El documento habla sobre las artes plásticas y su importancia en la formación de la personalidad de las estudiantes. Explica que las artes plásticas ayudan a promover la creatividad y originalidad de las estudiantes pero que no tienen el propósito de hacer de ellas artistas. También enfatiza que los padres deben comprender que las artes plásticas son solo un medio para el desarrollo de la personalidad y no deben esperar resultados artísticos cada vez mejores de los trabajos de sus hijas.

1. Edson Granados Chuco
Institución Educativa
“Nuestra Señora del Rosario”
II . Bimestre
Dibujo
Pintura
Area
Arte
Lapinturaesmasfuertequeyo,siempreconsiguequehagaloqueellaquiere.
PabloPicasso

2. Las estudiantes necesitan en el
hogar el complemento de la
comprensión de los objetivos
de las artes plásticas. los
padres deben estar enterados
que cuando las estudiantes
realizan tareas de artes
plásticas lo hacen como un
medio para la formación de su
personalidad pero que no se
pretende hacer de él a una
artista.
Aunque algunas estudiantes
tenga habilidades innatas para
el arte, no es proposito de la
educación hacer de ella una
artista, pero si ayudarlo en el
desarrollo de dicha habilidad.
Los padres de familia tienen
que saber que cuando las
estudiantes dibujan, pintan, recortan, pegan,
etc., lo hacen como un ejercicio para promover
su creatividad, para buscar su originalidad,
para ayudarlo a solucionar un problema por
mas pequeño que sea. es por estas razones
que el padre de familia no debe esperar de
estos trabajos un resultado artístico cada vez
mejor estéticamente.
El hecho que las estudiantes realicen algunas
de las actividades de artes plásticas, en forma
libre y espontanea, es un gran
logro hacia la formación de
una personalidad autónoma y
original.
Cuando las estudiantes
e m p i e z a n a a c t u a r e n
actividades de las artes
plásticas sin temor, de
síntomas de su personalidad
se esta formando en un
sentido libre e independiente
que no requiere la ayuda de
otros para desenvolverse.
Es deber de los padres de
familia proporcionar a las
e s t u d i a n t e s t o d o s l o s
materiales, las oportunidades
y el ambiente necesario para
la realización de sus trabajos
c r e a t i v o s e n l a s a r t e s
plásticas.
Recordemos que cuanto mas trabajos
creativos realizan cada una de las estudiantes ,
tendrá mayor posibilidades de desarrollar su
pensamiento libre y creativo.
Es muy importante que los padres de familia
comprendan que las artes plásticas constituye
solo un medio para la formación de la
personalidad de sus hijas.
Los padres de familia frente al arte
Aspectos y consideraciones a tenerse en cuenta para cada clase
El dibujo - I
 Lee cuidadosamente el texto referente al dibujo y
realiza un organizar en forma creativa.
 Practica en el aula cada uno de los trazos en el
dibujo.
 Dibuja una imagen de tu preferencia utilizando la
técnica lineal.
El arte precolombino - II
 Lee muy atentamente en tus horarios libres sobre
las diferentes culturas desarrolladas en nuestro
país.
 Organizate con tus compañeras en el aula y realiza
un organizador creativo y libre (1 por grupo -
Exposición).
 Ensaya en tu casa con el lápiz 2b, formas
geométricas, lineales en el papel milimetrado
(dibujo previo).
 Plasma una imagen teniendo en cuenta la
propuesta de los diferentes diseños precolombinos
en su composición (en el papel milimetrado) en el
aula.
El bodegón - III
 Lee muy atentamente el texto y realiza un resumen.
 Realiza una composición de un bodegón con los
utensilios y objetos que encuentres en tu casa
conjuntamente con tus padres, tomalas una foto e
imprimelas para luego dibujarla y pintarla en tu
sketch book en el aula.
Estudio del color - IV
 Realiza un organizador en tu cuaderno referente al
estudio del color.
 Practica en forma individual en el aula con los
colores complementarios (realiza una imagen).
 Practica en forma individual en el aula con los
colores análogos (realiza una imagen).
 Practica en forma individual en el aula con los
colores fríos y calidos (realiza una imagen).
La pintura en el lienzo - V
 Elabora un lienzo de 30 x 40 cm., con el apoyo de tus
padres.
 Realiza un boceto referente a las diferentes
actividades cotidianas que realiza tu familia en la
sociedad.
 Pinta la imagen del boceto y realiza el proceso del
manchado.
 Empasta y da volumen a la imagen a través de la
técnica de la tempera en su lienzo.

3. El arte es el uso de la habilidad y la imaginación,
para crear objetos, experiencias, melodías o
entornos con el fin de lograr el placer estético en
el observador. Se dice tradicionalmente que el
arte alimenta el alma, y quienes realizan esta
afirmación no se equivocan. Al ver una obra de
arte, uno se siente conmovido por ella, y puede
llegar a sentir que se está transportando a otros
lugares y tiempos, reales o imaginarios; el arte
provoca sobrecogimiento. Se dice que la
capacidad de distinguir lo hermoso de lo feo es
una habilidad humana innata, pero la verdad es
que los valores estéticos cambian de cultura en
cultura, y algunos pensadores se han referido a
la definición del arte como uno de los problemas
más grandes de la filosofía; por lo mismo el arte y
su percepción siempre serán subjetivos.
Qué es el Arte
Qué es las artes plásticas
Las artes plásticas son el trabajo con materiales
moldeables o que tienen "plasticidad" y al manejarse
con diferentes técnicas ayudan a expresar la idea que
se quiere comunicar.
Las artes plásticas es formar y conformar ideas con
distintos materiales mediante acciones como la
pintura y el dibujo (gráficas), y la arquitectura y
escultura (plásticas); es decir, las artes plásticas
representan un conjunto de acciones y actividades de
tipo gráfico-plástico, en donde intervienen la vista y el
tacto para apreciarlas y estimularl nuestra imaginación
y pensamiento.

4. Figura - fondo
Ley de la psicología de la forma, establece la
tendencia a subdividir la totalidad de un campo de
percepción en zonas más articuladas (figuras) y otras
fluidas y desorganizadas que constituyen el fondo.
Según esta ley, toda superficie rodeada tiende a
convertirse en figura en tanto que la restante actuará
como fondo.
Imagen
Suele llamarse imagen al conjunto de las
representaciones que tenemos de las cosas. En
alguna medida imagen y representación son
sinónimos y se refieren a los diversos tipos de
aprehensión de un objeto presente, la representación
de percepciones pasadas, estar ligado a la
imaginación en la libre combinación de percepciones
pasadas o a la alucinación. Las imágenes o
representaciones pueden ser acústicas, ópticas,
eidéticas, no eidéticas, afectivas, volitivas, etc.
Proporción
La proporción o canon es una
relación de medidas armónicas
entre las partes componentes de un
todo, tanto como la distancia
armoniosa entre parte y parte. Estas
r e l a c i o n e s d e m e d i d a s o n
encontradas en el mundo orgánico e
inorgánico pero tales relaciones
matemáticas no se expresan de
manera mecánica, la relación existe
pero las formas exhiben una serie de
pequeñas variaciones dentro de la
relación general lo que contribuye a
la belleza y la vitalidad.
Plano
Desde el punto de vista geométrico,
el [Plano (geometría)|plano]] puede
ser representado sobre una superficie pero en el
espacio no es posible representarlo sin espesor, tiene
que existir como material. En este caso, si el alto y el
ancho predominan con respecto al espesor
percibimos la forma como un plano. Hay dos tipos de
plano: el plano regular y el plano irregular; el plano
regular se refiere a que tiene una forma definida
como, por ejemplo, las figuras geométricas; y el plano
irregular es aquella figura que no tiene su forma bien
definida, como puede ser una manchas o un
garabato.
Movimiento
Es el foco de atención más fuerte en una
comprensión.
Sugerencia que logra en un orden plástico debido a la
aplicación, en la organización, de determinados
fundamentos visuales: destino común, buena
dirección, agrupamiento, secuencia lineal,
transponibilidad, progresión, alternancia, etc.
Tensión existente entre varios elementos formales o
lineales y el campo que los contiene, a través de la
cual las figuras son atraídas, repulsadas o aquietadas
provocando la sugerencia del movimiento o
desplazamiento.
Croquis
Diseño rápido y ligero que se hace de un terreno, de
un paisaje, de una posición militar, etc., sin valerse de
instrumentos ni aparatos geométricos en forma de
dibujo y como tanteo o preliminar de algo que puede
completarse.
Apesar de ello un croquis no carece de mérito. Incluso
algunos, realizados por grandes artistas, se
consideran actualmente como obras de gran valor,
debidamente apreciadas y con categoría de
producciones artísticas. Son famosos, por ejemplo,
algunos croquis de Rafael, Rubens, Leonardo Da
Vinci, etc.
Boceto
En pintura, es la plasmación de la primera idea del
artista, realizado en un borrador, es decir, en una
superficie apta simplemente para trazar
unas líneas y dar unos colores, todo de
forma rápida, y con el único objetivo de
conocer el objeto que ha de producir la
obra definitiva.
Tono
Color integrado en todas sus
dimensiones.
Se denomina también tono a la escala
resultante de un color mezclado sea con
blanco, negro o gris, es decir, al matiz o
bien con su color complementario.
Escala de valores
Es el orden de los gradientes que se
encuentran entre los extremos máximos.
En este caso se refiere sólo a variaciones
crecientes o decrecientes de claridad,
ubicadas entre polos de claridad u
oscuridad.
Tonalidad
Es la resultante de diversas relaciones del tono,
conceptuado en todas sus dimensiones, que por su
organización tienden a provocar un tipo tal de orden
de color que se manifiesta moviéndose hacia la
armonía, el contraste o la relación de temperatura.
Frente a un cuadro siempre se hace referencia a la
tonalidad dominante, sea armónica, por predominio
de un solo color (monocromático), por predominio de
un color al cual los otros tienden a asemejarse por
mezcla (tonalidad rojiza, azulada, etc.), tanto como
por su oposición (contraste), o por su temperatura
(tonalidad cálida o fría). Puede darse también en
valores de grises.
Valor
Grado de claridad u oscuridad de un color (blanco y
negro), debido a la presencia de blanco o negro en el
mismo. El valor no depende del color en sí, sino de los
tonos cercanos: por ejemplo el amarillo, es un color
muy claro, tiene un valor inferior a un verde o violeta.
Conceptos en las artes plásticas

5. El dibujo es la representación, sobre una
superficie, de la forma de los objetos; o sea, el
conjunto de las líneas y contornos de una figura.
La forma puede representarse de dos maneras
principales: por la proyección y por la perspectiva.
Si de un punto situado en el espacio se baja sobre
un plano fijo una perpendicular, el pie de ésta es la
proyección del punto sobre el plano en cuestión: si
bajamos perpendiculares de todos los puntos del
sólido u otra figura, la serie de puntos
determinados sobre el plano constituirán la
proyección de dicha figura.
La perspectiva consiste en representar en una
superficie, por vía geométrica o simplemente
intuitiva y práctica, los objetos en la forma y
disposición con que aparecen a la vista, habiendo
experimentado las alteraciones de apariencia y
proporción relativa que la ubicación y la distancia
les hacen sufrir.
Qué es el Dibujo
Tiposdedibujo
De acuerdo con lo que se desea
representar o hacia donde se debe enfocar,
el dibujo se clasifica en:
Dibujo Artístico: El "Dibujo Artístico" se
define como el tipo de dibujo que sirve para
expresar ideas filosóficas o estéticas así
como sentimientos y emociones. El artista
cuando dibuja cosas, las dibuja tal como las
ve emocionalmente de acuerdo con su
propia y peculiar manera de percibir la
realidad de su entorno. Este tipo de dibujo
requiere aptitudes especiales como las
personales y naturales.
Dibujo Técnico: Se dice que el "Dibujo
Técnico" es el lenguaje gráfico universal
técnico normalizado por medio del cual se
manifiesta una expresión precisa y exacta y,
su objetivo principal es la exactitud
precisamente. Las aptitudes para esta clase
de dibujo por lo general son adquiridas, es
decir, que se llega a él a través de un
proceso de conocimiento y aprendizaje.
Que se subdivide en "Dibujo Técnico
Especializado", según la necesidad o
aplicación los más utilizadas o difundidos en
el entorno técnico y profesional. Cada uno
se caracteriza porque utiliza una simbología
propia y específica generalmente
normalizada legalmente.
Dibujo Mecánico: El dibujo mecánico se
emplea en la representación de piezas o
partes de máquinas, maquinarias,
vehículos como grúas y motos, aviones,
helicópteros y máquinas industriales. Los
planos que representan un mecanismo
simple o una máquina formada por un
conjunto de piezas, son llamados planos de
conjunto; y los que representa un sólo
elemento, plano de pieza. Los que
representan un conjunto de piezas con las
indicaciones gráficas para su colocación, y
armar un todo, son llamados planos de
montaje.
Dibujo Geométrico: Es aquel que se
representa por medio de gráficas planas.
Dibujo geométrico constituye un verdadero
y novedoso sistema de enseñanza
estructurado para garantizar, tanto al
alumno de los primeros años de las
Escuelas Técnicas como a los de las
Facultades de Arquitectura e Ingeniería -
bachilleres o peritos mercantiles- un rápido
manejo y posterior dominio de la mano
sobre el plano.
Dibujo Arquitectónico:Al introducirnos en el
dibujo arquitectónico nos ubicamos en la
concepción visual que altera el paisaje
urbano, los espacios físicos de una obra o
infraestructura civil y que es elaborada a
escala de reducción para luego ser
representada a una escala real o natural,
tiene como finalidad ayudar al hombre en su
contexto social, cultural e interdisciplinario
con su ambiente, forma parte de lo que en
fenomenología explica el porque, según las
experiencias humanas, se logra una mejora
en la calidad de vida. La arquitectura ayuda
a moldear la forma de vida de una sociedad
y del individuo colectivamente.
El dibujo arquitectónico, abarca una gama
de representaciones gráficas con las cuales
realizamos los planos para la elaboración
de edificios, casas, quintas, autopistas etc...
Se dibuja el proyecto con instrumentos
precisos, con sus respectivos detalles,
ajuste y correcciones.
I

6. Para realizar un buen dibujo no es suficiente con
coger el lápiz correctamente y mover la mano de la
forma adecuada; también hay que conocer las
técnicas que se utilizan habitualmente para
realizar trazos. Los ejercicios que le proponemos
a continuación, le serán de gran utilidad para
practicar las principales formas de trazado.
Trazado paralelo. Coja un
lápiz de grafito 2b, colóquelo
de lado para dibujar con la
cuña ladeada y pruebe a
realizar una sucesión de
líneas como las que se
pueden ver en la figura 1.
Sucesión de trazos con
líneas gruesas. Para conseguir trazos más
gruesos, coja el lápiz SG
de forma horizontal y
dibuje con la parte de la
mina que tenga la cuña
más ancha. Como puede
verse en la figura 2 se trata
de que realice una serie de
franjas de trazos verticales
y continuos, procurando
que el ancho de las franjas
sea el mismo.
D i b u j a n d o
h o r i z o n t a l e s ,
v e r t i c a l e s y
diagonales. Coja
ahora un lápiz SG y
d i b u j e d e f o r m a
sucesiva grupos de
líneas horizontales,
diagonales y verticales, tal como podemos ver en
la figura 3 este es un ejercicio de gran importancia
para poder lograr luego el cálculo ajustado de la
línea, así como el dominio del trazo al dibujar las
formas.
Dibujo de bucles. Coja el
lápiz inclínelo, y dibuje una
serie de bucles como
puede ver en la figura 4. Se
trata de que con esta
sucesión de bucles, rellene
el cuadro intentando
c o n s e g u i r u n t r a z o
continuo.
Realizando un degradado con bucles. Se trata
de que realice mediante un constante garabateo
circular, un degradado en sentido horizontal. Para
conseguirlo es importante que la combinación de
garabateos de lugar a
un perfecto degradado,
mediante la continua
superposición de unos
bucles sobre los otros.
Fig. 5.
Dibujando un grisado. Es la forma más sencilla
para crear sombras.
Actuando el codo como eje
y moviendo la mano de un
lado a otro, conseguirá
presionando con el lápiz,
u n a m a y o r o m e n o r
intensidad y lograra una
gradación vigorosa o
suave para lograr un
sombreado uniforme,
simplemente se debe
mantener una presión constante con el lápiz SG
para realizar sombreados uniformes en zonas
amplias, se debe utilizar la zona plana de los
lados del lápiz figura 6.
Grisados con trazo cruzado.
Tal como su nombre indica, el
trazado cruzado consiste en la
superposición de líneas en
direcciones distintas. Figura 7.
L í n e a s
en forma
de voluta. Se trata de dibujar
una serie de volutas, casi
levantar el lápiz del papel,
mediante un volteo del lápiz
a modo de latigazo fig. 8.
D i b u j a n d o
circunferencias. El ejercicio
consiste en realizar el mayor
número de circunferencias sin
prácticamente levantar el lápiz del
papel, intentando que todas ellas
sean lo más parecidas posible fig.
9.
Realización de un
grisado degradado.
Con el lápiz SG realice
un grisado horizontal
presionando con el lápiz
de más a menos. Como
podemos ver el resultado
de la fig. 10 es el típico
grisado degradado.
Primeros trazos en dibujo
1
2
3
7
4
8
5
9
6
10

7. A continuación podrás
realizar imágenes como
(paisajes, flores, frutas,
utensilios, etc)

8. El arte precolombino es la manera como se
designa al conjunto de realizaciones artísticas e
intelectuales como escultura, arquitectura, arte
rupestre, cerámica, textil, metalistería y pintura
realizadas en el continente americano durante el
periodo precolombino en América. Este es el
elemento principal que permite el conocimiento y
reconocimiento de las civilizaciones
precolombinas, la prueba de su nivel de
desarrollo y la capacidad de transformación de su
medio ambiente. Para literatura y poesía
consultar poesía precolombina.
A diferencia de los de Mesoamérica, las primeras
grandes ruinas en el Área Andina Central antes
de la fecha de descubrimiento de la cerámica.
Período pre-cerámico en el valle de Chicama de
la costa norte del Perú en Huaca Prieta,
monumental ceremoniales fueron construidas
sobre montículos de 2500AC. Altamente
cualificados de tejido de algodón se ha
encontrado en este sitio, así como las calabazas
talladas con motivos geométricos estilizados.
Otro sitio de pre-cerámica en la costa norte es Las
Haldas, donde quizá la primera verdadera
plataforma de pirámides y templos en las
Américas de la tierra se construyeron sobre
1800AC. El Paraido, o Chuquintanta, en la costa
central peruana, es la región más grande del pre-
cerámico excavado sitio. Diversos complejos
residenciales de barro y piedra fueron
construidos apilando las habitaciones y terrazas
en un otro, como en el Pueblo ciudades del
suroeste de los Estados Unidos. Otro importante
sitio pre-cerámico es Kotosh en el norte del Perú.
En Kotosh, terrazas templos eran de Fieldstone
fijado en la tierra de arcilla y decorados con
relieves de manos cruzado.
CHAVÍN
Entre 1200AC y sobre 200DC, en la sierra norte del Perú,
centro ceremonial de Chavín de Huántar, una civilización que
floreció en paralelo en muchos aspectos la civilización
contemporánea Olmeca de Mesoamérica. Ambos fueron los
principales principios de las civilizaciones en sus zonas
arqueológicas, y ambas utilizan imágenes de felinos en su
iconografía sagrada. Parece que la influencia artística de
Chavín no se extendió por militares sino por los esfuerzos
intelectuales y religiosas. Desde Ecuador hasta el sur de la
costa del Perú, la prueba sigue siendo de Chavín influencia
artística e iconográfica.
Chavín de Huántar se compone de una serie de plataformas y
templos con bóvedas Corbel en algunos de los corredores. La
escultura de piedra más finos en la zona andina central se
encuentra en Chavín de Huántar Chavín o relacionados con
sitios como Cerro Blanco y Cerro Sechín. A diferencia de los
olmecas y otros mesoamericanos, sin embargo, la peruana
Chavín y posteriormente creó civilizaciones muy poco
independiente de escultura de piedra o incluso figuritas de
arcilla. Chavín someras de alivio de la talla alcanzó su apogeo
en los expresivos estilizado diseño rectilíneo de la estela de
piedra llamado Raimondi.
Probablemente originarios en el norte del Perú, el estribo
buque-pico-a puerta cerrada con un hueco de la olla en forma
de U coronada por un asa tubular de caño-fue la más
característica forma de cerámica Chavín. Olmecas se asemeja
a la cerámica, la cerámica fina de Chavín fue producida en lugar
de avanzada en el principal centro ceremonial. En la costa
norte del Perú, en los valles Cupisnique, Chongoyape y
Tembladera, muy logrado ollas efigie se hicieron con diseños
abstractos y realistas.
Desarrollados y la metalurgia Chavín sobresalido a hacer de
oro martilladas, o repoussé, objetos de adorno corporal. Las
características propias de la metalurgia de la cultura Chavín se
corte placas decorativas que se adjunta a las prendas de vestir,
y de alta coronas cilíndricas con relieves mitológicos, que
fueron usados por la nobleza de Chavín.
El arte Precolombino II

10. Aguila harpía
Chavin
Dios
Chavin
PARACAS
Otra civilización desarrollados de alrededor
de 1100 a 200DC en Paracas de la costa sur
del Perú. Debido a la extrema aridez del
área, los textiles de Paracas se han
conservado perfectamente. Enterrados en
tumbas del desierto, las momias fueron
agrupados con capas de tela que se teje o
pintadas con diseños complejos o
elaborados bordados. Ollas efigie se
encuentra también en la necrópolis de
Paracas. Muchos de estos muestran la
influencia de Chavín distinta, especialmente
en el uso culto del felino-iconografía.
La costa sur peruana de arte siempre ha
sido más influenciados por diseños textiles
esquematizados, en lugar de la arcilla y
escultura de metal que promueven el
realismo del arte del norte de Perú. La
decoración de la cerámica de Paracas, por lo
tanto, es muy estilizado, con frecuencia
incisión, brillantes y policromada. Los
barcos fueron a menudo el doble de boca y
de fondo redondo, en vez de estribo y de
boca plana basada en la costa norte, como
las ollas.

11. MOCHE
Entre unos 200AC y DC700 una sociedad militarista
floreció en la costa norte del Perú. Anteriormente el
nombre de su lengua, Mochica, esta civilización se ha
mencionado con el nombre de sus principales sitios
ceremoniales administrativos, de Moche.
Centrada en dos grandes terrazas plataforma pirámides
de ladrillo cocido al sol, Moche Perú es uno de los más
monumentales. A pesar de que una sociedad guerrera,
los Moche muestran ninguno de los espartano gusto o
desdén por el lujo que caracteriza mesoamericana
tolteca. Tumbas de Moche se llenaron con algunos de los
más competentes de cerámica y en metal de la zona
andina central.
Cerámica Moche, el más conocido de los antiguos
peruanos artefactos, se encuentran entre los mejores
precolombinas logros escultóricos de realismo y la
narrativa dibujo. Llamada retrato de cabeza efigie ollas
son especialmente notables por realista que representan
rasgos humanos y que representan la emoción. En otros
la alfarería Moche curvas paredes de los vasos están
decorados con escenas dibujadas con dinámica
delicadas líneas estilizadas y que muestra esta gente
religiosa y la vida militar.
Moche metal más ornamentada y tecnológicamente
avanzado que el de civilizaciones anteriores. Órgano
adornos de oro, plata, cobre y aleaciones fueron
frecuentemente con incrustaciones de turquesas y
lapislázuli. Patrones geométricos y motivos mitológicos,
especialmente los felinos deidad.

12. NAZCA
Nazca de la costa sur del Perú alrededor de la
región fueron contemporáneos con los Moche.
Al igual que sus predecesores Paracas, Nazca
producido poco la arquitectura y destacó que en
los textiles y cerámica con diseños estilizados
de colores que contrastan bruscamente con el
realismo y el sujeto del color de la cerámica del
norte peruano. Nazca es tan exuberante
cerámica policromada con valentía, ya que es
d i s e ñ a d o y
p r e p a r a d o .
I n c i s i ó n d e
Paracas ya no
se utiliza, y el
color se aplica
antes (en lugar
de después) de
l a c o c c i ó n .
Aunque tanto la
de Moche y el
hecho de Nazca
ollas modelo que
c o m b i n a b a
elementos y
los dibujos, las
esculturas de
c e r á m i c a
M o c h e
preferido, y la
d e N a z c a ,
pintado.
Entre las más
enigmáticas
de todos los
r e s t o s
precolombinos
son las líneas de Nazca. Estos son los dibujos
en la tierra de formas geométricas, animales,
aves y peces que pueden ser plenamente
reconocidos sólo desde el aire. Ciertamente
ceremonial en el uso, el recordar las imágenes
pintadas en la cerámica Nazca. Ellos se
hicieron mediante la eliminación de la superficie
oscura superior piedras para revelar un sustrato
ligero.

13. TIAHUANACU
Tiahuanacu es un sitio de Bolivia en el sur del
altiplano andino central, cerca del Lago Titicaca.
Aunque Tiahuanacu se liquidó ya en alrededor de
200DC, era de entre 600 yAC200 que este complejo
urbanístico se convirtió en el centro de otro
importante período de la civilización clásica.
En Tiahuanacu el arte y la arquitectura se hace
hincapié en la austeridad, el control y la
permanencia. Motivos decorativos y las imágenes
religiosas son rígidamente estilizada. Ambos
edificios y la escultura se caracterizan por un efecto
monumental y monolítica apariencia. La puerta del
Sol en Tiahuanacu está cortado desde una sola
piedra y ornamentado con decoración finamente
ejecutadas de socorro, y sólo 3,7 m (12 pies) de
altura, parece más monumental a causa de su
diseño. Dispersos en toda la zona de Tiahuanacu se
pillarlike estatuas monolíticas que alcanzan alturas
de más de 6 m (más de 20 pies) y están decoradas
con detalles de bajo
relieve. La cultura de
Tiahuanacu es uno de los
pocos en la zona andina
central se comprometió
con un amplio uso de la
piedra para la arquitectura,
e s c u l t u r a y o b j e t o s
ceremoniales.
HUARI
El Huari (Wari) comparten
u n a r e l i g i ó n y l a
i c o n o g r a f í a c o n e l
Tiahuanacu, pero fueron
separados. Entre unos
750 y 1000DC el Imperio
Huari pone fin a la peruana regionalismo, con
lo que la preparación de la unificación
cultural de los Incas período.
Al igual que el de Moche, Huari fueron el
guerrero sociedad que aprecia el arte y el
diseño fino. Costeras culturas Huari
(anteriormente denominado costeras
Tiahuanacu) producidos textiles de la más
alta calidad. Muchos de los patrones,
especialmente para los ponchos, eran
abstracciones de los motivos pintados en
T i a h u a n a c u
cerámica. Aunque
menos refinada que
T i a h u a n a c u
cerámica, alfarería
H u a r i d e s t a c ó
sólida construcción,
de diseño audaz, y
el uso de una rica
policromía.

14. INCA
El Inca, que se llamaban a sí mismos
Tawantinsuyu, gobernado desde Cusco un
imperio extendido entre Ecuador y Chile. Un
pueblo guerrero del altiplano, los Incas preferido
una estética que fue sencillo, decorados y
escasos, y funcional. Debido a que el Inca fueron
los nativos americanos que conquistó el español,
su cultura es la zona andina central de la
civilización que más se conoce, sin embargo,
como ocurrió con los tesoros de sus
contemporáneos de Mesoamérica, los aztecas,
incas muchos artefactos fueron destruidos por los
españoles, de la codicia por el oro y la plata o de la
militancia cristiana.
Highland ciudades como Inca de Machu Picchu
eran cuidadosamente planificada para armonizar
con el paisaje, tanto a través de la utilización de
materiales autóctonos y la arquitectura a través de
la repetición de las formas naturales circundantes.
Estructural entre los más logrado en el período
precolombino, Inca edificios fueron construidos
con cuidadosamente en forma de, precisamente
provistos de mampostería de piedra que se dejó
undecorated. Puertas y ventanas trapezoidales
se característica.
El Inca producido a gran escala ni independiente ni
estatuas escultura arquitectónica. Figurillas de
metal y pequeños tazones ceremoniales de piedra
en forma de llamas y alpacas se encuentran entre
los mejores ejemplos de su escultura.
Cerámica inca, como la de los Chimú, fue
producido en masa, pero fue menos distinguido.
La forma más característica es la de la aryballos,
un recipiente para llevar policromada líquidos. En
tanto los textiles y el metal, el Inca continuó la
tradición andina central de alta calidad de diseño y
ejecución.
Muestradecomposiciónenelpapelmilimetrado

15. El bodegón
Un bodegón, también conocido como naturaleza muerta, es una obra de arte que representa objetos
inanimados, generalmente extraídos de la vida cotidiana, que pueden ser naturales (animales, frutas,
flores, comida, plantas, rocas o conchas) o hechos por el hombre (utensilios de cocina, de mesa o de
casa, antigüedades, libros, joyas, monedas, pipas, etc.) en un espacio determinado. Esta rama de la
pintura se sirve normalmente del diseño, el cromatismo y la iluminación para producir un efecto de
serenidad, bienestar y armonía.
También, es una pintura que representa objetos
sin vida en un espacio determinado, como
animales de caza, frutas, flores, utensilios de
cocina, de mesa o de casa, antigüedades, etc
Desde el descubrimiento de la fotografía en el
siglo XX se ha convertido el BODEGÓN o
NATURALEZA MUERTA también en una rama
muy explotada en este género artístico.
TIPOS DE BODEGONES o
NATURALEZAS MUERTAS
-BODEGÓN o NATURALEZA MUERTA,
(Putrefacción de lo Natural) ”Elementos
naturales que en algún momento han vivido o se
convertirían en algo vivo y que ahora es solo
cuestión de tiempo para que acaben
descompuestos y podridos, como es el caso de
los huevos, la carne o el pescado congelado”.
-BODEGÓN o NATURALEZA MUERTA,
(Naturaleza Eterna) "Seres que en algún
momento tuvieron vida y que una vez muertos
quedan disecados o petrificados para la
eternidad, por ejemplo un fósil de caracol, los
esqueletos de los erizos de mar y las perlas”.
-BODEGÓN o NATURALEZA MUERTA,
(Metáfora del Recuerdo) "Elementos artificiales
que recuerdan al pasado y producen nostalgia.
Como es el caso de una fotografía”.
-BODEGÓN o NATURALEZA MUERTA, (En
elArte) "Cuenco con frutas y vegetales"
-Pintura mural en Pompeya, Italia, siglo I d.c. Se
sabe que ya los antiguos egipcios decoraban las
tumbas con pinturas de frutas, vegetales y otros
alimentos, que alimentarían al fallecido en el
más allá.
III

16. Estudio del color
Estudio del color complementario
El color / Teoría del color
Empezaremos diciendo que el
color en sí no existe, no es una
característica del objeto, e s más
bien una apreciación subjetiva
nuestra. Por tanto, podemos
definirlo como, una sensación
que se produce en respuesta a la
estimulación del ojo y de sus
mecanismos nerviosos, por la
energía luminosa de ciertas
longitudes de onda.
El color es pues un hecho de la
visión que resulta de las
diferencias de percepciones del
ojo a distintas longitudes de
onda que componen lo que se
denomina el "espectro" de luz
blanca reflejada en una hoja de
pape l. Estas ondas visibles son
aquellas cuya longitud de onda
está comprendida entre los 400
y los 700 nanómetros; más allá
d e e s t o s l í m i t e s s i g u e n
existiendo radiaciones, pero ya
no son percibidos por nuestra
vista.
L o q u e o c u r r e c u a n d o
percibimos un objeto de un
determinado color, es que la
superficie de ese objeto refleja
una parte del espectro de luz
blanca que recibe y absorbe las
demás. La luz blanca está
formada por tres colores
básicos: rojo intenso, verde y
azul violeta. Por ejemplo, en el
caso de objeto de color rojo, éste
absorbe el verde y el azul, y
refleja el resto de la luz que es
interpretado por nuestra retina
como color rojo. Este fenómeno
fue descubierto en 1666 por
Isaac Newton, que observó que
cuando un haz de luz blanca
traspasaba un prisma de cristal,
dicho haz se dividía en un
espectro de colores idéntico al
del arco iris: rojo, anaranjado,
amarillo, verde, azul, añil y
violeta.
En las artes gráficas tenemos
dos grandes categorías con
respecto al color, imagen en
color e imagen en blanco
ynegro, en éstas últimas
podemos diferenciar:
- Imágenes a pluma. - imágenes
tramadas: mediante diferentes
tipos de gris. Asimismo, las
imágenes en color se pueden
dividir en dos categorías: -
colores planos: manchas
uniformesde color.
- D e g r a d a d o s , t a m b i é n
tramadas. El color es un
elemento básico a la hora de
elaborar un mensaje visual.
Muchas veces, el color no es un
simple atributo que recubre la
forma de las cosas en busca de
la fidelidad reproducida. A pesar
de que, sin el color la forma
permanece, con frecuencia el
Mensajes es, precisamente, el
Color,o lo que sólo puede
expresarse por el Color.
M á s a l l á d e l a m e r a
identificación o asociación, el
color también se puede emplear
para crear experiencias. El
publicista representa el producto
en su anuncio mediante la
f o r m a , p e r o a ñ a d e l a s c
cualidades del color. El color
puede llegar a ser la traducción
visual de nuestros sentidos, o
despertar éstos mediante la
gama de colores utilizados.
Podremos dar sensación de frío,
de apetecible, de rugoso, de
limpio...
El color está presente en todos
los aspectos de la identidad
empresarial y de marca. En la
identidad, las empresas pueden
hacer que el color sea e l
principal elemento de su
identidad utilizando un único
color o una paleta de colores
como parte de su identidad
visual. Si el color se emplea
uniformemente en una serie de
elementos de la identidad, se
termina convirtiendo en la
rúbrica de la empresa.
Aprender a ver el color y obtener
una interpretación de sus
propiedades inherentes ha de
ser el punto de partida si
d e s e a m o s r e a l i z a r u n
tratamiento eficaz de éste en las
distintas aplicaciones gráficas
que hagamos.
Los colores complementarios se forman
mezclando un color primario con el secundario
opuesto en el triángulo del color. Son colores
opuestos aquellos que se equilibran e intensifican
mutuamente.
Rojo/Verde
Amarillo/Violeta
Azul/Anaranjado
Los colores complementarios son los aquellos
colores que están enfrentados en el círculo
cromático.
Podemos mencionar el verde, que se complementa
con el magenta o el amarillo anaranjado, que se
complementa con el azul violáceo.
Los colores complementarios se caracterizan por
proporcionar un fuerte contraste con colores más
vivos.
IV

17. Estudio del color análogo
Leyenda:
Los colores análogos son aquellos que se
encuentran a ambos lados de cualquier color en
el círculo cromático, son los colores vecinos del
círculo cromático los cuales, tiene un color como
común denominador, si se tomase como color
dominante el rojo pudiendo formar un esquema
de colores análogos con los otros tres
correlativos en el círculo cromático3
representados en la acuarela por el laca de
garanza, el púrpura y el violeta. Los colores
análogos también son parecidos a los colores
terciarios, porque se combinan entre primarios y
secundarios que forman los colores análogo en
el circulo cromático.
Los colores análogos son base del esquema
armónico en la elección de los colores de la
decoración y las paredes.
Otro ejemplo los análogos del naranja serían el
rojo y el amarillo. En un sentido más específico,
los análogos del rojo, serían rojo violáceo y rojo
anaranjado. O también gama de azules, desde
el verdoso al violáceo
1 2
3
4
6
9
10
11
12
78
5
1.- Amarillo
2.- Amarillo verdoso
3.- Verde
4.- Azul verdoso
5.- Azul
6.- Azul violáceo
7.- Violeta
8.- rojo violáceo
9.- Rojo
10.- Roja anaranjado
11.- Anaranjado
12.- Amarillo anaranjado

18. Se llaman colores cálidos aquellos que van del rojo al amarillo y los colores fríos son los que van del azul
al verde. Esta división de los colores en cálidos y fríos radica simplemente en la sensación y experiencia
humana. La calidez y la frialdad atienden a sensaciones térmicas subjetivas.
Los colores, de alguna manera, nos pueden llegar a transmitir estas sensaciones. Un color frío y uno
cálido se complementan, tal como ocurre con un color primario y uno compuesto.
Colores Cálidos y Fríos
1 2 3
4
5
6
789
10
11
12

19. Por supuesto que podrías comprar un lienzo
preparado en cualquier tienda de artículos de arte
que te evitarías mucho trabajo, pero si eres un
poco mas exigente y estas buscando una
preparación adecuada a tus necesidades estos
consejos te podrian servir.
Consejo 1:
Para empezar debieras de tener listones de
madera de 2cm x 3cm para luego armarlo tu
bastidor según sea la medida (30cm x 40cm) una
vez armado el bastidor puedes proceder a tensar
la tela.(se recomienda que un lado debe estar
rebajado, ubicando éste al interior del bastidor)
Consejo 2:
Hay muchos materiales para preparar la tela lo
recomendable para estos casos es 1 vaso de
pintura al agua, 1/4 de goma sintética y agua.
Consejo 3:
El preparado se realiza en un recipiente grande en
el que deberás verter la pintura al agua mas la
goma sintética y agregar el agua según sea
necesario.
Consejo 4:
El temple es cuando se obtiene una mezcla
adecuada (siendo su consistencia la caída de la
leche de un tarro)
Consejo 5:
Recuerda lijar entre capa y capa, pasamos la
primera capa con una brocha en forma horizontal y
dejamos secar por un periodo de 1 a 2 horas en la
sombra luego pasar la siguiente hasta un
promedio de 3 capas siempre intercalando la
forma de pasar.
Consejo 6:
Se recomienda siempre tener el apoyo de la
familia desde su inicio hasta terminar el lienzo.
Consejo 7:
Cualquier lienzo sin importar que tan bien
preparado esta si recibe algun golpe o se dobla
fuertemente inebitablemente se va a craquelar.
Consejo 8:
Si tu lienzo se dobla al estar enrrollado o al estar en
el bastidor , recibe un golpe lijero, puedes
solucionar el problema aplicandole un poco de
agua por la parte posterior, el lienzo tiene que estar
montado en un bastidor para evitar que se arruge,
te sorprendera el resultado.
Pasos y procesos para el preparado del Lienzo V

20. a pintura sobre lienzo es algo difícil, pero a la
Lvez gratificante. Es una profesión que saca
a l a r t i s t a q u e l l e v a m o s d e n t r o .
Tradicionalmente las telas eran pintadas con óleo
o acrílico, utilizando diferentes formas: suelta en
un rodillo, estirada en un marco o pegadas a un
tablero. El lienzo del artista es un tejido que puede
ser de algodón, lino, yute o de poliéster. Saber
cómo trabajar con pintura en un lienzo, le
garantiza una memorable pieza de arte.
Conociendo el lienzo
Historia:
Caracteristicas:
Lienzo es una tela que sirve como soporte a las artes pictóricas hecho normalmente de lino, algodón
o cáñamo. También se denomina lienzo a la obra pictórica en si una vez plasmada sobre la tela.
Sobre tela se pintó ya en laAntigüedad, como atestigua
la referencia de Plinio el Viejo a un retrato de Nerón
ejecutado sobre una tela de más de treinta metros. No
obstante, se conservan pocas pinturas sobre lienzo
anteriores al siglo XIV, tanto por ser más escasas,
como por el hecho de que se pintaba sobre tela temas
profanos, como banderas o decoraciones festivas, lo
que determina que no se conservasen.
Uno de los óleos sobre lienzo más antiguos que se ha
conservado es el cuadro francés Virgen con ángeles,
datado alrededor de 1410 que se conserva en la
Gemäldegalerie de Berlín, lo que es también una fecha
muy temprana para una pintura al óleo. Sin embargo, la
pintura sobre tabla siguió siendo más habitual hasta el
siglo XVI en Italia y el XVII en el Norte de Europa.
Mantegna y los artistas venecianos estuvieron entre
los que lideraron el cambio. Tenían a su disposición
lienzo de velas venecianas y se consideraban de la
mejor calidad.
A partir del Renacimiento, se generalizó el uso de este
soporte, que puede considerarse el de más éxito en la
historia de la pintura. En lugares como la Venecia del
siglo XVI, el lienzo aventajó al fresco por ser más
resistente al frío y la humedad del invierno. Pero la
principal ventaja comparativa del lienzo frente a los dos
soportes anteriores en el tiempo (el muro y la tabla) es
su liviandad, que permite transportarlo fácilmente y
lograr grandes formatos con soportes más ligeros. De
esta manera, se expandió su comercialización.
También permitió que el arte de la pintura se convirtiera
en botín de guerra, como ocurrió con la toma del castillo
de Praga por los suecos en 1648, en el curso de la
Guerra de los Treinta Años o los saqueos de pintura
italiana por los ejércitos napoleónicos.
La tela puede estar fijada mediante adhesivo a un
soporte sólido, que es lo que se hizo
primitivamente, tensando las telas sobre tablas.
Pero lo tradicional es que se fije sobre un bastidor,
marco de madera reforzado en el centro por dos
montantes y al que se fijaba la tela mediante
cordeles que se atan a las espigas que rodean el
borde del marco. A partir del siglo XVIII la tela se
dejó unida al bastidor. En el siglo XIX se
empezaron a producir bastidores industriales en
serie. Para tensar más la tela se pueden introducir
pequeñas cuñas de madera en las esquinas.
Usando el bastidor, la tela queda suficientemente
tensa para poder pintar sobre ella. Dependiendo
de la forma del bastidor, así será el cuadro: bien
apaisado (más ancho que alto), bien vertical (más
alto que ancho).Aunque generalmente tiene forma
de rectángulo, ocasionalmente se trabajaron
otras, como los tondi (forma redonda, por ejemplo,
la Alegoría de la Industria de Goya) o los shaped
canvas de algunos expresionistas abstractos
como Barnett Newman.
El lienzo se prepara mediante la imprimación, para
evitar que la pintura al óleo entrase en contacto
directo con las fibras del lienzo, lo que haría que el
lienzo se deteriorase. Básicamente, se trata de
aplicar sucesivas capas de productos químicos
(cola, glicerina, óxido de cinc, etc.) hasta llegar a
tener una superficie lisa y, generalmente, blanca
sobre la que
a p l i c a r l a
p i n t u r a ,
generalmente,
ó l e o . U n a
i m p r i m a c i ó n
tradicional de
c r e t a s e
c o m p o n e d e
carbonato de
plomo y aceite
d e l i n a z a ,
aplicado sobre
un fondo de cola
d e p i e l d e
c o n e j o ; u n a
v a r i a c i ó n ,
u s a n d o
pigmento blanco
de titanio y carbonato cálcico es bastante
quebradizo y tendente a cuartearse. La pintura de
plomo es venenosa, así que ha de manejarse con
cuidado. Actualmente están disponibles
imprimaciones más flexibles y alternativas, siendo
la más popular pintura de látex sintético
compuesto de dióxido de titanio y carbonato
cálcico, unidos con una emulsión termo-plástica.