Estupendo trabajo sobre Cerámica Art Nouveau de mi alumno Guzmán Valido.

1. ART NOUVEAU
Reivindicación de las artes decorativas
Guzmán Valido Rodríguez
2º de Cerámica Artística
Escuela de Arte y Superior de Diseño Gran Canaria

2. Índice
c
G
Introducción al Art Nouveau
X Artes Gráficas
2⌘5
5
d
i
La pintura modernista
6
Escultura
6
H
Arquitectura
7⌘9
f Joyería y Vidrio
Z
Y
M
e
j
10
La Cerámica
11⌘12
Ceramistas destacados
12⌘21
Otros ceramistas reseñables
22⌘26
Libros recomendables
27
Webgrafía
28
1

3. Introducción al Art Nouveau
G
Fue un movimiento muy influyente, pero relativamente de
corta vida y ya empezaba a declinar una década más
tarde. Este movimiento partiendo de una colectiva de
diversos artistas visuales, diseñadores y arquitectos de
Europa tenían como objetivo la creación de estilos de
diseño más apropiados para la edad moderna, y se
caracterizaba por un diseño orgánico, la naturaleza era una
de las inspiraciones clásicas del Art Nouveau, y se trataba
de diferentes maneras. Insectos como las libélulas y
mariposas, crustáceos, reptiles, peces, orquídeas, lirios,
amapolas, tulipanes y otros ejemplos exóticos de flora y
fauna, el fluir líneas-formas que se asemejaba a los tallos y
flores de plantas, así como las formas geométricas como
cuadrados y rectángulos, empezaron a aparecer en las
piezas de cristalería, cerámica, interiores y libros e
ilustraciones. La pasión por todo lo japonés era otra de las
modas de la época. La llegada de Art Nouveau se remonta
a dos influencias distintas: la primera fue la introducción,
en 1880, del movimiento Art and Craft, liderado por el
diseñador Inglés William Morris. Este movimiento, al igual
que Art Nouveau, fue una reacción en contra de los diseños
desordenados y las composiciones de las artes decorativas
de la época victoriana. La segunda fue la moda actual del
arte japonés, especialmente impresiones por planchas de
madera, que se extendió gracias a muchos artistas
europeos entre los años 1880 y 90, artistas de la talla
de Gustav Klimt , Emile Galle y James Abbott McNeill
Whistler .Las impresiones de planchas de madera
japonesas contenían formas florales y bulbosas, y curvas de
"latigazo cervical".
Es difícil precisar la primera obra de arte que puso en
marcha oficialmente Art Nouveau. Algunos argumentan
que las líneas estampadas y fondos florales que se
encuentran en las pinturas de Vincent van Gogh y Paul
Gauguin representan el nacimiento de Art Nouveau, o tal
vez incluso las litografías decorativas de Henri de
Toulouse-Lautrec, como La Goule en el Moulin
Rouge (1891 ). Pero el punto más cercano a los orígenes,
está en las artes decorativas, y en particular en la cubierta
de un libro del arquitecto Inglés y diseñador Arthur
Heygate Mackmurdo, de 1883, el volumen Iglesias Ciudad
2
Utagawa Hiroshige
"Horikiri Iris, quinto mes".
De la serie Las cien vistas
más famosas de Edo.
Xilografía a color 1857.
.
Portada de El Japón Artístico,
1899. Una amapola para mi
jardín ilustrado.
Portada Iglesias de Wren,
por: Arthur Heygate
Mackmurdo

4. de Wren. El diseño representa tallos serpenteantes de flores
de coalescencia en uno solo, un tallo en forma de latigazo
grande en la parte inferior de la página, recuerda
claramente al estilo japonés en las impresiones de planchas
de madera.
Aunque el art Nouveau se ha convertido en el nombre más
utilizado para el movimiento, su gran popularidad en toda
Europa occidental y central significa que pasó por varios
nombres diferentes. El más conocido de ellos
fue Jugendstil (estilo de la Juventud), en los países de habla
alemana. Mientras tanto, en Viena, el hogar de Gustav
Klimt , Otto Wagner , Josef Hoffmann y los demás
fundadores de la Secesión de Viena, era conocido
como Sezessionsstil (Secession Style). También se conoce
como Modernismo en España y stile libertad en Italia
(después de Arthur Libertad, tienda de telas en Londres,
que ayudó a popularizar el estilo). También pasó por
algunos de los nombres más despectivos: Estilo
nouille (estilo fideos) en Francia, Paling Stijl (el estilo
anguila) en Bélgica y Bandwurmstil (estilo tenia) en
Alemania, todo lo cual hace referencia lúdica a la tendencia
del Art Nouveau a emplear sinuosa y líneas fluidas.
El Art Nouveau en el siglo XIX debe ser explicado en
parte por el uso de formas populares y fácilmente
reproducibles. En Alemania,Jugendstil, artistas como Peter
Behrens y Hermann Obrist, entre muchos otros, tienen su
trabajo impreso en las portadas de libros y catálogos de
exposiciones, anuncios en revistas y playbills. Pero esta
tendencia no se limita solo a Alemania. El Inglés
ilustrador Aubrey Beardsley, tal vez la figura de estilo Art
Nouveau más controvertida debido a una serie de carteles
creadas durante su corta carrera en los que empleaba un
estilo combinado por líneas elegantes e ilustraciones, entre
lo erótico y lo macabro. Impresiones altamente decorativos
de Beardsley, como la falda del pavo (1894), representan el
vínculo más directo que podemos identificar entre Art
Nouveau y japonismo.
“El Beso” Peter Behrens.
Diseño textil de Hermann
Obrist.
La recompensa de la bailarina
(ilustración para la Salomé de
Oscar Wilde), de Aubrey
Beardsley.
Las características que en general permiten reconocer al
modernismo o Art Nouveau son:
Inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos
de origen natural pero con preferencia en los vegetales y las
formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el
motivo central.
3
Ilustración de Aubrey
Beardsley “Falda de Pavo”

5. Uso de la línea curva y la asimetría; tanto en las plantas y
alzados de los edificios como en la decoración.
Tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos
frecuente su representación estrictamente realista.
Uso de imágenes femeninas en actitudes delicadas y
gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en
los cabellos y los pliegues de las vestimentas (drapeado).
Actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los
sentidos, llegando hasta el erotismo en algunos casos.
La Maison moderne
Libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de
pura fantasía o con inspiración en distintas culturas, como
por ejemplo el uso de estampas japonesas.
Aplicación envolvente del motivo tomando alguna de las
características anteriormente mencionadas en
contraposición con las características habituales del
elemento a decorar. El elemento destacado de tipo orgánico
envuelve o se une con el elemento que decora.
Friso de Beethoven, de Klimt.
Se puede afirmar que el concepto de diseño nació con en el
Art Nouveau, ya que fue un movimiento extrapolado a
todas las artes conocidas.
Las exposiciones eran escaparates fundamentales para el
Art Nouveau, especialmente en el mundo de las
exposiciones universales –según palabras de Gustave
Flaubert, “una forma de locura del siglo XIX”. Empezaron
a surgir colonias de artistas en Europa, inspiradas en el
movimiento Arts & Crafts. Las organizaciones que
proporcionaban un centro para artistas y diseñadores
incluían el Wiener Werkstätte (desde 1903) austríaco,
dirigido por Joseph Hoffman y Koloman Moser y el
Vereinigte Werkstätten für Kunst im Handwerk de Múnich
(desde 1897), en el que trabajaban Hermann Obrist,
Richard Riemerschmid, Bruno Paul y Peter Behrens.
Diferentes firmas contrataban a diseñadores de arquitectura
para dotar de un espíritu moderno a los conjuntos diarios.
La Exposición Universal de París marcó el apogeo del Art
Nouveau y elevó a Francia como centro del movimiento.
Millones de visitantes y miles de expositores acudieron a la
feria, que se celebró entre el 15 de abril y el 12 de
noviembre de 1900. Siegfried Bing, que dirigía la galería
Maison de L’Art Nouveau, exponía interiores de Édouard
Colonna, Georges de Feure y Eugène Gaillard. Loie Fuller
4
Cartel publicitario para Le
chat noir, de Steinlein.
Grand Palais
Cartel exposición de 1902
Turín

6. se prodigaba en su propio pabellón, diseñado por el
arquitecto francés Henri Suavage. Los visitantes utilizaban
para llegar el Metro de París, cuyas entradas habían sido
diseñadas por Hector Guimard, mientras que el curvilíneo
Pabellón Azul era obra del arquitecto belga Gustave
Serrurier-Bovy. Para la exposición de 1902 de Turín,
Raimondo D’Aronco integró la Secession y elementos
decorativos occidentales y bizantinos al pabellón principal.
El estilo pasó de moda después de que se dio paso al Art
Deco de los años 1920, pero experimentó un renacimiento
popular en la década de 1960, y ahora es visto como un
precursor importante del modernismo.
Artes gráficas
Cartel de Sarah Bernhardt en
Gismonda, de Alfons Mucha.
X
El modernismo se extendió de manera muy profusa en las
artes gráficas, tanto en la ilustración de libros y revistas
(incluyendo la encuadernación, las cubiertas y los ex-libris)
como en el cartelismo (carteles, pósters o affiches
publicitarios) y todo tipo de soportes: postales, paneles
decorativos, papel pintado, estampados textiles, etc.; así
como en el diseño de tipos de imprenta.
Muy influyente e imitado fue el checo Alfons Mucha. La
aceptación de sus diseños, hechos con exquisita delicadeza
y que incluían en su gran mayoría la figura femenina como
motivo central le ganó trabajos a nivel internacional,
produciendo también la clave ganadora de un estilo artístico
comercial a imitar por los ilustradores de la época.
Cartel de Alfons Mucha.
Pese a su corta vida, Aubrey Beardsley destacó como uno
de los más originales exponentes del modernismo gráfico,
con ilustraciones en blanco y negro de un estilo
personalísimo a la vez que controvertido por lo irreverente
de sus temas.
Aubrey Beadsley. El espejo
del amor.
5

7. La Pintura modernista
d
En contraposición tanto al academicismo como al
impresionismo, se abandonan los temas cotidianos por los
contenidos simbólicos y conceptuales (un movimiento
simultáneo, postimpresionista, se denomina simbolismo),
entre los que destaca la mujer, con un tratamiento erótico
que llega hasta la perversión (un movimiento simultáneo,
muy relacionado, se denomina decadentismo -Félicien Rops,
Gustave Moreau, Odilon Redon-). Técnicamente se insiste
en la pureza de la línea (lo que le da un carácter
bidimensional) y la expresividad del dibujo (se ha
considerado precedente del expresionismo posterior), ambas
cosas ya presentes en autores postimpresionistas,
especialmente en Toulouse-Lautrec. Las formas orgánicas,
especialmente vegetales curvilíneos y espirales (flores, hojas,
tallos retorcidos), que rellenan todo el espacio (horror vacui,
a veces llegando a la teselación) ya presentes en movimientos
ingleses anteriores (prerrafaelismo y arts and crafts), se
convierten en un leit motiv paralelo a las formas decorativas
de las artes gráficas, con las que están estrechamente
identificadas, así como con el cartelismo y la reproducción
litográfica. Los formatos preferidos son los alargados y
apaisados.
Friso de Beethoven, de Klimt
Palas Atenea, de Franz von
Stuck.
Escultura
i
La escultura modernista o Art Nouveau tuvo como tema
central la figura femenina en distintas actitudes.
Más allá de la sucesión cronológica entre Art Nouveau y art
decó (antes y después de 1920) no hay una nítida separación
estilística entre los desarrollos escultóricos identificables con
ambas etiquetas.27 En ambos se utilizaron una gran variedad
de materiales: el mármol para los monumentos de
envergadura y el bronce, el marfil, los metales preciosos
(muy a menudo la combinación crisoelefantina de marfil y
oro), la cerámica y el vidrio para las obras de pequeño
tamaño, muy relacionadas con la orfebrería. Entre los
principales escultores relacionados con el estilo aplicado a
esa escala menor estuvieron Ferdinand Preiss, Demetre
Chiparus, Joseph Lorenzl o Clare-Jeanne-Roberte Colinet.
6
Clare-Jeanne-Roberte
Colinet.
La diosa, de Clarà (1909)

8. Arquitectura
H
El modernismo es un arte burgués, muy caro, que intenta
integrar en la arquitectura todo el arte y todas las artes. Es
una corriente esencialmente decorativa, aunque posee
soluciones arquitectónicas originales.
Este movimiento utiliza las soluciones que la revolución del
hierro y del cristal aportan a la arquitectura, aunque se sirve
de la industria para la decoración de interiores y las forjas de
las rejerías, etc. Sus formas son blandas y redondeadas,
aunque no es esto lo único característico del modernismo
sino la profusión de motivos decorativos. La influencia del
modernismo arquitectónico se deja sentir aún en la
arquitectura actual.
El modernismo arquitectónico nace en Bélgica (donde se le
dará el nombre de art nouveau) con la obra de Goh Ver
Wayans y Victor Horta. La ondulación de los tejados y
fachadas, la aplicación de materiales como el hierro forjado,
los motivos de vegetación natural y el cuidado diseño de la
decoración y de cada elemento arquitectónico y de mobiliario
del interior son características de sus obras: de Van de Velde
la casa Bloemenwerf y de Horta los kioscos y bocas de metro,
la escalera de la calle Paul-Emile Janson y el Hotel Solvay
(especialmente su característico interior de diseño muy
recargado, con lámparas, papel pintado, vidrieras, etc.), el
Hotel Tassel, la Casa del Pueblo y el Palacio de Bellas Artes;
todo ello en Bruselas, y el Gran Bazar de Fráncfort.
En España, la arquitectura modernista, muy poco presente en
Madrid, sí tuvo desarrollo en otras zonas (Cartagena y La
Unión, Alcoy, Valencia, Ávila, Zamora, Zaragoza, el Bajo
Aragón, Ceuta, Melilla, algunas de las casas de indianos de la
zona cantábrica).
En Canarias cabe destacar que se desarrolló principalmente
en Gran Canaria, el modernismo canario se caracteriza por
las influencias recibidas por los ciudadanos ingleses
residentes en las islas, adquiriendo un marco propio y
diferente, convirtiéndose en el máximo exponente del
modernismo español junto con el modernismo catalán. A
finales del XIX las Islas se hallan enfrentadas por la
capitalidad, hecho que marcará también diferencias en el
ámbito arquitectónico, diferenciándose dos tipologías de
viviendas: la unifamiliar, villa u hotel con un máximo de dos
7
Palacio Longoria, Madrid, de
José Grases.
Escalera del Hotel Tassel,
Bruselas, de Victor Horta.
Fachada principal del
Gabinete Literario en la Plaza
Cairasco, Las Palmas de
Gran Canaria.
Fachada modernista en la
Calle Mayor de Triana, Las
Palmas de Gran Canaria.

9. pisos en Santa Cruz de Tenerife y las plurifamiliares de tres o
cuatro plantas en Las Palmas de Gran Canaria. Gracias a los
contactos comerciales que Canarias mantiene con Inglaterra,
se implanta el refinamiento inglés y determinando el
desarrollo de elementos florales. El Eclecticismo dominará la
arquitectura desde aproximadamente 1860 hasta la Guerra
Civil. Este estilo irá asumiendo todas las novedades
arquitectónicas muchas veces bajo esquemas tradicionales.
Así tenemos que el Modernismo hará especial hincapié en la
decoración, raras veces lo hará sobre todo el conjunto del
edificio.
La Calle Mayor de Triana y la calle Perojo, ambas en Las
Palmas de Gran Canaria, son buenos ejemplos de este tipo de
arquitectura elegante que se ve, en el caso canario, acentuado
por el uso sin complejo de colores y azulejos. Uno de los
máximos exponentes del modernismo en la capital es el
palacete del Gabinete Literario, en la céntrica Alameda de
Colón, obra del arquitecto López Echegarreta. Este edificio
de finales del XIX es la mejor muestra de la boyante situación
económica que vivió la ciudad en las postrimerías del
ochocientos y las primeras décadas del siglo XX.
Los arquitectos modernistas catalanes (Rogent y Amat,
Domenech y Montaner, Puig y Cadafalch, Enric Sagnier,
Rubió y Bellver, Jujol y Gibert, Valeri y Pupurull, Muncunill
y Parellada, Víctor Beltrí) desarrollaron un lenguaje propio,
del que partió Antonio Gaudí (Reus, Cataluña 1852-1953)
para desarrollar su particular universo artístico, muy
personal.
Gaudí fue un arquitecto con un sentido innato de la
geometría y el volumen, así como una gran capacidad
imaginativa que le permitía proyectar mentalmente la
mayoría de sus obras antes de pasarlas a planos. De hecho,
pocas veces realizaba planos detallados de sus obras; prefería
recrearlos sobre maquetas tridimensionales, moldeando todos
los detalles según los iba ideando mentalmente. En otras
ocasiones, iba improvisando sobre la marcha, dando
instrucciones a sus colaboradores sobre lo que tenían que
hacer.
Dotado de una fuerte intuición y capacidad creativa, Gaudí
concebía sus edificios de una forma global, atendiendo tanto
a las soluciones estructurales como las funcionales y
decorativas. Estudiaba hasta el más mínimo detalle de sus
creaciones, integrando en la arquitectura toda una serie de
trabajos artesanales que dominaba él mismo a la perfección:
8
Quiosco modernista en el
Parque San Telmo. Las
Palmas de Gran Canaria.
Casa Batlló, Barcelona, de
Antonio Gaudí.
Patio de la Casa Batlló.
Interior de la Casa Batlló.

10. cerámica, vidriería, forja de hierro, carpintería, etc.
Asimismo, introdujo nuevas técnicas en el tratamiento de los
materiales, como su famoso “trencadís” hecho con piezas de
cerámica de desecho.
Después de unos inicios influenciado por el arte neogótico,
así como ciertas tendencias orientalizantes, Gaudí
desembocó en el modernismo en su época de mayor
efervescencia, entre finales del siglo XIX y principios del XX.
Sin embargo, el arquitecto reusense fue más allá del
modernismo ortodoxo, creando un estilo personal basado en
la observación de la naturaleza, fruto del cual fue su
utilización de formas geométricas regladas, como el
paraboloide hiperbólico, el hiperboloide, el helicoide y el
conoide.
La arquitectura de Gaudí está marcada por un fuerte sello
personal, caracterizado por la búsqueda de nuevas soluciones
estructurales, que logró después de toda una vida dedicada al
análisis de la estructura óptima del edificio, integrado en su
entorno y siendo una síntesis de todas las artes y oficios.
Mediante el estudio y la práctica de nuevas y originales
soluciones, la obra de Gaudí culminará en un estilo orgánico,
inspirado en la naturaleza, pero sin perder la experiencia
aportada por estilos anteriores, generando una obra
arquitectónica que es una simbiosis perfecta de la tradición y
la innovación.
La obra de Gaudí ha alcanzado con el transcurso del tiempo
una amplia difusión internacional, siendo innumerables los
estudios dedicados a su forma de entender la arquitectura.
Hoy día es admirado tanto por profesionales como por el
público en general: la Sagrada Familia es actualmente uno de
los monumentos más visitados de España.3 Entre 1984 y
2005 siete de sus obras han sido consideradas Patrimonio de
la Humanidad por la Unesco.
Sagrada Familia. Barcelona.
Antonio Gaudí.
Sagrada Familia. Interior
Reja de entrada a la finca
Gúell. Barcelona. Antonio
Gaudí.
El Dragón. Parque Gúell
“La belleza es el resplandor de la
verdad, y como que el arte es belleza,
sin verdad no hay arte”. Antonio Gaudí.
Vista desde el Parque Gúell,
9

11. Joyería y Vidrio
f
El arte de la joyería se vio revitalizado por el modernismo,
teniendo a la naturaleza como la principal fuente de
inspiración. Complementaron esta renovación los nuevos
niveles de virtuosismo alcanzados en el esmaltado y los
nuevos materiales como ópalos y otras piedras semipreciosas.
El interés generalizado en el arte japonés y el entusiasmo
especializado en las habilidades de metalistería, fomentaron
nuevas aproximaciones y temas de ornamentación. En los
dos siglos previos, el énfasis en la joyería fina se había
centrado en las gemas, particularmente en los diamantes por
lo que la preocupación principal de joyero consistía en
proveer un marco adecuado para su lucimiento. Con el
modernismo surgió un nuevo tipo de joyería, motivada y
encausada hacia el diseño artístico antes que en el mero
despliegue de las gemas.
Los joyeros de París y Bruselas fueron los que principalmente
definieron el modernismo en la joyería y es en esas ciudades
donde el estilo ganó el mejor renombre. Los críticos franceses
contemporáneos eran unánimes al reconocer que la joyería
estaba atravesando una transformación radical y que el
diseñador, joyero y vidriero René Lalique estaba en su
centro. Lalique glorificó a la naturaleza en la joyería,
extendiendo su repertorio para incluir aspectos nuevos no tan
convencionales –como libélulas y hierbas- inspirados en sus
encuentros con el arte japonés.
Joya de René Lalique.
Louis Comfort Tiffany.
Colgante.
Broche de René Lalique.
Los joyeros estaban deseosos de establecer este nuevo estilo
como una tradición distinguida y para ello buscaron
inspiración en el renacimiento para sus joyas de oro
esmaltado y esculpido, aceptando además el estatus del
joyero como artista más que como artesano. En la mayoría
de los trabajos esmaltados las gemas cedieron su primacía. A
los diamantes se les daba un papel subsidiario en
combinación con materiales menos familiares como el vidrio
moldeado, el marfil y cuerno animal.
Vaso de vidrio y orfebrería.
Pewter Mounts
10

12. La Cerámica
Z
Nuevas ideas, relacionadas con el renovado contacto con el
arte japonés, y desarrollándose partiendo de él, impulsaron el
nuevo estilo. La loza japonesa fue quizá la única gran
influencia sobre las vasijas hechas en los últimos 25 años del
siglo. El comercio con el Japón se había restablecido en 1859
y se trajeron a Europa grandes cantidades de artefactos
japoneses. En la cerámica, como en otros campos el Art
Nouveau se manifestó por una rotura con la imitación del
pasado. Se adaptaron las formas de la naturaleza en motivos
decorativos estilizados, y se desarrolló un nuevo sentido del
color, que continuó influenciando los diseños en la
manufactura de cerámica, en el siglo XX. Además de la
cerámica con motivos decorativos tanto en azulejos como en
tipografías, también se usó bastante los vidriados sobre gres y
el estilo de reflejo metálico o cerámica de lustre.
Especialmente importantes son las últimas vasijas hechas por
los hermanos Martin y las cerámicas decorativas producidas
en los departamentos de arte de las grandes factorías,
reflejándose en ellas el estilo Art Nouveau. Se desarrolló por
toda Europa pero cabe destacar a la cerámica francesa como
máximo exponente de este arte.
Los azulejos modernistas son algunos de los azulejos más
bellos y llamativos que se han hecho. En Gran Bretaña se
produjeron en gran número entre 1900 y 1914 y adornan
muchos edificios, fueron especialmente populares para su uso
en chimeneas.
Sorprendentemente desconocido para el público en
general, las fachadas de cerámica se han fundido en la
banalidad de la vida cotidiana. Sin embargo, su color
brillante, resistencia a los estragos del tiempo, la belleza de
sus diseños hacen de elementos centrales de la trama urbana,
iluminando la oscuridad.
A continuación la cerámica fue considerada como una rama
de la técnica industrial, Alexandre Bigot famosa por su
cerámica de gres flameado bajo las órdenes recibidas de
muchos arquitectos, se encuentran en las casas, por encima
de las ventanas y puertas, que tienen sus logros en muchos
edificios en París y otras ciudades de Francia.
11
Carl Sigfrid Luber. Bandeja.
Panel Doulton diseñada por
William Neatby en el Royal
Arcade, Norwich, 1898-1899
Azulejo hecho por J & W.
Wade & Co. c. 1901
Alexandre Bigot. Azulejos en
bajo relieve.
Alexandre Bigot. Azulejo.

13. El mosaico se utiliza con frecuencia y algunas importantes
obras legadas por los artistas eran originalmente un
renacimiento del mosaico en Europa Occidental.
Este es el caso sobre todo en el pavimento de las entradas de
las casas diseñadas por Victor Horta y Hector Guimard,
bancos o techos de Parque Güell diseñado por Gaudí.
Ceramistas destacados
Jarrón “Diamantes” 1902.
Loza. Manufactura Arabia
Y
Manufactura Arabia. Finlandia
Fundada como una subsidiaria de la empresa de cerámica
sueca, Rörstrand, Arabia comenzó con la fabricación de
porcelana y loza tradicional, en gran parte para la
exportación. Antes de 1900, con el fin de crear un estilo
finlandés reconocible, la empresa encargó a los arquitectos
más importantes, incluyendo a Eliel Saarinen, para que
contribuyese con sus diseños. El resultado fue la gama con
unos patrones de origen ugrofinés. Los técnicos utilizaron
grabados en cobre para crear los esquemas, y los artistas que
los rellenaban a mano.
Detalle del jarrón.
“Diamantes”
Este jarrón colorido, cuya forma parece revertir y modificar
la forma tradicional de una lámpara de mezquita, es parte de
la gama "Fennia" de Arabia, el cual fue producido desde
1902 hasta la década de 1920. Su forma y la decoración son
una expresión de la búsqueda de un lenguaje nacional de
arte, un motivo común a los países más occidentales de la
vuelta del siglo 20. El esquema de colores está dominado por
el rojo ladrillo, con áreas de color verde pálido, melocotón y
ocres, todos los cuales están contenidos dentro de los
márgenes negros delgados. El símbolo de la esvástica no se
asoció con el antisemitismo en el momento en el que este
jarrón fue creado.
12
Florero “Geometría” 1902.
Loza. Manufactura Arabia.
Detalle del florero.

14. “Geometría”
Este elegante florero, en forma de botella es parte de la gama
"Fennia" de Arabia, el cual fue producido por Saudita. Un
friso de arcos agraciados rodea el cuello y establece el
esquema de colores inusuales de verde pálido, ocre y azul
marino frente al blanco opaco. Los galones llenos de celosía y
una línea de estrellas de ocho puntas llevan a cabo la
combinación de colores sin parecer redundante. El espacio
Taupe spin charger. Plato.de
gres. Auguste Delaherche.
1895.
negativo blanco es un elemento importante de este diseño, lo
que demuestra la restricción por parte del diseñador que,
como modernista, deliberadamente evitó el exceso de
adorno.
Auguste Delaherche. Francia
En 1887, después de años de trabajo en diversas empresas de
Tazón montado. Gres con
estaño montado. Auguste
Delaherche. 1900.
artes industriales, Delaherche adquirió un estudio en París y
comenzó su carrera como ceramista. Se concentró en las
formas simples con esmaltes de goteo grueso, inspiradas por
la cerámica japonesa, a veces empleando decoraciones en
relieve o jarrones y platos con motivos de vegetales. La
experimentación continua de Delaherche con técnicas del
horno, le permitió producir gradaciones muy sutiles de
color. En 1904, había alcanzado la madurez profesional con
sus robustas formas inspiradas en la cerámica oriental, griega
o rústica, lo que ayuda a marcar el comienzo de la era de la
cerámica modernista.
Par Sutil. Jarrones de Gres.
Auguste Delaherche.1897.
“Par Sutil”
Sublime en su minimalismo, este par de jarrones estilo
japonés, maravillosamente ilustran el dominio de creaciones
refinadas, vasos simples que se basaban únicamente en sus
bellos esmaltes moteado para la decoración de Auguste
Delaherche.
“Veneno de Manzana”
La escala pequeña de este jarrón oculta su presencia ominosa.
13
Veneno de manzana. Gres
Auguste Delaherche.1894.

15. El tono berenjena y el recubrimiento azul medianoche, con el
cuerpo en sombra tostada traen a la mente una manzana
bañada en veneno.
Manufactura BACS. Francia
En 1911, cuatro artistas de la fábrica Massier Clément: Jean
Barol, Marius Alexandre, Jean Carle y François Sicard,
fundaron BACS en Cannes. Barol era el artista del esmalte, el
pintor Alexandre, Carle el decorador y Sicard el alfarero.
BACS desarrolló una nueva técnica para la aplicación de la
decoración "cloisonné", consiguiendo una cristalización del
reflejo metálico. La empresa también se hizo conocida por los
colores del esmalte cristalizado, paisajes impresionistas
dispararon contra su cerámica.
“Araña de Rubí”
Este encantador florero es una síntesis de los temas ecológicos
y simbolistas del diseño Art Nouveau. Los cuatro bucles bien
formados componen contrafuertes que equilibran el balance
de la forma acampanada de la base y también sugieren vides o
ramas que salen de la superficie. Las hojas y arañas han sido
grabadas y pintadas en el cuerpo, que se embellece aún más
con un barniz brillante. La iconografía en general se refiere a
un respeto por la naturaleza, incluso las criaturas más
pequeñas y menos dignas pueden de ser amadas.
Florero Araña de Rubí. Loza.
1912. Manufactura BACS.
Florero Araña de Rubí. Loza.
1912. Manufactura BACS.
Detalle.
Florero Araña de Rubí. Loza.
1912. Manufactura BACS.
Detalle.
Florero Araña de Rubí.
Loza. 1912. Sello de la
Manufactura BACS. Detalle
14

16. Jean Barol. Francia
Jean Barol, era un artista del esmalte que había aprendido
técnicas de reflejo metálico mientras trabaja con Clément
Massier, posteriormente ayudó a establecer BACS en
Cannes, en 1911 con otros tres artistas de la fábrica Massier:
Marius Alexandre, Jean Carle y François Sicard.
Barol dejó Cannes con su amigo François Sicard a Montieres
conocido en 1917. La nueva compañía produjo brillos
cristalizados, durante los primeros años y se trasladó a crear
adornos estilizados, a veces en las mismas formas que habían
sido diseñados para lustres anteriores. Barol se reincorporó a
BACS tres años más tarde, en 1920, y se mantuvo hasta 1927,
tras lo cual continuó como ceramista en Vallauris hasta su
muerte, a los 93 años.
“Profundo mar azul”
Profundo mar azul. Plato de
loza. Jean Barol. 1910.
Detalle
Profundo mar azul. Plato de
loza. Jean Barol. 1910.
Detalle
Jean Barol evocaba un mundo submarino fascinante de este
plato de lustre excepcionalmente atractivo. Un dorado
naranja y un cangrejo lejos del espectador, mientras que tres
anémonas van tranquilamente con el flujo. Coral y algas
llenan el primer plano y aparecen en contraste a la llama
como el misterioso mar azul profundo. Las criaturas marinas
eran un tema muy popular en la cerámica de estilo Art
Nouveau.
Profundo mar azul. Plato de
loza. Jean Barol. 1910.
Detalle
Profundo mar azul. Plato de
loza. Jean Barol. 1910.
Detalle
15

17. Manufactura Amphora. Austria
En 1892 Alfred Stellmacher, después de 17 años como líder
en la producción de cerámica, animó a sus hijos para
establecer una fábrica de porcelana. La porcelana Anphora se
produjo desde 1892-1945, en el área de Teplitz-Turn de
Bohemia, una parte de Austria-Hungría. En su medio siglo
de producción, Amphora se hizo conocida como un buen
fabricante de cerámica de excepcional calidad. Producen una
gran cantidad de diseños y formas innovadoras con un alto
nivel de detalle, y eran considerados por muchos como
ejemplo del estilo Art Nouveau. Los diseños fueron
generalmente influenciados por el Art Nouveau y Jugensdtil,
así como Grueby y Rockwood. Sus creaciones fueron
agraciadas con criaturas míticas pintadas a mano, doncellas
etéreas, escenas hermosas de la naturaleza con aves,
murciélagos, ciruelos, insectos, el trébol, las rosas y los
bosques, todo entrelazado con líneas amplias y detalles que
fluyen. Un arsenal sin fin de formas, esmaltes y decoraciones
que caracterizan a los diseños cerámicos Amphora. También
realizaron series sobre artistas de la época como Klimt y
Mucha. El impacto visual, que daba la cerámica de alta
calidad y su color enriquecido con impresionantes imágenes y
diseños habría sido considerable.
La Princesa. Amphora. 1896
Klimt Series. Amphora. 1904
“Retorcido”
Probablemente diseñada por Paul Dachsel, “Retorcido”
personifica la altura artística alcanzada por Amphora. La
forma escultural, dinámica evoca el crecimiento vegetal a
través de una base giratoria que culmina en una cabeza de
flor estilizada. Los tallos torcidos del cuerpo van subiendo,
resolviéndose en un cuello circular compuesto de bulbos
florales. Un giro de fuerza, de abstracción, fuerza de la vida,
este exquisito ejemplo, también es una obra maestra del arte
del esmalte. Rayas de verde hierba pasan a través del color
gris plomo, todo suavemente. Vigoroso da un nuevo
significado a la expresión de fin de ciclo, como "estilo de la
juventud" y "nuevo arte".
Dragón florero. Amphora
”Retorcido”. Amphora.1900
16

18. Frédéric Danton. Francia
Frédéric Danton nació en Aubusson y fue empleado en la
fábrica de Aubusson donde diseñó tapices florales de alta
calidad. Un hombre de muchos talentos e intereses, fundó un
pequeño taller de cerámica en el pueblo de Got-Barbat,
alrededor del año 1900. Allí produjo pequeñas ediciones de
lustre hermoso al estilo de Massier Clément. Danton fue muy
activo en asuntos cívicos, en calidad de vice-presidente de la
Cámara de Comercio de Creuse. Además, tomó un gran
interés en la aviación, diseñó aviones que podrían ser mejor
descritos como prototipos de máquinas voladoras.
“Python Amenazante”
”Python Amenazante”.
Jarrón de gres. Frédéric
Danton.1903
Las formas de alas que sobresalen de los hombros de este
jarrón parecen formas arquitectónicas que se encuentran en
Andalucía y sus alrededores, mientras que la pitón
amenazante sobre su cuerpo, evoca la violencia de la
naturaleza. La habilidad de Danton como decorador se
demuestra por su sutil uso de un patrón de escala detrás del
cuerpo de la serpiente, un dispositivo que se une a la materia
y su fondo en una decoración unificada. Después de un
período de empleo con Clément Massier, Frédric Danton
fundó un pequeño taller de cerámica en el pueblo de GotBabat. Utilizando moldes y esmaltes con fórmulas obtenidas
de Massier, produjo lustre muy parecido a la obra de Massier
con Lévy-Dhurmer.
”Python Amenazante”.
Jarrónde gres. Frédéric
Danton.1903. Detalle.
”Python Amenazante”.
Jarrón de gres. Frédéric
Danton.1903. Detalle del
sello.
17

19. Clément Massier. Francia
Nacido en una familia de ceramistas, Clément Massier se
interesó en el negocio desde una edad temprana. En 1884,
después de años de trabajo, el estudio, y los viajes, se trasladó
para trabajar en la empresa familiar de Golfe-Juan y comenzó
a producir hispano-morisco con influencias de la cerámica,
con óxido de plata y cobre, esmaltes para horno de ahumado.
Tras la llegada de Lucien Lévy-Dhurmer en 1887, introdujo
esmaltes de brillo ardiente enriquecido con el grabado y la
pintura, su aplicación en formas que van desde la
individualidad construida a mano a la uniformidad deslizada
a presión, obtuvo mucho éxito Pronto estuvo al mando de
una fábrica ocupada y una sala de exposición que se jactaba
de una élite clientela internacional. Por su fábrica pasaron
grandes ceramistas franceses, que luego trabajaron por libre
como Fédéderic Danton y Jean Barol.
”Asamblea del camarón”.
Clément Massier. 1914.
“Asamblea del camarón”
La fotografía no puede hacer justicia a la complejidad del
esmalte en esta notable obra de cerámica. El brillo varía de
color turquesa 'Persa' de color rosa, rojo, verde, oro, y todos
los tonos en el medio. Un mundo activo de los camarones,
algas marinas y otra vida marina, representado por el grabado
y la pintura, se desarrolla bajo la superficie. El efecto general
es tan festivo y atractivo como un mes en Golfe Juan (en la
Costa Azul), donde se hizo este jarrón.
”Flores de oro”. Clément
Massier. 1897. Loza.
“Flores de oro”
Un buen ejemplo de una forma simple hecha compleja a
través de la decoración, este vaso ovoide está cubierto con
docenas amapolas impresionistas de oro y tallos brillantes
contra el fondo púrpura-azul.
“Lago y bosque”
Este plato cuenta con una escena pacífica del lago y una vista
de la costa. La calidad psicodélica de la iridiscencia se
amplifica mediante la materia del objeto realista. Esta escena
Massier la revisaba en varias otras de sus obras.
18
”Lago y Bosque”. Clément
Massier. 1895. Loza.

20. Émile Decoeur. Francia
Émile Decoeur, que inició su carrera en la cerámica en 1890
como aprendiz de Edmond Lachenal, comenzó a exponer en
su propio nombre en 1902. Aunque sus primeros trabajos
fueron ricamente esculpidos al estilo orgánico de Lachenal,
con el paso del tiempo el uso de elementos escultóricos
disminuyó gradualmente y se interesó por las formas simples
y equilibradas con ricos esmaltes flambeados. Durante los
años 1907 y '08, se mudó a una zona rural y estableció los
hornos que iba a utilizar para el resto de su carrera. Continuó
refinando sus formas y hasta conseguir una gran pureza en
sus esmaltes. Una paleta de colores suaves y motivos
geométricos ejecutados cuidadosamente mejoró muchos de
estos diseños sutiles. Sólo durante los últimos años de su
aprendizaje se le permite marcar piezas que eran en gran
medida, si no exclusivamente sus creaciones con su
monograma.
”Iris”. Jarrón de gres. Émile
Decoeur. 1904.
”Cascada de Jade”
La forma sencilla balaustrada de este jarrón, está animada
por asas orgánicas. La decoración superficial se aproxima el
esmalte chino conocido como piel de liebre, desarrollado por
primera vez durante la dinastía Song. Aunque Decoeur,
aprendiz de Edmond Lachenal a comienzos de 1890, no fue
hasta 1901, cuando su monograma comenzó a aparecer en
sus obras. En ese momento, Decoeur estaba diseñando y
ejecutando las obras que firmó, pero fue impedido de
reclamar plena autoría de los mismos por Lachenal, que,
naturalmente, han querido que su marca ocupara un lugar
destacado sobre el de su talentoso aprendiz.
”Cascada de Jade”. Jarrón de
gres. Émile Decoeur. 1901.
“Abstracción floral”
Formas vegetales, volutas como las que aparecen en el cuello
y la cintura de este alto florero, sugieren influencias clásicas y
japonesas. Al someter la pieza de cristal a las temperaturas
del horno cuidadosamente calibrados, Decoeur logra un
esquema de color que fluye suavemente de grises, dorados y
azules.
19
”Abstracción floral”. Jarrón
de gres. Émile Decoeur 1901.

21. Henry van de Velde. Bélgica
A pesar de que comenzó su vida profesional como pintor,
Henry van de Velde se sumergió en las convicciones sociales
de las Artes británicas y con el tiempo volvió su atención a
las artes decorativas. Produjo su primer mueble en 1894.
Aproximadamente al mismo tiempo, un influyente
empresario parisino Siegfried Bing, encomendó a van de
Velde el diseño de tres habitaciones amuebladas (un
comedor, una sala de fumadores, y el estudio de arte de
colección) que se expondrán en la inauguración de la nueva
galería de Bing, Maison L'Art Nouveau.
La influencia del diseño en Francia, se estableció cuando el
famoso marchante de arte, Julius Meier Graefe, lo contrató
para diseñar tanto la fachada, como el interior de sus salas de
exposición, conocida como "La Maison Moderne" sólo unos
pocos años más tarde. Hijo de un boticario de Amberes,
Henry van de Velde, se dispuso a ser pintor, pero encontró su
verdadera vocación como arquitecto y diseñador de interiores
durante la época del Art Nouveau. En su juventud, estudió
pintura en la Academia de Amberes, des Beaux-Arts.
Después de un año o dos trabajando como artista en París y
la zona de Barbizon, se incorporó y expuso con el grupo
neoimpresionista Bruselas, "Les Vingts" (The Twenty). Sus
diseños de joyería, eran muy sensuales y fluidos, de acuerdo
con la naturaleza de los materiales. Los diseños cerámicos,
eran formas generalmente funcionales, con esmaltes simples,
un aro orgánicamente integrado o mango y los aplanados
motivos orgánicos que adoptan la forma general en el cuello
o la base. En 1900 van de Velde se trasladó a Berlín, donde
fundó un seminario de artesanías que se convirtió en la
Escuela para las Artes Aplicadas en 1907. Publicó su libro,
"On the New Style" y enseñó a sus estudiantes a incorporar
elementos orgánicos con formas funcionales. Cuando la
escuela cerró en 1915 debido a la guerra en Europa, van de
Velde se trasladó a Suiza. En los años siguientes continuó
enseñando y diseñando por encargo en Alemania, los Países
Bajos y Bélgica. En 1947, se retiró a Lake Ägeri, al sur de
Zurich, donde permaneció hasta su muerte diez años
después. Durante sus últimos años, escribió sus memorias,
que fueron publicadas póstumamente en 1962 como "La
historia de mi vida."
20
Jarrón diseñado por Henry
Van de Velde. Realizado por
Reinhold Henke.1902.
Plato de porcelana, diseñado
por Henry van de Velde, para
la manufactura Meissen.
1904-1905.
Jarrón diseñado por Henry
Van de Velde.
Azulejo diseñado por Henry
van de Velde.

22. Léon Kann. Francia
Léon Kann, nacido 1859 en Dambach-la-Ville, en la región
francesa de Alsacia. Estudió escultura con Aimé Millet y el
distinguido escultor Pierre Louis Rouillard. Se concentró en
piezas decorativas pequeñas que expuso en los Salones de la
Société des Artistes Français. Trabajó como diseñador en la
fábrica de porcelana Sévres desde 1.896 a 1.915. Alejandro
Sandler, director artístico de Sévres, abrazó el estilo Art
Nouveau y pidió a destacados diseñadores de la época, crear
nuevas formas atrevidas, esmaltes y decoración.
Léon Kann fue uno de este grupo de diseñadores, que incluyó
a Hector Guimard, Joseph Chéret y Henri Lassere. Los
diseños brillantes de Kann capturaron a la perfección el
espíritu de la época del Art Nouveau. Él estaba muy
inspirado en las formas naturales y los esmaltes moteados de
la cerámica asiática. Era un maestro de incorporar
ingeniosamente las diferentes partes de una planta para crear
zarcillos en las formas naturalistas.
“Blood Vine” jarra de
porcelala. Léon Kann. 1898.
“Blood Vine”
Un zarcillo sinuoso fluye a la perfección desde el borde de la
jarra en forma de calabaza, con gracia curva hacia abajo y
envuelve alrededor del cuello, las puntas como remolinos de
la vid se adhieren suavemente al cuerpo bulboso. Decorado
en un fantástico esmalte sang-de-boeuf con las rayas de azul
intenso y de color marrón oscuro, esta porcelana es un
excelente ejemplo de diseños Kann de Sévres, durante la
época del Art Nouveau.
Blood Vine” jarra de
porcelala. Léon Kann. 1898.
Detalle.
Blood Vine” jarra de
porcelala. Léon Kann. 1898.
Detalle.
21

23. Otros ceramistas reseñables
M
Otto Eckmann. Alemania
Jarrón de gres con bronce
montado. Otto
Eckmann.1900. Detalle.
Florero de Gres. Fachschule
Teplitz. 1900.
Fachschule Teplitz. Austria
Florero de Gres. Fachschule
Teplitz. 1900. Detalle.
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24. Atelier de Glatigny. Francia
Florero de gres con montaje
de metal. Atelier de
Glatigny.1900. Detalle
Christian Johhanes van der Hoef.
Holanda
Florero de gres con montaje
de metal. Atelier de
Glatigny.1900. Detalle
Jarrón de barro. Christian
Johhanes van der Hoef. 1901.
Detalle
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25. Manufactura Rozenburg. Holanda
Jarrón de porcelana
manufacura de Rozenburg.
Holanda. 1900. Detalle
Manufactura Villeroy and Boch.
Alemania
Jarrón de loza.Manufactura
Villeroy and Boch.Alemania
1904 Detalle
Jarrón de loza.Manufactura
Villeroy and Boch.Alemania
1904. Detalle
24

26. Alexandre Bigot. Francia
Jarrón de gres. Alexandre
Bigot. 1900. Detalle
Jarrón de gres. Alexandre
Bigot. 1900. Detalle
Ernest Bussière. Francia
Florero Orquidea. Ernest
Bussière. 1900. Detalle.
Florero Orquidea. Ernest
Bussière. 1900. Detalle.
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27. Marguerite Van Biesbroeck. Bélgica.
Jarrón de gres. Marguerite
Van Biesbroeck.
Belgica.1895. Detalle
Theodore Deck. Francia
“Luna China”. Theodore
Deck. Francia.1860
Vaso diseñado por Theodore
Deck. Francia.1875
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28. Libros Recomendables
e
Exótica, influencias exóticas de las arte decorativas europeas.
Cerámica de la casa de Amphora. 1890-1915. Richard L Scott.
Monstruos y Doncellas. Byron Vreeland.
Edmon Lachenal y su legado. Martin Eidelberg y Claire Cass.
Clément Massier: Master of iridescence. Martin Eidelberg y Claire
Cass.
Novela gráfica “Las ciudades oscuras” de François Schuiten y Benoît Peeters.
Publicaciones: 1983 hasta 2010. Actualmente por Norma Editorial.
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29. Webgrafía
j
es.wikipedia.org
museocasalis.org
exhibitions.europeana.eu
pinterest.com
veniceclayartists.com
jasonjacques.com
Pieza de: Édouard Cazaux
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