1. Facultad de la Cultura
LICENCIATURA EN GESTIÓN CULTURAL
Y ECONOMÍA CREATIVA
Curso: ARTE I
Prof. Fernando Rodríguez Compare
2. ESTÉTICA: ARTE Y BELLEZA
“El viaje más hermoso no es aquel en el que se visitan
nuevos lugares, sino aquel que visitás los mismos, para
mirarlos con otros ojos.”
Marcel Proust
Alexei Butirskiy (Moscú – 1974)
3. CUESTIONES FUNDAMENTALES EN LA DISCUSIÓN
ESTÉTICA Y LA FILOSOFÍA DEL ARTE:
• - ¿QUÉ ES LA EXPERIENCIA O LA VIVENCIA ESTÉTICA?
• - ¿QUÉ ES LO BELLO? Y ¿HAY DIFERENTES TIPOS DE
BELLEZA?
• - ¿TODO LO BELLO ES ESTÉTICO?
• - ¿PUEDE EXISTIR UNA COSA ESTÉTICA Y AL MISMO
TIEMPO FEA, DESAGRADABLE, HORROROSA, ETC...?
• - ¿QUIÉN O QUIÉNES DEFINEN SI ALGO ES BELLO?
4.
5. LA OBRA DE ARTE:
• - ¿EXPRESA SENTIMIENTOS, IDEAS,
PENSAMIENTOS?
• - O ¿ES EL AUTOR QUIEN LOS EXPRESA A
TRAVÉS DE ESA OBRA?
• - O ¿ES EL ESPECTADOR U OBSERVADOR EL
QUE LOS PONE O INVENTA?
• - SI LA NATURALEZA ES BELLA, ¿PODEMOS
DECIR QUE LA NATURALEZA EXPRESA ALGO?
6.
7. PARA DISFRUTAR DEL ARTE:
• - ¿HAY QUE SER ARTISTA?
• - ¿HAY QUE TENER UN "DON" ESPECIAL O UN
"GUSTO" ESPECÍFICO?
• - ¿EL "GUSTO ESTÉTICO" ES UNIVERSAL O SÓLO DE
UNOS POCOS?
• - ¿HAY QUE TENER CONOCIMIENTOS ESPECIALES?
• - ¿HAY ÉLITES "CONOCEDORAS?
• - ¿SE PUEDE EDUCAR ARTÍSTICAMENTE?
8.
9. Todo, absolutamente todo en el universo posee una
belleza (hasta lo feo). Desde las artes, pasando por la
naturaleza y las máquinas, la obra más perfecta y bella
es el cuerpo humano. Éste ha sido materia de
investigación desde diferentes disciplinas. A través del
tiempo, se ha tratado el tema de la estética, no sólo
desde las artes, sino desde la literatura, la filosofía, e
incluso desde la medicina. Ambos términos logran estar
juntos en diferentes épocas de la historia, hablando
desde diferentes perspectivas.
10. DEFINICIONES DEL TÉRMINO:
E S T É T I C A
Etimológicamente, la palabra “estético” deriva del griego
aistêtiké (de aisthesis = sensación, sensibilidad), de lo que
inferimos que la Estética cubre un vasto campo de la
representación sensible, el ser humano tiene una imagen de sí,
toma conciencia de sí: se ve.
“La estética es la ciencia que estudia e investiga el origen
sistemático del sentimiento puro y su manifestación, que es el
arte”, según afirma Kant en su "Crítica del juicio".
Se puede decir que es la ciencia cuyo objeto primordial es la
reflexión sobre los problemas del arte.
11. LA EXPERIENCIA ESTÉTICA
• Es la experiencia valorativa que tiene todo ser
humano ante la belleza de los objetos de su
entorno. Tiene 2 elementos:
• Sujeto: es el agente que valora con goce la
presencia de un objeto considerándolo como
bello o feo.
• Objeto: es aquello que tiene la función de hacer
aparecer en la consciencia de hombre imágenes
que son apreciadas o despreciadas
– Tipos:
» Naturales – montaña, valle, flor
» Sociales – guerras, revoluciones, fiesta patronal
» Obras de Arte – poema, escultura, drama, melodía
12. La reflexión sobre el arte
fue asunto de interés para
muchos de los filósofos
clásicos griegos. Si el arte
tiene una historia que se
remonta a los orígenes del
ser humano, la reflexión
filosófica sobre el
arte nos deja más cerca,
en el siglo VI antes de la
era cristiana.
13. IDEAS ESTÉTICAS PRINCIPALES REPRESENTAN TES
EPOCA ANTIGUA P. Arcaico: HOMERO – HESÍODO – Poetas líricos (Píndaro,
Safo, Solón)
P. Clásico: Filósofos: PITÁGORAS – HERÁCLITO –
SÓCRATES – SOFISTAS – PLATÓN – ARSITÓTELES.
P. Helenístico: EPICUROS – ESCÉPTICOS – CICERÓN.
EDAD MEDIA SAN AGUSTÍN – SANTO TOMÁS
ÉPOCA MODERNA
ESTÉTICA
S. XV – NICOLÁS DE CUSA
S. XVI – ALBERTI – LEONARDO – RAFAEL – DURERO –
VASARI – PALLADIO
S. XVII - DESCARTES - LIEBNIZ
S. XVIII – LOCKE – HUME – DIDEROT – BAUMGARTEN -
KANT
ÉPOCA CONTEMPORÁNEA S. XIX – HEGEL – NIETZSCHE – GOETHE –
SCHOPENHAUER – HEIDEGER – CROCE – ORTEGA Y
GASSET
S. XX – FOUCAULT – DIDI-HUBERMAN – DANTO –
ADORNO – BARTHES – FORMAGGIO
HISTORIA DE LA ESTÉTICA
14. Si bien junto al Arte,
la Belleza ha
constituido
históricamente el
objeto de análisis
de la Estética, es
indudable que hoy
es el Arte, y no la
Belleza, el que
delimita el campo
de la Estética. La
belleza ha perdido
el rol protagónico
que tuvo en otros
momentos.
15. Puesto que la recepción de algunos fenómenos estéticos
exceden el ámbito de lo sensible a favor del concepto,
deberíamos definir a la Estética como disciplina que estudia la
experiencia estética no partiendo necesariamente de la
sensación, como lo dicta su etimología.
Hegel sostiene que el
término Estética no
define lo bello en
general, sino
puramente lo bello en
el Arte. La expresión
más adecuada para
esta ciencia sería la de
“filosofía del arte”, y
más específicamente,
“filosofía del arte
bello”.
16. Según Hegel, desde el punto
de vista del sentido común,
el arte de lo bello se puede
examinar a partir de los
siguientes supuestos:
1) el arte no es un producto
de la naturaleza sino que es
una actividad humana.
2) se dirige hacia los sentidos
recurriendo a lo sensible
3) tiene un fin en si mismo.
17. Ya en el siglo XIX, Hegel advirtió la existencia de obras de arte
que apelaban más al pensamiento que a las sensaciones, que
invitaban más a “la consideración pensante”, lo que acercaba
indudablemente a los requerimientos del arte conceptual del
siglo XX.
18. NACIMIENTO Y EVOLUCIÓN DEL CONCEPTO DE
ESTÉTICA
Existen obras de arte desde la Prehistoria, sin embargo, la
Estética como disciplina autónoma es más
contemporánea.
Desde la Antigüedad a Edad Media hubo reflexiones sobre
la belleza y el arte, pero no existía la Estética como tal.
Dichas reflexiones provenían de la Filosofía y más
específicamente, de la Metafísica.
Platón sostenía que el Arte era fruto de la Metafísica,
fundándose en la bipartición del mundo en dos: el Mundo
de las Ideas (verdadero, inteligible, inmutable) y el Mundo
Sensible (copia o imitación del mundo de las Ideas).
A este mundo ilusorio y cambiante pertenece la obra de
arte.
19. El nacimiento de la Estética en el siglo XVIII es un
acontecimiento mayor en la historia del pensamiento
occidental. Es consecuencia del lugar de privilegio que
adquiere el hombre autónomo de la Ilustración: el
hombre deviene sujeto, contra la idea de creatura propia
del medioevo, donde era considerado dentro del grupo de
entes creados por Dios.
20. MODERNIDAD ESTÉTICA
SUBJETIVIDAD
YO MISMO Y MIS
ESTADOS PASAN A
SER LO PRIMERO
HOMBRE GUIADO
POR LA RAZÓN QUE
ILUMINA Y POR EL
PRINCIPIO DE
LIBERTAD
SUJETO
DUEÑO DE SÍ
MISMO
21. La estética como disciplina
autónoma es la
consecuencia teórica del
avance de un arte
autónomo, desligado tanto
de la utilidad como de la
función educativa o
religiosa.
22. A partir del Quatrocento italiano, surge el paradigma del artista
“humanista”. La regla o el mandato medieval deja paso a la
elección – subjetiva – del artista.
EL BAUTISMO DE CRISTO
GIOTTO - 1302
PIERO DELLA FRANCESCA - 1445
23. En el siglo XVIII, durante el desarrollo de la Ilustración ,
la Estética participa de la utopía, que guiada por la
razón, permite al hombre alcanzar la completa felicidad.
Se le encomendará la educación del gusto, la
armonización de las fuerzas de la naturaleza y del
instinto con las leyes de la razón.
24. “La bella Antigüedad fue siempre venerable,
Pero no creo en absoluto que ella sea venerable.
Veo a los antiguos, sin doblar las rodillas;
Son grandes, es cierto, pero hombres como nosotros.”
Fragmento un poema de Charles Perrault , declamado ante la Academia
Francesa en 1687.
25. GUSTO, ESTÉTICA Y BELLEZA
El filósofo escocés David Hume no utilizaba el término
Estética, sino que prefería el de Gusto, como la refinada
capacidad de percibir la calidad en una obra de arte.
Immanuel Kant, por su parte, también hablaba de juicio de
Gusto, pero le interesaba más los juicios sobre el concepto
Belleza.
26. PROBLEMA DE LA BELLEZA
• ¿Qué es la belleza y qué nos lleva a buscarla?
• ¿De qué depende?
• ¿Depende del estado de ánimo, del deseo, del
interés o de los sentimientos del ser humano?
• ¿Depende del objeto bello y sus cualidades?
27. VIRGEN MARÍA – Chris Ofili - 1999
VIRGEN DEL JILGUERO – Rafael –
Siglo XVI
30. Los debates sobre el concepto de belleza los podemos
encontrara ya en la antigua Grecia del siglo V a C a partir de las
diferentes posiciones respecto a la tragedia griega:
Platón (427 – 347 a c)
• Examinó formas del arte como la
tragedia, al igual que la escultura, la
pintura, la cerámica, la arquitectura,
no como “arte”, sino como habilidad
artesana. Los consideraba como
ejemplos de “mimesis” o imitación.
• Criticaba todas las imitaciones,
incluyendo las tragedias, por no
describir las realidades ideales
eternas: “Formas” o “Ideas”.
• La tragedia confundía al público
acerca de los valores: si los
personajes buenos experimentan
trágicos fracasos, esto nos enseña
que la virtud no siempre es
recompensada.
Aristóteles (384 – 322 a C)
• Defendió la tragedia en su poética
argumentando que la imitación es algo
natural que agrada a los seres
humanos desde temprana edad y de
la que incluso aprenden.
• No creía que hubiera una esfera
aparte de Ideas, como Platón. Para
Aristóteles, la tragedia podría educar
atrayendo a la mente, los sentimientos
y los sentidos de las personas.
• Si una tragedia muestra como hace
frente a la adversidad una persona
buena, genera una purificación o
“catarsis” por medio de las emociones
del temor y la compasión.
31. Según Platón, los que producían las artes de la imitación (los
mimetés) estaban alejados de la verdad y de lo real; ellos no hacían
cosas útiles (utensilios, muebles, etc.) sino meras ilusiones,
fantasmas o simulacros de esas mismas cosas.
Mímesis, según Platón, supone no sólo la producción de algo irreal
sino también que eso irreal debe dar la ilusión de realidad.
BODEGÓN - Joaquín Laporte - 2007
FRASCO CON CANICAS
Pedro Campos - 2006
32. GUSTO, ESTÉTICA Y BELLEZA
EL IMPERIO DEL GUSTO EL JUICIO DEL GUSTO
Dos enfoques sobre un mismo tema
KANT
33. DAVID HUME – 1711 – 1776
«En todas las
producciones más
nobles de la
genialidad humana
existe una relación
mutua y una
correspondencia
entre sus partes»
«Ni la belleza ni la
deformidad pueden ser
percibidas por aquel
cuyo pensamiento no es
capaz de aprehender
todas esas partes y
compararlas entre sí.»
«Un hombre que no
ha tenido
oportunidad de
comparar las
diferentes clases de
belleza está sin
duda totalmente
descalificado para
opinar con respecto
a cualquier objeto
que se le presente».
«Existe la delicadeza de
gusto, pero también la
delicadeza de la pasión,
relativa la sensibilidad
hacia lo bueno y lo
malo de la vida.»
34. • Hume insistía en la
educación y en la
experiencia: los hombres de
gusto adquieren
determinadas capacidades
que conducen a un acuerdo
en cuanto a qué autores y
obras de arte son las
mejores. Dichos expertos
pueden diferenciar las obras
de alta calidad de otras
menos buenas.
• Los hombres de gusto deben
“conservar la mente abierta al
prejuicio”, pero pensaba que
nadie debía hallar agrado en
actitudes inmorales ni “maneras
viciosas” en el arte (por ej. obras
del arte musulmán).
• Hume sostiene que los juicios de
gusto son “intersubjetivos”: las
personas de gusto tienden a
coincidir entre sí.
• Se le critica que su concepto de
gusto solo se genera mediante
adoctrinamiento cultural.
DAVID HUME – 1711 – 1776 (Edimburgo)
35. 1724 – 1804
«Todo nuestro
conocimiento
comienza con la
experiencia... No
por ello todo
procede de la
experiencia»
«El gusto es la
facultad de juzgar
un objeto o una
representación
mediante una
satisfacción o
descontento sin
interés alguno. El
objeto de
semejante
satisfacción,
llámese como
bello "
«El gusto es la facultad
de juzgar un objeto o un
modo de
representación, por la
satisfacción o el
desagrado, de un modo
totalmente
desinteresado. Se llama
Bello el objeto de esta
satisfacción»
36. • Kant pretendía demostrar
que los buenos juicios en
estética se basan en rasgos
de las propias obras de arte,
no sólo en nosotros y en
nuestras preferencias.
Sostenía que para actuar en
el mundo con el fin de lograr
nuestros objetivos humanos
etiquetamos gran parte de
lo que sentimos, a menudo
de una manera arbitraria.
• Su teoría estética es anti-
intelectualista: la razón no es
concluyente para emitir juicios,
lo válido son las apariencias, la
primera impresión sin atender a
su forma o composición, sólo a
las emociones que despierta ese
primer momento que es
apariencia, es arte, es juicio.
• Los instintos frente a la razón.
• Una rosa roja nos agrada, no
para comerla, ni siquiera para
ponerla en un jarrón.
• Kant afirma que algo bello tiene
“intencionalidad sin intención”.
IMMANUEL KANT – 1724 – 1804 - Prusia
37. Kant advirtió que el goce de la belleza era distinto de otros tipos de placer.
Si una frutilla madura con su textura, color y aroma nos lleva a comerla,
estamos contaminando el juicio de su belleza. Con el fin de apreciar su
belleza , piensa Kant que nuestra respuesta tiene que ser desinteresada,
independiente de su propósito y de las sensaciones placenteras que
produce.
38. En definitiva, Kant sostiene que la estética se experimenta
cuando un objeto sensorial estimula nuestras emociones,
intelecto e imaginación. Estas facultades son activadas en un
“libre juego” y no de una manera más centrada y deliberada. El
objeto bello atrae a nuestros sentidos, pero de una manera fría
y distanciada. La forma y el diseño de un objeto bello son la
clave del importantísimo rasgo de la “intencionalidad sin
intención”.
39. En Kant vemos dos conceptos estéticos:
a) Subjetividad universal: es clave para el
idealismo posterior de Kant. En este concepto se
conjugan distintos ámbitos: el entendimiento y
la sensación, la racionalidad y la irracionalidad,
lo infinito y lo finito, lo objetivo y lo subjetivo.
Todas estas conciliaciones se reducen a
conciliación entre entendimiento y sensación. Lo
común entre los juicios estéticos y científicos es
que produce conocimiento objetivo, universal.
La sensación sería irrepetible y única. Se
vinculan aspectos en principio opuestos.
b) El objeto natural como objeto estético: Son
experiencias inmediatas en la cual el objeto
natural por no estar mediado es el objeto
estético por excelencia, dicho objeto fija nuestra
atención inmediatamente, se me impone. El
objeto natural es el paradigma. Sin proceso de
interpretación no tiene que ser descifrado. No
hay autor, no hay interpretación y se impone
inmediatamente.
40. Para Platón existe la Idea del Bien, a la que llama la “Idea de las Ideas”.
Mientras las Ideas son únicas (una sola idea de belleza, una sola idea de
igualdad, etc.) las que son inmutables, necesarias, universales y eternas;
las cosas sensibles son múltiples, mutables, temporales y particulares,
todas copias de la única Idea (del griego oidos = ver).
En Platón, el término idea hace referencia al aspecto inteligible de las
cosas.
En el libro X de la República, Platón ilustra esta posición a través del
ejemplo de las tres camas: en el mundo empírico existe una
multiplicidad de camas, mientras que en el mundo suprasensible
encontramos la Idea de cama, única y esencial:
• La Idea de cama – por la cual la cama es cama. Primer grado de
realidad.
• La cama sensible que fabrica el artesano, que es copia imperfecta, una
realidad degrada. Segundo grado de realidad.
• La imitación que hace el artista de la cama. Tercer grado de realidad
41. La descripción griega clásica del arte como imitación influyó en
otras áreas de la teoría del arte además de la tragedia. Por
ejemplo, Gombrich define a la historia del arte occidental
como la búsqueda de maneras cada vez más vívidas de presentar
la realidad. Sostiene que existen aún en el siglo XXI muchas
personas que prefieren una arte que “se parezca” a aquello por
ellos reconocible.
Retrato de
Eleonor
de Toledo
con su
hijo –
Angiolo
Bronzino
1545
Bodegón –
Willem Kalf
1660
42. El artista norteamericano Joseph Kosuth
(1945), reflexionó sobre esta postura de
Platón, sobre la diferencia entre realidad e
ilusión (y también convención) en una de
sus obras más emblemáticas de arte
conceptual: Una y tres sillas (1965)
43. UNA Y TRES SILLAS - JOSEPH KOTUSH – 1965
El objeto real: silla.
La 1ª re-presentación de la silla (fotografía)
La 2ª re-presentación de la
silla (definición del
diccionario)
44. LA ESTÉTICA EN EL SIGLO XX
En la modernidad, la relación de la belleza con las formas
sensibles se desconecta de los modelos ideológicos
impuestos extendiéndose, hacia finales del siglo XX, un
descrédito del uso de la belleza en las producciones
artísticas así como un rechazo al uso del concepto en la
Estética y como medida del arte.
La "muerte de la belleza" en los tiempos modernos es
resultado de la crisis histórica de la existencia de un
principio estético uniforme propugnando la
fragmentación cultural con la diversidad de las
representaciones humanas.
45. La modernidad se rebela contra
todo lo que es normativo, rompe
con las tradiciones, tiene la misión
de ser siempre innovadora y es en
ese sentido donde es efímera ya
que necesita reinventarse
constantemente o perder su
sentido de originalidad, y por lo
tanto perder su validez.
La negación es su fuerza creadora,
negación como ruptura con lo ya
establecido, negación como
rechazo a lo anterior. Moverse
siempre hacia delante, dejando
atrás lo que ya se ha hecho antes,
lo único realmente valioso es
aquello que innova, que es original.
46. La dictadura de los paradigmas del Arte
Paradigma es un modelo invisible, un juicio
previo sobre algún ámbito determinado, un prejuicio
cuya función es definir los límites entre lo que es
correcto y lo que no debemos aceptar.
La adopción del paradigma nos sirve como
motivación y como marco de referencia que le da
una orientación definida a nuestro pensamiento,
pero cuando se lo adopta como una regla inviolable
oscurece todo lo que está más allá de sus límites y
dificulta su observación.
47. El paradigma neoclásico del siglo XIX le impidió a la elite
cultural francesa apreciar los valiosos atributos de la nueva
mirada que aportaban los impresionistas
BOUGUEREAU DEGAS
48. El posterior paradigma vanguardista acostumbró al público de
arte al desprecio de la pintura figurativa y precipitó el aluvión
de prohibiciones y tabúes que atraviesa la historia del arte
contemporáneo.
Alexei Butirskiy
Pablo Picasso
49. Las vanguardias de principios del siglo XX,
en especial, el dadaísmo y surrealismo,
imponen al arte un carácter crítico,
negativo, combativo e iconoclasta, donde
éste toma partido en la revolución social y
política propia de su época.
Destruir es crear.
50. Déjenlo todo
Dejen Dada.
Dejen su esposa, dejen su
amante.
Dejen sus esperanzas y sus
temores.
Abandonen a sus hijos en
medio del bosque.
Suelten el pájaro en mano
por los cien que están
volando.
Dejen si es necesario una
vida cómoda, aquello que
se les
Presenta como una
situación con porvenir.
Salgan a los caminos.
André Breton - 1924
51. El panorama del arte y las
practicas artísticas han sufrido
profundas transformaciones, el
agotamiento de la modernidad y
la incorporación de nuevas
tecnologías en las artes,
determinan una profunda
revolución de las tradicionales
practicas artísticas. Un artista
visionario de estas problemáticas,
fue sin duda, Marcel Duchamp. La
profunda revolución que provocan
sus ready-made, y su negación del
concepto de obra, lo sitúan como
un eslabón clave entre la
modernidad artística y el arte
posmoderno
52. El esfuerzo de Duchamp
consiste en sustituir la
pintura, por la pintura-
idea.
"El desnudo es un antimecanismo. La
primera ironía consiste en que no sabemos
siquiera si se trata un desnudo. Encerrado
en un corsé o malla metálica, es invisible.
Ese traje nos recuerda tanto a una
armadura medieval como a una carrocería
o a un fuselaje.” OCTAVIO PAZ
Desnudo bajando la escalera - 1912
53. Las características medulares
del ready -made se podrían
resumir de la siguiente forma:
son obras que remiten a
materiales sencillos; son objetos
cotidianos; son desechables; no
tienen gusto; son objetos
neutros. En términos generales,
el ready-made es un pretexto
para activar una serie de ideas,
donde lo central es reflexión por
el contexto de la obra, idea que
revoluciona la tradicional
lectura de obra. En esta lógica,
lo que determina finalmente
que simples objetos pasen a
constituirse en arte, es la
pérdida de la función de uso del
objeto.
54. Si bien, el dispositivo duchampiano del ready-made, produce
una profunda interrogante en lo relativo a la obra de arte, y su
materialidad. En el ámbito de la estética, surge
inmediatamente la pregunta ¿cómo aplicar el concepto de
gusto, en una obra que se aleja radicalmente de la noción de
obra?.
La crítica de Duchamp se instala en la médula de lo que se
conoce como "estética ", entendiendo por estética la disciplina
que en el siglo XVIII, logra enlazar los conceptos de arte y
belleza, que en la persona de Baumgarten toma el nombre de
doctrina del conocimiento sensible.
55. ¿Cuáles son las características o huellas de la profetizada
muerte del arte?
Resulta paradójico pensar en la visualización de la citada
muerte; sin embargo, hay gestos importantes que ponen en
evidencia el fin de una tradición visual occidental.
MALEVICH DUCHAMP
56. Desde el paleolítico hasta las figuras cubistas, existe la
sensibilidad de crear visualidad en función de presentar
objetos, ya sea como: mímesis, expresión, espiritualidad etc.,
sin embargo, a un resultado completamente distinto llegaron
Duchamp y Malevich.
Estos dos artistas, alcanzaron el denominado grado cero en el
arte: se entiende por grado cero, cuando se han violado y
transgredido las normas básicas de una determinada
disciplina. La radicalidad de estos artistas consiste
precisamente en la negación del objeto, Duchamp a través de
la presentación del objeto (el ready -made como objeto
aestético) y Malevich a través de la no-presentación del objeto,
( cuadro blanco sobre fondo blanco), estas acciones rupturistas
pusieron en evidencia la fragilidad de la visualidad moderna ,
planteando un cambio de época o con otras palabras la caída
de los paradigmas estéticos modernos .
57. ¿MUERTE O REFORMULACIÓN DE LOS
PARADIGMAS?
Gracias a un decidido proceso de desconstrucción de
paradigmas plásticos heredados del academicismo
clásico; desarrollado por el dadaísmo, el cubismo, y otras
vanguardias durante la primera mitad del S. XX , se logró
apelar, a una nueva forma de percibir la realidad,
desentrañando a través de la mayoría de sus pinturas, las
diversas realidades formales, que subyacen a la simple
apariencia de los objetos. En síntesis, con las
vanguardias, la muerte del paradigma, dará paso, a una
manera distinta de ver, que permitió formular nuevos
significados.
58. “De vez en cuando tiene
que surgir un artista que
mande al diablo nuestra
ideas sobre el arte, para
que haya de nuevo
pintura.”
Willem de Kooning
(1904 – 1997)
59. Arthur Danto (1924 – EEUU), una
de las principales figuras de la
estética actual, intentó indagar la
crisis del concepto (y del completo
cambio en la vivencia) de la belleza
en el arte contemporáneo. El
verdadero terremoto, sostiene,
tuvo lugar ya al comienzo del siglo
XX, con el emblemático mingitorio
de Duchamp y las vanguardias
plásticas y literarias que allanaron
el camino para la introducción de
obras difícilmente aceptables
siquiera como arte (es decir, sin
considerar su valor estético, bueno
o malo, sino su mero estatuto) en
los 25 siglos que nos preceden.
