tanto nivel de guion como de la planificación y
montaje van a ocurrir cambios profundos que van a
atentar contra el PRICIPIO DE TRANSPARECIA de
Hollywood (cámara fija, toma en el eje, cuarta pared)
• Y la figura que va a CONDENSAR todos los
experimentos, hallazgos, pruebas que están ocurriendo
en varias cinematografías (Dreyer rueda una película
únicamente con primeros planos, Renoir rompe la
cuarta pared. Ozu y los “planos vacíos”) es un gigante:
• ORSON WELLS, quien entra en el ESTILISMO o
VOLUNTAD DE FORMA, que remontan al barroco.

17. JOHANNES VERMEER: Alegoría de la fe”
(1671-74)

18. DIEGO VELÁZQUEZ: “La hilanderas” o “La fábula de Aracne” (1657)

19. ORSON WELLS: EL GENIO MALIGNO DE
HOLLYWOOD
• Orson Wells (1915-1985): su película Ciudadano
Kane (1941) marca el inicio de lo que se llama la
Modernidad Cinematográfica.

20. ORSON WELLS: RUPTURA COMO CREACIÓN
• Orson Wells: el genio que puso una bomba en casa e inventó
el cine MODERNO: BURLANDO, EXPANDIENDO Y JUGANDO
CON EL CANON CLÁSICO.
• Kenosha, 1925, Los Ángeles, 1985.
• Niño prodigio: a los 5 años recitaba a Shakespeare. A los 15 es
premiado por la escenificación de Julio César.
• Viajero, pintor, dibujante. Se inicia en el teatro como actor y
director.
• En 1938: transmite La guerra de los mundos provocando un
“auténtico” pánico en EEUU.
• Estudió en el MOMA a todos los clásicos del cine.
• “Este es el más hermoso tren eléctrico que un muchacho
haya podido nunca soñar”.
• Crítico y sarcástico con el american style of life:
• Ciudadano Kane: la mejor película de la historia.

21. LA REVOLUCIÓN DE ORSON
• Como estaba en Hollywood, tenía que respetar el guión de
hiero: pero jugando con las reglas: El Ciudadano…comienza
por el fin…
• PROFUNDO OBSERVADOR DE SU TIEMPO Y LUGAR
• EXPERIMENTADOR: probar nuevas fórmulas narrativas y
visuales.
 Conflicto central, objetivos, datos escondidos: “ROSEBUD”.
 Guion no-lineal y presentación del narrador (tavelling o tilt)
• Repeticiones: vuelta a la misma escena.
• Análisis psicológico y sociológico de los personajes.
• Verbalismo simultáneo en un solo cuadro de varios
personajes.
• Profundidad de campo no solo espacial sino DRAMÁTICA: tres
escenas activas en profundidad.

22. REMBRANDT: “El filósofo en mediatción” (1632)

23. CARAVAGGIO: “La inspiración
de San Mateo” (1602)

24. ESTLISMO Y AFÁN DE FORMA
 Multinarradores dentro de la diégesis (Lo Odisea).
 Un objeto-narrador: un libro (Flash-back)
• Encuadres y angulaciones novedosas: ruptura del eje,
medio picados, cámara bajo el piso.
• Gran Angular y ojo de pez
• La grúa significativa: tilt, travelling.
• Decorados con techo y piso en el mismo encuadre.
• Plano secuencia o plano sostenido dramático.
• Claroscuro simbólico: juego de luces y sombras.
• ELIPSIS: eliminación de tiempo-espacio con argucias
visuales ingeniosas.
• METALEPSIS: cine y teatro dentro del cine (Metaine).

25. CULTISTA: volver a la tradición
• Wells era un erudito en la cultura humana y en el
espíritu humano: Gran Viajero (Europa)
• De la música a la pintura, de la danza a Cervantes,
era un fascinado por la Cultura Latina.
• It’s All True (1942, 1985, 1993) fue una fallida
trilogía sobre América Latina, de la que solo nos
queda: Cuatro hombre en una balsa, documental
rodado en Brasil.
• Le dedicó una docu-ficción al Quijote.
• SU AMOR POR la literatura le llevó a adaptar a los
grandes clásicos: SHAKESPEARE, KAFKA, CAMUS: El
Extranjero, Macbeth, Otelo, Sed de mal, El Proceso.

26. • “Yo pienso que el cine tendría que ser esencialmente
poético y es por eso que en el curso de las filmaciones, y no
en la fase de preparación, yo trato de meterme en el
proceso poético que es diferente del proceso narrativo y del
dramático” (1968).
• “Hoy el cine funciona en un nivel mucho más cercano a la
música y a la pintura que a la palabra escrita; las imágenes
tienen la capacidad de aglomerar conceptos y
abstracciones sin la tradicional ayuda de la palabra”.
• “No aprendí absolutamente nada en la escuela de cine. He
aprendido mucho más viendo filmes que leyendo pesados
tomos sobre estética del cine. La mejor educación para
realizar un filme es hacer uno. Aconsejaría a todo aspirante
a director, el tratar de hacer una canción inclusive solo”.
Orson Wells

27. LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL
(1939-45)
• Una vez el Partido Nacional Socialista en el poder en 1933 y la
fundación del Tercer Reich,
• Se instaura el fascismo nazi con carácter expansionista,
antisemita y racista.
• En 1940 los alemanes están ya en París, pero antes han
invadido Polonia, Austria, Bélgica y el norte de África.
• “La solución final”, nombre del proyecto de exterminio judío
está en marcha.
• Dachaud, Auschwitz, Treblinca, Belzec, Sobidor, son las
marcas más horribles de la derrota humana.
• Hitler hace pactos con Franco y Mussolini.
• Y son embargo maquinaria cinematográfica sigue adelante.
• De hecho, es en esos años que Nace el cine Moderno.
• Para Gilles Deleuze, es esta crisis la que pone el canon clásico.

28. GREGG TOLAND: el fotógrafo de Wells, de
William Wyler y muchos otros.

29. WILLIAM WYLER y unas cuántas obras
maestras
• William Wyler es de origen suizo, educado en París, fue
Mayor de la Fuerza Aérea norteamericana.
 Trabajó en Hollywood primero como publicista, y luego hizo
cortos y documentales de propaganda.
 Siendo el modelo del DIRECTOR COMERCIAL, su colaboración
con Gregg Toland le permitió hacer unas cuantas obras
maestras.
 Gran adaptador: supo trabajar el guion literario, los diálogos
y el aspecto psicológico que estaba en la Novela.
 Los decorados como parte de la caracterización.
 De hecho usa el plano secuencia y la profundidad de campo
antes que Wells:
 Jezabel (1938); Cumbres borrascosas (1939)
 Los mejores años de nuestras vidas (1946)
 Horas desesperadas (1956)

31. LOS MEJORES AÑOS DE NUESTRAS VIDAS
(1946)
• Diálogos, puesta en escena y decorados en perfecta
armonía,
• Crean un espacio cinematográfico impecable, casi
teatral por la profundidad de campo.
• Cine-escritura: pero enfocado hacia un
INDIVIDUALISMO PESIMISTA.
• Cierta oscuridad o pesimismo, cercano al del
Naturalismo poético francés está en este filme.
• Y la II Guerra era una muy buena fuente de dramas
oscuros.
• Que dramatiza el mundo interior de los soldados que
regresan de ganar la guerra,
• Pero es un REGRESO SIN GLORIA.

32.  MICHAEL CURTIZ: de
origen húngaro, es otro
director comercial del
mainstream
hollywoodense.
 Pero tiene a su haber
varios títulos claves del
cine negro.
 Pero sobre todo el
superclásico:
 Casablanca (1942).
 El contexto bélico, el
espionaje, la resistencia
son fuentes de INTRIGA Y
AVENTURAS, con cierto
toque exótico.

33. CASABLANCA (1942), Michael Curtiz
1942: La ciudad de Casablanca (Marruecos) recibe a
millares de refugiados de toda Europa: HUYEN DE LA
GUERRA y van de paso a USA.
Todos llegan al Café Americano: allí se tensan todas
las razas, fuerzas e intereses humanos: LA ILIADA.
Rick Blaine es el dueño: un hombre de pasado oscuro
e individualista radical.
 El asesinato de dos emisarios nazi trae a Casablanca
al un alto oficial alemán.
 El capitán Renault, amigo y rival de Rick, tiene a
carga la investigación.
 Todo se complica más con la llegada al Café
Americano de jefe de la Resistencia húngara, Víctor
Lazlo, y de su bella esposa Ilsa…

34. UNA ILIADA EN EL CINE
• Como todo Ilíada, esta es abundante en personajes y
subtramas (equivalen a diez películas), en torno a
una trama central: un trío amoroso.
• Un relato coral fluido, lleno de energía, incesante.
• Romanticismo negro y un humor desencantado.
• Multigéneros: bélico, melodrama exótico, thriller,
policial, espías, propaganda patriótica.
• Hay un desvaimiento de las fronteras entre malos
buenos.
• Porque todo aquí es incertidumbre, azar, mentira,
espejismo.
• Hasta el final: el cinismo parece ganar la partida.

35. MICHAEL CURTIZ
(de origen
húngaro)
INGRID BERGMAN

36. LA INMEDIATA POSGUERRA:
EL NEORREALISMO ITALIANO
(1945-1954)

37. LA ESCUELA DEL NEORREALISMO
• 1943: Inicio de la liberación de Italia, ocupada por
Alemania y gobernada por el Ducce.
• Todo la carga material y espiritual de la Guerra va a pasar
a la poética del cine.
• La industria del cine italiano ha seguido trabajando bajo la
pseodo-ocupación: cine fascita.
• Los jóvenes cineastas que estudian en el mítico Centro
Sperimentale demandan:
CINE COMO REFLEJO EXACTO DE LAREALIDAD
 Ossesione (1942) de Visconti; Roma, ciudad abierta
(1945) de Rossellini; Ladrón de bicicletas (1948) de De Sica
y La terra trema (1948) de Visconti, abren ESTA nueva
forma de hacer cine, pero a la italiana.

38. GUSTAVE COURBET: Buenos días Señor
Courbet (1854)
Los picapedreros (1834)
La cribadoras de trigo (1854)

39. ¿qué es el REALISMO?
• Volver a representar la PURA REALIDAD cotidiana, que
ya estuvo en el siglo XIX en la pintura de Gustave
Courbet (1819-1877).
• En el caso del REALISMO SOCIALISTA RUSO: realismo
colectivista pero ESTILIZADO (montaje), cuyo referente
era Marx y sus reflexiones sobre el proletariado.
• Naturalismo poético francés: realismo colectivista pero
urbano y con un giro pesimista (la bestia humana, el
lado oscuro), heredero de Dostoyevski y Zolá.
• El Neoralismo italiano también retrata la cruda realidad
de la clase trabajadora y barrios pobres. Leen a Marx y
la lucha de clases.
• Pero centrando su dramas en individuos y no en la
masa.

40. ROBERTO ROSSELLINI
LUCCINO VISCONTI
FEDERICO FELLINI
MICHELANGELO
ANTONIONI
VITTORIO DE SICA
Pier Paolo Pasolini

41. LA ETAPA REALISTA DEL NEORREALISMO
• Todos sus miembros son antifascistas, militantes
comunistas y de la Resistencia: su ética condiciona su
estética:
• Cine militante, comprometido y denuncia.
• Actitud documental y verista: toma directa.
• Salir a las calles y filmar en escenarios naturales.
• Historias de gente común y corriente inmersos en
grandes o mínimas pasiones.
• Improvisación y hallazgo.
• Bajo presupuesto.
• Actores no profesionales y profesionales.
• Todos tienen DOS GRANDES etapas en su producción:
LA MILITANTE realista (o propiamente neorrealista 40’-
50’) y la de AUTOR-BARROQUISMO (60’, 70’).

42. CONSTRUIRLAMIRADA YVAGABUNDEO
• En conjunto, el neorrealismo es otra forma de VER EL MUNDO y
CONSTRUIR la MIRADA DEL CINE.
• La cámara (panorámica) y el narrador SE MUEVEN CON EL PERSONAJE que
siempre es dinámico.
• Muchas veces le ceden la perspectiva: miramos lo que mira el personaje.
• Cámara subjetiva, tomas de espalda.
• Sus guiones tienen UNIONES DÉBILES, se afloja el principio de causalidad o
razón suficiente.
• El personaje está perdido y camina mucho: VAGABUNDEO
• DESCRIPCIÓN del lugares: la cámara se queda contemplando (Narrador) o
son los PERSONAJES los que VEN y nos enseñan a VER EL MUNDO.
Mundo
real
Naturalismo:
documental,
verismo, toma
directa.
REALISMO:
codificación
cultural: Cine
clásico y
Neorrealismo
ESTILISMO:
barroco,
manierismo,
elaboración.

43. ROSSELLINI: realismo místico
• Roberto Rossellini: verdadero padre y fiel de la vertiente
realista, nunca se barroquizó.
• Fue siempre partidario de lo PSEUDOCUMENTAL o ficción de
base documental: escenarios y actores naturales.
• ÉTICA definía la estética: el filme como documento humano y
compromiso moral (Sócrates, Pascal).
• Fuertemente influenciado por el CRISTIANISMO y
espiritualismo (Pascal, Juana de Arco, San Agustín, Los
apóstoles). Es el místico del neorrealismo
• Comenzó con un canto a los dolores de la guerra: Roma,
ciudad abierta (1945);
• Su obra más famosa es Alemania, año cero (1947), en la que
la niñez salta al escenario.
• Y el cine pierde su inocencia por vía del crimen y el suicidio.
• Su labor PEDAGÓGICA lo llevó a la televisión.

44. Vittorio De Sica: el optimismo trágico
• Actor y director, hizo tándem con el guionista marxista
Cesare Zavattini. (quien estuvo en Cuba, para fundar la
escuela de cine de San Antonio).
• Trabajó como actor en comedias románticas durante el
régimen fascista.
• Devino humanista de izquierda y antifascista.
• Su cine es directo, sencillo, honesto, poético y optimista.
• Fue el que más fácilmente se adaptó a la industria italiana.
• Filma quizá el gran manifiesto fílmico del neorrealismo:
Ladrón de bicicletas (1945): héroe menor enfrentado a una
catástrofe (pathos)
• Milagro en Milán (1950) y Humberto D (1951) apuesta
militantemente por las clases bajas y el hombre común
enfrentando grandes pasiones: Dos mujeres (1960).

45. Neorrealismo: pesimismo y optimismo
• La tragedia y luto de la existencia está en: Rossellini
• Hereda poetiza las ideas de la CAÍDA de
cristianismo.
• Pero mezclado con marxismo: lucha de clases,
toma de conciencia y educación política.
• La usencia de música en las bandas de sonido revela
un verismo naturalista o pureza de lo real.
• Con De Sica regresa el optimismo a pesar de la
tragedia existencial. Al final hay esperanza.
• E Incluso lugar para la Maravilla del milagro.
• El neorrealismo también tuvo su star system…

46. SOFÍA LOREN ANA MAGNANI

47. MÓNICA VITTI Giullietta MASSINA

48. El conde VISCONTI
• Gran personaje del neorrealismo, comienza siendo
documentalista-naturalista, místico y marxista.
• Aprendió en Hollywood y Francia (Jean Renoir).
• Maduraría hacia un BARROQUISMO filosófico-
DECADENTISTA (reciclaje de la cultura).
• El aristócrata Luchino Visconti aporta con la docu-ficción, La
tierra tiembla (1948) para el partido comunista.
• Este Conde dijo: “Creo que no se puede ser hombre y menos
artista sin tener una conciencia política. El arte es política”.
• Crítico con la burguesía y la aristocracia.
• Su honestidad intelectual lo llevó a profesar un amor crítico
por las clases bajas:
• “El proletariado también es un hombre y por tanto es
imperfecto” (Ossessione y Bellisima).
• Cierra su primera etapa con Rocco y sus hermanos (1960)
sobre la migración interna italiana.

49. Fellini de los 50’: el cuerpo del deseo
 Si hay un genio del cine, ese es Fellini; dueño de una obra
enorme, original, diversa.
 Autobiográfica, metacinematográfica.
 Coguionista de Rossellini y compañero de ruta de todos los
neorrealistas, pero un con toque muye personal.
 Con él nace lo que luego se llamará un AUTOR.
• El jeque blanco (1951), Los inútiles (1953) y La Strada
(1954) inicia una carrera que irá hasta los años 80.
• Explotó como nadie su AUTOBIOGRAFÍA pero pasada por la
desmesura poética, la fantasía y la fiesta.
• Estas tres películas que son muy neorrealistas contienen ya IN
NUCE los temas que vendrán en su etapa surrealista y
barroca.
• Su mirada aquí es crítica, algo desencantada.
• Cierra esta década con Noches de Cabiria (1957) su etapa de
crónica, pero con un toque de optimismo festivo, a pesar de…

50. ANTONIONI 60’: cine contemplativo
• Michelangelo Antonioni: de origen burgués, su refinada
formación la llevará al cine, para desarrollar un
neorrealismo de la contemplación.
• Estudió dibujo, arquitectura, economía, teatro, pintura,
fue periodista y crítico de cine.
• Fue guionista de Rossellini y Fellini.
• Comienza siendo marxista, documentalista y haciendo
algunas ficciones en los 50’: Las amigas
• al hilo de todo el recetario del neorrealismo, pero con
un fuerte giro FEMINISTA y los problemas del AMOR.
• Pero su temperamento místico, sus ideas filosóficas
pronto lo llevaron por caminos personales (AUTOR).

51. ANTONIONI: el vagabundeo.
• Cultor de sonido natural y del paisaje natural.
• Del DESACONTECIMIENTO: LO QUE ESTÁ DESPUÉS
DE LA TORMENTA: desdramatización.
• Juega con rupturas del orden y causalidad
narrativas
• Con La aventura (1960), La noche (1961), El eclipse
(1962) inventa del cine de VAGABUNDEO: cercano
al naturalismo del tiempo real.
• En esos mismo años Fellini hace La dolce vita (1960)
y 8 ½ (1963), ya en su etapa surrealista.
• Justo cuando en Francia asoman los jóvenes
rebeldes de la Nouvelle Vague.

52. !EL CINE CLÁSICO SIGUE VIVO!
• Sí, sigue vivo en Estados Unidos, a pesar de las rupturas
y cambios que ha sufrido el cine moderno europeo.
 En la posguerra EEUU se vuelve una potencia mundial:
ha ganado la guerra y sus rivales están en la ruina.
 1946: El advenimiento de la TV, temible enemigo del
cine, porque la gente deja de ir al cine.
 Gran producción: 1945: 358 filmes, 1946: 425 filmes:
todas propagan el “american way of life”.
 Las MAJOR COMPANIES producen el 60-74 % y
controlan el mercado de la distribución y exhibición.
 Se inician las protestas por los derechos civiles de las
minorías negras, feministas, indios.
 Muchos negros pelearon en la II Guerra y su música va
siendo marca de cine norteamericano.

53. LA CACERÍA DE BRUJAS,
LISTAS NEGRAS, PRISIÓN,
DELACIÓN.
JOSEPH McCARTHY (Comisión McCarthy y
la Comisión Wood)
LOS DIEZ DE HOLLYWOOD: su culpa
fue escribir historias CRÍTICAS
sobre la sociedad norteamericana.

54. • Rusia también gana la guerra y va camino de convertirse en
una potencia atómica.
• 1947: año en que inicia la Cacería de brujas y el Comité de
Actividades Antinorteamericanas:
• La Inquisición/Hollywood contra la “propaganda comunista”
que se filtra en la películas.
• Simpatías y militancia de cineastas con el P.C. (guionistas).
• Eran comunistas: “todas las personas que tienen ideas no
norteamericanas” o aquél filme, diálogo, actor, que criticasen
a las persona ricas.
• Se organizaron tribunales, juicios y se fomentó la DELACIÓN.
• 1954: cierra su oficina el Comité con una lista de 324 nombres
prohibidos.
• Las majors establecieron una CLEANING OFFICE para no
darles trabajo.
• Chaplin, Wells, Jules Dassin y Joseph Losey huyen a Europa.
• Monsieur Verdoux y Un rey en Nueva York son las alegorías de
la era mccarthysta.

57. AUGE DEL CINE NEGRO y CRÍTICA SOCIAL
• En 1946 salen al mercado dos películas que se convertirían en
superclásicas:
• Gilda de King Vidor y The Killers (Los forajidos) de Robert
Siodmak; obras maestras del cine negro.
• Pero el fenómeno comenzó 1941 con El halcón maltés de
John Huston.
• Los EEUU de posguerra están atrapados en una PSICOSIS
COLECTIVA, por el tema ruso y el comunismo.
• Hay un incremento de la criminalidad: 1 delito grave cada 15
segundos en 1952.
• El crecente protagonismo de las mujeres (trabajaron durante
la guerra, mientras sus esposos estaban en el frente).
• La novelas negras (de criminales) de Dashiell Hammet,
Raymond Chandler y Mickey Spillane erana ya famosas desde
los años 30’.

58.  Se trataba de literatura barata (pulps) pero de gran
éxitos en las esquinas.
 Los directores más sensibles se refugiaron en ese
género para hacer alegorías cinematográficas.
 Mostrando un mundo en descomposición, lleno de
seres depravados, criminales sádicos, policías y
detectives débiles.
Y mujeres fuertes, que casi siempre ponen a los
hombres al servicio de sus ambiciones.
 Estas intrigas criminales no están exentas de conflictos
psicológicos-sexuales y seducciones fatales.
 Que enturbia más las historias y complejiza los
guiones.
Esto distancia al cine negro del cine de gángsters de
preguerra.

60. JOHN HUSTON y la doble moral
• Chaplin y Monsieux Verdoux (1946): el Mr. Hyde del cine
norteamericano:
• El asesino, padre de familia, feliz y honorable.
• El doble-perverso (sosías) coincide con la llegada de la Teoría
Psicoanalítica al cine:
• El inconsciente es la zona de nuestro ser que se autogobierna
y esconde nuestros traumas, dolores y fantasmas.
• Hay un inconsciente colectivo con sus fantasmas
PERVEROSOS: EL INCOSCIENTE ES UN TEATRO.
• Esos fantasmas perversos en la ficción y el cine negro repiten
el TRIÁNGULO EDÍPICO.
• Papá, mamá y asesino de papá se convierten en: jefe, la
mujer fatal y el víctima (The Killers).
• La madre/mujer fatal maneja el mundo y tiene el poder de la
seducción (Double indemnity).

61. • Huston: irlandés, protestante, existencialista. Campeón de
box, militar, periodista, pintor, novelista, dramaturgo y
guionista.
• Inconforme y crítico.
• Retoma el tema de la “pérdida de referencias” o relativismo
(las barreas entre el bien y el mal).
• Cultiva el CINE NEGRO y EL ANTIHÉROE PERDEDOR como
medios de CRÍTICA al modo de vida norteamericano.
• Relanza a Humphrey Bogart: El halcón maltés (1941) y El
tesoro de la Sierra Madre.
• Gran director de actores: Marilyn en La Jungla de asfalto
(1950) y Vidas rebeldes (1961).
• Al atormentado Montgomery Clift en Freud, pasión secreta.
• Retrató el relativismo moral, nihilismo y fracaso: todo eso
estaba en el mundo del hampa norteamericana.

62. FILMOGRAFÍA DE HUSTON
• El halcón maltés (1941)
• El tesoro de la Sierra Madre (1948)
• La jungla de asfalto (1950)
• La reina de África (1952)
• Moulin Rouge (1953)
• Moby Dick (1956)
• Vidas rebeldes (1962)
• Freud, pasión secreta (1962).
• La noche de la iguana (1964)

63. BUSBY Y EL CINE DE LA FELICIDAD
• La vida es irónica, el hombre es irónico.
• Allí donde reina la desgracia y la tragedia es capaz de
construir felicidad y comedia: cantar y bailar, de reír y gozar.
• El advenimiento del sonido inauguró la Comedia musical o
cine de la felicidad.
• Verdadero género, tuvo sus realizadores, cantantes, músicos,
directores de arte, realizadores y CORISTAS.
• Años treinta, todavía en blanco y negro, están los grandes
clásicos: Busby el hombre que hizo bailar a la cámara.
• Busby Berkeley, el más grande corista y director de arte: la
fantasía del oropel, las pieles, la seda y la luz.
• La época de las CORISTAS: bailarinas cuyo cuerpo era
escenario.
• Trabajó para darle felicidad a la gente durante los duros años
de la depresión y luego la II Guerra.
• Si Wells abrió el piso, Busby abrió el techo.

64. STANLEY DONEN Y GENE KELLY: el musical
moderno
• Grand Hotel (1932) y The Great Ziefeld (1936)
• Carmen Miranda

65. BILLY WILDER: LA COMEDIA filosófica

66. • De origen judío e inmigrante: nació en Viena. Cronista
deportivo, crítico de cine, abogado, bailarín, guionista.
• 1934: llega a EEUU: dialoguista y asistente de dirección
de Ernest Lubitch.
• Con el filme negro Double indemnity salta a la fama por
su tono crítico, pesimista y nihilista.
• La comedia satírica: critica de costumbres y creencias
del machismo: El apartamento.
• Crítica al ingenuo divismo de Hollywood en El
crepúsculos de los dioses.
• La comedia de enredos: situaciones insólitas, ligeras y
divertidas.
• Con cierto corte picante y erótico, pero muy contenido:
La tentación vive arriba y Con faldas y a lo loco.
• Puede ser MORALIZANTE en su discurso: Irma la dulce

67. FILMOGRAFÍA DE WILDER
• Double Indemnity (1944)
• Días sin huella (1945)
• El crepúsculo de los dioses (1950)
• Stalag 17 (1953)
• La tentación vive arriba, La comezón del séptimo
año (1955)
• Con faldas y a lo loco (1959)
• El apartamento (1960)
• Irma la dulce (1963)

68. Alfred Hitchcock: LA ESPRA y el MAL
criminal
• La poética del ma
• El alma criminal
• El doble
• La mirada

70. ELIA KAZAN: una poética de la delación
• De origen greco-armenio pero nacido en Turquía, llega
a USA en 1913. Estudia arte dramático en Yale.
• 1932: ingresa en el Group Theater. En 1947, con Lee
Strasberg funda el Actor´s Studio, en New York, en la
línea de Stanislavski.
• Fue director escénico en plena época del Teatro de
Vanguardia que fustiga o desnuda las pesadillas del
sueño americano: Tennessee Williams, Arthur Miller,
Eugene O’Neil, Thorton Wilder, William Inge.
• De su escuela saldrían: Brando, Dean, Clift, Newman,
Malden.
• Acusado de comunista y llamado ante el Comíté delató
a varios de sus colegas y amigos del PC.

71. • Viva Zapata es el filme donde trata de justificarse
planteando que TODA REVOLUCIÓN Y
REVOLUCIONARIOS son corruptos y degenerados.
• En nido de ratas, igualmente intenta un reflexión
sobre LA DELACIÓN y cómo esta es inevitable bajo
ciertas circunstancias.
• Al este del Edén le sirvió para descubrir y lanzar al
estrellato a James Dean.
• Esplendor en la hierba es un crudo y desesperante
retrato de la sociedad norteamericana y el Mito de
la Castidad: con un Warren Beatty y Nataly Wood
impecables.

72. ELIA KAZAN: FILMOGRAFÍA
• Un tranvía llamado deseo (1951)
• Viva Zapata (1952)
• La ley del silencio-Nido de ratas (1954)
• Al este del Edén (1955)
• Baby Doll (1956)
• Esplendor en la hierba (1961)
• América, América (1963)

73. LOS AUTÉNTICOS MODERNOS
• Aparte de Fellini y Antonioni, hay tres realizadores LEJANOS
que son claves para entender el cine CONTEMPORÁNEO:
• Carl Theodor Dreyer (Dinamarca, 1889-1968)
• Yasujiro Ozu (Japón, 1903-1963)
• Andrei Tarkovki (Rusia, 1932-1986).
• A su manera y desde sus propias circunstancias personales y
culturales, son MODERNOS: riñen con el canon clásico.
• Incorporan a sus películas su CULTURA y su propia visión del
mundo.
• Con derecho propio son AUTORES, antes incluso de que tal
noción aparezca.
• Inventan otras formas de narrar, que muy poco tiene que
ver con la BASE ARISTOTÉLICA.
• Son poetas y usan el cine como PRINCIPIO FILOSÓFICO.

75. CARL THEODOR DREYER: el plano místico
• Su poética se movió entre la fantasía monstruosa y la
mística religiosa: Páginas del libro se Satán (1919)
• Autodidacta y prolífico guionista, ya en 1928 hace su
obra maestra: La pasión de Juana de Arco, una dura
acusación al machismo en PRIMEROS PLANOS.
• Vampyr (1932) y Dies Irae (1943) revelan su extraña
fascinación por lo monstruoso y la brujería, y a la vez su
particular feminismo.
• Su sentido de la luz, el uso del plano sostenido, sus
ambientes opresivos son siempre simbólico-
dramáticos.
• Sirven para retratar las profundidades del alma
humana. Ordet (55) y Gertrud (64): obras maestras.

76. OZU: el plano vacío, el Zen
• Junto a Kenji Mizoguchi y Akira Kurosawa forman la
tríada cenital del cine japonés.
• Comenzó como ayudante de dirección, cómico y
guionista.
• Comienza filmando el género: Shimun geki dramas y
comedias sobre GENTE CORRIENTE.
• Es el padre de los Héroes menores, y para filmarlos
colocaba la cámara abajo.
• Es austero, naturalista radical: escenas íntimas y
pequeños dramas familiares.
• Planos fijos, sostenidos y vacíos.
• Descripción de OBJETOS. Contemplación y silencio.
• Tokio monogatari (53) y Ukigusa (59), obras claves de
entre casi 100 películas.

77. • ¿Cómo reflejar el mundo de las imágenes
internas del hombre; cómo reproducir lo que
ve el hombre en su mente?
Tarkovski

78. TARKOVSKI: imagen, poesía y filosofía
• La infancia de Iván (1962)
• Andrei Rublev (1966)
• Solaris (1972)
• El espejo (1974)
• Stalker (1979)
• Nostalgia (1983)
• Sacrificio (1986)
• ESCULPIR EN EL TIEMPO (1984)

79. ¿Quién es Tarkovski? (1932-86)
• El maestro de maestros.
• Poeta de la imagen
• Pensamiento metafísico o filosófico en la puesta-en-
escena y la imagen-movimiento-tiempo.
• Hijo de intelectuales, pero abandonado por su padre.
• Niñez dolorosa y ajustada. Juventud casi delincuencial.
• Milagrosamente, se engancha con la música, la pintura,
estudió árabe y geología.
• Estudia cine el Instituto Estatal de Cine de Moscú.
• Humanista, místico y religioso, cultiva la idea del
ARTISTA individual: pero…vive la Rusia Comunista!!!!

80. • La infancia de Iván (1962):
• Andrei Rublev (1966)
• Solaris (1972)

81. BIBLIOGRAFÍA
Cousins, Mark
Gubern, Román
Kemp, Philip
Parkinson, David
Villegas López,
Manuel
Historia del cine
Historia del cine
Cine: toda la historia
Historia del cine
Grandes clásicos del cine
1
1
1
6
1
2012
1994
2011
1998
2005
España.
Blume
España
Alianza.
España.
Blume
España,
Lumen.
España,
JC.
Ediciones
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