Imaginería española del barroco

IMAGINERÍA
Es una especialidad del arte de la escultura, dedicada a la
representación plástica de temas religiosos, por lo común
realista y con finalidad devocional, litúrgica, procesional o
catequética.
TÉCNICA
La más habitual es la talla de madera
policromada.
Se usan también el modelado de barro
cocido (terracota) y la escayola.
Es habitual la escultura polimatérica con
elementos postizos como cabellos (pelucas)
ojos y lágrimas de cristal, unas y dientes de
asta, coronas de espino y metálicas, etc.
Se vincula a la religión católica debido al carácter icónico de
la misma frente a las iglesias reformadas, algunas de postura
anicónica e iconoclasta (calvinistas)
Tiene su época de desarrollo principal entre la Edad Media
(románico y gótico) y el Barroco (S-XVII)
Se encuentra principalmente en: España, Italia, Portugal,
e Iberoamérica y en menor medida
en Francia, Canadá, Países Bajos y Austria.
Carmen Águila, https://hortushesperidum.com

CARACTERÍSTICAS DE LA ESCULTURA ESPAÑOLA DEL BARROCO
Escultura predominantemente religiosa. encargada por
iglesias, conventos y cofradías.
Es casi inexistente la escultura civil, que sólo se da en el
ámbito de la Corte.
Se produce la decadencia de la escultura funeraria.
Realismo expresionista.
Escultura polimatérica: para lograr el realismo de las
figuras se recurre a postizos como el empleo de pelo
real, corona real, ojos y lágrimas de cristal, etc. Se
llegaron a crear imágenes de vestir
La temática tratada es casi exclusivamente religiosa
Los temas mitológicos y profanos estarán ausentes.
Los artistas logran la expresión de los sentimientos en
las figuras: dolor, angustia, muerte, éxtasis.
Retablos, donde aparecen figuras exentas y en relieve.
Sillerías de coro
Escultura de bulto redondo en fachadas
Pasos de Semana Santa.
La finalidad de las esculturas es sugerir una profunda
emoción religiosa en el espectador, en consonancia con
el espíritu de la Contrarreforma católica, de la que
España es firme defensora.
El material más empleado es la madera policromada. La teatralidad barroca alcanza en la imaginería española
su máxima expresión.

La Macarena 1680
Sevilla

La finalidad de las esculturas es sugerir una profunda
emoción religiosa en el espectador
No se retrocede
ante la crueldad
y la violencia

MATERIALES TÉCNICAS
MADERA
▪Nogal y maderas de gran calidad para las sillerías de coro. No se
policroman.
▪Pino (Castilla) y borne, un tipo de roble (Sevilla) para la escultura
policromada.
▪El boj y la caoba en esculturas de pequeñas dimensiones.
▪Tejo
Antes de la ejecución de la escultura se
hacían bocetos en dibujo y modelos en
barro o cera.
Los escultores se inspiraban con
grabados y cuadros.
En el caso de los retablos había que
presentar una traza en dibujo.Piedra (caliza) se reserva para la escultura monumental de fachadas.
Alabastro, para la escasa escultura funeraria La madera tenía que estar perfectamente
seca y carecer de nudos.
La escultura se hacía por piezas que
posteriormente se ensamblaban. Las piezas
como ojos, dientes, etc, se insertaban desde
el interior antes de pegar las dos piezas de
la cabeza
Mármol y jaspe, para algunos retablos.
Bronce, se emplea escasamente
Barro cocido, policromado (La Roldana)
Pasta de papel, “papelón” para la escultura procesional, para aligerar
el peso
Cera, para los modelos y bocetos.

El escultor no policroma sus esculturas, se trata de un trabajo de
colaboración entre varios artistas.
Los gremios de pintores policromadores no lo permitían. Para que un
escultor policromara sus esculturas tenía que pasar por el examen del
gremio.
La escultura es policromada por un pintor especialista en policromía o
incluso por un pintor de lienzo y tabla. Diego Valentín Díaz fue el
pintor de Gregorio Fernández y Francisco Pacheco, maestro de
Velázquez, de Martínez Montañés. Juan de Valdés Leal también fue
policromador, y Alonso Cano, que era pintor, policromaba sus
esculturas.

Fundamentalmente el policromador tiene que atender a las telas (estofado) y a
las carnes (encarnado)
La talla de madera había que imprimarla, respetando la labor del escultor, con
una preparación muy fina de dos capas de yeso:
o Yeso grueso: pegamento mezclado con carbonato de calcio. Esta capa se tiene que secar completamente antes de
aplicar la siguientes que es:
o Yeso mate: polvo de yeso grueso que se moja hasta que quede blanco y suave como la seda. Esta mezcla se deja
que se seque y después se mezcla con pegamento y se aplica en varias capas sin esperar a que seque la capa
anterior.
En el caso del encarnado, el pintor ya aplica directamente el color, pintura al óleo sobre esta
imprimación. Se prefieren las encarnaciones mate, más naturales, a las “a pulimento” que
parecen porcelana, propias de finales del siglo XVI.
Si las telas iban a ser de colores lisos, también se aplicaba el color de la misma forma.

El estofado (The J. Paul Getty Museum)
1. Madera tallada por el escultor
2. Yeso grueso
3. Yeso mate, muy fino y pulido
4. Bol. Arcilla de color rojo mezclada con cola. Da un color cálido y superficie
suave tras secarse y pulirse.
5. Hoja de pan de oro. Se humedece el bol que queda de nuevo pegajoso, y se
adhiere el pan de oro. Se pule con una piedra de ágata.
6. Pintura gris al temple. El oro se cubre con esta pintura. Puede ser otro color
según las necesidades de la obra.
7. Pintura marrón al temple. Cubre toda la capa anterior. Puede ser otro color
según las necesidades de la obra.
8. Aplicación de dibujos con un papel perforado se va marcando el diseño que
se quiere obtener.
9. Revelar el oro. Con un punzón fino se va raspando las capas de pintura y se
hace aparecer la capa de oro.
10. Resalte del diseño por medio de pinceles o aplicaciones en relieve para
simular bordados.

ESCUELA CASTELLANA
Valladolid y Madrid
ESCUELA ANDALUZA
Sevilla – Granada – Málaga
Realismo exagerado Huida de la exageración
Plasmación del dolor y la crueldad, con
abundancia de sangre, realismo por tanto
hiriente
Realismo un tanto idealizado
Dinamismo Serenidad
Tendencia a la caricatura en los personajes
malvados
Imágenes equilibradas
Fuerte modelado Modelado suave
Rostros muy expresivos Belleza y equilibrio
Imágenes de talla completa Imágenes de vestir

El realismo violento
y patético de la Escuela
castellana:
Gregorio Fernández
(1576 -1636)
El realismo clasicista
de la Escuela andaluza:
Juan Martínez Montañés
(1568 -1649)
El tardobarroco de
Francisco Salzillo
(1707-1783). Murcia

ESCUELA CASTELLANA
Valladolid y Madrid
ESCUELA ANDALUZA
Sevilla – Granada – Málaga
Francisco del Rincón (h.1567-1608) Juan Martínez Montañés (1568-1649)
Gregorio Fernández (1576-1636), Alonso Cano (1601-1667)
Manuel Pereira (1588- 1683) Pedro de Mena (1628-1688)
Juan de Ávila (1652-1702) y Pedro de
Ávila (1678 - 1747)
Juan de Mesa (1583 – 1627 )
Juan Sánchez Barba (1602-1673) Pedro Roldán (1624 – 1699)
Luis Salvador Carmona (1708-1767) Luisa Roldán (1653 – 1706)
Murcia Francisco Salzillo (1707 – 1783)

 Dos etapas:
- Fase manierista (hasta 1616)
- Período de madurez (naturalismo)
 Patetismo
 Postizos (ojos de cristal, dientes de marfil, uñas de
asta, etc)
 Realismo
 Simplicidad de planteamientos estéticos
e ideológicos
 Personajes buenos/malos

La Escuela de Valladolid se caracteriza por
el realismo violento de la escultura
religiosa, en el que se exalta el dolor y
el patetismo. Su mejor exponente fue
Gregorio Fernández.
Piedad (1616)

Gregorio Fernández fue el
principal representante de la
Escuela Vallisoletana. Esculpe
sus obras con un realismo
violento y perfección
anatómica en los cuerpos,
matizando la dureza de los
huesos, la tensión de los
músculos, la blandura de la
carne o la suavidad de la piel.

 Realizado en 1616 para la cofradía de Ntra.
Sra. de las Angustias de Valladolid. El paso se
completaba con otras dos figuras -Mª
Magdalena y San Juan- que siguen estando en
la iglesia penitencial de dicha cofradía.
 El grupo central está compuesto en diagonal: la
Virgen eleva el brazo derecho en señal de
dolor, mientras su mano izquierda sostiene
firmemente al Hijo, que se apoya en su regazo.
 Ambas figuras están tratadas con belleza y
elegancia, mientras que las de los dos ladrones
son magníficos estudios anatómicos; presentan
una intencionada contraposición que aumenta
la claridad narrativa: Dimas, el bueno, en
serena actitud, cabeza hacia el grupo central,
rostro tranquilo y cabello ordenado; Gestas, el
malo, con el cuerpo más crispado, pelo
agitado, rostro desagradable y cabeza vuelta
hacia el espectador.

Plasmación del dolor y la crueldad, con
abundancia de sangre, realismo muy hiriente y
efectista, casi teatral.

Está considerado como una de sus obras
maestras destacando por su depurada
anatomía y acentuado patetismo.
Es esta talla se recrea en el dolor y
patetismo del rostro, reflejando dolor y
sufrimiento con profusión de sangre. Los
pliegues del perizoma son rígidos, al estilo
gótico

 Siete figuras vestidas a la
moda del s. XVII
 Escenografía de fácil
comprensión para los
fieles

Ecce Homo
de la
Catedral
de
Valladolid
(1612-1613)
Cristo
atado a la
columna
del
convento
de Santa
Teresa de
Valladolid
(c.1615)

Santa Teresa de Jesús 1625 San Diego de Alcalá 1610

Emplea un realismo más clásico, más sereno. Predomina
la técnica del estofado.
Debemos hablar de dos centros creadores:
o Sevilla, cuyos principales artistas son Martínez
Montañés y Juan de Mesa.
o Granada, con Alonso Cano y Pedro de Mena.
San Juan Bautista, por Juan Martínez Montañés.
Meadows Museum, Dallas

 El que alcanzó mayor fama
entre sus contemporáneos
- “El dios de la madera”
- “El Lisipo andaluz”
 Virtuosismo técnico
 Estilo clásico e idealizado
(serenidad, mesura)
 Creador de modelos
iconográficos

Es esta obra es patente la
influencia de Miguel Ángel

La cieguecita (1629-
1631)
Ternura
Virgen niña
Manos juntas (orar)
Composición trapezoidal
(peana de querubines)
Llamada así por tener la mirada baja y los ojos
entornados

Madera de cedro policromada 164 cm
Sevilla,
Catedral, capilla
de la
Inmaculada de
los Alabastros

 Se representa a Cristo aún vivo, y se huye
de la exageración.
 La imagen resulta realista, pero un tanto
idealizada.
 Desprende una gran serenidad.
El escultor ha reducido la presencia de
sangre en la piel.
 El modelado anatómico es más suave y
equilibrado. Todo resulta en esta obra más
exquisito y “agradable”.

Convento de Santo Domingo de Portacoleli (Sevilla) desamortizado en
1840 – Museo de Bellas Artes de Sevilla

1637 1638

 Más dramático
 Consultaba el natural y estudiaba los
cadáveres, imprimiendo a los Crucificados
los signos de la muerte.
 Obra más personal y crucificado más
perfecto.
Cristo de la Agonía (1622), Juan de Mesa

 Creador del modelo iconográfico "Jesús del Gran Poder"
(Nazareno)
 Imagen más famosa.
 Con la cruz al hombro, captado en el momento de dar
una zancada
 Concebido para ser vestido con túnica de tela

Basílica del Gran Poder, Sevilla

 Discípulo también de Montañés
 Obras de menor tamaño que las de
Sevilla o Valladolid
 Más delicadas y con temas amables, no
ceñidos a la Pasión
 Exquisita técnica y dulzura
 Serenidad y equilibrio frente al
dinamismo barroco

 Fija la iconografía de la Inmaculada
 La Virgen es esculpida con rostro joven,
mirando hacia abajo y con las manos en actitud
piadosa.
 Lleva un manto azul que se ajusta al cuerpo a
manera de huso.
 Sus pies se apoyan sobre nubes y ángeles.

San Antonio de Padua con el Niño Jesús (1666-1667) Niño Jesús del dolor (1650)

Pedro de Mena fue un escultor
tendente a la realización de
representaciones místicas y
también dramáticas, con
exaltación de los sentimientos.
Ecce Homo 1673

Francisco Salzillo
(1707-1783)
Escultor de origen napolitano, de la Escuela de
Murcia que realizó su obra durante la primera mitad
del siglo XVIII.
Introdujo en España la moda de los belenes, de los
pesebres de Nápoles.
Su escultura tiende a la dulzura y elegancia con
predominio de los colores pastel.
Se considera a Salzillo como la transición entre el
barroco y el rococó.

Imágenes:
Wikimedia Commons
Bibliografía:
MARTÍN GONZÁLEZ, JUAN JOSÉ, Escultura barroca en España 1600-1770, Cátedra, 1983
Esta presentación es de uso exclusivo escolar y académico

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