Este documento presenta información sobre la vida y obra del guitarrista y compositor paraguayo Agustín Barrios Mangoré. En 3 oraciones:
El documento describe la vida de Mangoré, desde su nacimiento en Paraguay en 1885 hasta su formación musical y sus giras internacionales como guitarrista virtuoso. También resume su importancia como compositor, creando más de 300 obras que combinaban estilos clásicos y populares de Latinoamérica. Finalmente, destaca que a través de su música, Mangoré logró transmitir la cultura e identidad
Las distintas culturas folkloricas de la Argentina, divididas por zonas. Cada zona caracterizada por sus costumbres, sus ideas, sus festejos, instrumentos típicos. Power Point desarrollado por una docente del Área Artística para motivar a sus alumnos
Las distintas culturas folkloricas de la Argentina, divididas por zonas. Cada zona caracterizada por sus costumbres, sus ideas, sus festejos, instrumentos típicos. Power Point desarrollado por una docente del Área Artística para motivar a sus alumnos
ORGANOLOGÍA DE LOS INSTRUMENTOS MUSICALESSergio Pulido
el artículo describe la familia de los instrumentos musicales que contiene la orquesta sinfónica , tomando en cuenta sus características en cuanto a fabricación, color de sonido entre otras.
El presente artículo es el resultado de una investigación que tuvo la finalidad de compilar información amplia y relevante de uno de los géneros musicales, el pasillo ecuatoriano que constituye el mejor referente de la música de nuestro país. Este trabajo incluye una breve síntesis de sus orígenes, características, evolución y de sus más representativos compositores e intérpretes a lo largo del tiempo.
ORGANOLOGÍA DE LOS INSTRUMENTOS MUSICALESSergio Pulido
el artículo describe la familia de los instrumentos musicales que contiene la orquesta sinfónica , tomando en cuenta sus características en cuanto a fabricación, color de sonido entre otras.
El presente artículo es el resultado de una investigación que tuvo la finalidad de compilar información amplia y relevante de uno de los géneros musicales, el pasillo ecuatoriano que constituye el mejor referente de la música de nuestro país. Este trabajo incluye una breve síntesis de sus orígenes, características, evolución y de sus más representativos compositores e intérpretes a lo largo del tiempo.
LIS 704: Ready Reference Instruction for Emily Post's EtiquetteKristen Gravelin
This is a ready reference presentation intended for library patrons on how to use the print version of Emily Post's Etiquette: Manners for a New World, 18th Edition.
Scanning the landscape by Ryan Rosauro for Mindanao Leg of Philippine Press Institute Seminar on Environmental Reporting at Almont Inland Hotel, Butuan City
A CONTRIBUIÇÃO DE JOSEFINA ROBLEDO PARA A HISTÓRIA DO VIOLÃO DE
CONCERTO NO BRASIL
Resumo: Na história do violão não raro surgem personagens que se identificam
como pontos de referência em relação as tensões e resoluções que são parte da
construção do instrumento enquanto fato social. No Brasil, essa construção recebe a
contribuição fundamental da violonista espanhola Josefina Robledo, que através de sua
performance e atuação didática estabelece as bases sobre as quais se construirá a
prática violonística no século XX. Tomamos como base comprobatória, os artigos
publicados em revistas e jornais da época, que relatam sua importância enquanto
formadora cultural.
Apresentação para Comissão de RH do SETCEPAR - 2017Dórian Bachmann
Apresentação feita em 15.03.17 para a Comissão de RH do SETCEPAR sobre o uso de indicadores na gestão de pessoas e alguns aspectos das pesquisas de clima.
Gracias a un amigo Paraguayo, he realizado una corrección ortográfica. La música romántica se llama “guarania” sin acento en la “i”. El resto de la presentación no cambió
Más información en:
http://www.universidadpopularc3c.es/index.php/actividades/conferencias/event/2665
Ponente: Dña. Luisa María Sarabia Castelló, Profesora de Música IES Antonio López
Tema: Conferencia sobre la música profana española en la época de Cervantes.
Fecha: 11 de noviembre de 2016
Lugar: Universidad Popular Carmen de Michelena de Tres Cantos.
Descripción: En las obras de Cervantes, en particular en el Quijote, la música ocupa un lugar destacado, aunque no más que el que tienen otras actividades humanas por él descritas “con agudeza y sobrado entendimiento”.
Un aspecto importante es la total ausencia de la actividad musical catedralicia o religiosa en general, la cual en ese momento estaba a la altura de la de los grandes centros musicales europeos. Desde el siglo XVI, los compositores y cantores españoles habían estado en contacto con la actividad musical de los italianos, y a finales del siglo XVI, momento de apogeo de la contrarreforma, el mundo musical catedralicio español era uno de los más refinados de Europa.
Sin embargo, Cervantes decide darle voz a otra música, esa que hoy llamamos popular.
En ese momento esto no resultaba totalmente nuevo en la literatura española, pues desde finales de la Edad Media hubo autores que se preocuparon por la cultura con la que “gente de baja y vil condición se alegra”, tal como comentaba el Marqués de Santillana
Así como conoce el trato y maneras de los venteros y prostitutas que don Quijote encuentra a diario, o como retrata vivamente ademanes e indumentaria de labradores, bachilleres, rufianes y curas, el narrador discurre sobre música, músicos e instrumentos.
Cervantes dice:
Donde hay música no puede haber cosa mala.
Meng Su - site
(...)
Meng Su’s performances and recordings have impressed the public with “an ability and artistry that exceeds her years.” (Baltimore Sun) Her debut duo CD “Maracaípe” received a Latin Grammy nomination for the titled piece, which was dedicated to the Duo by renowned guitarist/composer Sergio Assad. Their second CD, “Bach to Tan Dun,” a "must-listen" according to composer Tan Dun, has been widely noted for the world-premiere recording of his “Eight Memories in Watercolor.” A recording in trio, “China West,” with Maestro Barrueco and the Beijing Guitar Duo was released in May 2014 to critical acclaim. Meng Su’s debut solo recording “Meng,” released in 2016 was called “awe-inspiring” and “this year’s finest debut by far” by Classical Guitar Magazine. (...)
https://www.mengsu.com
The successful duo of Raphaela Gromes and Julian Riem continues to enrich the Romantic
chamber music repertory with more and more new ideas and new arrangements, including
the three encores featured in the present release: two are compositions by the “Romantic
Titans” Schumann and Brahms, while the third is by the hugely talented Clara Wieck, who
later married Schumann and became a close friend of Brahms.
Sebastião Tapajós – Visões Do Nordeste (1986).pdfalfeuRIO
SEBASTIÃO TAPAJÓS
Sebastião Tapajós é paraense de Santarém, onde, aos 9 anos, começou a tocar violão. Mas foi em Lisboa, em 1964, que se formou pelo Conservatório Nacional de Música. Também estudou em Madrid com Emílio Pujol e diplomou-se no Instituto de Cultura Hispânica.
Desde 1965 vem realizando concertos principalmente nos Estados Unidos, Argentina, Áustria, Dinamarca, Noruega, Itália, França, Espanha, Japão, Alemanha e Holanda, além de extensas tournées pelo Brasil. O público e a crítica o aplaudem e admiram por seu toque suave e preciso, por sua maneira personalíssima de externar as emoções contidas nas ricas manifestações populares e folclóricas de seu país, ao lado da delicadeza com que interpreta os clássicos do repertório internacional.
Com cerca de 30 discos gravados, Tapajós tem acumulado prémios, especialmente na Alemanha, onde se apresenta todos os anos. No Brasil, seu disco Romanza lançado pelo selo LArt — foi considerado um dos melhores instrumentais de 1984.
(Trecho do encarte)
Brasil Guitar Duo - Zanzibar, A Música de Edu Lobo.pdfalfeuRIO
Mauro Ferreira , blog Notas Musicais
Quinta-feira, 18 de abril de 2013
Obra de Edu Lobo ganha tom camerístico no toque do Brasil Guitar Duo
Em texto reproduzido no encarte do segundo CD do Brasil Guitar Duo, Zanzibar - A música de Edu Lobo, ninguém menos do que Edu Lobo elogia a musicalidade e o virtuosismo da dupla de violonistas formada por Douglas Lora e João Luiz. Trata-se do aval mais importante que o Brasil Guitar Duo poderia receber, pois em Zanzibar - disco finalizado em 2012, cinco anos após a edição do antecessor Bom partido (2007) - os violonistas dão tratamento camerístico a 13 músicas do cancioneiro do compositor carioca. Sem trair o requinte harmônico original de temas como Frevo de Itamaracá (Edu Lobo, 1970) e Nego maluco (Edu Lobo e Chico Buarque, 1993), o Brasil Guitar Duo dá sua visão da obra de Lobo com arranjos de João Luiz, feitos sob a produção de Guilherme Oliveira. Editado pela Guanabara Records, o CD Zanzibar alinha no repertório músicas como Corrida de jangada (Edu Lobo e Capinam, 1967), Quase sempre (Edu Lobo e Cacaso, 1979) e Valsa brasileira (Edu Lobo e Chico Buarque, 1988). Biscoito muito fino!
http://www.blognotasmusicais.com.br/2013/04/obra-de-edu-lobo-ganha-tom-cameristico.html
Russian pianist Anna Vinnitskaya came to public attention with a couple of major prizes late in the 2000s decade and has since made several recordings of technically fearsome repertory from the early 20th century. If you're the type who likes to skip straight to the action scenes, sample the fireworks of "Scarbo," from the suite Gaspard de la nuit, where it becomes clear that Vinnitskaya has all the technical equipment that could be desired. But she has also developed interpretive charisma to go along with the technical mastery. Hear how artfully the pedal is used in the opening phrases of "Scarbo" to deepen the response of the low piano utterances to the difficult repeated-note figures. In Miroirs, composed several years earlier, Vinnitskaya never bogs down in technical detail and achieves a real sense of the mystery contemporary listeners must have heard in these pieces: the insistent tonal stasis of "Oiseaux tristes," the transfigured Spanish style of Alborada del gracioso, the slightly surreal La Vallée des cloches. Naïve's engineers, working at the Jesus Christus Kirche in Berlin, capture the full range of a recording with a remarkable dynamic spectrum, as compelling in its quiet moments as it is in the fireworks. Highly recommended.
JAMES MANHEIM, AllMucic
Saint-Saëns, Offenbach Review by James Manheim
The graphics for this Deutsche Grammophon release show the young Franco-Belgian cellist Camille Thomas having a good time (with cello) in various European locations, and they capture the feel of the whole. Thomas states as her goal "to create a disc that would be filled with joy, emotion, and youth," and she hits this on the mark with tuneful music from start to finish. Saint-Saëns is conventionally in the "classical" sphere and Offenbach in the "light," but here they seem to go together naturally, and Thomas finds some unusual works to boot. Saint-Saëns himself arranged his Suite for cello and piano, Op. 16, for orchestra, and it's a sparkling, tuneful work. And if all you know of Offenbach is the famed Can-Can, sample the Introduction, Prière, et Boléro for cello and orchestra, Op. 22, for more tunes that you'll be humming after the disc or hard drive has finished spinning. With some nice bonus pieces from guest artists, this is an album that inhabits a youthful spirit rather than trying to scale the heights out of the box. Played with conviction, and highly recommended.
https://www.allmusic.com/album/saint-saëns-offenbach-mw0003104200
Christian Scott a Tunde Adjuah - Stretch MusicalfeuRIO
Por TIAGO FERREIRA, Na Mira do Groove
É difícil traduzir o termo Stretch Music. A acepção tem a ver com ‘expansão musical’, som que se estende e ultrapassa limites. Mas, onde isso deve chegar quando se fala em termos artísticos?
Apesar de dar título ao seu disco mais recente, Christian Scott explicou o que realmente significa este termo há três anos, quando lançava o álbum duplo Christian aTunde Adjuah (2012), que marcava sua mudança de nome. Eis o que significa o termo ‘stretch music’, segundo o trompetista disse ao Village Voice:
“Se você olhar para o jazz da forma que foi criado, 100 anos atrás, foi a primeira fusão musical de todas as culturas. Harmonia e ritmos do oeste africano, então houve a mistura com a Diáspora, e todas essas outras influências. O que fazemos com ‘stretch music’ é essencialmente a mesma ideia; é apenas uma atualização, separada por um século”.
De uma coisa Scott está certo: fusão musical é algo tão antigo no jazz, que colocar isso como novidade soaria herege.
Como, então, isso se dá, em pleno século XXI? Partindo do pressuposto musical de que, em seu novo disco, a abertura musical e estilística é um amálgama.
Continua em... https://tinyurl.com/2p92hvem
Nelson Freire: Heitor Villa-Lobos / KlavierwerkealfeuRIO
"Uma das principais características da cultura latino-americana é o elemento "mestiço", a mistura da herança europeia e da tradição indígena (com a influência étnica da África desempenhando um papel adicional na área do Caribe). O compositor Heitor Villa-Lobos personifica esse aspecto "mestiço" desde as suas origens: nasceu em 1887, filho de um espanhol radicado no Brasil e de uma índia. Já começou a compor aos doze anos; ao mesmo tempo, tocava violoncelo em cafés e teatros suburbanos. A partir de 1905, ele começou a colecionar canções folclóricas de maneira metódica. Parecia tão natural para um brasileiro incorporar a música folclórica em seu próprio trabalho criativo quanto para os húngaros Bartók e Kódaly. Villa-Lobos, no entanto, também estudou avidamente os desenvolvimentos musicais europeus mais recentes. "
Brasileiro: Villa-Lobos & Friends, com Nelson FreirealfeuRIO
UMA VIAGEM AFETIVA: NELSON FREIRE INTERPRETA MÚSICA BRASILEIRA
Não foi por acaso que o Brasil entrou no século XX com uma constelação de pianistas notáveis - bastando mencionar Guiomar Novaes (1894-1979), Antonieta Rudge (1885-1974) e Magda lena Tagliaferro (1893-1986). Do último quartel do século XIX em diante, uma importante escola de piano desenvolveu-se no país, por um lado no Instituto Nacional de Música do Rio de Janeiro, e de uma forma especial em São Paulo, através de Luigi Chiaffarelli (1856-1923), considerado por Arthur Rubinstein um professor do calibre de lsidore Phillipp em Paris ou de Ferruccio Busoni em Berlim. Nelson Freire pode traçar uma descendência em linha direta dessas duas tradições, especialmente a de Chiaffarelli, por intermédio, na sua infância, de sua professora Lucia Branco, e pelo relacionamento e forte amizade que desenvolveu com Guiomar Novaes.
O repertório escolhido por Freire para este CD abrange música brasileira para piano, composta nos cerca de sessenta anos entre 1890 e o imediato Pós-Guerra. Esta seleção - em torno de obras compostas por Villa-Lobos entre 1919 e 1940 - apresenta composições de outros compositores importantes, desde a geração mais velha representada por Alexandre Levy, Henrique Oswald e Barrozo Netto, - passando pelos contemporâneos de Villa-Lobos, Lorenzo Fernández e Francisco Mignone -, até a geração mais nova de Camargo Guarnieri e Claudio Santoro. Este repertório, composto ao longo de três gerações de músicos preocupados com a consolidação de uma autêntica música brasileira, é em muitos aspectos comparável em qualidade, senso do colorido, originalidade rítmica e profundo conhecimento do instrumento, ao repertório para piano composto pela escola espanhola, entre as gerações de Isaac Albéniz e a de Federico Mompou.
Cartola entre amigos: os lindos sambas do Mestre da Mangueira lembrados aqui por Dona Neuma, Nelson Sargento, seu Aluísio Dias, Padeirinho, Nuno Veloso, Creusa, Cláudia Savaget, Nadinho da Ilha, Monarco, Doca da Portela, Paulo Marquês – vozes nem sempre mangueirenses, mas todas cantando como se estivessem reunidas no quintal da casa do Divino (como o apelidou Lúcio Rangel) e de sua querida Zica, ela com as trempes e panelas fumegando a carne-seca e o feijão preto incomparáveis, a Mangueira engalanada em verde-e-rosa para escutar “os lindos sambas do Cartola”. E todos – à exceção de Festa da Penha – absolutamente inéditos, o que dá a esta produção um caráter absolutamente original.
Produção Fonográfica Funarte/INM/Divisão de Música Popular
Assistente de Produção Artística: Marília T. Barboza da Silva
Produção Executiva: Júlia Peregrino
Pesquisa Musical: Marília T. Barboza da Silva e Arthur L. de Oliveira Filho
Arranjos: João de Aquino
Técnico de som e mixagem: Harley
Auxiliar de estúdio: Celso
Gravação e Montagem: 31 de outubro, 1, 3, 4 e 5 de novembro de 1983
Estúdio: Rancho Studio (Rio de Janeiro, Brasil)
Corte: Américo
Prensagem: Gravações Elétricas S/A
Ilustração: Lan
Projeto Gráfico: Paula Nogueira
Produção Gráfica: Departamento de Editoração da Funarte
Fonte: Funarte
Reunião de gravações do violonista japonês Shin-Ichi Fukuda feitas pelo selo chinês Poloarts. O repertório é basicamente de músicas espanholas onde encontramos os clássicos de Francisco Tárrega, Isaac Albeníz e de músicas tradicionais que já tem a assinatura de Miguel Llobet nos arranjos. Destaque para as composições do brasileiro João Pernambuco nas músicas "Sons de Carrilhões" e "Pó de Mico".
"La Catedral", clássico de Agustín Barrios é apresentado pelo violonista também japonês Kazuhito Yamashita.
• Recording debut of the 22-year-old virtuoso Chinese pianist Yuja Wang
• Since her professional debut in 2005 Yuja has given astonishing debuts in almost every major US city and continues with a substantial tour throughout 2009
• Yuja has stepped in for Radu Lapu and Martha Argerich in major concerto appearances, and wowed audiences and the press alike
• This album highlights not only her technical brilliance but also musical subtlety
"The arrival of Chinese-born pianist Yuja Wang on the musical scene is an exhilarating and unnerving development. To listen to her in action is to re-examine whatever assumptions you may have had about how well the piano can actually be played."
—— The San Francisco Chronicle
"Charmingly slight of build, Miss Yuja seated herself demurely at the piano, then proceeded to blow the roof off Strathmore’s Concert Hall with a massive yet insightful attack on the piece…Her speed and control were dazzling, her tone full and rich, her mastery of the composer’s wicked passage work nearly perfect. Not yet 21, she seems already destined to become one of this century’s major talents."
—— The Washington Times
"To hear Ms. Wang, an artist so extravagantly gifted on every front, is to realize how much compromise is usually involved in hearing even the most impressive virtuosos."
—— The San Francisco Chronicle
http://www.arkivmusic.com/classical/album.jsp?album_id=211571
Brazilian Landscapes conta com os dois pilares da composição, Antônio Carlos Jobim, o maior criador de canções da música popular e Heitor Villa-Lobos, o maior compositor da música erudita brasileira. Tanto Jobim quando Villa-Lobos sempre buscaram no clássico e no popular respectivamente o enriquecimento de suas criações. O Maestro Villa-Lobos estava muito à frente de seu tempo e sempre acreditou que na música folclórica do Brasil estavam os fundamentos sobre os quais baseou toda sua criação. Ao contrário, Jobim sempre buscou no Maestro muitos elementos para sofisticar suas canções. Temos uma via de mão dupla que foi gerando uma terceira: música popular com os matizes e refinamentos da música erudita ou, música clássica com as liberdades de improviso rítmico-harmônico-melódico da música popular. Estes “pilares” influenciaram várias gerações de compositores até os jovens de hoje, aqui muito bem representados. (Paulo Bellinati)
Concerto pra Piano e Orquestra em Formas Brasileira nº2
01. I. Modinha
02. II. Ponteio
03. III. Maracatu
André de Leão e o Demônio de Cabelo Encarnado
04. 1º quadro (Andante con motto)
05. 2º quadro (tempo di marcia)
06. 3º quadro (Scherzo)
07. 4º quadro (andante ma non troppo)
08. 5º quadro (andante sostenuto)
09. 6º quadro (finale in modo di romanza)
Pietro Maranca, piano
Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo
Eleazar de Carvalho, regente
São Paulo, 1982
Villa-Lobos, Ripper, Gomes - A Night of Classics from BrazilalfeuRIO
Villa-Lobos
Concerto para violão e pequena orquestra
01 I. Allegro preciso
02 II. Andantino e andante - Cadenza
III. Allegretto non troppo
Bachianas Brasileiras nº3, para piano e orquestra
03 I. Preludio (Ponteio)
04 II. Fantasia (Devaneio)
05 III. Ária (Rodinha)
06 IV. Toccata (Picapau)
João Guilherme Ripper
07 Rio São Francisco - Imagem Sinfônica
Carlos Gomes
08 'Ah! Se tu sei fra gli angeli' (Fosca)
09 'Quando nascesti tu' (Lo Schiavo)
10 The Love Duet (Il Guarani) Fabio Zanon, violão
Linda Bustani, piano
Claudia Ricitelli, soprano
David Curry, tenor
Young Musicians Symphony Orchestra
James Blair, regente
After Dreams, and the Bach Cello Suites, two recordings that enjoyed both critical and public acclaim, Ophélie Gaillard turns here to Robert Schumann’s Cello Concerto and the complete music for cello and piano of Franz Liszt. The result of this juxtaposition of two worlds, those of two composers of great sensitivity, is a programme captivatingly combining passion with an expression of the mysteries of life. Once again we see the eclecticism that Ophélie Gaillard has always shown. For the Schumann Concerto, this brilliant young cellist is accompanied by the National Radio Orchestra of Romania (which has played with the likes of Yehudi Menuhin, David Oistrakh, Martha Argerich and Mstislav Rostropovich), under the young conductor Tiberiu Soare (a favourite of the singer Angela Gheorghiu).
Schumann, who took up the cello at one time, attains an expressive maturity in his Concerto that enables him to bring out all the warmth and sensuality of the instrument, which he presents in an orchestral setting of admirable depth. For the second part of the programme, Ophélie Gaillard is joined by the fine pianist Delphine Bardin (winner of the coveted Clara Haskil Prize). These pieces show the soberness and bold language that characterise Liszt’s late works. He had tamed his virtuosity considerably by then and his harmony shows him breaking away more and more from tonality (Liszt declared to an astonished Vincent d’Indy that ‘he aspired to do away with tonality’). They also immerse us in surprising environments, sometimes haunting, sometimes very bleak – a world of subtle emotions just waiting to be discovered!
http://flac.st/ophelie-gaillard-schumann-liszt-201224bit-flac/
ficha técnica
direção musical: canindé guará
produção fonográfica e direção artística: cacau arcoverde
produção executiva: ilnete porpino
técnicos de gravação: paulinho marciano e jota marciano
mixagem: jota marciano, cacau arcoverde e canindé guará
estúdio: studium produções
músicos
voz: mestre severino
pau furado (zambê)/chama: mestre severino
coco de roda mestre severino: mestre severino, bel, ed, ilnete, lilian, mariana e paula
O jongo é uma forma de expressão afro-brasileira que integra percussão de tambores, dança coletiva e práticas de magia. No Brasil, o jongo consolidou-se entre os escravos que trabalhavam nas lavouras de café e cana-de-açúcar, no sudeste brasileiro, principalmente no vale do Rio Paraíba. Trata-se de uma forma de comunicação desenvolvida no contexto da escravidão e que serviu também como estratégia de sobrevivência e de circulação de informações codificadas sobre fatos acontecidos entre os antigos escravos por meio de pontos que os capatazes e senhores não conseguiam compreender.
O Jongo no Sudeste foi registrado como Patrimônio Cultural Brasileiro em 15 de dezembro de 2005. Além dos grupos de São Paulo – Jongo de Quilombolas (Guaratinguetá), Jongo de Piquete (Piquete), Jongo Mistura da Raça (São José dos Campos), Jongo Dito Ribeiro (Campinas) – abrange também grupos nos estados de Minas Gerais, Rio de Janeiro e Espírito Santo. O reconhecimento do Jongo como Patrimônio Nacional faz parte do Programa Nacional de Patrimônio Imaterial (PNPI).
Texto del catálogo de la exposición de esculturas exentas “Es-cultura. Espacio construido de reflexión”, en la que me planteo la interrelación entre escultura y cultura y el hecho de que la escultura, como yo la creo, sea un espacio construido de reflexión. Ver los documentos: vídeo de presentación, imágenes de las obras, fichas técnicas y títulos en inglés, alemán y español en:
Consultar página web: http://luisjferreira.es/
Obra plástica de la exposición de esculturas exentas “Es-cultura. Espacio construido de reflexión”, en la que me planteo la interrelación entre escultura y cultura y el hecho de que la escultura, como yo la creo, sea un espacio construido de reflexión. Ver los documentos: vídeo de presentación, texto de catálogo, fichas técnicas y títulos en inglés, alemán y español en:
Consultar página web: http://luisjferreira.es/
Fichas técnicas de las obras de la exposición de esculturas exentas “Es-cultura. Espacio construido de reflexión”, en la que me planteo la interrelación entre escultura y cultura y el hecho de que la escultura, como yo la creo, sea un espacio construido de reflexión. Ver los documentos: vídeo de presentación, texto de catálogo, imágenes de las obras y títulos en inglés, alemán y español en:
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1. REPÚBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA
FUNDACIÓN CONSERVATORIO VICENTE EMILIO SOJO
BARQUISIMETO
AGUSTÍN BARRIOS, EL INDIO MANGORÉ
Cátedra: Historia de la Música
Latinoamericana
Alumnos: Rafael Poleo P.
C.I. No. 639.253
VIII semestre
Febrero 2005
2. Indice
Introducción .....................................................................................................3
La Guitarra Latinoamericana ...............................................................................4
Mangoré el Hombre ...........................................................................................6
Mangoré el Artista .............................................................................................8
Mangoré y la música de J.S. Bach ...................................................................11
Mangoré en Venezuela .....................................................................................11
La muerte de Mangoré .....................................................................................14
Conclusiones ..................................................................................................16
Bibliografía .....................................................................................................18
3. Introducción
Hablar de la guitarra en Latinoamérica es hablar de Agustín Barrios Mangoré,
pues sin la presencia de este insigne paraguayo en la vida de ese instrumento tal vez
la historia hubiese sido otra. Su triunfo es definitivo en todos los escenarios donde
actuó; los críticos más exigentes lo compararon a Segovia como intérprete y como
creador lo juzgan precursor, comparándolo con Chopin; además introdujo en la
guitarra un virtuosismo que le acerca a Paganini.
Hablar de Agustín Barrios Mangoré es hablar de un artista de genio, de una
personalidad excepcional que rebasando los límites de su tiempo, trascendió las
fronteras de la cultura universal por el camino de la música guitarrística culta y
popular. Una de las figuras paradigmáticas más notables de la cultura paraguaya
contemporánea en la esfera de la creación artística de su espacio natal. La vida y obra
de Agustín Barrios Mangoré representan en el universo de la música, lo que es el arte
por de la colectividad paraguaya; el arte que mejor expresa el carácter de este pueblo.
Hasta hoy nadie olvida su figura elegante, bohemia y su extraordinaria
personalidad de artista. Todos exclamaban a su paso: "Allá va el gran Mangoré!".
Todavía su música es interpretada con entusiasmo y devoción por los mejores
intérpretes de ese instrumento maravilloso que es la guitarra, causando éxtasis y
admiración entre los oyentes. En todos los países que visitó dejó una huella que en
muchos casos la causó con su sola presencia, como en Antonio Lauro y su decisión de
estudiar guitarra.
3
4. La Guitarra Latinoamericana
Para no extendernos tanto retrocedamos hasta el siglo XVIII; en éste, Italia fue
indiscutiblemente el centro de la guitarra, pero en el siguiente surgirían otros centros
guitarrísticos como Francia y en especial Alemania, donde se estima que los músicos,
cansados del uso del laúd –que hasta llegó a tener 24 cuerdas- comenzaron a usar la
guitarra que era un instrumento más noble. Esto permitió que este instrumento se
expandiera por otros países del este de Europa como Holanda, Bélgica, Polonia,
Checoslovaquia, y Rusia. A finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX la guitarra
española se convirtió en un instrumento en boga en todo el continente europeo.
El paso más grande que se dio en el siglo XVIII fue la adición de la sexta
cuerda, supuestamente añadida por Jacob Otto de Jena, aunque que probablemente ya
era usada en Italia. Muchos fueron los factores que permitieron el desarrollo de la
guitarra en el siglo XIX: los cambios sociales a causa de la Revolución Industrial y las
mejoras en los medios de transporte como los trenes, entre otros. Entre los
exponentes de la escuela del expresionismo español están Fernando Sor (1778-1839),
y Dionisio Aguado (1784-1849). La historia de la guitarra moderna llega a su cumbre
con la figura de Francisco Tárrega (1852-1909), un connotado guitarrista y creador de
la escuela moderna. Sus innovaciones se basaron en el posicionamiento de las manos
y los dedos y la manera de pulsar las cuerdas. Tárrega y sus discípulos dieron
particular énfasis al uso de la mano derecha. Las transcripciones de Tárrega de la
música de Bach, Beethoven, Mozart, Haydn y compositores españoles como Albéniz y
Malats mostraron las grandes posibilidades del instrumento.
El origen de la guitarra en Latinoamérica se ubica en el siglo XV y principios del
XVI, cuando en cumplimiento de las órdenes dadas por los Reyes Católicos a Cristóbal
Colón, los conquistadores debieron introducir por primera vez una pequeña guitarra de
4
5. cuatro órdenes dobles (la que luego de varias "mutaciones" daría origen al cuatro
venezolano): "Asimismo deben ir, algunos instrumentos e músicas para pasatiempo de
las gentes que allá han de estar".
Durante el siglo XX el desarrollo del estudio y la práctica de la guitarra fue
especialmente notable en Latinoamérica, la afición se extendió visiblemente
multiplicándose las escuelas y los profesionales de este instrumento. Este auge tal vez
se debió a que la guitarra se convirtió en el instrumento inseparable de las danzas,
canciones y poemas populares ya fuera en Cuba, Venezuela, Perú, México o Argentina.
Una característica de la mayoría de los grandes guitarristas clásicos
latinoamericanos fue que, al margen de su formación académica y de la producción
que les llegaba de los Maestros europeos, se preocuparon con verdadera pasión de
transcribir, arreglar, interpretar y dar a conocer la riqueza de la música popular de sus
respectivos países, a la vez que de componer nuevas obras de una riqueza
incomparable. Así lo hicieron Antonio Lauro, Alirio Díaz, Rodrigo Riera, Leo Brouwer y
Agustín Barrios Mangoré. Pero no solo se trata de la élite guitarrística conocida
internacionalmente, pues son innumerables los músicos de cada uno de los países
latinoamericanos, con mayor o menor formación académica, que han ampliado el arte
de la guitarra con sus composiciones claramente enraizadas en las formas musicales
populares.
5
6. Mangoré el Hombre
En el segundo libro del registro de Bautismos de la Parroquia de San Juan de las
Misiones, se conservan los datos de su nacimiento, consignados por el Rvdo. Padre
Nicolás Pésole: “El veintitrés de Mayo de 1885, yo, el infrascrito Cura de esta parroquia
de San Ignacio de las Misiones, bauticé solemnemente a AGUSTIN PIO que nació el
cinco del corriente, hijo legítimo de Doroteo Barrios y de Martina Ferreira. Fue padrino
Ceferino Leguizamón de que doy fe”. Este es uno de los tantos documentos de valor
rescatados de los registros paraguayos, cuya publicación en su momento, permitió
aclarar acerca de la nacionalidad de Agustín Barrios.
Su padre Doroteo, era un aficionado de la guitarra, además de contar con una
vasta biblioteca que era visitada por los lugareños. Su madre, Doña Martina se
desempeñaba como educadora en una escuela de niñas, además de ser aficionada al
teatro. Por estas razones, no es difícil deducir de donde le viene a pequeño Agustín su
interés por la música y otras disciplinas, que veremos más adelante. En efecto,
algunos testimonios afirman que desde los siete años ya improvisaba melodías en la
guitarra. Se dice también que cada uno de sus 7 hermanos tocaba un instrumento
musical.
A los 13 años fue discípulo del maestro argentino Gustavo Sosa Escalada (1877-
1943), quien desde el comienzo vio en su joven alumno al genio que trascendería muy
pronto la vida cultural paraguaya. Sosa Escalada lo inicia entonces, en las técnicas de
Fernando Sor y Dionisio Aguado; en poco tiempo ya estaba interpretando piezas de
Francisco Tárrega. Los vaticinios de Sosa Escalada y la legítima consagración que hizo
de los méritos de su alumno genial, fueron confirmados e incluso ampliados. Pronto
es reconocido como niño prodigio y recibe una beca del Colegio Nacional en Asunción,
donde además de música se destacaría en matemáticas, periodismo y literatura.
6
7. Barrios también estudia caligrafía, siendo además un talentoso artista gráfico; amaba
la cultura, diciendo una vez: "Una persona no puede ser un guitarrista sin haberse
bañado en la fuente de la cultura". Además de español, hablaba Guaraní, la lengua
nativa de Paraguay, entendía francés, inglés y alemán.
En estos primeros tiempos su virtuosismo contribuyó a mantener en segundo
plano su condición de compositor. Andrés Segovia, contemporáneo de Agustín Barrios,
fue su admirador, comentador y amigo; aunque algunos historiadores insisten en
afirmar que entre ellos existía una rivalidad y enfrentamiento, jamás existieron según
lo prueban las cartas del propio maestro español a su colega paraguayo. Sus virtudes
de gran observador, su espíritu analítico y reflexivo y la enorme facilidad que tuvo para
adquirir conocimientos lo llevaron a atesorar sabiduría y otras habilidades. Aparte de la
música, gustaba de la literatura, la ópera y el teatro. Su cultura le hacía dar calidad y
universalidad al verso. Así en ellos, cantó a la mujer amada, a la patria, a la madre, a
la niña de ojos azules, a la guitarra y a tantos motivos propios de esa América de sus
sueños. Baste leer uno de sus trabajos poéticos:
EL BOHEMIO
Cuán raudo es mi girar! Yo soy veleta
Que moviéndose a impulsos del destino
Va danzando en loco torbellino
Hacia los cuatro vientos del planeta.
Llevo en mí el plasma de una vida inquieta
Y en mi vagar incierto, peregrino,
El Arte va alumbrando mi camino
Cual si fuera un fantástico cometa.
Yo soy hermano en gloria y en dolores
De aquellos medievales trovadores
Que sufrieron romántica locura.
7
8. Como ellos, también, cuando haya muerto,
! Dios solo sabe en qué lejano puerto
Iré a encontrar mi tosca sepultura!
También realizaba caricaturas con la espontaneidad y la perfección con las que
tocaba la guitarra.
Mangoré el Artista
Para muchos sociólogos, el arte tiene el deber social de captar y dar salida a las
tensiones y angustias de una colectividad a través de los mitos y de los símbolos. El
artista que no albergue en el fondo de su corazón los sentimientos de su época no
puede, en rigor, ser considerado como tal. El artista es siempre un intérprete, un
mediador de estas pulsaciones colectivas, un creador de las formas simbólicas
(llámense música, pintura o escultura, por ejemplo) que se condensan y vibran en el
corazón de la realidad. El arte es la realidad misma y el artista contribuye al
enriquecimiento y densificación de la cultura.
Mangoré supo imantar las cuerdas de acero de su guitarra para identificar con
su obra el destino de su pueblo. Agustín Barrios fue ese artista en su máxima
expresión: un hechicero de la guitarra, un profeta, un precursor, cuyo arte brotó y
cautivó innumerables guitarristas produciendo sucesores dignos de su herencia
singular y de su inspiración.
La trayectoria de Agustín Barrios siguió un rumbo que llevó al mundo la imagen
del Paraguay. Era todo un personaje, pero al margen de sus extravagancias personales
y de la curiosidad de que tocara la guitarra con cuerdas de metal, es considerado como
el mejor compositor de la primera mitad del siglo XX. Musicalmente era un gran
8
9. improvisador y un gran virtuoso que combinaba con deliciosa creatividad la finura de
las composiciones barrocas, románticas y clásicas con la música popular paraguaya y
latinoamericana. Según varias historias se dice que muchas piezas las improvisaba de
manera espontánea, a veces en pleno concierto. Compuso más de 300 obras para
guitarra; lamentablemente muchos de los manuscritos se han perdido. En su música
podemos apreciar una gran creatividad e inspiración combinada con un gran
conocimiento técnico de la capacidad armónica de la guitarra. Gran parte de su
música se caracteriza por ser de carácter folclórico, imitativo y religioso. Compuso
preludios, estudios, valses, mazurcas, tarantelas, romanzas, etc. y muchas piezas
onomatopéyicas. Barrios también interpretaba gran cantidad de música popular, y
muchas de sus composiciones se basan en cantos y danzas de toda América Latina
como: la cueca, el choro, la milonga, el pericón, tangos, zambas y zapateados.
Entre sus obras más importantes en orden cronológico encontramos: Souvenir
d’un Revé (Un Sueño en la Floresta) (1918), Romanza en imitación al violonchelo
(Pagina d’Album) (1919), Mazurca Apassionata (1919), La Catedral (1921), Preludio en
Sol (1921), Valses Op. 8 (1923), Danza Paraguaya (1924), Choro de Saudade (1929),
Julia Florida (1938), Una Limosna por Amor a Dios (1944).
Para Cayo Sila Godoy1
(1919- ), Barrios no fue solamente un afortunado
intérprete de la música clásica. La parte más importante de su personalidad de artista
radica en el hecho de que supo sentir y expresar la peculiaridad íntima de la música
americana sin recurrir a fáciles recursos de efectos o de postura. Augusto Roa Bastos,
de la revista Exégesis de Paraguay, recuerda en su artículo Agustín Barrios, el
Precursor, las palabras escritas por Cayo Silva Godoy:
1
En el rescate de la obra de Mangoré, el maestro Cayo Sila Godoy fue pionero incansable, a la
vez que reivindicador de su memoria.
9
10. En su instrumento resonaba ciertamente la expresión de lo que la guitarra
trae vivo desde su remoto origen por el cauce más nuevo de la sangre española.
Era pasmosa su facilidad de captación folclórica. Barrios nunca quiso ni pudo
disimular la nostalgia que en sus andanzas sentía por su tierra. Y esta nostalgia
fue quizás una de las más dolorosas compañías de su vida.2
Además de Paraguay, Barrios vivió en Argentina, Uruguay, Brasil, Venezuela,
Costa Rica, y El Salvador. Dio continuamente conciertos en Chile, México, Guatemala,
Honduras, Panamá, Colombia, Cuba, Haití, República Dominicana y Trinidad, desde
1906 hasta su muerte. Entre los años 1934-1936 viajó a Europa, tocando en Bélgica,
Alemania, España e Inglaterra. En 1932 estando en Venezuela, un amigo le escribe el
nombre al revés: Nitsuga; Barrios le gusta la idea y lo combina con Mangoré. Empezó
entonces a llamarse "Nitsuga Mangoré", el Paginini de la guitarra de las selvas del
Paraguay. Nitsuga (Agustín escrito al revés) y Mangoré por un legendario jefe Guaraní
que peleó ante la conquista española.
La historia de MANGORÉ es la siguiente: según cuenta la tradición, Mangoré era
el cacique de los timbués. Se enamoró perdidamente de Lucía
Miranda, esposa de Sebastián Hurtado. Para conquistarla
Mangoré atacó a los españoles, perdiendo la vida en la acción.
Siripo, hermano de Mangoré, para vengar su muerte, raptó a
Lucía a quien no pudo doblegar. Hurtado, el esposo, a su vez
efectuó una acción de castigo, con mala suerte, pues cayó
prisionero de los timbués. Siripo le perdonó la vida a instancias
de Lucía, con la condición de que ésta se case con él y Hurtado con cualquier india. Así
sucedió. Pero un día una vieja los pilló juntos y Lucía fue quemada viva y Hurtado
asaetado.
2
ROA BASTOS, Augusto. Agustín Barrios, el Precursor. Revista Exégesis. Consultado el 19 de
enero de 2005. http://cuhwww.upr.clu.edu/exegesis/ano9/v26/a24.htm
10
11. Barrios fue el primer artista en grabar música para guitarra de forma comercial
en discos de 78 r.p.m. Muchas de sus obras sólo sobreviven en estas grabaciones que
datan de años anteriores a 1910 y otros cuantos entre 1912 y mediados de 1920.
Entre 1922 a 1929 grabó para el sello Odeón, hoy EMI, de Buenos Aires y de San
Pablo. El catálogo incluye temas como Danza Paraguaya, Acomquija de la suite
andina, Madrigal, y la hermosa melodía de La Catedral. También abordó a grandes
clásicos como el Minueto de Beethoven, el Capricho Árabe de Francisco Tárrega y
Traumerei de Robert Schumann.
Mangoré y la música de J.S. Bach
Agustín Barrios (1885-1944) fue un gran admirador de la obra de J. S. Bach, y
a su paso por Berlín, como prueba directa de ello se convirtió en el primer concertista
de guitarra que interpretó una suite completa de Bach en una trascripción propia del
laúd para la guitarra: la Suite para Laúd Nº 1. Esta labor lo lleva a un mejor
entendimiento de la función armónica-contrapuntística y a una gran habilidad técnico-
compositiva del estilo barroco a través del lenguaje personal de Bach. El dominio del
contrapunto adquirido a través de los modelos bachianos se palpa claramente en su
obra La Catedral, una de sus más logradas creaciones; también podemos encontrar la
influencia del barroco bachiano en sus Preludios en do menor y en el Op. 5 No. 1 en sol
menor.
Mangoré en Venezuela
“Por aquellos días pasó por Venezuela Mangoré, hizo un programa de radio y lo
escuché y no llegué a creer nunca que aquello fuera una guitarra, porque yo creía que
la guitarra era solamente para hacer esto (rasguea la guitarra), nada más que eso,
cuando escuché las posibilidades del instrumento, la belleza de su sonido, de su
11
12. timbre, etc., pregunté "¿qué instrumento es ese. . .?" Me dijeron "eso es una guitarra
y ese es Mangoré", entonces me enamoró…”
Estas palabras pertenecieron a nuestro insigne guitarrista y compositor, Antonio
Lauro (1917-1986), en una entrevista concedida al periodista y escritor mexicano,
Juan Helguera en la ciudad de La Habana, Cuba en 1978, con ocasión de celebrarse en
esa ciudad el Primer Encuentro de Guitarristas de América Latina y del Caribe.
Lauro confiesa que inicialmente se había inscrito en clases de piano con uno de
los mejores formadores de pianistas de Venezuela de aquella época, Salvador
Llamosas. “Lo que me pasó a mí al escuchar a Mangoré es lo que debe haberle pasado
a muchos compositores que querían dedicarse a la composición de gran orquesta; al
escuchar la guitarra deben haberse sentido atraídos por ella, y una vez, que uno entra
en el mundo de la guitarra es difícil salirse”.
Esta anécdota, por demás interesante ha sido traída a colación porque es una
de las tantas que se pueden contar de Agustín Barrios a su paso por Venezuela, donde
también vivió un tiempo. En 1936 regresando de Europa, viene directamente a
Venezuela, donde da más de veinte conciertos, éxitos que no ha sido superado hasta
hoy por otro guitarrista. Su influencia entre guitarristas venezolanos también tocó al
poeta Andrés Eloy Blanco (1897-1955) quien le dedicó el poema que dibuja el
significado de Agustín Barrios Mangoré para la guitarra, para Paraguay, para América.
Qué poeta mataron en Estero Bellaco
O en Lomas Valentinas,
Qué hondo poeta davídico,
Para haber transmigrado así
A las manos de este indio?
Qué diría ese joven guerrero guaraní
Cuando encontró en unas breñas
12
13. Por lados de Guaté,
Una guitarra abandonada?
Cómo le dio vueltas en sus manos,
Sin saber lo que era aquella cosa desnuda?
Qué voz le llamó al fin del hueco de la caja
Y cómo se le hizo música entre los dedos?
Buena réplica, la mejor
Réplica que se dado a la Conquista:
Mangoré:
Por todo lo que España le quitó a
Monctezuma,
Por todo lo que quitó a Atahualpa,
El Guca Mangoré
Le ha quitado a España la Guitarra
Y ha hecho de ella una península
De su corazón
Una colonia de su alma.
Qué suena allá bajo?
Guerra? Guerra?
Paraguay? Bolivia?
Se van a matar los hombres por la tierra?
De quién es el Chaco Boreal?
Oh, Guerreros,
El Chaco, vasto y sonoro y profundo
Y en Ñe´embuku y el Orinoco y el Vichada
Y toda la conciencia india del Continente
Son de este indio que los tiene
En el hueco de su guitarra.
No preguntéis de quiénes son las tierras
De América,
Hacedlas vuestras como este indio
Las hizo suyas sin tocarlas
13
14. Y gozad del milagro del que pudo meter
A toda América en el corazón de una guitarra.
En una de sus giras musicales por el estado Lara, Mangoré toca en la ciudad de
Carora. Por aquella época el guitarrista y compositor larense Rodrigo Riera (1923-
1999) era un niño que limpiaba zapatos en Barrio Nuevo. Riera se jactaba de haberle
limpiado los zapatos al gran Mangoré, y haber escuchado uno de sus famosos
conciertos, aunque lo hizo a través de las puertas del teatro, pues no tuvo el dinero
suficiente para pagar la entrada.
La muerte de Mangoré
Dentro de su genialidad, pareciera que los grandes creadores presienten su
muerte. Francisco Tárrega escribió 16 compases maravillosos de la obra titulada
Oremus, quince días antes de su muerte, los cuales como Mozart con el Réquiem,
nunca ejecutó. Y Mangoré dejó su última composición sin nombre alguno, pero con la
plena conciencia de que era una de sus más excelsas creaciones: El Gran Trémolo.
Uno de sus más delicados escritos son los trémolos. Trabajados a la perfección
como en Un sueño en la floresta, o en Contemplación, Barrios buscando dar aún mayor
variedad a ese estilo de composición, introdujo pausas en la ejecución del trémolo.
Lo más novedoso en esta pieza es el manejo temático del bajo en las bordonas,
como una fórmula rítmica repetida constantemente, mientras se suceden insensibles y
bellas modulaciones. Esta pieza es única por su grandeza melódica y armónica. Esta
obra es también mal conocida como Una limosna por el amor de Dios, y fue compuesta
en junio de 1944 (dos meses antes de su muerte), y es considerado un verdadero
réquiem de un genio que veía cercano su fin, y lo expresó diciendo: "La inspiración de
esta obra nació libre de la influencia de este mundo."
14
15. El 7 de agosto de 1944, Agustín Barrios Mangoré reclama la presencia de un
sacerdote, con quien habla largamente, mientras en la casa se hacía música de
guitarra. Barrios entonces les dice: “No temo al pasado, pero no sé, si podré superar el
misterio de la noche”. Al promediar la tarde deja de latir su corazón y rodeado de sus
alumnos y su esposa Gloria, muere uno de los más grandes artistas que tuvo América.
15
16. Conclusiones
Revisemos algunas frases pronunciadas acerca de la figura de Agustín Pío
Barrios, el Indio Mangoré.
”Agustín Pío Barrios fue el más grande compositor de guitarra de todos los
tiempos”. Estas palabras fueron pronunciadas por John Williams a quien Andrés
Segovia llamaba “El Príncipe de la Guitarra”.
En su biografía “Seis rayos de plata: vida y tiempo de Agustín Barrios Mangoré”,
Richard D. Stover especula que Segovia debió sentir lástima de Barrios. Quince años
más tarde, en Santiago de Compostela, Segovia declararía a un grupo de estudiantes
que “Barrios era un hombre que trataba de destruirse a sí mismo, pero no podía a
causa de su genio”. Lo que Segovia ignoraba es que Barrios inspiraba fervor en sus
seguidores y una reciprocidad amorosa por parte de su público. Al día siguiente de su
muerte, que ocurrió el 7 de agosto de 1944, “la gente del Mercado Central de San
Salvador detuvo sus actividades en silencioso homenaje a Mangoré” cuando vio pasar
la procesión funeraria.
Se dice que Mangoré escribió la pieza El sueño de la muñequita estando en
Costa Rica; se supone que Barrios se encontraba en la habitación de un hotel
estudiando, cuando de pronto una niña toca la puerta y le dice que por favor haga
silencio porque va a despertar a su muñeca; Mangoré le dijo que no se preocupara,
que él haría silencio... Minutos después el maestro de maestros compuso ese
maravilloso vals.3
3
Sabías que… Curiosidades. [Homepage]. Consultado el 12 de enero de 2005
http://www.iespana.es/guitarreando/curiosidades.htm
16
17. José Antonio Galeano4
en un artículo titulado Barrios popular, de la revista
Punto de Encuentro, dice: "Barrios demuestra que para los creadores auténticos, para
los patriotas genuinos, no son necesarios versos encendidos y nacionalistas, muchas
veces lisonjeros y, por obvios, pocos felices".
A modo de epílogo se puede decir que Mangoré se mantuvo a espaldas de las
vanguardias musicales, no le interesaron el impresionismo ni el serialismo, tampoco
incursionó en la composición orquestal, ¿Qué resultados tendríamos, si Barrios hubiera
estudiado a Debussy o a Schonberg? ¿Cuál sería la sorpresa, si hubiera encarado la
orquestación? Estas interrogantes no tienen respuestas pues Agustín Barrios Mangoré
fue un guitarrista a tiempo completo y es por ello que extendió las técnicas de ese toro
de seis cuernos como decía García Lorca al referirse a la guitarra, y es en esta faceta
que podemos encontrar sus aportaciones originales.
4
GALEANO, José A. Barrios popular. Punto de Encuentro. Editorial Verbo Divino. Bolivia
17
18. 18
Bibliografía
BOETTNER, Dr. Juan Max. (1956). Música y músicos de Paraguay. Por Autores
Paraguayos Asociados (APA). 296. Pág. (Extracto).
GALEANO, José A. “Barrios popular”. Punto de Encuentro. Editorial Verbo Divino.
Bolivia
Sabías que. Curiosidades. [Homepage]. Consultado el 12 de enero de 2005 http://
www.iespana.es/guitarreando/curiosidades.htm
ROA BASTOS, Augusto. Agustín Barrios, el Precursor. Revista Exégesis. Consultado el
19 de enero de 2005. http://cuhwww.upr.clu.edu/exegesis/ano9/v26/a24.htm
Breve Recordación. FA-RE-MI, Revista Artística Paraguaya [Homepage]. http://www.
musicaparaguaya.org.py/breve.html.
Agustín Barrios Mangoré. El Poder de La Palabra. [Homepage]. http://www.epdlp.com
/compclasico.php?id=952
Agustín BARRIOS MANGORÉ. WWW.DELCAMP.NET. [Homepage]. http://www.
delcamp.net/auteurs/es/5_moderne/barrios_es.html