1) El documento describe las principales corrientes artísticas del siglo XX, como el impresionismo, postimpresionismo, fauvismo, expresionismo y cubismo. 2) El impresionismo se caracterizó por capturar la luz y el color de forma fugaz, mientras que el postimpresionismo dio más importancia al dibujo. 3) El cubismo rompió con la perspectiva tradicional mediante el uso de múltiples puntos de vista y la geometrización de las formas.

1. Los Ismos

2. El arte del siglo XX se caracteriza por configurarse de
múltiples corrientes que se denominan ismos. No
todas las tendencias se suceden linealmente en el
tiempo, sino que muchas son coetáneas y tienen
interrelaciones entre ellas.
El año 1863 se puede tomar como fecha de inicio de la
pintura moderna. Es el año en que Manet pinta
Almuerzo sobre la hierba, que se expuso en el Salón
de los Rechazados. La obra poseía antecedentes del
Renacimiento italiano en cuanto a temática, pero el
modo de plantearlo causó escándalos.
El Impresionismo y luego el Postimpresionismo
constituyen el punto de partida para las corrientes del
siglo XX.

3. Edouard Manet . El Desayuno sobre la yerba, 1863. Óleo sobre tela.

4. Impresionismo

5. El impresionismo se da a conocer en 1874 en una
exposición celebrada en París en el estudio del fotógrafo
Nadar.
En esa muestra, celebrada de modo paralelo al Salón
oficial, un grupo de pintores
(Bazille, Cézanne, Monet, Pisarro, Degas, Morisot, Renoir y
Sisley) ponen de manifiesto su voluntad colectiva de hacer
un arte nuevo que rompa con el academicismo
Los trabajos expuestos motivaron el rechazo generalizado
de la crítica y del público. Un cuadro de Monet titulado
"Soleil levant, Impression" (Sol naciente, Impresión) sirvió al
crítico Leroy para bautizar al nuevo movimiento con el
nombre despectivo de "impresionismo".

6. Claude Monet . Impression, soleil levant. Óleo sobre tela, 48 x 63 cm.
Musee Marmottan. París

7. CARACTERÍSTICAS
• Rechazo del realismo academicista
• Búsqueda de la claridad y la luminosidad.
• Indiferencia por el tema, la única preocupación es la
luz y el color fugaces.
• Búsqueda de la belleza de la sensación directa
• Preocupación por fijar las impresiones momentáneas
de la naturaleza
• Representación plástica de la vibración óptica de la
luz.
• Rechazo de los colores oscuros, el negro queda
proscrito.
• Interés por plasmar los efectos cambiantes de la luz

8. INFLUENCIAS
• Las teorías ópticas de Chevreul: de
aquí que los colores no se obtengan
por mezcla en la paleta sino por
mezcla óptica en el lienzo, que se
busque la exaltación de los colores
complementarios y que se prescinda
del negro (negación de la luz), todo ello
para lograr colores limpios, luminosos y
vibrantes.

9. Claude Monet
Estanque con
nenúfares (1899)
Óleo sobre lienzo.
88.3 x 93.1 cm.
Museo: National
Gallery. Londres

10. Claude Monet Palacio de Mula en Venecia (1908)
Óleo sobre lienzo. 62 x 81.1 cm. National Gallery of Art.

11. Claude Monet, Serie Catedral de Ruán. 1894

12. Claude Monet, Serie Catedral de Ruán. 1894

13. Edouard Manet, Olimpia, 1863, óleo sobre lienzo, 130´5 x 190 cm, Musée d´Orsay, París.

14. Edouard Manet, Pífano, 1866, óleo
sobre lienzo, 160 x 98 cm, Musée
d´Orsay, París.

15. Edgar Degas
Clase de danza
c.1873-1875,
óleo sobre lienzo,
Musée d´Orsay, París

16. Edgar Degas
Bailarina en la
escena, 1878, pastel, Musée
d´Orsay, París.

17. Pierre Auguste Renoir, Le Moulin de la Galette, 1876, óleo sobre lienzo, Musée
d´Orsay, París.

18. Pierre Auguste Renoir, Le déjeuner des canotiers, 1881, óleo sobre lienzo, Philips Memorial
Gallery, Washington, D.C.

19. Post Impresionismo

20. Bajo el nombre de Neoimpresionismo o
Postimpresionismo se engloban múltiples
tendencias y estilos.
Viene a ser un crisol de diferentes técnicas
y objetivos que responden a las inquietudes
de los diferentes artistas.
A éstos no hay que entenderlos bajo un
estilo unificado y definido, sino que la obra
de cada uno de ellos responde a la
individualidad de sus planteamientos.
Hay una influencia del arte oriental. En
1868 Japón se abre a Occidente.

21. • Se apuesta por la recuperación del dibujo y
del trazo a diferencia de lo que ocurría en el
Impresionismo.
• El color se aplica en grandes superficies
planas
• Por medio del dibujo se dan las calidades de
materia, forma e incluso volumen.
• Hay una nueva organización de espacio: se
usa la diagonal y la línea de horizonte se
coloca bastante alta, así, las figuras se van
escalonando.

22. • Se usan diferentes puntos de
vista, así, las composiciones pueden
resultar asimétricas y descentradas.
• Se usan encuadres originales.
• Se transmite una visión hedonista de la
vida

23. Neoimpresionismo
Consiste en pintar a base de
pequeños puntos de color puro.

24. Georges Pierres Seurat, Modelo sentada de perfil, c.1887, óleo sobre tabla, 25 x 16
cm, París, Musée d´Orsay.

25. Paul Signac, El palacio papal en Aviñón, 1900, óleo sobre lienzo, 73´5 x 92´5 cm,
París, Musée d´Orsay.

26. VAN GOGH

27. Vincent Van Gogh,
Los girasoles, 1888,
óleo sobre lienzo,91 x 72
cm, Münich,
Bayerische
Staatsgemäldesammlungen
Neue Pinakothek.

28. Vincent Van Gogh, La noche estrellada, 1889, óleo sobre lienzo,
73´7 x 92´1 cm, Nueva York, The Museum of Modern Art.

29. Vincent Van Gogh, La habitación de Vincent en Arlés, 1889, óleo sobre lienzo,
56´5 x 74 cm, París, Musée d´Orsay.

30. CEZANNE

31. Paul Cézanne, Los jugadores de cartas, 1890-1892, óleo sobre lienzo, 45 x 57 cm,
Musée d´Orsay.

32. Paul Cézanne, Cebollas y botella, c.1895-1900, óleo sobre lienzo, 66 x 81 cm,
París, Musée d´Orsay.

33. TOULOUSE LAUTREC

34. Henri Toulouse-Lautrec,
La Goulue entra con dos
mujeres al "Moulin
Rouge", 1892, óleo sobre
cartón,
79´4 x 59 cm, Nueva
York, Museum of Modern Art.

35. Henri Toulouse-Lautrec, El salón de la Rue de Moulins, 1894, óleo sobre tela,
111´5 x 132´5 cm, Albi, Musée Toulouse-Lautrec.

36. GAUGUIN

37. Paul Gauguin,Visión después del Sermón, 1888,
óleo sobre lienzo, 73 x 92 cm, Edimburgo, National Gallery of Scotland.

38. Paul Gauguin, Pasatiempo, "Arearea", 1892, óleo sobre lienzo, 75 x 94 cm, París,
Musée d´Orsay.

39. Fauvismo

40. Se desarrolla en Francia durante los años 1903 a
1907.
La primera exposición tiene lugar en París en el Salón
de Otoño de 1905 y alcanza su climax en 1906 en el
"Salon des Indépendants".
La denominación deriva de la palabra "fauves"
(fieras), término con el que el crítico Louis Vauxcelles
denominó a un grupo de pintores, encabezado por
Matisse, que practicaban un estilo vigoroso de pintura
alejado de todo principio académico.

41. CARACTERÍSTICAS
• Carácter lírico y expresivo potenciado mediante el color.
• Plasmación de lo real de manera subjetiva
• Énfasis cromático mediante colores
puros, principalmente planos, realzados por la línea de
los contornos y sin referencia al tema o a su figura.
• Eliminación de la perspectiva espacial.
• Referencias formales de las culturas primitivas y
exóticas (árabe y africana).
• Relaciones de colores arbitrarias establecidas de
manera instintiva e intuitiva, con predominio de colores
complementarios.
• Creación de espacios pictóricos de carácter ornamental
basados en motivos decorativos

42. Maurice Vlaminck, Restaurante de la Machine a Bougival. (1905)

43. Henri Matisse.
La raya verde, 1905, óleo
sobre lienzo, 60 x 41 cm.

44. Henri Matisse
Autorretrato, 1906, óle
o sobre lienzo, 55 x 46
cm, Statens Museum
for Kunst, Copenhagen.

45. André Derain, El puente de Londres. (1906)

46. Expresionismo

47. El expresionismo surge en Alemania en la
primera década del siglo XX, en un intento
de ofrecer una nueva visión de la sociedad y
la renovación del arte basada en la
búsqueda subjetiva de lo
esencial, atendiendo exclusivamente al
sentimiento vital y sin someterse a ninguna
regla.
El expresionismo es un movimiento que no
sólo atañe a las artes plásticas sino también
a la música, el cine y las demás artes.

48. El expresionismo alemán se
extendió a países como
Holanda, Bélgica y Francia.
El régimen nazi alemán definió al
expresionismo como "arte
degenerado", los artistas de esta
tendencia fueron proscritos y
muchas de sus obras destruidas.

49. CARACTERÍSTICAS
• La pintura es concebida como una manifestación directa
de la subjetividad del artista basada en una necesidad
interior
• desproporción y distorsión de las formas según un
impulso interior; esquematización o reducción de las
formas a lo esencial atendiendo a un sentimiento vital de
depuración de lo objetivo (por este camino Kandinsky
llegará a la abstracción total).
• Utilización del color y el trazo para expresar
simbólicamente estados de ánimo.
• Destrucción del espacio tridimensional. Aglomeración de
formas y figuras.
• Ausencia de carácter decorativo.

50. Edvard Munch, El
grito, 1893, ceras, pastel y
témpera sobre papel
cartón, 83´5 x 66
cm, Munch Museet, Oslo.

51. Edvard Munch, Madonna,
1893-1894, óleo sobre lienzo,
90 x 68´5 cm, Munch Museet,
Oslo.

52. Oskar Kokoschka. La Tempestad (1914). Óleo sobre lienzo. 181 x 220 cm.
Öffentliche Kunstsammlung. Basilea

53. Emile Nolde. La última Cena (1909)

54. El Cubismo

55. Término creado por un crítico de arte
(el crítico francés Louis
Vauxcelles), que al ver las obras de
este movimiento de principios del
siglo XX, afirmó que "desprecian la
forma y lo reducen
todo, paisajes, figuras y casas, a
esquemas geométricos, a cubos".
El cubismo tiene sus bases en
Cézanne.

56. 1. Independencia y autonomía de planos, estallido del
volumen: Los planos son objeto de estudio en sí
mismos. Los grandes volúmenes se rompen en otros
más pequeños. Así, queda rota también la línea de
contorno, se interrumpe el trazo lineal. Por eso se
compara el resultado de este proceso con el reflejo
en un espejo roto o con la visión a través de un
caleidoscopio.
2. Perspectiva múltiple: Viene dada por el estudio de
cada plano en su autonomía. Se multiplican los
ángulos de visión de un mismo objeto. Así se ofrece
una visión compleja del mismo ente, que se puede
presentar al mismo tiempo de cara, de perfil o desde
cualquier otro ángulo significativo.
Las características de un nuevo lenguaje:

57. 3. Desaparición de gradaciones de sombra
y luz:
4. Geometrismo: Los formas geométricas
invaden las composiciones. Las formas
observadas en la naturaleza, son
traducidas en cilindros, conos, esferas y
cubos.

58. 1. Fase analítica
En el primer
momento, se partió
de la observación de
la realidad para
proceder después a
su "destrucción".
Resultaba un
conjunto de planos
indescifrable, lo que
es en definitiva es la
obra cubista.
Pablo Picasso. Frutero y pan
sobre una mesa (1909)

59. 2. Fase hermética
Para paliar la confusión y la difícil
lectura de las obras
analítica, Picasso y
Braque, empiezan a dejar pistas en
sus obras. Se empiezan a introducir
detalles figurativos y esquematizados
para estimular la comprensión. Por
ejemplo, las cuerdas o clavijas
ayudan a identificar la posible
existencia de un instrumento
musical, o un pomo la de una mesa.
En esta etapa también se hizo
habitual la imitación "realista" de
caracteres de imprenta, letras o
cifras, que lleva a la comprensión de
que nos hallamos ante la presencia
de un periódico, de una etiqueta de
botella o de un sobre. Se empieza a
imitar la madera o el mármol para
sugerir por ejemplo un violín.
Pablo Picasso. Retrato de
Ambroise Vollard. (1910)

60. 3. Fase sintética, el collage como paso previo a la
escultura:
Ya no hay razón para imitar minuciosamente una etiqueta
o un sobre, sino que se toma un ejemplar real y se
pega, es la técnica del Papier collé, inventada por
Picasso y por Braque . Se podían pegar papeles en otro
tipo de material, como estera, hule... en el momento en
que se incorporan materiales cotidianos se da un paso
más, asistimos al nacimiento del Collage.
Sobre la superficie del soporte se pegan papeles, telas y
objetos diversos, de ahí que comience a hablarse de la
"introducción de intrusos".

61. Con el collage la
técnica cambia, no sólo
se trata de pintar, sino
también de añadir y
construir. Esta técnica
constructiva, hace que
se camine lógicamente
hacia la escultura y su
tridimensionalidad. El
pincel es sustituido por
las tijeras y la cola, y
después los clavos y la
soldadura.
Pablo Picasso. Guitarra. (1913)

62. Pablo Picasso, Guernica, 1937, 349 x 776 cm.
óleo sobre lienzo, Museo Nacional Reina Sofía, Madrid.

63. Pablo Picasso: Las Señoritas de Avignon, 1907
Óleo sobre lienzo, Metropolitan Museum of Art, New York City .

64. Pablo Picasso, Los Pájaros muertos, 1912, 46 x 65 cm.,
óleo soble lienzo, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid.

65. Pablo Picasso, Instrumentos de música sobre una mesa, 1925, 162 x 204,5 cm., óleo sobre lienzo,
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid.

66. Pablo Picasso .
El poeta (1910)

67. Pablo Picasso .
Ma Jolie (Woman with Guitar)
(1911-12)

68. Georges Braque.
Viaducto en L’estaque.
1908.

69. Georges Braque, Instrumentos musicales, 1908, óleo sobre lienzo, 50 x 61 cm, colección privada.

70. Georges Braque
Casas en L´Estaque, 1908
óleo sobre lienzo, 73 x 60
cm, Kunstmuseum Bern.

71. Arte Abstracto

72. Wassili Kandinsky es el iniciador
de la abstracción.
La abstracción es un leguaje no
figurativo. De la realidad se toma
lo esencial y se abstrae lo
secundario.

73. Wassily Kandinsky. Composición VII. Óleo sobre lienzo. 195 x 300 cm. Galería Estatal
Tretjakov. Moscú.

74. Wassily Kandinsky.
Upwards, 1929.

75. Kasimi Malevich:
Suprematist
Composition, White on
White (1918)

76. Kasimir Malevich
Suprematism. 1915
Stedelijk Museum, Amsterdam

77. Neoplasticismo

78. Surge en Holanda en 1917. El
neoplasticismo o movimiento De Stijl
(El Estilo) propugna una estética
renovadora basada en la depuración
formal.
Piet Mondrian fue quien formuló las
bases teóricas de la nueva estética y
que posteriormente denominaría
"Neoplasticismo".

79. CARACTERÍSTICAS
• Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes
fundamentales: líneas, planos y cubos.
• Planteamiento totalmente racionalista.
• Estructuración a base de una armonía de líneas y masas
coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre
verticales, horizontales o formando ángulos rectos.
• Creación de ritmos asimétricos, pero con gran sentido del
equilibrio.
• Colores planos, de carácter saturado (primarios:
amarillo, azul, rojo) o tonal (blanco, negro y grises).
• Empleo de fondos claros.

80. Piet
Mondrian, Compo
sición en
rojo, amarillo y
azul, 1921, óleo
sobre lienzo, 39 x
35 cm.

81. Piet
Mondrian, Composició
n 10. 1940, óleo sobre
lienzo, 80 x 73 cm.

82. Theo van Doesburg
Arithmetic
Composition (1930)

83. Dadaísmo

84. El movimiento dada nace en Zurich en 1916 y dura hasta
1922.
La denominación "dada" (caballito) corresponde al
primer término que apareció en un diccionario de
alemán-francés abierto al azar y fue adoptado por un
movimiento literario y artístico que pretendía cambiar la
sociedad, la cultura y el arte a través del desconcierto, el
inconformismo, la ironía, la negación de la racionalidad y
de todos los valores establecidos hasta entonces.
Sus fundadores fueron el pintor alsaciano Hans Arp y el
poeta rumano Tristan Tzara.
A partir de 1920, muchos de los artistas plásticos de este
movimiento evolucionaron hacia el surrealismo.

85. CARACTERÍSTICAS
• Integración de técnicas distintas con empleo de
fragmentos de materiales (collage ) y objetos de
desecho cotidiano.
• Niega el Arte, despreciando lo retórico y
academicista y cualquier canon impuesto.
• Protesta contra todo convencionalismo volviendo a
lo instintivo e irracional (lo absurdo, el sinsentido y el
azar establecen la identidad entre el arte y la vida).
• Liberación del subconsciente (se produce una
transición al surrealismo y al arte semi-abstracto).
• Auge del disparate.

86. • Expresión libre de la forma artística:
todas las cosas de la realidad pueden ser
objeto artístico
• Temática en la que predominan los
mecanismos absurdos
• Utilización de nuevas técnicas: el
fotomontaje realizado a base de
imágenes multiplicadas y
superpuestas, tomadas de
periódicos, revistas y anuncios; y el
"merz" o collage dadaísta a base de
materiales de desecho de todo tipo y

87. Marcel
Duchamp, Rueda
de
Bicicleta, Objeto
Pronto, 1913

88. En 1917 Marcel
Duchamp fue invitado
por la galería Grand
Central de Nueva York a
formar parte del jurado
de una exposición de
artistas independientes.
Sin informar a nadie, el
propio Duchamp envió
para exponer en esa
exposición este urinario
de porcelana blanca
firmado con el
seudónimo "R. Mutt".
Cuando su Fuente fue
rechazada para la
exhibición, Duchamp
renunció al jurado y el
incidente causó un
escándalo que sacudió
al mundo del arte.

89. Francis Picabia
Parada
Amorosa, 1917, Acuarela

90. Kurt Schwitters
Merz 199-2, 1921

91. Jean Arp, Overturned Blue Shoe with Two Heels Under a Black Vault, 1925, Madera Pintada

92. Hannah Hoch,
Pretty Maiden,
1920

93. Surrealismo

94. El movimiento surrealista nace en Francia finalizada la
primera guerra mundial. Surge en el ámbito
literario, pero pronto lo abarca
todo, pensamiento, artes plásticas, cine y teatro.
En 1924 se produce el primer manifiesto surrealista de
Breton, que da cuerpo al movimiento. Su ideal era
sobrepasar la realidad y llegar a una renovación de
todos los valores culturales, morales y científicos por
medio del automatismo psíquico.
La producción surrealista se caracterizó por la
exaltación de los procesos oníricos, el humor corrosivo
y el erotismo, concebido todo ello como armas de
lucha contra la tradición, la moral y la cultura
burguesa.

95. En el campo de las artes plásticas, los
pintores surrealistas se manifiestan de
dos maneras diferentes, los surrealistas
figurativos, interesados por la vía onírica
(Magritte, Delvaux y Dalí, entre otros) y
que se sirven del realismo y de las
técnicas y recursos pictóricos
tradicionales; y los surrealistas
abstractos, que practican el automatismo
psíquico puro (Masson, Miró) e inventan
universos grafico-plásticos propios.

96. CARACTERÍSTICAS
• Figuración con temática subjetiva de carácter onírico basada en
las técnicas del inconsciente de Freud
• Interpretación de la realidad desde el sueño, el inconsciente, la
magia y la irracionalidad.
• Conjunción de imágenes dispares (reales o irreales), tanto en el
tiempo como en el espacio.
• Los objetos y formas son despejados de su significación
tradicional (principio de la "desorientación"), el observador
queda desorientado, sin saber a qué atenerse.
• Creación de imágenes equívocas de manera que una misma
cosa puede ser interpretada de varias maneras (principio de la
"discordancia"), por ejemplo, una nube puede parecer la cabeza
de un animal o bien otra cosa.
• Da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la caducidad, la
destrucción y lo misterioso.

97. • Además de lo onírico, representación de toda clase
de simbologías, especialmente eróticas y sexuales.
• Utilización espectacular de la perspectiva
cónica, exagerando la sensación de profundidad
(creación de grandes espacios y lejanías).
• Creación en el cuadro de juegos perceptivos e
ilusionísticos.
• Ejecución pictórica minuciosa, con gran cuidado del
dibujo y la figura (Dalí).
• Utilización del claroscuro y del color modelado.

98. Salvador Dalí, El Gran Masturbador, 1929, 110 x 150 cm., óleo sobre lienzo, Museo Nacional
Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

99. Salvador Dalí, La Persistencia de la Memoria, 1931, 24 x 33 cm., óleo sobre lienzo, Museum of
Modern Art. New York.

100. Salvador Dalí.
Sueño Causado por el
Vuelo de una Abeja en
Torno a una Granada
un Segundo antes de
Despertar, 1931,
51 x 41 cm., óleo sobre
lienzo, Foundación
Thyssen-
Bornemisza, Thyssen
Museum, Madrid.

101. Salvador
Dalí, Crucifixión o
Corpus
Hipercubicus, 1954, 1
94.5 x 124 cm., óleo
sobre
lienzo, Metropolitan
Museum, New York.

102. René Magritte.
El castillo de
los Pirineos
(1959)

103. René Magritte.
La condición
humana (1933)
National Gallery of
Art, Washington

104. René Magritte.
El imperio de las
luces (1954)
Museo Peggy
Guggenheim.
Venecia.

105. René Magritte
El dominio de
Arnheim (1949)

106. Joan Miró. Nocturno (1940).

107. Joan Miró - The Skiing Lesson - 1966