El documento resume la pintura del Cinquecento italiano. Destaca el dominio de la perspectiva, la búsqueda de la belleza eterna centrada en el hombre, y el realismo de las posturas y movimientos. Los principales artistas fueron Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel. La Capilla Sixtina de Miguel Ángel es su obra maestra, con figuras musculosas y poderosas en la bóveda narrando historias del Génesis.

1. La pintura del cinquecento en Italia
La época de los genios

2. La pintura del cinquecento italiano
Características
• Dominio de la perspectiva lineal y atmosférica
• Se destaca el tema principal y se eliminan detalles anecdóticos
• Búsqueda de la belleza eterna e intemporal
• Se centra en el hombre, reacciones y sentimientos

3. Características generales
-Deseo de transmitir la sensación de vida a través de:
• El movimiento
• Realismo de las posturas
• Búsqueda de la belleza y armonía ideal del ser humano en:
-Proporciones y musculatura
-Rostro ovalado
-Expresión contenida
-Equilibrio dinámico del cuerpo
Vitruvio: el cuerpo humano se puede
inscribir en figuras geométricas

4. Características generales
• Utilización del oleo que permite fusionar colores y degradar tonos y contornos
• Composiciones más complejas y dinámicas. Composición cerrada. Espacio cerrado
y único para ellas.
• La luz define volúmenes, difumina los contornos de las figuras, abandonando las
formas : el sfumato.
• Interés en el movimiento.
San Jerónimo en su estudio

5. Temática
• Religiosa, con nuevos santos y nuevas formas
• Mitológica
• Histórica, conmemoración de las batallas
• Retrato, importancia del paisaje
Religiosa Mitológica Histórica Retrato

6. Leonardo Da Vinci (1452-1519)
Vida:
• Considerado como uno de los más grandes pintores
de todos los tiempos y, probablemente, es la persona
con el mayor número de talentos en múltiples
disciplinas que jamás ha existido.
• Frecuentemente descrito como un arquetipo y
símbolo del hombre del Renacimiento.
• Como ingeniero e inventor, Leonardo desarrolló
ideas muy adelantadas a su tiempo, tales como el
helicóptero, el carro de combate, el submarino y el
automóvil, aunque muy pocos de sus proyectos
llegaron a construirse

8. Comentario de imagen artística
La Gioconda

9. Comentario de imagen artística
1. Identificación: La Gioconda, pintura
renacentista, creada entre el 1503 y 1519.
Actualmente se encuentra en el Museo del
Louvre, en Paris.
2. Análisis iconográfico
-Tema: Retrato comúnmente conocido como la
esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo, Lisa
Giherardini.
Es un tema no religioso aunque toma el nombre de los
retratos de la virgen, las Madonnas, para resaltar mas
la importancia de la mujer representada, lo que indica
una absoluta novedad en el periodo, que nunca habría
podido suceder en la Edad Media.

10. 3. Análisis formal
Composición: existen dos planos, la Gioconda
(podríamos decir que formar una composición
triangular) y el paisaje.
-Hay un claro eje de simetría que produce sensación
de equilibrio. Además, se pueden trazar rectas
compensadas con alguna oblicua que transmite
dinamismo.
Perspectiva: Presenta una perspectiva lineal, cuanto
más lejos los contornos están menos delimitados, lo
que se llama perspectiva aérea. La combinación de la
"perspectiva aérea" y de la técnica del "sfumatto"
consiguen una sensación tridimensional y de
profundidad.
También hay perspectiva del color: con colores
grisáceos, que pierden nitidez por la lejanía. Y Aérea:
en el paisaje difuminado por el aire
El paisaje de fondo es una naturaleza en movimiento
con ríos y brumas entre las que se inserta la figura
Los paisajes son distintos a ambos lados pero ambos
coinciden en la cabeza de Monna Lisa. Presentan
zonas rocosas con caminos y un acueducto.

11. 3. Análisis formal
-Figura: Una única figura en el cuadro, pero con muchos
matices :
Figura ni de frente ni de perfil, sino ligeramente
inclinada. El rostro: posee una inexplicable
expresión, sorprendentemente realista para cuya sonrisa utiliza el
sfumato.
-Sus ojos parece que miran continuamente al espectador y sus
cejas depiladas resultan extrañas.
-Presenta cierta ambigüedad e indefinición sexual, lo que ha
llevado a elaborar complejas hipótesis como la que mantiene que
en el retrato mezcla aspectos de la dama con los de Leonardo
--Importancia de las manos y del gesto para indicar
serenidad, armonía. Brazos en forma ovalada que nos puede
indicar que está o que estuvo embarazada
--Sus ropas ( típicas de Florencia en esa época) nos indica que es
una mujer de clase alta. Lleva un tipo de escote que en italiano se
llama “vinco”, por ello la Mona Lisa podria ser “La Madonna da
Vinco”, el propio Leonardo según alguna hipótesis

13. LA ÚLTIMA CENA
Muy mal estado de conservación al haber utilizado una técnica mixta de fresco y temple que le
permitieron colores muy brillantes pero que se han conservado mal.-
- Importancia de la perspectiva y el gesto de los personajes ante el anuncio de la traición . Hizo
muchos estudios previos

14. Rafael (1483-1520)
Vida:
• Es considerado el tercer artista más grande
del Renacimiento junto con Leonardo y
Miguel Ángel.
• Fue considerado un niño prodigio por su
precoz habilidad y al quedar huérfano se
formó en los talleres de varios artistas de
prestigio.
• Fue un artista muy productivo, y, a pesar de
su muerte prematura, dejó una extensa obra
que en gran parte aún se conserva.
• La mayor parte de su trabajo está alojado en
los Museos Vaticanos

15. Características:
-Seguía las ideas centrales del Renacimiento:
• Poner al hombre como medida de todas las cosas
• Retomar las formas del arte griego con sus ideales
de belleza y perfección
• Pensaba que la belleza estaba en la naturaleza y en
los sentimientos humanos
• Es célebre por la perfección y gracia de sus artes
visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo
artístico.
• Es el más clásico y el que gozó de más prestigio en
su época ya que trataba los tremas con gran
sensibilidad y dulzura:
Los desposorios de la Virgen

16. Comentario de imagen artística
Escuela de Atenas

17. 1. Identificación: Escuela de Atenas, boceto entre 1508 y 1509 y finalizada entre 1510 y
1512. Actualmente se encuentra en los Museos Vaticanos en Roma.
2. Análisis iconográfico:
3. Tema: Se representa una escena del mundo clásico idealizada y su relación con la
filosofía, así como los filósofos, matemáticas y científicos más importantes de este periodo.
La idea básica sería la búsqueda racional de la verdad, con exaltación de la filosofía y la
ciencia, con lo que resume los ideales de la nueva filosofía y del renacimiento que insiste en
la importancia de la investigación racional, de la Ciencia.

18. 3. Análisis formal:
• Composición: predomina la línea recta, el ángulo recto y las formas rectangulares y
semicirculares. Es la geometría, tan querida por los renacentistas que organiza la
percepción del mundo en formas armónicas y regulares.

19. • Perspectiva: Estamos ante una perspectiva lineal, creada a través de la
arquitectura que nos conduce al punto de fuga central (encima de las cabezas
de los dos filósofos) que vuelve a insistir en la idea de simetría y armonía.
Destaca en la mano izquierda de Platón, un libro El Timeo, que constituye el
eje de la composición.
• Figuras: Individualizadas (sus gestos, posiciones y distintos retratos hacen
desaparecer la posible isocefalia (cabezas iguales) que pudiera producir una
composición tan equilibrada), realistas (parten de un retrato aunque
posiblemente idealizado), de canon proporcionado

20. • Color: En cuanto al color, como es típico de la época, se intenta compensar los fríos con los
cálidos en un nuevo intento de crear armonía.
• Luz: Luz natural con fines representativos (crear volumen por medio del claroscuro, luces y
sombras). El foco es cenital (procede desde arriba) y procura distribuirla de forma homogénea, sin
marcar excesivos contrastes ni intentar guiarnos por el cuadro

21. Otras obras de importancia
Retratos Cortesanos . Castiglione Retratos de perfil : Retrato de un jóven

22. Miguel Ángel: (1475-1564):
Vida:
• Fue un arquitecto, escultor y pintor
italiano renacentista
• Fundamentalmente escultor y a
ello se consagró la mayor parte de
su vida
• La labor pictórica dentro de su obra
tenía una función secundaria.
• Su formación pictórica la recibió de
su maestro Antonio del Pollaiuolo.

23. Características de sus obras:
· Firmeza en el dibujo que
cobra en él una gran
importancia.
· Elimina el paisaje, se
convierte éste en fondos
neutros por lo que toda la
fuerza pictórica recae en
los personajes principales
· Pinta volúmenes
(Formación
escultórica), los cuales
están perfectamente
delimitados y constituyen
la esencia de la
profundidad en su obra.
Fragmento del Juicio final

24. Características de sus obras:
• Violentos escorzos, usa
posturas forzadas con
las que consigue
obtener profundos
equilibrios dinámicos:
movimiento.
• A pesar del profundo
conocimiento de la
anatomía humana, no
se supedita a la
realidad.
• Sus seres humanos
Detalles de están cargados de
la Capilla músculos
Sictina (sobrehumanos).
• El color no es
fundamental en su
obra, aunque lo usa
para dar una mayor
expresión a ésta.

25. Cúpula capilla sixtina

26. LA CAPILLA SIXTINA. 1473-1481.
SAN PEDRO DEL VATICANO
-SU CONSTRUCCIÓN: Fue promovida por el
Papa Sixto IV.. El tema, debía basarse en la
grandeza de la antigua Roma
Cuando Julio II llegó al poder, se planteó
mejorar la capilla, que presentaba problemas de
estructura, insertando en la bóveda unas cadenas
de hierro, lo que obligó a rehacer su
decoración, para lo que se llamó a Miguel
Ángel, que transformó visualmente la
bóveda, utilizando arcos fingidos y cornisas en
perspectiva. También bajó la pintura hasta parte de
la pared, en la que fingió los lunetos consiguiendo
una impresión pictórica de mayor elevación.
Miguel Ángel usó la técnica del fresco, sobre
superficie de cal y arena, aplicando la pintura
sobre el revoque húmedo. Utilizó pigmentos puros
diluidos en agua, para la ``técnica de veladuras´´
que permiten que las capas inferiores se
transparenten.

27. LA CAPILLA SIXTINA. 1473-1481.
SAN PEDRO DEL VATICANO
-Los temas sugeridos el Papa y decididos por el
propio se basarían en la Historia desde la Creación
a la vida de Moisés (Ante Legem) y estarían basados
en el Génesis, sin embargo su lectura final quedaría
en sentido inverso al planteado en la historia bíblica.
-La bóveda fue dividida en nueve
compartimentos por 10 arcos fajones fingidos, con
una decoración de pilastras y entablamentos también
fingidos, que crean tres espacios cada uno. En los
tramos centrales se narrarían las historias del
Génesis ( núm 1 - 9), alternando un espacio mayor
con otro menor.
-Los compartimentos menores quedarían
enmarcados por Ignudis, distribuidos por parejas.
En el medio de ellos aparecen medallónes gigantes
de bronce ( 10 en total) que también representan
escenas del Antiguo Testamento, que complementan
los episodios narrados en los paneles principales.
-A los lados aparecerían Sibilas y Profetas ( 14-
25). También habría representaciones en las
pechinas de las bóvedas ( con historias de la
salvación del pueblo de Israel ( 10-13)) así como en
los lunetos y triángulos, donde aparecerían los
antepasados de Cristo ( 26-33)

28. LA CAPILLA SIXTINA. 1473-1481.
SAN PEDRO DEL VATICANO
-LAS FIGURAS son poderosas, con tensión contenida y la terribilitá característica de Miguel
Ángel. Adoptan diversas posiciones, a menudo con escorzos y líneas serpentinadas. Los cuerpos
son musculosos y estan cargadas de energía, y con planteamiento escultórico. Las referencias a
la perspectiva albertiana han desaparecido, ni hay un interés por la atmósfera sino que pura
fuerza del ser humano basta, y está de acuerdo con la filosofía neoplatónica.

29. LA CREACION DE LOS ASTROS 1511.
COMPARTIMIENTO Nº2
•TEMA: Representa dos momentos distintos de la Creación: a la izquierda
aparece Dios en El tercer día: creando las plantas, a la derecha se representa El
Cuarto día: creando el sol y la luna
-El sol y la Luna representan una comparación de Cristo con la Iglesia, pero al
mismo tiempo representan la disputa entre Papado e Imperio, asociándose el
primero con el Sol y el segundo con la luna, que aparece como sometida.
-Las cuatro figuras de niños que aparecen en torno a Dios pueden representar los
4 temperamentos del hombre o las 4 estaciones

30. LA CREACION DE LOS ASTROS 1511.
COMPARTIMIENTO Nº2
•COMPOSICIÓN: Esta basada en líneas oblicuas para señalar movimiento y dinamismo Los
personajes flotan en el aire y las telas se ciñen a su cuerpo para manifestar su anatomía. Además para
aumentar la fuerza de las figuras, que aparecen perfiladas de negro con pincel
•LUZ Y COLOR: Hay gran variedad dentro de la gama de los cálidos, dominando el blanco de la luz
creadora, que se proyecta en los rostros de Dios y los ángeles de su corte y que proviene del foco del
sol

31. LA CREACION DE ADÁN. 1510.
COMPARTIMIENTO Nº4
•TEMA: Representa una alegoría sugerente y poética del origen del ser humano: Dios
decide crear un ser a su imagen y semejanza, a un Hombre, concebido como centro del
Universo, como Microcosmos igual que el modelo Neoplatónico.
Dios llega a la tierra rodeado de ángeles y envuelto en turbulencias. Adán que ya está
modelado, esperando ser dotado de vida, con cara y cuerpo perfecto, levanta la mano
sin fuerza inclinando la cabeza y con la mirada de asombro y obediencia siguiendo el
brazo para el encuentro de la vida. En ese punto Dios concentra toda la fuerza de la vida
para convertirle en ser humano. A los lados de Dios aparecen 11 ángeles sin alas, y
bajo su brazo una figura femenina: Eva o María

32. LA CREACION DE ADÁN. 1510.
COMPARTIMIENTO Nº4
•COMPOSICIÓN: Está basada en líneas oblicuas y paralelas entrecruzadas que
producen el efecto de atracción entre los dos cuerpos que culminan en el punto de
unión de los dedos de los 2 personajes que produce algo así como ¨la chispa¨ de la
vida. Los dedos de Adán se perdieron al formarse una grieta, y fueron repintados por
Carnevalli
•LUZ Y COLOR: Usa colores de gama cálida: tonalidades de tierra, aunque también el
blanco de fondo. La luz es muy importante dentro del conjunto, con grandes contrastes
de claros y sombras.

33. PECADO ORIGINAL Y EXPULSION DEL PARAISO
1509-1510. COMPARTIMENTO Nº6
•TEMA: Representa dos episodios del Génesis: la tentación y la expulsión del
Paraíso. Los dos momentos quedan divididos por el árbol, que hace de eje, y
que representa una higuera. En la izquierda la tentación: Adán y Eva aparecen
junto al árbol en el aparece representado el demonio con cuerpo de Mujer y
piernas acabadas en serpientes. El diablo le da el fruto a Eva, que aparece
recostada sobre unas rocas, mientras que Adán intenta evitar la tentación. En la
derecha la expulsión de el Paraíso protagonizada por un ángel con una túnica
roja y un ristre, con el que expulsa a los pecadores del Edén, destacando sus
rostros de tristeza y el envejecimiento de Eva.

34. PECADO ORIGINAL Y EXPULSION DEL
PARAISO 1509-1510. COMPARTIMENTO Nº6
•COMPOSICIÓN: Dominan las líneas oblicuas y matizadas con algunas verticales que
crean dramatismo contenido en la escena. La figura del ángel es contra simétrica a la
de la mujer serpiente y crea un complicado escorzo las figuras destacan por sus
anatomías escultóricas, volumétricas, perfectamente dibujadas, preocupándose
también por sus expresiones
•LUZ Y COLOR: Domina la gama de los cálidos, contrarrestados con tonalidades de
colores fríos como el azul celeste del cielo sobre el que se recortan las figuras. Hay
mucha luz en general, especialmente por la parte alejada del cielo.

35. EL DILUVIO UNIVERSAL.
1508-1509 COMPARTIMENTO Nº8

36. LA CREACIÓN DE LA LUZ Y LA CREACIÓN DEL MUNDO

37. CREACIÓN DE LA MUJER Y SACRIFICIO DE NOÉ

38. EMBRIAGUEZ DE NOÉ

39. PECHINAS DE LA CAPILLA
•PECHINAS: (Escenas 10-13)
Aparecen en las esquinas de la bóveda
y narran cuatro historias de las
milagrosas salvaciones de Israel
evocadas por la lectura de las videntes
que anuncian la salvación final que se
producirá con la llegada del Mesías.

40. TRIÁNGULOS DE LA CAPILLA SIXTINA
• TRIÁNGULOS: (Escenas 26-33)
Son la transición entre el muro y la
bóveda. Representan a los
antepasados de Cristo, que se
pueden considerar una
prefiguración de este haciendo un
lazo temático con los lunetos que
se sitúan debajo
En ellos Miguel Ángel actuó con
mas libertad creativa debido a la
importancia secundaria en el
conjunto. La mayoría son imágenes
de la madre del futuro rey en
posturas escorzadas
Las figuras se adaptan al marco
arquitectónico fingido donde está
pintada, al igual que hacían los
escultores clásicos en los frontones
de los templos.

41. LUNETOS DE LA CAPILLA SIXTINA
•LUNETOS
Tienen la iconografía mas
discutible pero son fáciles de
identificar gracias a la estela
que centra la composición y que
contiene el nombre de los
protagonistas de la composición

42. PROFETAS
•Profetas (escenas 14,15
16,19,20,23,24):
-Están sentados en un trono de
mármol, dependen de sus textos y libros
para hacer sus profecías, aunque los que
están situados cerca del Juicio los
abandonan para inspirarse directamente
en Dios y Cristo.
-Están en posición alterna con las sibilas.
Representan a (
Jonás, Jeremías, Daniel, Ezequiel, Isaías,
Joel y Zacarías).

43. SIBILAS
•Sibilas (escenas 17,18,21,22,25):
-Eran personajes de la antigüedad típicos
de las religiones anteriores al cristianismo.
Poseían poderes adivinatorios, y creían
en el fin del mundo y en un salvador que
los cristianos identificaron como el Mesías
con lo que se produce una unión de
paganismo y cristianismo, tal como
defendía el neoplatonismo del que Miguel
Ángel era seguidor.
-Las cinco primeras se mencionan en el
tratado de Lactancio.
-Aparecen igual que los profetas sentadas
en un trono pasando las páginas de un
libro, aunque también se piensa que
estarían representando zonas
geográficas: Italia (la de Cumas), Asia
Menor (la de Eritrea),África (la
Líbica), Grecia (la Délfica) y Asia (la
Pérsica).

44. IGNUDI
-Su función es sostener festones vegetales y
medallones de bronce fingido. Están sentados
sobre cubos ; junto a los profetas y las sibilas.
-Se piensan que están inspiradas en el grupo
helenístico de la escuela de Rodas del
Laoconte, en el Torso Belvedere y en las figuras
danzantes de sátiros de las bacanales clásicas.
-Representan una gran potencia anatómica, con
un claro interés por el escorzo y el efecto
escultórico, en el que se anuncia ya el
manierismo.
-Tienen relación con los estudios de desnudos
realizados para la Batalla de Cascina y con los
jóvenes del Tondo Doni, considerándose como
figuras eróticas inspiradas en la filosofía
neoplatónica, de la que Miguel Ángel obtuvo
mucha inspiración para sus obras.
-Algunos también parecen inspirados en
Signorelli.
-Utiliza el claroscuro al modo de Leonardo, para
transmitir volumen en las figuras.

45. Juicio final

46. 1.Identificacion: El Juicio Final o El Juicio Universal es el mural realizado al fresco por Miguel
Ángel para decorar el ábside de la Capilla Sixtina. Miguel Ángel empezó a pintarlo 25 años
después de acabar de pintar la bóveda de la capilla.
2.Analisis iconográfico: Fue realizado en un momento de crisis religiosa de Miguel Ángel.
El tema es el Juicio Final, extraído del Apocalipsis de San Juan. En el Centro aparece Cisto. A
su derecha los condenados caen a un infierno dantesco y a la izquierda, la salvación de las
almas que ascienden al cielo.

47. •Se diferencian claramente 3 Zonas:
•-ZONA SUPERIOR: Más de la mitad de la pared esta dedicada al mundo celeste, con Cristo
Juez en el centro (que a diferencia de la Edad Media no lleva barba ni trono) que levanta el brazo
en señal de impartir justicia. Junto a él, la Virgen, símbolo de la Iglesia, que queda sometida a
Dios. A los lados, santos, patriarcas y apóstoles forman una primera corona y a ambos lados
mártires, vírgenes, bienaventurados y confesores forman otra segunda. Llama la atención que no
hay ninguna aureola de santidad ( en afán de naturalismo) . A los pies de Cristo aparecen San
Lorenzo, que lleva la parrilla de su martirio y San Bartolomé, con una piel que alude a su muerte.
( y en la que aparece un autorretrato de Miguel Ángel)

48. -Lunetos superiores:
hay dos grupos de ángeles que portan los símbolos de la Pasión: a la
izquierda la cruz y la corona de espinas, a la derecha: la columna y la
caña con la esponja empapada en vinagre.( Todos atributos que
empiezan por “C”, como Cristo) Ofrecen posturas variadas y
representan la tradición iconográfica nórdica, aunque sin alas

49. EL JUICIO FINAL. 1537-1541
PARED FRONTAL DE LA CAPILLA SIXTINA
-FRANJA INTERMEDIA: A la izquierda, los juzgados que ascienden al Cielo. Muchos
están resucitando y son representados como cadáveres. En la Tierra hay algunos
demonios escondidos en cuevas que intentan evitar que las personas asciendan al Cielo
En la derecha los condenados, que deben descender a las tinieblas y que intentan
agarrarse a los ángeles. Entre ellos aparecen representaciones de los 7 pecados
capitales.
En el centro los ángeles tocan las trompetas para despertar a los muertos. Tampoco
tienen alas, e inflan los mofletes cómo en la iconografía clásica de los vientos. Portan
dos libros, el de la vida y el de los condenados.
-

50. --ZONA INFERIOR, a la derecha está el traslado de los muertos en la barca de Caronte
ante el juez Minos y a la izquierda, la resurrección de los muertos.
Los condenados que están siendo arrojados por ángeles y algunas personas a las
Tinieblas. Muchos caen y parecen realmente estar muy desesperados. Varios son obligados
a subir a la barca de Caronte con violencia. Caronte es uno de los monstruos más horribles
en el cuadro. Los ríos de fuego y azufre les esperan
Minos, según la historia, tiene la cara y las facciones de uno de los sacerdotes que criticó al
fresco cuando Miguel Ángel lo mostró.
EL SIGNIFICADO GENERAL sería la salvación de la
Humanidad a través de la llegada de Cristo que además
representaría al Sol, en torno al cual giran los cuerpos a
modo de planetas.

51. 3. Análisis formal:
-Composición: La composición se hace en 4 registros , al modo de la Divina Comedia de Dante.
Toda la composición es ya casi manierista. Es un remolino caótico que acentúa la angustia y la
fatalidad de la escena.
Las figuras se amontonan en un torbellino, todas en primer plano, sin perspectivas ni paisajes, y
todas ellas retorcidas y desequilibradas, buscan posturas inestables y forzadas, enriqueciendo el
contrapposto clásico y anticipando el barroco
.

52. -Personajes: -Cristo- Jues: . Es el epicentro de la obra. Con un enérgico y aterrador
movimiento separa a los justos de los pecadores. Es uno de los pocos Cristos que se han
pintado con una expresión de enojo e ira.
-Junto a Cristo está María. Temerosa, se esconde junto a su hijo asustada por el
movimiento violento que hace. Detrás de ellos hay un destello de luz así que reciben todo
el enfoque además porque se encuentran en el centro.
En su planteamiento hay referencias a obras de la antigüedad (Cristo recuerda al
Laoconte, María a las Venus agachadas helenísticas)

53. Alrededor a ellos están varios santos, representados sin perspectiva alguna, rodeándolos
por todas partes. Algunos parecen estar asustados por la acción que acaba de hacer Cristo,
y otros están inquietos. Para reconocerlos, Miguel Ángel los pintó con sus característicos
complementos o con los objetos con los que fueron mártires.
-San Pedro. Tiene en sus manos las llaves del Paraíso.
-San Pablo. Se le reconoce por su barba gris y su aspecto ceñudo.
-San Andrés. Sostiene una cruz en forma de "X", símbolo de su martirio.

54. San Bartolomé. Tiene una piel en su mano ya que este mártir fue despellejado.
Según la tradición, se dice que Miguel Ángel pintó su cara en la piel despellejada del mártir
como signo de que él creía no merecer el Cielo, pues estaba atormentado.
Santa Catalina. Usa la rueda de púas de su martirio para evitar el paso a los pecadores que
intentan llegar al Cielo.
San Sebastián. Tiene sostenidas las flechas de su martirio.
San Lorenzo. Sostiene la parrilla de su martirio.
San Blas. Sostiene los dos rastrillos de carda de su martirio.

55. -Multitudes laterales: Volviendo al grupo central, éstos a su vez están
rodeados de una gran multitud donde se encuentra gente común. Muchos
están en un ambiente de relativo pánico, no saben que hacer. Entre el
tumulto, muchos están encontrando a sus familiares y amigos, y están
realmente felices, algunos llegan a conmoverse, reflejado en sus lágrimas.

56. -Ángeles
Debajo de este grupo central de Cristo, María y los Santos, se encuentra un grupo de
ángeles con sus trompetas. Según el Apocalipsis, se supone que eran 7
trompetas, aunque aquí parece haber 8. Otros 2 ángeles sostienen el Libro de la Vida y
el Libro de la Muerte, donde están los nombres de los salvos y los condenados
respectivamente.

57. •En general:
, Hay un minucioso estudio de
actitudes, gestos y miradas, que
pretenden mostrar los estados de ánimo
de los bienaventurados y los
condenados, en los que destaca la
``terribilità´´ de Miguel
Ángel, produciendo en el espectador
cierto ``temor religioso´´, que casi
anticipa el Barroco.
Además, las figuras demuestran el interés del autor
por la anatomía escultórica, destacando sus amplias
y musculosas anatomías.

58. -Color : Sus colores se oponen drásticamente a la armonía cromática del clasicismo
renacentista, son muy vivos y contrastados (ácidos) y el acabado busca intensos contrastes
de luz y sombra.
-Luz: Observamos luz por toda la obra, pero con más luminosidad en el centro y en los
extremos menos luz.

59. Pintores Manieristas: Parmigianino
-Está inspirado por los grandes
maestros Rafael y Miguel
Ángel, pero con un mayor gusto
por las formas
curvas, alargadas, más esbeltas y
decorativas
-Le gusta representar figuras de
el aire elegante y
majestuoso, tendiendo cada vez
más a una belleza abstracta y una
gracia artificial.

60. Obra más importante: Madonna del cuello largo