El documento resume los principales acontecimientos políticos, sociales y culturales de las décadas de 1920 y 1930. En la década de 1920 se creó la Sociedad de Naciones para evitar futuros conflictos a gran escala, mientras que la Unión Soviética se convirtió en la primera nación gobernada por el proletariado. Alemania sufría económicamente debido al Tratado de Versalles y Japón expandió su influencia en Asia. En las artes destacaron el movimiento Art Nouveau y figuras como Gaudí, Klimt y Domène

1. 20’s
En la década de 1920, tras el final de la
Primera Guerra Mundial, se instituyó la
Sociedad de Naciones, que nació con el
fin de evitar que un conflicto de esa
magnitud volviese a repetirse.

2.  El Imperio ruso se convirtió en la Unión
Soviética que, con la ideología marxista de
Lenin, fue la primera nación del mundo
gobernada por el "proletariado".
 Estados Unidos prosiguió su rápido desarrollo
económico que se vio perturbado, sin embargo,
por la Gran depresión de 1929. Argentina, que
había suministrado gran cantidad de mercancías
a Europa durante la guerra, se transformó
rápidamente y alcanzó la distinción de ser uno de
los países más ricos del mundo.

3.  Alemania, asfixiada por las onerosas
disposiciones del Tratado de Versalles, tenía su
sistema financiero en la crisis más grande que
conoció ese siglo, mientras trataba de lograr una
estabilidad democrática con la República de
Weimar de la que Paul von Hindenburg era
presidente. La situación en Francia no era mucho
mejor, lo que propició el descontento social que
se traduciría en una inestabilidad política
permanente.
 Japón extendía su presencia en Asia: primero
se apoderó de Corea y luego se anexionó u
ocupó regiones enteras de China. Además el
Imperio de Japón se apoderó de las colonias que

4. 1920
 Fundación de la Sociedad de Naciones (SDN).
 Entrada en vigor de la Ley Seca o Prohibición e
instauración del voto femenino en los Estados Unidos.
 Inicio del movimiento no violento de Gandhi en defensa de
los derechos humanos en La India.
 Hermann Staudinger: Estructura molecular de los
polímeros.
 Argentina se convirtió en el primer país latinoamericano en
conseguir la radio comercial.
 El 31 de agosto de 1920 el primer programa de noticias de
radio conocido fue transmitido por la estación de 8MK, el
precursor sin licencia de WWJ (AM) en Detroit, Míchigan.
1921
 Adolf Hitler líder del Partido Nacional Socialista.
 Mussolini se convierte en «Duce» en Italia.
 Proclamación del Estado Libre de Irlanda.
 Creación del Partido Comunista Chino.
 Frederick Grant Banting, Charles Herbert Best y John
James Rickard Macleod descubren la insulina.

6. 1922
 Marcha fascista de los «Camisas negras» sobre
Roma.
 Creación de la Unión Soviética.
 Mahatma Gandhi es condenado a 6 años de prisión.
 Howard Carter descubre la tumba del faraón
Tutankamón en Egipto.
 Egipto se convierte oficialmente en un país
independiente a través de la Declaración de 1922,
aunque todavía permanece bajo la influencia militar y
política del Imperio británico.
 El Estado Libre de Irlanda se independizó del Reino
Unido.
1923
 Asesinato de Pancho Villa en Parral (México).
 Proclamación de la República de Turquía.

9. 1924
 Instauración de la República de Grecia.
 Fallece Lenin. Lo sucede Iósif Stalin.
 Gran Bretaña cuenta por primera vez en su historia con un
gobierno laborista.
 Primeros Juegos Olímpicos de Invierno en Chamonix
(Francia).
 Nace la Metro Goldwyn Mayer.
1925
 Nacimiento del cuerpo paramilitar alemán; las SS.
 El acorazado Potemkin de Sergei Eisenstein.
1926
 Hiro Hito es coronado emperador de Japón.
 En Nicaragua, comienza la era sandinista.
 Nacimiento de la televisión (John Baird).
 E. Freyssinet crea el hormigón armado.

12. 1927
 El cantante de Jazz, primer filme sonoro.
 Se funda la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas.
1928
 Asesinan al presidente de México; Álvaro Obregón.
 Alexander Fleming descubre la penicilina.
1929
 Matanza de San Valentín contra una banda rival, iniciada por Al
Capone.
 Se realiza la primera entrega de los Premios de la Academia.
 Caída de la Bolsa de Nueva York el Jueves Negro (Crack del 29);
Gran Depresión en los EE.UU.
 Un perro andaluz de Luis Buñuel.
 E. Hubble: descubrimiento de la recesión de las galaxias.
 Fundación del Museo de Arte Moderno de Nueva York.
 Inauguración del Monte Rushmore (Dakota del Sur).

15. Cine
 Fritz Lang, director cinematográfico alemán.
 Charlie Chaplin, actor y director.
 Lon Chaney, actor cinematográfico.
 Mickey Mouse, personaje de dibujos animados
creado en 1928 por Walt Disney y Ub Iwerks en
el estudio de Walt Disney que se hizo muy
famoso por su aparición en Steamboat Willie.
 El primer largometraje de cine con una banda
sonora (Don Juan) es presentado en 1926.

17. Arte del siglo XX

18. ART NOUVEAU
Hacia 1910 este estilocon la I Guerra Mundial fue reemplazado por la impecable elegancia del Art Déco. El Art
Nouveau tuvo un papel fundamental en el desarrollo de la historia del arte, sobre todo en el campo de la
arquitectura. Con su rechazo del estilo convencional y su nueva interpretación de la relación entre arte e industria,
los seguidores de este estilo prepararon el camino para el arte y la arquitectura contemporáneas.
En Bélgica, el primer ejemplo se dio en la obra de los arquitectos Victor Horta y Henri van de Velde que
realizaron diseños para casas unifamiliares urbanas con elegantes escalinatas, balcones y verjas curvilíneas de
hierro fundido. En Francia, donde este estilo quedó más patente es en las obras del arquitecto Hector Guimard
(sobre todo en las entradas del metro de París, 1898-1901), en las del vidriero Emile Gallé, en los diseños de
muebles de Louis Majorelle y en los carteles de Alphonse Mucha. También se puso de moda en la decoración de
interiores y un ejemplo sobresaliente de ello es el restaurante Maxim’s de París. En Munich y en Viena se plasmó
en las artes aplicadas y en la ilustración de revistas, alcanzando su cota más alta en la pintura de Gustav Klimt y en
el mobiliario y los diseños arquitectónicos de Josef Hoffmann. En Estados Unidos el máximo exponente fue Louis
Comfort Tiffany, cuyos jarrones de brillante cristal favrile y pantallas para lámparas de cristales emplomados eran
de una iridiscencia fantástica. En España, quizá el más original de los exponentes fue Antoni Gaudí; sus
personalísimas obras el parque Güell y la casa Milá, situadas ambas en Barcelona, carecen de líneas rectas y
producen la impresión de organismos naturales surgidos de la tierra. Dentro de la arquitectura también fue una
figura de la máxima relevancia Lluís Domènech I Montaner con su palau de la Música Catalana.

19. Gustav Klimt, (1862-1918).
Pintor austriaco, fundador de la Secesión vienesa, movimiento del Art
Nouveau. Sus primeros trabajos consisten principalmente en grandes pinturas
murales para teatros realizadas en un marcado estilo naturalista. Después de
1898, la obra artística de Klimt se inclinó hacia una mayor innovación e
imaginación y asumió un aspecto más decorativo y simbólico.

20. En El beso (1907-1908, Osterreichische
Galerie, Viena) Gustav Klimt refleja un
breve momento de pasión entre dos
personas. El erotismo y la
desesperación son características
estilísticas de la secesión vienesa,
movimiento artístico que buscó
expresar las preocupaciones y las
emociones del hombre de su época.

21. Antoni Gaudí, (1852-1926).
Arquitecto catalán, máximo representante del modernismo y uno de los principales pioneros de
las vanguardias artísticas del siglo XX.
Gaudí nació el 25 de junio de 1852. Su primer encargo como arquitecto fue la casa Vicens
(1883-1888), un edificio neogótico en el que ya se aprecia su fuerte personalidad.
En 1883 se hizo cargo de la continuación en Barcelona del templo expiatorio de la Sagrada
Familia, una catedral neogótica que modificó totalmente el joven Gaudí. Así, en 1891 concluyó
las trazas generales de la iglesia, compuesta por cinco naves y tres fachadas monumentales, en
1893 decidió concentrar sus esfuerzos en la construcción de la fachada del Nacimiento, que no
pudo ver completamente concluida, y en 1908 publicó la primera imagen definitiva del templo,
una especie de bosque ascendente de elevadas torres. A comienzos del siglo XX levantó otras
tres obras no menos sorprendentes en la capital catalana: el Parque Güell (1900-1914) ; la casa
Batlló (1904-1906), edificio del pleno modernismo destacado por sus balconadas curvilíneas y
por su expresiva cubierta en forma de dragón, recubierta por piezas cerámicas que simulan
escamas; y la casa Milá (1906-1912), conocida por los barceloneses como La Pedrera —cantera
en castellano— por su carácter monolítico, que supone un hito de la historia de la arquitectura
no sólo por su capacidad expresiva, característica del movimiento moderno.

22. Templo de la Sagrada Familia en Barcelona

23. Lluís Domènech Montaner, (1850-1923).
Arquitecto español, uno de los máximos representantes del modernismo
catalán. Nació en Barcelona. Su primera obra de interés es el restaurante de la
Exposición Universal de 1888, un edificio de marcada inspiración medievalista,
destacado ejemplo de la arquitectura ecléctica. Este edificio constituyó el
núcleo base de la renovación de las artes y oficios del modernismo (nombre
con el que se denominó al Art Nouveau en España). La casa de la Editorial
Thomas (Barcelona, 1899), con suntuosa decoración en la que desempeñan un
papel importante las superficies murales cubiertas de azulejos, es ya clara
muestra de ese estilo. El Palau de la Música Catalana (1906-1909), premiado
por el ayuntamiento de Barcelona en 1908, destaca por la organización espacial
de su gran sala y por el exterior, donde se funde lo escultórico con lo
propiamente estructural, en un lenguaje marcadamente barroco.

24. Palau de la Música Catalana
En la fotografía se observa el luminoso interior del Palau de la
Música Catalana, construido entre 1906 y 1909 por el arquitecto
catalán Lluís Domènech i Montaner en Barcelona. Este edificio ha
sido restaurado entre 1983 y 1989 por el arquitecto y diseñador
Óscar Tusquets.

25. ART DÉCO
Innovador estilo de diseño que fue muy popular en las décadas de 1920 y 1930. Se utilizó principalmente en mobiliario,
joyería, vestimenta, cerámica y diseño de interiores (decoración). Sus formas estilizadas transmitían elegancia y
sofisticación. Aunque el estilo cobró forma en la década de 1920, el término Art Déco no se aplicó hasta 1925 cuando se
celebró la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas, importante muestra de diseño que se
realizó en París.
El Art Déco surgió como reacción a la sinuosidad y exceso de elaboración del Art Nouveau, característico del cambio de
siglo, y a la vez como una estética nueva para celebrar el auge de la maquinización que iba ganando terreno. Su principal
característica es la utilización de líneas definidas, contornos nítidos y formas elegantes y simétricas. También se asocian a
este estilo los colores primarios brillantes, la utilización de cromados, esmaltes y piedras muy pulidas, y los diseños de
inspiración egipcia y griega. Aunque los objetos Art Déco más refinados no se producían de forma masiva, su inherente
simplicidad hacía que fueran fácilmente adaptables a un tipo de producción en serie de objetos menos refinados como la
bisutería, las vajillas y demás utensilios de uso doméstico corriente.
Dos de los primeros exponentes del Art Déco fueron el modisto Paul Poiret y René Lalique, joyero y vidriero que realizó
diseños delicados de líneas sueltas y ondulantes. También ejercieron una gran influencia las escenografías orientales y los
exóticos colores que el mecenas y organizador de espectáculos Sergei Diáguilev utilizó en los Ballets Rusos que fundó en
1909; la tumba del faraón Tut Anj Amón (que se abrió en 1922), que puso de moda los motivos egipcios, y el cubismo, con
su elegante estética geométrica. Entre los principales diseñadores de las décadas de 1920 y 1930 se cuentan Émile Jacques
Ruhlmann en mobiliario, Jean Dunand en laqueado, Jean Puiforcat en los trabajos en plata y el ya mencionado René
Lalique en joyería.

26. Jean Puiforcat, (1897-1945).
Artista francés, uno de los máximos exponentes del estilo Art Nouveau en las
artes decorativas de su país.
Nació en París, hijo de un platero, en cuyo taller aprendió el oficio. Más tarde
estudió en la Escuela Central de Artes y Oficios de Londres, y colaboró con el
escultor Louis Lejeune antes de abrir su propio taller de orfebrería. Desde 1922
realizó numerosas piezas en plata de formas geométricas, basadas en los
estudios matemáticos sobre las proporciones armónicas. Con el tiempo, su obra
evolucionó hacia el racionalismo austero.

27. Teapot
1938

28. René Lalique, (1860-1945).
Joyero y vidriero modernista francés cuyos productos fueron algunos de los
trabajos característicos del Art Nouveau y del Art Déco. Estudió dibujo y
orfebrería en París y se hizo diseñador de joyas para firmas como Boucheron,
Vever y Cartier, así como para clientes propios como Sarah Bernhardt. Su taller
ya era muy famoso por los años 1890. Su participación en las exposiciones
internacionales de finales del siglo XIX y principios del XX, especialmente la
Exposición universal de París de 1900, aseguraron su éxito internacional como
innovador.
Para Lalique, la originalidad del diseño y la calidad de la artesanía eran más
importantes que el valor intrínseco de los propios materiales utilizados; su
investigación sobre marfil, asta esmaltada y cristal, primero para joyas de estilo
renacimiento y más tarde en complicadas monturas de Art Nouveau, estimuló a
otros joyeros contemporáneos.

29. Pieza de Lalique
René Lalique, uno de los
principales exponentes del Art
Nouveau y Art Déco, diseñó esta
pieza alrededor de 1920 en la
que se aprecia un elegante
relieve de hojas geométricas
sobre la superficie. El aspecto
escarchado es característico de

31. CONSTRUCTIVISMO
Movimiento artístico ruso de principios del siglo XX que ejerció una importante influencia
en el arte europeo y que fue fundado por el escultor y pintor ruso Vladímir Tatlin. El nombre
hace referencia a la construcción de esculturas abstractas partiendo de una gran variedad de
materiales industriales, como metal, alambre y trozos de plástico. Las primeras obras
representativas de este movimiento son las construcciones en relieve de Tatlin fechadas entre
1913 y 1917. En 1920 ya se le habían sumado los artistas Alexándr Rodchenko, El Lissitzky,
Naum Gabo y Antón Pevsner, entre otros. En 1920 Gabo y Pevsner publicaron en Moscú el
Manifiesto realista, donde se exponen los principios teóricos del nuevo estilo.
Aunque el movimiento se dividió en diferentes facciones en la década de 1920, en general el
constructivismo defendió los ideales del utilitarismo, el funcionalismo y la abstracción.
El constructivismo ejerció una gran influencia sobre la escultura, arquitectura y,
especialmente, el diseño industrial del siglo XX y su defensa de los materiales modernos y
de las líneas puras sirvió para reforzar la naciente estética del funcionalismo.

32. Vladímir Tatlin, (1885-1953).
Pintor y escultor ruso. Aunque comenzó cultivando un estilo figurativo, sus
trabajos posteriores son abstractos. Vivió en París en 1913, época en la que Tatlin
se inspiró en las construcciones tridimensionales de madera, papel, y otros
materiales de Picasso. Este tipo de trabajos, realizados entre 1913 y 1917,
abrieron el camino a la aparición del constructivismo. El interés de Tatlin en una
escultura de espacio y movimiento, aplicando una tecnología propia de la
ingeniería y la arquitectura, culminó en su maqueta para un enorme Monumento a
la Tercera Internacional.

33. Vladimir Tatlin.
Relief
1914
Metal and leather on wood. 25" x 21".

34. Naum Gabo, (1890-1977).
Escultor estadounidense de origen ruso. Fue uno de los líderes del
constructivismo del siglo XX.
Entre 1917 y 1922, participó en la fundación del movimiento constructivista
en Moscú, que abogaba por la construcción de esculturas a partir de materiales
industriales en vez de utilizar el tradicional tallado en piedra o vaciado en
bronce. En 1920 publicó junto con su hermano el Manifiesto Realista, que
preconizaba la utilización de formas artísticas nuevas, basadas en el espacio y
el tiempo, trazando las líneas fundamentales de lo que se conocería como
constructivismo. Durante la II Guerra Mundial continuó produciendo en
Londres obras de esas características, como Construcción lineal, variación, en
la que hay un espacio oval trazado por unas formas plásticas nítidas que, a su
vez, están delicadamente entretejidas con unos planos de intersección en hilos
de nailon. Una de sus obras más notables es un monumento de tamaño
colosal, 26 metros, en forma de árbol, de 1957, que le encargaron para el
Edificio Bijenkorf de Rotterdam (Holanda), recuerdo a los caídos durante la
destrucción de la ciudad por los nazis en 1940. Su última obra importante,
realizada en 1976, fue la fuente del hospital de Santo Tomás en Londres.

35. Maqueta para Columna
La pieza constructivista de Naum Gabo es una maqueta (Tate Gallery,
Londres) para una escultura de mayor tamaño, Columna, que finalizó
en 1923, compuesta de formas geométricas y abstractas.

36. Construction in Space with Crystalline

37. Linear Construction No. 4
1962
Linear Construction No. 2 1970-71

38. NEOPLASTICISMO O DE STIJL
De Stijl (en holandés, 'el estilo'), revista fundada por los pintores Theo van Doesburg y Piet
Mondrian en el año 1917. El nombre también se aplica a los artistas y arquitectos asociados
con este movimiento, así como al estilo que ellos crearon. La revista, que promocionó el
neo-plasticismo y, más tarde, el dadaísmo fue una de las revistas de arte más influyentes de
su tiempo. Como movimiento, De Stijl, se centró en la abstracción que crearía una solución
más universal para los espectadores basada en la búsqueda de la armonía y del orden. Las
pinturas del grupo De Stijl fueron también composiciones abstractas con áreas de colores
puros (azul, rojo y amarillo) combinadas con líneas rectas en negro, verde y blanco. Los
principios del grupo De Stijl, influyeron también en las artes decorativas y en la arquitectura,
para la que el movimiento creó superficies planas y líneas austeras, relacionadas con el
cubismo. Estos principios se pueden ver en la Casa Schröder (1924) en Utrecht de Gerrit
Thomas Rietveld, y la Workers Housing Estate en Hook, Holanda, de (1924-1927) Jacobus
Johannes Pieter Oud.

39. Theo van Doesburg, (1883-1931).
Pintor holandés, fue uno de los principales defensores del neoplasticismo,
movimiento creado por Piet Mondrian en los Países Bajos. Fue uno de los
fundadores (en 1917) de la revista De Stijl, portavoz de los ideales neoplasticistas
que abogaban por una simplificación radical basada en el uso de líneas y ángulos
rectos, formas planas y colores puros, en un primer momento el blanco y el negro.

40. Theo van Doesburg (1883-1931), Compositie III

41. Piet Mondrian, (1872-1944).
Pintor holandés que llevó el arte abstracto hasta sus últimas consecuencias.
Por medio de una simplificación radical, tanto en la composición como en el colorido,
intentaba exponer los principios básicos que subyacen a la apariencia.
Sus primeras obras, hasta 1907, eran paisajes serenos, pintados en grises delicados,
malvas y verdes oscuros. En 1908, bajo la influencia del pintor neerlandés Jan Toorop,
comenzó a experimentar con colores más brillantes; fue el punto de partida de sus
intentos por trascender la naturaleza.
En 1917 junto con su compatriota, el pintor Theo van Doesburg fundó la
revista De Stijl, en la que Mondrian desarrolló su teoría sobre las nuevas formas
artísticas que denominó neoplasticismo. Sostenía que el arte no debía implicarse en la
reproducción de imágenes de objetos reales, sino expresar únicamente lo absoluto y
universal que se oculta tras la realidad. Rechazaba las cualidades sensoriales de textura,
superficie y color y redujo su paleta a los colores primarios. Su creencia de que un
lienzo, es decir una superficie plana, sólo debe contener elementos planos, implicaba la
eliminación de toda línea curva y admitió únicamente las líneas rectas y los ángulos
rectos.
Cuando se trasladó a Nueva York en 1940, su estilo había logrado una mayor
libertad y un ritmo más vivo. Abandonó la severidad de las líneas en negro para
yuxtaponer áreas de colores brillantes, como puede verse claramente en la última obra
que dejó acabada, Broadway Boogie-Woogie. Murió el 1 de febrero de 1944 en Nueva
York.

42. Piet Mondrian
Composición en rojo, azul y amarillo
Composición en rojo, amarillo y azul (1930) de
Piet Mondrian se basa en la idea de este
artista de que la pintura debía construirse con
espacios planos y líneas rectas, limitándose a
los colores primarios, más negro, blanco y
gris. Sobre esta base creó el neoplasticismo,
estilo abstracto geométrico.

43. DADAÍSMO
El término dada (palabra francesa que significa caballito de juguete) fue elegido por el editor, ensayista y
poeta rumano Tristan Tzara, al abrir al azar un diccionario en una de las reuniones que el grupo celebraba
en el cabaret Voltaire de Zurich. El movimiento Dada fue fundado en 1916 por Tzara, el escritor alemán
Hugo Ball, el artista alsaciano Jean Arp y otros intelectuales que vivían en Zurich (Suiza), al mismo
tiempo que se producía en Nueva York una revolución contra el arte convencional liderada por Man Ray,
Marcel Duchamp y Francis Picabia. En París inspiraría más tarde el surrealismo.
Con el fin de expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del momento, y todo tipo de
codificación, los dadaístas recurrían con frecuencia a la utilización de métodos artísticos y literarios
deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional. El pintor y escritor alemán
Kurt Schwitters destacó por sus collages realizados con papel usado y otros materiales similares. El artista
francés Marcel Duchamp expuso como obras de arte productos comerciales corrientes —un secador de
botellas y un urinario— a los que denominó ready-mades. Aunque los dadaístas utilizaron técnicas
revolucionarias, sus ideas contra las normas se basaban en una profunda creencia, derivada de la tradición
romántica, en la bondad intrínseca de la humanidad cuando no ha sido corrompida por la sociedad.
Como movimiento, el Dada decayó en la década de 1920.

44. Jean Arp, (1887-1966).
Escultor, pintor y poeta francés, nació el 16 de septiembre de 1887 en
Estrasburgo. En 1912 participó en el grupo expresionista de Munich Der Blaue
Reiter (El jinete azul). La obra de Arp durante esos años (1915-1916) estuvo
dedicada a los tapices de motivos angulares y totalmente abstractos, así como a
los dibujos. En 1916 fue uno de los fundadores del revolucionario movimiento
dadá en Zurich. En 1917 transformó su estilo artístico hacia una abstracción de
formas curvilíneas que caracteriza su obra posterior, la más conocida
actualmente. En la década de 1930 Arp comenzó a realizar esculturas exentas,
tallando y modelando en los más diversos materiales. Ejemplo de sus formas
suaves y biomórficas es Concreción humana. Trabajó al mismo tiempo en
gouache, collages, grabados y litografías.

45. Coquille baillante
Coquille baillante (1964-1965), es una escultura
biomórfica del dadaísta francés Jean Arp. Realizada
en mármol blanco, esta escultura es un claro ejemplo
de las formas que él denominaba concreciones.

46. Flor-martillo, 1916.
Máscara de pájaro, 1918.

47. Man Ray, (1890-1976).
Pintor y fotógrafo estadounidense. Junto a su amigo, el pintor francés Marcel
Duchamp, participó en la creación del grupo dadá de Nueva York, en 1917.
Bajo la influencia de Duchamp, comenzó a trabajar con materiales y técnicas
nuevas, como por ejemplo, pintar con aerógrafo sobre cristal y otras
superficies. Sus ready-mades, como Regalo, una plancha con tachuelas
salientes desde su base, están realizados a partir de objetos cotidianos
fabricados en serie. Promovió el arte cinético (obras de arte con piezas
móviles). Se implicó en el surrealismo e hizo algunas películas abstractas,
como L'etoile de mer (1928).

48. Man Ray, Electricity - Lee Miller 1931 (Rayograph)
Man Ray, Gift 1921

49. El marqués de Sade
En las décadas de 1920 y 1930 Man Ray realizó retratos de hombres
célebres de la sociedad e historia francesas entre los que se incluye
éste del marqués de Sade, escritor cuyo estilo vanguardista y de
carácter erótico admiraba Man Ray.

50. Man Ray, Le violon d'Ingres (Kiki) 1924, Gelatin silver photograph

51. Francis Picabia, (1879-1953).
Artista vanguardista francés, nacido en París el 22 de enero de 1879. Su arte no
admite clasificación ya que trabajó en casi todos los estilos contemporáneos
más destacados, como el impresionismo, el cubismo, el fauvismo, el orfismo, el
dadaísmo, el surrealismo y el arte abstracto. Hizo también pintura figurativa,
dibujo y collage. El apuro pertenece a un conjunto de obras realizadas por el
artista en 1914, que podrían definirse como transposiciones abstractas de
experiencias íntimas.

52. Francis PICABIA, (France, 1879-1953)

53. 1916-18, La machine tourne vite, National Gallery of
Art, Washington D.C

54. Max Ernst, (1891-1976).
Artista alemán nacionalizado francés que fue una figura fundamental tanto en el
movimiento dadá como en el surrealismo. Se caracterizó por la utilización de una
extraordinaria diversidad de técnicas, estilos y materiales.
Cuando Ernst dejó el ejército ya había surgido en Suiza el movimiento dadá; atraído
por la revolución dadaísta contra lo convencional, Ernst se instaló en Colonia y
comenzó a trabajar en el collage. En 1922 se trasladó a vivir a París, donde comenzó
a pintar obras surrealistas en las que figuras humanas de gran solemnidad y criaturas
fantásticas habitan espacios renacentistas realizados con detallada precisión. En
1925 inventó el frottage (que transfiere al papel o al lienzo la superficie de un objeto
con la ayuda de un sombreado a lápiz); más tarde experimentó con el grattage
(técnica por la que se raspan o graban los pigmentos ya secos sobre un lienzo o tabla
de madera). A lo largo de su variada carrera artística, Ernst se caracterizó por ser un
experimentador infatigable. En todas sus obras buscaba los medios ideales para
expresar, en dos o tres dimensiones, el mundo extradimensional de los sueños y la
imaginación.

55. L'eléphant célèbes
Max Ernst incorporaba el absurdo en sus obras atribuyendo
características humanas a las máquinas, como se puede apreciar en
L'eléphant célèbes (1921, Tate Gallery, Londres). En 1920 montó junto
al artista alemán Baargeld una controvertida exposición dadaísta en la
cervecería Winter de Colonia, a la que al público se le hacía entrar a
través de una serie de urinarios. A pesar de que ofrecían gratis sus
obras, no consiguieron que los asistentes se interesaran por ninguna
de ellas.

56. SURREALISMO
Movimiento artístico y literario fundado por el poeta y crítico francés André
Bretón.
Publicó el Manifiesto surrealista en París en el año 1924 y se convirtió, acto
seguido, en el líder del grupo. El surrealismo surgió del movimiento llamado Dada, que
reflejaba tanto en arte como en literatura la protesta nihilista contra todos los aspectos de la
cultura occidental. Como el dadaísmo, el surrealismo enfatizaba el papel del inconsciente en
la actividad creadora, pero lo utilizaba de una manera mucha más ordenada y seria.

57. André Breton, (1896-1966)
Poeta y crítico francés, líder del movimiento surrealista. El estudio de las obras
de Sigmund Freud y sus experimentos con la escritura automática (escritura
libre de todo control de la razón y de preocupaciones estéticas o morales)
influyeron en su formulación de la teoría surrealista. En 1921 publica su
primera obra surrealista, Los campos magnéticos, en la que explora las
posibilidades de la hipnosis. En 1922 rompió con Tristan Tzara, el fundador
del dadaísmo y estableció la estética del surrealismo en el primer Manifiesto
surrealista de 1924, que conocería dos redacciones posteriores en 1930 y 1942.
Su obra más creativa es la novela Nadja (1928), en parte autobiográfica.

58. Salvador Dalí, (1904-1989).
Pintor y escultor español, uno de los máximos exponentes del movimiento
surrealista en su país.
Nació en Figueras, Girona, el 11 de mayo de 1904. En 1929, durante su estancia
en París, conoció a Pablo Picasso y en 1930 se adhirió al movimiento surrealista.
La producción de Dalí de este periodo se basa en su método 'paranoico-crítico',
inspirado en buena parte en las teorías de Freud: representación de imágenes
oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas insospechadas y
sorprendentes, como los relojes blandos de La persistencia de la memoria. Dalí se
trasladó a Estados Unidos en 1940, donde permaneció hasta 1948. Sus últimas
obras, a menudo de contenido religioso, poseen un estilo más clásico, entre ellas
cabe citar la Crucifixión y La última cena.
La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una
minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido
muy brillante y luminoso. Dalí realizó varias películas surrealistas en colaboración
con Buñuel como Un perro andaluz (1929) y La edad de oro (1930. Murió el 23 de
enero de 1989 en Figueras.

59. Crucifixion (Hypercubic Body)

60. AUTORETRATO (1941)

61. El niño geopolítico observando el nacimiento de un nuevo
hombre

62. La persistencia de la memoria
Al igual que en muchas obras de Salvador Dalí, la idea de alucinación
en La persistencia de la memoria (1931) está dada tanto por la
incongruencia onírica de estos objetos situados en un paisaje
misterioso como por la meticulosidad técnica. Dalí describía su obra
como "fotografías de sueños pintadas a mano". La extraña forma que
aparece en primer plano está tomada de El jardín de las delicias
(c.1505-1510) de El Bosco.

63. René Magritte, (1898-1967).
Pintor belga, figura principal del movimiento surrealista. Nació en Lessines.
Para entonces Magritte había ya empezado a pintar en un estilo cercano al
surrealismo, que predominó a lo largo de su larga carrera. Diestro y meticuloso
en su técnica, es notable por obras que contienen una extraordinaria
yuxtaposición de objetos comunes en contextos poco corrientes dando así un
significado nuevo a las cosas familiares. Esta yuxtaposición se denomina con
frecuencia realismo mágico, del que Magritte es el principal exponente
artístico. Buena muestra de su magnífico hacer es el cuadro La llave de los
campos, expresión francesa que sugiere la liberación de cualquier restricción
mental o física. Murió el 15 de agosto de 1967 en Bruselas.

64. El hijo del hombre
En El hijo del hombre Magritte yuxtapone imágenes características de
su obra: la manzana, la pared y el personaje anónimo con bombín. No
consideraba que su pintura fuera simbólica aunque en ella rozaba el
mundo inexplicable de los sueños.

65. René Magritte, La Découverte 1927

66. René Magritte, The False Mirror 1928

67. Cuadro de René Magritte con el título El Beso

68. Alberto Giacometti, (1901-1966).
Pintor y escultor suizo nacido en Stampa. Su obra surrealista más sobresaliente
quizá sea El palacio a las 4 de la madrugada: se trata de un esqueleto
arquitectónico que sostiene figuras y objetos suspendidos, y expresa la
subjetividad y fragilidad de los sentidos temporal y espacial en el ser humano.
A partir de estos trabajos desarrolló un estilo muy personal de figuras frágiles
pero de una enorme expresividad. Impregnadas de melancolía, sus pinturas y
esculturas reflejan un sentido débil de la existencia, como si sus personajes
sufrieran una constante amenaza de destrucción por parte del espacio que los
rodea. Sus retratos tienen un fuerte aire icónico, como en el cuadro La madre
del artista, en el que la figura sentada parece estar a punto de desaparecer en
medio de la maraña de líneas y trazos que recorren la sala con unos muebles
levemente inquietantes, o el Retrato de mujer, donde el artista representa a su
ama de llaves.

69. Hombre cruzando la calle
Las estilizadas figuras de bronce del artista
suizo Alberto Giacometti transmiten una cierta
sensación de soledad. Esta escultura titulada
Hombre cruzando la calle (1949) se
encuentra en la Kunsthaus de Zurich (Suiza).

70. Giorgio de Chirico, (1888-1978).
Chirico, Giorgio de (1888-1978), pintor italiano de origen griego, que creó la escuela
de pintura metafísica. Nació en Volo, Grecia, y era hijo de un ingeniero italiano.
Estudió arte en Atenas y en Munich, donde recibió una gran influencia de las obras
alegóricas del pintor suizo del siglo XIX Arnold Böcklin. En Turín, Florencia y París,
donde se instaló en 1911, pintó paisajes urbanos desérticos, como Plaza de Roma
(1913) y Misterio y melancolía de una calle (1914). Estas primeras obras metafísicas
evocan un mundo onírico misterioso y amenazador a través de acentuados contrastes de
luces y sombras y de una perspectiva exagerada.
Mientras hacía el servicio militar en Ferrara en 1915, de Chirico conoció al pintor
futurista Carlo Carrà; juntos fundaron la revista Pittura Metafisica en 1920. Entre 1915
y 1925 de Chirico pintó extraños maniquíes sin rostros y naturalezas muertas en las que
yuxtaponía objetos que no tenían ningún tipo de relación entre sí, técnica que luego
adoptarían los surrealistas (Las musas inquietantes, 1917). Entre 1924 y 1930
proporcionó un gran impulso al movimiento surrealista e influyó en artistas del
movimiento de la talla de Yves Tanguy y Salvador Dalí. A mediados de la década de
1930 regresó a Italia, abandonó ese estilo y adoptó uno más académico que lo convirtió
en un retratista de éxito.

71. Las musas inquietantes
La incertidumbre del poeta
La incertidumbre del poeta (1913) de Giorgio de
Chirico tiene un fuerte carácter onírico. Aunque su
obra es fundamentalmente metafísica suele
asociársele con el surrealismo.

72. Hector and Andromache

73. Joan Miró, (1893-1983).
Pintor español cuyas obras recogen motivos extraídos del reino de la memoria y el
subconsciente con gran fantasía e imaginación, y que se hallan entre las más
originales del siglo XX.
Nació el 20 de abril de 1893 en Barcelona y allí estudió en la Escuela de
Bellas Artes y en la Academia Gali. Su obra anterior a 1920 muestra una amplia
gama de influencias, entre las que se cuentan los brillantes colores de los fauvistas,
las formas fragmentadas del cubismo y la bidimensionalidad de los frescos
románicos catalanes. Miró parte de la memoria, de la fantasía y de lo irracional
para crear obras que son transposiciones visuales de la poesía surrealista. Estas
visiones oníricas, como El campesino catalán de la guitarra, El carnaval del
arlequín o Interior holandés, a menudo comportan una visión humorística o
fantástica de la realidad a través de imágenes distorsionadas de animales jugando,
formas orgánicas retorcidas o extrañas construcciones geométricas. La
composición de estas obras se organiza sobre fondos planos de tono neutro y están
pintadas con una gama limitada de colores brillantes, especialmente azul, rojo,
amarillo, verde y negro. En ellas se disponen sobre el lienzo, de modo arbitrario,
siluetas de amebas amorfas alternando con líneas acentuadas, puntos, rizos o
plumas..

74. Fundación Miró, Barcelona
La Fundación Miró, ubicada en la montaña de
Montjuïc (Barcelona), es sede de una fundación
cultural y centro de estudios de arte
contemporáneo. Así mismo, contiene una
importante colección de arte moderno que contiene
obras de su promotor, el pintor español Joan Miró,
y de otros artistas del siglo XX. El edificio,
proyectado por el arquitecto catalán Josep Lluís
Sert, constituye un destacado ejemplo de la
arquitectura contemporánea española.
El nacimiento del mundo
Joan Miró, una de las figuras fundamentales del
surrealismo, desarrolló un estilo que suele
denominarse abstracción biomórfica. Como se
aprecia en El nacimiento del mundo (1925, colección
particular, París) las formas creadas parecen flotar
sobre el lienzo y los dos únicos puntos de color sobre
fondo neutro focalizan la atención del espectador.

75. EXPRESIONISMO ABSTRACTO
Movimiento pictórico de mediados del siglo XX cuya principal
característica consiste en la afirmación espontánea del individuo a través
de la acción de pintar.
Las raíces del expresionismo abstracto se hallan en la obra no
figurativa del pintor ruso Wassily Kandinsky, y en la de los surrealistas,
que de forma deliberada utilizaban el subconsciente y la espontaneidad en
su actividad creativa.
El movimiento del expresionismo abstracto tuvo su centro en Nueva York
formando la llamada Escuela de Nueva York. Aunque los estilos que
abarca son tan diversos como los de los propios pintores integrantes, se
desarrollaron dos tendencias principales, la de la Action Painting (pintura
de acción) y la de los planos cromáticos. El interés de los representantes
de la primera tendencia se centraba en la textura y consistencia de la
pintura y en la gestualidad del artista en el momento de su aplicación
sobre el lienzo, mientras que los pintores que realizaban obras con planos
cromáticos ponían el acento en la unificación de color y forma. Jackson
Pollock representa la quintaesencia de la Action Painting. Su único modo

76. Wassily Kandinsky, (1866-1944).
Pintor ruso cuya investigación sobre las posibilidades de la abstracción le
sitúan entre los innovadores más importantes del arte moderno. Desempeñó un
papel fundamental, como artista y como teórico, en el desarrollo del arte
abstracto.
Nacido en Moscú el 4 de diciembre de 1866, estudió pintura y dibujo en Odessa, y
derecho y economía en la Universidad de Moscú. Con 30 años se trasladó a
Munich para iniciarse como pintor. Aunque sus primeras obras se enmarcan
dentro de una línea naturalista, a partir de 1909, después de un viaje a París en
el que quedó profundamente impresionado por las obras de los fauvistas y de
los postimpresionistas, su pintura se hizo más colorista y adquirió una
organización más libre. Murnau: la salida a Johannstrasse (1908) y Pintura con
tres manchas (1914), son dos de las obras que realizó en Munich antes de
volver a Rusia tras el comienzo de la I Guerra Mundial.

77. COMPOSICIÓN VIII
1923 Museo Guggenheim, New York
Improvisación 28 (segunda versión)
Improvisación 28 (segunda versión), pintada por
Wassily Kandinsy en 1912, refleja el empeño de este
artista ruso por expresar mediante trazos y colores
intensos el contenido espiritual de su obra y, en este
caso concreto, la conexión entre las artes plásticas y
la música.

78. IGLESIA EN MURNAU
1910 Museo Städtische Galerie in Lenbachhaus,
Munich
GABRIELA MÜNTER
1905 Museo Städtische Galerie im Lenbachhaus,
Munich

79. COMPOSICIÓN VII
1913 Galería Estatal, Tretjakov, Moscú
AMARILLO-ROJO-AZUL
1925 Museo Centre Georges, Pompidou, París

80. EN AZUL
1925 Museo Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen,
Dusseldorf
COMPOSICÓN IX
1936 Centre Georges,Pompidou, París

81. SILLONES DE PLAYA EN HOLANDA
1904 Museo Städtische Galerie im Lenbachhaus,
Munich
TRANSVERSE LINE
1923 Museo Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen,
Dusseldorf

82. Arshile Gorky, (1904-1948).
Pintor estadounidense cuya obra combina la abstracción geométrica con un
surrealismo casi figurativo. Su obra inicial refleja la influencia de Pablo
Picasso. Después de 1939, se siente más identificado con los surrealistas
europeos y la obra abstracta de Wassily Kandinsky y Joan Miró. Él introdujo
esos estilos en Estados Unidos por lo que ejerció una gran influencia en la
pintura estadounidense posterior y contribuyó de un modo especial al
desarrollo del expresionismo abstracto de sus contemporáneos Mark Rothko y
Willem De Kooning. Las obras de Gorky, como Agonía y Los esponsales II,
que expresan sus fantasías subconscientes, se caracterizan por la utilización de
líneas caligráficas y tonos brillantes armonizados con el color dominante de
fondo.

83. "Painting," by Arshile Gorky, 1936-7, oil on canvas,
38 by 48 inches, Whitney Museum of American Art

84. Hans Hofmann, (1880-1966).
Pintor y profesor alemán, conocido como el decano del expresionismo
abstracto. Nació en Weissenberg, Baviera, el 21 de marzo de 1880. Recibió
influencias del fauvismo, del cubismo y del expresionismo alemán. En 1915
abrió una escuela de arte moderno en Múnich. Después de 1940 su estilo, en el
que se mezclan los planos cubistas con la brillantez de la paleta fauvista, como
puede observarse en Fantasía en azul, comenzó a evolucionar hacia una pintura
gestual. Durante esos años muchos pintores expresionistas abstractos acudieron
a sus clases absorbiendo sus enseñanzas sobre el arte no representativo. Murió
el 17 de febrero de 1966 en Nueva York.

85. Vuelo
Vuelo de Hans Hofman se enmarca dentro del
expresionismo abstracto. La pincelada y manejo del
espacio denotan la influencia del cubismo y fauvismo.

86. Jackson Pollock, (1912-1956).
Pintor estadounidense, el miembro más destacado del expresionismo abstracto.
Nació en Cody, Wyoming. Sus primeras obras, en el estilo naturalista de
Benton, representan escenas estadounidenses de forma realista. Entre 1943 y
1947 Pollock, influido por el surrealismo, adoptó un estilo más libre y
abstracto, como en La loba.
A partir de 1947 Pollock evolucionó hacia el expresionismo abstracto,
desarrollando la técnica de la action-painting o dripping, consistente en
derramar, dejar gotear o lanzar pintura sobre lienzos sin tensar. Mediante este
método Pollock realizó esquemas de formas entrelazadas como se observa en
los ejemplos Full fathom five y Lucifer. También pertenece a esta época
Marrón y plata I. A partir de 1950 su estilo cambió de nuevo, retomando la
figuración en blanco y negro, dentro de un estilo muy virtuosista. Entre las
pinturas de su último periodo destaca Ocean grayness. Murió el 11 de agosto de
1956 a consecuencia de un accidente de automóvil.

87. Black and White
La obra Black and White (1948) del pintor
expresionista abstracto Jackson Pollock está
realizada mediante la técnica del Action Painting,
que consistía en salpicar o dejar caer pintura sobre
el lienzo creando composiciones al azar.
Composición en gris
Jackson Pollock, uno de los artistas más importantes
del expresionismo abstracto, realizó Composición en
gris (1946) derramando pintura sobre un lienzo
extendido en el suelo y esparciéndola después con
palos o espátulas hasta conseguir una imagen
abstracta contundente.

88. Indumentaria década 20’s

89. A causa de la guerra los costos de vida eran
mayores y por consiguiente había menos
dinero para invertir en vestimenta. Se
introduce un nuevo invento: el vestidosaco, una prenda que podía usarse como
vestido o como abrigo

90. En la posguerra las mujeres empezaron a copiar los
atuendos de los hombres y eligieron vestirse como
ellos. Los VESTIDOS se volvieron más masculinos
Y las polleras se hicieron cada vez más cortas
. Las plumas eran muy típicas de
esta época
los vestidos con cola se reemplazaron por soleros que llegaban por encima de la rodilla.

91. Las pieles eran generalmente de colores claros.
Los abrigos de los años veinte eran en su mayoría largos y se usaban
enroscados de un solo lado y atados con un botón de gran tamaño o
una hebilla.

92. 1925
Moda caracterizada por colores brillantes
En 1925 los confeccionistas empezaron a hacer polleras más cortas que nunca, ya que las mujeres no
sentían miedo de mostrar su cintura.

93. Durante los años treinta las mujeres empezaron a vestir polleras amplias con cinturones decorados con hebillas de metal o de
celuloide.

94. 1934 y 1935
las polleras cambiaron su largo y llegaron casi hasta el tobillo

95. En 1936 las mujeres empezaron a usar vestidos muy entallados que les marcaban el cuerpo
resaltando su forma.