La caricatura es un retrato que exagera rasgos físicos o comportamientos de una persona para causar comicidad o criticar defectos. Surge en Italia y Francia en el siglo XVI y se populariza como crítica política en Inglaterra en el siglo XVIII. Félix el Gato fue un personaje de caricatura animada creado en los años 1920 que se convirtió en un ícono cultural global antes de ser eclipsado por Mickey Mouse.

1. Wikipedia
Una caricatura (del italiano caricatura: cargar, exagerar) es un retrato que exagera o
distorsiona la apariencia física de una persona o varias, en ocasiones un estrato de la
sociedad reconocible, para crear un parecido fácilmente identificable y, generalmente,
humorístico. También puede tratarse de alegorías. Su técnica usual se basa en recoger
los rasgos más marcados de una persona (labios, cejas, etc.) y exagerarlos o
simplificarlos para causar comicidad o para representar un defecto moral a través de la
deformación de los rasgos.
La caricatura política nace propiamente en Francia, tras las ilustraciones alusivas a
temas controvertidos y de personajes como Napoleón III y Luis Felipe, que ponían en
tela de juicio su credibilidad ante la opinión pública. Estas ilustraciones fueron
impulsadas gracias a la difusión de la litografía que permitió la fundación de periódicos
ilustrados en un mayor número. La caricatura política es desde entonces un sistema de
lucha dirigido con virulencia contra personajes de la vida pública, con el ánimo de
ridiculizarlos para resaltar sus errores. Además aporta una visión no formal a la opinión
pública, permitiendo revivir el pasado gracias a la facultad del hombre de integrar
elementos heterogéneos a la visión histórica.
La caricatura también se usa abundantemente en la historieta, pero sin limitarse a un
género concreto, pudiendo aparecer en hagiografías como el Buda de Osamu Tezuka o
en relatos costumbristas como los de Daniel Clowes.
Autorretrato caricaturesco de Francisco de Goya, dibujado en una de sus cartas a Martín
Zapater. En él se presenta chato, como se describe a sí mismo en su epistolario.[1]
Contenido
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• 1 Características
• 2 Historia
• 3 La caricatura literaria
• 4 Referencias
• 5 Enlaces externos

2. [editar] Características
La caricatura como género artístico suele ser un retrato, u otra representación
humorística que exagera los rasgos físicos o faciales, la vestimenta, o bien aspectos
comportamentales o los modales característicos de un individuo, con el fin de producir
un efecto grotesco. La caricatura puede ser también el medio de ridiculizar situaciones e
instituciones políticas, sociales o religiosas, y los actos de grupos o clases sociales. En
este caso, suele tener una intención satírica más que humorística, con el fin de alentar el
cambio político o social. La forma más común de las caricaturas políticas y sociales es
la viñeta. Si bien el término caricatura es extensible a las exageraciones por medio de la
descripción verbal, su uso queda generalmente restringido a las representaciones
gráficas.
Existen caricaturistas de muy distintas índoles, temas y estilos, ya que la caricatura, con
muy pocas palabras (en algunos casos, sin palabra alguna) permite también hacer
comentarios políticos en clave de humor verdaderos chistes visuales, y por ello casi
todos los diarios del mundo suelen incluir una o más caricaturas en su sección de
opinión, también suelen observarse caricaturas exentas en otros mass media, por
ejemplo en ciertas revista de cómics, generalmente de índole satírica.
[editar] Historia
Caricatura de Gustave Eiffel.

3. Caricatura de Lenin, 1920.
Caricatura de Hitler, Franco y Mussolini.
La caricatura, en su sentido moderno, nació en Bolonia a finales del siglo XVI, en la
escuela de arte fundada por una familia de pintores, los Carracci. Los estudiantes de esta
academia se divertían haciendo retratos de los visitantes bajo la apariencia de animales
u objetos inanimados, esto llegó a ser compartido por Gianlorenzo Bernini. El grabador
Pier Leone Ghezzi, que trabajaba en Roma, continuó esa tradición y, por un módico
precio, caricaturizaba a los turistas. Lo que estos artistas italianos hacían eran retratos
humorísticos para uso privado y casi nunca resultaban satíricos o maliciosos, en este
sentido Giandomenico Tiepolo también incursionó en el género de la caricatura.
En España ciertos trabajos de Goya tienen visos de fuerte caricatura. A pesar de que sus
principales iniciadores de la caricatura española no se mostrarian hasta hace más de un
siglo. Sus decanos fueron Tomás Padró Pedret, Francisco Ortego Vereda (1833-81) y
José Luis Pellicer, el segundo fue un excelente cronista humorístico de los tipos de su
época y autor de sátiras políticas en el periódico El Fisgón. Sigue la pléyade de
humoristas de las publicaciones del último momento del reinado de Isabel II y de las
etapas sucesivas (La Gorda, La Flaca, Gil Blas), en los que la intención política,
evidente, priva sobre la entidad artística del dibujo. Ya a comienzos de nuestro siglo, el

4. gran caricaturista madrileño es Ramón Cilla (1859-1937), de indudable estilo. Después,
se abre en la prensa española, diaria o semanal, toda una rica etapa de caricaturistas. Ya
que es en la primera mitad del siglo XX en la que se consolida una especie de escuela
española de caricatura teniendo entre sus exponentes a Luis Bagaría, éste trabajó junto a
Opisso y Junceda en la célebre revista Cu-cut!.
En tanto género la caricatura política nace en Inglaterra; la sátira impresa evidenció las
luchas entre el Papado y Lutero, e incluso Luis XIV fue víctima de tempranas
caricaturas. Sin embargo, el género de caricatura política sólo se estableció hasta 1770,
cuando en Inglaterra se tomó como un arma de defensa contra quienes manejaban
asuntos de Estado. El pintor William Hogarth entre los siglos XVII y XVIII realizó
ilustraciones burlonas de crítica social, decididamente dedicados a la caricatura
estuvieron George Cruikshank (siglo XVIII/XIX), James Gillray ( siglos XVIII-XIX) y
su coetáneo Thomas Rowlandson, Max Beerbohm (siglo XIX), Henry Mayo Bateman y
el célebre John Tenniel quien, a más de hacerse mundialmente conocido por las
ilustraciones dedicadas a Alicia en el País de las Maravillas fue uno de los más
destacados caricaturistas de la revista "Punch".
Posiblemente el caricaturista político estadounidense más notable del siglo XIX fue
Thomas Nast, creador de los símbolos de los partidos Republicano y Demócrata, el
elefante y el asno, respectivamente. En ese siglo también destacaron Joseph Keppler,
fundador (en 1826) y editor del semanario humorístico "Puck", y su socio Bernhard
Gillam, quienes atacaron la corrupción de los dirigentes políticos, así como a los
muchos empresarios adinerados de la época, a estos se sumó el también estadounidense
Garry Trudeau, en el siglo XX se destacaron David Levine, Sam Viviano y Al
Hirschfeld.
Sin dudas el máximo exponente de la caricatura ha sido el francés decimonónico
Honoré Daumier quien trabajó junto a Achille Devéria, Raffet y Gerard este último más
conocido por su seudónimo Grandville en las revistas Le Silhoutte y Le Charivari; la
maestría genial de Daumier es alcanzada también por Gustave Doré, siendo dignos de
mencionar Gavarni (Guillaume Sulpice Chevalier), André Gill y sus trabajos en la
revista Le Père Duchêne ilustré". Tanto en Toulouse-Lautrec como en Juan Gris, que
actuaron en las revistas Le Rire y L´Assiette au Beurre, respectivamente, encontramos
también elementos de caricatura, mientras el crítico y escritor Jules Husson
Champfleury escribía la primera Historia de la caricatura.
En la Italia de la primera mitad de siglo XX el pintor Ottone Rosai recurrió a formas
caricaturescas, y cabe destacar los nombres de Umberto Tirelli, Galantara y Scalarini,
así como la sátira de Mario Sironi ya entrado el siglo.
En la Austria de fines de la Belle Époque, sobresalieron los ilustradores de la revista
satírica Simplicissimus.
Durante la República de Weimar en Alemania, los integrantes de la Nueva Objetividad
(por ejemplo Grosz) realizaron obras pictóricas e ilustraciones de fuerte estilo
caricaturesco, algo semejante realizó el pintor Expresionista Belga James Ensor y
también en muchas de sus xilografías el grabador Frans Masereel. En la Alemania
actual sobresale el hiperrealista Sebastián Kruger.

5. En México desde el siglo XIX descollaron valiosos caricaturistas: José Guadalupe
Posada, Eduardo del Río, Constantino Escalante y los contemporáneos Miguel
Covarrubias y Ángel Boligan. En El Salvador, el más notable en el siglo XX fue Toño
Salazar.
Venezuela actualmente tiene como gran exponente a Hermann Mejía y como el más
conocido Pedro León Zapata, para sólo mencionar dos.
En Argentina y Uruguay desde fines de siglo XIX se han venido destacando valiosos
artistas de la caricatura: José María Cao Luaces, Alberto Breccia, Landrú, Oski, Caloi,
Hermenegildo Sábat, Andrés Cascioli, Crist, Lucas y Carlos Nine, Jorge Sanzol, Daniel
Paz, Rudy, Lang, Napo, Faruk, Langer, Mordillo y Quino entre muchos otros que se han
destacado en la caricatura sociopolítica, mientras que Calé, Florencio Molina Campos y
Lino Palacio se destacaron por sus entrañables ilustraciones caricaturescas de tipos y
costumbres, siendo célebres por sus caricaturas los periódicos El Mosquito y Don
Quijote (fines de siglo XIX) y las revistas Caras y Caretas (inicios de s XX), Tía
Vicenta (años 1960s) y Humor Registrado (años 1980s).
El Museo del Dibujo y la Ilustración de Buenos Aires posee una completa colección de
originales de estos autores y publicaciones, además de una amplia cantidad de grabados
de los autores europeos y norteamericanos del siglo XIX, que expone habitualmente en
sus muestras temáticas.
El gato Félix, también conocido como Félix el gato, es un personaje animado de la era
del cine mudo. Su pelaje negro, ojos blancos, y amplia sonrisa, junto a las situaciones
surrealistas en la que sus historias se presentaban, contribuyeron a hacer de Félix uno de
los personajes animados más reconocibles del mundo. Félix fue el primer personaje de
animación en alcanzar un nivel de popularidad tan grande como para atraer a los
espectadores con el solo reclamo de su aparición en una película.
Los orígenes de Félix continúan cuestionados. Pat Sullivan, caricaturista y empresario
de cine de origen australiano y el animador estadounidense Otto Messmer han afirmado
ser los creadores, y la evidencia parece sostener ambas demandas. Muchos
historiadores, sin embargo, incluyendo John Canemaker, afirman que fue Sullivan quien
plagió a Messmer. Lo que es seguro es que el gato salió del estudio de Sullivan, y los
dibujos animados que incluían al personaje disfrutaron de un enorme éxito en los años
1920. Paramount Pictures distribuyó las primeras películas entre 1919 y 1921. Margaret
J. Winkler distribuyó los cortos entre 1922 y 1925, el año en que Educational Pictures
asumió el control de la distribución de los cortos. En 1928, Education dejó de sacar los
dibujos animados de Félix y muchos fueron reemitidos por First National Pictures.
Copley Pictures lo distribuyó desde 1929 hasta 1930. Tuvo una breve resurrección en
1936 por Van Beuren Studios, pero la gloria de los viejos tiempos desapareció durante
el breve paso del gato por el color y el sonido. Sullivan hizo la mayoría de la
mercadotecnia del personaje en los años 1920.
Félix fue todo un éxito en la cultura popular estadounidense, y también en el extranjero.
Tuvo su propia tira cómica (dibujada por Messmer), y su imagen pronto adornó todo
tipo de productos. Músicos de Jazz como Paul Whiteman cantaron sobre él, e incluso se
convirtió en la primera imagen en ser difundida por cualquier emisora de televisión. Sin
embargo, el éxito fue breve. La llegada de dibujos animados parlantes, particularmente

6. Mickey Mouse de Walt Disney, eclipsó la propuesta no sonora de Sullivan y Messmer.
Unos cuantos cortos hablados creados por el hermano de Sullivan fallaron en su intento
de ganar audiencia.
La televisión puede ser tomada como la salvación del gato. Los dibujos animados de
Félix comenzaron a transmitirse por la televisión estadounidense en 1953. Mientras
tanto, Joe Oriolo, el nuevo artista tras la tira cómica, gana los derechos para introducir a
Félix en una nueva serie, específicamente para televisión. Oriolo agregó nuevos
personajes, como Poindexter y Rock Bottom, y creó el bolso mágico que podía
convertirse en cualquier figura que Félix necesitara. El hijo de Joe Oriolo, Don Oriolo,
continuó como el encargado de Félix, y el gato ha protagonizado diversas series de
televisión y una película.[1]
Fragmento del cortometraje
The Goose that Laid the Golden Egg (1936).
Contenido
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• 1 Creación
• 2 Popularidad
o 2.1 Félix como mascota
• 3 Del cine mudo al sonoro
• 4 El regreso
• 5 Véase también
• 6 Referencias
• 7 Bibliografía
• 8 Enlaces externos
o 8.1 Algunos cortometrajes
[editar] Creación

7. Una escena de la risa de Félix en el cortometraje Felix in Hollywood (1923).
El 9 de noviembre de 1919, Master Tom, un personaje parecido a Félix, debuta en un
corto de Paramount Pictures titulado "Feline Follies".[2] Producido por el estudio de
animación de Pat Sullivan, el corto fue dirigido por el caricaturista y animador Otto
Messmer. Fue un éxito, y el estudio de Sullivan rápidamente se puso a trabajar en otro
corto protagonizado por Master Tom, "The Musical Mews" (estrenado el 16 de
noviembre de 1919). También probó ser exitoso con la audiencia. El productor de
Paramount, John King, sugirió renombrar al personaje a "Félix", por las palabras latinas
felis (gato) y felix (suerte), el nombre fue utilizado en la tercera película, "The
Adventures of Felix" (estrenada el 14 de diciembre de 1919). En 1924, el animador Bill
Nolan rediseñó al felino, haciéndolo más redondo y llamativo. La nueva apariencia de
Félix, junto a la habilidad de Messmer para la animación, lanzaron al personaje a la
fama mundial.[3]
Félix y Charlie Chaplin comparten pantalla en un memorable momento de Felix in Hollywood
(1923).
La pregunta de quién creó exactamente a Félix continúa en disputa. Sullivan indicó en
numerosas entrevistas que él creó a Félix e hizo los bosquejos claves para el personaje.
En una visita a Australia en 1925, Sullivan le dijo al periódico The Argus que "La idea
surgió al observar a un gato que mi esposa llevó al estudio un día".[4] Los dichos de
Sullivan son respaldados por su corto animado "The Tail of Thomas Kat", estrenado el
18 de marzo de 1917, más de dos años antes de "Feline Follies". Un documental
australiano de ABC-TV transmitido el 2004 y una exposición en la Biblioteca Estatal de
New South Wales el 2005 sugirieron que Thomas Kat fue un prototipo o precursor de
Félix. Sin embargo, pocos detalles de Thomas han sobrevivido. Mientras que Félix
podía transformar mágicamente su cola en herramientas y otros objetos, Thomas es un
gato no-antropomórfico que pierde su cola en una pelea contra un gallo.

8. Sullivan era el propietario del estudio y — como en el caso de muchos empresarios —
se apropió de los derechos de cualquier trabajo creativo de sus empleados. Al igual que
muchos otros animadores de ese tiempo, Messmer no fue reconocido. Luego de la
muerte de Sullivan en 1933, sus herederos en Australia se adueñaron del personaje.
No fue hasta muchos años después de la muerte de Sullivan que sus empleados Hal
Walker, Al Eugster, y el abogado de Sullivan, Harry Kopp, acreditaron a Messmer por
la creación de Félix. Indicaron que Félix estaba basado en un Charlie Chaplin animado
que Messmer había creado para el estudio de Sullivan antes. La personalidad del gato y
sus movimientos en "Feline Follies" reflejan las características de Chaplin, y, el familiar
pelaje negro también está (Messmer encontró que las formas sólidas eran más fáciles de
animar).
Muchos historiadores de animación (la mayoría estadounidenses e ingleses) apoyaron
las demandas de Messmer. Algunos son Michael Barrier, Jerry Beck, Colin and
Timothy Cowles, Donald Crafton, David Gerstein, Milt Gray, Mark Kausler, Leonard
Maltin, y Charles Solomon.[5]
A pesar de quién creó a Félix, Sullivan comercializó implacablemente al gato, mientras
que Messmer continuó produciendo caricaturas y comenzó una tira cómica en 1923,
distribuida por King Features Syndicate.[3]
La tira cómica del gato Félix debutó en el Daily Sketch (Reino Unido) el 1 de agosto de 1923 y
fue incorporada a Estados Unidos el 19 de agosto del mismo año. Esta tira en particular fue la
segunda en salir (el 26 de agosto). Aunque fue el trabajo de Messmer, tuvo que firmar con el
nombre de Sullivan en él.
Click para agrandar.
[editar] Popularidad

9. Cuando la distribución por Paramount expiró en 1922, Sullivan comenzó a distribuir sus
caricaturas con la ayuda de Margaret J. Winkler. Gracias a Winkler, la popularidad de
Félix alcanzó nuevas alturas.[3] Sullivan prometió la creación de un cortometraje de
Félix cada dos semanas.[6]
En 1923, el gato estaba en la cima de su carrera cinematográfica. Felix in Hollywood,
un corto estrenado ese año, representa la popularidad de Félix, al compartir pantalla con
celebridades como Douglas Fairbanks, Cecil B. DeMille, Charlie Chaplin, Ben Turpin y
Will H. Hays. Su imagen podía ser vista en relojes, adornos de navidad y otros
productos. En 1927 el personaje se convirtió en el primer globo de helio gigante hecho
para el Macy's Thanksgiving Day Parade.[7] Según palabras del autor Donald Crafton,
"Hacia 1926, [Félix] era probablemente el personaje más popular de la pantalla, vivo o
animado, con excepción de Chaplin".[8] Félix fue la figura de varias canciones populares
en la época. Junto con el éxito del felino surgieron nuevos personajes. Estos incluían el
amo de Félix, Willie Brown, un antagonista llamado el ratón Skiddoo, los sobrinos de
Félix, Inky, Dinky y Winky, y su novia Kitty.
Gran parte de las primeras caricaturas de Félix reflejaban los pensamientos
estadounidenses de la época. Algunos estereotipos étnicos aparecieron en cortos como
"Felix Goes Hungry" (1924). Las "flappers" fueron caricaturizadas en "Felix Strikes It
Rich" (1924). Félix incluso se vio envuelto en un sindicato en "Felix Revolts" (1923).
Referencias al alcoholismo y la ley seca fueron frecuentes en muchos cortos,
particularmente "Felix Finds Out" (1924) y "Felix Woos Whoopee" (1930) por nombrar
algunos.
Félix fue la primera imagen en ser transmitida por televisión cuando RCA eligió un
muñeco hecho de papel maché del gato para un experimento de 1928 vía W2XBS
Nueva York en Van Cortlandt Park. El muñeco fue elegido debido a sus contrastes y su
habilidad de resistir las intensas luces que se necesitaban. Fue ubicado en una placa
giratoria de fonógrafo y fotografiado por aproximadamente dos horas cada día. Después
de pagarle a Sullivan, el muñeco continuó en la placa giratoria por cerca de una década
mientras RCA mejoraba la definición de la imagen.[9]
El éxito de Félix atrajo un gran número de imitadores. La apariencia y personalidades
de otros felinos de los años 1920 como Julius de Alice Comedies (Walt Disney),
Waffles de Aesop's Film Fables (Terrytoons), y especialmente la adaptación de Bill
Nolan de Krazy Kat en 1925, parecían estar directamente relacionados con Félix.[10]
Las caricaturas de Félix tuvieron un gran éxito entre los críticos también, quienes vieron
en los trabajos magníficos ejemplos de surrealismo en la industria del cine. El crítico
francés Marcel Brion escribió un ensayo titulado Felix le chat, ou la poésie créatrice, en
el cual destacó la personalidad del personaje y la mezcla que existía entre objetos reales
e imaginarios en su mundo.[11]

10. La insignia del escuadrón VF-31 Tomcatters (1948) de la marina de Estados Unidos.
[editar] Félix como mascota
Debido a la popularidad del personaje y al hecho que su nombre deriva de la palabra
latina "feliz", algunas importantes organizaciones adoptaron a Félix como mascota. El
primero fue un vendedor de Chevrolet amigo de Pat Sullivan llamado Winslow B. Felix,
que abrió su sala de exposición y venta en 1921. El anuncio de neón de Felix Chevrolet,
con sus imágenes gigantes del gato, es una de las marcas más conocidas de Los
Ángeles. En 2007, el anuncio fue escogido por la Cultural Heritage Commission de la
ciudad como monumento histórico-cultural.[12] Otros que adoptaron a Félix incluyen en
1922 los New York Yankees y el aviador Charles Lindbergh, que llevó un muñeco del
personaje en un vuelo histórico a través del océano Atlántico.[1]
Esta popularidad persistió. A finales de los años 1920, el segundo escuadrón de
bombarderos de la marina de los Estados Unidos (VB-2B) adoptó una insignia que
consistía en un Félix feliz llevando una bomba con la mecha prendida. Retuvieron la
insignia a lo largo de los años 1930 cuando se convirtieron en un escuadrón de combate
designado bajo el código VF-6B y, luego, VF-3. En 1948, el escuadrón fue designado
como VF-31, conservando el logo hasta el día de hoy.[13]
[editar] Del cine mudo al sonoro
Félix junto a Inky y Winky en el cortometraje April Maze (1930).
Con el estreno de The Jazz Singer en 1927, Educational Pictures, que distribuía los
cortometrajes de Félix en ese tiempo, le propuso a Pat Sullivan hacer caricaturas
"sonoras", pero Sullivan rechazó la propuesta. Las discusiones siguieron hasta la
separación de Educational y Sullivan. Solo cuando Steamboat Willie de Walt Disney

11. hizo historia como la primera caricatura hablada con una banda sonora sincronizada,
Sullivan vio las posibilidades del sonido. Se preocupó de obtener un contrato seguro
con First National Pictures en 1928. De todas maneras, por razones desconocidas, esto
no duró, y Sullivan buscó a Jacques Kopfstein y Copley Pictures para distribuir sus
nuevas caricaturas sonoras de Félix. El 16 de octubre de 1929, un anuncio salió en Film
Daily donde Félix decía, al estilo de Al Jolson, "¡Todavía no han escuchado nada!"
("You ain't heard nothin' yet!").
Desafortunadamente, nada bueno se oyó en la transición de Félix al sonido. Los
resultados fueron desastrosos. Ahora más que nunca parecía que el ratón de Disney
acaparaba la audiencia de la estrella muda de Sullivan. Ni siquiera otros trabajos como
"Felix Woos Whoopee" o "April Maze" (ambos de 1930) pudieron atraer a la antigua
audiencia. Kopfstein finalmente canceló el contrato de Sullivan. Posteriormente,
anunció los planes de comenzar un nuevo estudio en California, pero la idea nunca se
materializó. Las cosas fueron de mal en peor cuando la esposa de Sullivan, Marjorie,
murió en marzo de 1932. Después de esto, Sullivan se deshizo. Cayó en una depresión
alcohólica, su salud empeoró, y su memoria comenzó a fallar. Ni siquiera podía
entregarle cheques a Messmer ya que su firma se vio reducida a un simple garabato.
Murió en 1933, dejando su estudio abandonado.
En 1935, Amadee J. Van Beuren de Van Beuren Studios contactó a Messmer para
preguntarle si quería devolver a Félix a la pantalla. Van Beuren incluso le propuso un
completo personal y todas las utilidades necesarias. Pero Messmer rechazó su oferta y
recomendó a Burt Gillett, un antiguo empleado de Sullivan que trabajaba en el estudio
de Van Beuren. De esta manera, en 1936, Van Beuren obtuvo la aprobación del
hermano de Sullivan para utilizar a Félix con la intención de crear nuevos cortos
sonoros y a color. Con Gillett al mando, y una gran influencia de los trabajos de Disney,
la personalidad de Félix cambió a una más graciosa que era popular en esos tiempos.
Los nuevos cortos no tuvieron éxito, y luego de tres capítulos Van Beuren discontinuó
la serie.[10]
[editar] El regreso
En 1953, Official Films compró los cortometrajes de Sullivan y Messmer, les añadió
una banda sonora, y los distribuyó a través de la televisión. Messmer continuó haciendo
las tiras cómicas de Félix hasta que se discontinuaron en 1943, cuando cumplió once
años de escribir y dibujar los cómics para Dell Comics. En 1954, Messmer se retiró de
hacer las tiras para los periódicos, y su asistente Joe Oriolo se hizo cargo. Oriolo hizo
un trato con el nuevo dueño de Félix, el sobrino de Pat Sullivan, para comenzar una
nueva serie de caricaturas en la televisión. Oriolo continuó con 260 capítulos de Félix
para televisión distribuidos por Trans-Lux comenzando en 1958. Al igual que el estudio
Van Beuren, Oriolo le dio a Félix una apariencia más domesticada y pedestre, inclinado
más a los niños, e introduciendo nuevos elementos como el bolso mágico, un bolso
amarillo que podía tomar la forma que Félix quisiera. El programa se hizo conocido
también por su tema central escrito por Winston Sharples:
Félix el gato,
El único, único gato,

12. Cuando un problema tiene,
Va por su bolsa mágica!
El programa no incluyó los antiguos compañeros del gato e introdujo otros nuevos.
Estos incluían al siniestro Profesor; su inteligente sobrino Poindexter (con un IQ de
222); el asistente del Profesor, Rock Bottom; el malvado robot llamado Cilinder; y un
pequeño y amigable esquimal llamado Vavoom. Estos personajes fueron doblados por
el actor de voz Jack Mercer.
La trama de Oriolo gira alrededor de los inútiles intentos de los antagonistas por robar el
bolso mágico de Félix, aunque estos villanos eran a veces mostrados como amigos del
gato. El programa tuvo un gran éxito, pero los críticos afirman que no puede ser
comparado con los primeros trabajos de Messmer y Sullivan, especialmente después
que Oriolo tuviera como objetivo solo a los niños.[10]
Hoy en día, el hijo de Oriolo, Don continúa promocionando al gato. En 1991, Félix
protagonizó su primera y única película, Felix the Cat: The Movie, en la cual él, el
Profesor y Poindexter visitan una realidad alternativa. Entre 1995 y 1997, Félix apareció
en televisión nuevamente, en una serie llamada The Twisted Tales of Felix the Cat.
Baby Felix fue presentada el 2000 para el público japonés y el video Felix the Cat Saves
Christmas. Oriolo creó una completa gama de mercadotecnia, desde tazones hasta un
videojuego para Nintendo Entertainment System.
Desde la publicación de Felix: The Twisted Tale of the World's Most Famous Cat por
John Canemaker en 1991, ha renacido el interés por los cortometrajes antiguos de
Sullivan y Messmer. En los años recientes, los cortos se han compilado en VHS y DVD,
los más famosos son Presenting Felix the Cat de Bosko Video, Felix! de Lumivision,
Felix the Cat: The Collector's Edition de Delta Entertainment, Before Mickey de
Inkwell Images Ink, y el reciente Felix the Cat and 1920's Rarities de Thunderbean
Animation. Las compilaciones de los cómics de Messmer también han tenido gran éxito
como Nine Lives to Live: A Classic Felix Celebration por David Gerstein y el reciente
The Comic Adventures of Felix the Cat de Determined Productions.
http://www.museodelnino.es/sala4/histcomic/histcomic.htm
El cómic infantil tiene más de un siglo de historia. Fue en Estados Unidos, en 1896,
donde se publicó el primer suplemento infantil con historietas en un periódico, aunque
se atribuye al suizo Rodolfo Toepffer (1799-1846) la invención de la historieta
ilustrada.
En nuestro país, en 1904 se publica En Patufet, tebeo en lengua catalana que alcanzó
gran difusión. No obstante, el primer auténtico tebeo fue Dominguín, editado en
Barcelona en 1915.
El decano de los semanarios españoles infantiles es el TBO, aparecido en Barcelona en
1917. Su fama fue tal que con el nombre de "tebeo" se conocen todas "las
publicaciones infantiles cuyos temas se desarrollan en series de dibujos", tal como lo
define la Real Academia de la Lengua. Hoy, con dudoso acierto, le llamamos también
"cómic", vocablo inglés que ha pasado al castellano -también lo reconoce la Real

13. Academia- y que, en un principio, se aplicó a las historietas cómicas, ampliándose
después también a las de aventuras, ciencia-ficción y policíacas.
Destacamos de entre las de mayor difusión las siguientes publicaciones:
De los años veinte: Pulgarcito (1921) y Pinocho (1925). A la década de los treinta
pertenecen: Yumbo (1934), La Revista de Mickey (1935), Pelayos (1936), Pionero Rojo
(1938), Chicos (1938) y, Flechas y Pelayos (1939). Entre 1940 y 1950, surgen Roberto
Alcázar y Pedrín, El Guerrero del Antifaz, Jaimito, El Coyote, Hazañas Bélicas,
Azucena y Florita, entre otros muchos. Los años cincuenta nos traen títulos como: El
DDT contra las penas, Yumbo, Diego Valor, El Capitán Trueno, El Jabato, Apache y
Sissi. Los tebeos Mary Noticias, TíoVivo, Can Can, El Teniente Negro y "Tintín"
aparecen entre 1960 y 1970. Las siguientes décadas han sido las del declive del tebeo o
cómic infantil, proceso que ha ido parejo a la amplia aceptación que entre los niños han
tenido la televisión y los videojuegos.
En esta misma Sala IV del museo existe otra sección complementaria dedicada al
Mundo del Cómic
http://www.todohistorietas.com.ar/historia.htm
LOS ORIGENES DE LA HISTORIETA EN EL
MUNDO
Al hablar de los antecesores de la historieta, es inevitable nombrar a los antiguos
egipcios, que representaban muchos de sus mitos en dibujos y jeroglíficos que
realizaban sobre hojas de papiro, y también hacían murales en forma de tira, que
incluían imagen y texto. Otros ejemplos son las cristaleras, el tapiz de Bayeux, las
bandas que rodean las columnas romanas conmemorativas (como la Trajana o la
de Marco Aurelio), los retablos medievales (con los que, mediante imágenes, se
explicaban al pueblo historias, crímenes y sucesos en general), los dibujos de las
civilizaciones precolombinas (como los códices, pintados por los mayas y los
aztecas) e incluso las primitivas pinturas rupestres. A estos ejemplos citados se
pueden agregar algunas obras pictóricas de Hyeronnimus Bosh, Brueghel o
Goya, las cuales adquieren un carácter narrativo. Pero quizás los antecedentes
más cercanos a la historietas sean las Aucas y Aleluyas, destinadas
fundamentalmente a satisfacer las necesidades de instrucción de niños y
adolescentes. Estas publicaciones, que comenzaron a editarse en Francia a partir
de 1820, se caracterizaban por narrar pequeños cuentos y aventuras mediante
ilustraciones, aunque, a diferencia de la historieta, los textos no se integraban
orgánicamente dentro de los dibujos, sino que se adicionaban a modo de
explicación complementaria al pie de los grabados. Sin embargo, la historia del
cómic se relaciona más correctamente con la de la imprenta y la caricatura. La
historieta (que nace casi al mismo tiempo que el cine) pronto desarrollará su
particular lenguaje icónico, y las primitivas viñetas, todas del mismo tamaño y
con los textos al pie o tímidamente incluidos en el dibujo, serán sustituidas por
viñetas de diferentes tamaños y situación y, sobre todo, evolucionarán
rápidamente los modos y alcances de los textos. Estos se incluirán, casi desde el
principio, en globos o bocadillos; su particular forma, así como el tamaño y
dibujo de las letras, constituyen, por sí solos, todo un modo de expresión
independiente. El uso de onomatopeyas, escritas con grandes letras, ciertos

14. símbolos ya universalmente aceptados (como una sierra cortando un tronco para
indicar sueño o una bombilla que se enciende para explicar que el personaje ha
tenido una idea) tienen un alcance comunicativo que difícilmente puede lograr
otro medio de expresión. Inicialmente estas historietas tenían carácter cómico, de
ahí el nombre: cómic-strip (tira cómica).
Haremos, pues, un recorrido por la historia del cómic en distintas partes del
mundo:
La historia del cómic en Argentina (separada por épocas)
La historia del cómic en el resto de Latinoamérica
La historia del cómic en los países de Europa
La historia del cómic en Norteamérica---
La historia del manga (cómic Japonés)
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LA HISTORIA DEL COMIC EN LA
ARGENTINA
El siguiente trabajo fue realizado por Néstor Giunta, y se encuentra
debidamente registrado en la Dirección Nacional de Derecho de Autor.
Nota del autor: para efectuar el mismo tomé como base un texto original del profesor Oscar
De Majo, quien autorizó las modificaciones y agregados efectuados aquí sobre un artículo
aparecido en el n° 29 de la revista "Signos Universitarios", de la Universidad del Salvador, en
Enero de 1996.
1850 1931 1951 1961 1971 1981 1991 2001
a 1930 a 1950 a 1960 a 1970 a 1980 a 1990 a 2000 a 2010

15. PRIMERA PARTE:
Desde mediados del siglo XIX hasta el año
1930
Se considera que la primera viñeta humorística publicada en Argentina fue "Viva el
Rey", del año 1924, obra del Padre Francisco de Castañeda, quien poseía una
Academia de Dibujo. Sin embargo, los primeros relatos gráficos publicados en la
Argentina aparecen en los periódicos de sátira política recién a mediados del siglo
XIX. Estos periódicos basaban su éxito en la publicación de caricaturas litográficas
que, en general, eran observaciones costumbristas. En 1863 aparecería el periódico
dominical "El Mosquito", considerada como la primera revista con humor político
nacional. En "El Mosquito", que se publicaría hasta el año 1893, serían populares
los dibujos de Henri Stein y las caricaturas de Meyer. Por otro lado, en 1884
llegaría la revista "Don Quijote", de Eduardo Sojo, que duraría hasta el año 1905.
Los primeros antecedentes de la historieta
propiamente dicha, en la Argentina, aparecen
en las revistas "Caras y Caretas" (desde el año
1898) y "PBT" (desde el año 1904), donde los
artículos de costumbres y política aparecen con
alguna ilustración. Se inicia con las "Tiras
comerciales" y los dibujos de Manuel Mayol y
José María Cao, publicados en los primeros
números de "Caras y Caretas", y más
precisamente con "La caza del zorro" de
Acquarone (en 1901, en esa misma revista). Al
comienzo, los globos se alternaban con los
habituales textos al pie, en general sin tener
incidencia en la acción. Tanto la revista "Caras
y Caretas" como "PBT" fueron creadas por
Eustaquio Pellicer. En "Caras y Caretas"
colaborarían, entre otros, Fray Mocho
(seudónimo de José Alvarez, quien a la postre
sería director de la misma), Giménez,
Zavattaro, Redondo, Villalobos, Málaga
Grenet, Valdivia, Mirko, Sirio, Columba,
Alonso, Huergo, Caballé, Sabat, y los ya
mencionados Cao y Mayol.
En 1904, Alberto Haynes editaría la revista "El Hogar", que luego sería origen de
una poderosa editorial.
Mientras tanto, en la primera década del siglo XX se reproducen en la Argentina los
primeros comics norteamericanos, rebautizados en su mayoría con nombres locales.
Es así que, en 1909, aparecería el primer número de la revista de aventuras "Tit-
Bits", de la editorial Láinez, y dirigida por Rodolfo de Puga (click aquí para ver el
número 2000 de la revista).

16. La primera historieta "secuencial" y con personajes fijos que perdura
(o sea, una verdadera historieta) fue "Viruta y Chicharrón", de Manuel
Redondo (con la colaboración de Juan Sanuy), del año 1912, que
aparecía en "Caras y Caretas". En realidad, y contra lo que muchos
creen, "Viruta y Chicharrón" no fueron los primeros personajes de
la historieta argentina, ya que eran la versión vernácula de “SpareRibs
and Gravy”, dos personajes de Geo Mac Manus. Los diálogos de la
misma se desarrollaban únicamente por globos, y tenía más peso el
juego linguístico que el gráfico (click en la imagen de la derecha para
ver una pequeña tira).
Es en el año 1913 cuando aparece, también en "Caras y Caretas",
y de Manuel Redondo, el primer personaje de la historieta
argentina, "Goyo Sarrasqueta" (izquierda), quien enfrentaba
situaciones de las noticias de actualidad, generalmente criticando.
En este historieta no se utilizaban “globos” (eran textos al pie de
cada viñeta), y se publicaría ininterrumpidamente durante más de
quince años en forma semanal. Posteriormente, en la revista
"PBT", llegarían nuevos personajes, como "Aniceto
Cascarrabias" (en 1915, de Pedro de Rojas), y las tiras
"Aventuras de un matrimonio aún sin bautizar", luego bautizada
con los nombres de "Don Tallarín y Doña Tortuga" (desde
1916, de Oscar Soldati), y la curiosa (y humorística) historieta
"El explorador interplanetario” (de Juan Serrano).
En 1916, en la revista "El Hogar", comienzan "Las aventuras de El
negro Raúl" (derecha), una tira diaria de Arturo Lanteri basada en
un personaje real de la fauna porteña. Es así que las historietas
aparecen en revistas específicas, y representantes del humor,
gráfico y escrito (que en otros lugares comenzarán a existir mucho
después). En 1917, los dibujantes Zavalla (con el seudónimo
"Pelele") y Columba (que había dibujado antes para la revista "La
vida moderna") realizarían caricaturas en unas pantallas luminosas
en varias esquinas de Buenos Aires. En 1919 llega la primera
revista específicamente infantil, "Billiken", fundada por Constancio
C. Vigil, la cual alcanzaría distribución en toda hispanoamérica. Al
fin de la década, aparecen varias revistas que contienen historietas
nacionales y extranjeras.
En 1917, en la Revista "Popular", aparece "Las diabluras de Tijereta",
de Lanteri (izquierda).
La historieta pasa a la prensa diaria recién en 1920, cuando el diario La
Nación empieza a publicar tiras, con gran enojo de muchos de sus
lectores, que pensaban que con estas "frivolidades" se desmerecía la
"seriedad" de la publicación. Y a partir de la publicación de la tira
"Bringin Up Father" de MacManus en el diario "La Nación" (en 1920)
proliferan las series de ambientación familiar, a medida que en el país se
afianza una masiva clase media.

17. En la década del 20 prácticamente no hay revista de actualidad que no
publique entre sus páginas alguna serie de historietas. En el año 1922,
Arturo Lanteri sería el creador, en la revista "El Hogar", de la tira "Las
aventuras de don Pancho Talero", que duraría 22 años y sería objeto de
dos exitosos films; "Pancho Talero" (primer dibujo de la derecha) era un
hombre sometido por su mujer, y durante sus andanzas la historieta
captaría un amplio espectro de la vida cotidiana. En el año 1924, en "La
Novela Semanal", apareció "La familia de don Sofanor" (segundo
dibujo de la derecha), de Arístides Rechain, con el esquema de la familia
que aspira a pertenecer a una clase social alta.
El 29 de julio de 1925 se produciría el debut de Dante Quinterno como
dibujante, en "El Suplemento", con la tira "Panitruco", una historieta con
personajes de la noche porteña (con guiones de Leroy). En 1926 Quinterno
crearía su primer personaje propio, con la tira “Andanzas y desventuras
de Manolo Quaranta” (izquierda), para la revista “La Novela Semanal”, y
posteriormente llegaría su primer gran éxito, "Don Fermín" (que más tarde
pasaría a llamarse "Don Fierro"), en la revista “Mundo Argentino”.
Antes, en 1923, en "La Novela Semanal", Rechain publicaría la historieta
llamada "Página del Dólar" (por estar auspiciada por los cigarrillos
"Dólar"), una tira protagonizada por un matrimonio de color. En 1924
llegarían, en la revista "Mundo Argentino", las tiras "Aventuras de
Firulete y Retacón" (de González Fossat) y "Anacleto" (de Lanteri). En
1927 aparece "Pantaleón Carmona" (derecha), de Messa, publicada por
"Femenil", y un año después "Las hijas de Pastasciuta", de Oscar
Soldati, otra serie familiar que, en este perído, tenía una fuerte influencia
de las comedias teatrales de entonces.
Entre revistas dedicadas al cultivo de la historieta aparecidas en la
década del '20, hay que citar a "Las Páginas de Columba", fundada en
1922 por el dibujante y caricaturista Ramón Columba, la cual sería
semillero de muchos dibujantes. En la misma se publicaría, en el año
1924, "Jimmy y su pupilo" (izquierda), de González Fossat, anunciada
como la primera historieta deportiva. La tira trataba sobre las
desventuras de "El Ternero Mamón de las Pampas", que llegó al boxeo
de casualidad, y Jimmy, su manager y entrenador. Este intentaba que su
pupilo se tomara en serio la actividad con la intención de acumular
dinero a costa de su boxeador, que lo único que obtenía era una derrota
tras otra. "Jimmy y su pupilo" inauguró en la Argentina el legendario
"continuará", porque la historia seguía de un número a otro.
En 1925 aparecería "Cebollita y Azucena", de González Fossat, y, en
1929 "Aventuras de Nenucho" (derecha), del mismo autor (en "Mundo
Argentino"), que sería una de las primeras series protagonizada por un
niño. En 1928, surge la primera revista exclusivamente integrada por
historietas, "El Tony", de Editorial Columba, lo que la ubica antes que
la primera editada en Estados Unidos, donde el comic se desarrolló
originalmente en los diarios. La revista "El Tony" se editó
ininterrumpidamente durante más de 70 años, y de la misma se
editaron también algunos números "extraordinarios" y varios
"anuarios".

18. Entre los primeros personajes que aparecieron en la revista "El Tony"
estaba "Rulito, el gato atorrante", de Raúl Roux, del año 1929. Ese mismo
año, pero en "La Novela Semanal", llegarían las tiras "La barra de
Candelario", de Gutiérrez, y "Pepinito y su novia" de González Fossatt.
Por estos años debutaría con sus personajes, en los periódicos, Lino Palacio,
que crearía a "Ramona" (izquierda), en 1930, para el diario "La Opinión".
Y hablando de diarios, es importante señalar que, a pesar de que "La
Nación" es el diario pionero en la Argentina en cuanto a la publicación de
historietas, el más importante para el género, en sus comienzos, es el diario
"Crítica", que desde mediados de la década del ‘20 y a lo largo de la del ‘30
albergará lo mejor de la producción nacional y extranjera.
La importancia del "comic" en Crítica se debió al interés de su director, Natalio
Botana, por la historieta. Además, Botana trajo como novedad algo que era usual en
los diarios norteamericanos, la publicación de una misma historieta como "daily
strip" (tira diaria en blanco y negro) y como "sunday strip" (plancha dominical a
todo color).
En el diario Crítica se publicarían diversas historietas
norteamericanas, adaptando el vocabulario a los usos y hábitos
locales, pero también habría bastante producción local. Así, en
octubre de 1928 aparecería, en la tira de Dante Quinterno "Aventuras
de Don Gil Contento" (antes llamada "Un porteño optimista"), un
personaje secundario que más tarde se transformaría en uno de los
más famosos y queridos de nuestra historieta: "El indio Patoruzú" (a
la derecha, una imagen de sus primeras apariciones). También hay que
destacar los trabajos de Diógenes Taborda, la sección de historietas
llamada "Mujeres Célebres" (realizada por el jefe de arte del diario
Crítica, el español Pedro de Rojas), y la aparición, en 1929, de la
primera historieta argentina "seria", "El Tigre de los Llanos", a cargo
de Raúl Ramauge, la cual narraba la vida de Facundo Quiroga, sin
utilizar globos, y recurriendo a extensos textos explicativos.
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LA HISTORIA DEL COMIC EN LOS PAISES LATINOAMERICANOS
En esta parte del mundo cumple dos finalidades: la crónica y el entretenimiento.
BRASIL
El antecedente del comic brasileño fue una creación de
Araujo Porto Alegre, del año 1837, denominada "A
Campainha e o Cujo". Sin embargo, se considera como que
el padre fundador de los comics fue el italobrasileño Angelo
Agostini, quien dibujó para las revistas "Vida Fluminense" y
"O Mosquito", y fundó su propia publicación, la "Revista
Ilustrada" (año 1876), en la que lanzó "Las aventuras de Zé O MENINO MALUQUINHO
Caipora" (año 1883). La revista más importante en los
primeros tiempos del comic fue "O Tico-Tico", lanzada en

19. 1905, en la que aparecen varios dibujantes brasileños, como
ser J. Carlos (creador del personaje "Lamparina"), Leo, Max
Yantok, Theo, Lino Borges, Messias de Mello, Daniel,
Cicero y Percy Deane.
La revista "O Tico-Tico" tenía diversas historias y personajes (el
principal era "Chiquinho"), además de adaptaciones de clásicos de la
literatura en forma de historieta. Mucho después, en la revista "O
Pasquim" aparecería el famoso personaje de Henfil denominado
"Graúna" (izquierda). Otras revistas que hay que mencionar son "Gibi",
"O Suplemento Infantil", "A gazetinha", "Globo juvenil", "O Balão", etc.
La revista "O Cruzeiro", creada en 1943 por Assis Chateaubriand, tuvo a
otro personaje famoso: "O Amigo da Onça" (derecha), de Pericles; la tira,
en forma de viñeta semanal, ocupaba una página, y continuó hasta 1961.
Autores a mencionar son Carlos Zéfiro (con sus dibujos "eróticos"),
Vasques (autor de "Rango", año 1968), Paiva (autor de "Radical Chic"),
Millor, Jaguar, Fortuna, Chico, Laerte, Santiago, Luis Sá, etc.
Otros dos autores muy conocidos son Gonsales (autor de "Níquel
Náusea", a la izquierda), y Ziraldo, con personajes como Saci, Moacir,
Geraldinho, y, principalmente, "O Menino Maluquinho" (año 1989,
arriba a la derecha). El 18 de junio de 1951, se realiza en Sâo Paulo la
primera exposición internacional del comic, fue la primera vez que se
realizó un análisis serio de la historieta como medio de comunicación
de masas.
Un autor prolífico fue Mauricio de Sousa, con
personajes como "Cebolinha" (de 1960, a la
izquierda), "Magali" (una garota), "Mônica" (de
1963, a la derecha), Cascão, etc. En el año 1983, el
Congreso dicta una ley que obliga a los periódicos a
publicar un 50% de series de tiras cómicas hechas en
Brasil. En los años '90 Brasil y Argentina lanzaron,
en forma conjunta, y como homenaje a Nássara, un
producto llamado "Encuentro latinoamericano de
humor", con la participación de los mejores autores
de ambos países (click aquí).
Las historietas, en Brasil, se denominan
"quadrinhos".
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BOLIVIA
Aunque ya desde fines del siglo XIX aparecían caricaturas en
las revistas, los verdaderos ejemplos a considerar surgen a
partir de mediados del siglo XX. La revista más importante
fue "Cascabel", aparecida en 1961, creada por Pepe Luque y
Rulo Vali, con dibujos, caricaturas, y con tiras como "La
Maquinita" (de Villas) y "Rayo justiciero" (de Luque).
También estuvieron las revistas "Atica", "Aplausos",
Leyendas (1976), Alí Babá (con los personajes "Salustiana y
Toribio", de Santalla y Pozo), "Goro" (1977, donde aparecía EL DUENDE
"Ulinchito", de León), PenDx (1983), El Quirki (1985), etc.
En cuanto a las historietas publicadas en los periódicos,
podemos mencionar a "Goyi Chacón" (1967, de Vidal, en el

20. diario "Presencia"), "Ollántay" (1971, de Villanueva, en el
diario "El Nacional"), "Flecha Roja" (1972, de Irahola, en el
suplemento "Presencia Juvenil"), "El Duende y su camarilla"
(1982, de "Gaspar", en el diario "El Deber"), etc. Además de
los ya nombrados, podemos mencionar como autores a
Juancho, Lusbel, Castillo, Quirito, Rodball, Ticona, Yito,
Belicoso, Trond, Ruilova, etc.
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CHILE
Las caricaturas de los líderes políticos, además de la proliferación de revistas de
actualidades, de humor e infantiles, darían nacimiento al cómic chileno a principios
del siglo XX.
En 1906 debuta, en la revista "Zigzag", la primera historieta chilena:
"Federico Von Pilsener" (derecha) junto a su perro, de "Lustig". Otras
revistas destacadas de la época serían "El Peneca", El Pibe, Don Fausto,
Weekend, etc., hasta que, en 1931, nace la revista de sátira política
"Topaze", dirigido por "Coke", donde colaboran, entre otros, Lugoze y
"Pepo". Personajes de historieta conocidos de la época fueron: el pollo
"Pilucho" (de Christie), Cachupín (de Nato), "Don Bilz" (de Adduard) y
el perro "Policoliro" (de Jorcar).
En 1949, en "Okey", debuta Condorito (izquierda), un
personaje creado por "Pepo". Condorito finalmente se
independiza (en 1955 tuvo revista propia), y llega a ser el
personaje más importante de Chile, ya que su sano humor
y el contenido de sus aventuras lo han dado una gran
proyección y aceptación mundial. En 1947 aparece "Pepe
Antártico" (de Percy). Años después llegaría "Perejil"
(de Lugoze). En 1954 Guido Vallejos crea Barrabases,
revista de historietas con las aventuras de un equipo de
fútbol. En 1956 aparece la revista "El Pingüino", y, en
1968 "La Chiva", revista de humor político y social donde
colaboraron dibujantes como Hervi, Palomo y Pepe
Huinca. Allí nace también el personaje "Artemio".
Por esos años se comienzan a destacar los
personajes "Mampato y Ogú" (derecha), de
Themo Lobos. En 1969 Zig Zag comienza a
publicar revistas de historietas chilenas: Dr.
Mortis, Far West, Jinete Fantasma, Jungla y El
Intocable, entre otras. En 1988 debutan revistas
como Trauko, Acido, Matucana y Bandido,
dirigidas al público adulto y fuertemente
influenciadas por el comic europeo. En 1998,
con la edición de Rayén, hace su debut la
editorial Dédalos, dedicada a publicar comics
chilenos de superhéroes, ciencia ficción y
aventuras, siguiendo el modelo estadounidense.
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COLOMBIA

21. En 1924 aparece, en el diario Mundo, la que se considera la primera
historieta colombiana: "Mojicón" (derecha), de Adolfo Samper. En 1933
hace su aparición la revista infantil "Chanchito", y, ya en la década del '40,
las revistas de historietas "Merlín", "Michín" y "Pombo", pero el mayor
desarrollo llegaría en los años '60.
En 1962 comienza a publicarse en el diario "El Tiempo", de Bogotá,
la tira cómica más popular y representativa de Colombia: "Copetín"
(izquierda), de Ernesto Franco. En la misma década aparecerían
personajes como "Calarcá" (de Garzón, en el diario El Tiempo), "La
Gaitana" (de Díaz, en El Espectador), "Ibana" (de Puerta y
McCormick, en "El Pueblo", de Cali) y "Tukano" (de Peña).
También comenzarían a destacarse otros autores, como ser Acero,
Bernal, Cajiao, Acosta, Ramírez, Valverde y Jiménez. En esos años
se crean varias revistas con historietas, como, por ejemplo "Policía
en acción", "Mundo maravilloso", "Fabulandia", "Futurama", "Super
Historietas", etc. Ya en 1973 llegaría la revista infantil "Mini-
Monos", con varios autores y personajes, y, en años posteriores,
revistas como "Click", "W.C.", "Montecristo", "Querubín", "Tercer
milenio", "El Bus", "TNT", "Acme Comics", etc.
Entre las nuevas tiras y personajes tenemos a los siguientes: "Los Invasores" (de
Obregón), "Juan Paradoja" (de Darry), "Historias del boxeo" (de los hermanos
Sierra), "Miss Cosas" (de Cecí), "Dina" (de Rincón), "Subsana" (de Mina),
"Querubín" (de Grosso y Quir), "Magola" (de Nani), etc.
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CUBA
Como una forma de enfrentar a la invasión de los comics desde Estados Unidos, en
1927 aparecería "El Curioso Cubano", de Porter Vilá, y, más tarde, un suplemento
infantil en el diario "Hoy", con tiras como "Espartaco" (de Benítez) y "La vida de
Julio Antonio Mella" (de Rodríguez). Por su parte, el periódico "Información" fue
uno de los órganos que más páginas de historietas cubanas publicó; entre las tiras
podemos mencionar "El Eterno Sainete Criollo" (de Robreño y Valdés Díaz),
"Episodios de la Historia de Cuba" (de Fuentes), "Don Macario Criollo Viejo" (de
Aguilar), "Picadillo con arroz" (de Vidal) y "Napoleón" (de Nuez).
En 1959 llegaría "Supertiñosa" (de Virgilio y Behmaras), que era una
parodia sobre el personaje norteamericano "Súperman", pero se
considera que el que renovó el lenguaje humorístico de la historieta
cubana fue "Salomón", un mutante perturbado, obra de Chago. En
cuanto a las revistas, hay que destacar a "Carteles", "Bohemia" y
"Avance" (con autores como Fuentes, Rodríguez y Fornés Collado), y
a las clandestinas "Mella" (con la tira "Pucho", de Martínez y
Behemaras) y "El Cubano Libre" (con "Julito 26" y "Juan Casquito",
ambos de Chago).
El País Gráfico, por su parte, también albergó varias historietas
("Napoleón el Faraón", de Alonso; "La Pandilla", de Saviur, etc.). En
1970 aparecería, de la mano de Juan Padrón, en las páginas de
"Pionero", la tira "Elpidio Valdés" (izquierda); este personaje, valiente
y honesto, sería uno de los más longevos de la historieta cubana, y
llegaría, incluso, al cine animado. Desde 1986 comenzaría a publicar,
en diversas revistas, el dibujante "Garrincha".
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22. ECUADOR
Tiene una historia más bien moderna, ya que el primer personaje de un
autor ecuatoriano aparecería recién en el año 1983. El mismo sería
“Panfleto” (derecha), con sus aventuras en una tira cómica que se
publicaría en la revista del mismo nombre, a cargo de Iván Valero
Delgado. Recién en 1989 aparecería un segundo número de la revista
(con diversas historietas), a la vez que surgiría la revista "Secreciones
del Mojigato", una selección de historieta negra ecuatoriana.
Posteriormente, en la revista de rock "Traffic", Villacís desarrollaría 2
historietas: "Dock Tirres" y "Las aventuras de la T mutante". En 1992
aparecen 3 números de "Ficciónica", a cargo de Santivañez. En 1993
Bonilla lanza el libro de comics "Privatofalia", y, en 1996 lo haría
Wilo con "La línea, bestiario de una guerra". Posteriormente, en 1997
llegaría la revista "El Webo", y, en 1998, la revista "Xox".
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MEXICO
En México las historietas se denominan "monitos". En
1910 el periódico "El Imparcial" publica una de las
primeras historietas de este país: "Casianito el niño
prodigio" (obra anónima). Posteriormente aparece
"Candelo el arguendero" (de C. Islas Allende). En 1921
el director de "El Heraldo" llama a Salvador Pruneda,
para que dibuje una historieta y llenar el espacio que
han dejado los comics norteamericanos, y se crea el
personaje "Don Cantarino", que llega a ser muy
popular. En 1934 aparece la revista de historietas
"Paquito", y, en 1936, "Pepín", la cual alcanzó un gran
tiraje. A fines de la década del '40 llegaron varias
historietas que resultaron de gran éxito, como ser "La
Familia Burrón" (imagen de la derecha, que era una
tira cómica familiar creada en 1948 por Gabriel
Vargas), "Los Supersabios" (una historieta de calidad,
con cuentos matemáticos, de Germán Butze), la bruja
"Hermelinda Linda" (de Guerrero, Cabezas y
Buendía), el negrito "Memín Pinguín" (1947, de
Vargas Dulché), etc.
Posteriormente llegarían "Rolando el Rabioso" (de Gaspar Bolaños),
"A Batacazo Limpio" (de Araiza), "Padrinos y Vampiresos" (de
Bismarck Mier), Chanoc (1958, de Martín de Lucenay), Kalimán
(1965, izquierda, de Navarro y Vázquez), “Los Agachados” (1968, de
Rius), etc. Por su parte, José G. Cruz, creador de "El santo, luchador
enmascarado", mezcló la fotonovela con la historieta, con un personaje
que sería uno de los héroes más populares de México.
Con el tiempo empezaron a publicarse una serie de revistas como "Pin
Pon", "Macaco", "Pinocho" y "Cartones". En cuanto a los personajes,
aparecerían, ya más cercanos a nuestra época, "Karmatrón y los
Transformables" (1978, de González Loyo), "Don Ramirito"
(derecha, 1984, de Francisco Fraga), "Ultrapato" (de E. Delgado),
"Cerdotado" (de Polo Jasso), etc.

23. VOLVER
PARAGUAY
Aunque los precursores fueron, a inicios del siglo XX, Acevedo,
Sarozábal y Guevara, recién en los años sesenta llegaría la primera
historieta paraguaya: “Ivo, el piloto audaz” (derecha), de “Tata”, en la
revista “Farolito”. Por su parte, la revista “Ñande” publicaría trabajos de
Fiorello Botti (uno de los pioneros del humor gráfico) y de Gugliota.
Una mención especial merece Robin Wood, uno de los más reconocidos
guionistas internacionales de historietas, nacido en Paraguay, pero que
desarrollaría su carrera principalmente para la editorial Columba, de
Argentina. Allí sería el creador (entre tantísimos personajes), de “Nippur
de Lagash” (junto a Olivera). Ya en los ’70, aparece la revista “Je Je
Grap”, dirigida por Reinaldo Martínez, la primera publicación dedicada
enteramente al humor. En 1977 aparece el diario “Hoy”, con las tiras
“Pililito y Pankyra” de “Rovisa” y “El último Morotoko”, de Vera,
ambas ilustradas por “Nico”.
En 1978, en el Suplemento Infantil del diario Última Hora, aparece
la primera historieta de aventuras con un personaje extraído de la
mitología guaraní: “Avaré” (izquierda), de Argüello. En 1981 llega
la primera revista paraguaya de historietas, “Quimera”, la cual,
además de presentar episodios de “Avaré”, presentaría las tiras
“Lino Meza” (de Moreno), “Purni de las Llagash” (de Colmán y
Argüello), y una primera obra de ciencia ficción espacial,
“Galaktos” de Goiriz. En 1984 aparece la revista “El Raudal”, con
personajes como “Eyulunex” (de Goiriz), el rockero “Onírico
Martínez” (de Moreno) y el astronauta “El Solitario” (de Nico). En
1985 llega “Cacho Medina, periodista”, de Colmán y Gatti, en el
diario “Última Hora”, y poco después “Jopo”, de Goiriz. Por su
parte, el diario Noticias publica “Crónica urbana”, de Moreno. En
1998, en el diario “Última Hora” se publican las tiras humorísticas
“Ña Ma’era” (de Nico), “Manzanita” (de Casartelli) y “El viajero”
(de Colmán y Pertile). En 1999, en “Noticias”, Melki crea a otro
personaje: “Buchito”.
VOLVER
PERÚ
Aunque desde principios de la república se publicaron caricaturas
políticas, la consolidación del cómic peruano fue a partir de la
década del '60 del siglo pasado, como respuesta a personajes del
cómic norteamericanos, por ejemplo con "Supercholo", creado (en
respuesta a Súperman), en 1957, en el diario "El Comercio", por
Diodoros Kronos, y dibujado por Honigman. Supercholo (derecha)
protagonizó diversas aventuras, algunas, incluso, de ciencia ficción;
siguió hasta 1966 y reaparecería en los años '80.
En respuesta al ratón Mickey llegaría "El Cuy", de Acevedo; era un
roedor que tuvo su momento de mayor fama en los años '70. Otras
tiras publicadas en diarios fueron "Benito Puma" (de Velarde y
Marcos, en el diario "Extra"), "Selva misteriosa" (de Florez del
Aguila, en 1972 en "El Comercio"), "Novac", (de Bernuy, en 1973 en
"La Prensa"), "Mario Cosmo" (de 1974, en "La Crónica"),

24. "Teodosio" (izquierda, de Baldoceda, en 1974 en "La Crónica"),
"Zarkhan" (de Castro, en 1978 en "Correo"), "Yungay '70" (de
Monterrey, en 1978 en "Correo"), etc.
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URUGUAY
Los antecedentes se remontan al año 1890, con la revista "El Negro
Timoteo", donde había secuencias de viñetas (con diálogos al pie) a
cargo de Orestes. En 1926 Barradas realizaría tiras mudas para la
revista infantil "De oro", pero es a partir del año 1930 cuando
llegarían las verdaderas historietas, a cargo de Julio Suárez, tanto
con "Wing y Roncadera" como con "Peloduro, del campito a la
olimpíada" (derecha), y también con Fola (quien había nacido en
Inglaterra), con "Don Tranquilo y Familia".
Precisamente Fola (quien, al igual que muchos otros historietistas
de Uruguay trabajaría en la Argentina), se destacaría con sus
personajes "Pelopincho y Cachirula" (izquierda), que eran dos
niños-grandes, capaces de escribir libros, pintar cuadros, y de darse
besos infantiles entre ellos (Pelopincho tenía un ingenio superior;
Cachirula era irascible y más de una vez terminaba en la última
viñeta persiguiendo a Pelopincho para romperle un palo por la
cabeza).
En 1942 llegaría "Don Cristóbal (derecha), de Umpiérrez, en 1959 la tira
"Ismael", de Acevedo Díaz y Rivera, y, posteriormente, "Draculita Pérez"
de "Blankito", y "Pincho" de Gezzio. Otros historietistas destacados
fueron Centurión, Poumé, Federici, Cortinas, Abín, etc. Como revistas
vale destacar a "El dedo", "Peloduro", "Lunes", Guambia", etc. Haciendo
click aquí podrá ver estampillas relacionadas con el tema.
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VENEZUELA
La publicación pionera del humor gráfico en este país fue "Fantoches", del año
1923. Posteriormente, en el año 1941, llegaría El Morrocoy Azul. Ambas dejarían
una gran huella cultural.
Sin embargo, los primeros personajes se destacaron, en
los años ’50, en la revista humorística "El Gallo Pelón",
cantera de grandes caricaturistas y humoristas. Allí
aparecieron, entre otros, "Bicho Bruto" (de Muñoz),
"Cabeza E’Ñame" (de Sancho), "Doroteo" (de Ludom),
"Fulanita" (de Montilla), etc. Otras publicaciones fueron
"La Pava Macha", "Dominguito" (con personajes como
Gualestri y Comodín), "El tocador de señoras",
"Cascabel", "El fósforo", "La Sápara Panda", "El infarto",
etc. En 1976, Giambattista Russo crea a "Tuk y su
dinosaurio" (derecha), publicada luego en el antiguo
"Diario de Caracas", junto a "Chopo", de Carlos Sicilia.
Una historieta cómica que ha gozado de gran popularidad
fue "El Náufrago", de Jorge Blanco, desde 1980.
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25. ARGENTINA
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LA HISTORIA DEL COMIC EN LOS PAISES DE
EUROPA
Haremos la reseña en siete países del continente europeo (click aquí para ver imágenes
de sellos)
ALEMANIA
Vale señalar que los primitivos ejemplos en este país
incluyen los grabados en madera de fines del siglo XV sobre
temas religiosos, políticos y morales. Mucho después,
resultó que Alemania tendría a uno de los pioneros del
cómic, Wilhem Busch. Su estilo audaz y animado, y sus
metáforas visuales, que reflejaban el movimiento y los
estados psicológicos, fueron muy imitados. La más
celebrada de las creaciones de Busch fue la pareja de
pilluelos "Max und Moritz" (derecha); esos dos "niños
terribles" del humor alemán fueron creados en el año 1865.
Ya por el año 1934, la tira cómica más popular fue "Vater und
Sohn" (izquierda, de E. O. Plauen), que desarrollaba historias
jocosas y sin palabras protagonizadas por un caballero y su
travieso hijo. Puede ver sellos de estos personajes haciendo click
aquí. Es importante señalar que, en la época de Hitler, se prohibió
cualquier tipo de historietas, por lo que se estancó el desarrollo.
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BELGICA
Puede ver estampillas del cómic belga haciendo click aquí.
Una de las tiras más famosas es "Tintín", creada por Georges
Rémi (alias Hergé). El primer número de las aventuras de Tintín
apareció en de enero de 1929, como "Tintín en el país de los
Soviets". Los personajes principales de la tira son Tintín y su
perrito Milú (dibujo), el capitán Haddock, Bianca Castafiore, los
detectives Hernández y Fernández, el profesor Tornasol y el
mayordomo Néstor. Fue publicada con mucho éxito en Francia.
En 1938 nace una de las más importantes publicaciones de
cómic que existen: el semanario "Spirou", que dio
confianza y espacio para que muchos autores desarrollaran
su estilo en sus páginas, como por ejemplo Jijé, Fournier,
etc. Allí se destacaron personajes como el mismo Spirou
(de Rob-Vel y Davine, en 1938), Lucky Luke (de Morris,
en 1947), Gastón Lagaffe (de André Franquin, en 1957),
LAGAFFE
SPIROU los Schtroumpfs, más conocidos como Los Pitufos (de
Pierre Culliford, "Peyo", en 1958), Boule y Bill (de Jean
Roba, en 1959), y varios más.

26. VOLVER
ESPAÑA
Los cómics y las revistas de historietas nacen, en
España, por el año 1865, con la publicación dedicada
a la sátira política llamada "Caricatura". Luego se
publicaron numerosas revistas ilustradas, como ser
"La gaceta de los niños", "El monitor infantil" y
"Patufet" (en este caso en Catalán). Las publicaciones
en la prensa madrileña se inician en 1880, sobre todo
con "Madrid Cómico". Figuras importantes de los
primeros tiempos fueron Apeles Mestres (con sus
cuadernos de historietas) y Joaquín Xaudaró.
Recién en 1915 aparece la primera colección de
cómics que se publica como una revista de aparición
regular y continuada: "Dominguín". Pero es a partir de
1917 cuando el comic cobra más importancia, gracias
a los dibujos de gran calidad de la revista infantil
"TBO" (de ahí el término "tebeos" para los cómics en
España); allí aparecerían, entre otros, El profesor
Franz (de Copenhague) y La familia Ulises (de
Benejam). En 1921 se comenzó a publicar la revista
"Pulgarcito" (relanzada en 1947); allí aparecieron
personajes como los gemelos Zipi y Zape (arriba a la
derecha, 1948, de Escobar), Las hermanas Gilda
(1949, de Vázquez), El reporter Tribulete (1951, de
Cifré), y los aún vigentes "superagentes secretos de la
T.I.A" Mortadelo y Filemón (izquierda, 1958, de
Francisco Ibáñez).
Posteriormente llegaron las revistas "Pinocho" (1925), "Pocholo" (1931)
y "Chicos" (1938). En esta última se destacaron los dibujantes Freixas y
Blasco. Otras revistas que vale la pena mencionar son "Jaimito" (1945),
"DDT" (1951), y la aún vigente "Jueves" (1977). Con el tiempo se
perfeccionó el formato apaisado (es decir, un cuadernillo rectangular y
horizontal) con personajes como El Guerrero del Antifaz (1944, de
Gago) y El Capitán Trueno (1956, de Mora y Ambrós). Otros
personajes de aventura fueron El Jabato (1958, de Mora y Darnís), el
Corsario de Hierro (de Ambrós), Roberto Alcázar y Pedrín (1940, de
Vañó) y Diego Valor (1954, de Jarber).
En cuanto a los personajes cómicos destacados, también hay
que mencionar a Pepe Gotera y Otilio, Rompetechos, el
botones Sacarino (todos de Ibáñez), Carpanta (de
Escobar), Macaco (de "K-Hito"), Anacleto (de Vázquez),
Rigoberto Picaporte (de Seg), etc. Entre los personajes más
nuevos se encuentran "SuperLópez" (de Jan), Mot (de
Nacho y Azpiri), Goomer (derecha, arriba, de Ricardo y
Nacho), etc. Haciendo "click" en la estampilla de la
izquierda podrá ver sellos de diversos personajes de tebeos.
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FRANCIA

27. En francés, el cómic se denomina "bande dessinée". Hacia el año 1889 el
francés Georges Colomb (Christopher) publica lo que se considera como la
primera historieta francesa: "La Familia Fenoullaird". Luego sobresalió
Amadée de Noe (Cham) con su obra "Historie de M. Lajaunisse". Recién
es en el siglo XX que las historietas propiamente dichas comienzan a
publicarse en las revistas. En el año 1934 apareció la primera tira cómica
diaria: "Las aventuras del profesor Nimbus" (derecha), un sabio
despistado, que era una creación de André Daix.
Muy influenciado el cómic francés por el de
Bélgica, se publicó mucho a personajes de
autores belgas, como ser Tintín, de Hergé. En
1959 aparece la revista Pilote, publicación
semanal que daría a conocer a dibujantes tan
diferentes como Uderzo y Goscinny (los
creadores de Astérix y Obélix, a quienes
vemos a izquierda y derecha,
respectivamente), Gotlib (y sus famosos
Dingodossiers), Moebius (creador del
sargento Blueberry, en 1963), Cabu,
Charlier, etc. Vale aclarar que Moebius era
uno de los tres seudónimos de Jean Giraud
(también llamado Gir), el dibujante francés
más prolijo, y quien impondría su estilo en la
ciencia ficción. Con un punto culminante
entre 1968 y 1972, durante esos cinco años,
Pilote fue la mejor revista de cómic que
Click aquí para ver nunca tuvo Francia. En 1972 se crea la
sellos del cómic. editorial Futuropolis (desaparecida en 1994).
Futuropolis publicó cerca de 450 obras, y dio a conocer o apoyó a 200
autores, entre ellos Enki Bilal, Baudoin, Tardi, etc. Justamente, el
mencionado Jacques Tardi fue el creador, en el año 1976, del
personaje de Adèle Blanc Sec (izquierda), una muchacha cuya
profesión bien puede ser la de periodista como la de escritora.
Desde 1973 se desarrolla el Festival d'Angoulême, que es "el" festival
francés del cómic, y que se ha convertido en una institución anual y
en la cita europea obligada para todos los amantes de la historieta.
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ITALIA
Se considera que la historieta italiana (Fumetti) nació hacia diciembre de
1908, en los suplementos infantiles publicados por el “Corriere della
Sera”. Allí, los pioneros fueron Antonio Rubino, con "Pippotto e
Barbabucco", y Attilio Mussino, con "Bilbolbul" (imagen de la derecha).
Otros autores de los comienzos que vale la pena mencionar fueron:
Gandolín, Vieni, Caramba, Yorick, Pitigrilli y Vamba. La historieta
italiana de aventuras surgiría en los años treinta. Durante la etapa fascista
se destacarían Bisi (con “Pierino”, 1933), Pompei (con “Isolina
Marzabotto”, 1932), Angoletta (con “Marmittone”, 1928), Manca (con
“Cloruro de Lambicchi”, 1930), Sgrilli (con “Formichino”, 1936) y
Craveri (con “Il carro di Trespoli”, 1937). Por esta época, las editoras de
cómics dependen de compañías. A sueldo de estas empresas, trabajan

28. historietistas como Cossio, Chiletto, Caprioli, Lorenzo de Vita, Toppi, de
Santis, Salemme y Molino.
Durante la segunda guerra mundial se lanzaría "Dick Fulmine"
(izquierda, de 1938, de Bono y Gori) y "Romano el Legionario" (de
Kurt Caesar). En los años cincuenta aparecen las historias de
Cimpellini, Craveri, Jacovitti y Landolfi en las páginas del “Corriere dei
Piccoli”, “Il Vittorioso” o “Il Poniere”. Surgen los aventureros locales,
como “Asso di Picche” (1945, de Ongaro, Faustinelli y Hugo Pratt),
“Gim Toro” (1946, de Lavezzolo y Dell’Acqua), “Amok” (1946, de
Solini y Canale), “Zagor” (1961, de Nolitta y Ferri), y “Diabolik”
(1962, de Angela y Luciana Guissani). Posteriormente, el mencionado
Hugo Pratt llegaría con "L'Asso di Picche" (una mezcla de Batman y el
Fantasma), y, ya en 1967, con "Corto Maltesse", donde, con un dibujo
sobrio, exacto y muy expresivo, narraría aventuras dentro del más
refinado estilo de los años treinta.
En 1968 llegaría la serie humorística “Sturmtruppen”, de “Bovi”. Con
la aparición, en 1965, de "Valentina" (derecha, de Guido Crepax),
florecería la industria del cómic erótico, especialidad donde se
destacaría luego, entre otros, Milo Manara. A partir de los años setenta
se desarrollaría de forma extraordinaria el cómic-social. Entre los
cómics más actuales vale citar a “Altai & Jonson” (1974, de Sclavi y
Cavazzano), “Mostralfonso” (1979, de Garófalo y Lucchesi), “Sam
Pezzo” (1979, de Vittorio Giardino), “Max Fridman” (1980, también de
Giardino), , “Dylan Dog” (1986, de Sclavi y Stano) y “Nathan Never”
(1991, de Bonelli).
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SUIZA
Tuvo a uno de los pioneros: Rudolphe Topffer, que era un profesor
de Ginebra. En 1837 Topffer expresó las reglas elementales de la
historieta: "Se compone, de una serie de dibujos autobiografiados al
trazo, cada uno de estos dibujos va acompañado de una o dos líneas
de texto. Los dibujos sin estos textos sólo tendrían una oscura
significación, el texto sin los dibujos no significa nada", sus obras
se publicaban en álbumes horizontales con una tira de viñeta, en sus
cómics "Les amours de M. Vieux Bois", de 1827, y "Le docteur
Festus". En 1837 se publica su primera historieta en láminas. Entre
los personajes famosos del cómic Suizo de los primeros tiempos
estuvieron "Globi" (del año 1932, de Schiele y Lips) y "Papá Moll"
(del año 1955, de Oppenheim-Jonas). ¿Un personaje actual?
Podemos citar al niño “Titeuf” (derecha), quien fuera creado por
“Zep” en el año 1991, y que se hiciera muy popular también en los
demás países francoparlantes.
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INGLATERRA

29. Los orígenes se remontan al siglo XVIII con Francis Barlow, quien
utilizó bocadillos parecidos a banderas o rúbricas en sus hojas de
propaganda de "El espantoso asunto infernal de los papistas".
Luego, los vicios y los disparates sociales de la época fueron
satirizados en "La historia de una prostituta", de William Hogarth,
la primera de sus ilustraciones morales sobre asuntos modernos,
presentados en colecciones de grabados para ser leídos en
secuencia como un relato. Con el tiempo se fueron perfeccionando
los bocadillos con lenguaje hablado, en especial en los dibujos de
James Gillray.
En 1809 llegó, por parte de T. Rowlandson, una serie de aventuras
de un personaje dibujado: "El viaje del Doctor Syntax" (derecha,
arriba). En 1867 llegaría lo que muchos consideran como el primer
personaje del cómic inglés: "Ally Sloper" (izquierda), creado por
Charles Ross, con dibujos de Marie Duval. En 1890 fue el auge de
las revistas de comics, con el primer número de "Comic cuts"
(editado por A. Harmsworth). A partir de 1904 W. Haseldem hizo
evolucionar la tira diaria de carácter político.
Sin embargo, las tiras cómicas llegaron tarde a los periódicos británicos, y,
al principio, estaban dirigidos a los niños, con personajes como "Teddy
Tail" (1915) y "Rupert" (1920), todos con el texto impreso debajo. Luego
llegó "Pop" (de Watts, en 1921), con el texto en globos. En 1932 Norman
Pett crea su famosísima "Jane". En 1957 aparece, en el Daily Mirror,
"Andy Capp" (derecha, de Reg Smythe). Entre 1950 y 1969, se publicó,
en la revista "Eagle", a "Dan Dare", de Frank Hampson. Más recientes son
las feroces sátiras políticas de Steve Bell tituladas "If".
FILATELIA EUROPEA MENU DE HISTORIA
LA HISTORIA DEL COMIC EN ESTADOS UNIDOS:
Se considera que Norteamérica es la cuna del cómic, pues allí
se inició su publicación en forma masiva en los periódicos, y
también se empezaron a publicar los "comics books" (revistas
de comics). El origen de la historieta en los Estados Unidos
está estrechamente ligado al desarrollo del periodismo
moderno. La causa principal fue la lucha de poderes de Hearst
y Pulitzer, dos magnates de la prensa norteamericana, en la
puja por la conquista de nuevos lectores de los diarios de
información. Hearst se hace a su propio equipo de dibujantes y
se trae del "World" a Richard F. Outcault, quien es
considerado el pionero de la literatura dibujada. La primera
página de historietas del "World" apareció el 9 de abril de
1893, se hicieron los primeros experimentos con el color, y
Outcault crea a "Yellow Kid" (el Pibe Amarillo), personaje
que refleja la vida de los bajos fondos y se convierte en la
principal atracción del diario (dibujo de la derecha). En 1897
produce, para el "New York Herald", un nuevo personaje,

30. "Buster Brown"; este nuevo pibe pertenece a la clase alta.
El dibujo de Rudolph Dirks "Katzenjammer Kids"
(izquierda), conocido como "El capitán y los pilluelos", es
considerada la primera historieta verdadera. Apareció el 12 de
diciembre de 1897, y tuvo una gran aceptación del público,
Dirk introdujo el uso del óvalo que encierra el diálogo,
dándole más dinamismo al dibujo. En el año 1900 Fred Opper
sistematizó la utilización de globos para los parlamentos en su
tira "Happy Hooligan". Por su parte, Winsor Mc Cay, quien
trabajaría para el "Evening telegram", sería un verdadero
innovador de la historieta, por su audacia en el encuadre, la
utilización de diferentes planos, la belleza de los dibujos y
argumentos en sus obras, sobre todo con "Little Nemo" (año
1905), su obra más famosa.
En sus inicios las tiras cómicas aparecían los domingos, hasta que, en
1904, en el diario "American", Clare Briggs, dibujó una tira diaria, cuyo
protagonista era "A. Piker Clerk" (derecha), aficionado a las carreras de
caballos; ésta sería la pionera de las tiras diarias en blanco y negro. Luego
llegaría "The Kin-der-Kids" (1906), de Lyonel Feininger.
Un ejemplo de permanencia es "Mutt y Jeff" (izquierda), de Bud
Fisher, que aparecería en 1907 en el "Chronicle", de San
Francisco. Este cómic es considerado la primera tira diaria
publicada en forma regular. Tuvo gran éxito y popularidad, tanto
es así que estos personajes fueron comercializados en libros,
juguetes, dibujos animados, etc. Al morir Fisher, Al Smith, otro
dibujante, continuó la serie. Por su parte, George Herriman
crearía una serie de historietas, pero la que le daría fama sería
"Krazy Kat", la cual comenzó en 1910 en el "Evening Journal",
de New York. Su formato era informal, una amalgama lírica y
surrealista, con comedia, poesía y juegos de palabras. Esta
historieta se publicó sin interrupciones hasta 1944.
En 1912 llegaría la tira "Pooly and Her Pals", de Cliff Sterret; en
1913 "Bringing Up Father", de George McManus, y, en 1917, "The
Gumps", de Sidney Smith. Las series de aventuras llegarían por el
año 1924, con tiras como "Wash Tubbs", de Roy Crane (donde
aparecería, en 1929, el popular personaje "Captain Easy"), seguidas
por "Buck Rogers", en 1928, de Nowlan y Calkins, y por "Tarzán",
en 1929, de Hal Foster (basado en la creación de Burroughs). Por
otra parte, en 1929, como un personaje secundario de la tira
"Thimble Thater", llegaría "Popeye el marino" (derecha), creado por
Elzie Segar, y en 1930 "Blondie", de Chic Young. Otra creación
sería "Brick Bradford", en 1933, de Ritt y Gray.
En la década de 1930, apareció en los Estados Unidos el "comic-book", una
publicación periódica de pequeño formato que incluía una o varias historietas
completas protagonizadas por personajes fijos. El "comic-book" permitió a las tiras
independizarse del soporte brindado por los periódicos y abrirse a un mercado de
consumidores más específico. La línea de los "comic-books" se inicia en 1934 con
"Famous Funnies". Y justamente desde 1934 Alex Raymond desarrollaría dos
exitosas tiras: "Jungle Jim" y "Flash Gordon". También de 1934 es la tira
"Mandrake", de Falk y Davis.

31. Personajes que fueron famosos como dibujos animados,
también tendrían su aparición en las historietas, como ser
"Felix the Cat" (El gato Félix), de P. Sullivan (en 1923),
"Betty Boop", de Fleisher y Counihan (en 1925),
"Mickey Mouse" (el ratón Mickey), de Walt Disney (en
1930), "Donald Duck" (el pato Donald), también de
Walt Disney (en 1934), y, finalmente, "Tom y Jerry", de
W. Hanna y J. Barbera (en 1942). En 1933, como un
personaje secundario de la tira “Fritzi Ritz”, de Ernie
MICKEY DONALD Bushmiller, aparecería Nancy (conocida en
Latinoamérica como “Periquita”), quien, a partir de
1938, sería protagonista de sus propias tiras (junto a su
amigo Sluggo).
Poco a poco comienzan a surgir historietas de personajes comunes y
corrientes que se caracterizaban por ser héroes, historietas de soldados
de guerra, magos u hombres perdidos en la selva de niños y luego
criados. En la época del gangsterismo era natural que el lector desease
encontrar el policía astuto y duro que resuelve todas las situaciones;
así nace en 1931 "Dick Tracy" (derecha), por Chester Gould. Por otra
parte, en 1934 Milton Caniff crearía la serie "Terry and the Pirates".
En 1935, en el "Saturday Evening Post", aparecería por primera vez
"Little Lulu" (La pequeña Lulú), de "Marge", tira que empezó a
publicarse como cómic independiente en 1944.
A mediados de los años '30 surgen pequeñas compañías como All Star
Comics, Action Comics, o Detective Comics. Las historias comienzan a
subir de calidad. Los escritores y dibujantes adquieren un estilo
característico del comic al que ahora se le llama "americano". Surgen
historias de detectives, científicos y personajes más atractivos, y con
habilidades superiores a las humanas, siempre salvando al planeta o a su
comunidad de una catástrofe mayor. En 1938 llega "Superman"
(derecha) de Siegel y Shuster, que inaugura la moda de los "superhéroes"
disfrazados, poseedores de poderes extraordinarios y dotados de una
doble personalidad. Así, aparecerían también "El Fantasma" (de Falk y
Moore), "Batman" (1939, de Kane), "Flash" (1940, de Gardner y
Lampert), "La Mujer Maravilla" (1941, de Marston) y "Linterna
Verde" (1940, de Nodell y Finger).
En el comic americano los superhéroes siempre se meten en
grandes líos y son los únicos capaces de salvar al planeta y en
ocasiones al universo, están rodeados de enemigos, locos, maníacos
o con grandes complejos, pero aun así nos impresionan y envuelven
en sus maravillosas historias, dibujos y aventuras sin saber que nos
depara el futuro. En 1934 se crearía la serie policial "Secret Agent
X-9", escrita por Hammett y dibujada por Raymond. En el último
lustro de la década del '50 llegarían, entre otros, "Rip Kirby", de
Raymond (en 1946), “Louie", de Harry Hanan (desde 1947, en los
diarios), la tira cómica "Pogo", de Walt Kelly (en 1948), y la serie
"Charlie Brown", de Schulz, desde 1950, con sus personajes
"Peanuts", "Lucy", y, sobre todo, "Snoopy" (derecha). También
llegarían las historias de terror, a cargo de la editorial
"Entertainment Comics", sobre todo con la publicación de "Tales

32. from the Crypt".
En la década del '60 la compañía "Marvel Comics"
publicaría "Los Cuatro Fantásticos" (1961, de Stan
Lee y Jack Kirby), "El hombre araña" (izquierda, en
1963, de Lee y Ditko), "El increíble Hulk" (1962, de
Lee y Kirby) y "X-Men" (1963, también de Lee y
Kirby).
En el año 1973 llegaría "Hagar the Horrible", conocido aquí
como "Olaf El Vikingo" (derecha), creado por Dik Browne. En
1978 aparecería "Garfield", de Jim Davis, y en 1985 "Calvin
and Hobbes", de Watterson. Más cercana en el tiempo hay que
mencionar a "Sin City", una serie de historietas creadas por
Frank Miller en 1991, y a "HellBoy", creado en 1993 por Mike
Mignola. Para completar la información, puede ver sellos
filatélicos relacionados con el cómic de Estados Unidos
haciendo click aquí.
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LA HISTORIA DEL COMIC EN JAPON
Sin tener en cuenta las historias humorísticas japonesas narradas sobre rollos de
papel de los siglos IX y X (los Chojugiga), puede decirse que los antecedentes del
manga (el cómic japonés) son los Ukiyo-e, grabados que proliferaron durante el
Período del Edo (1600-1867), una época de dictaduras feudales que provocó
descontento y frustración social. Estos grabados solían ser parodias políticas que
retrataban fielmente las costumbres cotidianas de la cultura japonesa de la época.
En el año de 1814, el artista Katsushika Hokusai
comenzó a realizar dibujos en los cuales narraba
historias cortas protagonizadas por samuráis,
representando las guerras y sucesos por los cuales
había atravesado Japón durante aquel período.
Justamente, este pintor crearía el término manga,
juntado los términos "man" (involuntario) y "ga"
(dibujo o pintura). En 1930 ve la luz Ogon Bat, de
Suzuki y Nagamatsu; el personaje era un semidios
justiciero que combatía el crimen, un pequeño
preferente al mundo de los superhéroes. El primer
ASTROBOY autor japonés que rompió las filas del material
extranjero fue Rakuten Kitazawa, en el suplemento
dominical Jiji Manga (del diario Jiji Shimpou). He
aquí, pues, la génesis de la aplicación del nombre
manga, que tendría su desarrollo (y se convertiría en
una verdadera industria) en la posguerra.

33. En 1945 se crea un antes y un después en la historia del
manga de la mano de Osamu Tezuka, quien es el responsable
por completo de toda la estética, la narrativa y la puesta en
página de lo que conocemos actualmente como Manga. La
obra de Tezuka que revolucionó el mundo del manga fue
Shinkataragima (La nueva isla del Tesoro). Quizá inspirado
por los dibujos de Disney, en cada obra suya (y de sus
sucesores) hay una gran cantidad de imágenes y dibujos
minuciosos, con personajes de ojos grandes y redondeados, y
con mirada intensa. Tezuka volcó todo su amor por el cine y
la animación en planchas de papel barato y expandió su
forma de ver los mangas a través de otras obras como
Janguru Taitei (Emperador de la Jungla), Tetsuwan Atom
(Astroboy), Ribon no Kishi, etc. Otro autor que se destacó
mucho fue Katsuhiro Otomo (sobre todo con "Akira").
Fue así que ciencia ficción, fantasía, y aventura cotidiana
relajaron a toda una generación. Personajes como Centella
(1968), Mazinger Z (1980, derecha, arriba), Fantasmagórico
(1975) y Meteoro (1982) triunfaron también en el resto del
mundo. La humanidad de los personajes nipones, que tenían
debilidades y se enamoraban, calaron perfectamente en América.
Las series se desarrollaron con longitudes extensas y numerosas
sagas, como en el caso del popular manga "Dragon Ball" (creada
por Akira Toriyama, inspirado en una vieja leyenda china), en la
que se narran las aventuras de Goku (izquierda) y de todos los
personajes a los que va conociendo a lo largo de más de siete mil
páginas.
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34. Los orígenes y la historia de Mafalda
(Parte del material fue extractado de la revista "Viva" y del diario La Nación)
Todas las ilustraciones y personajes son propiedad de Joaquín Salvador Lavado (Quino).
El 29 de Setiembre de 1964 debutó oficialmente como
tira "Mafalda", en la revista "Primera Plana"; sin
embargo, el personaje en sí había sido creado en 1963
(ver historia del cómic en Argentina, tercera parte).
Según Joaquín Salvador Lavado (Quino), autor de
"Mafalda", y dueño de una genuina modestia, todo
empezó por casualidad y sin que él se propusiera
ninguna grandeza: "En realidad Mafalda iba a ser una
historieta para promocionar una nueva línea de
electrodomésticos llamada Mansfield. La agencia Agnes
Publicidad le encargó el trabajo a Miguel Brascó, pero
como él tenía otros compromisos, me lo pasó a mí. Esto
fue en 1963. Pero la campaña nunca se hizo y las ocho
tiras que dibujé quedaron guardadas en un cajón. Hasta
que al año siguiente Julián Delgado, secretario de
redacción de "Primera Plana", me pidió una historieta.
Entonces rescaté esas tiras y bueno, ahí empezó todo."
Esta anécdota, que Quino contó muchas veces, tiene
algunos detalles poco conocidos. Por ejemplo, el
nombre del empleado de la agencia que le encargó la
tira: el actor Norman Briski.
Brascó, hoy día, recuerda: "En aquel momento ese nombre
me quedó grabado, porque era una mezcla de mi apellido
con el del dibujante Oski. Cuando me llamó, esta
coincidencia me resultó graciosa y fui a la agencia a ver de
qué se trataba. Querían una familia con padre, madre y dos
hijos: un típico contexto para que aparecieran los
productos. Lo que necesitaban no tenía nada que ver con lo
que yo normalmente hacía, así que le derivé el trabajo a
Quino, que en ese momento trabajaba conmigo". Brascó,
justamente, era el director del suplemento de humor
"Gregorio", de la revista "Leoplán", donde, cuando aún no
estaba del todo definido el personaje, fueron publicadas 3
tiras sueltas de la familia. Quino no sospechaba, cuando
comenzó con el personaje, que las reflexiones puestas en
boca de este personaje serían traducidas a 26 idiomas (desde
el japonés, italiano y portugués, hasta el griego, francés y
holandés).
En el caso de Mafalda, la partera no dijo macho: el flamante
personaje que con los años se transformaría en un estandarte
de lucha por la igualdad social (en tiempos en que la
liberación femenina aún estaba en pañales), llevaba sus
polleras bien puestas. Quino, el creador de Mafalda, dice hoy
día: "-¿Por qué mujer? No lo sé. Al principio uno no se
detiene a pensar en esas cosas.-". El dibujante tampoco se

35. había puesto a pensar, tres décadas atrás, que las ideas de esta
niña tan ingeniosa como irreverente, tan reflexiva como
contestataria, iban a recorrer el mundo. Mucho menos que
aunque la URSS haya desaparecido, lo mismo que Los
Beatles y la guerra de Vietnam, el mensaje de Mafalda
seguiría manteniendo la misma dosis de genialidad y, sobre
todo, de actualidad. Y menos aún sospecharía lo que el
escritor Julio Cortázar llegaría a decir de Mafalda (click aquí).
Luego de publicarse en la revista "Primera Plana", pasó al diario "El
Mundo" (de Buenos Aires) desde el día 15 de Marzo de 1965. Cuando
este diario cerró (el 22 de Diciembre de 1967), Mafalda y sus amigos
debieron tomarse vacaciones durante un tiempo, con la mamá de
Mafalda (Raquel, a quien vemos a la hizquierda con su hija) estando
embarazada. Mientras tanto, fueron republicados en diversos diarios
del interior del país. Durante unos seis meses no hubo tiras nuevas.
Por ese entonces Quino realizaba una página de humor en el
semanario "Siete Días Ilustrados" y la publicación decide
reemplazarla incorporando a Mafalda, que aparece el 2 de junio de
1968.
Para cuando la tira se reanuda en "Siete Días
Ilustrados", ya había nacido Guille, el hermanito
de Mafalda. Se publicaban 4 tiras por semana y,
para completar la diagramación de la página,
Quino hacía un dibujo a modo de encabezado,
colocando a los personajes en distintas
situaciones. Desde el momento de su publicación,
Mafalda se ganó la fama de ser un registro
minucioso de la clase media argentina de los años
'60 y de los episodios que resaltaban en el
escenario mundial para el momento. Justamente,
uno de los juguetes preferidos de Mafalda era un
globo terráqueo, al cual cuidaba como a un
enfermo, lo abrigaba y hasta intentó mejorarlo con
las cremas de belleza de su madre (dibujo de la
derecha).
Mafalda retrató y opinó sobre eventos tales como la guerra de Vietnam,
la carrera espacial, el movimiento tercermundista, el asesinato de
Kennedy, los derechos humanos, el sexo, la represión, el psicoanálisis,
el feminismo y la religión, entre otros muchos. Según opinan los
expertos, con Mafalda, el género de la historieta pasó de lo social a lo
psicológico. Con una exacta dosis de simpleza y profundidad, Mafalda
se convirtió en el personaje de historieta que más significa hoy para los
argentinos.
En cuanto al exótico nombre de "Mafalda", surgió de la versión
cinematográfica de la novela "Dar la cara", de David Viñas; en
una escena de esa película aparece una beba dentro de un moisés
que se llama así, y Quino adoptó el nombre, ya que le pareció
alegre. El autor jamás imaginó que ese ser diminuto y genial, con
una inteligencia y sagacidad inmune a los razonamientos adultos y
apenas rodeada de un apropiado universo infantil, elevaría la

36. historieta a la categoría de "cuentos morales". Sus historietas
fueron guiños hacia los estereotipos de Argentina y del mundo en
el momento, retratando diferentes aspectos del género humano.
Quino ha declarado en múltiples ocasiones que estaba sorprendido
por la repercusión que han tenido sus dibujos en países tan
diferentes a su país natal como Japón o Estados Unidos. Dijo, en
declaraciones al diario El Mundo, de España, que "Las tiras de
Mafalda están sembradas de tópicos argentinos, y siempre me he
preguntado cómo pueden entenderlas en otras culturas" . Lo cierto
es que con el paso del tiempo, esta historieta protagonizada por una
niña rebelde y tierna, junto a su singular grupo de amigos, se ha
convertido en objeto de culto, no sólo en su país natal sino en
muchos países alrededor del planeta.
Mafalda, en cuarenta años de existencia, traspasó no sólo fronteras sino también los
estrechos márgenes de las tiras para convertirse en un personaje más de la realidad.
Debido al gran éxito de este personaje se han hecho a lo largo de los años
innumerables cantidades de artículos sobre ella como ser muñecas, remeras,
accesorios, vasos, etc.
Es de hacer notar que, a lo largo de la serie, el dibujo de Mafalda fue cambiando (y
evolucionando), tal como lo mostramos a continuación:
LA DESPEDIDA DE MAFALDA:
Hace más de tres décadas, Quino dejó de dibujarla. El 25 de junio de 1973 apareció
Mafalda por última vez en una tira. Los cuadritos finales de la historieta fueron
publicados en el semanario Siete Días.
Puede decirse que ése fue el final oficial de la saga de la
nena "ferviente antisopa" y sus amigos, ya que si después
hubo otras apariciones, fueron discontinuas, para campañas
de bien público o como un regalo personal que su creador,
Quino, eventualmente entregaba a sus amigos (click aquí).
Eso no quita que desde aquella fecha numerosas
publicaciones sigan reproduciendo a Mafalda en muchos
países. Además, sus temas más recurrentes (los abusos de
poder, las injusticias sociales, el autoritarismo), siguieron
vigentes en los trazos de su autor, Quino, en casi todos sus
chistes posteriores.

37. Quino fue preparando el terreno de la despedida así: en el número
del 18 de junio de 1973, la chismosa Susanita contaba al lector:
"Ustedes no digan nada que yo les dije, pero parece que por el
preciso y exacto lapso de un tiempito los lectores que estén hartos
de nosotros van a poder gozar de nuestra grata ausencia dentro de
muy poco". El remate llegaría una semana después; esa tira final no
tenía cuadros, todo el espacio lo ocupaban Mafalda y su pandilla, a
excepción de Susanita. Tomaba la palabra Mafalda: "Dice el
director que bueno, que a partir de hoy podemos darle un descanso
a los lectores, pero que si alguno de nosotros se mudare, trasladare
y/o apareciere en otra revista y/o diario, él a patadas nos
agarrare" (click aquí). También ese día salió publicado el que
podría ser el testamento intelectual de Mafalda: dormida,
sonriente, sueña con que el mundo está cubierto por una
manifestación. En el sueño, se le aparece Susanita para decirle:
Tarada, ¿tenés pesadillas y encima te reís?
Es el mismo, Quino quien da los motivos para la conclusión
de la tira: "Me costaba mucho esfuerzo no repetirme, sufría
con cada entrega. Cuando uno tapa el último cuadrito de
una historieta y ya sabe cuál va a ser el final es porque la
cosa no va. Y por respeto los lectores y a mis personajes y
por mi manera de sentir el trabajo decidí no hacerla más y
seguir con el humor que nunca dejé de hacer." A diferencia
de otros colegas suyos, como Schulz (creador de los
Peanuts), que han hecho perdurar las tiras apoyándose en un
equipo de guionistas y dibujantes, Quino se resistió siempre
a perder el contacto personal con su creación. Jamás quiso
adoptar esta modalidad de trabajo por considerarla no
adecuada a su estilo, así como tampoco nunca ha utilizado
un mecanismo particular de trabajo. Antes que nadie lo
pudiera percibir, Quino supo que Mafalda había cumplido
su cometido.
MAFALDA DESPUES DE LA ULTIMA TIRA
Aunque pasó tanto tiempo desde aquella historieta
inicial (y también desde que Quino la dibujó por
última vez), el personaje sigue tan vigente como
entonces. Los diez únicos libros de la serie continúan
reimprimiéndose una y otra vez en todo el mundo
(ver bibliografía). Mafalda sigue dando que hablar en
los años posteriores a la publicación de la última tira
publicada por Quino (en Junio de 1973). Por ejemplo,
en 1977, a pedido de UNICEF (dibujo de la derecha),
Quino ilustra con Mafalda y los personajes de su tira
la Edición Internacional de la campaña mundial de la
Declaración de los Derechos del Niño; puede ver otro
dibujo haciendo click aquí. En 1982 el Salón
internacional de Humorismo de Montreal (Canadá)
elige por votación entre colegas de todo el mundo a
Quino como el "cartoonist" del año. En 1983, en el

38. Salón del Libro de París, se hace una exposición
completa sobre Mafalda, junto con Manolito, para
una campaña de la Liga Argentina para la Higiene
Dental (ver el "GIF animado"). El año 1987 marca un
hito en la historia de Mafalda: Quino vuelve a dibujar
una "tira" completa con el personaje, a pedido de
Joan Manuel Serrat, para su disco sobre poemas de
Mario Benedetti, "El Sur también existe", que, por
distintas razones, finalmente no se utiliza.
El 17 de abril de 1987, después del fallido golpe de
estado contra el gobierno de Alfonsín, Quino dibuja
a Mafalda diciendo: "¡Sí a la democracia! ¡Sí a la
justicia! ¡Sí a la libertad! ¡Sí a la vida!" (dibujo de la
izquierda). En 1988 vuelve a dibujar a Mafalda junto
a Libertad, para un cartel del Ministerio de
Relaciones Exteriores de la Argentina, en
conmemoración del Día Universal de los Derechos
Humanos. En este mismo año, el 3° Salón
Internacional del Comic de Erlangen otorga a
Mafalda el gran premio "Max und Moritz", uno de
los más prestigiosos premios mundiales para
historietas. A su vez, el 26 de octubre de 1988, el
Intendente de la ciudad de Buenos Aires, y su
Secretario de Cultura, elevan al Consejo Deliberante
un proyecto para que Mafalda sea declarada
"ciudadana ilustre de la Ciudad de Buenos Aires", el
cual no prosperó. En 1989 aparece Mafalda Inédita
(ver bibliografía). En 1992, se realiza en Madrid una
gran exposición de 1200 m2, titulada "El Mundo de
Mafalda", organizada por la Sociedad Estatal Quinto
Centenario, que también publica un libro con el
mismo título. En 1994, en Italia, se celebran los
treinta años de Mafalda con una reunión en el
Circolo della Stampa.
En la Argentina, en 1995, Mafalda es utilizada como "cara" de la
campaña de los ciclos del Teatro Colón para los chicos titulados
"Vamos a la Ópera" y "Vamos al Ballet".
El 28 de noviembre de 1995 se inaugura en el barrio de
Colegiales (en Buenos Aires) la "Plaza Mafalda", la cual sería
remozada casi totalmente unos 10 años después.
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39. Mafalda es el personaje principal de esta historieta. Sus comentarios y ocurrencias
son el espejo de las inquietudes sociales y políticas de los años 60. Se preocupa por
la situación mundial, por lo que está constantemente actualizándose a través de la
radio. Mafalda representa el inconformismo de la humanidad, pero con fe en su
generación. Mundialmente conocida, se transformó en una insignia de las
costumbres y la personalidad argentina.
Mafalda es una nena curiosa, inquieta y terriblemente
irónica, nacida de una típica familia porteña. En un cuerpo
de niña despunta la rebeldía juvenil marcada por el
progresismo. Es contestataria, con una cabeza abierta y
propensa a filosofar a partir de cualquier hecho cotidiano.
Representa la aspiración idealista y utópica a hacer de éste
un mundo mejor, aunque la envuelve el pesimismo y la
preocupación en casi todo el tiempo debido a las
circunstancias que lo aquejan inevitablemente. Le gustaría
estudiar idiomas y trabajar de intérprete en las Naciones
Unidas para contribuir a la paz mundial. Mafalda está
convencida del progreso social de la Mujer y lo preconiza a
ultranza, algo adelantado a su época.
PRIMERA APARICION: 29 de septiembre de 1964.
EDAD: 6 años en 1964 (al comienzo de la tira); 8 en el
ultimo libro. Para más detalles, haga Click aquí.
APELLIDO: Quino nunca lo mencionó, aunque en una
de las tiras en que su maestra le corrige un dibujo,
después del nombre de Mafalda asoma una letra M (o
quizá sea una N).
ALBUM FAMILIAR: Padre, madre y un hermano menor,
Guille. Con ellos forma una típica familia de clase media,
que vive en un barrio de la ciudad de Buenos Aires
(Argentina). Se supone que en la calle Chile 371, en San
Telmo (click aquí para más información). Debe tener al
menos una abuela, porque después de unas vacaciones
les envió una postal. Algunas veces aparece su Tía
Paca. Tiene una mascota, la Tortuga "Burocracia"
(llamada así por la lentitud que tiene para todo).
CARACTERISTICAS:
Mafalda es una niña excepcional, ya que su curiosidad,
visión del mundo y consciencia existencial son mas
amplias que las de casi todos los seres humanos. Su
generosidad y patriotismo también son encomiables. Es
una niña precoz y muy despierta, y nunca le faltan
preguntas para sus abnegados padres. Es una niña que
sabe qué es lo que busca. Está siempre preocupada con
la humanidad, la paz, y los derechos humanos. Espera
tener una carrera universitaria, y ser alguien en la vida.
Critica duramente a su madre y a su padre, porque
muchas veces son algo pasivos.

40. Las cosas que mas le
gustan:
Entre sus pasiones figuran
Los Beatles, la paz, los
derechos humanos y la
democracia. Le gustan los
dibujos de "El Pájaro Loco".
Su postre preferido son los
panqueques. Suele jugar en el
parque, a los vaqueros, con
sus amigos.
Las cosas que menos le
gustan:
Sus odios más nítidos
abarcan la injusticia, la guerra,
las armas nucleares, el
racismo, las absurdas
convenciones de los adultos
y, claro, la sopa (bueno, decir
que la "odia" quizá es poco).
EL CUMPLEAÑOS DE MAFALDA (extractado de la revista Viva)
El 15 de Marzo de 1962 nace
Mafalda...
La chica del flequillo inconfundible y
las ideas contestatarias, nació en esa
fecha, según se lo confiesa al director
de una revista, carta mediante. La
historieta que consagró a "Quino"
había visto la luz en 1964 en la
desaparecida revista "Primera Plana",
y luego pasó al diario "El Mundo".
Cuando este medio cerró, Mafalda y
sus amigos tuvieron vacaciones
forzadas, hasta que la revista "Siete
Días" decidió contratarlos. En su
primera aparición, Mafalda le
mandaba una especie de currículum
al director de la publicación (click
aquí). Allí, amén de dar a conocer su
fecha de nacimiento, la chica contaba
muchas otras cosas.
Puede ver un video a propósito de los
45 años de la creación de Mafalda
haciendo click aquí.

41. VOTAR
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MAFALDA
CARTA DE PRESENTACION DE MAFALDA:
La carta aquí reproducida es la de
presentación que Mafalda escribió a los
lectores del semanario 'Siete Días'
cuando, tras el cierre del diario 'El
Mundo', Mafalda se trasladó con sus
amigos a las páginas de dicho semanario.
Esta carta coincide con el momento en
que Guille acababa de hacer su aparición
en la serie, y aunque parecería que está
escrita por Quino, no es así. El autor es
Sergio Morero, secretario de redacción
de 'Siete Días'.
Una modificación de esta carta serviría
como introducción del libro 'El Mundo
de Mafalda'.
Señor director de Siete Días:
------Un amigo mío, el dibujante Quino (se llama así pero cuando firma cheques
pone Joaquín Lavado), me dijo que tenías mucho interés en contratarnos a mí y a
mis amiguitos, Susanita, Felipito, Manolito y Miguelito, para juntos trabajemos
todas las semanas en tu revista.-Aceptamos con mucho gusto, pero antes debo
decirte que en casa aumentó la familia, por que el 21 de marzo nació mi
hermanito, lo que alegró bastante a mi papá y mi mamá; y a mí me produjo
curiosidad. Ahora estamos todos muy preocupados por atenderlo y pensar en un
nombre que a él le guste cuando sea grande.
Como me parece que vos y los lectores de la revista querrán
conocerme un poco mejor antes de firmar el contrato te envío mi
currículum (¿así se escribe?) más o menos completo por que de
algunas cosas ya no me acuerdo. ¡Ah!, también te mando algunas
fotos de mi album de familiar que me sacó mi papá, ¡pero
devolvémelas!.
-----En la vida real yo nací el 15 de marzo de 1962. Mi papá es
corredor de seguros, y en casa se entretiene cuidando plantas. Mi
mamá es ama de casa. Se conocieron cuando estudiaban juntos en
la Facultad, pero después ella abandonó para cuidarme mejor, dice.
El nombre que me pusieron fue en homenaje a una pibita que trabajaba en la
película Dar la cara, que se hizo leyendo el libro del escritor David Viñas.
-----El 22 de septiembre de 1964, Quino me consiguió una recomendación para
trabajar en la revista Primera Plana, y en marzo del 65 me llevaron al diario El
Mundo.

42. Vas a ver que mis amiguitos te van a gustar tanto
como a mí.
Felipito tiene un papá que es todo un ingeniero; él
es bueno, un poco simple, tierno y, a pesar de que en
la escuela está un grado más que yo, a veces lo cuido
como si fuera hijo mío.
A Manolito lo conocí en el almacén de su papá,
porque nosotros somos clientes de él. Ahora vamos
al colegio juntos. A veces me hace enojar porque es
muy cabeza dura. Siempre quiere tener razón... y lo
que más bronca me da es que casi siempre la tiene.
Con Susanita no me llevo muy bien. Reconozco que a veces parezco muy antipática
con ella, pero cada vez que habla parece el Premio Nobel de la Clase media.
Seguro que cuando sea grande tocará el piano, se casará y tendrá muchos hijos y
jugará a canasta. Te voy a contar un secreto, pero no se lo digas a nadie, porque a
Susanita no le gusta que se sepa: el papá de ella es vendedor de una fábrica de
embutidos. Miguelito es el último que ingresó a la barra. Todos lo queremos
mucho y nos hace reír porque piensa siempre las cosas más fantásticas. Claro que
es muy chico todavía. Va a un grado menos que nosotros.
----- En estos días recibí muchas cartas y llamadas telefónicas preguntándome por
mi hermanito. A casi todos les preocupa saber cómo mis papás me explicaron el
ausnto. Fue así: me llamaron un día, se pusieron muy colorados, dijeron que
tenían que decirme algo muy importante. Mi papá me contó que habían encargado
un hermanito para mí, que antes de nacer lo cuidaría mamá porque crece como
una semillita, y que la había plantado él porque sabe mucho de plantas. Yo no
entendí muy bien, pero me puse muy contenta al saber la verdad, porque la
mayoría de los chicos de la escuela hablan de los nenes que nacen en repollos o los
trae la cigüeña desde París... ¡Con los líos que hay ahora en París están como para
pensar en cigüeñas!.
----- Otros me preguntaron cómo siendo yo tan pesimista en un problema tan grave
como el de la paz, creo todavía en los Reyes Magos. Melchor, Gaspar y Baltasar
existen porque me lo dijo mi papa, y yo le creo; en cambio sobre la paz tengo todos
los días pruebas de que, por ahora, es un cuento. Aprovecho la publicación de esta
cartita para enviar un saludo a U-Thant y a los Beatles, a quienes admiro mucho.
El pobre secretario, de la ONU tiene muy buenas intenciones, y sería macanudo
que le hicieran caso, pero... Pensando en él, comprendo mejor a papa y a mama.
Después de todo, ellos no tienen la culpa de cómo son y cómo viven. Los Beatles
me gustan por que son muy alegres, están de acuerdo conmigo en muchas cosas, y
tocan la música que nos gusta a los jóvenes. Ellos deberían ser presidentes del
mundo, porque tienen influencia sobre mucha gente de todos los países.
Me gusta leer, escuchar los noticiosos, mirar la
TV (menos las series), jugar al ajedrez, al
bowling y a las hamacas.
También me gusta mucho jugar y correr al aire
libre, donde haya árboles y pajaritos como en
Bariloche. Cuando fuimos de vacaciones para
allá, pasamos días muy lindos. Este años no
fuimos de vacaciones porque esperábamos la
llegada de mi hermanito. Espero que en el
verano crezca pronto, así lo podremos llevar con

43. nosotros a Córdoba. Cuando se preocupe menos
por el chupete, le voy a presentar al Pájaro
Loco, que trabaja en TV. Seguro que le va a
gustar tanto como a mí.
----- Entre las cosas que me no gustan están: primero, la sopa, después, que me
pregunten si quiero más a mi papá o a mi mamá, el calor y la violencia. Por eso,
cuando sea grande, voy a ser traductora de la ONU. Pero cuando los embajadores
se peleen voy a traducir todo lo contrario, para que se entiendan mejor y haya paz
de una buena vez.
----- -------------------------Hasta la semana que viene. ___
-VOLVER--------
MAFALDA, LA CONTESTATARIA
Este es el prefacio de la primera edición italiana de "Mafalda, la
contestataria", un libro que recopilaba sus tiras, publicada en 1969.
Aunque este prólogo no tenía firma, se sabía que lo había escrito
Umberto Eco.
Mafalda no es solamente un personaje de historieta más; es, sin duda, el personaje de
los años setenta. Si para definirla se utilizó el adjetivo "contestataria", no es sólo para
alinearla en la moda del anticonformismo. Mafalda es una verdadera heroína
"rebelde", que rechaza el mundo tal cual es. Para entender a Mafalda es necesario
establecer un paralelo con ese otro gran personaje cuya influencia, evidentemente, no
le es ajena: Charlie Brown.
Charlie Brown es norteamericano; Mafalda es sudamericana.
Charlie Brown pertenece a un país próspero, a una sociedad
opulenta a la que busca desesperadamente integrarse
mendigando bienestar y solidaridad. Mafalda pertenece a un
país lleno de contrastes sociales que, sin embargo, quiere
integrarla y hacerla feliz. Pero Mafalda resiste y rechaza
todas las tentativas. Charlie Brown vive en un universo
infantil del que, en sentido estricto, los adultos están
excluidos (aunque los chicos aspiren a comportarse como
adultos). Mafalda vive en una relación dialéctica continúa
con el mundo adulto que ella no estima ni respeta, al cual se
opone, ridiculiza y repudia, reivindicando su derecho de
continuar siendo una nena que no se quiere incorporar al
universo adulto de los padres. Charlie Brown seguramente
leyó a los "revisionistas" de Freud y busca una armonía
perdida; Mafalda probablemente leyó al Che.
En verdad, Mafalda tiene ideas confusas en materia política. No consigue entender lo
que sucede en Vietnam, no sabe por qué existen pobres, desconfía del Estado pero
tiene recelo de los chinos. Mafalda tiene, en cambio, una única certeza: no está
satisfecha.

44. A su alrededor, una pequeña corte de
personajes más "unidimensionales":
Manolito, el chico plenamente integrado
a un capitalismo de barrio,
absolutamente convencido de que el
valor esencial el mundo es el dinero;
Felipe, el soñador tranquilo; Susanita
que se desespera por ser mamá, perdida
en sueños pequeño burgueses. Y
después, los padres de Mafalda,
resignados, que aceptan una rutina diaria
(recurriendo a su paliativo "Nervocalm")
vencidos por el tremendo destino que
hizo de ellos los guardianes de la
Contestataria.
El universo de Mafalda no es sólo el de una América latina urbana y desarrollada: es
también, de modo general y en muchos aspectos, un universo latino, y eso la vuelve
más comprensible que muchos personajes de las historietas norteamericanas. En fin,
Mafalda, en todas las situaciones, es una "heroína de nuestro tiempo", algo que no
parece una calificación exagerada para el pequeño de personaje de papel y tinta que
Quino propone.
Nadie niega que las historietas (cuando alcanzan cierto nivel de calidad) asumen una
función cuestionadora de las costumbres. Y Mafalda refleja las tendencia de una
juventud inquieta que asume aquí la forma paradojal de disidencia infantil, de
esquemas psicológicos de reacción a los medios de comunicación de masas, de
urticaria moral provocada por la lógica de la Guerra Fría, de asma intelectual causada
por el Hongo atómico.
Ya que nuestros hijos van a convertirse -por mérito nuestro- en otras tantas Mafaldas,
será prudente que la tratemos con el respeto que merece un personaje real.
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Mafalda y compañía
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FELIPE Felipe es uno de los personajes más populares de las
tiras de Mafalda junto con la propia Mafalda y Guille.
Imaginativo, eternamente enamorado, mal estudiante, y
con poca fuerza de voluntad, Felipe es uno de los

45. personajes que más se hace querer, incluso por el propio
autor, que lo presenta como el personaje más afín a él
mismo. Felipe es el mejor amigo de Mafalda, y es su
compañero ideal, ya que ambos se complementan. Toda
la seguridad que tiene Mafalda es algo de lo que carece
Felipe.
Click aquí para más datos.
Manolito es el mas cabal del grupo. Siempre con los
pies en el suelo no existe lugar en su cabeza para la
imaginación, sino es para imaginarse todo el dinero que
MANOLITO ganara cuando sea grande. Con fama de bruto es sobre
todo un hombre práctico, que ayuda a su papá en el
almacén y admira a los americanos por ser los mas ricos
del mundo. Sin embargo ante esta facha de hombre
práctico y duro encierra un gran corazón para con sus
amigos a los que quiere como el que más (excepto a
Susanita, que es la horma de su zapato y le trae dolor de
cabeza).
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GUILLE Guille es el enfrentamiento generacional, ya no de
padres e hijos, sino entre generaciones separadas por
pocos años. Guille llegó con su ingenuidad haciendo a
Mafalda las preguntas que ésta les había hecho a sus
padres años atrás y ahora debía responder y poniendo a
todo el mundo en apuros con algunas salidas.
Click aquí para más datos.
Susanita junto con Manolito representa la parte de la
naturaleza humana que menos queremos admitir. Su
lado más oscuro es su cara ultraconservadora, racista y
SUSANITA opuesta al progreso. Susanita es una "cotilla
metomentodo" con concienciación de clase y que cree
que todo lo que es diferente es malo. Por su carácter se
lleva mal con Mafalda, ya que su mayor aspiración en la
vida es convertirse en una señora dama para reunirse a
jugar al bridge con sus amigas y presumir de su marido.
A pesar de todos sus defectos Susanita ha demostrado en
más de una ocasión tener su corazoncito y como el resto
del grupo ser amigos de sus amigos.
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46. Miguelito es un buenazo. Representa a esa parte
inocente de todos que aún esta intentando comprender el
MIGUELITO mundo. Miguelito es simple, vitalista, pequeño. Es el
más joven del grupo, pero a veces sus observaciones de
la vida complicada que vivimos nos muestran lo absurda
que es esta. Mafalda lo conoció un día en la playa en un
verano inolvidable y lo unió a su grupo de amigos.
Miguelito se desilusionó al saber que era otro amigo de
Mafalda y no "EL" amigo de Mafalda como él creía.
Click aquí para más datos.
Libertad fue el último personaje en unirse a la pandilla
de Mafalda. Al igual que a Miguelito, Mafalda la
LIBERTAD conoció un día en la playa y le sorprendió que algo tan
pequeño fuera la libertad. Cosas del destino hicieron que
esta pequeña descarada viviese con sus padres en un
pequeño apartamento a pocas cuadras de distancia de
Mafalda lo que nos permitió seguir disfrutando de este
personaje. De padres Hippies y con ese nombre es la
representante de los ideales politicos y las utopías.
Click aquí para más datos.
LOS PADRES DE MAFALDA Y GUILLE
La Mamá es un ama de casa, preocupada hasta la
histeria por lo que pasa dentro de los límites de su
microclima hogareño, y sufriendo las ácidas reflexiones
de su hija, que le hacen ver la fragilidad de su pequeño
mundo.
El Papá es un trabajador de clase media que llegaba a
su hogar sin otra intención que olvidarse del mundo
exterior y se encontraba con que Mafalda se lo
refrescaba.
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