Este documento describe el proceso creativo de Laura Isasa Pereiras al pintar un árbol que observó durante un período difícil de su vida. El árbol se convirtió en un símbolo de resistencia y recuperación que la ayudó a sanar su tristeza. Primero tomó fotografías del árbol y luego hizo collages abstractos. Más tarde, pintó el árbol en MDF con acrílicos como una forma de expresar y liberar sus emociones y transformaciones internas. A través de este proceso, el árbol se convirt
Al Marge repite el formato De 2 En 2 en el que Manolo Oyonarte, María Luisa Pérez y Lucía Zalbidea , artistas directores del espacio invitan a Hugo Wirz, Mónica Jover y Julio Castillo a adentrarse en Natura, creando ámbitos compartidos de dos en dos, buscándose en torno a la naturaleza, pretexto para cooperar en la creación, para explorar encuentros y desencuentros que enriquezcan el proceso y que ofrezcan una visión múltiple y armónica de un tema tan esencial.
Del 31 de marzo al 26 de abril.
Al Marge repite el formato De 2 En 2 en el que Manolo Oyonarte, María Luisa Pérez y Lucía Zalbidea , artistas directores del espacio invitan a Hugo Wirz, Mónica Jover y Julio Castillo a adentrarse en Natura, creando ámbitos compartidos de dos en dos, buscándose en torno a la naturaleza, pretexto para cooperar en la creación, para explorar encuentros y desencuentros que enriquezcan el proceso y que ofrezcan una visión múltiple y armónica de un tema tan esencial.
Del 31 de marzo al 26 de abril.
“Absence et sens. Ausencia y sentido –Ver, Mirar, Observar, Contemplar–” es una exposición fotográfica en la que tres artistas muestran una obra en la que la ausencia es el principal personaje abocando a los sentidos y sentimientos ante las imágenes que se pueden ver, mirar, observar o contemplar.
En torno a la idea de las diferentes maneras de sentir mediante la mirada una fotografía (tanto por su autor como por el espectador) se realiza esta exposición colectiva de tres artistas riojanos que, utilizando la misma técnica en la que cada uno aporta su forma de expresión de manera personal, crean un diálogo entre sus obras y el espectador.
El subtítulo de la exposición: “Ausencia y sentido –Ver, Mirar, Observar, Contemplar–” hace alusión a las diferentes maneras de encararse ante
una imagen y, dependiendo de la forma en que se utilice el sentido de la vista, nuestra mente provocará diferentes sentimientos y aludirá a diferentes sentidos.
Estética, en el aspecto filosófico, es la disciplina que trata de lo bello (entendido en el sentido amplio que abarca lo artístico, las diferentes categorías estéticas -sublime, gracioso, lindo, ridículo, trágico, etc.-, lo bello natural, moral y cultural) y los diferentes modos de aprehensión y creación de las realidades bellas. Si se entiende por estético aquello que despierta en el hombre una sensación peculiar de agrado, potenciación expresiva y distensión adherente hacia el entorno, puede definirse la e. como la ciencia de lo estéticamente relevante, a fin de evitar el riesgo de entender lo bello de modo en exceso restringido. Los términos bello y estético no hacen aquí sino remitir a un campo de realidades que la e. debe cuidadosamente precisar. No constituye, por tanto, un círculo vicioso el uso del calificativo estético en la definición de la e., pues en principio tal vocablo no se utiliza en un sentido técnico riguroso, sino en cuanto que alude, de modo elemental y primario, a un determinado género de objetos y experiencias.
“Absence et sens. Ausencia y sentido –Ver, Mirar, Observar, Contemplar–” es una exposición fotográfica en la que tres artistas muestran una obra en la que la ausencia es el principal personaje abocando a los sentidos y sentimientos ante las imágenes que se pueden ver, mirar, observar o contemplar.
En torno a la idea de las diferentes maneras de sentir mediante la mirada una fotografía (tanto por su autor como por el espectador) se realiza esta exposición colectiva de tres artistas riojanos que, utilizando la misma técnica en la que cada uno aporta su forma de expresión de manera personal, crean un diálogo entre sus obras y el espectador.
El subtítulo de la exposición: “Ausencia y sentido –Ver, Mirar, Observar, Contemplar–” hace alusión a las diferentes maneras de encararse ante
una imagen y, dependiendo de la forma en que se utilice el sentido de la vista, nuestra mente provocará diferentes sentimientos y aludirá a diferentes sentidos.
Estética, en el aspecto filosófico, es la disciplina que trata de lo bello (entendido en el sentido amplio que abarca lo artístico, las diferentes categorías estéticas -sublime, gracioso, lindo, ridículo, trágico, etc.-, lo bello natural, moral y cultural) y los diferentes modos de aprehensión y creación de las realidades bellas. Si se entiende por estético aquello que despierta en el hombre una sensación peculiar de agrado, potenciación expresiva y distensión adherente hacia el entorno, puede definirse la e. como la ciencia de lo estéticamente relevante, a fin de evitar el riesgo de entender lo bello de modo en exceso restringido. Los términos bello y estético no hacen aquí sino remitir a un campo de realidades que la e. debe cuidadosamente precisar. No constituye, por tanto, un círculo vicioso el uso del calificativo estético en la definición de la e., pues en principio tal vocablo no se utiliza en un sentido técnico riguroso, sino en cuanto que alude, de modo elemental y primario, a un determinado género de objetos y experiencias.
Presentación de la la exposición “Bajo la piel” (esculturas en relieve, realizadas con materiales sólidos, objetos y pintura, con el empleo de técnicas muy variadas). Ver vídeo en: http://www.youtube.com/watch?v=Y24tNxgPas8
Ver exposición: https://luisjferreira.es/1-obra-plastica-exposiciones/2-bajo-la-piel/
Imma Merino indaga en la evocación del desnudo, en la capacidad de
proyectar la evidencia de lo insinuante, contenido en la fragilidad de la belleza
femenina.Exhibe cuerpos desnudos , fragmentos, pechos , variados desnudos
femeninos en diferentes posiciones. En este contexto destaca la importancia de
las sombras, del poder de la sombra y la luz, en una obra pictórica muy bien
dibujada. Asimismo sobresale el color, que se funde con las sombras y los
desnudos, como si fuera gotas de agua, constatando el poder del agua, la
fuerza del líquido elemento.
Todo
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Los muros paramétricos son una herramienta poderosa en el diseño arquitectónico que ofrece diversas ventajas, tanto en el proceso creativo como en la ejecución del proyecto.
El Real Convento de la Encarnación de Madrid, una joya arquitectónica y cultural fundada en 1611 por la reina Margarita de Austria, ha sido revitalizado gracias a una avanzada reconstrucción en 3D. Este convento, una maravilla del barroco madrileño, ha sido un pilar en la vida religiosa y cultural de la ciudad durante siglos. Su rica historia y su valor patrimonial han sido capturados en esta innovadora reconstrucción, diseñada para su exploración, una tecnología que combina la realidad virtual y aumentada para ofrecer una experiencia inmersiva y educativa.
La reconstrucción comenzó con una exhaustiva recopilación de datos históricos y arquitectónicos, incluyendo planos originales y fotografías de alta resolución. Estos recursos permitieron a los especialistas crear una réplica digital precisa del convento. Utilizando software de modelado avanzado, cada elemento arquitectónico y decorativo fue cuidadosamente recreado, desde los majestuosos muros exteriores hasta los intrincados detalles del interior, como los frescos y el retablo mayor.
El resultado es un modelo 3D que no solo respeta la integridad histórica y artística del convento, esto permite que un futuro los usuarios pueden explorar virtualmente el convento, navegando por sus pasillos, admirando su arte sacro y descubriendo detalles ocultos que, de otro modo, serían inaccesibles.
Esta reconstrucción no solo preserva la historia del Real Convento de la Encarnación, sino que la hace accesible a un público global, permitiendo a estudiantes, historiadores y amantes del arte experimentar la grandeza del convento desde cualquier lugar del mundo. Además, la implementación de tecnologías de realidad virtual y aumentada ofrece nuevas oportunidades para la educación y el turismo cultural, haciendo del convento un ejemplo brillante de cómo la tecnología puede ayudar a preservar y difundir el patrimonio histórico.
En resumen, la reconstrucción 3D del Real Convento de la Encarnación es un proyecto que combina el respeto por la historia con la innovación tecnológica, asegurando que este tesoro del barroco madrileño continúe inspirando y educando a futuras generaciones
2. Dimensión Poética
La naturaleza siempre me conmovió de una manera muy especial; soy una persona que necesito mirar el cielo,
caminar descalza sobre el pasto, sentir el canto de los pájaros, y en particular contemplar los árboles, formas,
colores y aromas, logrando una conexión con mi interior, que permite clarificar mi mente y aclara mis
sentimientos.
En un período de mi vida muy complicado, pasaba horas mirando un árbol desde la ventana del comedor de mi
casa, generando una conexión a la vida que yo ya no tenía; lograba purificar y sanar mi tristeza, convirtiéndose
en un producto estético (objeto material de la obra). Ese árbol pasó a ser parte de mi vida; me sentí conectada e
identificada con sus procesos, caída de hojas, ramas secas y rotas. Esos días grises con mucho viento y lluvia, el
árbol resistiendo, tratando de mantenerse vivo, tolerando todo, pero cuando salió el primer rayito de sol, brotó y
volvió a la vida con todas sus hojas, siguió de pie y parecía que no quedaba nada de su sufrimiento. Comencé a
sentir la necesidad de registrar ese proceso biológico, verificando la inteligencia de la naturaleza. La capacidad
de reciclarse y regenerarse.
Esto me llevo a una investigación de la connotación que tienen los árboles en el ser humano y en la sociedad. El
significado de los árboles para el hombre desde el punto de vista metafísico, logrando comprender mi conexión
y esa sensación de sanación.
3. Dimensión Conceptual
En una primera etapa comencé tomando fotos casi a diario, realizando una observación muy detallada de los cambios, pero en un momento casi sin
pensar hice varios collages, romper papeles de revistas y crear formas, composición de diferentes texturas y colores, todo muy abstracto, pero con
mucho sentido para mí. Al tiempo y después de mucha descomposición de ese objeto estético material (el árbol), sentí la necesidad de volver a
pintar, ya con otra óptica, con otro conocimiento de ese árbol. Era como realizar un relato de mis sentimientos, buscando la representación de mi yo
y los procesos en que me encontraba. Lograr un discurso de ese proceso, tratando de transmitir ese quiebre emocional, rompiendo con las normas y
prejuicios culturales. Por qué tengo que decir que estoy bien si no lo estoy??? Por qué tengo que levantarme si no lo deseo??? En medio de ese
planteamiento constante, el árbol podía darme un ejemplo de resistencia y recuperación, pareciendo recuerdos, afectos, alegrías, generando un
alivio a mi sufrimiento.
Podía dialogar, conectarme, explicar y transmitir, cuánta paz.
De una manera consciente o inconsciente, el artista trata de cambiar y mejorar la condición humana.
El arte, como yo lo siento, funciona dentro de una sociedad de una manera muy parecida a la forma en que actúa en la vida de un individuo, como
instrumento universal y personal que sirve al hombre para protegerse y liberarse al mismo tiempo.
El sentimiento global que inspira al arte une a los hombres, conservando al mismo tiempo la calidad de únicos que cada uno de ellos tiene. Lo más
importante para mí en el arte, no es ni la técnica, ni los tamaños, ni los procesos, sino aquella parte intuitiva que contiene el centro de lo que es
fundamental en el problema estético: la aptitud para captar y expresar las presencias materiales y sus relaciones.
Esa aptitud para captar y expresar las formas es tan ajena a todas las circunstancias, que se ha atribuido a una especie de espíritu susurrante que
llamamos musa, o una esencia etérea que penetra en el alma del artista, al que se la llama inspiración.
Ese árbol que observé durante meses y meses sus cambios y transformaciones, pasó a ser un auto retrato, me podía ver, era libre, podía expresar.
Fue mi compañero en el proceso, cambiamos juntos. Me emocionaba. El arte opera en el campo de la emoción: estimula el sentir y el reaccionar del
hombre, y amplía el alcance de su sensibilidad. La palabra emoción es un término del siglo XVII; significa ser movido. A través de las pinturas de
este árbol (obra) movió mis sentimientos, los fue transformado.
Estoy transitando una hoja de ruta dentro de la investigación y la experiencia, guiada por el aprendizaje de lo académico (autores, corrientes), que
logra plasmar, pulir y comprender conceptos adquiridos.
4. Dimensión Material
El proceso pasa por dos etapas; la primera comienza con fotografías en blanco y negro, luego a color. Era un
registro de todas las transformaciones de ese árbol. El mismo actuó de disparador de mi obra. Luego, en una
segunda etapa, comenzó el collage y el dibujo en lápiz (con sombras, perspectiva, claros oscuros) lo que me
impulsó a las pinturas sobre MDF con acrílicos. Una necesidad de experimentar colores, texturas y formas de ese
árbol; logré dialogar con mis transformaciones. Esto me permitió desarrollar la imaginación y fantasía; no estaba
realizando una copia del árbol de mi casa, sino que me encontraba en un proceso de comunicación y liberación
de muchos sentimientos, con la posibilidad de ser interpretada.
Mi obra era un auto retrato.
El hombre se caracteriza por ser un ser pensante que crea e imagina; es eso lo que hace que surjan nuevas piezas
de arte que nos asombran, y que al mirarlas o escucharlas, nos hacen sentir lo que el artista quería plasmar; el
arte afina los sentidos.
Con la creación de estos árboles quiero generar un mensaje de comprensión a un estado de tristeza profundo,
apelando a la fortaleza de naturaleza para lograr sobrevivir. El árbol fue un maestro para mi alma, mostrándome
un camino el cual sigo recorriendo con pasos muy lentos. En esta serie logro verme y reconocerme, para poder
comprender y entender los ciclos de la vida.