1. arte
i Vidas
Obras
de los màs renombrados artistas a nivel mundial
AÑO 4 - No. 65 -MAYO 2011

2. i Vidas i
Vidas
Indice
Rodin, Auguste Francois 4
Nacionalidad: Francia 4
Leonardo da Vinci. Leonardo di ser Piero da Vinci 6
Miguel Angel. Michelangelo Buonarroti 8
Picaso 10
Velázquez. Diego Rodríguez de Silva 12
Velázquez 12
Vincent Van Gogh 14
Nacionalidad: Holanda 14
Guernica 17
Noche estrellada 17
Ventana 18
Salvador Dalí 18
Habitación de Vincent en Arlés 18
Van Gogh 18
Chicago Art Institute 18
La Venus del Espejo 19
Velázquez 19
Iglesia de Auvers 19
Vincent Van Gogh 19
Las Meninas 20
Velázquez 20
Museo Británico 21
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3. i
Rodin, Auguste Francois
Vidas
En el 9, el busto “Gustav Mahler”, que Rodin llamó “Mozart” y “El Mozart
que dura” y “Torso”, una obra maestra. En el 10, la serie “Los paraísos
artificiales”, inspirados en Baudelaire, llamados “Mujeres enlazadas”,
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Vidas
Nacionalidad: Francia “Ninfas abrazadas”, “Oceánidas”, “Ninfas jugando”, “Éxtasis y rapto” y
París 1840 - Meudon 1917 “Bacantes enlazadas”. En el 11, la novedad fue la realizaciín de cabezas
Hijo de Jean-Baptiste Rodin y de Marie Cheffer, Augusto Rodin nació en vidrio, como las de la mujer del escultor, Rose Beuret, y las de la artista
en 1840, en un barrio bajo de París. Su padre era normando, así como mímica japonesa, Hanako, ya mencionada. También realizó bustos en
su madre, pero el abuelo materno de Rodin era alemán. De cuna muy vidrio.
humilde y de niñez y juventud muy pobres, Rodin tuvo el apoyo de su A partir del 14 se observó el principio del fin del genio, (no en la calidad
madre y de su tía materna Teresa, y la oposición sistemática de su del trabajo sino en su estado de melancolía con respecto a la vida) en la
padre, frente a sus inclinaciones artísticas, que se manifestaron desde pequeña figura llamada “Espíritu de inquietud eterna” y en la cabeza “Lady
muy temprana edad. Su lucha fue dura y despareja en extremo, y se Sackville-West”, que fue su último mármol.
sobrepuso gracias a su voluntad y a la convicción de cual era el camino
elegido para su vida: -”Vi claramente, a los quince años, lo que me En el 15, intentó la cabeza del papa Benedicto XV, pero éste suspendió
esperaba: una vida implacable de sufrimiento y paciencia”. el trabajo después de posar tres veces. En el 16, mientras trabajaba en
Augusto Rodin tenía para el 900 una producción de ciento ochenta y el busto “Étienne Clémentel”, “la arcilla se le cayó de las manos”, por una
cuatro obras, según su ayudante y después biógrafo, Víctor Frisch. Las parálisis cerebral a la que sobrevivió entonces, y de la que no se repuso.
primeras datan de sus dieciocho años. Entre las mismas, deben señalarse Rodin murió el 17 de noviembre del 17, y fue enterrado en Meudon, junto
las famosas “El Pensador” y “La puerta del Infierno”, de 1880; “El beso” de a Rose Mouret, su esposa. Sobre su tumba se encuentra una réplica de
1886 y el monumental “Balzac”, de 1895. Las cuatro están en el Museo “El pensador”, su escultura más famosa. “Propiedad del genio es provocar
Rodin, de París. Tenía sesenta años y su la sorpresa, crear la confusión, despertar
celebridad era mundial, todo ello acrecentado la envidia, inspirar negaciones, hasta la
por la Exposición Universal del 900, que lo hora en que, por fin reconocido y aceptado,
proyectó a las más altas consideraciones de se eleva para siempre por encima de las
crítica, de demanda de su obra, y de respeto. querellas de camarillas y de escuelas”,
De Rodin, tenemos en Buenos Aires el escribió Geoffroy, al referirse a Rodin.
monumento a Domingo Faustino Sarmiento, “Los franceses tienen la costumbre de
en los jardines de Palermo. Tenemos dejar que los genios se mueran de hambre,
además, en el Museo Santamarina, “El hasta que llega el momento de esparcir
hombre de la nariz rota”, “La Edad de discursos sobre sus tumbas”, sentenció
Bronce”, “Escultura”, “Estudio para los Víctor Frisch. “Rodin es el más grande
Burgueses de Calais” (dos estudios), escultor de los tiempos modernos (...) Este
“Estudio” y “Estudio para el monumento a hombre supo legarnos otra vida, a la manera
Balzac”. Hay una copia de “El pensador” en de Miguel Angel (...) El mármol prodigioso
Buenos Aires, en la Plaza del Congreso . que representa “El beso” es indudablemente
A partir del 900, “después de los sesenta la consagración más poderosa que el arte
años”, la producción de Rodin no decayó, y haya hecho del amor; y “El Pensador”, ese
se registran hasta el 17, año de su muerte, pensador miguelangelesco, que parece
setenta y cuatro obras más, algunas de las roerse el puño para buscar la verdad; en su
cuales se señalan a continuación: frente anidan todos los pensamientos que la
Del 900, “El secreto de la doncella”. A año humanidad ha pensado (...)” afirmó Manuel
siguiente, “El halcón y la paloma”, “Idilio Toussaint.
marino”, “La fuente y la montaña”, “Joven Para terminar, dijo el mismo Rodin lo
arrastrado al abismo por una sirena”, y “El siguiente, para reflexionar parte por parte
poeta y su musa” (inspirada por de Musset). En el 2, busto de la amiga y de una a cien veces: “En la obra de un artista nada debería dejarse al
que escribió un libro sobre Rodin, “Frau Helene von Hindenberg von azar, nada debería suceder por accidente... La luz es lo que da vida. Una
Nostitz”, “Romeo y Julieta” (despedida en el balcón), “La muerte de estatua vive; cambia con el día y la hora, por el juego de las sombras y la
Atena”, “Las ruinas de Atenas” y “El dolor y el durmiente”. Rodin era luz”.
un gran coleccionista de antigüedades, y esa pasión por la antigüedad Lector: seguramente la luz interior que había en Rodin buscaba la luz
le hizo plasmar en el granito y en el bronce su genio, en las últimas exterior, que está en toda su obra, a la que da vida, fuerza y eternidad.
señaladas. También al año 2 pertenecen “La estrella matutina” y el busto Esas dos luces, la que tenía adentro y la que buscó siempre afuera,
“Mrs. Simpson”. hicieron el genio.
En el 3 se destacaron “El atleta” y el busto “Mrs. Potter-Palmer”, que le
llevó diez años hacerlo, por la inconstancia de esta dama para posar.
Del 4 es notable el bajorrelieve “Otoño”, que es uno de los trabajos para
un cliente italiano, así como una escultura de sirena para una fuente del
mismo.
En el 5, se destacan los bustos “Eve Fairfax” y “Gustave Geffroy”
(amigos de Rodin) y “Georges Hecq” (para la tumba de éste). En el 6,
“Bernard Shaw”, en bronce, mármol y terracota; el busto “El rey Sisowat
de Camboya”, después que las trescientas esposas del rey Sisowat
bailaran para Rodin; los bustos “Miss Hunter”, “Marcelin Berthelot”, “Lord
Howard Walden” y “Mme. N. De Golubeff”. Pertenece al mismo año la
cabeza”Hanako”, hecha en homenaje a la mímica japonesa del mismo
nombre. En el 8, los bustos “Duquesa de Choiseul”, “Emil Verhaeren”,
“Víctor Frisch” (hecho por Rodin mientras Rodin posaba para Frisch),
“Renée Vivien” y “Lady Warwick”.
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4. i
Leonardo da Vinci. Leonardo di ser Piero
Vidas
Vivió en una época en la que el humanismo y el estudio de los
clásicos estaban de plena vigencia; sin embargo, parece que tuvo
dificultades intentando aprender latín y griego, los idiomas cultos y
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Vidas
Vidas
da Vinci la llave de acceso a la cultura filosófica neoplatónica que dominaba
Nacionalidad: Italia
Italia y parte de Europa. Leonardo escribió la mayor parte de sus
Vinci (1452) - Cloux (1519)
escritos en toscano, un dialecto florentino. Pero escribía al revés,
Estilo: Renacimiento Italiano , Cinquecento
como visto por un espejo. La obra pictórica de Leonardo es muy
Leonardo da Vinci es uno de los grandes genios del Renacimiento,
escasa y discutida. El signo del artista fue el abandono sistemático
destacando como artista, inventor y descubridor. Nació en 1452
de los proyectos que se le encargaban, por muchas medidas que
en Vinci, siendo hijo ilegítimo de un notario florentino. Se crió en tomaran los clientes mediante contratos, cláusulas, etc.
Florencia y aprendió en el taller de Verrocchio; con seguridad, Él mismo no se definía como pintor, sino como ingeniero y
Leonardo está en el taller de Verrocchio en 1476, como confirma arquitecto, incluso como escultor. Sin embargo su prestigio en
una denuncia en la que se le acusaba de homosexualidad. Con vida alcanzó dimensiones prácticamente desconocidas. En Roma
20 años ya es maestro independiente, interesándose mucho por fue alojado en el palacio del Belvedere, la residencia de verano
descubrir nuevas técnicas para trabajar al óleo. Sin embargo, del Papa. El rey de Francia le invitó al final de su vida y trató de
continuó ligado al taller de Verrocchio hasta prácticamente acaparar sus escasas obras. Isabella d’Este, una de las mujeres
su marcha de Florencia. Su reputación crecía y los encargos más importantes de su época, le persiguió durante años para
aumentaban. conseguir que terminara su retrato, del que sólo ha quedado un
En 1482 se traslada a Milán, ofreciendo sus servicios a Ludovico dibujo en muy mal estado.
Sforza, Duque de Milán; había marchado a Milán como embajador Tras su muerte, Leonardo se ha convertido en el paradigma de
de Florencia, dentro del plan de los Medici de difusión del arte “hombre del Renacimiento”, dedicado a múltiples investigaciones
florentino como motivo de prestigio e instrumento de propaganda
cultural. En Milán estuvo durante 17 años, trabajando en variados científicas y artísticas. Sus obras han determinado
proyectos de todo tipo, tanto artísticos como científicos, en los la evolución del arte en los siglos posteriores, independientemente
que el deseo de experimentar era su principal objetivo. Esto no de que se trate de obras realmente del maestro o simples
imitaciones o colaboraciones. Su vida personal es en gran parte
le impedía realizar encargos ocasionales para Florencia, que
un misterio; apenas han llegado indicaciones acerca de sus
frecuentemente dejaba inacabados.
costumbres, gustos o defectos. Se sabe que era estrictamente
Tras la invasión de Milán por las tropas francesas, regresa a
vegetariano, por sus cartas y escritos sobre
Florencia para trabajar como ingeniero militar. Por estos años
anatomía, en los que llama a los omnívoros
realizó múltiples disecciones, mejorando y perfeccionando su
“devoradores de cadáveres”.
conocimiento de la anatomía. En Florencia recibió el encargo de
También parece bastante probado
decorar una sala de la Cámara del Consejo, que nunca acabó. En
que Leonardo era homosexual, sufrió
1506 regresó a Milán y al año siguiente entró al servicio de Luis
persecución por este hecho y estuvo a
XIII de Francia, para quien trabajó como pintor e ingeniero.
punto de enfrentarse a la Inquisición. Sus
Entre 1513 y 1516 está en Roma, pero consciente de que no
protectores consiguieron siempre que
puede competir con Miguel Ángel acepta la invitación de Francisco
eludiera el juicio público, que en otros casos
I de Francia y se traslada allí, falleciendo en el castillo de Cloux,
terminaba con la quema en la hoguera de
cerca de Amboise, en 1519. Su producción estuvo marcada por
los supuestamente culpables. En cualquier
el interés hacia el claroscuro y el sfumato, la técnica con la que
caso, Leonardo permaneció soltero y sin
difumina los contornos, consiguiendo una excelente sensación
hijos. Tampoco sus discípulos parecen haber
atmosférica como se aprecia en su obra más famosa, la Gioconda. recogido la herencia del maestro, al menos
Su faceta como dibujante también es destacable, conservándose en el terreno pictórico.
una gran cantidad de apuntes.
Al final de su vida sufrió una parálisis en el brazo derecho que
le impedía pintar, pero no continuar dibujando y enseñando.
Poco se recuerda de los alumnos de Leonardo, cuya maestría se
impuso con diferencia a la de aquéllos que trabajaron con él. Entre
sus colaboradores destacan los nombres de Francesco Melzi,
Boltraffio, Lorenzo de Credi, Ambrogio y Evangelista de Predis,
etc. Leonardo representó una ruptura con los modelos universales
establecidos durante el Quattrocento. Se opuso al concepto de
“belleza” ideal, defendiendo la imitación de la naturaleza con
fidelidad, sin tratar de mejorarla.
Y así contempla la fealdad y lo grotesco, como en sus dibujos
de personajes deformes y cómicos, considerados las primeras
caricaturas de la historia del arte. Su dominio del color y la
DaVinci
atmósfera le hace también el primero en ser capaz de pintar el
aire. La perspectiva aérea o atmosférica, como hoy se conoce,
es una característica inconfundible de su obra, en especial de los
paisajes. Leonardo fue el primero en considerar que la distancia se
llenaba con aire y que éste hacía que los objetos lejanos perdiesen 7
nitidez y se viesen azulados.
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5. i Vidas i Vidas
encargue su obra maestra: el techo de la Capilla Sixtina, a cuya decoración dedicará cuatro años, entre 1508 y 1512.
El trabajo fue agotador ya que no contaba con ningún ayudante y puso de manifiesto el fuerte carácter del maestro agravado por su insatisfacción
característica, la escasez de honorarios y las numerosas demandas de ayuda que recibe de su familia, especialmente de su hermano Buonarroto. Es
significativo el texto de una carta que escribe a su padre en enero de 1509: “Hace un año que no recibo un céntimo del papa y no lo pido porque mi
trabajo no va adelante como creo que merece. Esta es la dificultad del trabajo y el no ser mi profesión. Pierdo tiempo sin provecho.
Dios me asista”. En una nueva carta se reafirma en sus opiniones al manifestar: “Sigo aquí disgustado y no muy sano, con gran trabajo, sin gobierno y
sin dineros”. Tras el fallecimiento de Julio II en 1513, sus herederos reducen el proyecto de sepulcro, lo que supondrá un importante varapalo para el
maestro. Los viajes son continuos y tienen como punto de destino Carrara, donde se sentía tranquilo y sosegado junto a la familia con la que se crió. El
papa León X le encarga la decoración de la fachada de san Lorenzo en Florencia - obra que quedará inconclusa -, realizando también los planos de la
Biblioteca Laurentina y las Capillas Mediceas, donde se alojarían las tumbas de Giuliano y Lorenzo de Médici con las famosas estatuas de la Aurora y
el Crepúsculo y la Noche y el Día.
Estos años trabajará para el gobierno de la República de Florencia como ingeniero militar, siendo nombrado en 1529 “gobernador general de las
fortificaciones” y trasladándose a Pisa, Livorno y Ferrara para comprobar el estado de sus murallas. En 1534 Miguel Ángel se instala definitivamente en
Roma, donde realizará el Juicio Final, en la Capilla Sixtina, por encargo del papa Paulo III, quien le nombra pintor, escultor y arquitecto del Vaticano. En
el Juicio Final, Miguel Ángel exhibirá su admiración hacia la anatomía que le llevará a desnudar al propio Cristo, anticipando con sus figuras el Barroco.
Pero la reacción moral no se hizo esperar y ya en vida del maestro se empezaron a tapar los cuerpos, siendo Volterra uno de los encargados. Los pleitos
con los herederos de Julio II para la ejecución de la tumba se suceden llegando a situaciones límite de las que salió airoso gracias a la ayuda del papa.
Llevará a cabo los frescos de la Capilla Paolina inmediatamente después de acabar con el Juicio, una vez resueltos sus problemas con los herederos
de Julio II, consintiendo éstos en la renuncia del maestro a la ejecución de los trabajos y admitiendo la colocación del Moisés en el nuevo proyecto.
Desde 1546 Miguel Ángel se dedica especialmente a la arquitectura; tras fallecer Antonio da Sangallo asume la dirección de las obras de la basílica
de San Pedro del Vaticano, compaginando los trabajos con el diseño de la escalinata del Capitolio y el Palacio de los Conservadores. En estos años
mantendrá una encendida amistad con la poetisa Vittoria Colonna, mujer de místico temperamento que llevará a Miguel Ángel a expresar en sus obras
y escritos una dolorosa fe, manifestando un ineludible deseo de penitencia. La fama del maestro alcanzó elevadas cotas en los últimos años de su vida,
siendo nombrado “jefe” de la Academia de Dibujo de Florencia. Vasari, en sus famosas “Vidas”, y Ascanio Condivi, con su biografía, le encumbrarán.
El artista de la “terribilità”, que definiría el último Cinquecento, fallecía en Roma el 18 de febrero de 1564 a la edad de 89 años. Su sobrino Leonardo
llevará en secreto el cadáver del genio hasta Florencia en el mes de marzo, celebrándose solemnes funerales por su alma en la iglesia de San Lorenzo,
antes de ser enterrado en Santa Croce. La ajetreada vida de Miguel Ángel fue llevada a la novela por Irving Stone en “El tormento y el éxtasis” sirviendo
de base a una película con el mismo título.
Miguel Angel. Michelangelo Buonarroti
Nacionalidad: Italia
Caprese (1475) - Roma (1564)
Estilo: Renacimiento Italiano , Cinquecento
Miguel Ángel es el artista con mayúsculas; pintor, escultor y arquitecto, su personalidad es tan fuerte que define los cánones del genio.
Michelangelo Buonarroti nació en Caprese, cerca de Arezzo, el 6 de marzo del año 1475. Pertenecía a una familia acomodada - su padre
Lodovico di Leonardo di Bounarroto Simone era “podestá” de Florencia en esa localidad - que se trasladó a la capital de Toscana a las
pocas semanas de nacer el pequeño.
La madre, Francesca di Neri di Miniato del Sera, confió la alimentación del pequeño a una nodriza, hija y mujer de canteros, dato que
será considerado por el artista como fundamental para su formación. Cuando Miguel Ángel tiene seis años fallece su madre; en esos
momentos conoce al pintor Francesco Granicci, un mozo de 12 años que le anima a pintar, lo que no será del agrado de Lodovico
Buonarroto.
Tras algunos años de “lucha” entre padre e hijo, Lodovico da su brazo a torcer - él deseaba que su pequeño realizara una carrera
administrativa o comercial más satisfactoria que la pintura - y Miguel Ángel ingresa con trece años en la “bottega”, el estudio, de
Domenico Ghirlandaio con quien aprendería las técnicas del fresco y desarrollaría su extraordinaria capacidad como dibujante. Tras una
corta estancia en la “bottega” - que parece abandonar por discrepancias con su maestro - inicia estudios de escultura en el Jardín de los
Médici, bajo el patronazgo de Lorenzo “Il Magnifico” y la dirección artística del donatelliano Bertoldo di Giovanni.
Estos años serán de gran felicidad para el joven ya que es acogido como hijo adoptivo por el Magnífico en el palacio Médici, donde vivía
con los más destacados miembros del humanismo: Poliziano, Marsilio Ficino, Pico della Mirandola. Sus primeros trabajos escultóricos se
realizan en estos años bajo la protección de los Médici. La caída de la familia gobernante de la ciudad, a la que contribuyó decididamente
la actuación del clérigo Girolamo Savonarola, provocó la huida del joven artista, primero hacia Venecia y después a Bolonia, donde
estudió las obras de Jacopo della Quercia.
En el invierno de 1495-1496 regresa a Florencia, donde trabaja para Pierfrancesco de Médici, también simpatizante del gobierno popular
dirigido por Savonarola al igual que Miguel Ángel. En estos años juveniles manifiesta ya una profunda admiración hacia la anatomía que
le llevará a acudir casi todas las noches al depósito municipal de cadáveres para practicar disecciones que le permitieran conocer mejor
la estructura interna del cuerpo humano. En sus obras escultóricas de estos momentos - especialmente la Centauromaquia - muestra un
dominio del movimiento y de la anatomía que no había sido conseguido por Donatello.
En el mes de julio de 1496 se traslada a Roma por primera vez. En la Ciudad de los Papas recibirá el encargo de su famosa Pietà del
Vaticano, mostrando su manera de trabajar en un Baco y un Cupido esculpidos para el banquero Jacopo Galli. De regreso a Florencia
realizó el David y la decoración de la Sala del Consejo del Palazzo della Signoria, siendo el encargado de elaborar la Batalla de Cascina
que compitiera con la Batalla de Anghiari encargada a Leonardo. En el boceto demuestra una vez más su obsesión por el desnudo, que
será modelo de un buen número de artistas jóvenes por aquellas fechas. Ambas obras han desaparecido por desgracia.
En 1505 el poderoso papa Julio II reclama a Miguel Ángel que regrese a Roma ya que le va a encargar una tumba con cuarenta figuras,
digna de tan elevado personaje. Pero el magno proyecto se vio reducido a la realización del Moisés y los Esclavos. Los caracteres del
Papa y del artista eran tan diferentes que los enfrentamientos, a pesar de la mutua y profunda admiración que se manifestaban, no
tardaron en aparecer. El propio Miguel Ángel denominará a ese encargo la “Tragedia del Sepulcro”. Será el mismo Julio II quien también le
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6. i Vidas i
por el uso de esos colores y por su temática con
figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena
Vidas
y sufrimiento. La pintura de estos años iniciales
del siglo XX está viviendo continuos cambios y
Picasso no puede quedarse al margen.
Así que se interesa por Cézanne y partiendo de él
Picaso
va a desarrollar una nueva fórmula pictórica junto
a su amigo Braque: el cubismo. Pero Picasso no
se queda ahí y en 1912 practica el collage en la
pintura; a partir de este momento todo vale, la
imaginación se hace dueña del arte. Picassso es
el gran revolucionario y cuando todos los pintores
se interesan por el cubismo, él se preocupa por el
Pablo Ruiz Picasso es el gran genio de la pintura clasicismo de Ingres; durante una temporada va
contemporánea. Creador del cubismo junto a a alternar obras clasicistas con otras totalmente
cubistas. El movimiento surrealista de 1925 no
Braque, su capacidad de invención y de creación le le coge desprevenido y, aunque no participa
sitúan en la cima de la pintura mundial abiertamente, le servirá como elemento de ruptura
con lo anterior, introduciendo en su obra figuras
distorsionadas con mucha fuerza y no exentas de
rabia y furia.
Igual que le ocurre a Goya, a Picasso también
le influye mucho la situación personal y social
Picasso. Pablo Ruiz Picasso a la hora de trabajar. Sus relaciones con las
Nacionalidad: España mujeres, muy tumultuosas en ocasiones, van a
Málaga (1881) - Mougins (1973) afectar muy seriamente a su obra. Pero lo que
Estilo: Cubismo afectó tremendamente al artista fue el estallido
Pablo Ruiz Picasso es el gran genio de la pintura de la Guerra Civil Española y el bombardeo de
contemporánea. Creador del cubismo junto a Braque, su Guernica, que provocó la realización de la obra
capacidad de invención y de creación le sitúan en la cima más famosa del arte contemporáneo, en la que
de la pintura mundial. Nació en Málaga en 1881, ciudad critica la guerra y la sinrazón que conlleva un
en la que su padre era profesor de Dibujo y director del enfrentamiento armado. París fue su refugio
Museo Municipal. La familia Ruiz Picasso pronto se durante mucho tiempo, pero los últimos años de
traslada a La Coruña y de allí a Barcelona, donde el su vida los pasó en el sur de Francia, trabajando
joven Pablo inicia sus estudios artísticos dentro de un en un estilo muy personal, con vivos colores y
estilo totalmente académico; pero rápidamente contacta formas extrañas.
con grupos modernistas que hacen cambiar su forma Falleció en Mougins en 1973, cuando preparaba
de expresión. París se va a convertir en la gran meta de dos exposiciones, demostrando su capacidad
Pablo y en 1900 se traslada a la capital francesa por un creativa hasta el final.
breve periodo de tiempo.
Al regresar a Barcelona, empieza a trabajar en una serie
de obras en la que se observan las influencias de todos
los artistas que ha conocido o cuya obra ha visto. Es
una esponja que lo absorbe todo pero no retiene nada;
está buscando un estilo personal. Entre 1901 y 1907 se
desarrollan la Etapa Azul y la Etapa Rosa, caracterizadas
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7. i
Velázquez. Diego Rodríguez de Silva
Vidas i Vidas
Aposentador Mayor de Palacio.
Esta carrera cortesana le restará tiempo a su
Velázquez faceta de pintor, lo que motiva que su producción
Nacionalidad: España artística sea, desgraciadamente, más limitada.
Sevilla (1599) - Madrid (1660)
Estilo: Barroco Español En 1649 hace su segundo viaje a Italia, donde
demuestra sus excelentes cualidades pictóricas,
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, pintor triunfando ante el papa Inocencio X, al que hace
barroco español, nació en Sevilla en 1599. A los un excelente retrato, y toda la Corte romana.
once años inicia su aprendizaje en el taller de Regresa en 1651 a Madrid con obras de arte
Francisco Pacheco donde permanecerá hasta compradas para Felipe IV.
1617, cuando ya es pintor independiente. Al Estos últimos años de la vida del pintor estarán
año siguiente, con 19 años, se casa con Juana marcados por su obsesión de conseguir el
Pacheco, hija de su maestro, hecho habitual en hábito de la Orden de Santiago, que suponía el
aquella época, con quien tendrá dos hijas. Entre ennoblecimiento de su familia, por lo que pinta
1617 y 1623 se desarrolla la etapa sevillana, muy poco, destacando Las Hilanderas y Las
caracterizada por el estilo tenebrista, influenciado Meninas. La famosa cruz que exhibe en este
por Caravaggio, destacando como obras El cuadro la obtendrá en 1659. Tras participar en
Aguador de Sevilla o La Adoración de los Magos. la organización de la entrega de la infanta María
Durante estos primeros años obtiene bastante Teresa de Austria al rey Luis XIV de Francia para
éxito con su pintura, lo que le permite adquirir dos que se unieran en matrimonio, Velázquez muere
casas destinadas a alquiler. en Madrid el 6 de agosto de 1660, a la edad de
En 1623 se traslada a Madrid donde obtiene el 61 años.
título de Pintor del Rey Felipe IV, gran amante
de la pintura. A partir de ese momento, empieza
su ascenso en la Corte española, realizando
interesantes retratos del rey y su famoso cuadro
Los Borrachos. Tras ponerse en contacto con
Peter Paul Rubens, durante la estancia de éste
en Madrid, en 1629 viaja a Italia, donde realizará
su segundo aprendizaje al estudiar las obras
de Tiziano, Tintoretto, Miguel Ángel, Rafael y
Leonardo.
En Italia pinta La Fragua de Vulcano y La Túnica
de José, regresando a Madrid dos años después.
La década de 1630 es de gran importancia para
el pintor, que recibe interesantes encargos para
el Palacio del Buen Retiro como Las Lanzas o los
retratos ecuestres, y para la Torre de la Parada,
como los retratos de caza. Su pintura se hace
más colorista destacando sus excelentes retratos,
el de Martínez Montañés o La Dama del Abanico,
obras mitológicas como La Venus del Espejo o
escenas religiosas como el Cristo Crucificado.
Paralelamente a la carrera de pintor, Velázquez
desarrollará una importante labor como cortesano,
obteniendo varios cargos: Ayudante de Cámara y
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8. Vincent Van Gogh
i Vidas i
Su vida, su arte: Fue en el 1879 cuando comenzó a pintar de modo vehemente. Empezó a rellenar
Vidas
álbumes copiando del natural. También le marcó mucho el barroco holandés, tuvo un claro referente
en Rembrandt en cuanto a cromatismo. Cultivó temas de clases populares. En el punto de vista
Nacionalidad: Holanda conceptual se vio muy marcado por la literatura francesa, E.Zola le apasionaba. En esta etapa pone
Groot-Zunder (1853) - Auvers-sûr-Oise (1890) de manifiesto con claro realismo la vida cotidiana de los menos protegidos, se acerca con dignidad a
Estilo: Neo-Impresionismo una situación de abandono social. Sus gamas ahora son oscuras, los entornos pobremente iluminados
Van Gogh entendía la pintura como vía de modificar la sociedad y como y con tensiones de luces y sombras. Su punto de partida se encuentra en pintores realistas franceses:
vehículo de salvación personal. Fue un personaje difícil en su relación Courbet, Daumier, Millet... . En 1885 se trasladó a Amberes por lo que se familiariza con la pintura de
con los demás y en lo económico, fue un fracasado en cuanto a lo Rubens y Frank Hals.
amoroso. En el trabajo tampoco le fue demasiado bien y le hubiera sido En 1886 se traslada a París atraído por Impresionismo del que tanto le había hablado su hermano
difícil sobrevivir de no ser de la caridad de su hermano Théo. Nuestro Théo. El descubrimiento del Impresionismo supuso en nuestro artista una gran decepción y un duro
artista se enfrenta desde una óptica muy personal a una vida que para él golpe porque es ahora cuando se da cuenta de que su pintura no tiene vigencia, se sintió marginado
resulta frustante. Los niveles que alcanzó le llevaron al suicidio, en una y fuera de onda. El conocimiento del Impresionismo supuso un estímulo para su cambio:
de sus últimas cartas manifiesta abiertamente cómo la pintura le estaba a) Abandona argumentos pictóricos, decantándose por el paisaje y el retrato.
llevando a la destrucción. Abrió caminos al expresionismo posterior. b) Aclara su paleta, usa una gama luminosa. Por lo general usa colores puros en pincelada de
Era hijo de pastor protestante, trabajó para la casa de subastas Goupil, pequeños toques que puede recordar al Puntillismo .
la cual abandonó impulsado por el deseo de ayuda a sus semejantes. c) Se inscribe en el Taller de Cormont, allí conoce a E.Bernard, y a T.Lautrec, Gauguin...
Así, es como pasa a ser miembro del apostolado seglar en una zona muy En 1888 se traslada a Arlés. Marchó allí animado por Lautrec, buscando lo apacible. En Arlés encontró
pobre de Holanda. Intentó entrar en un seminario de protestantismo, pero una primavera plácida y de equilibrio, que cambió en la navidad del mismo año al contactar con
no fue aceptado por su carácter inestable. Hay un mito negro entorno a Gauguin. En Arlés se instaló en una pequeña pensión, encima del café de la estación alquila la famosa
su figura, siempre se habla de Van Gogh como “el loco pelirrojo que se Casa Amarilla, donde pensó establecer el refugio de sus amigos. En estos años pinta obras que son
cortó una oreja”. Como tantas veces en la historia, hay que indagar sobre muy conocidas. La crisis: Gauguin es invitado por Van Gogh a pasar las navidades del 88 en su casa.
los motivos que le llevaron a cometer la famosa amputación por la que el Pronto surgen desacuerdos y fricciones entre ellos. Gauguin se burlaba de la candidez de Van Gogh
artista es conocido, quizá así no se le consideraría como aquel epiléptico, y arremetía contra su modo de pintar, asegurando que los verdaderos temas eran aquellos que se
esquizofrénico que ingresa en el manicomio y se pega un tiro. Es por ello, terminaban en taller y no al aire libre. El 23 de diciembre estalla la gran crisis. Van Gogh, agotado por
que nos vamos a aproximar a sus etapas vitales. las impertinencias de Gauguin intenta agredirle con una navaja de afeitar, sin embargo, su acumulado
resentimiento le lleva a mutilarse la oreja. Había nacido el primer síntoma de su desequilibrio. En
mayo de 1889 es internado en un manicomio de Saint Rémy.. Allí, permaneció un año alternando la
alucinación con momentos de tranquilidad. En ningún momento dejó de pintar, las obras de este periodo
evidencian sus tensiones y desequilibrios. Trigales y cipreses se hacen frecuentes en la producción de
este tiempo. Las llamaradas oscuras y la pincelada crispada y nerviosa permite descargar su tensión
interior. La naturaleza que le atrae es trémula, con escabrosos accidentes de terreno. Predominan
las visiones tétricas y lúgubres que distorsionan la realidad. También realiza copias de los grandes
maestros a partir de grabados en blanco y negro. Su recluimientomás importantes. Después, Van
Gogh sale del manicomio y se establede en Auvers, donde lo acoge el conocido Doctor Gadchet,
amigo de su hermano Théo. En Auvers-sur-Oise pasó sus últimos meses, abrumado por la soledad,
se dio un tiro el 27 de julio de 1890 del que muere dos días después.
¿Qué
sería de
la vida,
si no
tuviérmos
el valor
de
intentar
algo
nuevo?
14 15

9. Obras Obras
Obr as Obr as Guernica
Autor: Pablo Picasso
Museo Reina Santa Sofía (Madrid)
Cubismo
Guernica es el nombre de una población situada a 30 kms. de Bilbao, que constituye el símbolo de las libertades
vascas. Ante su famoso roble se reunía el parlamento y cerca de él se juraban los fueros. El 26 de abril de 1937, con
la pequeña población repleta de refugiados y
soldados en retirada, los Heinkel y Junkers de la
alemana “Legión Cóndor” bombardearon la villa y
ametrallaron a sus habitantes durante tres horas. La
población quedó parcialmente destruida y murieron
centenares de personas.
El incendio y la “masacre” de la población vasca obraron
para que el gobierno de la República encargara a
Picasso, que pese a vivir en París, era director honorario
del Museo del Prado, la realización de una obra que
constituyera un reflejo gráfico de la tragedia. El pintor llevó
a cabo el encargo y cobró su importe, de cuyo pago existe
documentación fehaciente, que ha sido uno de los más
importantes argumentos para la vuelta a España de la
importante obra.
Es ésta un enorme cuadro de 7,5 x 3,5 metros, en el que el
autor se erige en intérprete del horror que supuso el bombardeo. Sobre el blanco y el negro sólo existe una gama infinita
de grises; la ausencia de otros colores consigue un intenso dramatismo y compone un poema doloroso, una elegía que
pretende describir el horror del suceso. Un toro, que parece representar a España; una madre que llora con el cuerpo
inerte de su hijo en brazos, un guerrero destrozado cuyo brazo conserva un trozo de espada, deformadas figuras, rostros
contraídos, trozos de miembros, rodean la figura central de un caballo, desorbitado y retorcido, con un mudo relincho de
dolor.
El cuadro se hallaba en el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York, y fue voluntad expresa del pintor que volviera
a España cuando hubiera en el país un sistema democrático. El gobierno español ha realizado laboriosas y dilatadas
gestiones, que dieron fruto finalmente en 1981. El cuadro fue trasladado con excepcionales precauciones y expuesto,
junto a 63 dibujos y óleos previos, en el Casón del Buen Retiro, de Madrid, a partir del 24 de octubre de 1981, en una
instalación especial diseñada para la salvaguarda de una obra que es la más famosa y la que mejor representa la
tragedia que supuso la guerra civil española.
Noche estrellada
Vincent Van Gogh
Museo de Arte Moderno de Nueva York
Oleo sobre lienzo 73´7 x 92´1 cm.
Neo-Impresionismo
En pocas obras ha mostrado la naturaleza con tanta fuerza como aquí.
Vincent se encuentra recluido en el manicomio de Saint-Rémy desde
el mes de mayo de 1889 y muestra en sus imágenes lo que contempla
desde su ventana. La noche le había atraído siempre - Café nocturno
o La terraza del café - especialmente porque se trataba de una luz
diferente a la que se había empleado hasta esos momentos.
Es de destacar el tratamiento de la luz de las estrellas como puntas de
luz envueltas en un halo luminoso a su alrededor, obtenido con una de
las pinceladas más personales de la historia de la pintura: un trazo a
base de espirales que dominan el cielo y los cipreses de primer plano,
tomando como inspiración a Seurat y la estampa japonesa.
Al fondo se aprecia la silueta de un pueblo con la larga aguja de la
torre de la iglesia presidiendo el conjunto. Las líneas del contorno de
los edificios están marcadas con gruesos trazos de tonos oscuros,
igual que las montañas que recuerdan la técnica del cloisonnismo
empleada por Gauguin y Bernard. Los tonos que Van Gogh utiliza
son comunes a todas las obras de esta primavera del 89: malvas,
morados y amarillos que muestran el estado de ánimo eufórico del
artista, aunque da la impresión de predecir la grave recaída que tendrá
Vincent en el mes de julio.

10. Obras Obras
La Venus del Espejo
Ventana Velázquez
National Gallery (Londres)
Salvador Dalí Caracteristicas: Oleo sobre lienzo 122 x 177 cm.
Museo Del Prado Es la única obra conservada de Velázquez en la que
Oleo Sobre Tela aparece una mujer desnuda, aunque sabemos que
Paisajes, reflexiones en el vidrio y una persona. La luz en pintó alguna más. Por supuesto, nadie duda de su
la parte posterior de la muchacha (Ana María, su hermana) autenticidad, pero sí existen discusiones en torno a
resalta una de las formas preferidas por Dalí. El paisaje visto la fecha: unos piensan que la hizo en 1648 y otros
que fue en Italia, entre 1648-1650. Lo que sí es cierto
por la ventana es la bahía de Cadaqués, donde Dalí solía
es que apareció en un inventario en 1651 como
pasar temporadas durante el verano. García Lorca conservó propiedad del Marqués de Eliche, gran amante de la
particulares recuerdos de la vista desde esa ventana al pintura de Velázquez y de las mujeres, por lo que se
despertarse, describió su estancia en Cadaqués, como piensa que puede representar a su esposa o a una
maravillosa, como un hermoso sueño. Salvador y Ana María de sus amantes.
eran muy unidos, particularmente a raíz de la muerte de su Quizá por despistar, el pintor coloca el rostro
madre. del espejo difuminado para así reflejar el cuerpo
Ana María fue su única modelo hasta que Gala la sustituyese desnudo de la dama que el marqués amaba. Existen
en 1929. Luego que Ana María en un libro describiera a numerosas referencias en la obra: Rubens, Tiziano,
su hermano de una manera que a éste no le agradó, Dalí Giorgione e incluso Miguel Ángel. Pero el sevillano Iglesia de Auvers
creó otra versión de este cuadro con el título “Joven virgen supera a todos ellos y coloca a una mujer de belleza
palpable, de carne y hueso, resaltando aun más la Vincent Van Gogh
sodomizada por su propia castidad”(1954). Museo de Orsay (París)
carnación gracias al contraste con el paño azul y Quizá sea ésta la obra más emblemática de las 80 imágenes realizadas
blanco, o el cortinaje rojo que da gran carga erótica por Vincent durante sus dos meses de estancia en el pueblo de
al asunto. Posiblemente esto provocó que una Auvers-sur-Oise, al noroeste de París, donde había sido enviado por
sufragista inglesa acuchillara el cuadro en 1914 con Theo, cansado de Arles. En esa estancia estuvo atendido por el doctor
siete puñaladas que apenas sí se notan. Gachet. Las luces nocturnas siempre llamaron la atención de Van Gogh,
bien fuese la luz de las estrellas - Noche estrellada - bien la de la luz
Da la sensación de que el artista ha sorprendido a artificial - Terraza del café de Arles-. De nuevo recurre a la luz nocturna,
Venus mientras Cupido, resignado, sostiene el espejo teniendo como protagonista una pequeña iglesia gótica, que adquiere
Habitación de Vincent en Arlés en el que se refleja el rostro de la belleza, aunque por el efecto lumínico una sorprendente sensación fantasmagórica.
lo que deberíamos ver sería el cuerpo de la diosa. Como buen impresionista (no olvidemos que Van Gogh aprendió de
Van Gogh En cuanto a la técnica, cabe destacar cómo el pintor
Pissarro y se inició en este movimiento pictórico) se preocupa por
captar la sombra de la construcción, apreciándose claramente tanto
Chicago Art Institute utiliza una pincelada suelta, que produce la sensación en el sendero como en el césped, al tomar un tono más oscuro. La
de que entre las figuras circula aire, el famoso aire pincelada del artista es cada vez más personal; si bien es cierto que
partió del puntillismo de Seurat y la estampa japonesa, conseguirá
alcanzar una libertad y una seguridad en el trazo incomparables.
Esos pequeños toques de color, que se aprecian con facilidad en el
lienzo y otorgan mayor ritmo a la composición, son únicos en el mundo.
Por el contrario, las líneas de los contornos están muy marcadas,
producto de la influencia del cloisonnismo de Bernard y Gauguin,
y del deseo de Vincent por demostrar sus logros con el dibujo, su
gran reto. La zona del cielo tiene mayor planitud, empleando una
pincelada a base de espirales, destacando la intensidad del colorido.
Precisamente los tonos que utiliza Van Gogh también son muy
Óleo sobre lienzo 73 x 92 cm. personales. Los malvas, verdes, amarillos y blancos caracterizaban
buena parte de su producción, añadiendo pequeñas superficies
Estilo: Neo-Impresionismo de color naranja para aludir a los colores complementarios.
Este cuadro inundado de colores, donde llamativamente el color blanco no aparece y el negro sólo se La figura de la mujer que camina por el sendero proporciona
encuentra en el marco de la ventana, parece romper con el estilo impresionista clásico que se demarca mayor vitalidad y realismo a la escena, un conjunto insuperable.
en sus demás pinturas. Describe su habitación, y ese mundo de encierro, encierro de colores al que su
mente lo llevaba, trasmite una asfixia sin salida.

11. Obras Obras
Las Meninas
Velázquez
Museo del Prado (Madrid)
Obra maestra de Velázquez realizada en el año 1656. En la pintura aparecen, en primer plano y de izquierda a derecha: Velázquez,
María Agustina Sarmiento, una de las meninas, la infanta Doña Margarita, Isabel de Velasco, la otra menina, y los enanos Maribárbola
y Nicolás Pertusato; en
segundo plano, Marcela de
Ulloa y un Guardadamas; en En total, Rodin produjo tres es-
el espejo se reflejan los reyes culturas de mármol de gran tama-
Felipe IV y Mariana de Austria, ño de El Beso. La primera, encar-
y al fondo aparece José gada por el gobierno francés
Nieto, aposentador de palacio. se encuentra ahora en el Museo
La escena representaría el Rodin de París. La segunda, encar-
momento en que el artista
gada por Edward Perry Warren se
está pintando en su taller y la
encuentra en la colección de la
infanta, con su pequeña corte,
se ha acercado para ver cómo galería Tate en Londres. Una ter-
trabaja Velázquez, costumbre cera copia fue comisionada por el
habitual en palacio. coleccionista danés Carl Jacob-
En este instante aparecen sen, y se encuentra en Ny Carls-
los reyes que van de paso, berg Glyptotek de Copenhague.
hecho que se constata por la Una cuarta, menor copia fue real-
presencia del aposentador, izada tras la muerte de Rodin por
cuya función era abrir las
el escultor Henri Greber para el
puertas a sus majestades,
Museo Rodin de Filadelfia.
al fondo de la escena. Esta
irrupción provoca diferentes
actitudes en los personajes:
unos saludan y otros
permanecen ajenos a la
aparición. La pintura siempre
ha sido denominada “La
Familia de Felipe IV” aunque
desde el siglo XIX se la
conoce como “Las Meninas”,
que eran las muchachas que
acompañaban a los niños de la
familia real.
Esta obra estaría destinada al
Museo Británico
despacho de verano de Felipe Es uno de los museos más antiguos del mundo y
IV en el Alcázar de Madrid, contiene más de siete millones de objetos de todos
lo que indica la estrecha los continentes, muchos de los cuales se encuentran
relación entre soberano y
almacenados para su estudio y restauración, o simple-
pintor. Artísticamente, hay que
destacar el interés del pintor mente guardados por falta de espacio. También cuenta,
por conseguir la perspectiva entre otras cosas, con la mayor sala de lectura de la
aérea, la sensación de que Biblioteca Británica, biblioteca que aunque ahora tiene
entre las figuras hay aire, así
como la creación del espacio
sede propia, hasta el año 1973 también formaba parte
en profundidad a través de del museo, al igual que el Museo de Historia Natural de
la luz que penetra por las Londres, que cambió a sede propia en el año 1963.
ventanas de la derecha. Contiene una de las colecciones más importantes del
La situación del cuadro en
el Museo del Prado, en la mundo. Su sección del Antiguo Egipto es la más im-
sala oval de la planta alta portante del planeta después de la del Museo Egipcio
del edificio, refuerza de una de El Cairo. La entrada al museo y a muchos de los ser-
manera sorprendente la
sensación de perspectiva.
vicios que ofrece –como el de su sala de lectura–, son
También llama la atención la libres y gratuitos, a excepción de algunas exposiciones
pincelada suelta, que anticipa temporales.
el Impresionismo. La obra está
considerada como una dar
a entender que así como la

12. Obras Obras
Capilla
Sixtina
Autorretrato Creación de Adán, 1510
Van Gogh Miguel Angel
Colección privada Fresco
Óleo sobre lienzo 57 x 43´5 cm. Renacimiento Italiano
Neo-Impresionismo La Creación de Adán ha marcado la mirada del hombre desde el momento en que se pintó hasta
Este cuadro pintado por Van Gogh, nuestros días. Esta imagen ha sido determinante en la formación del arte tal y como hoy lo entendemos,
mientras estaba internado en el y es considerada la alegoría más sugerente y poética del origen del ser humano como ser que participa
manicomio de Saint-Rémy, describe en la divinidad, sea cual sea ésta. La Creación de Adán sigue el mismo método de representación
el estado emocional, por el que que la Creación de Eva, fingiendo dos planos de realidad, uno de los cuales es la misma realidad
atravesaba el artista. del espectador. Dios, tras haber creado luz y agua, fuego y tierra, a todos los animales y seres vivos,
La locura parece estar resaltada en la decide crear un ser a su imagen y semejanza, crearse de nuevo a sí mismo.
mirada de sus ojos, la palidez de su Dios llega a la tierra en una nube, rodeado de ángeles y envuelto en turbulencias que crea su mismo
rostro así como los colores apagados poder irresistible. En tierra, la figura de Adán ya está modelada, esperando ser insuflada de vida. Adán
de su vestimenta, se enmarcan en está totalmente pegado a la tierra, como surgiendo de ella: su mano se levanta débilmente, sin fuerza
un fondo oscuro, resaltando aún más propia, sin objetivo. Y en ese punto el dedo de Dios concentra toda la fuerza terrible de la creación
lo desviado de su expresión. Sólo la para transmitirla a su criatura y convertirla en lo que es. El detalle aislado de las dos manos resume en
paleta y alguno de sus pinceles que sí mismo el misterio de la creación, de la vida humana. Es una interpretación conmovedora de Miguel
acompañan el retrato, parecerían Ángel, que ha hecho de esta imagen un auténtico patrimonio de la Humanidad.
conectar al artista con alguna posible
vivencia.
La luminosidad de su rostro contrasta
Dama
con la oscuridad de su ropa
oficiando de fondo, y señala una de
las características principales del
movimiento impresionista.
con
armiño
La Persistencia de la Memoria Dama con armiño
Salvador Dalí Leonardo Da Vinci
Museo de Arte Moderno , Nueva York Galería Czartoryski. Cracovia
1931 La identidad de esta joven, durante muchos años desconocida, se ha fijado por fin en una de las
Los relojes blandos de Dalí, como amantes de Ludovico Sforza, Duque de Milán. Se trata de Cecilia Gallerani, que siguió a Ginevra de
los representados en el cuadro La Benci cuando ésta se casó. La joven aparece retratada con un armiño en los brazos. Este animal
persistencia de la memoria (1931), son se usaba para cazar ratones, pero además, probablemente se trata de una alusión al nombre de la
relojes reblandecidos perfectamente muchacha, puesto que armiño en griego se pronuncia “galé”. Estos juegos eran muy comunes, como
verosímiles que siguen marcando la el del citado retrato de Ginevra u otros de la época.
hora (supuestamente en torno a la El retrato fue tan retocado en épocas posteriores que llegó a dudarse de la intervención de Leonardo
seis de la tarde de un día crepuscular) en el mismo. El fondo no debía de ser negro en origen, sino que posiblemente tuviera elementos
pero que como la memoria envejecida paisajísticos. El cuadro pasó a poder del rey de Francia, admirador de Leonardo y conquistador de
han perdido consistencia y se han Milán. Durante la Revolución Francesa su destino fue el príncipe Czartoryska, en cuya colección se
adaptado convenientemente a la
mantiene hasta nuestros días.
orografía de las circunstancias.

13. Obras
arte
i Vidas
Obras