Moore arte colectivo

Segundo Simposio Prácticas de comunicación emergentes en la cultura digital

cuales el arte puede ser producido. Nada de
esto se compra o se paga. Los artistas
reciben y dan regalos en continuas
transacciones e intercambios. Esta red de
trueques no monetarios es el campo social
de lo colectivo.

El (A)rte con mayúsculas no es visto
usualmente como resultado de procesos
Introducción general colectivos, sino mas bien como el producto
de un individuo, una “mano”. La obra de arte
al trabajo colectivo en organiza las inversiones de capital en
grandes colecciones, y estas inversiones
el arte moderno organizan instituciones e historias.
Colectivos como los presentados en la
Alan Moore muestra “Masa crítica” no realizan
trad. Lila Pagola usualmente productos de este tipo. Ellos
producen cambios.

Artículo presentado en la exhibición Lo colectivo está ciertamente presente en
“Masa crítica” Smart Museum, todas las industrias intelectuales. En el
Universidad de Chicago, Abril 2002 trabajo intelectual de la publicidad y el
entretenimiento, la producción comienza con
el “equipo creativo”. La producción colectiva
domina cuando lo que importa es la
seguridad, repetibilidad, y una realización
artesanal admirable. En la antigua Roma, el
artista individual era un trabajador anónimo
en un taller. La producción colectiva apoyó
El arte comienza a partir de grupos. Lo los egos militares que mantuvieron el
colectivo es la base de la producción imperio. Hoy la producción cultural colectiva
artística. Ciertas formas especiales de reproduce los hábitos de una sociedad bajo
relaciones sociales son el terreno en el cual reglas corporativas.
los artistas están arraigados. De este terreno
brotan las flores del arte, luego son Los grupos que trabajan para presentar
cortadas, y llevadas a los floreros en productos culturales para el gusto popular –
arreglos como aquellos que vemos en segmentados naturalmente por género,
grandes jarrones en la entrada del Museo edad e ingresos – son los colectivos de la
Metropolitano de Arte de Nueva York. Allí producción cultural de la actualidad.
pueden ser interpretadas como emblemas, Lo que los colectivos muestran en esta
como un lenguaje de flores, hablando exhibición es el gemelo maldito de la
universalmente, a todos y cada uno de industria cultural. Es su imagen especular -
nosotros, por encima y más allá de sus una colectividad dialéctica que valora la
orígenes. creatividad y la crítica, y el proceso por
sobre el producto. Estos colectivos no sirven
Lo colectivo en el arte occidental está comida fácil de digerir. Nos inspiran hacia
vinculado originalmente a la estructura de aquello que es posible, y hacen propaganda
taller de la producción de arte y artesanía, por otro mundo. A través de este trabajo
arraigado también a las rutinas de grupal, los artistas están reafirmando y
enseñanza de la academia de arte. Es reinventando un rol público y social del arte.
también producido por la economía de La industria no se preocupa por eso, y ese
pobreza del artista. El tiempo, el espacio, los rol está incumplido en la producción de
materiales, las ideas y las oportunidades objetos para decoración y contemplación.
generan las condiciones dentro de las
Séptimas jornadas de artes y medios digitales - Córdoba- Argentina – 2005


muchos inmigrantes espirituales a lo largo
En la historia del arte, los colectivos han del siglo XIX y después. Fue la primera
surgido cuando fueron necesarios. Los nación global de artistas, y un continuo
artistas se asocian continuamente como contrapunto sin reglas de la academia
parte de su trabajo, y los grupos se forman oficial. Casi desde su inicio el estilo bohemio
en respuesta a condiciones específicas, fue comprado y vendido como un ideal de
cuando hay algo particular que hacer. Los diversión y vida artística. En nuestro tiempo,
artistas han usado mucho los grupos para este mito burgués juega un papel clave en la
lograr cierta influencia en el mundo del arte motivación de los jóvenes para aspirar a la
dominado por funcionarios que dirigen clase media en los barrios trabajadores de la
instituciones y mercados orientados por ciudad.
coleccionistas y administradores. Los
artistas se organizan para mejorar En su auge, los bohemios resistieron la
situaciones difíciles, especialmente para la naturaleza cambiante del trabajo bajo el
exhibición de obra – para hacer llegar su capitalismo industrial. Naturalmente, la vida
arte al público. era dura sin salarios, como las historias de
Henri Murger de dura vida y profunda
Buscando modelos y modos de agrupación tristeza recordando París. Pero el encanto
artística, debemos examinar de arriba abajo de la bohemia fue aquel de un lugar que
la historia del arte – en los talleres (la reconoce “el derecho a ser vago” de Paul
estructura de la producción en sí misma), la Lafargue.
educación, los mercados, los museos y las La sociedad alternativa en el siglo XIX no
asociaciones. estaba sólo en la calle Grub. En los Estados
Este eje de investigación histórica arranca Unidos, con su tierra barata, aparecieron
desde la Revolución Francesa en adelante, comunidades, que hoy son llamadas
con la reorganización de la gran maquinaria “comunidades intencionales”, muchas de
de la Academia Real de Francia bajo ellas fundadas por socialistas inspirados en
Jacques-Louis David para ponerla al servicio la filosofía natural de Rousseau y los
de los fines republicanos en lugar de los sistemas psicosociales de Fourier. Otros
monárquicos. Entre estos nuevos fines fundadores eran cristianos milenarios y
estaban grandes festivales cívicos, mucho religiosos transcendentales. Muchas de
más imponentes que las simples estas comunidades, - la más famosa de
procesiones cívicas escenificadas en las ellas, Los Shakers- hacían muebles y
calles de la ciudad de la nueva objetos decorativos, y “regalos” pintados del
confederación americana, que consistían de Espíritu Santo. Los seguidores de Fourier de
plataformas decoradas por los grupos la falange de Nueva Jersey comían en una
comerciales. Los estudiantes de David, los cafetería decorada con murales, quizás
“Barbu” o los barbudos, vivían un ideal como la de “En el tiempo de armonía” (Au
neoclásico, y tenían buena reputación con temps d’harmonie) de 1894, del anarquista
sus inicios públicamente conocidos en esa Paul Signac.
especial comunidad auto-segregada de
creativos llamada Bohemia: aunque su El crecimiento fabril y la disciplina del trabajo
nombre proviene de un país que envió sus que demandaba destruyeron la granja y el
refugiados al oeste, la Bohemia era taller del artesano por igual, y como
imaginaria. desaparecieron ambos fueron idealizados.
Si eras romántico, era la Isla de Cythera Quizás la respuesta colectiva más
para las musas y sus sirvientes, siempre perdurable al capitalismo del siglo XIX entre
presente e invisibles, un estado mental artistas fue la de William Morris y el
alcanzado por la evasión. Si eras un realista, movimiento Arts & Crafts que el inspiró.
la Bohemia era la exurbia de un inmenso Morris tomó las palabras de Jhon Ruskin, un
aparato de producción cultural. Para un inglés hijo de un eclesiástico, al pie de la
cínico, es un suburbio marginal para letra. Los productos del trabajo industrial
derrochadores y perdidos. La Bohemia vió reflejaban un gusto lamentablemente



degradado, un signo externo de la debilidad momentos de resistencia colectiva, como el
moral de un pueblo. levantamiento americano de 1776 contra el
La prédica de Ruskin movilizó a William orden colonial. Las realidades industriales y
Morris a resistir el capitalismo industrial políticas fueron moderadas dentro del
mediante la palabra y los hechos. Cambió el almacén burgués a través de la exhibición
negocio artesanal para arte y diseño en un en las vidrieras de productos de trabajo
complejo taller rural a través del cual arcaico.
circulaba un flujo continuo. Aunque Ruskin
era un monárquico y Morris un socialista, Incluso antes de que Morris fuera famoso en
ambos idealizaron la Edad Media como un Inglaterra, lo revolucionario y lo colectivo
momento de cohesión social colectiva. Para fueron fusionados en la memoria histórica e
Ruskin, la creatividad individual brilló en la intelectual con la ascensión y caída de la
construcción de las catedrales donde cada Comuna de Paris de 1870-1. Emulando a
detalle irregular mostró la mano reverente David, el pintor realista Gustave Courbet
del trabajador. El historiador americano dirigió un corto pero exhaustivo intento de
Henry Adams imaginó la separación que cambiar la estructura de las instituciones del
afligía a Ruskin como una disputa para arte francés, a través de una asociación de
adherentes entre religión y tecnología artistas auto-administrada y democrática.
simbolizada por la Virgen y el dínamo, la Mientras que Courbet fuera juzgado mas
nueva máquina gigante que el había visto en tarde por la destrucción de la Columna
la exposición Americana centenaria de 1876. Vendome – la Federación de los artistas
creada por él- trabajó sobre todo en la
Junto con la Bohemia, el movimiento Arts defensa de los tesoros de París del sitio
and Crafts fue parte de una revuelta contra prusiano y de los oficiales del Imperio que
la redefinición del trabajo. La mayor parte huían.
del trabajo en la era industrial no era
creativo, frecuentemente estaba dirigido a la Subsecuentemente artistas y críticos
realización de mercaderías cada vez mas anarquistas - Pissarro, Signac and Feneon,
baratas en talleres automatizados, donde en entre otros – rompieron con el completo
la formulación de Marx, la máquina control que ejercía la exhibición oficial en
manejaba al trabajador. París, a través de grandes convocatorias
A esa altura el movimiento Arts and Crafts regulares a artistas para popularizar el arte
estaba compuesto de cientos de talleres, de avanzada. Estas fueron el tipo de
asociaciones y lugares de exhibición en el muestras que construyeron los nombres de
mundo de habla inglesa. A pesar del perfil los impresionistas. El salón de Otoño de
público de Morris como un socialista, sus París devino como resultado, un modelo
voceros eran muy frecuentemente para los artistas de New York quienes
metafísicos y moralistas, no materialistas y iniciaron la Sociedad de Artistas
organizadores. Independientes para montar exhibiciones
anuales, de las que la más famosa fue el
El movimiento Arts and Crafts rápidamente Armory Show de 1913. El grupo fue
viró hacia la producción de lujo. Lo que encabezado por el socialista Jhon Sloan, e
mucha gente pudiente deseaba, y continúa incluía entre sus directores a Marcel
deseando, eran signos que hablaran en Duchamp.
contra de la base material de su sociedad. El propio grupo Dada de Duchamp en Nueva
Elegantes signos de resistencia al orden York manejó el infame asunto de la
industrial se volvieron populares, y así “Fuente”2 en el “Gran Show” en la Sociedad
permanecen actualmente. Se unen, como se de artistas independientes (SIA) en 1917. Un
puede observar en los muebles estilo
Stickley1, en la identificación con otros Stickley logró su éxito en los primeros años de 1900 como
el líder de Movimiento Arts & Crafts en America. N. de
1 la T., extraído y traducido de http://anc.gray-cells.com
Gustav Stickley creó los primeros muebles 2
Se refiere al mingitorio enviado por Duchamp en 1917 a
verdaderamente americanos, conocidos a lo largo del mundo esta exposición.
como Craftsman. Un trabajador incansable y dedicado,



urinario remitido por un artista Dada de academias de los zares, y se hicieron cargo
Philadelphia y firmado “R. Mutt” fue de las instituciones de arte de la nación y las
rechazado de esta muestra supuestamente reformatearon tan completamente como
abierta. La revista Dada Blindman defendió David había hecho en Francia más de un
enérgicamente la obra y la apertura de otros siglo atrás. Esta revolución fue llamativa no
artistas hacia la vanguardia se convirtió en sólo por la rigurosa exploración formal, como
tema de discusión. Tiempo después el aquella de la muestra “Año cero” de
incidente generó el tipo de publicidad Malevich, sino por la fuerte participación de
“ruidosa y exagerada” que los Dadas mujeres, que escaseaba en otras
buscaban ávidamente. vanguardias europeas. Los artistas
soviéticos, tanto maestros como estudiantes,
Los Dadas fueron grandes de la asociación. investigaron y produjeron en todos los
Desde los salones de Nueva York a su club medios; maestros y estudiantes se
nocturno y galería en Zurich, y desde ahí al trasladaron luego a las fábricas para
Club Dada multipropósito en Berlín, el empezar la fase constructivista de la obra,
movimiento desarrolló escalas en las formas rediseñando todos los bienes de consumo.
de colectividad artística. Johannes Baader, A pesar de que Lenin le dió la espalda a
artista dada de Berlín, urgió a los miembros esta vanguardia en 1928, y Stalin restableció
del Club a usar el “instituto grafológico Dada, el realismo socialista figurativo y la forma
el departamento medicinal Dada, la agencia de arquitectónica conservadora mediante
detectives Dada, el departamento de publicidad, comandos represivos, destituciones y
la oficina central para el bienestar de hombres y encarcelamientos, el modelo colectivo
mujeres, y la escuela dada para la renovación de socialista fue lejos a pesar del fracaso por
las relaciones psicoterapéuticas del día a día traición de esta vanguardia.
entre adultos y niños….” (Richard Huelsenbeck, Inspiró artistas en China y en las naciones
ed., The Dada Almanac con ensayo y agregado africanas recientemente independendizadas,
sobre el desarrollo alemán de Malcolm Green, y permaneció vivo en Europa durante la
Atlas Arkhive of the Avant-Garde, London, 1998) Guerra Fría, incluso protegiendo la red de
artistas que realizaban obra no permitida
Dada no fue solo anti-arte sino anti- oficialmente bajo regímenes comunistas.
instituciones del arte. Su exhaustiva crítica
de la sociedad es normalmente explicada en La Bauhaus, el gran modelo de educación
las clases de historia del arte como un artística modernista, tiene raíces en las
repertorio de técnicas –collage, ideologías de Art & Crafts hasta el
procedimientos al azar, sonido e imagen movimiento Art Nouveau. La escuela
desvinculados del lenguaje. El nihilismo comenzó su instrucción con un curso
dada entonces da lugar al programático diseñado por el místico espiritualista
Surrealismo, el cual bajo el fuerte liderazgo Johannes Itten. A pesar ser un místico, el
de Breton, buscó acicalar el comunismo con Itten Vorkors (curso) estaba marcado por el
libido y sueños. método científico formalista y un exhaustivo
En su primer proyecto el grupo fundó una entrenamiento material. Más que reverenciar
especie de instituto, la Oficina de la mano, la Bauhaus buscó asociarla con
Investigación surrealista o la “Centrale esclarecidos propietarios de fábricas.
Surréaliste”. Esta oficina funcionaba de un Mientras la estructura de trabajo en la
modo colectivo derivado de los escuela era jerárquica, esto explícitamente
procedimientos de institutos científicos, reafirmaba el viejo orden de producción
investigando el habla durante el estado de artística en la figura del maestro y el
trance. aprendiz. La expectativa del estudiante
acerca de que el aprendiz se volvería
Las más profundas instancias de maestro refleja un sistema ordenando de
colectividad modernistas tuvieron lugar en producción cultural en sus condiciones
Rusia. Después de la revolución bolchevique reales, esto es, en las condiciones que
de 1917, los artistas de vanguardia del aseguran su reproducción. Esta certeza no
movimiento futurista encaminaron las viejas


dicha reemplaza la espera por los sueños de nacional de Clubs Jhon Reed3 enseñaba y
fama de todo artista, la naturaleza “a todo o exhibía, en preparación para la revolución
nada” de la publicidad y la fama que lleva al que muchas personas pensaban inevitable.
público a mirar a los artistas como marcas Cuando la estrategia del Soviet ruso cambió
registradas. Es el sólido asiento del contrato de la construcción de Proletkult o Cultura
social entre los artistas y la base para la Proletaria a la construcción del Frente
formación fluida de colectivos: el talento, Popular contra el fascismo, se formó el
desarrollado por la práctica y la habilidad, congreso de artistas americanos, compuesto
traerá reconocimiento a lo largo de una vida de artistas de “renombre”.
de trabajo. Complejas y continuas discusiones sobre lo
que el arte debía ser y hacer tuvieron lugar
Las instituciones de arte americanas en estos grupos, en situaciones sociales
crecieron ampliamente a partir de la extremas de depresión económica y
iniciativa de artistas dado que el estado era fascismo belicista, tanto como cuestiones
un mecenas irregular, como mucho. Las acerca del apoyo del gobierno a las artes y
academias de arte y las escuelas, como su política exterior.
aquellas en Nueva York (tales como la
Academia Nacional de Diseño en el siglo Los últimos 30s acabaron en trauma para la
XIX y la Liga de Estudiantes de Arte en los izquierda cultural americana –del cual
primeros años del siglo XX), fueron siendo niño fui testigo en las frecuentes
fundadas y guiadas fundamentalmente por cóleras verbales retrospectivas de mi madre,
artistas. una socialista juvenil alguna vez, viendo el
El Beaux Art revival del Renacimiento declinar de las oportunidades progresistas
Americano, y la construcción Gilded Age democráticas en manos de estalinistas
(Era dorada) alentada por el movimiento City inclinados a controlar cada grupo como un
Beatiful significó trabajo regular para artistas frente del partido.
en la ejecución de esquemas decorativos a Los años de miedo y desprecio que
lo largo de líneas tradicionales. Los artistas envenenaron a la izquierda son mejor
formaron asociaciones profesionales de evocados por mí en la figura de León
acuerdo a estas destrezas. Trotsky. Condenado en ausencia en los
seudo juicios de Moscú, y exiliado en
Durante los años 20 equipos de artistas que México, con Diego Rivera y Frida Kahlo
estaban realizando diseños de los maestros entreteniéndolo, mientras el artista David
del movimiento muralista mexicano Siqueiros ayudaba al Partido arreglando un
cubrieron los nuevos edificios públicos pos- intento de asesinato (no está claro si él
revolucionarios con visiones de grandeza arregló el intento exitoso, a pesar de que ha
pre-colonial y un futuro socialista para los sido acusado de ello).
campesinos y trabajadores iletrados. Pero este fue un pequeño trauma
Programas educativos como los Estudios al comparado a los miles de personas y
aire libre (Open Air Studios) y los nuevos soldados asesinados en la Comuna de
museos a lo largo de México estimularon la París, y simplemente enojoso frente a los
creatividad de la gente hacia los intereses millones que el fascismo asesinó. (En una
de la construcción nacional. inversión obscena de lo colectivo, un buen
número murió en Terezin, el campo de
Los artistas americanos se agruparon trabajo para artistas). Aun así, las más
alrededor de las uniones comerciales para
3
presionar al gobierno por mejoras en la crisis Llamados así por el incisivo periodista y activista
económica del 30 del mismo modo que la radical John Reed, estos clubes de corta vida estaban
Unión de artistas (Artists Union) representó alineados con el Partido Comunista de USA (CPUSA)
a los de su generación en el Proyecto e intentaron principalmente alentar a los jóvenes
talentos de izquierda. N. de la T., extraído y traducido
Federal de artes. Otros grupos, como la red
de
http://home.gwu.edu/~cuff/wright/organizations/johnr
eedclub.html



furiosas divisiones de los 30s hicieron a la Los eventos de Mayo en París, 1968, eran
vieja izquierda vieja de los EEUU, paralítica pintorescos, y llamaron la atención pública
e incapaz, en el mundo bipolar después de en el Oeste. El espectáculo de la vida
la Segunda Guerra Mundial. burguesa como estaba descripta por el
Cuando surgieron los levantamientos teórico del Situacionismo Guy Debord, había
populares de 1968 fue simultáneamente sido interrumpido por un evento masivo, un
desconcertante para los gobiernos del Este levantamiento de multitudes –estudiantes
y del Oeste paralizados en la Guerra Fría. El juntos con trabajadores, y aquellos jóvenes
gran levantamiento casi sin derramamiento hippies sin trabajo o casi, que los europeos
de sangre descrito por Daniel Cohn-Bendit del norte llamaron “Provotariat”.
en su libro Comunismo Obsoleto y el Ala
Izquierda alternativa tenía su contraparte en En París, los artistas corrieron a la escuela
la Primavera de Praga de ese mismo año. El nacional de bellas artes para instalar un
alzamiento de París fue dominado por De Atelier Populaire (Taller Popular), el cual se
Gaulle, y la revuelta de Praga por hizo cargo de la realización de 300.000
Krushchev. En un sentido, entonces, ambas posters callejeros, y los mensajes de los
vanguardias de preguerra –una abortada por Situacionistas fueron llevados a la calle en
los comunistas, la otra por los fascistas- la forma de provocativos graffitis por los
fueron reconvocadas en levantamientos “Enragés” –los enfurecidos.
populares. Pero el evento que probablemente llamó
más la atención de la mayoría de los
Después de la Segunda Guerra Mundial, colectivos en América fue la Revolución
hubo un resurgimiento de colectividad entre Cubana de 1959. El nuevo gobierno se
los artistas en Europa, como grupos dedicó a reconstruir su sociedad de esa
transnacionales formados en varios países banda de mafiosos inaugurando un paraíso
para reinventar la vanguardia. Estas para la gente en cuanto a oportunidades de
formaciones incluían los pintores neo- educación y cultura.
expresionistas CoBrA, poetas concretos de La victoria de Fidel Castro inspiró a artistas
la Letrista Internacional, teóricos anarco- a lo largo de América Latina, y el
comunistas de la Situacionista Internacional, surgimiento casi simultáneo del movimiento
la Bauhaus Imaginista y el Accionismo de Derechos Civiles de Estados Unidos para
Vienés. Estos grupos de artistas, poetas, poner término al apartheid sureño, llamó la
arquitectos, realizadores audiovisuales y atención de los artistas a lo largo de este
teóricos retomaron el legado de los país.
Surrealistas y ejecutaron numerosos La opresión es el laboratorio de lo colectivo,
proyectos colaborativos. El surrealismo y en los ghetos de las ciudades de EEUU,
mismo, un movimiento ampliamente visto Black Panthers, Young Lords y Brown
como decrépito en sus últimas fases, se Berets formaron colectivos militantes
tornó sin embargo muy útil para los artistas políticos revolucionarios que incluían a
pos-coloniales y las mujeres. muchos delincuentes juveniles. Los artistas
En esta “fiesta” de la neovanguardia de color respondían a este nacionalismo de
colectivizada, Fluxus siguió a Dada. Otros base amplia organizando la formación de
artistas formaron colectivos que emularon el sociedades para exhibición, colectivos
ejemplo constructivista, tales como aquellos muralistas y centros para llevar adelante la
de Latinoamérica. Algunos de esos grupos, educación cultural. La revolución Cultural de
como Zero en Europa, se volvieron formas Mao en China, en 1968 alentó estos
tecnológicas del arte –cinéticos, movimientos e introdujo nuevas técnicas en
electrónicos, basados en sistemas así como el repertorio de los métodos colectivos,
primeros trabajos con computadoras. Los especialmente el desarrollo de conciencia en
colectivos en USA, como USCO y Pulsa los grupos, lo cual se convirtió en una
hacían obra que equiparaba la investigación herramienta clave del movimiento feminista.
y los intereses de desarrollo de la industria Mucha de esta colectividad cultural surgió a
avanzada, el gobierno y la academia. la vista pública en Nueva York con la



fundación de la “Art Workers Coalition” serie de grupos colectivos de artistas en
(Coalición de trabajadores de arte) en 1969. Nueva York. Estos incluían grupos de
Este grupo comenzó con una espectacular producción, organizaciones políticas,
acción de protesta en el Museo de Arte innumerables espacios de exhibición y
Moderno que fue seguida muy de cerca por organización de servicios, y combinaciones
el New York Times, Village Voice y el East híbridas de todo esto. Otra vez, a pesar de
Village Other. La AWC era una organización que yo solo estudié en Nueva York, este
de artistas democráticamente abierta y anti- movimiento fue nacional e internacional, aun
jerárquica. Planificaron una agenda para así, como se desenvolvió todavía no está
transformar el mundo del arte y presionar a claro. La Art Workers Coalition en sí misma
los museos a cambiar. Las demandas del se dividió en los primeros años de la década
grupo estaban asentadas en el problema de del 70. Un gran sector fue absorbido por el
los derechos civiles – iguales oportunidades movimiento antibelicista y pronto dejó de
de exhibición para los artistas de color y existir, mientras que otro grupo se
para las mujeres y derechos legales mas autodenominó Art Workers Community
abarcativos para todos los artistas. Esta (comunidad de trabajadores del arte). Esta
agenda de reformas fue sintetizada, refinada fracción de la AWC persistió por muchos
y hasta delirada durante las “audiencias años como una organización de servicio
públicas” en las que artistas y críticos brindando seguros de salud, una asociación
hablaban. de crédito y editando Art Workers News.
La principal construcción colectiva de los
La Coalición de Trabajadores del Arte artistas de la ciudad de Nueva York en los
comenzó por “tecno-artistas” cosmopolitas e 60 y 70 sin embargo, fue la comunidad de
incluía a críticos, artistas conceptuales y los suburbios en el Soho. Soho fue creado
minimal, pintores y escultores. “Destruction del decadente distrito fabril, un área
artists” comprometidos con la calle formaron parcelada para renovación urbana – esto es,
el Guerrilla Art Action Group, como una demolición y reconstrucción. La autopista
fracción dentro de la AWC. que atravesaba la ciudad que el planificador
La coalición de trabajadores del arte fue un Robert Moses había visionado fue
crisol para el cambio institucional dentro del tenazmente resistida por las coaliciones
mundo del arte. Como una “gran rueda de barriales que incluían a muchos artistas. Los
hilado”, como Jon Hendricks la llamó, la artistas de Fluxus jugaron un rol clave en el
AWC generó y recicló otros grupos de proceso de ocupación y salvación del SOHO
artistas. Estos incluían la Banda de artistas a través del emigrado lituano George
de Puerto Rico, quienes fundaron el Museo Maciunas. Maciunas fue el chef d’ecole de
del Barrio y el grupo de feministas llamadas Fluxus, inspirado por Lef, el ultra-
Ad Hoc Women (Mujeres Ad Hoc) las cuales revolucionario grupo de constructivistas
golpearon sobre el Museo Whitney. Faith rusos. Maciunas tenía un “Fluxshop” donde
Ringgold recuerda la escena durante la vendía los múltiples firmados de los artistas
reunión en el espacio Museo de la coalición: del grupo. También comenzó a organizar
cooperativas para que sus compatriotas
“había esta especie de gran espacio-loft y … vivieran en espacios grandes y baratos del
todos los artistas se sentaban alrededor en un distrito marginal del Soho. Entre 1966 y
círculo y tu traías volantes de lo que fuera tu 1975 hizo 15 de estos –sin registrarlos
“cosa” … para averiguar que estaba pasando legalmente, lo cual hipotecaba el capital y
realmente en el mundo del arte, tenías que ir … agregaba grandes costos a la cooperativa.
allá en la reunión de la AWC y ver que estaba Por algún tiempo, Maciunas vivió
pasando, todo el mundo venía. Quiero decir, los ocultándose de un abogado del estado en el
famosos y los demás todos mezclados.” (Archives subsuelo de los Archivos de Películas de
of American Art, entrevista con Faith Ringgold Antología.
por Cynthia Nadelman, Septiembre 6-Octubre
18, 1989.) El grupo Anarchitecture en la Calle Greene
112 expresaba más claramente el espíritu
La AWC marcó el comienzo de una larga


colectivo de aquel modelo de espacio de administraciones hasta hoy, que es
artistas. Anarchitecture incluía artistas (la realmente eso que quijotescamente
mayoría escultores), músicos y bailarines, la visionamos en 1980 – un espacio anarquista
mayoría activos, entre ellos el último Gordon libre, llevado por un colectivo con ligaduras
Matta-Clark. En su propia escultura, Matta- cercanas al grupo de publicistas
Clark confiaba a la colectividad la Autonomedia.
construcción de un equipo de trabajo.
Los espacios de exhibición abiertos por Colab es recordado en la historia del arte
artistas en la comunidad del Soho fueron por la Muestra de Times Square, una
rápidamente institucionalizados por el inesperadamente popular exhibición de
Estado y recursos federales. Se volvieron obras socialmente implicadas, accesibles a
los actuales espacios alternativos semi- todo el mundo, realizada en una erótica ex
institucionales para la exhibición de arte casa de masajes. Pero mas influyente en
contemporáneo. ese tiempo fue la repetición exhibicionista
El grupo inglés Arte&Lenguaje de artistas con exagerados movimientos mediáticos
conceptuales comenzó a reunirse en Nueva internacionales llamada New York New
York a mediados de los 70s. Inauguraron Wave at P.S.1. El curador Diego Cortez
una crítica colaborativa sostenida del esencialmente hizo a Colab lo que la
criticismo del arte formalista y la estructura industria de la música hizo al Punk cuando
del mercado del arte y las instituciones. Con Sire Records lo apodó New Wave – él ganó
la organización del grupo Artists Meeting for la escena de tal modo que sus productos
Cultural Change (encuentro de artistas para fueran aptos para el consumo del mercado.
el cambio cultural), el proceso de discusión y
crítica de Art&Language fue traído a un Los 80s fueron una suerte de época dorada
público de artistas y activistas. Revistas de los grupos artísticos. Emergieron
como The Fox, Red Herring y the Anti- genuinos colectivos de producción (así se
Catalog reflejan este momento. auto-describían), grupos que hicieron de su
coherencia un punto de principio y propósito,
Proyectos colaborativos, la organización de y en el proceso redefinieron ampliamente los
artistas en la que yo estuve involucrado, se modelos de colectividad artística. Con el
formó durante el movimiento de música surgimiento de gobiernos conservadores
Punk, y así sus primeras muestras del grupo bajo Ronald Reagan y Margaret Thatcher, la
fueron percibidas por los críticos, como “arte izquierda fue a la defensiva.
punk- arte de tres cuerdas que cualquiera Documentación y distribución de arte político
puede tocar”. Más que el punto sobre el (Political Art Documentation and Distribution
estilo fueron las estructuras de colectividad (PADD) en Nueva York se tornó
que demostraba el grupo – el grupo de rock rápidamente un recurso de organización y
and roll, y el equipo de realización de cine. archivo para una red de grupos en los
Muchos en el primer Colab eran realizadores Estados Unidos que trabajaron bajo el lema
cinematográficos, inspirados por Warhol de la democracia cultural. Hoy estos
quien comenzó una Fábrica para aventajar a archivos están en la biblioteca del Museum
Claes Oldenburg que solo tenía un almacén. of Modern Art. PADD produjo obra también,
La “facción glamorosa” de Colab como los conferencias regulares y discusiones,
llamábamos, admiraban la apropiación performances y proyectos. Entre estos
corporativa de Warhol de la vida bohemia de estaba Not for Sale, publicitando en las
droga y travesti. Otros en el grupo fueron calles de la ciudad contra el
más legales. Mis amigos admiraban Fashion aburguesamiento del Lower East Side, que
Moda, el espacio de arte del Bronx Sur que entonces estaba empezando a conocerse
llevó el arte del graffiti de la cultura hip-hop como East Village. Trabajaban
emergente a la vanguardia del centro de la frecuentemente en conjunto con el Group
ciudad. Empezamos ABC No Rio en el Material en esfuerzos organizativos de base
Lower East Side en emulación de Fashion cultural más amplia como la Llamada de
Moda, entonces el lugar pasó por sucesivas artistas contra la Intervención de Estados



Unidos en América Central. período que los artistas construyeron sus
La resistencia a la agenda de la Nueva organizaciones y colectivos en el espacio
Derecha se volvió urgente cuando la entre dos jefes – los movimientos
epidemia de SIDA se convirtió en una crisis progresistas y las instituciones del arte.
de derechos civiles para los homosexuales Los progresistas están preocupados por la
en problemas de estricta supervivencia. paz, la justicia social y la democracia
ACT-UP (Coalición SIDA para Sentir Poder) económica, el destino de los oprimidos que
incluía numerosas células de acción de no tienen poder ni voz. El arte es lindo, pero
artistas, colectivos que hicieron gráficos y no podemos comer rosas. Las instituciones
video para el problema del SIDA. Una de artísticas cuidan de mantener un legado
estas, Gran Furia, fue llamada así por el cultural validado por consenso –esto es,
modelo favorito de auto que el montando espectaculares y exitosas
Departamento de Policía de Nueva York exhibiciones. Están también expandiendo
usaba para trabajos secretos. Estos grupos concienzudamente la sociedad civil de la
usaban las instituciones de arte como una democracia liberal, a partir de que las élites
base para llevar mensaje al público. también necesitan visiones de posibilidad.
Trabajaron como agencias de publicidad
para su causa, sentando la base para El espacio entre la calle y el museo ha sido
producción cultural colectiva mas sofisticada siempre angosto, y frecuentemente se
en función del servicio social. desvanece. Justo ahora este espacio parece
También durante los tempranos 90s, estarse extendiendo, como un movimiento
RepoHistory evolucionó de PADD para de gente que surge en todo el mundo para
convertirse en un colectivo de arte público oponerse a los excesos de las reglas
específicamente preocupado por la corporativas de la globalización. Una parte
recuperación artística de pasados perdidos. muy visible de este movimiento usa tácticas
Su proyecto señal, marcando sitios de derivadas de los Situacionistas, Provos,
conflictos pasados como la ubicación de Diggers y Hippies de los 60s y, a través de
viejos lugares de remates de esclavos de la web, este movimiento es visible incluso
Nueva York, fueron importantes en ayudar a para sí mismo como nunca antes.
volver públicas ciertas representaciones Entonces dos de las precondiciones de
históricas hacia una reflexión sobre el colectividad artística activista exitosa están
pasado a veces incómodo de esta nación. en posición: nuevas tecnologías de
Este recorrido debe sonar a algo comunicación que favorecen el trabajo en
sospechosamente parecido al programa de grupo y un movimiento social en expansión.
un curso. Tal no fue mi intención. Aunque Aun así las fuerzas de la reacción están
haya parecido avanzar en el sentido de levantándose. La empresa de la guerra es
muchos relevamientos de este tipo de estimulante tanto para los más pobres como
cursos, nos hemos quedado sin tiempo para los más ricos; así como los
discutiendo mucho de los últimos 30 años, y desempleados corren a enlistarse en el
nada de los últimos 10. Este es un período ejército, las industrias extractoras
de notable crecimiento y diferenciación de jubilosamente escarban la antigüedad
las colectividades de artistas - Group maloliente hecha sopa con los huesos de
Material, Guerrilla Girls, Border Arts Gaia.
Workshop, RTMark, Etoy, Rhizome sólo Y ahora un comentario mío al margen, para
para nombrar unos pocos -, el tema que he Daniel Cohn-Bendit del 68 quien hoy es un
señalado para desarrollar aquí, y espero me Verde y miembro del Parlamento Alemán –
puedan perdonar por haberlo descuidado. Si es una clara cuestión de supervivencia
todavía piensan que los he defraudado, lean decrecer el consumo humano, y movernos
a Lucy Lippard sobre los 80s y 90s. Ella ha hacia una economía de conservación
escrito sobre la obra de estos grupos, a basada en biorregiones. Lo que se interpone
partir de que ella misma fuera una figura con esto es precisamente el capital global –
central a muchos de ellos. la monetización de cada recurso que
Diré de modo general acerca de este presenta un modelo distorsionado del



proyecto humano. El arte como lo que es,
imagina posibilidades alternativas, y los
artistas como lo que son, hacen obra; y
viviendo sus vidas fuera de una economía
estrictamente monetizada pueden proveer
guías hacia este mundo mejor.

Para volver a los encantadores arreglos de
flores en el Museo Metropolitano con los que
empecé, los colectivos de artistas no hacen
tanto las flores como el suelo mismo. Y el
suelo no se vé usualmente en el museo. Los
colectivos no aportan cantidades generosas
de las cosas con las que nos deleitamos allí,
los ídolos a través de los cuales expresamos
nuestro amor por el arte. Los colectivos de
artistas no hacen objetos: hacen cambios.
Hacen situaciones, oportunidades,
realizaciones, entendimientos. Trabajan con
nuestros deseos, y estos tienen profundas
implicancias para los objetos de arte. Los
colectivos trabajan sobre la relación pública
hacia el arte. Trabajan sobre el problema de
la audiencia. Trabajan para mantener la
experiencia de un colectivo, más que ceder
todo el territorio a la ensoñación solipsista y
la reificación de la inversión de capital.

Alan Moore
Texto publicado en el Journal of aesthetics
and protest número 3
Traducción Lila Pagola
Colaboración Jim Graham


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