Leigh Bowery fue un artista australiano que se destacó en Londres en las décadas de 1980 y 1990 por sus extravagantes presentaciones que combinaban maquillaje, disfraces y actuaciones. Bowery buscaba desafiar las nociones tradicionales de género y cuerpo a través de su arte corporal. Tuvo una influencia importante en la escena nocturna y musical de Londres de esa época, y también trabajó como modelo y diseñador de moda. Murió en 1994 a causa del SIDA.

1. Leigh Bowery
Leigh Bowery (26 de marzo de 1961 – 31 de diciembre de 1994), fue un
artista australiano del transformismo y del performance, de impacto
dramático en los mundos subterráneos del baile, las discotecas, la
moda, el arte y la música.
Nació en Australia pero fue en Londres donde se asentó para
desarrollarse como personaje, agitador cultural, icono pop, gracias a
su versátil manera de aparecer como modelo gótico transexual,
promotor de artistas, diseñador de moda, promotor de clubs y discos,
actor, cantante. Direccional, complejo, hedonista, narciso, intrigante,
de personalidad fuerte y difícil trato, valiente, atrevido, cínico.
Moriría en 1994 de sida tras una vida intensa en la cual hizo
prácticamente de todo.
Se basó en el dandismo y el arte corporal, para construir su imagen
como una expresión de travestismo cultural, un reflejo del entorno.
Dentro de su versatilidad, fue haciendo un nombre por sí mismo, a
través de la representación dramática de la danza, la música, el
exhibicionismo extremo y el uso de trajes extravagantes de diseño
propio.
De ser un regordete, estudioso y con frecuencia acosado niño, Leigh
creció para estar incómodo en su piel, utilizando con frecuencia sus
diseños extravagantes como una armadura para sus inseguridades,
disimulando a través del volumen de estos su tamaño, acompañado de
una actitud confrontadora.
Bowery se sentía a gusto describiéndose como “gay”, aunque en
ocasiones tenía amistades intensas, apasionadas y de carácter sexual
de tipo sadomasoquista con las mujeres, ejerciendo un papel
dominante de maestro titiritero. Bowery fue muy inteligente, muy leído
y apasionado por todas las formas de expresión artística. Podía ser
ingenioso y encantador, al tiempo que intimidaba a amigos y enemigos
con su lengua afilada y acusaciones, las cuales reflejan un signo de
los tiempos en que la “dureza” iba de la mano con la escena de clubs.
Como hombre honesto que creemos que fue, Bowery optó por gritar
fuerte y alto su homosexualidad, y en paralelo construyó una vida y

2. un cuerpo como objeto de arte que no podría haber pertenecido a
nadie más que al período de los 80’s y a ningún otro sitio que no fuera
Londres
Vivió tiempos económicamente difíciles, donde la única salida era el
mundo subterráneo secreto de frecuencia polysexual y discotecas
gay. Era visto con frecuencia actuando en Tabú, un club nocturno de
moda que gestionaba, cerca de Leicester Square y es frecuentemente
identificado como una influencia clave en el estilo del movimiento de
la música New Romantic que era popular en Gran Bretaña durante la
década de 1980.
A finales de 1980, Bowery se presenta en escena con el bailarín postpunk Michael Clark, después de haber sido su diseñador de trajes por
varios años. También participó en eventos de varios medios de
comunicación como Yo Soy Kurious Oranj y el Juego Hey, Luciani, con
Mark E. Smith y El Otoño.
Bowery llevó a los extremos el maquillaje, los disfraces, el brillo, los
colores, las pelucas, los sombreros, las pestañas postizas, las drogas
y el caos. Era alto, calvo, gordo, con un físico inmenso y un enorme
apetito sexual. Más allá de lo grotesco, aberrante y perturbador que
esto pueda sonar, fue un ícono representativo, que marcó por sus
excentricismos y su desenfado, un hito en la historia del arte, la moda
y la escena nocturna. Sacando el mayor provecho a su altura y
circunferencia, Bowery terminaría afeitándose la cabeza y derramando
cera sobre ella, llevando unas pestañas postizas blancas de dos
pulgadas y pintando su rostro y pómulos como una muñeca kewpie.
Llegó a utilizar una serie de vestuarios, pelucas y maquillaje,
intentando ser una mujer, un niño, un felino, una diosa hindú de color
azul.”
Si bien no alcanzó demasiado renombre gracias a su profesión como
diseñador de moda, y aunque su carrera en este ámbito a menudo se
ignora, tuvo en este rubro un considerable éxito artístistico que incluía
varias colecciones en la semana de la moda de Londres.
Sus diseños eran llevados a extremos, buscaba distorsionar el cuerpo
hasta no reconocerlo.
Bowery se convirtió en “musa” del artista Lucien Freud, y también del
diseñador Rifat Ozbek.

3. Trabajo como modelo para Lucien Freud, quien estaba fascinado con
su figura, que pintaba desnuda y natural muy alejada de su imagen
habitual de icono queer. También fue consultor para diseño de Rifat
Ozbek .
Además de protagonizar performances junto al dúo de diseñadores
BodyMap, e influenciar a su amigo fotógrafo David LaChapelle, Bowery
inspiró a otros como Divine, la famosa musa de las películas de John
Waters, y también al protagonista de “Hedwig and the angry inch”
(2001), película de John Cameron Mitchell.
Bowery alimentó el mito gracias a su influencia en las nuevas
generaciones de asiduos a los clubes nocturnos o Club Kids de los
años ’90, especialmente de Nueva York.
En los últimos años de su vida las ventajas de tener un ingreso
independiente comenzó a hacerse más evidente y Bowery miró a la
música, creando una banda de enfermos bajo el nombre de Minty,
esperando fuera una solución a sus problemas económicos, pero no
resultó, convirtiéndose por el contrario en una pérdida financiera y en
un punto bajo en su carrera de colores.
Murió en un hospital de Londres en las primeras horas de la noche de
Año Nuevo de 1994, de neumonía y por los efectos secundarios de los
antibióticos prescritos para el combate de meningitis. Bowery dejó una
esposa, Nicola.
"Quiero ser el Andy Warhol de Londres", dijo una vez, lo cual revela
su notable influencia, evidente en sus extravagantes autopresentaciones y su profundo deseo de conmoción, además del
parecido en varias acciones como la utilización de su imagen con fines
publicitarios, dándose a conocer a un público más amplio debido a su
aparición en el cine, en una serie de televisión postmodernista
surrealista, en campañas como la de los vaqueros Pepe, MTV Londres,
colaboración a la banda de rock U2, también apareció con regularidad
en artículos, vox pop y como cubierta en la iD Magazine de Londres.
Bowery fue también director de arte para el famoso video de Massivve
Attack 's “Inconclusa Simpatía ”.

4. Su Obra

13. Arte
Contemporáneo
Nociones básicas y claves
para interpretarla
Conceptos y nociones de los valores fundamentales de la institución
artística clásica:
La obra de arte o más específicamente el objeto de arte.
Las propias categorías del lenguaje, concebidas en un sentido
clásico como las Bellas Artes (Pintura, escultura, glíptica,
arquitectura, jardinismo)
La experiencia estética, ligada a sus dos dimensiones: en la
recepción y en la producción
La originalidad y unicidad como atributos de la obra.
La composición y operatoria. Las relaciones contextuales.
La noción de autor, autoría.
De las tensiones inherentes a la modernidad.
La modernidad como va transformando los fundamentos clásicos del
arte
Estas tensiones y transformaciones se expresan como ruptura
transgresión; como creación o búsqueda de la originalidad en el
sentido del progreso; aun cuando ello implique la incorporación de lo
exótico, como así también, la reformulación de lo clásico.
Estas tensiones operan sobre aquellas categorías instituyentes del
arte, en tanto el Arte, es institución propia y representativa de la
cuestión moderna.
Clave 1: Transformaciones de las categorías, a partir de las tensiones
propias de la modernidad.
Fundamentos y procesos de la institución artística:

14. - Experiencia estética, Autoría, Objeto/obra de arte, Categorías del
Lenguaje
- Procesos: desmaterialización, deconstrucción de la autoría y de las
categorías del lenguaje, transformación de la experiencia del arte
La obra, el objeto de arte, es tradicionalmente el lugar donde la
especificidad artística se concentra. Aquello que se entienda por arte,
es en la obra, entendida como el objeto material, donde subyace. Se
accede a lo revelado por el arte, a lo esencial del acto artístico, según
tradición, a través del objeto material. A partir de las tensiones sobre
esta categoría el arte sufre un proceso de desmaterialización.
.En el arte del siglo XX, como en todos los ámbitos de la vida
contemporánea, la ruptura con los modelos tradicionales es una de las
características esenciales.
El constante cuestionamiento de los convencionalismos convierte en
un valor en sí misma a la transgresión por el mismo hecho de ser
provocativa
Los valores prevalecientes en el arte a lo largo de los siglos, y que el
arte moderno y las vanguardias sólo habían reinterpretado, sin
cuestionar de modo radical (la armonía, el cromatismo, la composición,
la masa, etc.) eran repudiados en beneficio de otros (lo efímero, lo
pobre, el proceso, la analogía, etc.). Los medios tradicionales parecían
no ser ya los apropiados para ser mensajes en sí mismos
El arte se desmaterializa, el arte del concepto por sobre el arte del
objeto. El objeto dejada de ser lo principal, para darle mayor
importancia a la idea y al concepto que hay detrás del objeto en sí.
El arte procesual, aumenta la presencia psíquica de una obra dar
valor al proceso de autoproducción de la misma.
El arte povera con relación a las materias que hacen al objeto
artístico, reivindica su capacidad azarosa e indeterminada de
transformación.
El arte conceptual. Lo que prevalece es la idea. La propuesta es
de un arte inmaterial, anti-objetual
Las categorías tradicionales de lenguaje (Pintura, Escultura,
Arquitectura, etcétera) también se transforman. Nuevas categorías
surgen a partir de las transformaciones o especulación sobre las
tradicionales, o bien por la aparición y aceptación, en los ámbitos del
arte de las nuevas técnicas: fotografía, video, computadoras.

15. En cuanto a la deconstrucción de la autoría, el arte contemporáneo ha
significado un cambio importante, ya que ya no se trata de un único
autor cuya firma era aún más importante que la obra, sino que
comenzaron a aparecer obras anónimas o colectivas, que dejan de
lado la importancia del artista único, así como también aparece el arte
de apropiación. Este último se refiere a las obras de aquellos artistas
que se apropian de las obras de otros y las reproducen ya sea de
manera idéntica o con alteraciones. En este aspecto también entra el
arte interactivo, en el cual el público es coautor de la obra
conjuntamente con el artista.
Clave 2:
Carácter performático del arte contemporáneo:
Hipótesis: Toda propuesta artística actual involucra una dimensión
performática.
4 dimensiones del arte performático:
-
Celebración plástica
Encadenamiento histórico
Contenido
Transgresión
El performance art es el arte de acción, donde el artista busca una
relación más directa con el espectador, a través de sus acciones en un
espacio y tiempo específicos.
El performance art proviene de los Happenings, los Actions, los Fluxus
y el Body Art de finales de los años 60. Todo arte actual tiene una
propuesta performática.
La celebración plástica se refiere al sentido estético, a los aspectos
formales de la performance. En cuanto al encadenamiento histórico, la
performance está vinculada a la historia del arte, no se percibe sin
tener en cuenta esta historia. Para comprenderla, hay que tener en
cuenta los antecedentes artísticos, y los códigos en los cuales esta
obra está inserta. El contenido se refiere a lo que expresa la
performance, al mensaje que nos transmite, a la idea que la obra
plasma. Toda obra performática también tiene una dimensión
transgresora, rompe con ciertos límites preestablecidos, busca ir más
allá.
Clave 3:
Giro minimalista:

16. - Implosión del objeto
- Protagonismo del espacio, del tiempo y del cuerpo
El giro minimalista tiene lugar en la 2da mitad del siglo XX y se
relaciona con lo geométrico, lo industrial y con la austeridad
constructiva y de recursos (“menos es más).
El minimalismo se caracteriza por la implosión del objeto en el sentido
de que el mismo como tal desaparece para dar protagonismo a la idea.
Esto plantea un quiebre en el mercado del arte, ya que se empieza a
considerar la idea como más valiosa que el objeto en sí. El valor total
de la obra pasa a ser el concepto, y esto es lo que define al arte
conceptual. El objeto puede ser llevado a cabo por otra persona y no
por el autor de la idea (esto está fuertemente relacionado con la
deconstrucción de la autoría anteriormente nombrada). Por otro lado,
el espacio, el tiempo y el cuerpo comienzan a ganar protagonismo y a
jugar un papel importante a la hora de conferirle carácter a la obra
como tal.
Nuevos escenarios (la calle, el desierto, las costas australianas, la
montaña, es decir, cualquier lugar de la naturaleza) reemplazaron los
lugares habituales donde el arte solía exponerse.
Protagonismo del tiempo, como factor clave en la obra, de la mano del
Video Art, que conjuga el movimiento y la acción.
A través del Body Art, el cuerpo también toma protagonismo. Este se
comienza a trabajar como material plástico, se pinta, se calca, se
ensucia, se cubre, se retuerce; el cuerpo es el lienzo o el molde del
trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción o performance, con
una documentación fotográfica o videográfica posterior.
Clave 4:
La experiencia estética como discontinuidad:
Experiencia estética como aplazamiento de la comprensión
Categorías temporales de la experiencia estética:
- Tiempo suspendido
- Tiempo asociativo
- Tiempo paradójico
- Concepto de Panestesia

17. La experiencia estética como conocimiento a través de la sensibilidad,
implica entender lo que sentimos, y no razonarlo; plantea la
imposibilidad de razonar todo lo que vemos
El mundo moderno se convierte en un mundo repetitivo de una
intensidad agobiante que, pese a su comodidad, produce un gran
desasosiego e insatisfacción, que el arte expresa a través de
la irracionalidad.
Esta clave sugiere que no se llega a comprender qué es lo que pasa
con esa experiencia. Tiempo, razón y lenguaje corren el mismo
sentido.
El tiempo de la experiencia estética es surrealista, donde el futuro se
junta con el pasado y se detiene en la obra.
La experiencia estética, desde su asociación a la experiencia de la
belleza en el sentido clásico, pasa hoy por categorías diferentes, tales
como la perplejidad, el desagrado e inclusive el horror. De igual modo,
la experiencia, que gravita fundamentalmente en la individualidad en
lo subjetivo, pasa a gravitar en lo colectivo; sobreviene la panestesia.
En la concepción situacionista, la experiencia individual es anulada por
el espectáculo, siendo la única alternativa posible, la acción
Clave 5:
La imagen como símbolo:
- La imagen de lo invisible
- Concepto de Simbolon
- Concepto de mitología griega. Platonismo
- Poeta/Profeta
El concepto de simbolon (disco que utilizaban los griegos para sellar la
vinculación entre distintos clanes) ayuda a expresar la idea de la unión
entre la imagen y el símbolo, de donde nace el sentido del arte. Una
parte va a remitir a la otra. La imagen representa lo materializado en el
arte, mientras que el significado al cual nos remite la imagen expresa
lo específicamente artístico.
Se puede estudiar el arte como tensión entre lo conocido y lo
desconocido, entre el Orden codificado por los cánones establecidos
dentro de la cultura, un orden codificado que todos conocemos y que
lo tenemos incorporado y los que está fuera de esto: el caos, la no
cultura, lo no codificado, la discontinuidad y la irracionalidad. La
ruptura que se produce en el paso entre en “mundo” y otro, es lo que
lleva a la innovación y a la originalidad, a la transformación de esos

18. conceptos establecidos. En el caos se exploran los límites entre el
canon establecido y la experiencia misma de esos conceptos.

19. Análisis Obra
Leigh Bowery
A continuación se analizará al artista Leigh Bowery desde una óptica
que tenga en cuenta las claves de interpretación del arte
contemporáneo mencionadas anteriormente.
Leigh Bowery fue un claro referente del movimiento artístico Body Art;
su obra no puede ser cataloguizada dentro de las antiguas categorías
del lenguaje del arte (Pintura, Escultura, Arquitectura). Artista, arte
objeto, es una expresión andante del arte que supera los
tradicionalismos ortodoxos de la pintura y la escultura, al vincular su
cuerpo como elemento dinámico que le da vida y movimiento, como
plataforma de exhibición y demostración de sus obras, con diversión,
ironía y humor negro.
Maquillaje recargado, diseños, estructuras artísticas llevadas como
trajes de moda e incluso, máscaras y prótesis faciales acompañaron la
imponente figura de Bowery, La extravagancia era el mejor arma a
utilizar por el artista, quien no escatimaba en llevar desde sombreros
fabricados con piezas de baño hasta trajes que lo cubrían
completamente de látex.
La obra, el objeto de arte, es tradicionalmente el lugar donde la
especificidad artística se concentra. En Bowery observamos que el
objeto en sí deja de tener relevancia, es el mensaje lo que importa, el
concepto atrás de todos esos disfraces. Desde la extravagancia
Bowery nos dice algo, nos habla con ironía, nos plasma una realidad
en relación al consumismo y las modas. Travistiéndose Bowery festeja
al mismo tiempo que se burla de los valores de la sociedad moderna.
Leigh Bowery era un claro artista del performance, su obra como
propuesta performática presenta las 4 dimensiones.
Bowery genera una estética propia, original, fuerte y diferencial donde
se ve claramente la celebración plástica

20. El caos y la controversia se encuentran plasmados en todos sus
trabajos; lo que lo inspiraba era su repudio a lo convencional.
Transgrede, rompe con los límites preestablecidos, busca ir más allá
Un ejemplo de esto es una de sus performances más famosas
consistía en que él daba a luz a su esposa Nicola. Bowery escogió
ignorar los hechos de su propio sexo y la construcción del cuerpo
masculino, para utilizar un órgano destinado a arrojar heces fecales
como punto de procreación; es decir, paría a su mujer por el ano. En
este sentido su trabajo giró en torno a la contradicción, el límite,
retando la idea de la normalidad, seguramente basándose en este
conflicto original y fundamental.
La experiencia estética en Bowery pasa por categorías diferentes,
tales como la perplejidad, el desagrado e inclusive el horror.
El performance art es el arte de acción, donde el artista busca una
relación más directa con el espectador, a través de sus acciones en un
espacio y tiempo específicos. Bowery fue un agitador cultural y un
icono pop en toda regla que revolucionó la cultura de club londinense.
“Era como el Punk, pero quizás no tan agresivo” “Era totalmente
teatral en cierta manera, todo lo opuesto a lo que esperaba
encontrarte en las calles. Era confrontacional y tenía ese punto de
juego con el género.”
Otra clave que coloca a Bowery como artista contemporáneo es que
su arte no se exponía en museos o en los lugares habituales donde el
arte solía exponerse, si no que se desarrollaba en teatros, discotecas,
clubes homosexuales.
La importancia del cuerpo en su obra es otro elemento característico
del arte contemporáneo, dentro del giro minimalista. Leigh se basaba
en el dandismo y el arte corporal, para construir su imagen como una
expresión de travestismo cultural, un reflejo del entorno. Utilizaba su
cuerpo como un tipo de discurso estético.
Lo suyo no era sencillamente travestirse sino que enfundaba su
cuerpo de grandes proporciones en unos extravagantes diseños de
estilo propio que iban mucho más allá de vestirse de mujer. Metía
todas sus redondeces en nos trajes tan imposibles que le hacían tomar
formas de lo más extravagante

21. La forma en la que distorsionaba deliberadamente su cuerpo luciendo
por ejemplo embarazado o creándose senos con la piel de su cinta,
llevando el transformismo a límites que nadie más llegó.
De hecho se le recuerda por la frase: “mi carne es mi textil favorito”,
creía que la mejor tela para trabajar era la propia piel
Discurso vibrante, valiente y certero; Bowery definió en Londres la
cultura de la extravagancia e influyó a toda una generación de artistas
y diseñadores; un artista pop extravagante y descabellado, un
producto original hecho a sí mismo, diciendo su verdad

22. Bibliografía
http://www.independent.co.uk/news/people/obituaries-leigh-bowery1566637.html
http://lafabricadewarhol.tumblr.com/post/868849809/leigh-bowery
http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_contempor%C3%A1neo#De_la_.22modernidad
.22_a_la_.22postmodernidad.22