Laminas pintura qattrocento

Láminas Pintura Qattrocento. María Isabel Espiñeira Castelos
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EL NACIMIENTO DE VENUS
OBRA: Nacimiento de Venus
AUTOR: Sandro Botticelli
CRONOLOGIA: 1484
ESTILO: Pintura renacentista del Qattrocento
TECNICA: Temple sobre lienzo
DIMENSIONES: 172,5 x 278.5
LOCALIZACION: Galería de los Uffizzi, Florencia
DESCRIPCIÓN.- Se representa el Nacimiento de Venús, que surge de las
aguas en medio de una concha, y a su lado aparece Flora, personificando a la
Primavera, con una capa floreada para cubrir a la diosa. Al otro lado de la
composición se ve a Céfiro y Cloris soplando sobre Venus.
ANALISIS FORMAL.-Hay una ausencia casi total de perspectiva, en un mar
prácticamente plano, simplemente la idea del movimiento de las olas se
plasma en unas pequeñas marcas en forma de V. La figura de Venus es un

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tanto distinta de lo que estamos acostumbrados a ver en la época y se
parece a todas las figuras femeninas pintadas por Botticelli: de rasgos
ovalados y finos, miembros alargados casi hasta la exageración, aunque
guardando las proporciones, y dotada de una suave elegancia, que se
manifiesta tanto en la esbeltez como en las posturas adoptadas. La cabeza
ladeada de Venus guarda bastante similitud con la postura de la muchacha
que aparece como figura central en el cuadro La Primavera. Indica un cierto
grado de pudor, de turbación, que aquí viene remarcado más todavía por el
gesto de cubrirse los genitales con el largo cabello rubio y el pecho con la
mano, repitiendo una postura típica en las estatuas romanas de las Venus
Púdicas. En la zona terrestre encontramos a una de las Horas, las diosas de
las estaciones, en concreto de la primavera, ya que lleva su manto decorado
con motivos florales. La Hora espera a la diosa para arroparla con un manto
también floreado; las rosas caen junto a Venus ya que la tradición dice que
surgieron con ella. Técnicamente, Botticelli ha conseguido una figura
magnífica aunque el modelado es algo duro, reforzando los contornos con
una línea oscura, como si se tratara de una estatua clásica. De esta manera,
el artista toma como referencia la Antigüedad a la hora de realizar sus
trabajos. Los ropajes se pegan a los cuerpos, destacando todos y cada uno
de los pliegues y los detalles. El resultado es sensacional pero las pinturas
de Botticelli parecen algo frías e incluso primitivas, quizá por la falta de
perspectiva y de un volumen más contundente. El contrapposto, con todo el
peso en la pierna izquierda y el pie derecho un poco atrasado y ligeramente
levantado, se considera una actitud inspirada en las estatuas antiguas en
particular las del helenismo. El paisaje no recibe especial interés por el
pintor, lo que es una característica de Botticelli. Los árboles forman parte
de un pequeño bosque de naranjos en flor, esto corresponde al sagrado
jardín de las Hespérides en la mitología griega. No obstante, los naranjos, lo
mismo que el laurel, también presente, pueden entenderse como alusiones a
la familia Médicis. Destacan los ropajes, caracterizados por tener una gran
marcación de pliegues. Esta composición es de estructura más rigurosa,
llena de líneas y de movimientos armónicos
INTERPRETACION.- En el Nacimiento de Venus trata de
reconstruir una pintura perdida de Apeles, descrita en una poesía de
Poliziano. Inspirándose probablemente en la Venus de Medicis, su propio
sentido de belleza, totalmente diferente, la dota de una cabellera
espléndida que aspira a ser velo de oro impulsado por la brisa que arquea
suavemente su cuerpo. Para algunos, el modelo ha sido Simonetta, la amiga
de Lorenzo el Magnífico, nacida en el Porto Venere, lugar donde la diosa
toma tierra al nacer.” De todos modos el tema de Venus era ya clásico y

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había sido tratado desde la Antigüedad, aunque aquí se hace desde
parámetros bastante distintos a como se había hecho hasta el momento.
Quizá haya que ahondar también en la propia personalidad de
Botticelli, un temperamento artístico profundamente sensible y apasionado.
Lejos de la inexpresión y rigidez de que a veces peca Ghirlandaio, la emoción
guía su dibujo nervioso, agita los cuerpos de sus personajes y se desborda
en sus rostros, expresivos pero con un cierto aire melancólico que sugieren
al espectador un aire de infelicidad, a pesar de toda la belleza de que se
rodea. El contexto histórico está marcado por una Italia dividida por luchas
políticas. En el arte ahora empiezan a incluirse temas mitológicos debido a
las nuevas ideas renacentistas. Los Medici dominan la escena política en la
Florencia de los siglos XIV y XV. Se les conoce por promover el arte y la
cultura, e intentar adaptar los ideales clásicos al cristianismo mediante las
ideas neoplatónicas, que se quieren conciliar todavía con las
representaciones religiosas. De hecho el rostro de Venus es muy parecido al
que Botticelli usa en algunas de sus Madonnas.
BIBLIOGRAFIA:
HISTORIA DEL MUNDO MODERNO II ( J. M. Viñuales)
ARTE ( F. Hartt)
www.artehistoria.com

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LA PRIMAVERA
OBRA: La Primavera
AUTOR: Sandro Botticelli
CRONOLOGIA: 1482
ESTILO: Pintura renacentista Qattrocento
TECNICA: Temple sobre tabla
DIMENSIONES: 203 x 314
LOCALIZACION: Galería de los Uffizzi, Florencia
DESCRIPCIÓN.-Según Vasari y también Finicio, defensor del movimiento
neoplatónico en Florencia, en el centro de la composición se coloca Venus, y
encima de ella Cupido con las flechas. Céfiro, dios del viento, persigue a la
Ninfa Cloris, y mientras de su boca brotan flores, se convierte en Flora,

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vestida de manera muy parecida a como aparece en el Nacimiento de Venus.
A la izquierda aparece Mercurio con las Tres Gracias.
ANALISIS FORMAL.- Lo primero que llama la atención de este cuadro es
su enorme formato, la pintura profana casi nunca utilizó estas dimensiones,
que se reservaban para la expresión de los temas sacros. Esto le confiere un
carácter de cristianización de un tema que a primera vista parece
totalmente ajeno a las creencias religiosas. Por otro lado, bien pudiera
relacionarse con otro género de la época, el tapiz. Los tapices sí tenían este
gran tamaño y se dedicaban mayormente a la pintura profana, puesto que su
función era decorar muros, cerrar vanos, etc. El tema del cuadro es
extremadamente complejo: abundan las figuras de la mitología clásica, pero
no componen ninguna escena conocida de los textos clásicos, aunque parece
seguro que se trata de una alegoría de carácter moral bajo la apariencia de
la mitología antigua. La presencia de la diosa Flora, heraldo de la Primavera,
es lo que dio su nombre al cuadro, que aparece presidido por Venus y Cupido,
con la presencia, ajena al resto de los personajes, de Mercurio en el
extremo izquierdo. La explicación es posible intuirla a través del cliente del
encargo. Botticelli lo pintó para el jovencísimo Lorenzo di Pierfrancesco di
Médici, miembro de la prestigiosa familia Médicis. Lo encargó para él su
tutor, el filósofo Marsilio Ficino, quien encarnaba el auge del Neoplatonismo
florentino típico del Quattrocento. Es más que probable que fuera Ficino el
diseñador del programa de la obra, siguiendo los postulados de Alberti en la
parte estética. Así, sumaba la presencia de las virtudes y principios del
neoplatonismo en las alegorías de los dioses, al tiempo que aplicaba las
teorías albertianas: variedad y abundancia de los elementos, los personajes,
sus posturas. Todas las figuras están representadas a la manera típica de
Boticcelli, con rostros ovalados, maneras elegantes y lánguidas, miembros

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alargados y ausencia prácticamente total de perspectiva. Tampoco al paisaje
se le presta demasiada atención. Al aparecer Venus vestida, en oposición a
la desnudez con que se presenta en el cuadro del Nacimiento, no se aprecia
tan bien el contraposto de la pierna derecha, aunque se logra adivinar a
través de los ropajes y sus pliegues. La figura de Mercurio se parece un
tanto al David de Donatello. Se renuncia al espacio y a la masa, e incluso el
colorido es pálido y difuso. Las figuras de Las Tres Gracias tienen
semejanza en su postura con las representadas más tarde por Rubens,
aunque la estética del maestro del norte no tiene nada que ver con la
elegancia y esbeltez de las figuras femeninas de Botticelli.
INTERPRETACION.- Las tres figuras que aparecen a la derecha de
la Primavera proceden de un antiguo mito que Ovidio narra en su obra Los
Fastos. En el relato, la ninfa griega Cloris cuenta cómo se convirtió en “reina
de las flores”. Un día de primavera que iba paseando, Céfiro la persiguió y la
violó, pero luego se casó con ella y
la convirtió en diosa de la
primavera, a quien los romanos
llamaron Flora. De la boca de
Cloris salen flores, como prueba
de su origen bucólico. En palabras
de Ovidio, “respira las rosas de la
primavera”. Botticelli representa a
Cloris con flores que salen de su boca, como si se convirtiera en Flora al ser
abrazada por Céfiro. La figura junto a ella se identifica a menudo como la
renacida Flora. También se ha interpretado como la “Hora” (otro antiguo
espíritu) de la primavera. Las nueve figuras de la pintura de Botticelli tienen
su origen en un mito de la Grecia antigua y de Roma. Cupido era el hijo de
Venus en la mitología, y quizá por eso se le representa por encima de la
figura principal.
BIBLIOGRAFÍA:
HISTORIA DEL ARTE MODERNO II ( J. M. Viñuales)
ARTE ( F. Hartt)

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LA ANUNCIACION
OBRA: La Anunciación
AUTOR: Fra Angelico
CRONOLOGIA: 1432
ESTILO: Pintura Qattrocento
LOCALIZACION: Museo del Prado, Madrid
DESCRIPCION.- El tema del cuadro es la Anunciación tal y como
se describe en el Evangelio del Arcángel San Gabriel a la Virgen
María, y por tanto ellos dos son los personajes centrales,

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enmarcados en una arquitectura simulada, ya de tipo
renacentista, con columnillas que rematan en arcos de medio
punto. Al fondo de la escena aparecen personajes secundarios, se
cree que Adán y Eva expulsados del Paraíso, y se ve el haz de
luz proyectado hacia María.
ANALISIS FORMAL.- Se establece una jerarquía en las figuras,
apareciendo de mayor tamaño las del primer plano, y las de Adán
y Eva, de menor tamaño porque son personajes secundarios en la
escena. La abundancia de color dorado y azul indican dos cosas:
por una parte la riqueza del cliente que ha encargado el cuadro,
dado que eran colores difíciles de elaborar y por tanto caros, y
en segundo lugar que el artista todavía no se ha alejado por
completo de las influencias del Gótico en su trabajo, porque en
esta pintura se hacía uso y abuso de estos tonos. La arquitectura
es un tanto irreal, porque esas columnillas de fuste tan fino no se
sostendrían y el tamaño no es el adecuado: la Virgen aparece
sentada, pero si se pusiese en pie, no cabría literalmente dentro
de la escena delimitada por el ambiente arquitectónico. El jardín
se dispone sin ningún sentido de la perspectiva, casi como si la
pintura se asemejase más a un tapiz. La iconografía y la manera
de situarse los personajes es la normal en la época para estas
obras.
INTERPRETACION.- Se trata de una escena religiosa, por lo
cual las innovaciones del nuevo arte renacentista están
prácticamente ausentes y en esta obra todavía se observan
muchas reminiscencias del Gótico. María se encuentra
representada con las manos cruzadas sobre el pecho en señal de
que acepta la misión que Dios le ha encomendado. La Biblia
abierta sobre su regazo hace referencia a la tradición, según la
cual, en el momento de la Anunciación María estaba leyendo el
pasaje del presagio de Isaías sobre una doncella encinta. El
manto azul que viste, representa el color de la Virgen como Reina
de los Cielos. La paloma dorada sobre ella es el símbolo del
Espíritu Santo y su venida alude a la Sagrada Concepción.
El redescubrimiento de las artes clásicas fue una constante
renacentista, y los protagonistas se encuentran inmersos en una
construcción de estilo clásico con columnas corintias. En el
medallón que corona una de las columnas aparece la imagen de
Dios Padre.

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En cuanto al segundo tema de la obra, la expulsión de Adán y Eva
se lleva a cabo en un plano exterior de la composición, en el
margen izquierdo, y ocupa un espacio reducido del cuadro.
Vigilados por un ángel, ambos personajes son expulsados del
Paraíso, cubiertos sólo por unas pieles cedidas por Dios, en
contraste con la fina vestimenta de las figuras protagonistas del
tema central.
BIBLIOGRAFIA:
ARTE ( F. Hartt)
www.historiadelarte.us

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CRISTO MUERTO
OBRA: Cristo Muerto
AUTOR: Andrea Mantegna
CRONOLOGIA: 1474
ESTILO: Pintura Renacentista del Qattrocento
TECNICA: Óleo sobre tabla

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DIMENSIONES: 68 X 81
L0CALIZACION: Pinacoteca de Brera
DESCRIPCIÓN.- Se representa la figura, poco agradable a la vista, de
Cristo yaciendo ya cadáver en un escorzo de los más dolorosos que se han
visto en la Pintura de todos los tiempos.
ANALISIS FORMAL.- Aplicando literalmente las leyes de las matemáticas,
Mantegna dibujó un cuerpo según el canon renacentista, perfectamente
proporcionado, y lo proyectó hacia un punto de fuga central que nos muestra
un violento escorzo del cadáver de Cristo. La muerte se abalanza sobre los
espectadores, que pueden contemplar simultáneamente las llagas de los pies,
el vientre hundido, las llagas de las manos y la patética faz de Jesús, con los
labios entreabiertos y la piel amoratada. Es una auténtica agresión al
espectador y al mismo tiempo una audaz declaración de principios artísticos
que Mantegna realizó en este cuadro inolvidable. Escasos toques de color
animan los rostros, de manera que el conjunto posee una virtud
monocromática que acentúa su dramatismo; a idéntico propósito responde la
cruda descripción de los orificios de los clavos en las manos y pies de Cristo,
cuyos tejidos han sido desgarrados con un realismo que requiere la
observación por el pintor de cadáveres lacerados. Magnífico estudio de
anatomía que representa la culminación del estilo duro, casi escultórico, e
intensamente dramático de su autor: el cadáver aparece encima de una
mesa, cuya superficie, lisa y rígida, introduce un factor de expresión
dramática; el cuerpo está visto desde los pies, de manera que sus
dimensiones se acortan de forma brutal. La simplicidad de las superficies
anatómicas contrasta con el plegado de la tela que cubre la parte inferior
del cuerpo revelando la robustez de las piernas.
INTERPRETACION.- Su composición puede haber sido sugerida por una
obra de Andrea del Castagno, y consta que impresionó vivamente a
Rembrandt. En su momento la obra escandalizó a todo el mundo porque era
la primera vez que se presentaba el dolor en la muerte de una manera tan
brutal, incluso con poco respeto para el espectador, de manera que se busca
descubrir en quien lo ve el horror y la impresión.

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BIBLIOGRAFIA:
HISTORIA DEL ARTE MODERNO II ( J.M.Viñuales)
www.wikipedia.com
ULTIMA CENA
OBRA: Última Cena
AUTOR: Andrea del Castagno
CRONOLOGIA: 1450
TECNICA: Fresco
DIMENSIONES: 470 x 975
LOCALIZACION: Refectorio de Santa Apolonia, Florencia
DESCRIPCION.- Se trata del reflejo de la Última Cena de Jesús, rodeado
de los Apóstoles, que Andrea del Castagno pinta para decorar las paredes
del refectorio del convento de Santa Apolonia, en Florencia.

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ANALISIS FORMAL.-Enmarca el cuadro en una construcción ilusoria,
jugando con la arquitectura para conseguir una cierta perspectiva, a la par
que maneja la luz y las sombras, hasta dar la sensación de que por la ventana
entra un haz de luz que ilumina toda la escena y la hace más visible al
espectador. No hace caso el pintor de las leyes de la perspectiva de punto
único, no hay punto de fuga y la distancia en las transversales es uniforme.
Masaccio influye de manera importante en toda la obra de Castagno, al igual
que la admiración que el pintor siente por la figura de Donatello hace que
sus personajes tengan mayor volumen, porque les aplica muchas de las
técnicas escultóricas. La composición sigue la línea que había sido siempre
habitual en otras anteriores: Jesús se sitúa en el centro de la mesa y tiene
a ambos lados a los apóstoles. Judas destaca en el primer plano, por su
importancia como traidor a Cristo. Los rostros son en realidad retratos
individualizados en donde se advierte la psicología de cada personaje.
INTERPRETACION.-Hay que ver en primer lugar la localización de la obra:
en este caso un refectorio de un convento de monjas de clausura; por lo cual
el tema de la Última Cena de Jesús resulta de lo más adecuado para presidir
cada una de las comidas de las religiosas, con la idea de la santificación y el
sacrificio. El artista se caracteriza, como ya hemos dicho, por ser un buen
retratista, y sabe hacer ver al espectador el drama del momento tanto
valiéndose del retrato psicológico de los personajes como del juego de la luz
con los colores de los ropajes.
BIBLIOGRAFIA:
ARTE ( F. Hartt)

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BAUTISMO DE CRISTO
OBRA: Bautismo de Cristo
AUTOR: Piero Della Francesca
CRONOLOGIA: 1450

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LOCALIZACION: National Gallery, Londres
DESCRIPCION.- Es la parte central de un tríptico, destinado al altar
central de la Iglesia de San Juan en Borgo San Sepulcro. Representa el
momento del Bautismo de Jesús en el río Jordán, siendo El mismo y San
Juan Bautista los personajes principales.
ANALISIS FORMAL.- Se puede apreciar la delicadeza y contención que
caracterizará al conjunto de su producción, así como su preocupación por
conseguir la correcta ubicación de las figuras en el mismo. Además, en sus
composiciones, ordenadísimas, la sencillez es siempre aparente, porque
existe un estudio de las líneas perspectivas, que llevarán la mirada del
espectador de la obra adonde el pintor desee. El tratamiento del color y la
luz es el encargado de resaltar el volumen de los protagonistas de la escena.
Aunque las figuras son todavía un tanto hieráticas en sus posturas, y se
advierte una cierta rigidez, ya tienen volumen y se presenta una atención
adecuada a la anatomía y a las proporciones. Se aprecia en el paisaje
detallismo, como en las hojas de los árboles, por ejemplo, y se puede ver ahí
una ligera influencia de la pintura flamenca. Incluso se detiene en plasmar el
reflejo de las montañas en el agua del río. Es una obra de tonalidades más
bien apagadas, porque la principal protagonista es la luminosidad.
INTERPRETACION.-Se trata de un cuadro religioso, y como tal es tratado,
dando el primer plano a las figuras de San Juan Bautista y del propio Jesús,
al cual se representa con la paloma, imagen del Espíritu Santo, revoloteando
sobre su cabeza. La composición está basada en un cuadrado, que simboliza
la tierra, y en un círculo, que refleja el cielo porque se creía que era la
figura más perfecta, y así se venía haciendo ya desde la Antigüedad e
incluso en el Medievo. El artista es heredero del conocimiento de la técnica
aplicada por Masaccio, y se mostrará especialmente interesado a lo largo de
su trayectoria en el estudio y empleo sistemático de la misma, llegando al
final de su vida incluso a recopilar en diversos tratados las leyes que rigen
la perspectiva. Conseguirá imprimir a sus obras un aura de tranquilidad y
misticismo gracias al empleo que va a hacer de la luz, de cuya aplicación se
revelará como un maestro (va a usar además una gama cromática "lumínica"
en sus trabajos) y a la creación de composiciones geométricas, dando lugar a
un estilo particular y elegante que, en ocasiones, llegará a entroncar con el
flamenco.

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BIBLIOGRAFIA:
ARTE ( F. Hartt)
www.wikipedia.com

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