Historia del arte desde la prehistoria

Historia del arte II
Profesor Ángelo del Ángel Betancourt
Mariana Anaid Guido Martinez

Temario
• El arte del medio oriente
• Bizantino
• Arabia
• Románico
• Gótico
• Renacimiento
• Barroco
• Romántico
• Neoclásico
• Arte moderno ( impresionismo, expresionismo, simbolismo, faudismo,
surrealismo, cubismo, futurismo, arte abstracto, art nouveau y art deco)

• Al igual que las lenguas habladas, el lenguaje artístico camina en función de las épocas y los lugares: existen
lenguas muertas (el griego, el latín), lenguas practicadas por muy pocas personas, lenguas vivas pero en
decadencia y lenguas dominantes (el inglés). También en materia de arte, las obras provienen de civilizaciones
desaparecidas (Sumeria, Asiria, Egipto, Grecia, Roma), de pequeñas civilizaciones (los escitas), de civilizaciones no
hace mucho poderosas, pero hoy declinantes (Europa), de civilizaciones dominantes (el modo de vida
americano). Cuando nos encontramos ante una obra de arte, el lenguaje artístico exige en que en primer lugar
sepamos situarla en su contexto geográfico e histórico. Y de este modo, responder a la doble cuestión: dónde y
cuando.
• De esta forma nos convertimos en aficionados artistas y para lograrlo no hay otro camino que construir nuestro
juicio, y para ello se necesita tiempo, empeño y paciencia. ¿Quién afirma que utiliza bien una lengua extranjera,
cualquiera, si le dedica un tiempo y un empeño ridículos?. Lo mismo ocurre con la fabricación de un gusto. Poco
importa cuál sea el objeto de ese gusto (un vino, una pintura, una pieza musical, una obra de arquitectura, un
libro, un poema), solo logramos apreciarlo una vez que hemos aceptado que hay que aprender a juzgar.
• Para ello, hay que educar los sentidos y provocar al cuerpo. La percepción de una obra de arte se realiza
exclusivamente por las sensaciones: vemos, oímos, tocamos, olemos etc. El comienzo es complicado, estaremos
perdidos, confundidos y es fácil que nos equivoquemos. Tiempo, paciencia y humildad, además de valor,
tenacidad y determinación. Los resultados se obtienen al final de un túnel más o menos largo según nuestro
empeño y nuestras capacidades.
La construcción de un juicio supone igualmente orden y método, además de un maestro. La escuela debería
desempeñar ese papel, pero la tarea nos incumbe a todos, museos, conciertos, construcciones, vinos, platos,
ejerciendo en cada ocasión nuestro juicio, comparando nuestras opiniones con otras, describiéndolas, todo ello
contribuye a la formación de nuestra sensibilidad, sensualidad, inteligencia y finalmente, nuestro juicio. Después,
un día, sin avisar, su ejercicio se producirá y se descubre un placer ignorado por la mayoría, por aquellos que se
conforman delante de una obra de arte en decir que les gusta o no, que la entienden o no, que ridiculizan o
hacen risas de las obras por no querer confesar su ignorancia.

Arte en Japon
Caracterizada por periodos de influencias foráneas y de aislamiento muy marcados.
Paleolítico dividido en tras grandes periodos: Jomon (10.500 a.C-300 a.C), Yayoi (300 a.C-300 d.C) y Kofun(300-542/58). Clanes familiares bajo el poder del
emperador Yamato. Ya en época Kofun, todos los japoneses practicaban la religión shinto basada en la veneración de los espíritus de la naturaleza.Los 3
periodos históricos: penetración de las influencias de China. Asuka ( 542-645). En el 542, el emperador Paikche de Corea recomienda el budismo. Japón
está configurado por una confederación de estados. Hakuho(645-710) y Nara (710-794).
Adopción de un sistema de gobierno similar al del Imperio Chino.
Sistema de escritura basado en los ideogramas chinos.
Literatura basada en los relatos históricos chinos
Arquitectura
Es un arte mayor para los occidentales pero para los japoneses es un arte menor y
artesanal. Se conocen pocos nombres propios y tan apenas hay tratados
arquitectónicos. Utilizan pocos materiales y prima la simplicidad, sencillez y utilidad.
Tenemos arquitectura civil para la aristocracia, alta sociedad… los castillos, los minka
(casa rural), las machiya (en centros urbanos) y el chashitsu (casa para la ceremonia
del té).
La arquitectura religiosa tiene los templos sintoístas (Jinja), que aparecen desde la
época Kofun, donde se veneran los kami. Los templos budistas (Ji o también Dera),
las pagodas son templos relicarios de Buda.
La arquitectura funeraria solo se da en la prehistoria japonesa. Son grandes túmulos
de tierra con vegetación.

Pintura y el pincel
Artes del pincel: caligrafía, pintura y poesía. Son artes
consideradas a su vez como atributos de las personas
cultas. Son muy numerosos los tratados sobre pintura y
caligrafía y eran muy importantes y reconocidos sus
artistas.
Caligrafía: arte de configurar de forma bella, expresiva y
elegante los caracteres de la escritura. Este tipo de
escritura aparece por primera vez en China durante la
dinastía Shang (1500-1050). Durante la época de los Tres
Reinos y Seis Dinastías (III-IV) ya se considera a la
caligrafía como arte. A Japón llega a partir de mediados
del siglo VI. Era una escritura que se podía utilizar con
diferentes idiomas y dialectos.
Es un arte abstracto del que se valoran los siguientes
aspectos:
- Que sea personal el gesto espontáneo de la mano a la
hora de hacer los trazos (se aprecia en el énfasis de la
línea).
- Los tamaños de los caracteres y la proporción de los
trazos.
- Distribución de los caracteres en el fondo blanco. La
disposición también en el soporte.
Se puede saber hasta el tipo de sentimientos que tiene
un calígrafo cuando realiza los kanji

Pintura:
- De carácter funerario.
- De género. La vida cotidiana en la literatura.
- De retrato civil.
- Religiosa, sobre todo budista pero también sintoísta. De monjes.
- De naturaleza en diferentes estilos.

Materiales y técnicas (instrumentos)
- Los materiales se comparten con las artes del pincel. El papel o la seda sobre todo. El papel aparece en China, durante la dinastía Han en el año 105 y a Japón llega en el
s. VI. El papel se usa por el bajo coste que implica, por su textura y porque empapa muy bien la tinta.
- Los formatos:
.Kakemono: vertical, aunque el papel no tenga esta forma, se monta la obra sobre una tela vertical tensada mediante varillas y se cuelga.
.Emakimono: es un rollo de papel de disposición horizontal que se puede guardar enrollado en una caja. Es un tipo de soporte que interactúa con el contemplador, pues
éste tiene que ir desenrollándolo para poder leer.
.Ehon (libro): hojas encuadernadas cosidas.
.Abanico: están pintados a mano.
.Byobn (biombo): estructura de madera plegable forrada de papel.
.Fusama: se diferencia de los shoji en que éstos son translúcidos (ya que se usan para la separación interior-exterior de la vivienda), mientras que los fusama son opacos y
pintados (su uso es en el interior del hogar).
Los instrumentos:
.Fude: es el pincel, compuesto por una varilla de bambú con borla de pelo de pluma de ganso, da faisán… se diferencia con el pincel occidental en que es más ancho en la
zona de la varilla y acaba en punta. Se tiene que coger completamente vertical.
.Sumi. Tinta negra hecha con hollín de pino o negro de humo obtenido a partir de otras plantas calcinadas y mezcladas con cola de arroz o clara de huevo.
.Suzuri: es el tintero. La tinta se rasca con la piedra para liberar más o menos polvo que se mezcla con agua para conseguir la tinta.
Nunca se utilizan tintes grasos y por eso no se puede rectificar. Pero esto también le da un toque especial de reflejos y trasparencias al color.

escultura
Escultura: tampoco es considerada arte mayor porque
está vinculada a los artesanos. En el período
Kamakura (1185/92 – 1333) se comienzan a hacer
esculturas de retrato civil. Desde esa época es cuando
los escultores comienzan a tener cierto renombre y se
asocian en gremios. Se utiliza sobre todo el barro, la
madera, el bronce, la laca seca y lo que no se utiliza
nunca es la piedra. Tipológicamente tenemos:
- En la prehistoria había figuras de carácter
propiciatorio. También en la escultura funeraria hay
unas esculturillas funerarias llamadas Haniwa hasta el
s. VI (cuando entra el budismo en Japón).
- Los budas y bodhisawa (santos del budismo, figuras
que han alcanzado el nirvana pero que eligen
reencarnarse para ayudar a las demás personas a
alcanzar la perfección).
- Retratos que representan los seres sagrados. Gran
expresividad de personajes santos que han sufrido
grandes penalidades.
- Escultura civil de grandes personajes en el período
Kamakura.
- Escultura sintoísta.

Arte en china
Desde los orígenes de la historia china se crearon objetos en
bronce, jade y hueso, que recogieron el espíritu y efecto
buscado en los rituales chamanistas. Estas formas en bronce
y jade muestran por primera vez uno de los principios
esenciales del arte chino: la síntesis entre el espíritu creador
artístico y la función social y jerárquica a la que estaban
destinados desde su concepción. El primero de ellos se
mostraba en la exquisitez de las formas, en el origen de los
temas decorativos tomando como paradigma las fuerzas de
la naturaleza y su acción sobre el espíritu humano, y en el
gran conocimiento técnico de los materiales que ha
caracterizado todas las formas artísticas .Como complemento
tanto la diversificación de las formas como la iconografía con
la que se adornaban correspondían a los principios de
jerarquización social y uso ritual que caracterizó los inicios de
la civilización china con la Dinastía Shang y la Dinastía Zhou.
En esta última dinastía surgen las escuelas de filosofía que
profundizando sobre la relación del individuo con su entorno
y la consideración social del mismo, establecerán los
fundamentos teóricos sobre los que siglos más tarde se
desarrollaría la teoría china del arte. Nos referimos
fundamentalmente al taoísmo y al confucianismo, sin por ello
afirmar que existe una clara división entre lo que algunos
consideran arte taoísta como manifestación disgregada de un
supuesto arte confuciano

Arquitectura china
La arquitectura china se caracteriza por distribuir el espacio en
unidades rectangulares que se unen para formar un todo,
combina rectángulos de diferentes tamaños y posiciones de
acuerdo con la importancia de la organización del conjunto:
utiliza el Feng Shui. Se distinguen claramente los distintos
niveles y elementos. El resultado es un aspecto exterior
impresionante, pero al mismo tiempo dinámico y misterioso. En
la arquitectura tradicional china, la distribución se rige por los
principios de equilibrio y simetría. El eje constituye la estructura
principal. Las estructuras secundarias se sitúan a ambos lados
del eje formando el patio central y las habitaciones principales.
Tanto las viviendas como los edificios oficiales, templos y
palacios se ajustan a este principio fundamental. En la
distribución del espacio interior se reflejan los valores éticos y
sociales de los chinos. La arquitectura china se caracteriza
también por el uso de una estructura de vigas y pilares de
madera y un muro de adobe que rodea tres de los costados del
edificio. La puerta y las ventanas principales se sitúan en el
frente. Los chinos llevan usando la madera como uno de sus
principales materiales de construcción desde hace miles de
años. La madera representa la vida y ésta es la principal idea que
la cultura china, en sus múltiples manifestaciones, trata de
comunicar. Esta característica ha llegado hasta nuestros días

Las cerámicas pintadas del neolítico, de hace más de seis
mil años y con figuras de peces, ranas, ciervos, pájaros y
flores, presentan las primeras manifestaciones pictóricas
de China. Los pictogramas más tempranos estaban
compuestos por los pequeños dibujos con líneas, que se
desarrollarían convirtiéndose en los caracteres chinos
actuales. Por los fragmentos exhumados en las ruinas de
Yinxü, capital de la dinastía Shang (XVII-XI a. de C.), se
sabe que los orígenes de la cerámica china se remontan
a dicha dinastía. Durante la dinastía Han (206 a. de C.-
220), el perfeccionamiento gradual del proceso de
sinterización propició la sustitución de la cerámica por la
porcelana, con lo que aquélla quedó relegada a un
segundo plano. La tecnología y el arte de la cerámica y la
porcelana alcanzaron una gran madurez en la dinastía
Tang, época en la que su producción aumentó y se
diversificó, alcanzándose la máxima perfección artística y
tecnológica con las piezas de porcelana verde, de
porcelana blanca y de la cerámica de tres colores. En la
dinastía Yuan se produjo un gran auge de la exportación
de porcelana; en la Song, esta industria experimentó un
vigoroso desarrollo, como lo demuestra la fama
alcanzada por numerosos hornos; pero su periodo de
mayor prosperidad correspondió a las dinastías Ming y
Qing.
ceramica china

Pintura, caligafia y poesía
• Es cierto que la poesía, pintura y caligrafía representan
todas ellas a través del pincel, la esencia misma del
pensamiento artístico taoísta, pero no hay que olvidar
que incluso estas artes sublimes tuvieron su función
social, su jerarquización y en consecuencia participaron
del pensamiento confuciano. Estas eran el arte con
mayúsculas, reservado a una clase intelectual formada
en los clásicos, y la tradición, donde se reconocía y
valoraba al artista y la obra de arte en su unidad y no
como producto social. Desde la primera escritura tratada
artísticamente y convertida en arte de la caligrafía por
Wang Xizhi en el siglo IVd.C. hasta los últimos
heterodoxos de la Dinastía Qing, los pintores Zhuda y
Shitao, la caligrafía, pintura y poesía han estado unidas
en unos mismos principios técnicos y estéticos. Los
instrumentos básicos -tinta, papel, pincel y tintero-,la
formación clásica, y la búsqueda del ritmo,
espontaneidad y expresividad basados en el trazo, la
pincelada y el vacío han sido los elementos comunes a
partir de los cuales sehan desarrollado diacrónicamente
a lo largo de los siglos. La palabra, el carácter es
considerado como una imagen, como la abstracción de
una idea y concepto, y la imagen pictórica en la que se
reconoce tanto a un carácter como a un paisaje se lee
como una palabra, fusionándose así el pensamiento
artístico en poesía-caligrafía-pintura.

Arte en la india
• El arte y la cultura de la India adoptan una teoría de la belleza que
es muy diferente de la que se impone en la cultura occidental por el
clero; que en esas regiones controla y dicta los dogmas culturales y
artísticos a seguir con evidente énfasis, sin velar o disimular su
propósito principal.
• El arte de la India se destaca como dijimos por su sensual y
sensible estilo que se observa en las esculturas, en la decoración de
tejidos, objetos y adornos diversos en tipos; ya fuera para uso
práctico o religioso.
• Este arte realza la belleza intrínseca de los materiales que utilizan,
adicionándoles además a aquellos que la base y características del
mismo lo permitió, colores vivos y contrastantes armoniosamente
para resaltar los elementos que acentúan la belleza de la obra y el
dramatismo de las emociones.
• La perfección de los contornos aporta mucho a la personalidad del
estilo dando como resultado increíbles juegos visuales entre los
elementos del conjunto. Posteriormente con el desarrollo de nuevas
tecnicas pictoricas comienza a jugar un papel importante
la utilización más frecuente del Volumen Tridimensional en lugar
del claroscuro.
• En las temáticas predominan las representaciones de sus dioses, sus
historias y leyendas.
• Los animales y en general la naturaleza están presentes en muchas
obras: Aves, elefantes, peces y hermosas plantas se utilizan no solo
como apoyo al conjunto de la escena; sino a veces incluso como
activos protagonistas. Estas obras aluden frecuentemente también
a temas eróticos y de amor entre los dioses y sus amadas en que el
carácter narrativo tanto en pintura, escultura, arquitectura, poesía,
danzas y vestuario contribuyen al mejor entendimiento de las
mismas tanto por parte de los fieles como del público en general.

El arte bizantino se va a dividir en tres grandes etapas:
* Arte protobizantino: 527 - 726, año en el que aparece la querella iconoclasta. La época
dorada de este arte coincide con la época de Justiniano.
* La querella iconoclasta se prolongó entre los años 726 - 843 y enfrentó a los iconoclastas
contra los iconódulos y fue tan violenta que produjo una crisis artística acentuadísima,
especialmente en el arte figurativo.
* Primera Edad de Oro Bizantina: 913 - 1204, momento en que los cruzados destruyen
Constantinopla.
* Segunda Edad de Oro Bizantina: 1261 - 1453, cuando los turcos toman Constantinopla.
El cesaropapismo va a durar durante todo este periodo y este arte va a ser
fundamentalmente áulico, al servicio del poder político, y cuando represente al
emperador, hecho muy frecuente, será un arte que aparentemente parece irreal, pero que
es el reflejo de esa ostentación majestuosa y solemne que rodeaba a los emperadores y les
convertía en símbolos del poder político y religioso.
Arte y Arquitectura Bizantina en el periodo premedieval
Los emperadores, y especialmente Justiniano, utilizaron la arquitectura como un
instrumento político para impresionar a los pueblos, tanto del interior como del exterior
del Imperio.
Por tanto, es una arquitectura imperial, normalmente costosa, puesto que el emperador
podía financiar los gastos necesarios para su programa constructivo.
Fue Justiniano el que buscó a un historiador llamado Procopio para que relatara en un
volumen cuáles y cómo eran sus construcciones, llamado "de edificis".
Hasta la llegada de Justiniano al poder, las construcciones religiosas tanto en oriente como
en occidente se habían basado en la basílica romana paleocristiana. Sin embargo, la
situación cambia totalmente en el siglo VI.
Occidente continúa adepto a la basílica, pero la arquitectura justiniana rompe con esta
tradición. El emperador prefiere iglesias de planta central y abovedadas, inspirándose en
modelos del Bajo Imperio Romano que se habían desarrollado en torno a salones
palaciegos, pabellones de jardín y construcciones funerarias.
Bizantino

Con Justiniano, pues, la planta central
cupulada con bóvedas de ladrillo se va
a convertir en norma para construir
los edificios religiosos,
independientemente de cuál fuera su
función litúrgica. Al parecer, la
influencia de la liturgia fue
determinante para esta elección. La
liturgia que se había desarrollado en
las costas del Egeo (Acheiropoietos)
requería la nave central como lugar
exclusivo para el coro. Un edificio de
planta central en cambio no requiere
este tipo de separación. La zona
central está ocupada con el coro y el
deambulatorio por los fieles. De este
modo se facilita enormemente el
desarrollo de esta liturgia oriental que
se manifiesta distinta a la que se
realizaba en Roma y en parte del
occidente europeo.

El gotico
corresponde a la Baja Edad Media, a continuación del románico. Es un período dinámico desde el punto de vista socioeconómico, muy variado, con intensos contactos con
Oriente a través de las cruzadas y las rutas comerciales.
Se trata de un estilo artístico europeo con unos límites cronológicos que oscilan aproximadamente entre el año 1140 y las últimas décadas del siglo XVI, dependiendo del
área geográfica.
Hoy día se considera uno de los momentos más importantes desde el punto de vista artístico en Europa.
Pintura
: La pintura es el arte que más radicalmente cambia en el gótico. Pierde su lugar
natural, el muro.Por eso, debido al escaso desarrollo de éste, la pintura gótica tiene
su primera ubicación en las vidrieras y en las miniaturas de los códices.
La técnica más utilizada es la del temple y el óleo, que da un mayor colorido y
permite un acabado más minucioso.
La primera etapa, hacia el 1200, corresponde a la pintura conocida como Gótico
Lineal, ya que manifiesta una especial atracción hacia las líneas que definen los
contornos. Este tipo de pintura gótica abarca todo el siglo XIII y los comienzos del
XIV momento en el que se desarrolla un nuevo estilo.
El nuevo estilo que sucede al lineal es el conocido como Gótico Italiano donde las
escuelas de Siena y Florencia alcanzan cotas muy altas. En esta época, los diferentes
gremios compiten en la decoración de sus capillas, lo que junto al desarrollo
económico hacen que se desarrolle y aumente la pintura gótica.
En este estilo desaparece la línea negra. Quieren conquistar de la técnica, el estudio
del espacio, la perspectiva lineal, la coloración objetiva, la luz y la degradación de
los colores.
La última etapa corresponde al Gótico Internacional, a finales del siglo XI

Escultura
Esta caracterizada por el interés hacia la naturaleza manifestado
por los artistas. Conserva el carácter monumental y grandioso de
herencia románica pero las figuras están dotadas de mayor
expresividad, abandonando la deshumanización. Las imágenes se
comunican entre sí expresando sentimientos, alegría, tristeza,
dolor, etc., hasta llegar al patetismo en el siglo XV. Con la escultura
gótica reaparece también el retrato. Este afán por la expresividad
llevará al artista gótico a interesarse por la anécdota y lo
secundario, tratando en ocasiones lo satíricoe incluso lo obsceno,
se observa una progresiva liberación del marco arquitectónico y un
mayor naturalismo. Existirá una escultura monumental. También
adquiere gran importancia la escultura funeraria, donde el retrato
tiene un mayor realismo. El material preferido para la escultura es
la piedra, pero también la madera, generalmente policromada.
El período protogótico destaca el conjunto del pórtico de la Gloria,
en España, atribuido al maestro Mateo y el pórtico real de
Chartres. Este primer periodo es de grandes composiciones , con
escasos pliegues en los ropajes.
El periodo clásico encontramos una tendencia a la belleza ideal, a
la ingenuidad y a la sencillez. Suelen ser conjuntos narrativos que
ocupan principalmente las portadas. Las figuras se hacen más
alargadas y aumentan las curvas, especialmente en los ropajes. El
periodo flamígero, que se caracteriza por la utilización de la curva
y la contracurva como elemento decorativo. Con estas técnicas se
consigue dar movimiento a las figuras. La figura humana se hace
más naturalista, convirtiéndose los rostros en auténticos retratos.
La escultura se hace totalmente exenta y se difunde la estatuaria
funeraria. En el relieve se introduce el paisaje hacia el siglo XV.

Arquitectura
El arte gótico se caracteriza por la verticalidad y la luz, que es el reflejo de la divinidad. Su expresión más típica es la catedral, edificio urbano, en la
que encontramos todos los elementos del arte gótico.
En estas construcciones predominan las plantas de cruz latina en las que se distingue: la cabecera, el crucero y las naves, de tres a cinco. La
cabecera tiene girola y capillas radiales y la nave central y el crucero son más anchos y altos que las laterales.
Las capillas, los ábsides y las girolas dejan de ser semicirculares para hacerse poligonales.
Los cambios constructivos más importantes se manifiestan en la bóveda de crucería y el arbotante. La bóveda de crucería, derivada de la de arista,
consigue localizar sus empujes sobre cuatro puntos de arranque lo que permite cubrir todo tipo de espacios. El arbotante por su parte es una
especie de puente que transmite las presiones desde el arranque de las bóvedas altas hasta los ligeros contrafuertes del exterior, permitiendo así
abrir mayores vanos en la fábrica del edificio.
Utiliza también un nuevo tipo de arco ojival, apuntado. Gracias a su verticalidad, permite elevar la altura del edificio. Con estos tres elementos los
arquitectos góticos revolucionan la construcción. Lograron muros diáfanos que se recubrne con vidrieras. Los rosetones son el marco privilegiado de
las vidrieras de colores. Las vidrieras se organizan en tracerías. Cada vidriera posee un armazón de hierro y un emplomado. Al existir mayor espacio
libre de piedra, las ventanas adquieren gran importancia y en el interior de los vanos se aprecian tracerías caladas que se rellenan con vidrieras
policromadas.
Aparece el pilar fasciculado, que tiene el fuste formado por varias columnillas delgadas, también llamadas baquetones.
La portada se revaloriza. En ella se colocan las torres y las puertas. La fachada típica tiene forma de H. Está formada por dos torres cuadradas,
rematadas con un elemento piramidal. Poseen tres niveles: la portada de entrada, los ventanales y el rosetón.Las puertas de acceso al templo
suelen colocarse en los brazos y pies de la cruz, continuando con el abocinamiento románico solo que ahora los arcos son apuntados. Los tímpanos
continúan siendo decorados pero ahora se distribuyen las figuras en zonas horizontales mientras las figuras de las arquivoltas se disponen en el
sentido de la curva.
La forma apuntada de la portada suele completarse con el gablete o moldura angular que la corona. Sobre la portada encontramos el rosetón que
aporta iluminación y cromatismo al interior del templo.
En el alzado de la catedral se distinguen tres partes: la arquería, el triforio y el claristorio o ventanales.

El renacimiento
Pintura (cuattrocento)
La pintura no se libero en seguida de la influencia gótica, pero gradualmente evoluciono a hacia un
nuevo concepto de belleza.
En el dibujo, los cuerpo adoptan formas mas naturales y se vuelven plásticos; se procura destacar la
expresión facial que algunas veces refleja algunos conflictos del alma
Características principales de la pintura renacentista
. Es narrativa: expone historias y sucesos, reales o ficticios sacados de la religión o de la
mitología
. Es realista: las figuras humanas, animales y objetos están reproducidos con el mayor
cuidado al tratar de verlo realista
.el cuadro se expone como un escenario: un espacio cubico, enseña la perspectiva
geométrica da alusión a profundidad
. Esquema de composición preferidos era el triangulo o el rectangular con la división
. Es pintura dibujista, contiene poder definidor y expresivo de l línea, y considera el color
como accidente de la materia de importancia secundaria
. Se da interés al cuerpo humano en especial al desnudo cuya anatomía se estudia con
detalle
. A partir del siglo XV se usara técnica en oleo y pintura en caballete
Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un himno personal en alabanza a la belleza; así, se perfecciona el dibujo y se utiliza
como base de la pintura. La cuna del Renacimiento fue Florencia. Es fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del
hombre y del mundo.
Pero al transcurrir el Quattrocento, si bien el color es vivo aun, va a dejar de lado el brillo de los dorados y el código de los gestos por una concepción mas científica
de la composición al introducir la perspectiva lineal y el rigor matemático y geométrico de la Sección Aurea, lo que da por resultado el sentido de proporción
característico de este estilo

Arquitectura
(cuattrocento)
. Se empleo los ordenes clásicos (jónico, corintio y
dórico)
. Se le da mucha importancia a la arquitectura civil,
contrayéndose los palacios municipales, que prestan un
aspecto de fortaleza, fueron construidas a las afueras de
roma, tenían grande pabellones con terrazas, escalinatas
y patios interiores, jardines y parques
. Utiliza en sus inicios la planta de la basílica cristina, sin
embargo el centro adquiere mayor importancia por el
empleo de la Cúpula que desplaza ala ojiva gótica y
presenta los famosos ojos del buey (aberturas circulares)
. En relación con los elementos constructivos, tenemos
que los muros son de ladrillo o sillería con apariencia
robusta, las bóvedas usadas fueron: las de "cañón
seguido", "rincón de claustro", "de arista" y la "cúpula";
se usan arcos de medio punto; las ventanas suelen ser
de varias formas: rectangulares, gemeladas (dos arcos de
medio punto subdividido en otros dos), con alfeizar
saliente, o en forma de tabernáculo.
Santa
María
nouvella
de León
Batista
Alberti
Cúpula de la
Catedral de
Santa María
de las Flores
de Florencia
(Brunelleschi)

Escultura
(cuattrocento)
El origen de la escultura renacentista se remonta al siglo
XIII, en Toscana, con el escultor Incola Pisano, quien se
encarga de esculpir del púlpito del Baptisterio de la
catedral. Este escultor es el que se atreve a exteriorizar la
ruptura con la severidad bizantina y con las ideas artísticas
del arte gótico, pero su obra queda aislada.
Es en los siglos XIV y XV, donde se comienza la época de
mayor furor de la escultura renacentista. En esta época se
advierte:
a. Vehemencia por la naturaleza y el desnudo idealizado o
natural.
b. Expresión de los sentidos y pasiones humanas.
c. Reinterpretación modernizada de los cánones clásicos.
d. Temáticas diversas: mitología, religión, historia, leyendas,
etc.
La escultura renacentista es el primer medio expresivo que
reacciona contra el estilo gótico. Esta presenta variaciones
de acuerdo con el siglo en que se desarrolla. Así es como al
siglo XIII se denominó Época Arcaica, los siglos XIV y XV,
Época Clásica y el siglo XVI, Época Barroca.
Donatello (1382‐1466)
Lorenzo
Ghiberti
(1378‐1458)

Pintura (cinquecento)
Resueltos los problemas técnicos, la pintura del
Cinquecento no tendrá otra preocupación que la del
contenido.
•Se rinde culto a la belleza: desaparece la dureza de los
modelados y la pintura deja de emular a la escultura. Si en
el Quattrocento primóla figura masculina, el cinquecento es
el momento del desnudo femenino
•La luz se torna aire respirable: es el momento de la
perspectiva aérea, que sustituye a la perspectiva lineal.
Miguel Angel. Michelangelo Buonarroti
Caprese (1475) ‐Roma (1564)
La creación
Leonardo Da Vinci
(Italia, 1452‐1519)La Gioconda

Arquitectura
(cinquecento)
Equilibrio, austeridad, robustez y predominio de la arquitectura
sobre la decoración son características principales de las
edificaciones cinquecentistas clasicistas. Se emplean ahora los
volúmenes con un sentido plástico, buscándose el contraste y
el juego mediante la conjugación de las formas y el manejo de
la luz (elementos cuyo uso teatral se buscará deliberadamente,
exagerándolo, durante el periodo manierista).
A lo largo de este siglo XVI se inicia el desarrollo y ejecución de
uno de los más importantes planes arquitectónicos como será
el destinado a la creación de la basílica de San Pedro del
Vaticano. Adjudicada inicialmente su construcción a Bramante,
el fallecimiento del mismo dará lugar a la elección del pintor
Rafael, cuya participación en el proyecto se verá truncada de
igual modo por su muerte, siendo realmente el relevo del
posterior elegido (Antonio de Sangallo el Joven) el verdadero
artífice del edificio: Miguel Ángel. Éste va a recuperar el plan
inicial de planta central propuesto por Bramante y a construir
la magnífica cúpula que lo corona, convirtiéndola en referencia
de todo el conjunto.
Basílica de
San Pedro del
Vaticano.

Escultura
(cinquecento)
No es posible hablar de escultura renacentista italiana sin
nombrar a uno de los más grandes e importantes artistas de
esta disciplina (y no sólo del momento) como es Miguel Ángel;
la calidad de su trabajo y su capacidad para obtener "vida" del
mármol no puede, incluso a día de hoy, por menos que causar
una completa admiración.
En él es posible encontrar los distintos registros que se
sucederán a lo largo de este s.XVI, desde aquellas obras
iniciales donde se acatan todas las reglas clásicas hasta el
manierismo terrible, por completo visionario, de sus
"esculturas inacabadas" (ejemplo de las cuales puede citarse la
Pietá Rondanini).
Sus primeras realizaciones, alrededor del año 1500, siguen la
línea típica del siglo XV: serenas dentro de su majestuosidad,
claroscuro controlado, buen estudio anatomico pero sin
exuberancias, y sobre todo un pulido muy acabado. Los
esquemas en que se agrupan las figuras son geométricos y
simples.
En esta etapa las esculturas de Miguel Angel se vuelven mas
esbeltas y la melancolía se traduce en los rostros. Los fornidos
torsos terminan en delicadas manos y pies, las cabezas son
pequeñas; las líneas que envuelven a las figuras son ovaladas
describiendo un eje en torno al cual se efectua un movimiento
de rotación en espiral. El tratamiento plástico se vuelve
sintetico.
MIGUEL ÁNGEL
(1475‐1564)
David

El barroco
El período Barroco se ubica entre los períodos del arte del Renacimiento y el Neoclásico. Se enmarca en un tiempo en el cual la Iglesia Católica tuvo que reaccionar
contra numerosos movimientos revolucionarios culturales que produjeron una nueva ciencia y nuevas formas de religión, como la Reforma protestante.
Se ha dicho que el Barroco en arquitectura es un estilo que podría dar al papado un camino formal imponente de la expresión que podría restaurar su prestigio, al
punto de hacerse de alguna manera simbólica de la Contrarreforma. Fue con éxito desarrollado en Roma, donde la arquitectura barroca renovó ampliamente las
áreas centrales con la adición (o revisión) urbanística. Pero muchos otros ejemplos son encontrados en otras ciudades europeas y en América Latina. Es importante
destacar que el Barroco fue una innovación cultural general.
La palabra barroco, como la mayor parte de las designaciones de un período,
época o de un estilo, fue inventada por críticos posteriores, más que por los
practicantes de las artes en el siglo XVII y principios de siglo XVIII, es decir,
los artistas que plasmaban dicho estilo. Es una traducción francesa de la
palabra portuguesa "barroco" (en español sería "barrueco" ), que significa
"perla de forma irregular", o "joya falsa". Una palabra antigua similar,
"barlocco" o "brillocco", es usada en el dialecto romano con el mismo sentido,
o también se le llama "barro-coco" todas ellas significando lo mismo.
El término "barroco" fue después usado con un sentido despectivo, para
subrayar el exceso de énfasis y abundancia de ornamentación, a diferencia de
la racionalidad más clara y sobria de la Ilustración (siglo XVIII ). Fue
finalmente rehabilitado en 1888 por el historiador alemán de arte Heinrich
Wölfflin (1864-1945), quién identificó al barroco como oponente al
Renacimiento y como una clase diferente dentro del arte "elaborado".

Arquitectura barroca
La arquitectura barroca se desarrolla desde el principio del
siglo XVII hasta dos tercios del siglo XVIII. En esta última
etapa se denomina estilo rococó. Se manifiesta en casi
todos los países europeos y en lo que eran por aquel
entonces los territorios de España y Portugal en América,
hoy países independientes. Los materiales propicios de
construcción en la arquitectura barroca son los materiales
pobres sin ningún valor aun así viendo la sensación de
monumentalidad y majestuosidad sinuosa de la
arquitectura barroca. Se juega un poco con la falsedad,
aunque eso no quiere decir que no se emplearan materiales
ricos. De hecho surgieron las Manufacturas reales donde se
manufacturaron productos de "qualité" como el vidrio de
carrá, las alfombras pérsicas, las cerámicas u otros.
Los elementos constructivos no presentan ninguna
novedad, ya que siguen los órdenes clásicos del
Renacimiento; la diferencia es que en el Barroco se
contraponen elementos arquitectónicos utilizándolos con
cierta libertad e individualidad. No se pierde la armonía sino
la perspectiva renacentista, que abarca el espacio del
espectador. El grandiosismo es una cualidad típica Barroca
que está claramente reflejada en la Plaza de San Pedro. De
hecho, al situarse justamente en la entrada de la plaza se
puede observar la altitud del obelisco, pero al adentrarse en
dirección a la basílica de San Pedro aparecen las
inesperadas columnatas que rodean el perímetro de la
Plaza. Los arcos se utilizan de formas variadas y las cúpulas
son el elemento por exelencia del arte Barroco.

Escultura barroca
La escultura barroca se desarrolla a través de las creaciones
arquitectónicas, sobre todo en estatuas, y también en la
ornamentación de ciudades en plazas, jardines o fuentes.
La escultura Barroca cobra un papel decorativo en la composición
general de la obra.
E n ellas destacamos su complicada estructura y dramática vivacidad.
Las esculturas barrocas se distinguen por su gran movimiento y el
dinamismo. Las imágenes muestran pasiones violentas, lentas y
exaltadas. La valorización de aquellos motivos heroicos de la cultura
renacentista injertos en la Contrarreforma y la pintura del Greco y de
Caravaggio introdujeron nuevos contenidos religiosos y morales y
contribuyeron a una radical renovación de la expresión figurativa.
La escultura barroca española tiene una serie de características
propias:
- Predominan los temas religiosos.
-Exaltación del realismo. Para ello utilizan postizos como pelo real,
corona real, ojos y lágrimas de cristal, etc. Se llegaron a crear imágenes
de vestir, en las que se realizaban con minuciosidad cabeza, manos y
pies para vestirlas con ropa real.
-El principal cliente de sus obras fue la Iglesia, y en segundo lugar la
Corte.
- Se produce la decadencia de la escultura funeraria.
- Las obras decoran retablos, sillerías de coro y los famosos pasos de
Semana Santa.
- Utilizan la madera policromada como material preferido.

El éxtasis de Santa Teresa. Bernini.
ANÁLISIS:
Bernini crea un grupo escultórico en mármol que
más parece una composición pictórica, donde
hace visible la experiencia narrada por la Santa de
Ávila: aparece ella en profundo éxtasis místico con
sus ojos pesadamente cerrados y su boca
entreabierta, transmitiendo una sensación híbrida
entre placer y dolor.
Lo primero que vemos es un grupo escultórico o
conjunto escenográfico, donde Santa Teresa de
Jesús está en pleno arrebato místico sobre unas
vaporosas nubes, en el mismo instante que un
ángel la acaba de atravesar con un dardo de amor
cristiano.
Con esta obra supo Bernini lograr unos efectos
escenográficos alucinantes, irreales por la luz y el
volumen, sin límites definidos y todo para plasmar
el clímax de la Santa en la estatua.
Ese efecto luminoso hace que las figuras parezcan
suspendidas en el aire.
Integra el conjunto la pintura, la escultura y la
arquitectura: pintura en la policromía de la
estructura arquitectónica y arquitectura en el
hueco por donde entra una luz cenital, dedicada
toda a la escultura. Santa Teresa está recostada
sobre unas nubes y elige, como el momento
preciso, el clímax emocional de la Santa, donde se
representa todo el sentimiento teatral y
escenográfico del barroco.

Durante el Barroco la pintura
adquiere un papel prioritario
dentro de las manifestaciones
artísticas. Siendo la expresión
más característica del peso de
la religión en los países
católicos y del gusto burgués
en los países protestantes.
Se desarrollan nuevos
géneros como los bodegones,
paisajes, retratos, cuadros de
género o costumbristas, así
como se enriquece la
iconografía de asunto
religioso. Existe una tendencia
y una búsqueda del realismo
que se conjuga con lo teatral y
lo efectista.
Pintura barroca

Pintura rococo
El estilo Rococó nace en Francia a principios del siglo XVIII y se
desarrolla durante los reinados de Luis XV y Luis XVI.
Ha sido considerado como la culminación del Barroco, sin
embargo, es un estilo independiente que surge como reacción al
barroco clásico impuesto por la corte de Luis XIV. El rococó a
diferencia del barroco, se caracteriza por la opulencia, la
elegancia y por el empleo de colores vivos, que contrastan con
el pesimismo y la oscuridad del barroco. Es un estilo
aristocrático, revela el gusto por lo elegante, lo refinado, lo
íntimo y lo delicado. Armoniza con la vida despreocupada y
agradable que la sociedad ansía y se desentiende de cuestiones
religiosas. Es un arte mundano, sin conexión con la religión, que
trata temas de la vida diaria, no simboliza nada social ni
espiritual, sólo superficialidad. Por todo esto se considera al
Rococó un arte frívolo, exclusivo de la aristocracia.
Se difundió rápidamente por otros países europeos, sobre todo
en Alemania y Austria y se seguirá desarrollando hasta la llegada
del Neoclasicismo.
Defición del Arte Rococó
El término rococó proviene de la palabra francesa "rocaille"
(piedra) y "coquille" (concha), elementos de gran importancia
para la ornamentación de interiores.
Lo importante es la decoración, que es completamente libre y
asimétrica. Muestra su predilección por las formas onduladas e
irregulares y predominan los elementos naturales como las
conchas, las piedras marinas y las formas vegetales.

Neoclasico
El nacimiento de la corriente cultural y artística denominada Neoclasicismo en el siglo XVIII se corresponde con una muy profunda revisión de modelos sociales, económicos y
políticos que se vive en Europa durante aquellas décadas.
Este cambio social europeo se debe a la difusión de las teorías de la Ilustración en todos los ámbitos de la vida. Se revisan y critican los modelos tradicionales y se proyecta
una nueva sociedad más justa e igualitaria. Este proceso terminará provocando la caída del Antiguo Régimen.
En el plano cultural y artístico, también se produce este punto de inflexión que terminará conduciendo a la pintura moderna contemporánea.
En este momento, entre los ilustrados se enuncia la convicción absoluta de un conocimiento basado en la razón. En este movimiento de humanismo cultural, también aparece
un afán enciclopédico de recoger el saber humano.
En arte y literatura se revisan los valores de la antigüedad desde el punto de vista formal y moral. Se busca un ideal de pureza como defensa y crítica del barroco y rococó,
que se consideran artes de lujo artificial.
En este contexto, la antigüedad clásica se convierte en el modelo a
seguir. Artistas y aficionados viajarán a Roma para tomar modelos
de la antigüedad imperial romana, y Roma se convierte en el centro
internacional (Si bien es verdad que muchos modelos se toman del
Renacimiento en lugar de observar directamente los edificios de la
antigüedad).
En esta revisión de la cultura greco-romana tuvieron importancia los
descubrimientos de Pompeya y Herculano y los dibujos de artistas y
las teorías de los enciclopedistas (Voltaire, Rosseau, etc.)
Una de las características del neoclasicismo es que en la revisión de
las culturas clásicas se concluye la preeminencia de lo griego sobre
lo romano. Por ello, en el neoclasicismo, predomina la arquitectura
inspirada en Grecia.

Arquitectura
La arquitectura neoclásica comenzó a
mediados del siglo XVIII, por una reacción
contra el estilo barroco de
ornamentación naturalista así como por
el resultado de algunos rasgos clasicistas
nacidos en el barroco tardío. Se prolongó
durante el siglo XIX, confluyendo a partir
de entonces con otras tendencias, como
la arquitectura historicista y el
eclecticismo. Algunos historiadores
denominan el periodo de la arquitectura
neoclásica de la primera mitad del siglo
XIX como clasicismo romántico, a pesar
del oxímoron (oposición de términos),
dado que, además de coincidir en el
tiempo con el romanticismo,
estilísticamente comparte rasgos con la
estética romántica, al añadir cierta
expresividad y espíritu exaltado a la
sencillez y claridad de las estructuras
clásicas grecorromanas.1
Factores fundamentales que influyeron
en la creación de la arquitectura
neoclásica fueron los determinantes en el
contexto político, social y económico de
la época, en que se incluyen
destacadamente la revolución industrial,
la crisis del Antiguo Régimen, la
Ilustración, el enciclopedismo, la
fundación de las Academias, el
despotismo ilustrado, etc.
El enciclopedismo, espíritu precursor
de la revolución francesa, trajo
consigo una concepción romántica de
la Grecia Antigua. La Ilustración
sostenía que la infelicidad del
hombre, se debía a la ignorancia e
irracionalidad y que por lo tanto el
único camino viable para conducirlo a
la felicidad era llevarle la luz de la
razón por medio de la educación. En
cuanto a arquitectura la educación
implicaba el conocimiento y fuentes
antiguas tales como Vitrubio, Palladio,
Vignola; por lo que ésta hizo uso de
los repertorios formales de la
arquitectura griega y romana.
Se buscó dar un carácter más
científico a las artes, por lo que los
artistas debieron ser técnicos más
que inventores, e imitadores más que
creadores. Este espíritu científico
llevó a considerar al arte clásico como
un arte progresista, porque estaba
desprovisto de adornos sin sentido y
buscaba la perfección de las leyes
inmutables sin depender de las
impresiones subjetivas e imperfectas
del artista.

Arquitectura neoclasica
Utilizaban mármol y piedra
Reacción contra los decorativos
del barroco y el rococó
Reputación de
la cultura
greco-latina
Prima la técnica sobre la inspiración
Ausencia de elementos decorativos
Predominio de volúmenes geométridos
La razón se impone a la imaginación todo
consiste en proyectar

Predomina lo horizontal sobre lo
vertical, la solides y el uso del
pronto las columnas y los atrios.
Estos es orden proporción y
armonía
La realización del proyecto
no debe ser el resultado del
estilo de un artista sino que
forma parte de la cultura y
del modo de vivir de la
sociedad

Escultura neoclasica
Las esculturas neoclásicas se realizaban en la mayoría de los casos en mármol blanco, sin policromar, puesto que así se pensaba que eran
las esculturas antiguas, predominando en ellas la noble sencillez y la serena belleza
Así, los escultores de fines del siglo XVIII y comienzos del XIX, crearán obras en las que prevalecerá una sencillez y una pureza de líneas
que los apartará del gusto curvilíneo del Barroco. En todos ellos el desnudo tiene una notable presencia, como deseo de rodear las obras
de una cierta intemporalidad. Los modelos griegos y romanos, los temas tomados de la mitología clásica y las alegorías sobre las virtudes
cívicas llenaron los relieves de los edificios, los frontones de los pórticos y los monumentos, como arcos de triunfo o columnas
conmemorativas.
El retrato también ocupó un importante lugar en la escultura neoclásica

Predomina la racionalidad de la expresión
serena y sosegada sobre la irracionalidad de
lo impetuoso , imita el estilo de los grandes
escultores de la antigüedad
Se toma como modelos los temas
clásicos porque quieren razonar
intelectualmente sobre la naturaleza
Frente al realismo y el expresionismo de la
escultura barroca se opone la serenidad y
la belleza de la escultura clásica hay una
reacción sobre los efectos pictóricos la
teatralidad y el movimiento desbordado
del barroco
Retorno al equilibrio, armonía,
inexpresividad del arte clásico
Búsqueda de
simplicidad y
pureza de líneas
Predomina de la temática vinculadas a la
mitología griega y las historias de héroes griegos
y romanos
El desnudo tiene una
notable presencia como el
deseo de rodear las obras
de una cierta
intemporalidad
escultura

Pintura neoclAsica
La pintura neoclásica es un movimiento pictórico nacido en Roma en la década de 1760 y que se desarrolló en toda Europa, arraigando especialmente en Francia hasta
aproximadamente 1830, en que el Romanticismo pasó a ser la tendencia pictórica dominante.
El Neoclasicismo se sitúa entre el Rococó y el Romanticismo. Pero en muchas ocasiones, el tránsito de uno a otro estilo no es fácil, porque tienen rasgos semejantes. Si lo
característico del Neoclasicismo era revivir otra época, en concreto la Antigüedad clásica, realmente no se diferencia de intentar recrear la Edad Media o la vida en países
orientales, pues en ambos casos se recurría a temas exóticos, ajenos a la realidad de la sociedad en la que el pintor trabaja. En realidad, clasicismo y Romanticismo son
tendencias estilísticas burguesas que reaccionan frente al aristocrático rococó, y como tal ideología burguesa, aspira tanto al orden y la estabilidad, como a la libertad que les
era negada por el Antiguo Régimen; del mismo modo, es la burguesía la que se plantea la dialéctica entre la razón, que defiende un sistema político más racional que el del
Antiguo Régimen, y el sentimiento, muchas veces puro sentimentalismo burgués frente a la cínica frialdad e indiferencia de la aristocracia. En este sentido, el Neoclasicismo
representaría la aspiración a un orden regido por la razón, mientras que el Romanticismo representaría las igualmente burguesas ideas de libertad en un mundo dominado por
el sentimiento individual.

Pintura
neoclásica
Su principal fuente de
inspiración fue la naturaleza
realista pero idealizada bella y
tranquila
Composiciones geométricas
equilibradas y estáticas si tienen
movimiento este es mesurado
Predomina el dibujo sobre el color
contornos definidos buscando
imitar a la escultura
Los personajes representan
perfección anatómica y
proporciones canónicas griegas
Falta de expresividad no hay
sentimientos y cuando los
hay son contenidos y fríos
Prepotencia expresiva en
primer plano generalmente
mas iluminada que los
demás
Uso de alegorías
para representar
temas del presente
Pincelada bien
acabada que no se
puede apreciar
Intención
moralizante

Romanticismo
El Romanticismo es un movimiento cultural y político originado en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra
el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, dándole importancia al sentimiento. Su
característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda
constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable. Debido a que el romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al
hombre mismo es que se presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla; incluso dentro de una misma nación se desarrollan distintas
tendencias proyectándose también en todas las artes.
Se desarrolló fundamentalmente en la
primera mitad del siglo XIX,
extendiéndose desde Inglaterra a
Alemania. Después a Francia,
Italia, Argentina, España, México, etc.
Su vertiente literaria se fragmentaría
posteriormente en diversas
corrientes, como el Parnasianismo, el
Simbolismo, el Decadentismo o el
Prerrafaelismo, reunidas en la
denominación general de
Postromanticismo, una derivación del
cual fue el llamado Modernismo
hispanoamericano. Tuvo
fundamentales aportes en los campos
de la literatura, el arte y la música.
Posteriormente, una de las corrientes
vanguardistas del siglo XX, el
Surrealismo, llevó al extremo los
postulados románticos de la
exaltación del yo.

Características
El Romanticismo es una reacción contra el
espíritu racional e hipercrítico de la Ilustración
y el Clasicismo, y favorecía, ante todo:
* La conciencia del Yo como entidad
autónoma y fantástica
* La primacía del Genio creador de un
Universo propio.
* La supremacía del sentimiento frente a la
razón neoclásica.
* La fuerte tendencia nacionalista.
* La del liberalismo frente al despotismo
ilustrado.
* La de la originalidad frente a la tradición
clasicista.
* La de la creatividad frente a la imitación
neoclásica.
* La de la obra imperfecta, inacabada y
abierta frente a la obra perfecta, concluida y
cerrada.

El Realismo fue un movimiento artístico y literario cuyo propósito fundamental consistió en la representación objetiva de la realidad, basándose en la observación de los aspectos cotidianos
que brindaba la vida de la época.
Esa exigencia de contemporaneidad, ajena a evocaciones o fantasías de corte romántico, posibilitaron a los artistas realistas un amplio campo de representación, tanto en la temática como
en su intencionalidad. Precedido por el Romanticismo y seguido por el Simbolismo y por el Impresionismo, el Realismo no se reveló en Europa con igual intensidad ni tampoco de modo
simultáneo. Su apogeo puede situarse entre 1840 y 1880, sin perjuicio de que en algunos países su práctica se prolongara durante el primer cuarto del siglo XX.
La aparición y desarrollo del Realismo fue fruto de la agitada situación política que protagonizó Francia a raíz del derrocamiento de la monarquía burguesa de Luis Felipe y de la proclamación
de la II República en 1848 y, veinte años más tarde, en 1871, tras el advenimiento de la Comuna, de la proclamación de la III República. Es a lo largo de esos años cuando surgen los
movimientos obreros y proletarios que, avalados por las teorías de Marx y Engels, se inspiran en nuevos sentimientos sociales y en nuevas ideas políticas, cuya influencia también se dejaría
sentir en el mundo artístico.
El Realismo comenzaría, efectivamente, como un movimiento del proletariado artístico. La representación del pueblo sin idealismos, es decir, tal como era objetivamente, encerraba un cierto
mensaje sociopolítico. Así lo ratificó Courbet, uno de los padres del Realismo, cuando en 1851 expresara sin ambages que "yo no soy sólo socialista, sino también demócrata y republicano
partidario de la Revolución; en una palabra y sobre todo, un realista, es decir, un amigo sincero de la auténtica verdad".
Esa veracidad del Realismo fue entonces duramente criticada, acusándole de recrearse en lo feo y en lo vulgar, en lo morboso e, incluso, en lo obsceno. Se quiso ver, ante todo y sobre todo,
que la representación de, por ejemplo, campesinos, o sea, de trabajadores vulgares, comportaba una protesta y, en definitiva, un ataque a la sociedad existente.
En ese compromiso con lo social, el Realismo dio paso a temas que hasta entonces se habían ignorado, elevando a la categoría de protagonistas de sus obras a tipos humanos que nunca
tuvieron el honor de ser representados. Campesinos, picapedreros, ferroviarios, lavanderas, mineros, etc., fueron fuente de inspiración para los creadores realistas. Unos protagonistas que
figuraban tanto en los lienzos como en los relatos literarios y cuyo concurso se revelaba no como un simple complemento pintoresco, sino como figuras centrales.
Bien es cierto que el compromiso social del Realismo no implicaba ninguna proclamación abierta y reivindicadora de mejoras sociales o de cambios políticos. Sin embargo, la decisión de
reflejar ese tipo de realidades suponía un contundente testimonio e, incluso, un cierto compromiso.
Realismo expresionismo

Impresionismo
El Impresionismo nace como una evolución a ultranza del Realismo y de la Escuela paisajística francesa de finales del siglo XIX. El preludio se encuentra en
1863, con la creación del Salon des Refusés, a modo de contestación de los Salones Oficiales de Otoño, que mantenían un arte estancado y carente de
originalidad. El Impresionismo se corresponde con una transformación social y filosófica; por un lado, el florecimiento de la burguesía, por otro, la llegada del
positivismo. La burguesía, como nuevo fenómeno social, trae sus propios usos y costumbres; unos afectan al campo, que deja de ser lugar de trabajo para
convertirse en lugar de ocio: las excursiones campestres. Es el mundo retratado por Monet y Renoir. La ciudad, por el contrario, se convierte en nuevo espacio
para la nueva clase social: aparecen los flanneurs, paseantes ociosos que se lucen y asisten a conciertos en los boulevards y los jardines de París. También
cobra relevancia la noche y sus habitantes, los locales nocturnos, el paseo, las cantantes de cabaret, el ballet, los cafés y sus tertulias. Es un mundo fascinante,
del cual los impresionistas extraen sus temas: en especial Degas o Toulouse-Lautrec. Porque para ellos se han terminado los temas grandiosos del pasado. El
positivismo acarrea una concepción de objetividad de la percepción, de un criterio científico que resta valor a todo lo que no sea clasificable según las leyes
del color y de la óptica. Según esto, cualquier objeto natural, visible, afectado por la luz y el color, es susceptible de ser representado artísticamente. El cuadro
impresionista se vuelca pues en los paisajes, las regatas, las reuniones domingueras, etc. Los impresionistas se agruparon en torno a la figura de Manet, el
rechazado de los Salones oficiales y promotor del Salon des Refusés. Ante el nuevo léxico que proponen, de pincelada descompuesta en colores primarios
que han de recomponerse en la retina del espectador, el público reacciona en contra, incapaz de "leer" correctamente el nuevo lenguaje. Pero el
Impresionismo cuenta con el apoyo de dos fuerzas sociales emergentes: la crítica de arte, que se encargará de encauzar el gusto del público; y los marchands,
los vendedores de arte, que colocan sus cuadros en las mejores colecciones del país. Las tertulias, los Salones extra-oficiales y el propio escándalo se
convirtieron en vehículos propagandísticos del nuevo estilo. Dicho estilo cuenta como precedente con los paisajistas de la Escuela de Barbizon, dependiente
del último Realismo francés. Corot y Millet son las referencias más inmediatas en Francia, apoyados por la innovación de los paisajes de Turner. Esta tendencia
paisajista la desarrollaron los integrantes del denominado Grupo de Batignoles, llamados así por vivir en el barrio del mismo nombre. Éstos son Monet,
Boudin, Renoir... También toman referencias, especialmente de color y composición, del Siglo de Oro español. El japonismo, una moda de la época, añadió su
parte a través de grabados que enseñaron a los artistas una forma nueva de ver el espacio y de utilizar los colores planos, sin intentar falsificar la realidad del
cuadro con la tercera dimensión. Por último, la fotografía fue otro enlace, aunque no está claro si la espontaneidad de la captación del momento la aprende el
Impresionismo de la fotografía o, más bien, ésta es la alumna de aquél. En cualquier caso, el resultado es una pintura amable, ligera, frecuentemente de
paisaje, llena de luz y color, con pinceladas muy cortas que a veces dejan entrever el blanco del lienzo. No son cuadros grandes puesto que responden a
encargos privados. Están alejados de cualquier compromiso social (casi todos los impresionistas se fueron de vacaciones al campo o a Inglaterra durante la
represión de los movimientos obreros de la década de 1880) y no tardaron en ser refrendados por una amplia aceptación social, de esta burguesía que se veía
retratada en los lienzos impresionistas, al modo en que el mundo noctámbulo parisino se refleja en el espejo de La Barra del Folies-Bergère de Manet.

Es un movimiento artístico que comenzó como escuela literaria en Francia y Bélgica hacia 1885, preludiada por Baudelaire, Mallarme, Verlaine y Rimbaurd y bajo el impulso del ultimo
Romanticismo alemán con Nováis.
A finales del siglo XIX se van consolidando las democracias en Europa.
La revolución industrial provoca un éxodo de la población rural hacia las ciudades. Las clases obreras se concentran alrededor de las fábricas. Las ciudades tuvieron que afrontar
problemas diversos:
Dificultades para cubrir las necesidades básicas de la población: alimentos, agua potable, luz, servicios sanitarios, etc.
Problemas de vivienda. Las casas se amontonan en los suburbios y carecen de condiciones higiénicas.
Guerra con Estados Unidos (1895): supone la pérdida de Cuba, Puerto Rico y Filipinas y Guam (Marianas).
Desastre del 98: originó propuestas de regeneración del país.
Reinado de Alfonso XIII: crisis del régimen. Culmina con la dictadura de Miguel Primo de Rivera.
II República: reorganización del Estado.
Agravamiento de la situación internacional y crisis económica.
Guerra Civil: se reconoce el gobierno del general Francisco Franco.
El término simbolista procede del ámbito literario. El primero en utilizarlo fue el poeta Jean Moréas en 1885 en su "Manifiesto Simbolista" y posteriormente se aplicó a la nueva
pintura ya que las intenciones de los poetas y los pintores eran semejantes.
El simbolismo tomó fuerza a partir del año 1886 cuando Jean Móreas publico, a manera de manifiesto en Le Fígaro, un escrito basado en la traducción que se había hecho de la
filosofía de lo inconsciente de Hartmann.
La poesía simbolista busca vestir a la idea de una forma sensible, posee intenciones metafísicas, además intenta utilizar el lenguaje literario como instrumento de conocimiento, por lo
cual se encuentra impregnada de misterio y misticismo. Fue considerado en su tiempo por algunos como el lado oscuro del Romanticismo. En cuanto al estilo, basaban sus esfuerzos
en encontrar una musicalidad perfecta en sus rimas, dejando a un segundo plano la belleza del verso. Intentaban encontrar lo que Charles Baudelaire denominó “la teoría de las
correspondencias”, las secretas afinidades entre el mundo sensible y el mundo espiritual. Para ello utilizaban determinados mecanismos estéticos, como la sinestesia.
La búsqueda del MYSTERIUM TREMENS llevo a los simbolistas a hacer dos viajes imaginarios en opuesta dirección; el viaje hacia la interioridad (misterio del alma) y el viaje hacia la
exterioridad (misterio del cosmos), adoptando la creación poética y la artística como estructura de un trayecto.
Algunos autores como Baudelaire, empiezan entonces a expresar sus opiniones de los recientes y visibles cambios en la sociedad a través de lo que sienten, buscan comunicar a través
de sus obras las consecuencias del progreso industrial.
Jean Moreas, poeta simbolista griego de expresión francesa, escribe en 1886 un manifiesto en el que describe el simbolismo como un “enemigo de la enseñanza, la declamación, la
falsa sensibilidad y la descripción objetiva”.
Posteriormente, los Nabis, segunda generación simbolista, aspiraron a traducir estas ideas en forma de vida y en activas reformas. Al contrario que el impresionismo, escuela concreta
y localizada básicamente en Francia, el Simbolismo fue un gran movimiento que también se extendió a España. Se difundió a partir de 1890, y adoptó diferentes interpretaciones. En
Cataluña cabe señalar la obra de Joan Brull, Adrià Gual y de Santiago Rusiñol de mediados de los años de 1890. En el seno del Simbolismo tomó también cuerpo una tendencia que
acentuaba ciertos trazos de sus figuraciones, lo que desequilibraba la representación objetivista de las cosas en un sentido fuertemente expresivo.
Simbolismo

Conclusión:
Características Generales de Simbolismo:
 Se encuentran imágenes opuestas a la realidad visible, por lo tanto hay una realidad escondida la cual se basa en los sueños.
 Sugiere ideas y emociones a partir de imágenes, y estas imágenes se expresan por medio de experiencias visuales y emocionales.
 Todo tiene un alto contenido espiritual y religioso.
 Utiliza el subjetivismo, lo irracional, la fantasía, la intimidad y el uso de símbolos para comunicar emociones.
 Este movimiento está en contra de los valores del materialismo y del pragmatismo.
 Busca la verdad universal.
 Busca el conocimiento intelectivo y la expresión conceptual: 'la pintura tiene que explicar algo, que la poesía tiene que hacer pensar y
una pieza musical impresionar al espectador' -Arnold Böcklin-
 Formas planas y grandes áreas de color.
 Interés por lo subjetivo, lo irracional.
 Los poetas buscan evocar impresiones, más que expresar ideas.
 Sus imágenes, desprovistas de lógica originaron una poesía rebuscada y oscura.
 Representa una completa renovación poética.
 Al contrario de la precisión de las descripciones, presenta el efecto de la evocación basada en la imagen: “no nombrar, sino sugerir”,
dice Mallarmé.
 El símbolo produce evocaciones o despierta la intuición del lector.
Características del simbolismo en La pintura y escultura:
 Reflejan lo ambiguo la belleza hermafrodita, lo andrógino.
 Creación de figuras mitológicas como sirenas, arañas, esfinges.
 Plasman los sueños, fantasías para exteriorizar sus ideas.
 La escultura ya no es rígida, dan una perspectiva de mayor movimiento y pliegues los cuales brindan ilusiones.
 Se utilizan formas planas, grandes, y llenas de color. Esto tiene una intención romántica.

Es un movimiento artístico que surgió en Francia a finales
del siglo XlX y concluyo en 1907. Este termino fue idea del
crítico Louis Vauxcelles quien llamó a esta corriente
“fauve” fiera en francés.
Abarco solamente la pintura, siendo Henri Matisse, el que
dirigió al grupo de pintores fauve. La temática no era
importante y fue exaltado.
Floreció en los salones donde se exponían las obras
artísticas innovadoras, en el Salón de Otoño de 1905,
participo un grupo de artistas que fueron denominados
“fauves”, que en francés significa fieras.
A este grupo artístico pertenecen Henri Matisse, Maurice
Vlamink, André Derain, Albert Marquet, Raoul Dufy,
George Rouault, Georges Braque, Henri Manguin, Charles
Camoin, Jean Puy, Kees Van Dongen, Othón Friesz y Louis
Valtat.
En relación a los temas no les dan importancia; el colorido
fuerte y llamativo que es la finalidad del cuadro. El apogeo
del fauvismo duro poco tiempo, pero tuvo mucha
importancia en el desarrollo de la pintura de principios del
siglo XX.
Este primer estilo tendrá una duración efímera. El
fauvismo y el expresionismo alemán surgen como reacción
al interés expresionista para reflejar la impresión
momentánea del mundo exterior, pues prefieren plasmar
las vivencias psicológicas de los artistas, las sensaciones
internas.
Fauvismo

PINTURA:
 En base a sus obras los artistas utilizaban colores
fuertes, violentos y agresivos, algunas veces dichos
colores eran enmarcados en trazos gruesos, negros
o muy oscuros buscando el escalonamiento. Se
mencionan algunos pintores de esta corriente Raoul
Dufy, Albert Marquet, Andre Deranin, George
Braque y Maurice Vlaminck.
 Las características de la pintura fauvista se
observan en las obras de Matisse como “el gran
interior rojo” retrato de margarita leyendo y
lalgerenne.
 Lo más llamativo de estas pinturas es su violencia
cromática sin correspondencia con la realidad. El
colorido es pleno e intenso separado por contornos
bien definidos.
 Se desinteresa de la perspectiva y la definición de
volúmenes, sirviéndose exclusivamente del color
para expresar sus sentimientos.
 La creación artística solo busca el placer en su
contemplación.
 Este movimiento cuyo lema es la rebeldía y la
independencia del artista manifestado en el uso del
color, no conto con un programa preciso. Sus temas
preferidos son el paisaje y el retrato tratados de una
manera subjetiva y con un fuerte sentido decorativo.

El Dadaísmo surge con la intención de
destruir todos los códigos y sistemas
establecidos en el mundo del arte. Es un
movimiento antiartístico, antiliterario y
antipoético, ya que cuestiona la existencia
del arte, la literatura y la poesía. Se
presenta como una ideología total, como
una forma de vivir y como un rechazo
absoluto de toda tradición o esquema
anterior.
Está en contra de la belleza eterna, contra
la eternidad de los principios, contra las
leyes de la lógica, contra la inmovilidad del
pensamiento y contra lo universal. Los
dadaístas promueven un cambio, la
libertad del individuo, la espontaneidad,
lo inmediato, lo aleatorio, la
contradicción, defienden el caos frente al
orden y la imperfección frente a la
perfección.
Dadaísmo

El origen del término Dadaísmo es
confuso. La versión más aceptada dice
que al abrir un diccionario al azar
apareció la palabra dada, que significa
caballito de juguete, y fue adoptada
por el grupo.
El movimiento dada nació en un café
cantante de Zurich en 1916, donde se
recitaban poemas. Esta ciudad, se
había convertido a partir del estallido
de la Primera Guerra Mundial en un
centro de refugio para emigrantes
procedentes de toda Europa que
querían escapar de la guerra. Allí se
reunieron representantes de diversas
escuelas como el expresionismo
alemán, el futurismo italiano y el
cubismo francés. Esto da al dadaísmo
la particularidad de no ser un
movimiento de rebeldía contra una
escuela anterior, sino que cuestiona el
concepto del arte antes de la Primera
Guerra Mundial.

El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista"
de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte
nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en
su totalidad.
Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como
método de creación artística.
Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de
expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio
de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del
ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos
como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos
incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y
maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de
perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en
el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.
Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los
dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que
importaba más el asunto que la propia realización.
Surrealismo

Surrealismo comienza en 1924 en París con la
publicación del "Manifiesto Surrealista"
de André Breton
Para los surrealistas la obra nace del
automatismo puro, es decir, cualquier
forma de expresión en la que la mente no
ejerza ningún tipo de control. Intentan
plasmar por medio de formas abstractas o
figurativas simbólicas las imágenes de la
realidad más profunda del ser humano, el
subconsciente y el mundo de los sueños.
animación de lo inanimado, aislamiento
de fragmentos anatómicos, elementos
incongruentes, metamorfosis, máquinas
fantásticas, relaciones entre desnudos y
maquinaria, evocación del caos,
representación de autómatas, de
espasmos y de perspectivas vacías
Es un movimiento antiartístico,
antiliterario y antipoético, ya que
cuestiona la existencia del arte, la
literatura y la poesía. Se presenta
como una ideología total, como
una forma de vivir y como un
rechazo absoluto de toda
tradición o
El pensamiento oculto y
prohibido será una fuente
de inspiración, en el
erotismo descubren
realidades oníricas, y el
sexo será tratado de forma
impúdica.

Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso concluye Las
Señoritas de Avignon, que será el punto de partida.
El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza
con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de
ideas. La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la
figura en sus partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la
visión global de volumen. Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista,
rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. Desaparecerán las
gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en
las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas invaden las
composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de
forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca cruzaron el umbral de lo abstracto,
la forma siempre fue respetada.
Los principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas.
Cubismo

Cubismo
Los orígenes del
Cubismo giran
en torno a 1907
El Cubismo es un
arte mental, se
desliga
completamente
de la
interpretación o
semejanza con la
naturaleza
La desvinculación con la
naturaleza se consigue a través de
la descomposición de la figura en
sus partes mínimas, en planos,
que serán estudiados en sí mismos
y no en la visión global de
volumen
rompiendo con la
perspectiva
convencional y con
la línea de contorno
Desaparecerán las
gradaciones de luz y
sombra y no se
utilizarán los colores
de la realidad,
apareciendo en las
representaciones el
blanco y negro
Las formas
geométricas
invaden las
composiciones.
Cubismo Analítico
caracterizado por la
descomposición de la forma y de
las figuras en múltiples partes,
todas ellas geométricas. El objetivo
es examinarlas y ordenarlas por
separado. Es el cubismo más puro
y el de más difícil comprensión.
Cubismo Sintético
le sucede el cubismo
sintético, que es la libre
reconstitución de la
imagen del objeto
disuelto. El objeto ya no
es analizado y
desmembrado en todas
sus partes, sino que se
resume su fisonomía
esencial.

El futurismo surgió en Milán, Italia, impulsado
por Filippo Tommaso Marinetti. Este movimiento
buscaba romper con la tradición, el pasado y los
signos convencionales de la historia del arte.
Consideraba como elementos principales a
la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya
que se pregonaba el movimiento agresivo, el
insomnio febril, el paso gimnástico, el salto
peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como
postulados: la exaltación de lo sensual, lo
nacional y guerrero, la adoración de la máquina,
el retrato de la realidad en movimiento, lo
objetivo de lo literario y la disposición especial
de lo escrito, con el fin de darle una expresión
plástica.
Rechazaba la estética tradicional e intentó
ensalzar la vida contemporánea, basándose en
sus dos temas dominantes: la máquina y el
movimiento. Se recurría, de este modo, a
cualquier medio expresivo (artes plásticas,
arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine,
música, poesía) capaz de crear un verdadero arte
de acción, con el propósito de rejuvenecer y
construir de nuevo la faz del mundo.
Futurismo

surgió en Milán, Italia, impulsado
por Filippo Tommaso Marinetti
Este movimiento buscaba romper
con la tradición, el pasado y los
signos convencionales de
la historia del arte
Rechazaba la estética tradicional e intentó
ensalzar la vida contemporánea, basándose en
sus dos temas dominantes: la máquina y el
movimiento
Futurismo
Se recurria, de este modo, a
cualquier medio expresivo (artes
plásticas, arquitectura, urbanismo,
publicidad, moda, cine, música,
poesía) capaz de crear un
verdadero arte de acción, con el
propósito de rejuvenecer y
construir de nuevo la faz del
mundo
El futurismo procede
directamente del cubismo,
incluso los primeros cuadros,
son de pleno derecho, cubistas,
pero evolucionan rápidamente
hacia una estética diferenciada,
debido a su obsesión por
representar la velocidad
El poeta italiano Filippo Tommaso
Marinetti recopiló y publicó los principios del
futurismo en el manifiesto de 1909. Al año
siguiente los artistas italianos Giacomo
Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi
Russolo y Gino Severini firmaron el Manifiesto de
los pintores futuristas.

Arte Abstracto
El arte abstracto es el estilo artístico que surge alrededor de 1910 y cuyas consecuencias han hecho de él
una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX.
El arte abstracto no necesita justificar la representación de las figuras sino que tiende a utilizar un lenguaje
visual propio con unos significados variados.
En sus inicios, el arte abstracto dio lugar a grandes polémicas y discrepancias. De hecho, ya en tiempos de la
Prehistoria se utilizaron la estilización y el geometrismo. Pero con el paso del tiempo se ha convertido en
una fuente inagotable de ideas para los artistas de nuestro siglo y nadie se atreve ahora a poner en duda su
existencia e identidad como un arte propio.
El lenguaje que se utiliza esta basado en las experiencias fabulistas y sensaciones del autor, exaltando
normalmente la fuerza del color.
También existe la expresión con estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones
geométricas y constructivas.
La tradición abstracta conoció un importante renacer en Estados Unidos a partir de finales de los años
cuarenta con elAction Painting y con el Colour-Field Painting. Estas tendencias fueron suplantadas a partir de
1960 por la aparición del arte minimalista que inició un nuevo periodo de interés por la geometría y la
estructura, periodo de interés por la abstracción, que siguen adoptando numerosos artistas inspirados por
las más variadas motivaciones.

Arte Abstracto
El arte abstracto no necesita
justificar la representación
de las figuras sino que
tiende a utilizar un lenguaje
visual propio con unos
significados variados
estilo artístico que surge
alrededor de 1910 y cuyas
consecuencias han hecho de
él una de las manifestaciones
más significativas del espíritu
del siglo XX.
El lenguaje que se utiliza esta
basado en las experiencias
fauvistas y sensaciones del autor,
exaltando normalmente la fuerza
del color.
Las características del arte abstracto
son en general las estructuras y
aspectos cromáticos sin preocuparse
en representar de forma figurativa,
las formas naturales. Siendo así, las
obras llamadas abstractas, existen
independiente del mundo real, de los
Modelos reales y se preocupa
solamente en crear sus propios
significados por medio de un lenguaje
visual expresivo, capaz de provocar
muchas interpretaciones.
Lenguaje visual: representaciones
dotadas de significado propio, sin la
necesidad de la representación
figurativa.
Garabatos: formas difusas,
reforzadas con el color y con sentido
simbólico.
Nuevos instrumentos: los símbolos y
los signos.
Abstracción pura: Significado
solamente cuando la obra está
acabada, la cual es bella por sí
misma, como objeto.
Paul Klee,
-Wassily Kandinsky,
-Armando Barrios,
-Hugo Baptista,
-Francisco Hung,
-Enrique Ferrer,
-Piet Mondrian,
-The Van Deosburg,
-Mercedes Pardo,
-Pedro Briceño,
-Vladimir Tatlin,
-Aleksander Roschenko,
-Kazimir Malévisch,

art nouveau
El art Nouveau (arte
nuevo) es un movimiento
artístico que surge a fines
del siglo XIX y se proyecta
hasta las primeras
décadas del siglo XX
La tienda L’Art Nouveau
era la manifestación más
clara de una corriente que,
con ese nombre, venía
desarrollándose en las
artes aplicadas por toda
Europa. Encarnada por
diseñadores, artistas y
arquitectos, la tendencia
sostenía que la “edad
moderna” debía tener su
propio estilo: uno que
aprovechase las
tradicionales excelencias
del oficio artesanal sin
despreciar las ventajas de
la industrialización.
El Art Nouveau tiene como una de sus
influencias al movimiento inglés de
Arts and Crafts.
El término "Art Nouveau" fue
adoptado en Inglaterra y Estados
Unidos; en Alemania se llamó
"Jugendstil" (estilo joven); en Austria
"Secesión"; en Francia "Le Style
moderne"; en España "Modernista".
Esta denominación hace referencia a
la intención de crear un arte nuevo,
llevando a cabo una ruptura con los
estilos dominantes en la época, tal
como el historicismo o el eclecticismo.
Se trata de crear una estética nueva,
en la que predominan la inspiración
en la naturaleza y lo femenino. Y así
en arquitectura es frecuente el
empleo del hierro y el cristal. Sin
embargo, es igualmente una reacción
a la pobre estética de la arquitectura
en hierro, tan en boga por esos años.
El modernismo no sólo se da en las
artes mayores, sino también en el
diseño de mobiliario y todo tipo de
objetos útiles en la vida cotidiana.
Consecuentemente se dio en
arquitectura, pintura, escultura y en
las artes decorativas (muebles,
herrajes, lámparas, joyas, carteles,
etc.)

art nouveau La inspiración en la naturaleza y
el uso profuso de elementos de
origen natural pero con
preferencia en los vegetales y
las formas redondeadas de tipo
orgánico entrelazándose con el
motivo central.
El uso de la línea curva y la
asimetría; tanto en las
plantas y alzados de los
edificios como en la
decoración.
estilización de los
motivos, siendo menos
frecuente la representación
estrictamente realista de
éstos.
uso de imágenes
femeninas, las cuales se
muestran en actitudes
delicadas y gráciles, con
un aprovechamiento
generoso de las ondas en
los cabellos y los pliegues
de las vestimentas.
sensualidad.
Se desligo del simbolismo en busca
de una auntenticidd de época.
Utiliza técnicas que son propias: la
reproducción mecánica, como
xilografía, cartelismo, la impresión…
se utilizan insectos
como mariposas y
arañas para dar más
dinámica a la forma.
También se usaron
las olas del mar para
crear movimiento.
Se usan, de preferencia, el
contraste entre el color negro y los
tonos pastel. Otro de sus usos era
la utilización del amarillo o el azul
para acentuar las formas.
El art Nouveau (arte nuevo)
es un movimiento artístico
que surge a fines del siglo
XIX y se proyecta hasta las
primeras décadas del siglo
XX
Aubrey Vincent
Beardsley
Alfons Mucha
Klint

Art deco
Estilo propio de las artes
decorativas desarrollado en el
periodo de entreguerras, entre
1920 y 1939 en Europa y América.
Alcanzó su máximo esplendor en la
Exposición Internacional de Artes
Decorativas de París de 1925. Se
caracteriza por la profusión
ornamental, el lujo de los
materiales y el frecuente recurso a
motivos geométricos y vegetales.
Como síntesis se puede decir que el
Art Déco ante todo buscó la
decoración por encima de la
funcionalidad.
El término Art Déco, abarca un
amplio abanico de ramas y
especialidades del arte y la
artesanía, las cuales se dieron cita
en la Exposition Internationale de
Arts Décoratifs et Industriels
Modernes de 1925 y que,
posteriormente se conmemoró con
una retrospectiva celebrada en
París el 16 marzo de 1966, bajo el
título "Les Annes 25", en el Musée
des Arts Décoratifs.
E el Art Déco se basa principalmente en la
geometría imperante del cubo, la esfera y la línea
recta, además de los imprescindibles zigzags.
•Tratan de representar algunas abstracciones que
muestran en la naturaleza, rayos luminosos
radiantes, fluidos acuáticos, nubes ondulantes..
•Representación faunística haciendo referencia a
ciertas cualidades como la velocidad y usan para
ello gacelas, galgos, panteras palomas, garzas..
•Representación de elementos fitomorfos se
utilizan las flores, los cactus, las palmeras,
representados por medio de delineaciones
geométricas.
•Utiliza imágenes de fuentes congelas de formas
ascendentes.
•Utilización de nuevos materiales como la
baquelita, el cromo y el plástico, maderas nobles
el ébano y el palisandro, pieles naturales de zapa,
de tiburón y el carey.
•Se utilizan motivos de las culturas prehispanas
de las culturas azteca, maya o inca y motivos
inspirados en los objetos de los descubrimientos
arqueológicos de Egipto, mesopotamia, vikingo o
de los pueblos africanos o indios.
•En arquitectura, además de las formas
geométricas, se recurre a remates terminados
escalonadamente y con proas marítimas que
sostienen mástiles que sirven como astas; arcos y
puertas ochavadas y lujosos materiales como el
mármol, el granito y el aluminio consuman el
aparato decorativo.
•Se utiliza la figura humana de hombres
gimnastas, obreros, habitantes de las urbes,
luciendo el "look" de la época, junto a la de
mujeres resueltas que participan en la producción
económica, vistiendo una moda más atrevida, con
el pelo corto a la "garzón" que fuman y participan
en cócteles, denotando su liberación.

Art deco
Sin embargo, predomina el
sello de la geometría y de la
simplicidad, combinados a
menudo con los colores
vibrantes y la dimensión de
una variable simple que
celebran el auge del comercio
y de la tecnología
inició a partir de 1920 hasta 1940,
y en algunos países su influencia
se extiende hasta los años 50.
Este movimiento afecta sobre
todo a las artes decorativas y en
particular al diseño, mobiliario,
arquitectura, moda, pintura,
grabados, cine
el Art Déco se basa
principalmente en la
geometría imperante
del cubo, la esfera y
la línea recta,
además de los
imprescindibles
zigzags
En arquitectura, además de
las formas geométricas, se
recurre a remates
terminados
escalonadamente y con
proas marítimas que
sostienen mástiles que
sirven como astas; arcos y
puertas ochavadas y lujosos
materiales como el mármol,
el granito y el aluminio
consuman el aparato
decorativo
Art Decó fue la riqueza
ornamental de las superficies
en el exteríor de los edificios,
repetida en sus instalaciones
en el interíor. Los motivos
con formas precisas
comprendÌan zigzags,
triángulos, rayas, círculos
segmentados y espirales,
mientras entre los motivos
naturalistas se encontraban
flores, árboles, frondas,
fuentes, gacelas, pájaros,
nubes y amaneceres
estilizados. La imaginerÌa
astrológica, junto con
personificaciones idealizadas
de fuerzas naturales y
tecnológicas, era también
usua

MLA
http://www.slideshare.net/triplege/historia-del-arte1-1276089
http://www.taringa.net/posts/arte/4025697/Historia-del-Arte.html
https://www.youtube.com/results?search_query=historias++del+arte
http://descargaarte.blogspot.mx/2010/03/historia-del-arte-ernst-gombrich.html
https://www.google.com.mx/search?q=gombrich+historia+del+arte&oq=gombri&aqs=chrome.2.69i57
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8#q=tesis%20de%20historia%20del%20arte%20pdf
http://www.difusioncultural.uam.mx/revista/nov2002/demattos.pdf

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