El documento proporciona información sobre el Renacimiento y el arte moderno en Europa, con énfasis en artistas como Leonardo da Vinci, Rafael, Miguel Ángel y sus obras más importantes. Describe el contexto político y social de la época, incluido el papel de la Iglesia y la monarquía, así como las características y técnicas pictóricas del Renacimiento. También resume las biografías y obras clave de los principales artistas renacentistas italianos.

1. 3º REPASO DE HISTORIA DEL Renacimiento al Arte Moderno Juana Luisa Sanchez CEPER PINTOR ZULOAGA

2. • PROGRESO ECONOMICO. ESTABILIDAD POLITICA. CULTURA. ARTE. UNIVERSIDAD. CAOS CORRUPCION COMERCIO BANCA LA CIUDAD LA IGLESIA EL CAPITALISMO

3. MONARQUIA AUTORITARIA XIV-XV-XVI • MONARQUIA ABSOLUTA XVI- XVII DEPOSTISMO ILUSTRADO XVIII RENACIMIENTO: Reyes C.- Felipe II Enrique VIII Fco. I Francia Poder absoluto. No existe división de poderes (ejecutivo, legislativo y judicial). BARROCO Luis XIV El Rey Sol El poder político se concentra en el rey pero ha de mantener, de un modo pactista los privilegios de gremios, municipios, universidades, burguesía… Los monarcas contribuyeron al enriquecimiento de la cultura de sus países y adoptaron un discurso paternalista. También se le suele llamar absolutismo ilustrado; y a quienes lo ejercen dictador benevolente. NEOCLASICO Catalina II LA MONARQUIA EUROPEA

4. EL PAPEL DE LA IGLESIA: -Institución importante. -Tareas evangelización y aculturación. - Se introducen en el 2º viaje de Colón.

5. ESTUDIO DEL CUERPO HUMANO. VARIEDAD TEMATICA. • VARIEDAD SOPORTE: Lienzo, mural, tabla. IMPORTANCIA DEL AUTOR. AVANCES TECNICA PICTORICA: Volumen y Gesto/ Iluminación/.Perspectiva./ Movimiento. DOMINIO DE LA LUZ. EFECTO TRIDIMENSIONAL. ESCENOGRAFIA RICA. INCORPORACIÓN DE ELEMENTOS ARQUITECTONICOS. INTRODUCCIÓN DE DOS O TRES CENTROS: DIOPSIA. TENCINA ESFUMATO: LEONARDO. CARACTERISTICAS PINTURA RENACENTISTA

6. LEONARDO DA VINCI: Esfumato, capta la profundidad de los personajes en su ambiente. RAFAEL: Retratos, escenas históricas… Belleza. • MIGUEL ANGEL: Dramatismo. Escultor y dibujaba con volumen. Capilla Sixtina. El desnudo. TIZIANO: longevo.Color y la pincelada. GRANDES MAESTROS

7. LEONARDO DA VINCI VIRGEN ROCAS GALERIA NACIONAL DE LONDRES Cuatro figuras y un paisaje rocoso en vez de detalles arquitectónicos. Delicado uso del sfumato leonardesco que deshace los contornos de las figuras, creando un ambiente misterioso e irreal. La Virgen está sentada en el suelo Se destaca las sombras reflejos metálicos de una iluminación casi lunar. Reproduciendo exactamente las variadas especies vegetales.

8. CENÁCULO-ULTIMA CENA- CONVENTO SANTA MARIA GRACIAS MILÁN EL PRIOR NO COMPRENDIA QUE LEONARDO ESTUVIESE ADMIRANDO SU OBRA O PENSANDO DURANTE LARGAS JORNADAS. LLAMO AL DUQUE PARA DARLES LAS QUEJAS Y LEONARDO responde. - QUE A VECES CIERTAS PERSONAS HACEN MAS INACTIVO QUE ACTIVOS. - QUE AÚN LE FALTA LOS PERSONAJES DE JESUS Y JUDAS, DIFICILES DE ENCONTRAR MODELOS. NO OBSTANTE EL QUISQUILLOSO PRIOR LE PUEDE SERVIR COMO MUSA PARA JUDAS LEONARDO PINTABA MEJOR SUS PROYECTOS QUE SUS OBRAS FINALES, YA QUE ERA TALLA EMOCIÓN QUE LAS MANOS LES TEMBLABAN AL COGER LOS PINCELES. El paisaje fondo La perspectiva. Dominio del color.: efecto de luz. Dominio del conoc. cuerpo humano.

9. ULTIMA CENA- INNOVACION ESPACIO INNOVACION DEL ESPACIO, JESUS SENTADO DE ESPALDA. PINTURAS EN LA PARED QUE REPRODUCEN LA PASION. SE PLASMAN DOS TIEMPOS DISFERENTES.. DOMINIO: COLOR PERSPECTIVA

10. BACO. MUSEO LOUVRE La obra se centra en un personaje sentado cuya mano derecha, con el brazo doblado sobre el pecho, apunta hacia nuestra derecha, mientras que la izquierda señala hacia abajo. No se sabe si representa a San Juan o a Baco, Dios del vino. El paisaje fondo no es un desierto. Delicado uso del sfumato leonardesco que deshace los contornos . Reproduciendo exactamente las variadas especies vegetales. Dominio de la luz.. Conocimiento cuerpo humano.

11. LA GIOCONDA. MUSEO LOUVRE El cuadro La Gioconda , también conocido como La Mona Lisa . La técnica usada fue el sfumato procedimiento muy característico de Leonardo. Leonardo dibujó el esbozo del cuadro y después aplicó el óleo diluido en aceite esencial. Esta envuelto todo en una especie de niebla imprecisa. Se destaca el juego que hace con la luz y la sombra para dar sensación de volumen. Ojos brillantes, simbolo de sexualidad y maternidad Cuando pintaba siempre alguien le tocaba musica.

12. MADDONA DEL CLAVEL. MUNICH En esta obra está representada María aparentemente en pie, y con un claveL en la mano con el Niño atraído por la flor y sentado sobre un cojín. El manto de María parece caer lentamente, mostrando el color amarillo o casi dorado que estaba escondido. Las vestimentas de la Virgen son ricas en ornamentos (lo que recuerda a una reina El peinado también tiene gran detalle, Esta es una de las primeras obras de Leonardo en la que se nota la influencia de la pintura realista De la penumbra de la estancia en contraste con el luminoso paisaje que aparece en el fondo

13. POCO SE SABE ANTES DE 1498 • TRABAJA CON BRAMANTE. COLABORA EN EL BALDAQUINO,. MANTIENE DISPUTAS CONTINUAS Y FUERTES CON JULIO II AUN LE ENCARGA LA BOVEDA DE LA CAPILLA SIXTINA. LE IMPACTA LA OBRA Y VIDA DE LONARDO, AL CUAL ADMIRA Y RESPETA QUE SU INFLUENCIA SE DEJA VER HASTA EL FINAL DE SU OBRA. RAFAEL

14. DESPOSORIOS VIRGEN. MILAN Figuras en el primer plano y un edificio centralizado en el fondo Un edificio centralizado en el fondo Para enlazar la parte superior de la tabla con la inferior se usan las losas del pavimento El templo poligonal en el estilo de Bramante establece y domina la estructura de esta composición La perspectiva conseguida a través de que las figuras disminuyen proporcionalmente en tamaño El sacerdote es de hecho el centro focal Prevalece una tonalidad de pardo rojizo y dorado, con fragmentos de marfil claro, amarillo, azul verdoso, marrón oscuro y rojo brillante. Las formas resplandecientes parecen estar inmersas en una atmósfera cristalina, cuya esencial es el cielo azul claro.

15. LAS TRES GRACIAS MUSEO FRANCIA Las Gracias aparecen desnudas y agrupadas como en la antigüedad(SIENA) La de en medio, vista de espaldas, vuelve la cabeza enseñando un perfil ideal. Las otras dos, de frente, inclinan graciosamente la cabeza en sentido opuesto Se puede afirmar que la fisonomía de las tres doncellas se hallan a la altura de las mejores realizadas por el pintor y representan el prototipo de la belleza de la escuela clásica italiana.

16. MADDONA JILGUERO FLORENCIA Aunque las posiciones de los tres cuerpos son naturales, juntos forman un triángulo prácticamente regular. La Virgen sostiene un libro, lo que permite identificarla como Sedes Sapientiae («Asiento de la Sabiduría»). El jilguero es un símbolo de la futura muerte violenta de Cristo. San Juan ofrece el jilguero a Cristo como advertencia en relación con su futuro La influencia leonardesca se evidencia en muchos rasgos de la obra, como la estructura piramidal y el claroscurO. El tratamiento atmosférico del paisaje del fondo, Los rostros del Bautista y de Cristo tiene una impronta inconfundiblemente leonardesca en el esfumado.

17. LOGIA SIGNATURA. VATICANO. RAFAEL. DISPUTA EUCARISTICA.. ARRIBA : DIOS CENTRO:JESUS, SANTOS, APOSTOLES ABAJO: IGLESIA Y TEOLOGOS. Destaca de este fresco, sobre todo, su hábil composición, indicando la doble presencia de la Eucaristía tanto arriba, en el cielo, como abajo en la tierra SIEMPRE SE PRESENTA LA DISPUTA COMO MODELO A IMITAR. DINAMISMO EN LOS PERSONAJES.

18. LOGIA SEGNATURA. VATICANO. RAFAEL. VIRTUDES TEOLOGALES ANGELES TEOLOGALES- MUJERES CARDINALES FORTALEZA: ENCINA PRUDENCIA :ESPEJO TEMPLAZA:RIENDAS FE: SEÑALA CIELO CARIDAD: COGE BELLOTAS ESPERANZA:LLAMA

19. LOGIA RAFAEL ESTANCIA HELIODORO. RAFAEL. VATICANO MILAGRO BOLSENA 1264. CORPUS URBANO VI. ESTANCIA QUE REAFIRMA EL PODER TEMPORAL DEL PAPA. Narra un milagro acontecido en el año 1263. Un sacerdote bohemio duda de la realidad de la Transubstanciación en la Eucaristía. Estando de viaje por Italia, se detiene en Bolsena a celebrar una misa, en la que se produce el milagro: de la hostia mana sangre durante la consagración JULIO II El sacerdote

20. EXPULSION HELIODORO- RAFAEL- ESTANCIA HELIODORO. VATICANO HOMENAJE A JULIO II JEFE IGLESIA Y ESTADO VATICANO. EXPULSION HELIODORO DEL TEMPLO.(MACABEO 3,24-27) JULIO II EXPULSION HELIODORO DEL TEMPLO Heliodoro, general del rey de Siria, decidió confiscar el tesoro del Templo de Jerusalén para las arcas reales. Apareció entonces un jinete a caballo, cubierto por una armadura de oro, que levantó contra él los cascos de su caballo, al tiempo que aparecieron otros dos jóvenes resplandecientes, que lo golpearon y azotaron. De esta manera, Heliodoro cayó en tierra, y tuvo que retirarse; después se narra su conversión

21. LOGIA RAFAEL. ESTANCIA DEL INCENDIO SE REPITE LA EXALTACION PÒDER TEMPORAL DEL PAPA. LOS PAPAS CON ROSTROS DE SANTOS. ESTANCIA COMEDOR PAPA LEON IV AUTORETRATO RAFAEL

22. LOGIA RAFAEL. ESTANCIA CONSTANTINA. BATALLA DEL PUENTE MILVIO. CONSTANTINO VENCE A MAJENCIO. 312 REAFIRMAR EL PODER TERRENAL DEL PAPA. VENCE A LAS PUERTAS DE ROMA. 312. CONSTANTINO

23. SALA CONSTANTINO. VATICANO. RAFAEL. DONACION DE ROMA AL PAPADO POR CONSTANTINO . AL FONDO EL ALTAR MAYOR DE LA ANTIGUA BASILICA DONACION DE ROMA AL PAPADO AL FONDO EL ALTAR MAYOR DE LA ANTIGUA BASILICA

24. ESTATUAS GIGANTESCAS DE APOLO Y MINERVA. ARISTOTELES SEÑALA AL SUELO LEONARDO PLATON AL CIELO IZQUIERDA APARTADO SOCRATES EN LA CALLE. MIGUEL ANGEL EN PRIMER TERMINO SENTADO ESCRIBINDO SONETOS ESTE DETALLE SE OMITE EN EL FOCETO, QUERELLAS ENTRE RAFAELISTAS Y MIGUELISTAS. EUCLIDES INCLINADO ANTE UNA PIZARRA. EXPLICA. BRAMANTE. PTOLOMEO COGE EL GLOBO

25. TRANSFIGURACION. VATICANO TRANSFIGURACION, ULTIMO CUADRO DE RAFAEL. TRANSFIGURACION ALUSION CLARA A LA DIVINIDAD DE CRISTO, EN RESPUESTA A LOS LUTERANOS. NO LLEGO A TERMINAR LA OBRA PERO SE PUDO COLOCAR AL LADO DE SU ATAUD EN SU FUNERAL En la parte inferior, Rafael representa a los Apóstoles intentando, sin éxito, liberar a un niño poseído de los demonios o epiléptico Anticipa el arte barroco como se evidencia en la tensión dramática imbuida a tales figuras, y el fuerte uso del claroscuro Arriba, el poder redentor de Cristo Abajo, el espacio terrenal

26. NACE EL 6 MARZO 1475, SU PADRE GOBERNANTE DE UN CASTILLO. DE PEQUEÑO Y JOVEN SE DESTACA POR SER UN GRAN FALSIFICADOR. • LORENZO EL MAGNÍFICO., CADA MEDICIS, LO ACOGE BAJO SU PROTECCIÓN. EN SU PRIMERA ETAPA SOLO REALIZA COPIAS. MIGUEL ANGEL EN SUS ULTIMOS AÑOS VIVIO RETIRADO, DESCANSABA DE DIA Y TRABAJABA DE NOCHE. PADECIA DE INSOMNIO Y SE CONSTRUYÓ UN CASCO CON UNA CANDELA QUE LE PERMITIESE TRABAJAR LIBREMENTE. PRIMERA ETAPA: ROMA. REALIZACIONES DE MADDONAS. SEGUNDA ETAPA: FLORENCIA. LA PIEDAD, EL DAVID. MIGUEL ANGEL

27. DAVID. ACADEMIA FLORENCIA En la versión de Miguel Ángel, Goliat no aparece, por lo que se interpreta que aún no ha sido vencido El cuerpo de David es el de un hombre musculoso, David aparece en tensión y preparado para el combate Su cuerpo se encuentra girado con un ligero contrapposto El rostro evidencia esta tensión contenida, además, con una mueca de odio y las aletas de la nariz bastante abiertas.

28. SEPULCRO GIULIANO II MEDICIS. IGLESIA SAN LORENZO FLORENCIA Dos alegorías, masculina el Crepúsculo, y femenina la Aurora, Es notorio la inexpresión de los rostros masculinos

29. Dominio del espacio y el volumen GRUPO DEPOSICIÓN MUSEO OPERA FLORENCIA Escena evangélica con la que culmina el ciclo de la Pasión de Cristo Miguel Angel es un estudioso del movimiento, Grandes bloques de mármol, nunca hace añadidos

30. MOISES. IGLESIA SAN PEDRO ROMA. Es una de las 5 obras monumentales que llevaría el mausoleo de mausoleo de Julio II Nos presenta al mismo tiempo a un hombre pensativo y sereno, reflexivo y prudente, a un hombre de acción valores universales del Renacimiento Su rostro refleja la ira, sus ojos juntos, su mirada profunda, son fiel exponentes de su sentimiento, la ira. Su cuerpo acompaña ,frente a una aparente quietud, una realidad que viene dada por el giro de la cabeza, el situar un brazo por encima del otro y un pie hacia atrás como si fuese a incorporarse. En esta época se descubrió el Laoconte que influyó poderosamente en el rostro del Moisés. Las protuberancias de la cabeza son los rayos reflejados del Espíritu Santo

31. LA PIEDAD. VATICANO Es una obra como toda la de este maestro en una sola pieza. En ella se representan los ideales de belleza masculino en el Cristo y femeninos en la Virgen. Desarrolla una composición triangular La virgen nos la presenta completamente vestida, su calidad técnica hace de su ropaje (pliegues, arrugas, textura) Cristo, prodigio de estudio anatómico, masa ósea, músculos, venas, son fruto de una perfeccionada anatomía humana La Virgen no expresa un dolor humano sino una resignación.

32. VIRGEN Y EL NIÑO. IGLESIA BRUJAS. Representada en un momento de abandono, donde la mano derecha de la Virgen parece que sólo tiene la fortaleza para evitar que el libro no caiga La izquierda está sujetando suavemente al niño Jesús, En contraposición con la vitalidad de movimiento que demuestra el Niño. [ LA CARA DE LA PIEDAD ES LA MISMA QUE EL ROSTRO DE LA MADDNA DE BRUJAS. ES LA UNICA OBRA QUE FIRMA , PENSABA QUE NO NECESITABA DE SU EXPLICITADA AUTORIA, QUE EL TRABAJO DEL MARMOL POR SI SOLO HABLABA DE SU AUTOR.

33. LA CREACCION. MIGUEL ANGEL. BOVEDA CAPILLA SIXTINA -VATICANO Dios es representado como un hombre anciano y con barba envuelto en una alborotada túnica color púrpura, la cual comparte con unos querubines Su brazo izquierdo está alrededor de una figura femenina, normalmente interpretada como Eva, quien no ha sido creada aún, El brazo derecho de Dios se encuentra estirado para impartir la chispa de vida de su propio dedo al de Adán Bien documentdaa la anatomía humana Alternativamente, ha sido observado que el manto rojo alrededor de Dios tiene la forma del útero humano y que la bufanda verde que cuelga de él, podría ser un cordón umbilical

34. PAREDES ALTAR CAPILLA SIXTINA MIGUELANGEL. VATICANO JUICIO FINAL. 60 AÑOS. 400 PERSONAJES. PARTE SUPERIOR: JESUS Y MARIA TRISTE AL LADO, SAN BARROLOME. ( AUTORETRATO M.ANGEL) APOSTOLES Y MARTIRES. PARTE SUPERIOR A JESUS: ANGELES Y ELEMENTOS PASION. PARTE CENTRAL : ANGEL TOCANDO TROMPETAS. PERSONAS QUE SUBEN CIELO Y OTRAS QUE BAJAN INFIERNO. PARTE ABAJO: DCHA. RESURECCION. IZQUIERDA: BARCA DEL INFIERNO. ( CARONTE Y MINOS)

35. MIGUEL ANGEL. VATICANO FRESCO. CONVERSION SAN PABLO. PRIMEROS 2 FRESCOS DE M.ANGEL MOVIMIENTO ESTUDIO DE LA ANATOMIA HUMANA LUZ ESPACIOS : DIVINO TERRENAL

36. MOVIMIENTO ESTUDIO DE LA ANATOMIA HUMANA LUZ ESPACIOS : DIVINO TERRENAL LA CRUXIFICION.M. ANGEL VATICANO. AUTORETRATO M. ANGEL

37. España c.1490 — Toledo 1561, escultor castellano. Hijo del pintor Pedro Berruguete, es uno de los referentes fundamentales de la imaginería española del Renacimiento Los largos años de estancia en Italia le permitieron conocer profundamente a los maestros CLÁSICOS Y estudiar los modelos de la escultura grecolatina clásica; en su obra hay una admiración profunda por la obra de Donatello • Alonso Berruguete debía tener bastante conocimiento del cuerpo humano, pero es la pasión lo que mas se plasma en su obra. ALONSO BERRUGETE

38. Claseshistoria Alonso Berruguete El sacrificio de Isaac Retablo San Benito la Real(Valladolid) Canon alargado Figuras agitadas Gestos exagerados Ruptura frontalismo Policromía Irreal (mucho oro) Boca abierta, Ojos oblicuos Entrecejo fruncido Reflejo de tensión Dramática interior

39. Alonso Berruguete Retablo de Mejorada de Olmedo (Valladolid) Columna abalaustradas Se conoce como columna abalaustrada aquella que presenta su fuste con la forma de un balaustre, es decir, con su contorno moldeado con distintos grosores a lo largo de su recorrido Escenas vida Cristo en hornacinas El Calvario La Resurección

40. Alonso Berruguete Martirio de San Sebastián Retablo San Benito la Real Cuerpos enjuto y desnudo Formas angulosas Inspiradas directamente en «El Laocoonte» Forma Serpentinata Expresion agitada Los sentimientos se muestran

41. Alonso Berruguete Sacrificio de Isaac Museo Nacional Colegio de San Gregorio Inspiradas directamente en «El Laocoonte» Forma Serpentinata Expresion agitada, frenética, los sentimientos se muestran. La preocupación por el desnudo

42. Alonso Berruguete Adoración de los Magos Museo Valladolid Cuerpos desnudo Rostros expresivos Forma Serpentinata Policromía Irreal (mucho oro)

43. EL GRECO 1.NACIÓ EN UNA ISLA GRIEGA 1540 2. MUERE ESPAÑA 1614 2. LA RELIGIÓN influye su trabajo 3. Representa la EMOCIÓN RELIGIOSA / ESPIRITUAL 4. VIVE EN TOLEDO

44. El Escorial es un palacio/monasterio construido por el monarca más religioso

45. Muchas veces El Greco incluye símbolos en sus obras religiosas como elemento didáctico. Las llaves de San Pedro San Pedro (1605 – 1610)

46. San Andrés ¿Símbolos?

47. ¿Símbolos? San Francisco

48. San Pablo (1610-1614) San Pablo escribió muchas cartas.

49. El Espíritu Santo La Anunciación (1575)

50. San Sebastian (1577-78) Las flechas – San Sebastian era martirio.

51. La Pietá – El Greco La Pietá – Miguel Angel

52. El Expolio (1577-79) El Greco es maestro del color… Se nota el uso de un sólo color con diferentes tonos de este color. rojo claro y rojo oscuro amarillo claro y amarillo oscuro

53. San Mart ín aparece como patrono del fundador, Mart 地 Ram 池 e z, hombre que hab ía destacado por sus buenas acciones. Tambi i én se exalta la importancia de la caridad para la salvaci ó n del alma, seg ún se hab ía dispuesto en el dicho Concilio. La escena se desarrolla en primer plano, excesivamente cercana al espectador. San Mart 地 , vestido con una armadura damasquinada t 恥 i camente toledana, va montado en un elegante caballo blanco. Comparte su capa con el pobre que ha encontrado desnudo en el camino, figura que contemplamos a la izquierda de la composici 溶 . Al fondo vuelve a aparecer el paisaje toledano, envuelto en tormentosas nubes. Recurre a situar los personajes sobre un peque 撲 espacio de terreno, dando sensaci 溶 de cierto agobio. La figura del santo es armoniosa y proporcionada. No se puede decir lo mismo de su caballo, de enormes patas, ni del mendigo, de una altura sorprendente que le hace aun m á s delgado. Emplea, por lo tanto, dos tipos de canon est 師 i co: el tradicional y el personal, diferenciados por la proporci i ón de las figuras. La escena tiene un aire especial por el color empleado y por el lirismo con el que se cuenta la historia. Los azules, grises, verdes y blancos se adue 紡 n del conjunto, destacando sobre marrones y negros. La luz refuerza estas tonalidades y resbala por las figuras, resultando de ello un San Mart ín . Comparte su capa con el pobre que ha encontrado desnudo en el camino. SAN MARTIN Y EL MENDIGO Al fondo vuelve a aparecer el paisaje toledano, envuelto en tormentosas nubes La figura del santo es armoniosa y proporcionada. No se puede decir lo mismo de su caballo, de enormes patas, ni del mendigo, de una altura sorprendente que le hace aun m á s delgado. Los azules, grises, verdes y blancos se adue 紡 n del conjunto, destacando sobre marrones y negros. La luz refuerza estas tonalidades y resbala por las figuras.

54. San Mauricio y la Legión tebana. 1577 El Greco Encargado por Felipe II, no fue muy bien acogido. Abandono total de la perspectiva. Se dijo que Felipe II rechazó el cuadro porque estaba fuera de los cánones de la Contrarreforma: no le interesaba el hecho trágico del martirio sino su aceptación serena por S. Mauricio " los santos deben de ser pintados de manera que no quiten las ganas de rezar por ellos". Fue encargado para instalarlo en la iglesia de El Escorial como pareja del martirio de Santa Úrsula de Lucas Cambiaso. Fue sustituido por uno de un mediocre pintor llamado Romulo Cincinnato.

55. El Expolio Óleo sobre tabla. Realizado para la Catedral de Toledo. Gran expresionismo religioso. Cristo cansado, habría sido arrastrado en los últimos tramos de la subida al Calvario. estas peculiaridades que no aparecen en el Evangelio, hizo que el Cabildo se querellara con el Greco para que las eliminara, y, al no acceder éste, no le volvieran a encargar ningún cuadro más. El cuadro muestra el momento en que se va a desnudar a Cristo para sortear su túnica. Rodean a Cristo una multitud rabiosa que le insulta. El escenario casi desaparece totalmente y, salvo la túnica de gran colorido de Jesús y el acero también brillante (y del s. XVI) del capitán todo se reduce a una galería de cabezas rebosantes de expresión, en la que al odio del coro, se opone la bondad de Cristo.

56. Trinidad. Se conserva en el Museo del Prado Gran influencia de Miguel Ángel en la composición: figuras monumentales que ocupan casi todo el espacio pictórico. Carece de fondo. Juegos de luces y sombras en Cristo Las heridas subrayan la humanidad de Cristo y las expresiones angustiadas de los ángeles acrecientan el dramatismo. Colores venecianos: amarillos, carmesíes, azules.

57. Entierro del Señor de Orgaz Los personajes representados no pertenecen al siglo XIV sino al XVI y se trata de un retrato colectivo de sus amigos y personajes importantes de la época. Divide el cuadro en dos sectores claramente diferenciados: el inferior correspondiente al entierro y el superior a la gloria, unidos por un estrechamiento de nubes, a través del cual, un ángel sube al cielo el alma del difunto. La parte inferior es más clasicista y naturalista, aunque con rasgos teatrales y manieristas: el sacerdote que mira hacia arriba o el niño que alza el lienzo. Contraste de colores entre los rostros, los blancos cuellos y los trajes negros . Gonzalo Ruiz, señor de Orgaz (muerto en 1323). Según la leyenda, su caridad había sido recompensada con un milagro: San Esteban y San Agustín habían bajado el cielo para enterrarlo

58. Bautismo de Cristo. Colegio de Aragón. Fusión de los ámbitos terrenal y celestial. Sólo las rocas que sostienen a Cristo arrodillado y al Bautista hacen pensar en la tierra. Toda otra indicación del entorno ha quedado borrada por el derramamiento de luz y seres celestiales sobre el espacio en que se produce el suceso sacramental.

59. Laoconte. 1610. Único tema mitológico y su último cuadro. Sitúa la escena a las puertas de Toledo. Es un tema muy confuso. Las figuras de la derecha representan a Apolo y Artemisa.

60. Juan de Herrera fue un arquitecto, matemático y geómetra español • Nació en el año 1530 en Roiz(Cantabria) Su sobrio y severo estilo arquitectónico, llamado herreriano en su honor, fue representativo del reinado de Felipe II Su obra arquitectónica más importante es el Monasterio de El Escorial JUAN DE HERRERA

61. Manierismo. Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera Monasterio del Escorial Vista aérea Lugar saludable y con materiales. Sierra de Guadarrama Función funeraria Función religiosa Función cultural Símbolo poder real Y Contrarreforma

62. Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera Monasterio del Escorial Grabado Tendencia a horizontalidad. Elementos verticales: Cúpula de iglesia Torres cuadradas con chapiteles

63. Claseshistoria Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera Monasterio del Escorial Vista aérea y grabado Salón del Trono Habitaciones Felipe II Basílica Planta cruz griega Panteón Patio de Los reyes Patio de Los Evangelistas Biblioteca Planta forma parrilla (Martirio San Lorenzo) Ordenación en torno a patios. Convento Patio Chico

64. Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera Monasterio del Escorial Vista parcial Materiales: Pizarra, Madera, Granito. Formas cerradas Volúmenes geométricos Hileras horizontales Vanos rectangulares

65. Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera Monasterio del Escorial Patio de los Evangelistas Doble galería Semicolumnas adosadas Templete con fuente central

66. Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera Monasterio del Escorial Basílica

67. Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera Monasterio del Escorial Biblioteca

68. La sociedad se divide en tres estamentos: *La nobleza *El Clero *Estado Llano o Tercer Estado. La nobleza esta libre de impuestos Las Monarquias absolutas es la forma de gobierno, que actua beneficiando a los estamentos privilegiados ( continuación del viejo orden heredado del feudalismo) ANTECEDENTES DE CRISIS: Una economía agraria con cosechas irregulares que desencadenan crisis y hambre. - Desarrollo de enfermedades epid é micas. - Mortalidad catastr ó fica. LUIS XIV EL ESTADO SOY YO. ANTIGUO REGIMEN

69. La Iglesia de comienzos de la Edad Moderna tiende a acumular riquezas. El papa tiene ambiciones políticas: se venden bulas para conseguir dinero y la Iglesia se instala en la corrupción para conseguir dinero. Esta idea hará que algunos miembros de la Iglesia adopten posturas en contra de la actitud de Roma, e intenten reformar la vida eclesiástica, para hacer de ella un modelo moral, más acorde con la predicación y el mensaje de la Biblia, ante la sociedad. MARTIN LUTERO JUAN CALVINO ENRIQUE VIII REFORMA

70. También en el seno de la Iglesia católica se hace un intento por moralizar la vida eclesiástica y tener un espíritu más evangélico. Los jesuitas intentan una conciliación con los protestantes pero tienen un voto de obediencia al papa que será la esencia de la contrarreforma. La Contrarreforma toma cuerpo en el Concilio de Trento (1545-1563 y se declara los siguientes dogmas : CONTRAREFORMA. - Que sólo el clero tiene potestad para interpretar la Biblia. Que no solo la fe en Dios es fundamental para la salvación así también las buenas obras. Se estipula el uso del latín en las ceremonias, y se reafirma el poder jerárquico dentro de la Iglesia. Se fundan los seminarios y se crea el primer catecismo. La Inquisición se convierte en la guardiana de la doctrina de la Iglesia y la defensora del Concilio. CONCILIO TRENTO CUADRO TIZIANO

71. ARTE BARROCO IMPORTANCIA PARTE CENTRAL FACHADA. IGLESIA SAN ANDREA ROMA

72. FRONTONES EN PUERTAS Y VENTANAS. FRONTONES CURVILINEOS ORATORIO DE LOS FILOPPINI- ROMA

73. DOS CAMPANARIOS LATERALES. CUPULA CENTRAL. IGLESIA SAN CARLOS VIENA.

74. CUPULA Y VOLUTAS

75. USO DE LAS ESCALERAS. ESCALERA LA IMPERIAL, AL LLEGAR AL PRIMER PISO DE DESDOBLE EN DOS RAMPAS.

76. COLUMNAS SALOMONICAS

77. PALACIO DE VIENA. COLUMNAS HUMANAS. ELEMENTOS DECORATIVOS Y SUSTENTANTES.

78. ARQUITECTURA URBANISTICA. PLAZA SAN PEDRO. LORENZO BERNINI

79. FUSION DE DIVERSAS ARTES: ESCULTURAS, OBELISCO(arquitectura) EL AGUA EN MOVIMIENTO. FUENTE DE LOS CUATRO RIOS LORENZO BERNINI

80. PUENTE SAN ANGELO.ROMA FUSION DE LA ESCULTURA CON LA ARQUITECTURA.

81. SALON PALACIO DE VIENA. FUSION : PINTURA, ARQUITECTURA Y ESCULTURA.

82. BARROCO En el mundo

83. Bernini. Baldaquino de San Pedro Materiales : Madera Centraliza la tumba de San Pedro MATERIALES: mármol paredes y bronce baldaquino Estructura arquitectónica Pero concepción escultórica Columnas Salomónicas (espiral) Abejas y soles. Símbolo Urbano VIII Remate: Globo coronado con cruz. (Triunfo del Catolicismo) Podiums de mármol Con relieves

84. Bernini. Columnata de San Pedro. Vista aérea Dos brazos rectos Fusión plaza-basílica Símbolo: Iglesia Abraza a cristiandad Objetivo: potenciar Cúpula de Miguel Ángel Obelisco central Flanqueado por dos fuentes Intensifica la profundidad fachada Remate con 140 estatuas (verticalidad)

85. Bernini. San Andrea al Quirinale. Fachada Dos columnas Frontón curvo Partido con escudo Enmarcada Por pilastras Estructura adintelada engloba arco de medio punto Frontón triangular roto por la base

86. Borromini. San Carlo alle Quattro fontane. Fachada Piso inferior Piso superior Entablamento superior marca verticalidad (medallón) Sobresale del plano de la pared de la calle.

87. Palacio de Versalles. Vista exterior Piso inferior Piso noble Pilastras y columnas adosadas Grandes ventanas-puertas rectangulares ático Coronación con Estatuas (atenúa horizontalidad)

88. Mansart, Le Brun (decoración), Palacio de Versalles. Salón de los espejos 17 ventanas y 17 espejos (fusión interior-exterior) Bóvedas con Pinturas acciones Luis XIV Arcos enmarcados en dintel Separa salón De la paz y de la Guerra Espejos y ventanas dan sensación de mayor amplitud Profusa decoración)

89. - Posee la capacidad de crear imágenes palpitantes de pasión verdadera. Pintor tenebrista español del siglo XVII también conocido como Giusepe de Ribera o con su nombre italianizado: Giuseppe Ribera . -Podemos decir que es un creador extraordinario. Al servicio de una exaltación religiosa, que no es sólo española, sino de toda la Contrarreforma católica y mediterránea. - Su maestría colorista, José de Ribera : ESTILO

90. José de Ribera 1ª fase La mujer barbuda Características de Caravaggio: tenebrismo (incidencia de la luz) y naturalismo (realismo personajes). Temas de fenómenos raros de la naturaleza Pincelada minuciosa y apretada Pocos personajes en las escenas Fondos muy oscuros

91. José de Ribera (2ª fase) Inmaculada Concepción Convento de las Agustinas Salamanca Fusión del tema de la Inmaculada con el de la Asunción Virgen dinámica que asciende rodeada de ángeles Etapa influida por colorido neoveneciano (diversidad cromática y luminosidad) Fuerte influencia en autores españoles como Murillo Sustitución del fondo negro por paisajes (cielos, vegetación, etc.)

92. José de Ribera Apolo desollando a Marsias Contraste Apolo impasible Marsias sufrimiento extremo Abundancia de escorzos, diagonales y zigzags Desequilibrios vacíos - masas Riqueza cromática Teatralidad: impotencia Personajes secundarios Escorzo es reducir la longitud de los objetos según las reglas de las perspectivas. Escorzo es el término usado para referirnos a un cuerpo en posición oblicua o perpendicular a nuestro nivel visual. El efecto de escorzo existe en todos los cuerpos con volumen.

93. José de Ribera El martirio de San Felipe Amplios espacios vacíos. Contrastes amplio cielo: azul intenso con blanco y dorado Zonas personajes apretados atentos a la acción Gran corporeidad de las figuras Escorzos profundos Realce de ropas rojas del verdugo frente al predominio de tonalidades oscuras ( marrones, verdes, grises, etc.) Zonas personajes apretados indiferentes a la acción (destaca madre con hijo) Contraste tensión verdugos y el abandono del santo

94. José de Ribera El sueño de Jacob Gran intensidad lumínica

95. José de Ribera El patizambo Personaje deforme y pobre tratado con amabilidad (simpatía del rostro) No oculta lo deforme Abundante paisaje Cielo azul con numerosas nubes Figura de tamaño natural Punto de vista Bajo que lo realza resaltado sobre el cielo del segundo término

96. Torpeza en las perspectivas, falta de coherencia espacial. Prodigiosa capacidad para reproducir expresiones en los rostros. Los rostros son penetrantes. Delicadeza cromática, rico colorido, gran variedad de blancos... Minuciosidad consigue plasmar telas, cacharros, cabellos, pieles, como si pudieran palparse, tan reales como la vida. ZURBARAN : ESTILO Y TECNICA

97. Aparición de San Pedro crucificado a San Pedro Nolasco Fondo oscuro difumina división plano del suelo y línea del horizonte (espacio abstracto) Estatismo Geometrización de las formas

98. Francisco de Zurbarán Apoteosis de Santo Tomás Composición en tres niveles Terrenal Celestial Padres iglesia Celestial Espíritu Santo

99. Francisco de Zurbarán Fray Gonzalo de Illescas Volumen de cortinaje equilibra composición Escena exterior simboliza la caridad Simbología: Juego de luces Exterior-interior pivota en torno a contraluz de columna central Libros: conocimiento clépsidra y cráneo fugacidad del tiempo Perro: fidelidad Estudio psicologico Captación del instante (sorprendido trabajando)

100. Santa Casilda Santa Margarita Franciso de Zurbarán Fondos neutros Figuras de cuerpo entero Retratos de damas de la época Ropajes del siglo XVII Abundantes pliegues Armonía cromática

101. Francisco de Zurbarán El hogar de Nazaret Jesús niño herido con corona de espina Foco de luz dorada con angelotes en diagonal Rostro melancólico de la Virgen Fondo oscuro Plieges telas

102. Bodegón de cacharros Francisco de Zurbarán Fondo oscuro Incidencia de la luz Calidades matéricas Importancia individualizada de cada objeto

103. Francisco de Zurbarán San Hugo en el refectorio Tres planos 1º San Hugo y paje 2º mesa con naturaleza muerta (platos, jarras, pan adquieren gran protagonismo) 3º San Bruno (centro) y resto de los frailes. Cuadro en el cuadro: Características generales: estatismo, geometrización, calidades matéricas, Virgen y San Juan (eran protectores de los cartujos) Diversidad de blancos

104. Sus inicios como otros pintores de la época, es de estilo tenebrista Aunque lo fue abandonando hasta alcanzar un tipo de pintura colorista y luminosa. Domina todos los géneros Trabajo todas las temáticas: desde los habituales temas religiosos hasta bodegones y pasajes, pasando por una prolífica colección de cuados mitológicos, retratos, escenas históricas VELAZQUEZ ESTILO.

105. Diego Rodríguez da Silva y Velázquez Periodo juvenil Vieja friendo huevos Naturaleza muerta con personajes Calidades matéricas Multiplicidad de objetos Predominio de tonos cálidos: Naranjas, amarillos, ocres, etc. Tenebrismo: contrastes luz-sombra muy marcados. Joven sale de sombras del fondo naturalismo Actiutdes reposadas

106. Diego Rodríguez da Silva y Velázquez El aguador de Sevilla Reflejo tres edades del hombre: Anciano ( de perfil) Adulto ( de frente) Joven ( oblicuo) Características generales de primeras obras: contornos precios, tenebrismo cálidas, Gusto por el Detalle: arrugas y pliegues calidades matéricas actitudes reposadas

107. Diego Rodríguez da Silva y Velázquez Los borrachos Naturalismo de personajes: estado de embriaguez, actitudes Desvergonzadas, gusto por lo feo, ropajes del s. XVII figura iluminada de Baco. Además crea mayor profundidad en diagonal Composición centralizada Se aclaran los fondos Predominio de tonos cálido, terrosos.

108. Diego Rodríguez da Silva y Velázquez La fragua de Vulcano Personajes agrupados en una elipse Estudio anatómico de desnudos Luz genera Espacio real: Vulcano y ayudantes tratados con naturalismo (colores ocres) Espacio fantasioso: Apolo inundado de luz sobrenatural Colores anaranjados Predominio de colores cálidos Calidades matéricas: Multitud objetos Características barrocas: Teatralidad, captación del instante, etc.

109. Diego Rodríguez da Silva y Velázquez Retratos ecuestres Príncipe Baltasar Carlos Colorido en el Paisaje Terroso suelo Verde arboleda Azules y blancos Sierra de Guadarrama Contraste masa Marrón del caballo y ropajes tonos cálidos con fondo

110. Conde-duque de Olivares Retrato Ecuestre Caballo en corveta Colores plateados Perspectiva aérea Predominio curvas: patas, grupas, cola Retrato psicológico CORVETA: ENSEÑAR AL CABALLO GALOPAR CON LAS PATAS DELANTERAS LEVANTADAS

111. Diego Rodríguez da Silva y Velázquez Rendición de Breda “ Las lanzas” Caballos en oblicuo amplían la profundidad Lanzas verticales Ejército español bien organizado (acotan primer término) Picas irregulares Ejército holandés desordenado Posible (discutido) autorretrato Gesto amable y generoso Retratos de personajes de la época Riqueza y armonía cromática

112. Diego Rodríguez da Silva y Velázquez Retrato de Inocencio X Retrato Psicológico Pincelada muy suelta Contrastes cromáticos (colores intensos)

113. Diego Rodríguez da Silva y Velázquez Venus del espejo Temática: desnudo en pintura española Sensualidad y erotismo Formas curvas Riqueza cromática Cortinaje rojo Piel nacarada Tafetán negro Sábana blanca Espejo sostenido por amorcillo: Contraste rostro difuminado, de facciones groseras y belleza rotunda del cuerpo

114. Diego Rodríguez da Silva y Velázquez Las Meninas perro Autorretrato (cruz roja de Santiago pintada con posterioridad) Reflejados en el espejo los reyes Felipe IV y Mariana de Austria Aposentador real José Nieto Guarda Damas Meninas Princesa

115. Diego Rodríguez da Silva y Velázquez Las hilanderas TEMA PRINCIPAL: (Minerva y Aracné Iluminación del fondo desde Haz brillante diagonal (espacio irreal) Mujeres en distinta posición (escorzo, frente, espaldas, perfil) Mujer aparta cortinaje como presentando la escena FONDO : el rapto de Europa (homenaje a Tiziano) Captación del movimiento Perspectiva aérea Riqueza cromática Aracné TRIUNFADORA por lo que Atenea la convertirá en araña)

116. TEMAS: Pintura religiosa, de devoción, muy usual en la España del siglo XVII. y también temas populares. Trabaja la perspectiva aérea. Su estilo es dinámico y escenográfico, teatral, pero sin violencia. LA LUZ es la protagonista de sus cuadro. Murillo emplea una técnica iluminista. COLOR : hay gran riqueza cromática, el colorido es vivo, lleno de matices. Predominan los tonos cálidos, dorados, contrastando con los frios. EL DIBUJO aún siendo un gran dibujante, la luz es la gran protagonista de sus cuadros. DETALLISTA: realismo y gusto por el detalle; composiciones dinámica, con predominio de líneas curvas. BARTOLOME ESTEBAN MURILLO : TECNICA.

117. ILUMINISMO - El movimiento religioso español del siglo XVI, también conocido como alumbrados , relacionado con una corriente mística desarrollada en otros lugares de Europa en los siglos XVI y XVII. - El movimiento intelectual europeo del siglo XVIII, conocido más habitualmente como Ilustración . - TECNICA PICTÓRICA: SIGLO XVIII : MURILLO emplea una técnica iluminista . Sobre el fondo dorado, radiante, se recorta la figura de la Virgen, envuelta en luz para indicar su carácter celeste. ...

118. Bartolomé Esteban Murillo Periodo juvenil (frío) La sagrada familia del pajarito Fuertes claroscuros Pinceladas lisas con dibujo Bastante preciso Escena religiosa Presentada como Costumbrista (naturalismo) Gusto por lo Amable, sereno Y dulce frente Al sentido trágico de la mayoría de la pintura barroca española Predominio de Estructuras piramidales

119. Bartolomé Esteban Murillo Periodo cálido Visión de San Antonio de Padua Espacio Divino Tenebrismo Obscuridad en círculo donde afloran angelotes y en el centro la luz dorada envolviendo al niño ESPACIO TERRENAL Luz terrenal ilumina de forma realista la estancia (mesa acontraluz, baldosas, frontal del santo

120. Bartolomé Esteban Murillo Niños comiendo uvas y melón (periodo frío ) Calidades matéricas Mancha sobre fondo oscuro realzan niño con el melón Trata temas de miseria de forma amable Mirada cómplice

121. Bartolomé Esteban Murillo Niños comiendo empanadas (periodo vaporoso) Captación de un momento Color más transparente y difuminado Un foco de luz da unidad, creando volúmenesy distancias Trata temas de miseria de forma amable

122. Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata Bartolomé Esteban Murillo Periodo vaporoso San Francisco abrazando al crucificado Inscripición en latín sobre renuncia a bienes del mundo Bola del mundo como símbolo de renuncia a placeres terrenales Gama de colores muy austera Escasez de elementos secundarios que distraigan la atención del abrazo

123. Bartolomé Esteban Murillo El buen pastor Colorido cálido Formas dulces, invitan a la ternura Perspectiva atmosférica los contornos de los objetos lejanos se difuminan

124. Bartolomé Esteban Murillo Inmaculada Concepción de Soult Luz dorada sobrenatural Movimiento acensional acentuado por la disposición de multitud de angelotes Zona de sombra de angelotes

125. Bartolomé Esteban Murillo Inmaculada Concepción del Escorial Influencia de Ribera. Inmaculada dinámica Rostro idealizado casi niña manto y angelitos dinamismo Símbolos Azucenas, palmas, olivos.

126. Bartolomé Esteban Murillo Periodo vaporoso Los niños de la concha Niño Jesús San Juanito Luz dorada, suaviza contrastes y difumina los contornos Cordero contempla la escena (carácter simbólico) Inscripción: “ Ecce Agnus Dei ” Armonía de colores cálidos y fríos

127. BARROCO EN EL MUNDO

128. Caravaggio La buenaventura Periodo juvenil Museo Louvre Basarse en la realidad( el naturalismo) 1ª etapa: Cuadros pequeños 1ª etapa: Medias figuras 1ª etapa: Personajes callejeros 1ª etaPA Fondo neutro 1ª etapa: Jóvenes andróginos, ambiguos

129. Caravaggio Baco Periodo juvenil Galeria Uffizi-Florencia 1ª etapa: rico colorido 1ª etapa: Desarrolla tema de bodegones (objetos adquieren valor por sí) 1ª etapa: Tema mitológico (alguien disfrazado de Baco) 1ª etapa: Estudio de los claroscuros (sienta las bases de lo que en obras posteriores será el tenebrismo) Calidades matéricas: túnica, copa transparente…

130. Caravaggio La cena de Emaús Periodo juvenil Galeria Nacional Londres Escorzos muy pronunciados Rostro de Jesús imberbe DRAMATISMO Rostros realistas sin ocultar lo feo (modelos personajes de la calle) Importancia del bodegón Ropajes humildes del siglo XVII Luz de claraboya que prima unas zonas sobre otras que quedan en sombras Contraste colores cálidos y fríos

131. Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata Caravaggio Crucifixión de San Pedro Periodo maduro Basilica Santa Maria Popolo. Roma Tenebrismo, luz mientras otras quedan en total penumbra TENEBRISMO Contraste colores apagados con colores vivos en zonas más iluminadas Rostro y cuerpo realista

132. Caravaggio Conversión de San Pablo Periodo maduro Escorzo violento Luz ilumina rostros y manos para acentuar expresividad Dominio de la inmensa masa ocre del caballo

133. Caravaggio La vocación de San Mateo Periodo maduro Iglesia San Luis de los Franceses. ROMA Jesús y San Pedro. Gesto de Jesús señalando reforzado por foco de luz de claraboya. Desarrollo de escena religiosa en escenario de la vida cotidiana Teatralidad (San Mateo preguntando si se refiere a él) Avaro retirando el dinero (anecdótico) Potenciación de rostros y manos Luz violenta en diagonal Personaje de espaldas. Banqueta en escorzo

134. Caravaggio Muerte de la Virgen Periodo maduro Museo Louvre Virgen María con vientre hinchado, pies amoratados. (modelo mujer ahogada en Tíber. Cortinaje pesado a modo de resaltar el fondo. , Rayo de luz que jerarquiza (cabeza de apóstoles, Virgen y María Magdalena) Actitudes dramáticas Gusto por la pobreza: Virgen acostada en banco de madera, los apóstoles con ropajes humildes, desaliñados, descalzos Modelado robusto, casi escultórico de los cuerpos (Monjes Santa Maria della Scala rechazaron el cuadro)

135. Caravaggio La decapitación del Bautista Periodo final Catedral de San Juan- Inglaterra Gusto por lo escabroso Desequilibrio en distribución de personajes Contraste en profundidad del fondo

136. Caravaggio La cabeza del Bautista Periodo final Palacio Real de Madrid Intensificación De contrastes lumínicos Tenebrismo Dramatismo

137. Gran maestro del movimiento, el color y la sensualidad. Trató toda clase de temas pictóricos religiosos históricos de mitología clásica escenas de caza, retratos así como ilustraciones para libros y diseños para tapicerías Se calcula que llegó a pintar unos 3.000 cuadros gracias, en parte, a los miembros de su taller que, al parecer, trabajaban en cadena. [ Las pinturas del taller de Rubens se han clasificado en tres categorías: las pintadas por el mismo Rubens Aquellas en las que sólo algunas partes -principalmente, manos y rostros. Aquellas que simplemente supervisó. Realizó en sus comienzos copias de Tiziano y Rafael RUBEN NACE : ESTILO

138. Pedro Pablo Rubens Descendimiento de Cristo Catedral de Amberes- Bruselas Rico colorido Teatralidad Obras de gran formato Dominio anatomia Tenebrismo

139. Pedro Pablo Rubens La educación de María de Médicis Museo Louvre Figuras mitológicas de enormes proporciones rodean a María de Médicis Preferencia por los cálidos Tonos difuminados azules y violáceos del fondo María de Médicis Tres Gracias Mercurio Atenea y Apolo

140. Pedro Pablo Rubens LOUVRE Huida de María de Médicis María de Médicis llegando a Marsella Reconciliación del rey Luis y María de Médicis Abundancia de artificios alegóricos y mitológicos para enmascarar con el estilo solemne y ampuloso las tirantes relaciones entre María de Médicis y su hijo Luis XIII

141. Pedro Pablo Rubens El juicio de Paris Museo Prado Luz compuesta de Colores delicados Rodea luz de sombras formadas por colores cálidos para conseguir un efecto de claroscuro basado en el reflejo de la luz Paisajes y árboles sinuosos

142. Pedro Pablo Rubens Las tres Gracias Museo del Prado Mujeres de exuberantes carnes según gusto de la época Actitudes delicadas. Parecen iniciar una danza (las tres retrasan un pie) Retrato de su primera mujer Isabel Brandt Retrato de su segunda mujer Elena Fourment Transparencias de gasas Ritmo curvo Paisaje idílico (origen literario) Árbol que se Tuerce y quiebra.

143. Pedro Pablo Rubens El rapto de las hijas de Leucipo Pinakothek Múnich Alemania Contraste carnes nacaradas y blandas de mujeres y tostadas y musculosas de hombres Movimiento Teatralidad y dramatismo Atmósfera gris y azulada Dramatismo

144. Pedro Pablo Rubens El jardín del amor Museo Prado Atmósfera cálida con dorado difuminado Mujeres con rostro de su segunda esposa Elena Fourment Actitudes galantes Angelotes con símbolos matrimoniales: corona de flores, yugo y paloma Goce sensual Paisaje melancólico se fusiona con actitudes refinadas y galantes Perro: símbolo fidelidad matrimonial

145. Entre las características prominentes de su obra se encuentra el uso del claroscuro. A menudo usando fuertes contrastes, lo que introduce al observador dentro del cuadro. Sus escenas plasmadas ofrecen vivencias y dramatismos, resaltando su gran humanidad. En sus cuadros aparecen a menudo los miembros de su familia; su esposa Saskia, su hijo Titus, y su compañera sentimental Hendrickje, incluso usándolos como modelos en pinturas de temáticas mitológica o bíblica. Fue el gran creador de los retratos en grupo. Consideraban un maestro en la interpretación de pasajes bíblicos Rembrandt TECNICA

146. Rembrandt El hombre con yelmo de oro Características generales Museo de Berlin Calidades matéricas Dominio de la luz: Contornos diluidos Atmósfera dorada Claroscuros matizados (los fondos solían tener una primera capa de marrón) Estudio psicológico de los personajes Tenebrismo

147. Rembrandt Lección de anatomía del doctor Tulp LA HAYA. Paises Bajos Escorzo Organización piramidal Gusto de holandeses por retratos colectivos Foco principal ilumina cadáver. Centro pinzas con el rojo de tendones Diversidad de actitudes. Nadie mira al cadáver: Fondo arquitectónico con suave Sombreado. Se ve cartel con fecha y nombre del artista Folio con nombre De siete asistentes Foco de luz también realza rostros con golillas

148. Rembrandt Lección de anatomía del Doctor Deijman Fragmento salvado de un incendio Realizada 23 años después de “la lección del doctor Tulp” Expresividad de gestos Pinceladas más pastosas Realce de rostros Escorzo

149. “ Ronda de noche” Amsterdan Movimiento escénico (ruido de tambor Originalmente treinta miembros de la Compañía. Como sólo pagaron dieciséis sólo algunos son reconocibles el rostro. Aparente caos muy organizado Personaje principal en eje vertical central Alternancia espacios Iluminados y sombras (oscuridad de obra debida a un barniz) Brazo de capitán prolonga espacio hacia nosotros

150. Rembrandt Síndico de los pañeros Amsterdam Acentuado primer plano Por el tapete rojo de la mesa Cinco miembros y en segundo plano un asistente Estudio psicológico de rostros Los personajes miran hacia el espectador, como si éste hubiese interrumpido la reunión Foco potente de luz superior izquierdo Sobre fondo marrón destacan figuras de negro realzando el rostro iluminado el cuello blanco expresividad de manos (esa posición significa argumento irrefutable)

151. Rembrandt Mujer bañándose Galeria Nacional e Londres Luz que viene de lo alto envuelve en atmósfera suave el contorno de los volúmenes Colores se apagan. Tonos suavizados Pinceladas más pastosas

152. Aristóteles contemplando el busto de Homero Museo Metropolitano Nueva York Rayo de luz Expresión abatida con mirada a la lejanía No fiel a los bustos de Aristoteles Vestido a la moda del siglo XVII Mano que sujeta Cadena de oro (símbolo del favor del rey. No olvidar que Aristóteles fue maestro de Alejandro Magno) Busto de Homero sí es copia de un retrato de la Antigüedad

153. Rembrandt Autorretratos Museo Metropolitano Nueva York Actitud arrogante Contrastes intensos Potenciación De las sombras Luz emana de propias figuras Decrepitud sin paliativos Abatimiento, cansancio Rembrandt Autorretrato Galeria de Londres

154. IMAGINEROS ESPAÑOLES

155. 1)ANDALAUZA: Dentro de la escuela andaluza destaca la ciudad de Sevilla, gran centro ya en el siglo XVI, que se mantiene en el siglo XVII como una de las ciudades más cosmopolitas, a la que acuden los comerciantes que se relacionan con América. Montañés. 2)CASTILLA: Realismo.Valladolid. Gregorio Fernandez. ESCUELAS BARROCAS DE IMAGINERIAS.

156. ATENCIÓN AL MOVIMIENTO. ACENTUACIÓN DEL DRAMATISMO (expresión de los rostros) DECORACIÓN DE LAS OBRAS CON JOYAS, VESTIDOS... ACUSADO NATURALISMO ALCANZA GRAN DIFUSIÓN EN LOS PAISES CATÓLICOS LOS MATERIALES: MÁRMOL, PIEDRA O MADERA(madera para las religiosas) ESCULTURA-IMAGINEROS

157. Sus obras fueron una mezcla entre el manierismo italiano y el Barroco. Sus dibujos fueron de lo más destacado de su obra. En una época en la cual dominaba el tenebrismo, él fue capaz de ser colorista en sus trabajos. Alonso Cano: ESTILO

158. La fachada principal del edificio, obra póstuma de Alonso Cano que supone su culminación como arquitecto. Posiblemente debido a problemas de salud, decidió volver en 1652 a su ciudad natal de Granada, donde consiguió el cargo de la catedral tras multitud de problemas con el cabildo, y gracias a la intercesión del propio rey Felipe IV. FACHADA CATEDRAL GRANADA

159. Probablemente realizado por inspiración de ciertas estampas relacionadas con Miguel Ángel. Uno de sus temas favoritos, como es el desnudo. Éste le permitía reflexionar sobre el ideal clásico de belleza y el sistema de proporciones. El blanco cuerpo de Jesús supone para Cano una manera idónea para indagar en torno a la anatomía humana como método de expresión, sobre todo al contrastarlo con el fondo oscuro. Con esta oscuridad crea además un ambiente de quietud y misterio apropiado para la meditación sobre la muerte de Cristo, definiendo así esta la obra como un ejemplo de sus mejores pinturas de devoción. CRISTO SOSTENIDO POR UN ANGEL. MUSEO PRADO

160. * CUADRO EJECUTADO CON UNA DIFICIL PRECISIÓN. SE ESTIMA SU PERFECTA TECNICA. * NOS RECUERDA LA PINTURA DE VELAZQUEZ. SE RESALTA SU AUTORETRATO. TENEBRISMO EL MILAGRO DEL POZO MUSEO PRADO

161. SU TECNICA EN ESTE CUADRO SE ACERCA MAS A LA DE MURILLO. SE RESALTA SU DELICADAZA EN EL COLORIDO. * OBSERVAMOS TAMBIÉN EL DESTELLO DE MELANCOLIA QUE TRANSMITEN SUS PERSONAJES. MELANCOLIA QUE ES UNA CARACTERISTICA QUE REFLEJAN LAS OBRAS RELIGIOSAS DE ALONSO CANO. INMACULADA ALONSO CANO

162. DOS REYES DE ESPAÑA . MUSEO DEL PRADO EN ESTA OBRA RESALTAMOS SU VIVACIDAD EN EL COLOR .

163. Como algo habitual del Barroco, los pliegues son voluminosos. Solemne de la figura. Serenidad: su recogimiento y su pequeño tamaño. En su rostro podemos ver el grado de belleza de la obra. Algo habitual en sus Inmaculadas era que uno de sus hombros quedara a descubierto, mientras el otro se escondía detrás del manto. Técnica: Dejó de usar en esta escultura la técnica del estofado (raspar la superficie para que saliera el dorado inferior, haciendo generalmente dibujos). Querubines: Una nube con tres querubines sostiene la figura de la Inmaculada, configurada con gran verticalidad. LA INMACULADA E ALONSO CANO

165. Este modelo se resalta la delicadeza y expresividad. Silueta esbelta y cuidada anatomía, Bello rostro oval, de ojos rasgados y mirada ensimismada y melancólica Parecen encerrar un profundo y apasionado mundo interior . San Juan Bautista adolescente . ALONSO CANO

166. Es el máximo exponente del barroco castellano, Escuela de Valladolid del siglo XVII. De origen gallego, se establece pronto en Valladolid, ciudad desde la que desarrolla una intensa actividad fomentada por la demanda de una amplia clientela. CLIENTELA: monarquía, nobleza, órdenes religiosas, cofradías... ESTILO: -La abundante obra que realiza a lo largo de su vida refleja estilísticamente un proceso evolutivo que arrancando de la elegancia del manierismo hasta el naturalismo barroco que caracteriza toda su producción posterior. Gregorio Fernández( 1576-1636 )

167. GREGORIO FERNANDEZ CRISTO YACENTE- VALLADOLID

168. -El Cristo yacente de El Pardo o Cristo de El Pardo. Desde el año 1615 se exhibe en la iglesia del Convento de los Padres Capuchinos –MADRID. Tallada en madera policromada. Está considerado como una de las obras maestras del citado escultor.

169. La imagen destaca por la perfecta anatomía, a tamaño natural, por el realismo de sus heridas y llagas en la espalda. TECNICA. Las heridas realizadas con corcho humedecido en barniz. La figura está apoyada en una semicolumna dórica de marmol negro, de influencia italiana. En su origen, se trataba de la imagen principal de un conjunto que representaba el azotamiento y que podía estar compuesto por hasta siete figuras. CRISTO DE VALLADOLID El Señor atado a la columna. Obra maestra del escultor.(1619).

170. LA PIEDAD GREGORIO FERNANDEZ

171. NACE EN ALCALA LA REAL, JAEN. 14 AÑOS TRASLADA A SEVILLA. TEMAS RELIGIOSOS. - MATERIAL MADERA Practica una escultura realista, aunque caracterizada por una serenidad más clásica que la de Gregorio Fernández. El retrato de fue pintado por Velázquez en 1635-36 y se conserva en el Museo del Prado. REALISMO EN SUS OBRAS. TECNICA: Las imágenes en madera se cubren luego por finas capas de estuco, que posteriormente se colorea y policroma, buscando la mayor naturalidad posible, prefiriendo las encarnaciones mates, para acentuar así el realismo. El estuco es una pasta de grano fino compuesta de cal apagada, mármol pulverizado y pigmentos naturales, que se endurecen. Juan Martínez Montañés

172. Representa a un Cristo crucificado vivo antes de expirar, que con la cabeza inclinada sobre el hombro derecho mira serenamente al que está orando ante él. No hay exageración dramática ni aspavientos agónicos, hay serenidad y dulzura en la mirada, hay comunicación. Sin más símbolos de la tortura que la propia crucifixión, sin sangre ni crispación muscular, incluso con cierta belleza atlética La anatomía de la figura está modelada con una perfección naturalista extrema inspirada en los modelos clásicos. CRISTO DE LA CLEMENCIA : CATEDRAL SACRISTIA SEVILLA

173. MONASTERIO DE SAN ISIDORO SEVILLA- ESCULTURA RELIEVE No hay exageración dramática ni aspavientos agónicos, hay serenidad y dulzura en la mirada, hay comunicación. SAN JERÓNIMO PENITENTE MONTAÑES- SIGLO XVII

174. MUSEO BELLAS ARTES SEVILLA ESCULTURA RELIEVE No hay exageración dramática ni aspavientos agónicos, hay serenidad y dulzura en la mirada, hay comunicación. SANTO DOMINGO PENITENTE MONTAÑES- SIGLO XVII

175. CATEDRAL SEVILLA ESCULTURA RELIEVE La Cieguecita " por sus ojos entornados Obra de marcada elegancia y delicadeza, de la que derivarán las innumerables inmaculadas que crearan otros reconocidos artistas como Alonso Cano y Murillo. LA CIEGUECITA MONTAÑES- SIGLO XVII

176. Fue creador de un lenguaje sereno y clásico que transmitiría a toda la escuela andaluza y que contrasta con el apasionamiento y mayor dramatismo de la escuela de Valladolid Las esculturas de carácter religioso realizadas podían tener como fin bien la participación en cortejos procesionales o bien su finalidad podía ser la decoración interior de una iglesia, Las esculturas podían ser individuales o formando parte de retablos. San Francisco de Borja, Iglesia de la Anunciación de Sevilla

177. Se trata de una figura de vestir. El maniquí, recubierto de oscuras telas encoladas en el siglo XIX, está concebido para lucir sotana, manteo u ornamentos sagrados en las solemnidades litúrgicas. Sus facciones se hacen eco de los retratos conocidos de San Ignacio. Con sentida y penetrante mirada contempla la cruz que porta en su diestra, atributo iconográfico que sustituye a la custodia-ostensorio original. SAN IGNACIO IGLESIA ANUNCIACION -SEVILLA.